EXPOSIÇÕES

A exposição apresenta 21 fotografias raras e inéditas de Pelé, capturadas entre os anos de 1957 e 1970. Uma viagem ao tempo e uma celebração do legado do maior craque do futebol brasileiro e mundial. As imagens vintages, originalmente adquiridas de acervos particulares, revistas de época e, especialmente vindas do extinto jornal Última Hora, representam uma verdadeira jóia não somente para os amantes do futebol e do esporte, mas também para colecionadores e entusiastas da história do jornalismo esportivo do Brasil e da fotografia brasileira. Nunca antes apresentadas ao público, a edição dessas cópias únicas tem um recorte estético, extra campo, com momentos marcantes da carreira do Rei no período de ouro do futebol nacional. São cenas de jogos do Brasil contra a União Soviética, Tchecoslováquia, Alemanha, três dos principais rivais do Brasil nas décadas de 1960 e 1970. Também uma série de 4 fotografias com as marcações características das ‘radiofotos,’ que eram transmitidas por meio de ondas de rádio. Uma do Rei em visita ao Papa Paulo VI no Vaticano, a outra descansando em Guadalajara, México, após a conquista do tricampeonato. Além do ineditismo, chama a atenção o acesso irrestrito que os fotógrafos tinham aos craques nos campos e em momentos íntimos. Outras trazem interferências à caneta sobre as fotos, recurso usado para melhorar o contraste na hora da impressão.

Exposição individual da artista Anna Bella Geiger. A primeira mostra da artista em um museu judaico apresenta um conjunto de cerca de 60 obras, entre gravuras, vídeos, objetos e fotografias documentais. Com curadoria de Priscyla Gomes e Mariana Leme, a mostra se organiza em cinco grandes eixos: espaços, criação-proposição, linguagem, desterritorialização-transposição e imaginação política.A mostra abarca séries emblemáticas de diferentes períodos – de 1962 a 2025 – tendo como destaque as que exploram a cartografia, o trânsito e as passagens. É a partir dessas séries que a ideia de limiar é investigada, sendo os atravessamentos e as transposições noções centrais na produção da artista.

A exposição se apresenta como uma homenagem ao centenário da artista Hannah Brandt, completados em 2023. Com curadoria de Ruth Tarasantchi, a individual propõe um mergulho na trajetória da obra de Brandt, cuja produção consistente explora as possibilidades da gravura. Estão presentes temas como paisagens brasileiras, letras do alfabeto hebraico e outros elementos recorrentes em sua obra. O conjunto de 30 obras, selecionadas diretamente de seu ateliê, inclui parte do acervo doado ao museu após sua morte, em 2020, consolidando-se como a maior coleção dedicada à artista.

Coincidindo com o calendário da 36ª Bienal de São Paulo, a Galeria Marcelo Guarnieri apresenta, O Turista Aprendiz ”, exposição de Maureen Bisilliat que reúne grande parte do material original apresentado na Sala Especial “O Turista Aprendiz” na 18ª Bienal de São Paulo em 1985: o filme “Decantando as Águas - O Turista Aprendiz Revisitado” e cerca de 130 fotografias que foram feitas por Maureen Bisilliat e ampliadas sob a supervisão de Thomaz Farkas.

A Casa Triângulo apresenta Campo de batalha: Antonio Henrique Amaral 90 anos, segunda exposição individual do artista na galeria, em uma dupla homenagem que marca seus 90 anos de nascimento (24 de agosto de 1935) e os dez anos de sua morte (24 de abril de 2015). Com curadoria de José Augusto Ribeiro, a mostra oferece uma visão panorâmica da produção do artista paulista através de cerca de 50 obras, entre desenhos, gravuras e pinturas, criadas entre 1957 e 2011.O título Campo de batalha faz referência a uma série emblemática que o artista produziu entre 1973 e 1976, composta principalmente por pinturas e desenhos que encerraram um período em que o ele se concentrou na figuração de bananas. Iniciada em 1968, essa fase artística constituiu uma resposta crítica à situação geopolítica do Brasil, então sob influência dos Estados Unidos no contexto da Guerra Fria e sob ditadura militar, implantada após o golpe de Estado de 1964, também apoiado pelo país norte-americano.Na série Campo de batalha, as frutas, que já vinham aparecendo nas obras amarradas ou suspensas por cordas, começam a surgir cortadas, atravessadas por dentes de garfos e despedaçadas, às vezes ao lado de facas. A violência toma, assim, o lugar da irreverência e do sarcasmo nessa produção, marcando uma evolução significativa no modo como o artista representava suas bananas e, por extensão, sua crítica política.

A exposição itinerante World Press Photo 2025, que apresenta os vencedores do 68º Concurso Anual, chega a São Paulo. Este ano, a mostra, que reúne o melhor do fotojornalismo, traz 42 projetos vencedores que refletem os temas mais urgentes da atualidade: política, gênero, migração, conflitos armados e a crise climática, reunindo histórias captadas por fotógrafos de 31 países. Entre os premiados, estão três profissionais brasileiros: Amanda Perobelli, André Coelho e Anselmo Cunha. O Brasil também ganhou protagonismo na lente de profissionais internacionais, o mexicano Musuk Nolte com imagens da seca na Amazônia e Jerome Brouillet com a foto do atleta olímpico Gabriel Medina. Em 2025, as imagens documentam desde protestos e levantes em países como Quênia, Myanmar, Haiti, El Salvador e Geórgia, até retratos inesperados de figuras políticas nos Estados Unidos e na Alemanha.

A primeira exposição individual de Tania Ximena (Hidalgo, México, 1985) no Brasil, apresentada na sala de vídeo, investiga as complexas relações entre humanidade, natureza e ciclos de transformação do planeta. A artista constrói narrativas que atravessam tempos geológicos e históricos, conectando formas de vida animadas e inanimadas, naturais e espirituais, manifestas em minerais, vegetais, animais, céu, terra e água. Por meio de imagens que combinam registros documentais, intervenções espaciais e fabulações poéticas, Ximena reflete sobre os impactos da ação humana no meio ambiente, apresentando a paisagem como protagonista de processos decisivos. Em sua obra, a paisagem não é apenas território ou recurso a ser explorado, mas um agente ativo que possibilita a existência humana.

A exposição apresenta cerca de 930 itens adquiridos desde a década de 1960 por Tina e Calito Azevedo Moura. Entre móveis, utensílios domésticos, ferramentas de trabalho, fotografias e materiais gráficos, os objetos foram produzidos por imigrantes europeus no sul do Brasil entre a segunda metade do século 19 e o início do século 20. A coleção representa o imaginário social e o dia a dia de imigrantes alemães e italianos e revelam aspectos pessoais do universo doméstico de pessoas que buscavam construir uma nova vida. As obras conjugam as lembranças, as técnicas e os costumes trazidos pelos imigrantes de sua terra natal, de um lado, e as condições e materiais que encontraram na terra de adoção, de outro.Passando por questões como habitação, religiosidade, marcenaria e culinária, os objetos apresentados denotam como uma mesma tipologia de artefato pode ter diferentes feições, carregando aspectos afetivos e emocionais. Trata-se de uma escolha dos colecionadores, que optaram por valorizar o trabalho manual contrapondo-se à lógica industrial de produção de peças idênticas em massa.

