EXPOSIÇÕES

A exposição apresenta obras das artistas Ana Cláudia Almeida e Tadáskia, com curadoria de Clarissa Diniz. A mostra ocupa de maneira simultânea o galpão da Fortes D’Aloia & Gabriel e a galeria Quadra com uma seleção de novos trabalhos, entre esculturas, pinturas, desenhos, relevos de parede, vídeos e fotografias que exploram conexões materiais e conceituais entre cosmologia, memória e transformação. Trata-se da primeira vez que as artistas expõem no Brasil após o ingresso de Almeida no programa de Master of Fine Arts de Yale, e da exposição individual de Tadáskía no MoMA, em Nova York.Apostando na transformação como premissa existencial e plástica, Tadáskía apresenta desenhos de grande escala em técnica mista sobre papel com bordas rasgadas. A paleta matizada da artista se desdobra em zonas cromáticas ora solares e vibrantes, ora mais crepusculares, quase noturnas. Já o universo material de Ana Cláudia Almeida estabelece-se sobre a manipulação de tintas, plásticos, bastões a óleo, tecidos e imagens.

O artista mineiro, natural de Poços de Caldas, Teodoro Dias, ganha sua primeira exposição individual. Com curadoria de Taisa Palhares, a mostra apresenta um conjunto de 41 obras, entre pinturas, desenhos e esculturas, que revela a essência da poética visual do artista: uma forma compositiva sintética, com a combinação de faixas verticais que só diferem na largura e na cor e que lembram o caráter repetitivo e anônimo do mundo industrial. A arte de Teodoro Dias lida com formas simples que poderiam se resumir a duas linhas paralelas. A sua preocupação central reside na criação de objetos que não se mostram ostensivamente como arte. Elas estão na origem de suas gravuras, desenhos, pinturas e objetos tridimensionais. O desafio do artista, conscientemente, está na capacidade de, a partir de elementos tão simples, proporcionar ao público experiências que revelem as possibilidades infinitas contidas em gestos corriqueiros e anônimos: traçar uma linha ao lado da outra.

Com curadoria de Luis Pérez-Oramas, a mostra coletiva reúne 37 trabalhos do final do século XX, realizados por 18 artistas : Amelia Toledo, Angelo Venosa, Antonio Dias, Carlito Carvalhosa, Carlos Zílio, Cristina Canale, Daniel Senise, Fabio Miguez, José Claudio, Karin Lambrecht, Leda Catunda, Leonilson, Marcos Chaves, Mira Schendel, Paulo Bruscky, Sérgio Sister, Tomie Ohtake e Vik Muniz. Embora esse período na arte brasileira tenha sido marcado por um ressurgimento da pintura, em especial por meio da chamada Geração 80, a mostra apresenta trabalhos em diferentes linguagens, como aquarelas, desenhos, esculturas e bordados. Um elemento que chama a atenção em alguns trabalhos é, por exemplo, a influência do Neo Expressionismo alemão, visível nas pinturas de Fábio Miguez e Carlito Carvalhosa, durante o período em que ambos trabalhavam juntos no Ateliê Casa 7. O colorido escuro e a presença de elementos de aspecto cartunesco eram característicos de nomes que lhes serviam de referência, como Markus Lupertz, Philip Guston e Jean Michel Basquiat. Referências a natureza também podem ser observadas em alguns trabalhos da mostra, como o de Antonio Dias, datado do início dos anos 1990, no qual emprega materiais como grafite, cobre e malaquita, de forma a investigar circuitos energéticos, e no de Angelo Venosa, de 1994, onde realiza experimentos plásticos com dentes de boi e chumbo. No campo das abstrações, os principais pontos da mostra são as experimentações formais e cromáticas realizadas por Tomie Ohtake e Amelia Toledo.

Primeira individual do artista Thiago Barbalho na cidade de São Paulo. Tendo o desenho como principal eixo de sua poética, Barbalho iniciou sua trajetória profissional como escritor e, segundo o artista,”o desenho veio do processo de insatisfação com a escrita, do esgarçamento dessa relação.” Gradualmente Barbalho percebeu que, por meio de grafismos e signos, muitas vezes realizados acidentalmente, era possível elaborar sobre a imensa maioria de imagens e estímulos visuais com os quais nos deparamos cotidianamente. Para ele, os estímulos visuais que nos rodeiam, das mais diversas naturezas, de símbolos religiosos a anúncios publicitários, provocam fascínio e encantamento em quem os observa, como se estes “nos enfeitiçassem”.Assim, em seus trabalhos, uma profusão de elementos orgânicos, religiosos e ancestrais de colorido intenso estão diluídos em meio à grande quantidade de detalhes presentes nas composições, onde, por vezes, figura e fundo se confundem. Outro dado importante é a gestualidade e as diferentes maneiras com que o artista manipula o lápis de cor, o pastel, as canetas e marcadores, bem como a tinta acrílica e óleo.A mostra reúne diferentes formatos de trabalhos, desde obras de grandes dimensões até desenhos feitos em pequenos cadernos.

Bahia afrofuturista: Bauer Sá e Gilberto Filho marca a estreia dos artistas baianos em São Paulo em uma exposição que conta com dois núcleos expositivos distintos: no primeiro, um conjunto de 30 fotografias de Bauer Sá, produzidas entre os anos 1990 e 2000, que exploram a ancestralidade afro-brasileira por meio de temáticas raciais e divindades africanas; no segundo, a primeira exposição individual de Gilberto Filho, apresentando esculturas em madeira que datam desde 1992 até o presente e retratam cidades utópicas e modernas nascidas da imaginação do artista.A mostra, que conta com curadoria de Tomás Toledo e Alana Silveira, esteve em cartaz na Galatea Salvador, no período de julho a setembro de 2024. O texto crítico é assinado pelo artista e curador Ayrson Heráclito, reconhecido por seu trabalho que aborda a cultura afro-brasileira e suas conexões históricas, e pelo escritor e historiador Beto Heráclito. Eles destacam que os trabalhos de Bauer e Gilberto, de naturezas distintas, dão a ver diferentes facetas do conceito de afrofuturismo.

A exposição apresenta um percurso visual e arquitetônico por algumas das principais cidades do Brasil: São Paulo, Rio de Janeiro, Salvador da Bahia e Brasília. Através das fotografias tiradas por Ballester em diferentes viagens pelo país desde 2007, a mostra propõe um itinerário das paisagens urbanas e espaços a partir de um olhar poético, destacando peculiaridades de cada localidade. Este projeto é sucessor da exposição Fervor do Brasil, realizada na Casa de América em 2019, e de uma anterior na Pinacoteca do Estado de São Paulo em 2010.

Exposição inédita do artista e cineasta César Oiticica Filho. Sobrinho de Hélio Oiticica e carinhosamente chamado de Cesinha, sua pesquisa transita entre a pintura e a fotografia, explorando os multimeios que conectam as artes plásticas e o cinema. Com texto crítico de Paula Borghi, a exposição apresenta uma seleção de seis obras inéditas em grande formato, com destaque para “Intervenção Quântica”, uma instalação com telas posicionadas na fachada da galeria, convidando o visitante a adentrar a mostra e explorar a cor, a luz e as energias quânticas, ao mesmo tempo em que surpreende as pessoas que passam pela rua, por meio do diálogo que a obra exerce com a cidade.No campo das artes visuais, César Oiticica Filho também trabalha com instalações e vídeos que lidam com a sobreposição de camadas de significados, recorrendo muitas vezes a arquivos pessoais, familiares e históricos para criar obras que são ao mesmo tempo íntimas e coletivas. Ele utiliza uma abordagem híbrida, combinando mídias analógicas e digitais, o que possibilita um olhar inovador sobre o tempo, a memória e o legado artístico.