A galeria apresenta a coletiva The Fabric of Being, com curadoria de Larry Ossei-Mensah, reunindo trabalhos de Antonio Társis, Brooklin Soumahoro, Esther Mahlangu, Lidia Lisbôa, Moffat Takadiwa, Rubem Valentim, Sarah Zapata, Sidney Amaral e Sonia Gomes — artistas situados no Brasil, África do Sul, Zimbábue, Inglaterra e Estados Unidos. Mais do que obras permeadas por afinidades formais, na mostra "a abstração se torna uma estratégia para o envolvimento mais profundo — um meio de acessar histórias, sentimentos e futuros frequentemente relegados às margens das narrativas dominantes". São trabalhos que entrelaçam memórias e gestos visuais transitórios, em contraponto à ideia de uma identidade fixa.

Na sua quinta individual na Zipper Galeria, Biastiário: matriz das malícias, Fernando Velázquez aprofunda sua pesquisa com inteligência artificial ao integrar os eixos: opós-humano, o pós-orgânico e o pós-ecológico. O título funde as palavras bias (viés, em inglês) e bestiário — livros medievais que reuniam imagens de criaturas fantásticas usadas como material pedagógico.A mostra propõe um futuro em que biosfera e tecnosfera colapsam, e carne, silício e glitch se tornam indistintos. As imagens, geradas por IA, dialogam com a história da arte esugerem um neoclassicismo reconfigurado, como se fossem vestígios encontrados nas ruínas de uma civilização extinta. Instalada como se fosse uma capela, com imagens cobrindoparedes e teto, a exposição convoca a refletir que novas formas de existência estamosinadvertidamente gerando.

Ivan Grilo apresenta uma exposição que nasce de um ritmorespiratório. Inspirada em uma meditação de Thich Nhat Hanh, a individual não se trata apenas de moradia, mas de um espaço onde a vida se pacifica, uma geografia íntima onde arespiração se assenta.As fotografias que compõem a exposição revelam uma sequência simbólica de contato, ascensão, transcendência e, finalmente, o lar enquanto espaço sagrado e mental. Uma placaem ouro maciço encerra a experiência, provocando uma reflexão sobre o que garante a permanência das palavras, o suporte material ou a sua significação íntima.

A Luciana Brito Galeria apresenta Cem Anos de Waldemar Cordeiro, mostra especial que celebrao centenário do artista ítalo-brasileiro. Múltiplo por vocação, Waldemar Cordeiro redefiniu osrumos das artes brasileira e latino-americana do século 20, inclusive alçando-a para o debateinternacional. A mostra reúne cerca de 25 trabalhos, sendo em grande parte oriundos dapesquisa com computador nos anos de 1960 e 70.

Luciana Brito Galeria apresenta Homem-Natal e outras histórias..., exposição individual do artista brasileiro Rafael Carneiro. A mostra, que acontece no Pavilhão anexo da galeria, reúne um conjunto de 10 pinturas inéditas, realizadas como um desdobramento da pesquisa do artistaem torno dos materiais. O título refere-se a uma das poucas pinturas figurativas da mostra, além de fazer uma alusão à literatura, considerando que cada pintura conta sua história, assim como os contos literários. O texto crítico é assinado pelo pesquisador e curador José Augusto Ribeiro.

Janaina Torres Galeria apresenta a individual inédita ‘A vida interior das plantas de interior’, do artista visual e pesquisador Daniel Jablonski. Em formato de instalação, a exposição transforma a galeria em um estúdio fotográfico situado “fora do tempo”, integrando elementos dos séculos 19 ao 21, como tapetes persa, adereços cênicos, equipamentos fotográficos e uma planta estabilizada em laboratório. A obra toma por objeto deflagrador duas imagens bastante conhecidas, mas pouco estudadas da iconografia do Brasil Império: retratos oficiais de Dom Pedro II e de Thereza Cristina, realizadas pelo portugês Joaquim Insley Pacheco em 1883, em que os monarcas figuram ao centro de elaborados cenários vegetais. Estas imagens, que apontam para a ideia do Brasil como um vasto império florestal, foram desconstruídas e retrabalhadas por Jablonski.

A Flexa, em parceria com a Claraboia, abre sua primeira exposição em São Paulo, “Construção no Vento”, com curadoria de Luisa Duarte, expografia de Daniela Thomas e texto de Julia de Souza.Em ensaio ao redor de Mira Schendel, Nuno Ramos associa a obra da artista ao que nomeia “construção no vento”. A coletiva toma o paradoxo do título enquanto imagem propulsora, fazendo-a ressoar em três eixos: “Gestos mínimos”, “Ativar o vazio” e “Paisagens rarefeitas”.

Céus e estrelas descrevem o cenário onde nasceu Santídio Pereira, no estado de Piauí, em que a escassez de luz artificial revelou universos reais e imaginários para a obra do artista. A nova exposição que ocupa a galeria Estação traz dois conjuntos de obras que se diferenciam entre si, mas se conectam pelos modos de pensar e fazer a arte. De um lado, xilogravuras alusivas a céus – que incluem noites estreladas, constelações, galáxias e o cosmos – apontam para a visão do infinito, enquanto, de outro, as criações em guaches e xilos se solidificam na esfera terrena, com figurações de bromélias assentadas no ambiente concreto.A mostra, com curadoria de José Augusto Ribeiro, reúne trabalhos realizados no mesmo período, de janeiro a junho de 2025.

A galeria apresenta uma mostra do pintor, escultor e desenhista italiano-alemão Ernesto de Fiori. A individual conta com cerca de 35 obras, entre pinturas, esculturas e desenhos dentre as mais significativas realizadas durante o período em que o artista viveu no Brasil. Ernesto de Fiori elevou sua voz contra os horrores da guerra. Se engajou na Primeira Guerra Mundial, em 1915, e atuou como correspondente de um jornal italiano. Com a expansão do nazifascismo ao longo das décadas de 1920 e 1930, atingindo seu auge no Reich Alemão, o artista repudia veementemente o regime e, em 1936, é obrigado a abandonar a Alemanha Nazista, e se refugia no Brasil, com intenção de seguir para os Estados Unidos. Mas acabou permanecendo em terras brasileiras até sua morte, em 1945, período em que concentrou sua produção artística mais na pintura do que na escultura. Em suas obras, destacam-se contrastes criados por técnicas variadas, como pinceladas rápidas ou diluídas em solvente, e o uso de instrumentos dentados, entre outras.

A Almeida & Dale apresenta uma panorâmica dedicada à obra do artista mineiro Raymundo Colares (1944-1986), sob curadoria de Ligia Canongia. Reunindo mais de 40 obras, entre pinturas, guaches e os emblemáticos Gibis, livros-objetos que convidam o público a se envolver com os trabalhos tridimensionais a partir do manuseio de suas folhas coloridas que se desdobram, a mostra marca o retorno do artista à capital paulista após um hiato de 15 anos sem exposições individuais na cidade. Figura singular da arte brasileira dos anos 1970, Colares criou uma linguagem própria, marcada pela fusão entre referências construtivistas e elementos da cultura urbana e popular. O ônibus, ícone recorrente em sua produção, sintetiza esse cruzamento. Nas telas, a carroceria se desdobra em formas geométricas e cortes abruptos que evocam velocidade, fragmentação e fluxo, temas centrais em seus trabalhos.

Exposição individual da artista Ana Amorim, que ja expôs no MAC USP em diversos momentos desde os anos 1990, quando primeiro expôs seus mapas mentais no museu. A artista apresenta um corpo de trabalho baseado num exercício sistemático de registro do tempo e do espaço.

“Pop Brasil: vanguarda e nova figuração, 1960-70” é a maior exposição da Pinacoteca em 2025, reúne 250 obras de mais de 100 artistas, proporcionando uma visão abrangente sobre a arte do período.A mostra se divide em temas que remontam aos grandes acontecimentos do período, como o surgimento da indústria cultural, a ruptura democrática e transformações sociais de diversas ordens.Na Pinacoteca, “Pop Brasil” comemora ainda os 10 anos do comodato da Coleção Roger Wright e o importante acervo de obras dos anos 1960 e 1970.

A galeria apresenta uma seleção de trabalhos de Waltercio Caldas, importante da arte conceitual brasileira. A mostra conta com texto curatorial de Giulia Baitz.

A Casa Seva, espaço dedicado à arte contemporânea e ao diálogo entre cultura e sustentabilidade em São Paulo, apresenta a exposição “Eclosão de Desejos", individual da artista Lívia Moura VAV, realizada em parceria com a Galeria Inox. A mostra reúne pinturas, bordados e experimentações materiais criadas a partir de pigmentos naturais colhidos pela própria artista e lãs processadas por mulheres da Cooperativa da Lã Mulheres Rurais da Montanha.

A exposição individual de Emmanuel Nassar revisita quatro décadas da produção do artista paraense. Com texto crítico de Victor Gorgulho, a mostra apresenta obras criadas desde a década de 1980 até trabalhos inéditos, traçando um panorama instigante da produção de Nassar. São pinturas, objetos e peças da série Trapioca que representam o vocabulário visual construído pelo artista ao longo de quatro décadas. A exposição ressalta a posição singular — quase paradoxal — que Nassar ocupa na arte brasileira, ao articular signos das culturas populares e de massas do Norte do Brasil a vertentes como a pop arte e o concretismo.

Mika Takahashi apresenta a individual “Noctiluca”, composta por pinturas que transitam entre a ciência e a ficção. Em telas marcadas por gestualidade, camadas sobrepostas e transparências, a artista evoca formas de vida e relações simbióticas entre espécies. A mostra parte da pesquisa da artista sobre bioluminescência e organismos microscópicos para propor um espaço de contemplação, dissolvendo os limites entre o natural e o imaginado.

A exposição reúne nomes de diferentes gerações e contextos — Ana Teresa Barbosa, Carmelo Arden Quin, Eduardo Terrazas, Eamon Ore-Giron, Mano Penalva, Maria Leontina e Olga de Amaral — e aborda temas como pertencimento, migração, práticas artesanais e tensões entre tradição e modernidade. Mas em comum, esses artistas compartilham uma crença profunda na capacidade da arte de imaginar e representar diferentes ideias e modelos de mundo.As obras da mostra percorrem linguagens variadas como pintura, escultura, tapeçaria e outros suportes têxteis, mosaicos e móbiles, explorando escalas que oscilam entre o micro e o macro por meio de abordagens que conectam o terreno ao cósmico, o íntimo à memória coletiva, a tradição à experimentação. Em comum, os trabalhos apresentam vínculos com a abstração, ora geométrica, ora intuitiva, explorando e reinventando alguns dos legados mais fundamentais da modernidade.

A exposição inédita traz a evolução histórica das casas pré-fabricadas, desenvolvida desde o período de reconstrução pós-guerra, abordando a sua história, além de apresentar o morar sustentável sob perspectivas como funcionalidade, conforto e design. Pré-fabricação é um método construtivo em que parte ou todos os componentes de uma construção são produzidos em uma fábrica e, posteriormente, montados no local da obra. A construção de casa pré-fabricada japonesa, que alia o design à otimização dos materiais, possibilitou maior eficiência ao sistema de construção e contribui para uma maior qualidade de vida aos moradores e à comunidade.

Mostra individual do fotógrafo e documentarista Wagner Celestino, artista autodidata nascido na Zona Leste de São Paulo. A exposição reúne registros que destacam e celebram a cultura, a história e a contribuição negra para a construção da identidade cultural paulista.A mostra - que teve sua primeira montagem em 2023 no Sesc 14 Bis - chega ao Sesc Itaquera com a adição de imagens inéditas, realizadas pelo artista na unidade em 1995. Na ocasião, Celestino registrou o encontro de dois grandes nomes do samba: Dona Ivone Lara e Zé Keti. Com curadoria do professor e artista visual Claudinei Roberto da Silva, a exposição reúne 108 obras de grande relevância para a memória da cultura negra e suas diversas manifestações culturais, abrangendo mais de quatro décadas da produção artística de Celestino. Diversas séries produzidas pelo artista ao longo da sua extensa carreira estarão presentes na exposição, como Retratos, Carnaval e Velha Guarda.

A Galeria de Fotos do Centro Cultural Fiesp (CCF), em São Paulo, recebe a exposição “Ta’ãngaa, os indígenas por eles mesmos”, que apresenta 30 fotografias produzidas por 8 artistas indígenas atuantes em diferentes territórios do país.Com curadoria de Richard Wera Mirim e João Kulcsár, a mostra reúne trabalhos de Moara Tupinambá, Edgar Kanaykõ Xakriabá, Richard Wera Mirim, Genilson Guajajara, Gê Viana, Kamikia Kisedje, Denilson Baniwa e Natalia Tupi. As obras são inspiradas por temas como território, memória, ancestralidade, cotidiano e impactos da colonização, propondo uma reflexão sobre identidade e modos de existência dos povos indígenas na atualidade. As imagens revelam vivências pessoais e coletivas, e se apresentam como expressão de luta, pertencimento e continuidade

A exposição Onda Avalanche Vulcão é formada por uma série de fotografias colaborativa de Mauro Restiffe e Maria Manoella.Este novo conjunto de obras apresenta uma exploração sensível da relação entre o corpo humano e a paisagem natural. A série reúne retratos íntimos e eróticos junto a fotografias dos vastos ambientes percorridos pelos artistas, registrando o desejo e o tempo como elementos centrais da criação de imagens. Juntas, essas fotografias estabelecem um diálogo simbólico entre a corporeidade e as forças da natureza.

A exposição Tableau, de Valeska Soares, apresenta obras novas e recentes que exploram temas como ausência, presenças fantasmagóricas, impermanência e erotismo. O título alude à dimensão narrativa do trabalho de Soares, em que cada obra funciona como um fragmento de uma trama maior. O significado permanece aberto à interpretação, mas os enigmas e ambiguidades tecem uma rede de alusões que conectam e aprofundam muitas de suas preocupações conceituais de longa data: as tensões entre visão e som, memória e apagamento, objeto e desejo.

Celebrando os 90 anos de Sonia Andrade [1935—2022], a Superfície apresenta a exposição Situações. Pioneira da videoarte no Brasil, Sonia iniciou sua trajetória em 1970, em meio a um contexto histórico e artístico marcado por intensas transformações. Ao lado de um grupo de artistas interessados no uso de novos meios e comprometidos com a pesquisa conceitual, produziu vídeos de forte carga poética e crítica, que investigam as complexas relações entre produção, circulação, mediação, recepção e comercialização da arte — questões que permanecem relevantes até hoje.