A exposição apresenta um conjunto de 44 obras do artista Francisco Galeno, que ao longo de sua carreira explora múltiplas técnicas, como a pintura e escultura em madeira, além da ressignificação de objetos do cotidiano. Com texto crítico do pesquisador e curador Leno Veras, a primeira mostra apresenta trabalhos de Francisco Galeno (Parnaíba, PI, 1957). Produzindo há mais de quatro décadas, o artista construiu o seu vocabulário visual a partir do cruzamento entre as vivências da sua infância no Delta do Parnaíba, no Piauí, e o imaginário modernista de Brasília, para onde a sua família se mudou quando ele tinha 8 anos. Em 1969, instalaram-se em Brazlândia, cidade nos arredores da capital federal, lugar em que Galeno se iniciou enquanto artista e mantém ateliê até hoje. Atualmente, ele vive e trabalha entre Brazlândia e Parnaíba, onde também possui ateliê.As obras de Galeno conjugam tanto o interesse geométrico que aprendeu em Brasília, com as linhas da arquitetura e as obras de mestres como Alfredo Volpi, Athos Bulcão e Rubem Valentim; quanto um caráter lírico e lúdico ao trazer símbolos da sua infância, dos brinquedos e dos objetos que o cercavam, como as bolas de gude e de futebol, os carretéis da sua mãe rendeira e os anzóis e a madeira do seu pai pescador e marceneiro.

O Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo, uma das instituições mais importantes na formação técnico-profissional do Brasil, celebra 150 anos com a exposição que revela um olhar detalhado sobre a contribuição do Liceu na construção do patrimônio arquitetônico e artístico da capital paulista, pelas fotografias de Leonardo Finotti e Nelson Kon.A exposição, com curadoria de Gustavo Curcio e Fernanda Carvalho, apresenta a grandiosidade e as minúcias de edifícios icônicos de São Paulo, erguidos graças ao trabalho da instituição ao longo de 15 décadas de existência. Monumentos como a Pinacoteca do Estado, o Theatro Municipal e a Catedral da Sé estão entre os destaques, oferecendo ao público uma visão inédita de espaços que muitas vezes passam despercebidos pelo observador.

Última exposição do programa Nova Fotografia 2024: “A história que eu imaginei para você”, de Maíra Erlich. Inspirada pela ideia de uma vida melhor e mais colorida para sua avó, Elza, a fotógrafa faz uma homenagem aos sonhos de muitas mulheres como sua progenitora, por meio de imagens vibrantes e enérgicas.

O Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo apresenta a exposição Sacilotto contemporâneo: cor, movimento, partilha, com curadoria de Ana Avelar, e co-curadoria de Renata Rocco, duas pesquisadoras com trajetórias ligadas à Universidade de São Paulo. A mostra faz uma imersão no percurso artístico de Luiz Sacilotto, destacando uma produção menos conhecida do público. Partindo das obras pertencentes ao MAC USP (das 6 obras do acervo, 4 estão na exposição) e de obras de coleções públicas e privadas, a mostra se dedica a explorar do “retorno à pintura” do artista, na década de 1970, até seus trabalhos dos anos 2000. A exposição demonstra que Sacilotto não está só interessado em aprofundar questões herdadas da arte concreta – movimento ao qual aderiu e com o qual é frequentemente identificado; transportando-as para experimentações em torno da ótica e do movimento – mas, também suas preocupações relativas à posição ativa do público diante da arte. Este último aspecto o fez experimentar proposições, já a partir dos anos 1990, de escala pública e urbana, com esculturas de grandes dimensões, cujos projetos estão incluídos na mostra.

A exposição homenageia um dos cineastas mais célebres do século 20, diretor de clássicos como Crepúsculo dos deuses e Quanto mais quente melhor. Com recriações de cenários e um panorama de seus trabalhos mais influentes, a exposição convida os visitantes a mergulhar na piscina de Norma Desmond, dançar com Marilyn Monroe, tramar golpes de indenização no cinema noir, desvendar casos de tribunal concebidos por Agatha Christie, escapar do inferno número 17 e se render aos encantos de Sabrina.

O Memorial da América Latina tem o prazer de anunciar a inauguração da exposição “ASSENTAMENTO”, uma proposta do artista-autor Pedro Martins.A mostra se insere em um contexto de reflexão crítica sobre o apagamento das memórias negras nos espaços urbanos, abordando as políticas de memoricídio que visam silenciar a história cultural e patrimonial das populações negras.Com uma seleção de 60 trabalhos, a exposição analisa a dinâmica das memórias urbanas e suas interações com os processos coloniais no Brasil, focando em bairros memoráveis da capital paulista, como Liberdade, Paissandu, República, entre outros.

Exposição inédita e autoral que celebra a carreira de um dos cineastas contemporâneos independentes mais instigantes, traçando um panorama da obra audiovisual de Bruce e culminando em uma instalação baseada em seu último longa-metragem, “The Visitor”. A exposição conta com pôsteres, cenas de bastidores, press kits oficiais, trailers, testes de elenco, stills de filmes, entre outros itens.

A exposição inédita “Ancestral: Afro-Américas - Estados Unidos e Brasil” aborda as relações entre os dois países sob a ótica da diáspora africana e como ela está presente nas artes visuais. Sediada no Museu de Arte Brasileira da FAAP, a mostra gratuita reúne 132 obras de grandes artistas de ambos os países. Organizada em tres eixos três eixos – corpo, sonho e espaço – "Ancestral" promove um encontro que valoriza o conceito de identidade afro-americana no Brasil e nos EUA e da arte decolonial. A exposição não apenas homenageia os artistas que desafiaram as brutalidades e o apagamento do colonialismo, mas também busca fomentar um diálogo aberto sobre o impacto e a relevância das raízes africanas ancestrais na sua formação e em seus contextos sociais. A exposição recebe trabalhos inéditos das artistas Gê Viana, Simone Leigh e Gabriella Marinho, assim como trabalhos importantes de nomes fundamentais da arte brasileira e estadounidense, como Abdias do Nascimento, Rubem Valentim, Faith RIngold e Betye Saar.

O Museu de Arte Moderna realiza a 38a edição do tradicional Panorama da Arte Brasileira, dedicado a apresentar a pluralidade da arte contemporânea no país. Em razão de reformas na marquise do Parque do Ibirapuera, a exposição ocorre desta vez na sede do MAC-USP, localizado em frente ao parque. Com curadoria de Germano Dushá e Thiago de Paula Souza, e curadoria-adjunta de Ariana Nuala, esta edição apresentará obras de 34 artistas, de 16 estados brasileiros. O título da exposição parte de uma expressão coloquial que pode assumir múltiplos significados a depender do contexto, mas que invariavelmente funciona como índice de elevada intensidade. Em texto de apresentação sobre o projeto, a curadoria conta que “a mostra orienta-se pelo interesse por formulações ligadas à experimentação, ao risco intenso, às situações radicais, às condições extremas marcadas pelo calor — metafísico, metafórico e climático —, e aos estados — da alma e da matéria — que nos põem diante da transmutação como destino inevitável e imediato”.

A exposição "Extasia", de Flávia Junqueira, proporciona aos visitantes uma experiência mágica e nostálgica a partir da proposta instalativa, em que a artista constrói um espaço teatral e onírico com esculturas, vídeo e fotografias que exploram o universo da fantasia e dos afetos lúdicos da infância, convidando o espectador a sonhar novos mundos.O ambiente onírico da exposição-instalação é composto por elementos do meio infantil como balões coloridos e cavalinhos de carrossel, contrapostas à experiência de estranhamento criada pelos cavalinhos girando de ponta cabeça. Sensações ambíguas como medo e desejo compõe a teatralidade da proposta, um limiar entre fantasia e realidade.