A exposição com curadoria de Tadeu Chiarelli revela um Ismael Nery atual, cujas reflexões sobre o eu e a ambiguidade ecoam no presente. Ismael Nery (1900–1934) atravessou o modernismo brasileiro de modo tão intenso quanto breve. Poeta, pintor, desenhista obstinado e criador de uma filosofia própria — o essencialismo —, sua obra se organiza em torno de uma pergunta central, repetida em diferentes registros: quem sou eu?Essa interrogação aparece de forma insistente nos inúmeros autorretratos que Nery produziu ao longo da vida, nos quais a identidade é posta em jogo como fragmento, deslocamento e recomposição. A busca não é apenas pela imagem do indivíduo, mas pela sua dissolução em pares de opostos: corpo e espírito, sombra e luz, masculino e feminino. Não por acaso, os retratos que fez ao lado de Adalgisa Nery, companheira e musa, sugerem um processo de fusão — como se o casal fosse uma só entidade, ambígua e indivisa.A mostra “Ismael Nery: crônica e sonho”, com curadoria de Tadeu Chiarelli, reúne cerca de 60 obras, entre seis óleos e 56 trabalhos sobre papel — aquarelas, guaches, nanquins e grafites — que percorrem a produção do artista

A Galatea apresenta uma individual da artista Wilma Martins, com obras da emblemática série Cotidiano. Desenvolvida entre 1974 e 1984, é considerada a série mais conhecida da artista. Nela, cenas de interiores domésticos — como salas, cozinhas e quartos — se entrelaçam com rios, plantas e animais, criando composições onde o real e o imaginário se encontram em harmonia. A brancura intimista dos espaços privados contrasta com a vitalidade orgânica da natureza, revelando um olhar poético e silenciosamente subversivo sobre os pequenos gestos da vida cotidiana.A série foi redescoberta na exposição Cotidiano e Sonho, retrospectiva realizada em 2013, com curadoria de seu marido, Frederico Morais, importante crítico e historiador de arte brasileiro.Essa será a primeira exposição dedicada à artista desde a retrospectiva póstuma Wilma Martins: território da memória, realizada em 2023. É, também, a primeira vez em décadas que a série Cotidiano será apresentada em um escopo tão abrangente. A mostra representa uma oportunidade única para revisitar um dos núcleos mais significativos da produção de Wilma, reafirmando a sua importância no panorama da arte brasileira contemporânea.

O artista Deyson Gilbert apresenta em sua individual na galeria uma seleção de colagens e esculturas. A mostra entrelaça as figuras mitológicas de Tânatos e Eros, personificações da morte e do erotismo, respectivamente, num mesmo corpo conceitual. Gilbert apresenta um conjunto de esculturas que desafia o equilíbrio e o gesto invulnerado. Suas peças, de ferro, com encaixes provisórios e montagens arriscadas, expõem umatensão física e formal. Já com as colagens, o artista revisita a tradição geométrica construtivista não pelo campo cromático, mas por meio do corpo de imagens — imagens que dilaceram, provocam, disputam o olhar. Aqui, a figuração e a abstração se enroscam num embate dialético, onde o erotismo e a violência tornam-se indiscerníveis.

A Galatea apresenta a nova exposição individual da artista Gabriella Marinho. Com texto crítico assinado pelo curador Matheus Morani, a mostra reúne obras inéditas, entre esculturas em porcelana e pinturas, que investigam os limites entre espaço e território, a partir de uma abordagem poética e ritualística ancorada nas religiões de matriz africana.A artista costuma ter o barro e a terra como ponto de partida, de um ponto de vista tanto material quanto filosófico. No entanto, esta é a primeira vez que a artista realiza um projeto centrado na porcelana – um material carregado de significados e que, na mostra, dialoga diretamente com a simbologia de Oxalá, importante orixá da cosmologia afro-brasileira, um dos mais antigos do panteão do candomblé, e figura central em sua história pessoal.A exposição destaca uma outra visão do que entendemos por caminho percorrido, enviesando conceitos de espiritualidade e o circular como algo metafórico em nossas vidas, e como isso é tratado nos rituais de matriz afro-brasileira. O título, Rastro luminoso, remete ao caminho percorrido por animais como o caramujo, que secretam muco ao se locomoverem, especialmente em superfícies lisas. O caramujo, inclusive, sendo uma das representações de Oxalá.

Primeira grande exposição institucional da artista Marina Perez Simão, a mostra conta com cerca de 80 trabalhos entre pinturas, aquarelas e cadernos de estudos. Em suas obras, a artista explora luz, cor, textura e movimento, criando composições de forte impacto visual e emocional. Seu trabalho se destaca pela capacidade de envolver os sentidos, resultado de um enfoque sinestésico presente em toda a sua produção. A exposição propõe uma experiência de profunda interação com o público, convidando-o a um mergulho cromático e perceptivo em sua obra.

Frans Krajcberg (Kozienice, Polônia, 1821—2017, Rio de Janeiro, Brasil) foi pioneiro no cruzamento entre arte e ecologia, precursor em dar visibilidade às questões ambientais no território brasileiro. O artista trabalhou a partir de resquícios de troncos, cipós, raízes e madeira calcinada, explorando pigmentos naturais, para produzir obras em que os elementos naturais são a própria matéria de sua arte. Krajcberg provocou uma virada radical nas convenções da escultura, além de desafiar fronteiras entre desenho, gravura e pintura.Krajcberg chegou ao Brasil nos anos 1950, onde desenvolveu seu trabalho como artista. A partir dos anos 1960, passou a viajar à Amazônia e ao Pantanal, coletando resquícios de troncos em áreas de queimadas. Suas preocupações com o drama ambiental tornaram-se indissociáveis de sua arte. Engajou-se em denunciar queimadas e a violência do extrativismo desenfreado, conferindo ao seu trabalho um cunho altamente político

A Galeria Luis Maluf apresenta uma mostra coletiva que parte de uma premissa: "existe uma constelação dentro de cada corpo e também fora dele". Com curadoria de Carollina Lauriano, a mostra reúne seis artistas em torno de um tema que pulsa: como pensar o corpo para além dos seus limites físicos?Pintura, escultura, instalação e imagem se entrelaçam em trabalhos que fazem da arte uma ferramenta para habitar o mundo com mais liberdade ou, pelo menos, com mais perguntas. A mostra propõe deslocamentos. Do olhar. Da linguagem. Da própria ideia de representação. E aponta o corpo como lugar de memória, fricção e possibilidade.A mostra conta com obras de Juliana dos Santos e Flávia Ventura, Ana Neves, Amanda Fahur, Guilherme Callegari e iah’ra.

Exposição individual do artista Paulo Nazareth na sede da galeria. A mostra apresenta-se como uma cartografia das narrativas de Nazareth e de suas linhagens –familiares, divinas e territoriais – que atravessam e são atravessadas por memórias.

Horizonte dourado, primeira individual de Ana Elisa Egreja na Almeida & Dale, tem curadoria de Lilia Schwarcz e apresenta uma série inédita de pinturas de pratos Duralex em composições com peças de jogos americanos, expandindo a investigação da artista sobre os objetos do ambiente doméstico e suas reverberações históricas e afetivas por meio de virtuosas representações de alimentos e dos efeitos do vidro. A mostra reúne, ainda, um conjunto de pinturas com aplicações de folha de ouro, criando diálogos entre a produção da artista e a representação pictórica na história da arte, mais especificamente a do período medieval. São naturezas-mortas e grandes cenas de interior nas quais motivos do cânone artístico e da cultura popular brasileira se misturam.

Seba Calfuqueo, artista chilena de origem mapuche, abre a individual Semilla (Semente em português) na Galeria Marilia Razuk. Uma mostra panorâmica de trabalhos recentes da artista, na qual aborda uma ampla gama de linguagens que atravessam sua produção visual, como as esculturas da série Imagen País, os desenhos da série Florescidas, o vídeo-performance Culpa, as pinturas de Tecnologías de la Imagen e as fotografias da série Esporas e Evocacion al pelo. A mostra é acompanhada de texto crítico de Eugenio Viola.

A Zielinsky apresenta, em sua sede de São Paulo, Entre o traço e o desvio, exposição individual da artista chilena Lotty Rosenfeld (1943–2020). A mostra conta com texto crítico da curadora chefe do Instituto Tomie Ohtake Ana Roman e abrange a trajetória da artista desde o período histórico em que se consolidou como uma das figuras mais engajadas e representativas da arte política e feminista na América Latina, na década de 1970, até suas produções mais recentes.

Primeira individual de Brisa Noronha na galeria. Na exposição, a artista apresenta uma instalação inédita, composta por distintos conjuntos de esculturas feitas em porcelana e arame de latão, além de uma série de pinturas.

Exposição individual da artista portuguesa Leonor Antunes. Na mostra, Antunes dá continuidade à sua pesquisa que estabelece diálogos entre escultura, arquitetura, design e práticas artísticas do século XX, com ênfase em artistas modernistas historicamente negligenciadas.

A Unibes Cultural apresenta ao público a exposição Exteriores, do consagrado fotógrafo brasileiro Bob Wolfenson. Composta por um conjunto de 53 fotografias, de média e grandes dimensões, a mostra apresenta uma crônica visual da diversidade humana, revelando corpos em movimento, expressões passageiras e instantes únicos capturados nas ruas de diferentes cidades ao redor do mundo.Ao longo de cinco décadas de carreira, Wolfenson consolidou-se como um dos maiores nomes da fotografia brasileira, conhecido por seus retratos de personalidades, imagens de moda e produções em estúdio. Em Exteriores, ele percorre o caminho oposto ao controle do ambiente fechado e mergulha na imprevisibilidade do espaço público, de tudo que lhe é “exterior”. O olhar do fotógrafo se volta para o acaso, para o fluxo das cidades e seus habitantes anônimos – pessoas atravessando faixas, distraídas em pensamentos ou em contato breve com a câmera.

O Museu A CASA do Objeto Brasileiro recebe a exposição Xingu: Reflexos Indígenas no Design Contemporâneo, resultado de um processo colaborativo entre a designer Maria Fernanda Paes de Barros, do escritório de design Yankatu, e os artesãos do povo Mehinaku, do Alto Xingu (MT), em uma potente confluência entre o design e os saberes indígenas. A exposição propõe uma imersão do visitante pelo território artístico dos Mehinaku, reunindo objetos tradicionais - como bancos zoomorfos, cestarias e esteiras - e peças inéditas desenvolvidas em conjunto com a designer.

A exposição Laboratório da Cor, idealizada pelo Grupo de Pesquisa Estudos Cromáticos, reúne obras dedicadas à reflexão sobre a cor como elemento fundamental para os novos entendimentos da produção contemporânea em artes. São trabalhos em diversas linguagens e em variados materiais e suportes, onde a cor se manifesta mediante práticas distintas. A curadoria é dos professores Marco Giannotti (USP), Paloma Carvalho (UERJ) e da mestranda pela USP, Julia Hallal.O grupo, criado na Escola de Comunicações e Artes (ECA) da USP, e hoje multiinstitucional, dedica-se ao fomento e à divulgação de pesquisas sobre produções artísticas contemporâneas, resultado de investigações pessoais, de orientações em salas de aula nas instituições envolvidas e na formação de alunos de pós-graduação.

A mostra Flexões de Espaço e da Cor de Marcus Vinícius apresenta três séries que mostram a pesquisa do artista sobre como a cor pode potencializar suas relações e propriedades e encontrar unidade e sentido com a estrutura física da obra.Além da cor, o espaço também é estudado pelo artista que, na feitura das obras, se debruçou sobre os problemas construtivos e suas possibilidades de solução, com novos desdobramentos. Suas obras dialogam com o universo da indústria, sem, no entanto, estarem de todo entregues a ele.

A exposição "Mundo Zira" chega ao Anexo do CCBB trazendo uma jornada interativa e imersiva pelas criações mais celebradas de Ziraldo, com áreas temáticas dedicadas a clássicos como 'Flicts', 'O Menino Quadradinho' e 'A Turma do Pererê'. O percurso da exposição incentiva a criatividade e a imaginação, com um design que mescla painéis projetados e artes gráficas, criando uma imersão total no “Mundo Zira”. Adultos e crianças poderão interagir com o universo fascinante dos personagens, vivenciando de perto histórias inspiradoras da literatura infanto-juvenil brasileira. Além disso, os visitantes são convidados a cocriar e personalizar a arte de Ziraldo, adicionando seu toque individual às composições digitais.

Cálculo para beijar o magma é a exposição inédita da artista mineira Luana Vitra, em São Paulo, na Mitre Galeria. Com texto crítico da pesquisadora Ariana Nuala, a mostra reúne esculturas, desenhos e colagens que observam os limites entre corpo e materialidade. A abertura acontece em plena semana da SP-Arte Rotas, um dos momentos mais pulsantes do calendário das artes na capital paulista.O ferro é o eixo central da pesquisa de Vitra – elemento vital presente no corpo humano, responsável por transportar oxigênio via hemoglobina, e também nas estrelas, que o geram até seu colapso em supernovas ou buracos negros. Em suas mãos, o ferro deixa de ser apenas matéria-prima: torna-se elo entre vida, natureza, ciência e cosmos.Ao mesmo tempo, o material carrega o peso histórico de Minas Gerais, terra natal da artista, onde a mineração, desde o período colonial, estrutura economias e territórios por meio da extração e da violência.

A exposição mescla obras inéditas, releituras e trabalhos consagrados da artista Rivane Neuenschwander. Com curadoria da pesquisadora (Universidade Federal de Pernambuco/UFPE) e jornalista Fabiana Moraes e realização da equipe do IC, a exposição traz trabalhos de diferentes caminhos artísticos e em diferentes mídias, realizados ao longo dos últimos 30 anos. A inspiração trafega entre registros de manifestações diversas captadas por ela em solo firme, no espaço das redes sociais, em sonhos de crianças, em festas folclóricas e em observações subjetivas capturadas em suas andanças pelo país.

A exposição apresenta um acervo inédito de fotografias familiares tiradas majoritariamente pelo povo indigena Paiter Suruí, reunidas e digitalizadas pelo Coletivo Lakapoy. Esse acervo inclui cenas e retratos tirados desde a década de 1970, quando as câmeras chegaram ao território pelas mãos de missionários, mas passaram a ser utilizadas pela população local para registrar seu dia a dia. Além do acervo histórico, a exposição apresenta fotos e vídeos atuais, reforçando o papel da fotografia como importante ferramenta de afirmação dos direitos indígenas.As imagens do acervo histórico estavam armazenadas nas casas das famílias, guardadas em álbuns, caixas e estantes das diferentes aldeias do território indígena, localizado entre os estados de Rondônia e Mato Grosso. Para preservá-las, o Coletivo Lakapoy – grupo formado por comunicadores indígenas, com o apoio de não indígenas, com o objetivo de fortalecer a cultura Paiter Suruí – reuniu, catalogou e digitalizou as fotografias. Em 2021, o projeto foi publicado na revista ZUM e, em 2023, selecionado pela Bolsa ZUM/IMS, de fomento à produção artística. O resultado dessa pesquisa agora se desdobra nesta exposição.