Nascida na Polônia em 1922, em uma família judaica, Stefania emigrou para o Brasil em 1950. Em São Paulo, em 1970, consolidou-se inicialmente como fotógrafa e, a partir dos anos 1980, como crítica e curadora. Em suas imagens, captou especialmente cenas cotidianas, pessoas comuns e momentos de encontro e irreverência, em perspectivas que propõem sutis deslocamentos na forma de olhar para as metrópoles e seus habitantes. Foi a primeira pessoa a assinar como crítica de fotografia na imprensa brasileira, escrevendo por mais de uma década no jornal O Estado de S. Paulo e na revista Iris Foto. Em suas colunas, analisou boa parte da produção fotográfica brasileira e internacional apresentada em São Paulo nos anos 1980. A exposição foca especialmente na produção fotográfica da artista, menos conhecida do que sua atuação crítica. São exibidas cerca de 160 fotografias, grande parte em preto e branco, tiradas sobretudo na década de 1970, ampliadas digitalmente a partir dos negativos. As imagens, muitas delas inéditas, abrangem duas grandes temáticas presentes na obra de Stefania: as cidades, vistas a partir de uma perspectiva crítica à modernidade, e as pessoas que as habitam – crianças, idosos, trabalhadores. A seleção traz ainda dois núcleos com vídeos e documentos que mostram seu trabalho enquanto crítica, curadora e articuladora do campo fotográfico. A seleção tem curadoria de Ileana Pradilla Ceron e Miguel Del Castillo, com assistência de Pamela de Oliveira. No dia da abertura (27/8), às 19h, os curadores participam de uma conversa sobre a mostra com a jornalista Cremilda Medina e as fotógrafas Maureen Bisilliat e Nair Benedicto.

A exposição apresenta ao público uma compreensão geral sobre o vínculo entre a mudança global do clima e a mobilidade humana, evidenciando as diferentes maneiras pelas quais a ciência, os agentes sociais (associações, ONGs e OIs) e as artes lidam com fenômenos tão complexos.

Celebrando os 30 anos do programa educativo de maior sucesso da TV brasileira, a  exposição retorna a São Paulo para homenagear e recriar os principais cenários da série, agora, com novidadesSão 18 salas que passeiam pela história do Castelo desde o surgimento da ideia, transitando pela criação de cada elemento, personagem, figurino, música e, principalmente, da história que nos fascinou desde a estreia na TV Cultura, em 1994.

Cinquenta artistas visuais de diversos países da América Latina interpretam a trajetória da Fundação

A galeria apresenta a sua última exposição de 2024,  uma mostra coletiva que reúne 62 obras de 23 artistas, com curadoria de Lorenzo Mammì. Entre pinturas, desenhos e esculturas, Metamorfoses e Distâncias evidencia a relevância da Estação no mercado de arte, por majoritariamente partir do acervo da própria galeria, reunindo obras dos seguintes artistas: G.T.O.; Alcides Pereira dos Santos; Chico da Silva; Félix Farfan; Francisco Graciano; Manuel Graciano; Véio; José Bezerra; Agnaldo Manoel dos Santos; Aurelino dos Santos; Artur Pereira; Conceição dos Bugres; Nino; Júlio Martins da Silva; Izabel Mendes da Cunha; Neves Torres; Jandyra Waters; Cardosinho; Salmi López Balbuena. Dos 23 artistas que compõem o conjunto de obras selecionadas pelo curador, apenas quatro não são representados pela Galeria Estação: Tunga, Jaider Esbell, Elisa Bracher e Nuno Ramos.

Primeira exposição individual no Brasil do ektor garcia. Trabalhando principalmente com arte têxtil e baseada em fibras, garcia insere sua prática na interseção das artes plásticas e do artesanato, negando as hierarquias geralmente projetadas em ambos os campos. Ao longo de sua carreira, garcia fez crochê com quase tudo além de linhas, o que inclui couro, fio de cobre, camurça, cordas de prata e outros fios de metal. Esse aspecto desafiador e disruptivo de sua linguagem de crochê equipou o artista com uma familiaridade inata aos materiais e uma curiosidade sempre crescente em relação às possibilidades de sua prática

Primeira individual do artista Paulo Monteiro na cidade de São Paulo em sete anos. Um diálogo contínuo entre pintura e escultura conduz a mostra, revelando trabalhos inéditos do artista que investigam a matéria e sua capacidade de se transformar em diversas formas. A mostra conta com trabalhos inéditos do artista, incluindo esculturas, pinturas e objetos.

Com uma longa e importante carreira na arte brasileira, Anna Bella Geiger apresenta uma seleção de trabalhos realizados nos anos 80, entre pintura, gravura e videoinstalação, esta última apresentada originalmente na XVI Bienal Internacional de São Paulo, em 1981. A individual destaca obras menos conhecidas dentro da rica produção da artista.

Primeira mostra individual no Brasil do espanhol Antonio Ballester Moreno, intitulada Água (verde). É a segunda apresentação de suas obras no país desde sua participação como artista e membro da equipe de curadoria na 33ª Bienal de São Paulo: Afinidades Afetivas (2018). O texto crítico da exposição é assinado pela curadora e crítica de arte Taisa Palhares. A mostra é composta por um conjunto inédito de telas em grandes dimensões, que funcionam como um cenário no qual Ballester cria um ambiente por meio da relação entre cada uma das pinturas e suas respectivas combinações de formas e cores.

Fernanda Valadares (1971, São Paulo, SP) inaugura a individual "La inmensidad del lugar y la intimidad del espacio (y viceversa)…", com texto crítico de Alexia Tala, na Aura. A mostra, que reúne um conjunto composto pelas séries mais recentes da artista, explora as tensões entre os conceitos de espaço e lugar através de arquiteturas vazias e volumes naturais.Marcada pela destreza no reordenamento da lógica entre imensidão e intimidade, a prática de Fernanda desenvolve algo de uma transformação do vazio em território poético. Ao ensaiar a impregnação de experiências subjetivas sobre paisagens naturais ou espaços arquitetônicos, o conjunto se desdobra em torno de metáforas da condição humana que se alastram por uma espécie de reverberação da quietude.Por meio das sobreposições das camadas da encáustica, a artista sugere um deslocamento atmosférico; espaços que outrora eram parte do sistema carcerário podem se transformar em lugares por meio de mudanças de contexto e função. O que era historicamente denso e pesado, como penitenciárias ou ilhas prisionais, parece se fazer suspenso do mundo, o que garante ao trabalho um caráter paralelamente etéreo e terreno, intangível e mundano, limitante e libertador.

Histórias de vida contadas no formato de literatura de cordel são os destaques da mostra temporária Vidas em Cordel. A iniciativa mostra narrativas individuais de pessoas comuns e personalidades como obras literárias, ao mesmo tempo épicas e cotidianas. A exposição é uma parceria do Museu da Língua Portuguesa com o Museu da Pessoa. A curadoria é do poeta e cordelista Jonas Samaúma, do cordelista e pesquisador do folclore brasileiro Marco Haurélio, e da xilogravadora Lucélia Borges. O projeto ainda conta com uma cabine interativa, onde os visitantes podem gravar depoimentos. Além disso, uma versão virtual do projeto permite que os visitantes tenham acesso a conteúdo exclusivo. Dentre as 21 histórias de vida cordelizadas exibidas, três são expostas ao público de forma inédita. São narrativas inspiradas nos depoimentos de personalidades ímpares, que desenvolveram trabalhos de grande impacto na região da Luz, no centro histórico da capital paulista, onde o Museu da Língua Portuguesa está localizado. A exposição chega a São Paulo depois de passar por Pernambuco (Santa Cruz), Bahia (Salvador, São José do Paiaiá, Mucugê e Feira de Santana) e Minas Gerais (Paracatu). Entre as histórias cordelizadas inéditas, há, por exemplo, a de Cleone Santos, uma mineira de Juiz de Fora que trabalhou como prostituta no Parque Jardim da Luz, em São Paulo, por 18 anos. Ela criou o Coletivo Mulheres da Luz, que oferece apoio e dá visibilidade às mulheres em situação de prostituição. Há ainda histórias cordelizadas de nomes conhecidos, como o líder indígena e imortal da Academia Brasileira de Letras, Ailton Krenak, e o jornalista Gilberto Dimenstein.

A mostra coletiva apresenta os trabalhos de artistas de diferentes gerações e regiões do Brasil e se debruça sobre o sentido de vestígio que os aproxima."[...] O vestígio não diz respeito a substituição, como um negativo e seu positivo, como uma escultura e sua moldagem; o vestígio é, antes, um carimbo que deixa sua presença como marca na espessura do tempo, sujeito, portanto, ao desgaste, ao desbotamento, à erosão." escreve Renato Menezes, curador da Pinacoteca de São Paulo, que assina o ensaio crítico da exposição.Os procedimentos de acúmulo, recorte, registro ou modelagem, colocam em comparação desde "De Aflicti" (1979), vídeo de Letícia Parente, pioneira na videoarte brasileira, em que imagens fixas de gestos de mãos e pés entrelaçados, contraídos e contorcidos se sucedem noritmo de abrir e fechar o obturador da câmera, até "Sem título"" (2024), de Gabriela Mureb, em que a artista aglomera escapamentos de automóveis descartados em ferros-velho. Além de Parente e Mureb, a coletiva apresenta obras de Aislan Pankararu, Ana Clara Tito, Anna Paes, Arorá, Antônio Poteiro, Cipriano, C.L. Salvaro, Érica Storer, iah'ra, Jacque Faus, Jonas Arrabal, Pedro França e Valentina Tong.

A exposição busca levar o público em uma jornada para uma São Paulo mil anos no futuro. A mostra apresenta uma cidade futurística, moldada pelas decisões que tomamos hoje para descobrir como será habitar um espaço urbano equilibrado com o planeta.

A Pinacoteca apresenta uma exposição de arte têxtil desenvolvida em colaboração com a Maison Gacha, sediada em Paris, França, e com a Fondation Jean-Félicien Gacha, sediada em Bangoulap, Cameroun. Dividida em sete núcleos, a mostra apresenta 129 peças têxteis que buscam estimular novas percepções sobre a África no público brasileiro, a partir de um olhar múltiplo e diverso para um continente povoado de saberes, tradições e contribuições artísticas.Com curadoria de Renato Menezes e do curador convidado Danilo Lovisi, a exposição nasce a partir de uma pesquisa sobre tecnologias têxteis ancestrais e transmissão de saberes tradicionais de África. Os curadores visitaram diferentes regiões do Cameroun, para dialogar com lideranças e autoridades locais, instituições e artesãos, processo que foi fundamental para o desenvolvimento da mostra. Os objetos apresentados, em sua maioria provenientes do acervo da instituição franco- camaronesa, são produzidos com materiais diversos e funções múltiplas, e nos permitem conhecer ritos e cosmogonias de diversos povos da África. Entre eles, máscaras, túnicas, adornos, tecidos bordados.

A galeria apresenta a primeira exposição individual no Brasil do fotógrafo Slim Aarons. O artista americano se destacou na década de setenta pelas imagens que fez do estilo de vida luxuoso dos membros do jet set, como eram conhecidos os ricos e famosos da época. Com 20 imagens, a mostra apresenta um retrato íntimo de um mundo de cores vibrantes, mansões a beira mar e piscinas cristalinas.

O artista Lucas Simões apresenta, na Biblioteca Mário de Andrade, a exposição You text nothing like you look, onde explora circuitos e impulsos espelhados entre a escultura e a literatura, como numa urgência de materialização formal de um rompante poético. O processo criativo que Simões desenvolveu para esta série, iniciada em 2018, parte de excertos literários que inspiram suas obras escultóricas. Cada peça concluída recebe, então, um segundo título, criando um diálogo cíclico entre texto e objeto.A exposição soma-se às celebrações do centenário do surrealismo pela Biblioteca Mário de Andrade. O jogo linguístico entre escultura e poesia travado por Simões se aproxima do cadavre exquis, jogo de escrita coletiva inventado no ápice do surrealismo francês em 1925. Jogado coletivamente, seu mecanismo fundamental parte de uma escrita automática, acidental, que abandona o controle racional, na tentativa de revelar uma compreensão ampliada da condição subjetiva de cada participante.

A retrospectiva explora a presença dos signos gráficos, da letra e da palavra linguagem na produção artística de Mira Schendel (1919–1988). Reunindo mais de 250 obras, entre pinturas, monotipias, desenhos, cadernos, objetos gráficos e uma instalação, a mostra é dividida em sete núcleos, convidando o público a imergir na presença da palavra na produção artística de Mira e suas interligações. Reconhecida como uma das artistas mais significativas da arte brasileira do século XX, Mira Schendel nasceu em Zurique, na Suíça, com ascendência judaica, tcheca, alemã e italiana.Devido à perseguição antissemita, fugiu para o Brasil em 1949, onde viveu e produziu grande parte de sua obra, dialogando com a Poesia Concreta, o Neoconcretismo e as experimentações artísticas das décadas de 1960 e 1970.

O Instituto Tomie Ohtake apresenta a primeira retrospectiva de fôlego sobre a produçãoartística de Carlito Carvalhosa (1961–2021). Com cerca de 150 obras que datam de 1984 a 2021, a mostra perpassa quase quarenta anos de carreira, reunindo muitos exemplos da constante experimentação do artista com diferentes materialidades, navegando entre oslimites da pintura, escultura e instalação.Com curadoria conjunta de Ana Roman, Lúcia Stumpf, Luis Pérez-Oramas e Paulo Miyada, a exposição é dividida em sete núcleos, ocupando três salas do Instituto. Sem seguir umaordem cronológica, a mostra é permeada por rebatimentos entre permanências e tensões.

A Pina Contemporânea apresenta um projeto experimental desenvolvido em colaboração com a Serpentine Galleries, de Londres, na Galeria Praça do edifício Pina Contemporânea. Concebido a partir de uma perspectiva decolonial, de teorias queer e de estratégias descentralizadas em tecnologia, Gabriel Massan constrói Terceiro Mundo, um jogo de videogame ambientado em um universo fantástico, que a partir de um storytelling colaborativo desafia o conceito colonial de “exploração” e convoca o público a repensar suas ações no mundo. Gabriel Massan (1996) é um artista nascido no Rio de Janeiro que combina a contação de histórias com a criação de esculturas e ecossistemas, pensando o ambiente digital como linguagem artística. Terceiro Mundo – termo que se refere a classificação imposta às nações emergentes – é um jogo dividido em dois grandes níveis, com diferentes ambientações. Cada nível foi criado em colaboração com artistas e pensadores, que contribuíram na construção de diálogos, textos e narrativas, emprestando inclusive suas vozes aos personagens. Participaram LYZZA, Castiel Vitorino Brasileiro, Novíssimo Edgar e Ventura Profana, estando os três últimos incluídos na programação cultural que acontece no museu neste semestre.