O Brasil é um dos maiores produtores e consumidores de memes do mundo — e agora também é o primeiro país a conceber uma exposição de grandes proporções dedicada a esse fenômeno. “MEME: no Br@sil da memeficação” explora arte contemporânea, cultura digital e crítica social em uma experiência curatorial inédita.A curadoria de Clarissa Diniz e Ismael Monticelli, com a colaboração do perfil de Instagram @newmemeseum, convida o público a explorar a memeficação como um dos modos mais potentes — e irônicos — de narrar o Brasil contemporâneo.A proposta curatorial rompe barreiras entre diferentes linguagens e repertórios culturais, reunindo nomes consagrados da arte contemporânea brasileira, como Anna Maria Maiolino, Gretta Sarfaty, Nelson Leirner e Claudio Tozzi, ao lado de criadores de conteúdo como Porta dos Fundos, Alessandra Araújo, Melted Vídeos, John Drops e Greengo Dictionary.

A obra de Joseca Yanomami (1971, Rio Uxi u, Terra Indígena Yanomami, Brasil) tem como ponto central a tradução da cosmologia yanomami em narrativas visuais, especialmente no desenho, dando corpo às histórias dos tempos ancestrais e às múltiplas dimensões da terra-floresta, conceito que vai além de um espaço físico e une a floresta, os rios, os espíritos, os animais e os humanos em um sistema vivo e interdependente, visível somente aos xamãs. É nessa atmosfera quase onírica que a Almeida & Dale inaugura, Urihi mãripraɨ – Sonhar a terra-floresta, individual do artista com curadoria de Bruce Albert, antropólogo franco-marroquino e autor, junto a Davi Kopenawa Yanomami, dos livros A Queda do Céu (2015) e O Espírito da Floresta (2023).

A Gomide&Co apresenta a exposição Transe, coletiva organizada em parceria com Fernando Ticoulat, que também assina o texto crítico da exposição.Transe reúne artistas de diferentes gerações e abordagens – como Luiza Crosman, Antonio Dias, Rubens Gerchman, Karla Knight, Montez Magno, Cildo Meireles, Mira Schendel, Camile Sproesser, Megumi Yuasa, entre outros –, propondo um percurso que investiga como as práticas artísticas se constituem como meio ativo de reorganização dos sentidos, da linguagem e da percepção. A partir de trabalhos em diferentes linguagens e suportes, a exposição observa como processos técnicos e simbólicos dão estrutura à produção artística e estabelecem vínculos com transformações históricas, culturais e tecnológicas.

Crítico de arte e um dos principais curadores do Brasil, Paulo Herkenhoff ganha uma Ocupação Itaú CulturalMostra atravessa toda a história do capixaba nascido em 1949, que descobriu artistas, detectou tendências e movimentos artísticos, além de formar e ampliar coleções. Entre cerca de 340 peças, a exposição repassa a trajetória e o discurso nada lineares de Herkenhoff, que esboçam sua biografia e se desdobram em três eixos: Publicações, Exposições e Coleções. O ponto alto da mostra reúne os Cadernos de Anotações do curador, célebres na cena das artes visuais. Eles funcionam como ferramentas de planejamento, registro e reflexão do autor, revelando a complexidade e o método de seu trabalho.Nos anos de 1980, o curador brasileiro conheceu a famosa artista franco-americana Louise Bourgeois (1940-2022). Tornaram-se grandes amigos e engataram centenas de horas de conversas. Ele queria gravar as falas dela. Ela pedia que, em vez disso, as escrevesse. Assim surgiram esses cadernos, hoje lendários para quem transita pelo universo das artes visuais.

Muito se sabe sobre os livros escritos por Ailton Krenak e traduzidos nos mais variados idiomas. Poucos conhecem, no entanto, a sua produção poética, os seus desenhos acondicionados em caderninhos com espiral, as pinturas feitas com tinta a óleo, nanquim ou urucum representando a fauna, os rios e os territórios indígenas. Tudo isso é apresentado na Ocupação Ailton Krenak.Primeira mostra dedicada a uma personalidade indígena nesta série iniciada há 16 anos, a Ocupação Ailton Krenak traça o arco da vida até hoje de Ailton Alves Lacerda Krenak, nascido em 29 de setembro de 1953, no município de Itabirinha, em Minas Gerais – então distrito de Itabira –, na região do Vale do Rio Doce. Para isso, ela reúne mais de 90 peças, entre fotos, vídeos – alguns históricos, outros com depoimentos –, recortes de jornais, livros publicados, além dos desenhos, pinturas, poemas clássicos e haicais.É todo um caminho esculpido por Ailton na pauta da defesa dos direitos dos povos indígenas, da justiça socioambiental e da valorização dos saberes ancestrais.

Desde 1990 a proposta do Edital anual Programa de Exposições do Centro Cultural São Paulo tem como premissa principal abrir espaço para a apresentação de novos artistas visuais por meio de edital público. Ao longo de 34 edições, o Edital vem sendo referência no panorama do circuito de arte nacional e a cada ano evidencia novos nomes que emergem na cena artística brasileira contemporânea.O resultado da seleção feita pelo corpo de jurados pode ser apreciado pelo público na presente Mostra do 34º Programa de Exposições do CCSP, composta de 24 exposições individuais simultâneas dos artistas selecionados, sendo: Alan Oju, Aline Bagre, André Felipe Cardoso, Dani Shirozono, Desirée Feldmann, Edu Silva, Elton Hipolito, Estêvão Parreiras, Fefa Lins, Flávia Ventura, Gabriela Sacchetto, Gina Dinucci, Jasi Pereira, João Guilherme Parisi, Lucas Almeida, Luiza Sigulem, Marcel Diogo, Mariana Rocha, Mestre Aécio de Zaira, Nita Monteiro, Pedro Neves, Tetê Lian, tetê e Victor Fidelis.

Renato Larini volta a ocupar o Espaço Zebra com sua nova série na exposição individual Demolidora Iracema, reunindo cerca de 40 obras inéditas. São trabalhos de fotografia expandida sobre lonas, a maioria em grande formato. Fruto de um cruzamento de imagens, memórias e referências culturais que se acumulavam no imaginário do artista, Demolidora Iracema carrega múltiplas camadas: evoca a personagem de José de Alencar, símbolo da pátria-natureza violada; remete à melancolia popular de Adoniran Barbosa; e revela o anagrama de “América”, a “grande demolidora”. Na ficção criada por Larini, essa empresa imaginária não apaga vestígios, mas recupera escombros preservando cicatrizes, assumindo as marcas e rasuras como parte essencial da forma e do conteúdo.

Após apresentar uma seleção de trabalhos no Museu D'Orsay, em Paris, o artista Lucas Arruda inaugura uma nova individual na galeria Mendes Wood DM. O artista continua a explorar na mostra a pintura de paisagens de aspecto contemplativo, como aponta o texto da curadora Pollyana Quintella, que acompanha a exposição: "em tempos de ansiedade crônica e presente beco-sem-saída, sua obra segue suspendendo a dimensão histórica para nos conectar com um tempo fora do tempo, fazendo lembrar que é papel dalinguagem expandir os horizontes negociáveis do possível".

A Casa Bradesco apresenta a exposição “Re-Selvagem –Natureza Inventada”, da artista visual francesa Eva Jospin, reconhecida internacionalmente por criar paisagens imersivas e meticulosas a partir de composições feitas de seda, linho e papelão. A mostra reúne 14 obras de grande escala - entreinstalações, bordados, desenhos e vídeos – e evidencia a pluralidade técnica e simbólica da artista sob a curadoria de Marcello Dantas. Um dos destaques é “Selva”, considerada um dos marcos na trajetória de Jospin, que será exibida pela primeira vez no Brasil.