A mostra na Casa Iramaia é resultado de uma parceria de mais de uma década entre o Soundwalk Collective e a Patti Smith. Pela primeira vez no Brasil, a mostra traz um recorte do projeto Correspondences, que, por meio de videoinstalações e desenhos feitos de pigmentos naturais, propõe uma reflexão sobre a floresta amazônica. O espaço é gerido pela galeria Mendes Wood DM. Correspondences é um diálogo artístico contínuo entre o Soundwalk Collective e Patti Smith, que existe há mais de uma década. O projeto se fundamenta em gravações sonoras feitas pelo fundador do Soundwalk Collective Stephan Crasneanscki em algumas das regiões mais remotas do mundo, incluindo a Amazônia – região visitada por ele em diversas ocasiões nos últimos 15 anos. Essas paisagens sonoras são, então, interpretadas por Smith, que oferece sua visão poética para explorar a relação entre natureza, história e criação artística. A exposição também apresenta desenhos inéditos de Stephan Crasneanscki. Os trabalhos, feitos com pigmentos naturais da floresta amazônica, dialogam entre si, formando uma espécie de rio vermelho e seus afluentes, composto em formato de instalação.

A Galeria Espaço Arte MM exibe sua mais recente exposição coletiva, intitulada "Pluralidade da Expressão", reunindo obras de importantes nomes da história da arte brasileira. Sem seguir uma temática específica, a mostra reflete a diversidade de técnicas, estilos e linguagens que atravessam diferentes períodos da produção artística nacional.Entre os artistas selecionados estão Aldemir Martins, Amilcar de Castro, Arcângelo Ianelli, Ascânio MMM, Burle Marx, Carybé, Chen Kong Fang, Claudio Tozzi, Eduardo Sued, Frans Krajcberg, Gonçalo Ivo, Iberê Camargo, Ivan Serpa, José Roberto Aguilar, Kazuo Wakabayashi, Manabu Mabe, Marli Takeda, Sou Kit Gom, Tomie Ohtake, Volpi, Yugo Mabe e Yuli Geszti. A coleção apresenta um diálogo entre diferentes épocas e materiais, destacando desde desenhos e gravuras até telas e esculturas.

O dia a dia do povo brasileiro é atravessado pelas presenças africanas na forma como nos expressamos – seja na entonação, no vocabulário, na pronúncia ou na forma de construir o pensamento. É sobre essas presenças que trata a exposição temporária Línguas africanas que fazem o Brasil.

A exposição apresenta o universo subaquático da famosa animação Bob Esponja. Por meio de um espaço imersivo, o público poderá conhecer a Fenda do Biquini, seus cenários e os personagens que marcaram o desenho.

A exposição apresenta um ambiente onde minérios, rochas e cristais convivem em um andar, oferecendo a sensação de estar no ponto de origem da Terra, explorando o conceito de descoberta.

A CAIXA Cultural São Paulo apresenta a exposição individual “Comigo Ninguém Pode - A pintura de Jeff Alan”, com 40 obras do artista visual pernambucano que destacam os traços e biotipos de crianças, jovens e adultos negros que entrecruzam o caminho do artista. Daltônico, Jeff pinta desde a infância, motivado por sua mãe, Lucilene Mendes. Começou nas ruas, tendo como suporte os grafites. Seu trabalho figurativo, de dimensões diversas, em acrílica sobre tela e desenho sobre papel, dão visibilidade às histórias e rostos dos moradores de sua comunidade no bairro do Barro, zona oeste da cidade do Recife. Personagens negros reais, de seu convívio, que são fotografados e depois pintados em cores saturadas e contrastadas.

A exposição é a primeira retrospectiva da obra instalativa do artista e conta com curadoria de Luís Pérez-Oramas e Daniel Rangel, além de curadoria adjunta de Lúcia Stumpf. Em sua concepção, a mostra reafirma o protagonismo de Carvalhosa na cena artística contemporânea brasileira das últimas décadas e oferece ao público um panorama abrangente de seu percurso criativo. Uma oportunidade única de revisitar momentos fundamentais da trajetória do homenageado, falecido prematuramente em 2021, aos 59 anos.Esta exposição única permite ao público vivenciar simultaneamente algumas das mais icônicas criações de Carvalhosa, como Faço Tudo Para Não Fazer Nada, Já Estava Assim Quando Cheguei, Linha de Sombra, Imaterialidade e Sala de Espera. Cada uma dessas obras, com suas dimensões monumentais e ousadas experimentações formais, parece reconfigurar o ambiente ao seu redor, ora tensionando, ora promovendo uma espécie de apagamento da arquitetura circundante. O resultado é uma experiência sensorial em que a arte e o mundo se entrelaçam em um constante jogo de aproximação e distanciamento.

Dan Lie ocupa o Octógono da Pinacoteca Luz com uma “instalações-entidades, desenvolvida em diálogo com a escala monumental do espaço central do museu. O trabalho utiliza materiais orgânicos, em exercício de alteridade com espécies visíveis e não visíveis – como matéria em decomposição, plantas, bactérias, fungos e organismos.“Deixar ir” é uma experiência sensorial que incentiva o retorno das pessoas, quando possível, tendo em vista que a cada visita os cheiros e materiais se transformam, e é possível observar ciclos de vida e morte.A instalação é caracterizada por um trabalho que acontece processualmente: enquanto a flora e fungos brotarão e se desenvolverão, outros elementos morrerão e entrarão em decomposição, convidando o público ao exercício de convívio com esses seres e seus ciclos.

A exposição reinaugura a galeria do Centro Cultural Fiesp, após uma reforma de 18 meses. A mostra, que ocupa um espaço de 850 m2, apresenta a diversificada coleção de artes africana e afro-brasileira do Museu de Arqueologia e Etnologia da Universidade de São Paulo (MAE/USP).O acervo começou a ser formado no final da década de 1960 (época em que os movimentos de independência das ex-colônias em África se consolidavam), por meio de doações ou compras encomendadas pela universidade. Marianno Carneiro da Cunha (1926-1980), então professor do MAE/USP, foi um dos principais nomes à frente do projeto institucional e científico da construção da coleção.Arqueólogo especialista em Médio Oriente, ele lecionou entre 1974 e 1976 em Ifé, na Nigéria, lugar sagrado para os iorubá, ficando incumbido de adquirir peças para o MAE. Com olhar antropológico e educativo, Marianno se preocupou em também trazer para o Brasil moldes, mostrando interesse não apenas pelo objeto artístico, mas também pela técnica de diferentes culturas da África central e ocidental.O trio de curadores da mostra, Carla Gibertoni Carneiro, Renato Araújo da Silva e Rosa C. R. Vieira, apontam que essas duas regiões africanas estão conectadas ao Brasil por séculos de circuitos transatlânticos. Eles trouxeram até nosso litoral inúmeros navios de violência, mas também trouxeram outros navios, que nos permitem mergulhar por histórias alternativas e criar novos significados para as centenas de objetos selecionados para a exposição.

O CCBB apresenta uma retrospectiva dos 15 anos de carreira do artista Flávio Cerqueira, com uma produção marcada por esculturas figurativas em bronze. A exposição ocupa todos os andares do centro cultural e conta com curadoria da historiadora Lilia Schwarcz. Na mostra, as obras materializam a sensação de marginalidade, de estar e se sentir à margem, a partir de figuras tipicamente brasileiras, sempre em um instante capturado e imobilizado pelo artista. Questões de classe, identidade, raça e gênero são problematizadas em narrativas que desfocam as fronteiras entre as esculturas, o espaço arquitetônico e o visitante, que se torna co- autor na produção de múltiplos significados.

A galeria de arte urbana apresenta uma seleção de trabalhos do artista visual, grafiteiro e arte educador Bonga Mac. Na série de pinturas, o artista apresenta uma reflexão sobre a complexidade dos olhares.

Em razão da celebração de 100 anos do manifesto surrealista, a galeria apresenta uma mostra com 80 obras do artista Walter Lewy, com curadoria de Jacob Klintowitz. A expressão ‘surrealismo’ foi criada por Guillaume Apollinaire em 1917, mas o manifesto Surrealista foi lançado oficialmente em Paris em 1924 por André Breton, Yvan Goll, Marcel Alland e Guillaume Apollinaire, e teve Walter Lewy (1905 - 1995) como um de seus grandes representantes no Brasil com seus primeiros esboços surrealistas ainda durante o modernismo, por volta de 1930. Fugido da situação opressora que já desenhava o que seria a Segunda Guerra Mundial, o alemão nascido em Bad Oldesloe, Walter Lewy, chega ao Brasil em 1938 e já encontra terreno fértil acerca do estilo que já influenciava por aqui as obras de Tarsila do Amaral (1886 –1973), Cícero Dias (1907 – 2003) e Ismael Nery (1900 - 1934).

O espaço Auroras apresenta, em colaboração com a galeria Nara Roesler, uma mostra individual do artista Bruno Dunley. A exposição apresenta cerca de 25 obras, incluindo pinturas recentes de grande e pequeno formato e uma seleção de desenhos dos últimos dez anos.Em 2015, após uma imersão artística na Serra da Capivara, no Piauí, Dunley iniciou uma sistemática produção de desenhos que o levou a refletir sobre a potência do ato de desenhar e pintar como expressões essenciais do humano. Quase dez anos depois, as obras presentes nesta mostra dialogam diretamente com seus desenhos, seja pela busca por simplicidade, agilidade, fruição e leveza, seja pelo espírito de experimentação gráfica, cromática e ótica. Essa experimentação se intensificou ainda mais após o artista ter começado a produzir tinta óleo, medium e outros materiais de maneira artesanal, com a criação da Joules & Joules ao lado do pintor e amigo Rafael Carneiro, em 2020.

Experimentações gráficas insere-se em um conjunto de exposições em torno das artes aplicadas, que o MAC USP vem realizando desde 2021, tendo sido a primeira Projetos para um quotidiano moderno no Brasil, 1920-1960 (2021) e em seguida, Art Déco Brasileiro. Coleção Fúlvia e Adolpho Leirner (2022). Elas são fruto da pesquisa que se desenvolveu no Grupo de Pesquisa CNPq Narrativas da arte do século XX, que a partir de 2018, iniciou uma investigação mais aprofundada sobre as relações entre as ditas belas artes (pintura e escultura) e aquelas genericamente chamadas de artes aplicadas, no Brasil.Aqui, o destaque é justamente para as artes gráficas e a experiência de artistas brasileiros, sobretudo, da segunda metade do século XX em diante, com meios de comunicação como jornais, revistas ilustradas e o meio editorial nacional. As curadoras Renata Rocco, Francis Melvin Lee e Mariana Motta trabalharam a partir da doação de 89 exemplares de revistas e publicações ilustradas brasileiras do período para a Biblioteca Lourival Gomes Machado.

Mostra coletiva que reúne o trabalho de mais de 70 artistas, os quais compõem uma poética do tecer inventiva, questionadora e bela. Com curadoria de Carol Barreto e Hanayrá Negreiros, a exposição propõe questionamentos a partir da moda que existe muito além das vitrines e passarelas. Ancestralidades, contemporaneidades, tecnologias e fazeres contínuos são apresentados como um convite, também, para que se entenda o ateliê não apenas como um lugar de criação, mas como parte da própria criação.

Primeira exposição retrospectiva póstuma do artista Nelson Leirner (1932 - 2020). Com curadoria de Agnaldo Farias, a mostra Nelson Leirner - Parque de Diversões reúne 74 obras - algumas delas, realizadas em seus últimos anos de vida -, incluindo esculturas, pinturas, colagens, fotografias e objetos, oferecendo um panorama abrangente da produção multifacetada do artista ao longo de sua carreira.Nelson Leirner foi um artista provocador, cuja obra buscava desafiar convenções e questionar o sistema da arte e da cultura de massa. Transitando por diversos suportes e linguagens, Leirner trouxe uma abordagem irônica e reflexiva à arte, mesclando elementos do popular e do erudito, e abordando questões políticas e sociais com um senso crítico. Sua obra explora temas como a banalização do consumo, a iconografia religiosa, e a própria sacralização do objeto artístico.Leirner ganhou destaque a partir da década de 1960, sendo uma das figuras centrais no movimento de arte conceitual no Brasil. Sua obra, marcada pela crítica institucional e pela exploração das fronteiras entre arte e vida, permanece relevante e atual, destacando-se pela capacidade de dialogar com diferentes contextos e gerações.

A exposição coletiva Ainda viva, que ocupa a Galeria do Parque, propõe uma releitura da natureza-morta, gênero histórico da arte que remonta a Grécia Antiga e ao conceito de "vanitas". A expressão, que tem origem bíblica e significa "vaidade de vaidades", é atribuída a imagens que criticam a frivolidade humana, utilizando símbolos que representam a fragilidade da vida e que nos lembram que os bens materiais são insignificantes diante da morte. A mostra gira em torno do uso de frutas in natura na arte contemporânea, "pensando a fruta como símbolo fundamental da natureza humana, permeando diversos aspectos: alimentação, erotismo, vida-morte, entre outros", contam as curadoras Bruna Costa e Paula Borghi.

Na instalação Ninho duro, realizada especialmente para o Gabinete da Casa de Cultura do Parque, o artista Rodrigo Sassi apresenta uma estrutura tridimensional que desafia o espaço arquitetônico e agrega uma nova camada de percepção ao explorar o contraste entre peso e leveza e sua edificação.As janelas, tradicionalmente passagens para o exterior ou meramente fontes de luz, tornam-se portais para a interioridade, invertendo a função tradicional de conduzir o olhar para fora. Ninho duro convida o espectador a imergir nesse espaço e a ser habitado por ele, revelando uma "arquitetura do sensível".Inspirada no modernismo brasileiro, a obra de Rodrigo Sassi explora a racionalidade e as formas geométricas, mas vai além ao investigar novas possibilidades de ornamento. Com uma estética que dialoga com a arquitetura e a construção civil, Sassi ressignifica fragmentos e ruínas urbanas, utilizando materiais como concreto, madeira e ferro. Seus trabalhos tridimensionais capturam o caos e a constante transformação das metrópoles.

Na instalação, o artista argentino utiliza cerca de 10 kg de barro, proveniente do Rio Paraná, e desenhos e peças de seda branca para criar um mural que retrata, desde o cotidiano até questões sociais como o narcotráfico, de Rosário, sua cidade natal. "A parede funcionará como uma espécie de rio que abriga diferentes histórias", explica Brandazza.