A exposição Harmony Hammond & Ivens Machado propõe um diálogo inédito entre a obra de Ivens Machado (1942–2015), figura central da arte brasileira dos anos 1970, 80 e 90, e Harmony Hammond (1944), artista estadunidense pioneira do movimento feminista queer nos Estados Unidos. A mostra articula as fronteiras entre corpo, materialidade e política.As obras reunidas – esculturas, pinturas, relevos e fotografias produzidas entre 1973 e 2020 – desafiam categorias formais e empregam elementos “precários”, como concreto, ferro, cordas, gaze e cera.

A exposição apresenta um conjunto de 57 obras pertencentes ao Acervo Sesc de Arte, reunindo produções de artistas autodidatas de diferentes regiões do Brasil. Produzida a partir de uma seleção criteriosa do curador Renan Quevedo, a mostra, que evidencia a relevância da coleção de artes visuais do Sesc São Paulo, inclui pinturas, esculturas, xilogravuras e objetos que revelam a pluralidade e a potência simbólica da chamada arte popular, força criativa marcada pela ancestralidade, pela memória coletiva e pela resistência.

A 36ª Bienal de São Paulo apresenta uma edição conduzida pelo curador geral Prof. Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung com sua equipe de cocuradores composta por Alya Sebti, Anna Roberta Goetz e Thiago de Paula Souza, além da cocuradora at large Keyna Eleison e da consultora de comunicação e estratégia Henriette Gallus. A mostra se inspira no poema enigmático da poeta afro-brasileira Conceição Evaristo, “Da calma e do silêncio”.A proposta central dessa Bienal é repensar a humanidade como verbo, uma prática viva, em um mundo que exige reimaginar as relações, as assimetrias e a escuta como bases de convivência a partir de três fragmentos/eixos curatoriais. A metáfora do estuário – local onde diferentes correntes de água se encontram e criam um espaço de coexistência – guia o projeto curatorial, inspirado nas filosofias, paisagens e mitologias brasileiras. Tal conceito reflete a multiplicidade de encontros que marcaram a história do Brasil e propõe que a humanidade se una e se transforme por meio de uma escuta atenta e da negociação entre seres e mundos distintos.A exposição vem acompanhada, ainda, de uma mudança histórica na organização do evento, que tradicionalmente é realizado de setembro a dezembro. A mostra se estenderá por quatro semanas adicionais, sendo apresentada gratuitamente ao público entre setembro de 2025 e janeiro de 2026.

A exposição PLAY – FITE - Bienal Têxtil de Clermont-Ferrand edição 2024-2025 convida o público para desvendar as tramas de um instigante conjunto de obras e criações que propõe um diálogo entre as técnicas da produção têxtil e o universo lúdico dos jogos e das brincadeiras. A exposição chega ao Brasil após estreia, em 2024, no Museu Bargoin, em Clermont-Ferrand, na França, integrando a mais recente edição da FITE – Bienal Têxtil de Clermont-Ferrand, evento realizado desde 2012 com o objetivo de celebrar o inesperado e o extraordinário na criação têxtil e sua cadeia produtiva, promovendo encontros entre tradições, saberes e inovações. A realização da mostra no Brasil é resultado de uma parceria entre o Sesc São Paulo, a cidade de Clermont-Ferrand, na França, e a produtora HS_Projects, e integra a programação da Temporada França-Brasil 2025, iniciativa bilateral que celebra o intercâmbio cultural, o diálogo social e a cooperação entre os dois países.

A mostra coletiva reúne obras de 25 mulheres artistas do Brasil, da França e de países do continente africano e da diáspora africana.Com curadoria de Odile Burluraux, do Museu de Arte Moderna de Paris, Suzana Sousa, curadora independente angolana, e de Aline Albuquerque, artista visual e curadora com atuação em Fortaleza (CE), a exposição se baseia em valores de autorrepresentação, resistência, memória e invenção de mundos, dando sequência à mostra apresentada no Musée d'Art Moderne de Paris dentro da Temporada África 2020, agora com a inserção de obras de artistas residentes no Brasil.A exposição reúne trabalhos de Aléxia Ferreira, Aline Motta, Ana Pi, Ana Silva, Buhlebezwe Siwani, Castiel Vitorino Brasileiro, Dhiovana Barroso, Eliana Amorim, Fabiana Ex-Souza, Gabrielle Goliath, Gê Viana, Grace Ndiritu, Kapwani Kiwanga, Jasi Pereira, Lebohang Kganye, Lerato Shadi, Lidia Lisbôa, Lucimélia Romão, Pedra Silva, Reinata Sadimba, Senzeni Marasela, soupixo, Stacey Gillian Abe, Terroristas del Amor e Wura-Natasha Ogunji.

A exposição propõe um museu em movimento dedicado ao pensamento do poeta, filósofo e ensaísta martinicano Édouard Glissant (1928–2011). A mostra, com curadoria de Paulo Miyada e Ana Roman, integra a Temporada França-Brasil 2025 como um de seus principais destaques.É nesse horizonte que se apresenta, pela primeira vez no Brasil, parte da coleção pessoal reunida por Glissant e atualmente preservada no Mémorial ACTe, em Guadalupe. À coleção de obras somam-se documentos, cadernos, vídeos e fragmentos de textos e entrevistas de Glissant e um diálogo com trabalhos de mais de 30 artistas contemporâneos das Américas, Caribe, África, Europa e Ásia

A galeria é um espaço de estudo e formação resultante de uma parceria entre a Terra Foundation for American Art e o MAC USP, para que um conjunto da coleção da fundação viesse a São Paulo. São 36 obras selecionadas em diálogo com a pesquisa e as disciplinas de graduação e pós-graduação do MAC USP e sua atuação no Programa Interunidades em Estética e História da Arte (PGEHA USP), a linha de pesquisa em História da Arte e da Cultura do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas da Unicamp, e o Departamento de História da Arte da Unifesp. Além disso, nos próximos dois anos, elas também permitirão criar pontes de interpretação com obras do acervo do MAC USP.A Terra Collection for American Art é uma associação sem fins lucrativos, com sede em Chicago, nos Estados Unidos que, desde os anos 1980, coleciona obras de arte do país e fomenta a pesquisa sobre sua arte. Através de seu Programa Collection- in-Residence, o MAC USP se insere em uma rede de 12 museus universitários internacionais de arte em uma visada crítica sobre a história da arte dos Estados Unidos e suas possíveis articulações com outros países. No caso do Brasil e da proposta feita pelo MAC USP, a seleção de obras partiu das questões já colocadas em outras parcerias da instituição estadunidense com o país.

A Pinacoteca de São Paulo inaugura a exposição Beatriz González: a imagem em trânsito, nas sete salas do edifício Pinacoteca Luz. Com curadoria de Pollyana Quintella e Natalia Gutiérrez, a mostra revisita os mais de 60 anos de carreira da artista, conhecida pelos trabalhos que tecem críticas à história de violência em seu país e reinterpretam obras da História da Arte ocidental. São mais de 100 trabalhos produzidos desde a década de 1960, incluindo peças fundamentais como Decoración de interiores (1981) e Los suicidas del Sisga II y III (1965).

A Pinacoteca apresenta a instalação Dominique Gonzalez-Foerster: Meteorium, no Octógono do edifício Pina Luz. A estrutura foi concebida especialmente para o espaço central do museu, projetando um panorama tridimensional dividido em oito câmaras, com paredes e pisos pintados em referência a elementos da natureza. Com curadoria de Jochen Volz, a artista convida o público a entrar na instalação e reimaginar o entrelaçamento com o meio ambiente.Dominique Gonzalez-Foerster dedica sua prática artística a projetos experimentais, partindo de uma investigação contínua sobre as formas como habitamos o tempo, o espaço e a memória.