A exposição apresenta uma seleção com aproximadamente 300 fotografias de Claudia Andujar, Lux Vidal e Maureen Bisilliat, com curadoria das antropólogas Sylvia Caiuby Novaes e Fabiana Bruno. As fotógrafas são mulheres cujas trajetórias foram marcardas pela vivência da Segunda Guerra Mundial, por terem morado em muitos países e dominarem várias línguas. No Brasil se cruzam em trajetórias similares, buscando e revelando o Brasil pouco conhecido até pelos brasileiros.A exposição traz as características peculiares das artista. As fotos de Claudia Andujar trazem afeto, espontaneidade, mas também guardam algo da ordem do não-dito, próprio da intimidade partilhada com os Yanomami. Os trabalhos de Lux Vidal, por sua vez, trazem um modo de olhar que se aproxima, acompanha e descreve as pessoas ao longo do tempo, em atividades cotidianas, rituais, mudanças nas pinturas corporais, uso e confecção de adornos. E os retratos de Maureen Bisilliat surgem de uma dramaticidade do personagem graças ao fundo negro e neutro utilizado pela fotógrafa

A mostra apresenta uma seleção de mais de 160 itens que ajudam a contar a vida e a obra do modernista Oswald de Andrade, um dos principais articuladores da Semana de Arte Moderna de 1922. Recortes de jornais, primeiras edições de seus livros, manuscritos e datiloscritos originais de livros, peças, poemas e artigos, fotos de família e pessoais, vídeos com depoimentos de estudiosos de seu trabalho, filhos e biógrafos compõem o acervo em exibição. Oswald de Andrade deixou vasto legado construído em trajetória que passa pela poesia, romance, dramaturgia, jornalismo, filosofia e militância. A sua obra marcou a literatura, a música, o teatro e as artes visuais no Brasil. A sua herança cultural e política pode ser conhecida por completo na exposição, que também marca os 70 anos de sua morte.

“Um Defeito de Cor” toma o espaço expositivo do segundo andar do Sesc Pinheiros com desdobramentos que recepcionam visitantes desde o muro da entrada como uma mostra de arte que parte do romance histórico homônimo de Ana Maria Gonçalves. Em seu livro, a autora reconta a saga de Kehinde, africana escravizada confrontada com a necessidade de reconstrução em terras brasileiras e a incessante luta por liberdade fazendo uso da comida, da arte, do afeto, da busca pela família, acolhimento e de sua fé nos encantados.Os curadores Amanda Bonan e Marcelo Campos, ambos do MAR (Museu de Arte do Rio), fizeram o convite a Ana Maria para uma construção curatorial conjunta a repensar a trajetória do livro de forma imagética: da produção moderna e contemporânea que tem em seu cerne a cosmogonia africana nasceu esse encontro a partir de produções de 131 artistas – entre 77 vivos e 37 já falecidos, além de 17 convidados a produzir novas obras para a mostra, com nomes como Kwaku Ananse Kintê, Kika Carvalho, Antonio Oloxedê e Goya Lopes.

A mostra traz os vencedores e menções honrosas do 9º Prêmio Objeto Brasileiro, evento que premia e destaca o melhor da produção artesanal e do design contemporâneo no Brasil.

Ao promover a exposição “Onde há fumaça: arte e emergência climática”, o Museu do Ipiranga questiona a ideia de progresso ainda predominante, que gera a situação atual de emergência climática. A curadoria do Micrópolis, grupo formado pelos arquitetos e pesquisadores Felipe Carnevalli, Marcela Rosenburg e Vítor Lagoeiro, coloca o acervo histórico ao lado de obras contemporâneas para dar visibilidade ao processo de degradação ambiental e social ao longo do desenvolvimento urbano do Brasil.É a primeira vez desde a reabertura que uma mostra no Museu do Ipiranga tem uma curadoria inteiramente externa. Esse é mais um passo da instituição para acolher a participação da sociedade e contar narrativas de grupos não-hegemônicos. Pinturas e fotografias de mestres, como Benedito Calixto e Henrique Manzo, dialogam com trabalhos dos artistas Alice Lara, André Vargas, Bruno Novelli, davi de jesus do nascimento, Anderson Kary Bayá, Jaime Lauriano, Luana Vitra, Mabe Bethônico, Roberta Carvalho, (Se)cura humana, Uýra Sodoma e Xadalu Tupã Jekupé. A justaposição permite analisar como a colonização do território e a construção da nação estão pautadas na ideia de civilização versus barbárie, da cultura possível versus natureza impossível.

A mostra apresenta releituras de personagens negros da Marvel criadas por artistas pretos, indígenas e LGBTQIAPN+, produzidas durante o programa Afrolab Marvel O Poder é Nosso. O projeto Afrolab ofereceu capacitação e suporte financeiro para 60 jovens talentos da indústria criativa e faz parte do Disney Future Storytellers, iniciativa que promove o acesso a oportunidades para comunidades sub-representadas e ajuda a formar uma força de trabalho mais representativa.

A mostra apresenta releituras de personagens negros da Marvel criadas por artistas pretos, indígenas e LGBTQIAPN+, produzidas durante o programa Afrolab Marvel O Poder é Nosso. O projeto Afrolab ofereceu capacitação e suporte financeiro para 60 jovens talentos da indústria criativa e faz parte do Disney Future Storytellers, iniciativa que promove o acesso a oportunidades para comunidades sub-representadas e ajuda a formar uma força de trabalho mais representativa.

A exposição Paisagens Temporais: Perspectivas em Evolução estabelece um diálogo entre gerações de artistas, cujo trabalho representa a transformação constante da natureza e as incertezas que definem nosso ambiente ecológico atual. Por meio das instalações de Marlene Almeida e uma seleção de obras do acervo da coleção Almeida & Dale, incluindo Tomie Ohtake, Farnese de Andrade, Eleonore Koch, Djanira, Ione Saldanha, Leonilson, Joseca Yanomami e Vivian Caccuri, revela-se uma continuidade delicada, mas significativa, entre diferentes territórios, tempos e práticas artísticas. O tecido visual não só documenta as mutações ambientais, como também, por intermédio das propostas artísticas, nos convida a repensar as ecologias que surgem como resposta à crise global, tanto em suas dimensões materiais quanto simbólicas.

A mostra exibe obras da artista sul-coreana Jung Eun Hye. A exposição conta com 70 obras, incluindo caricaturas de animais e pessoas.Ao explorar o “visível e além do visível”, Jung Eun Hye interpreta relacionamentos por meio de uma energia que emana de seu interior, criando o que ela chama de “linhas relacionais”. Seu trabalho reflete um amor profundo pelas linhas, objetos únicos e abstratos, afastando-se da arte tradicional e assumindo uma abordagem única com caricaturas sinceras e criativas.“Eun Hye” significa “Graça” em português e inspirou o nome da exposição, que faz referência à presença da artista Jung Eun Hye e suas obras no mundo inteiro.Nascida em 1990, Jung Eun Hye tem Síndrome de Down e é uma caricaturista sul-coreana. A artista é conhecida por seu papel como Lee Young-hui no K-drama “Amor e Outros Dramas” da Netflix. Desde o verão de 2016, Jung cria caricaturas no Munhori River Market em Gyeonggi-do, na Coreia do Sul. Entre 2019 e 2020, ela foi artista residente na Fundação de Artes e Cultura de Seul, onde começou a se dedicar seriamente à pintura.

A galeria abre sua programação de 2025 com uma mostra individual da artista Larissa de Souza. Com 15 obras inéditas, a exposição apresenta obras que refletem sua pesquisa sobre simpatias brasileiras e angolanas. Larissa de Souza (São Paulo, 1995) é uma artista autodidata que se dedica à pintura majoritariamente figurativa, concentrando-se na representação da mulher afro diaspórica em seus universos particulares e coletivos. A artista iniciou sua trajetória em 2016, trabalhando em uma loja de materiais artísticos, onde aprofundou seus conhecimentos sobre técnicas e materiais. Posteriormente, atuou como assistente em um ateliê, o que impulsionou sua própria produção, especialmente durante a pandemia de 2020. Sua principal técnica é a tinta acrílica, combinada com aplicações que incluem bordados, tecidos, pedras e ladrilhos, adicionando camadas de textura às suas obras.As cenas retratadas por Larissa são íntimas, muitas vezes situadas em ambientes caseiros com elementos de vazio e convites implícitos para o espectador adentrar esses espaços através de janelas ou portas abertas.