Tema do ciclo curatorial de 2025, Histórias da ecologia será uma coletiva internacional que ocupará cinco andares do edifício Pietro Maria Bardi, novo espaço do MASP. Em um contexto marcado pela intensificação de crises climáticas, políticas, territoriais e sociais, Histórias da ecologia investiga como artistas, coletivos e ativistas de diversas partes do mundo respondem ao tempo presente e compreendem as relações entre os seres vivos, suas criações e o meio em que vivem. O termo “ecologia” foi escolhido em detrimento do termo “natureza”, compreendendo o humano como parte de um ecossistema complexo e não separado ou hierarquicamente superior a ele. A exposição parte do entendimento de que a ecologia é um sistema de relações. Organizada em cinco núcleos, a mostra abordará as diferentes ideias de tempo como um elemento organizador da vida; bem como os efeitos dos deslocamentos forçados e dos processos migratórios causados tanto por modelos extrativistas de produção quanto por efeitos das mudanças climáticas.

Exposição panorâmica da obra de Flávio Império. A mostra reúne quase 300 obras, abrangendo a produção do artista entre os anos 1960 e 1985, e tem curadoria assinada por Yuri Quevedo, curador do museu e pesquisador da obra de Flávio Império (1935–1985) há 16 anos. Flávio Império foi um artista brasileiro em que a atuação transdisciplinar marcou profundamente a cena cultural do Brasil nas décadas de 1960 e 1970. Sua importância se dá não apenas pela multiplicidade de linguagens que dominava (como pintura, arquitetura, cenografia, teatro, design gráfico e do ativismo político), mas também pela maneira como ele as articulava em uma prática artística crítica, engajada e transformadora. Império trabalhou com uma diversidade de materiais, produzindo serigrafias, pinturas, colagens, fotografia e documentários em super-8. A exposição propõe ao público uma imersão em diferentes momentos e manifestações da produção do artista, ressaltando a coerência e a liberdade que orientam sua prática tão diversa. Entre os destaques estão o projeto de figurino "fogo”, desenvolvido especialmente para a cantora Maria Bethânia para a peça Rosa do Ventos (1971), além dos estudos para capa do disco Doces Bárbaros (1976), que poderão ser vistos na segunda sala da mostra. Uma maquete descreve o projeto que o artista fez para o show Pássaro da Manhã (1977) de Maria Bethânia. Em um momento em que a ditadura militar começa a enfraquecer e surgem os movimentos de abertura, Império concebe um cenário em que a cantora surge de uma noite escura no fundo e vai gradualmente se aproximando da plateia ladeada por tecidos que representam a alvorada. No show Bethânia canta lembrando os amigos que foram exilados.

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Abel Rodríguez (Cahuinarí, Colômbia, 1944) nasceu às margens do Rio Cahuinarí, na Amazônia colombiana, e seu nome indígena é Mogaji Guihu, sendo originário das comunidades Nonuya e Muinane. Foi treinado desde a infância para ser um sabedor, isto é, um depositário dos conhecimentos sobre as espécies botânicas da floresta, seus usos práticos e simbólicos. Nos anos 1990, fugindo dos conflitos armados em sua região natal, mudou-se para Bogotá, onde, em contato com a ONG holandesa Tropenbos, foi incentivado a desenhar para registrar e compartilhar suas memórias. Ao contrário da tradição do desenho botânico ocidental, que isola os elementos representados, os desenhos de Rodríguez em grafite e aquarela mostram ciclos, interações entre diversas espécies e a ação do tempo na floresta. Feitos a partir de memórias, têm inscrições em espanhol e Nonuya, descrevem os sabores das frutas, os usos medicinais das plantas e quais animais se alimentam delas. A “árvore da vida” é outro tema recorrente em sua produção e narra o principal mito de origem dos Nonuya.

Esta é a primeira exposição individual da artista Clarissa Tossin (Porto Alegre, 1973) em uma instituição de arte no Brasil. A mostra abrange peças de 2008 até o presente, incluindo instalações, esculturas, tecelagens, imagens em movimento e um conjunto de novas obras encomendadas pelo MASP especificamente para esta mostra. A artista gaúcha radicada em Los Angeles aborda em seu trabalho questões relacionadas ao aquecimento global a partir de diversos materiais, em geral, resíduos industriais da sociedade de consumo, como plástico reciclado, látex derivado do extrativismo na Amazônia e caixas de entrega da loja online Amazon, entre outros. Na obra de Tossin, réplicas de objetos descartados e partes do corpo humano e de plantas aparecem como fósseis, traços de um tempo e lugar perdidos que ecoam na forma de sedimentos arqueológicos.

Ao longo de sua trajetória, a artista Juliana dos Santos vem explorando o azul da flor Clitoria ternatea como forma de investigar a cor enquanto experiência sensível no processo de ampliação da percepção. Sua pesquisa situa-se na interseção entre arte, história e educação, com interesse nas maneiras como artistas negros desenvolvem práticas que desafiam os limites da representação. Partindo do azul da flor, a artista ancora seu trabalho na impermanência: o pigmento natural oxida com o tempo, transformando-se diante dos olhos do público.

Minerva Cuevas (Cidade do México, 1975) é uma artista conceitual mexicana que desenvolve projetos que dialogam com antropologia, história e ciências naturais. Sua obra abrange diversos suportes e mídias, como instalação, muralismo, pintura, vídeo e performance.No ano de Histórias da ecologia no MASP, Cuevas abordará pelo menos três aspectos de seu trabalho. O primeiro diz respeito às suas investigações sobre os impactos do mundo corporativo na vida cotidiana. Cuevas se apropria de logomarcas, campanhas de marketing, slogans e símbolos de grandes empresas para discutir temas como consumo, valor e propriedade. O segundo aspecto a ser explorado na exposição está relacionado ao subtítulo, inspirado no conceito de “ecologia social”, desenvolvido pelo filósofo estadunidense Murray Bookchin (1921-2006

A exposição é primeira panorâmica institucional da artista Marga Ledora e apresenta uma reunião significativa de séries até hoje raramente vistas em seu conjunto, além de um expressivo grupo de obras pouco conhecidas. A visita começa pela série Quadrus Negrus (1986), com mais de 20 trabalhos fundamentais de Ledora. Obras como Casa em amarelu (1986) marcam o início do trabalho de experimentação de linhas e cores, base para toda a sua produção artística. Nas obras, o giz pastel seco faz o traçado de triângulos, retângulos e fendas em linhas secas sobre o papel Carmen preto, item raro à época de produção da série.

Exposição Reúne cerca de 80 obras nacionais e internacionais do acervo do MAC USP, um dos mais importantes acervos de arte abstrata nacional e internacional do Brasil.

Quarenta anos após o início pulsante do Hip-Hop nas ruas de São Paulo, sua batida original ressurge no Sesc 24 de Maio como memória viva e afirmação cultural. A exposição convida o público para uma jornada que devolve à cidade gestos, sons e imagens de uma geração que criou com poucos recursos e máxima potência. Sob curadoria coletiva e com mais de 3 mil peças reunidas de forma inédita, a mostra reconstrói a revolução urbana que transformou inúmeros pontos da cidade em palcos de resistência.A mostra tem idealização e curadoria compartilhada por vozes e testemunhas da cena, como OSGEMEOS, Rooneyoyo O Guardião, KL Jay (DJ histórico dos Racionais MC’s), Thaíde, as pioneiras Sharylaine e Rose MC e o b-boy ALAM Beat.