A exposição de Andréa Brächer, sob curadoria de Letícia Lau, apresenta 14 imagens que exploram a conexão entre a natureza amazônica e a fabulação, forjadas a partir da cianotipia, um processo fotográfico histórico criado em 1842 por Sir John Herschel.O título da exposição, “Ygapó”, faz referência às áreas da floresta amazônica permanentemente alagadas, mesmo nos períodos de estiagem dos rios. As imagens foram captadas em Alter do Chão (PA), durante uma imersão fotográfica em janeiro de 2022. Inspirada pela “vitalidade e pelos ciclos da natureza”, a narrativa visual de Andréa Brächer evoca tanto o encantamento quanto as urgências ambientais contemporâneas. A utilização da cianotipia, com suas tonalidades azuladas características, alia técnicas analógicas e digitais, conectando práticas históricas às tendências da fotografia contemporânea. As fotografias, ampliadas em papel Canson mate, surgem da digitalização das imagens originais, feitas em papel para aquarela, revelando um diálogo entre o passado e o presente da arte fotográfica.

A Anual de Arte, cuja primeira edição foi realizada em 1964, tem como princípio incentivar a produção artística e cultural dos alunos, além de criar um espaço de reflexão a partir de novas ideias e percepções sobre a arte. “A arte é uma ferramenta educativa e sua visibilidade extramuros amplia as perspectivas de diálogo. Ela instiga, denuncia, questiona, acalma, provoca reflexões e possibilita novas maneiras de pensar. Por isso, os trabalhos expostos na Anual contribuem para a valorização do potencial desses artistas, que retratam a expressão da contemporaneidade a partir do olhar da nova geração”, explica o professor Marcos Moraes, responsável pela mostra e coordenador do curso de Artes Visuais da FAAP.

Nazareth Pacheco reformula objetos do dia-a-dia de maneira sutil, refletindo sobre o corpo esobre a presença do corpo e os rastros que deixa no cotidiano.

Anna Costa e Silva aborda a monotonia em paralelo à necessidade da criação e o desejo em meio a um ambiente burocrático.

A partir das vivências na Residência Artística Setor Público, que prevê a imersão de artistas visuais em órgãos públicos no Rio de Janeiro, Anna Costa e Silva apresenta a mostra"Ventário", a ser inaugurada dia 07 de novembro, na Galeria Lume. Com curadoria de Ana Carolina Ralston, a exposição ocupa a sala expositiva II com um filme e instalação no qualAnna convida servidores públicos a criar personagens fantásticos e figurinos que materializassem seus desejos, angústias e sensações.O projeto se iniciou com um exercício de escuta, em que a artista se encontrava com os participantes para ouvir suas histórias, pensamentos, dores e alegrias e, então, juntosdesenvolviam cores, texturas, imagens e palavras inventadas para cada sentimento dosfuncionários do órgão governamental carioca, surgindo daí o título da mostra: Ventário: um neologismo, algo da ordem das coisas que ventam.Num jogo de autoficção, a artista convida o stylist José Camarano para produzir os figurinos destes recém-criados personagens, trazendo para as imagens descritas formas, cortes, pesos e movimentos. Após a concretização das ideias, os participantes puderam vestir as peles que haviam criado e habitar o espaço burocrático e monótono do escritório damaneira que achavam melhor, desenvolvendo uma série de gestos que brincavam com as coreografias do dia a dia de trabalho, introduzindo elementos curiosos e extra-cotidianos,que levam o filme para uma atmosfera surrealista.

O que é o corpo em relação ao objeto? Qual sua reação ao estar em um território fora dos padrões estabelecidos? Ao interagir com uma matéria diferente e considerada incomum, de que forma o corpo redefine os espaços de ação com determinado objeto? É a partir destes questionamentos que nasce a primeira individual de Nazareth Pacheco na Galeria Lume: "Então, faça!". Nazareth Pacheco transforma sua obra em um registro de sua vivência e convida o visitante a questionar o sentido das formas denominadas como “padrões”, destinadas a usosparametrizados que visam o “ser humano comum”. Comum, segundo quem? Mudando peso e material de objetos cotidianos, a artista provoca uma abrupta reconfiguração na habitual manipulação dos mesmos e, assim, transforma sua relação para com o corpo que os observa. "Então, faça!", instrução que dá nome à exposição, relembra um dos contatos de Pacheco com a artista Louise Bourgeois, referência fundamental em sua produção, especialmente narelação com os materiais, nos métodos de criação e na forma de abordar temas autobiográficos por meio da linguagem visual.

A exposição apresenta uma seleção de trabalhos do coletivo OPAVIVARÁ. Depois de uma pausa por conta da pandemia, momento em que eles resolveram não realizar nada online, o grupo apresenta novas ideias e resgatando o espírito da coletividade. O texto crítico é da curadora Pollyana Quintella.Uma parte será um pequeno panorama da obra, com trabalhos que nunca foram mostrados no Brasil ou em São Paulo. Além de alguns objetos e instalações novas. E todos os trabalhos, como é característica do coletivo, são relacionais e precisam da participação ativa do público que, no momento de interação com a obra, constroem uma horizontalidade autoral.

O arquiteto e artista visual Isay Weinfeld apresenta um conjunto inédito de 20 obras produzidas em 2024. Flores, bonecos de porcelana e molduras são alguns dos itens adquiridos por Isay em mercados e feirinhas ao redor do mundo e que constituem a narrativa visual das obras presentes na exposição. Esses pequenos objetos dotados ao mesmo tempo de delicadeza, humor e ironia conduzem o público em uma experiência estética que evidencia contradições da contemporaneidade através de signos e símbolos até então tidos como rotineiros e convencionais.Em Ininteligibilidade, Weinfeld exercita o humor que também pode ser encontrado em outras produções artísticas suas, como no filme Fogo e Paixão (1989) e em exposições anteriores como Supercalifragilisticexpialidocious, realizada na galeria Millan (2018).

A nova individual da dupla radicada em Paris, Detanico Lain, empresta seu título do texto Sobre o infinito, o universo e os mundos, de Giordano Bruno, publicado no século 16, antes do autor ser queimado vivo no Campo dei Fiori, em Roma, por suas ideias que buscavam conciliar a multiplicidade dos infinitos mundos que constituía uma das bases de sua cosmogonia e a unidade de Deus.

Em sua obra, Estevan Davi (São Paulo, 1999) articula uma abordagem iconoclasta, reelaborando símbolos e imagens do imaginário de civilizações antigas. Seus métodos condensam elementos atemporais ligados à história da arte, reinterpretando mitos, lendas e crenças de diferentes culturas e períodos.

A DAN Galeria abre a exposição “Pã sem Flauta”, com 26 obras inéditas da produção mais recente do artista Antonio Hélio Cabral, que dá continuidade ao seu trabalho ininterrupto com a pintura, iniciado na década de 1970. A mostra marca a nova parceria com a galeria, que passa a representar o artista. Criadas, em sua maioria entre 2022 e 2024, as obras selecionadas abrem um leque de possibilidades em diferentes direções, sem abandonar a ironia, recurso já conhecido no trabalho do artista, seja nos títulos ou nos grafismos e desenhos

Novo centro cultural na cidade, a Casa Bradesco inaugura com uma mostra do artista britânico Anish Kapoor. A exposição apresenta 18 esculturas de diferentes momentos da carreira do artista e uma nova obra, criada especialmente para a exposição, com o título de “Blinded by Eyes, Butchered by Birth”. A instalação é um inflável de grandes proporções que tensiona o edifício por todos os seus cantos. Concebidaespecialmente para a mostra no Brasil, a obra evoca uma relação com a inflamação concentrada em um gigantesco órgão, que pulsa e domina o espaço. A condição que carregaé a fragilidade essencial da existência: o que mantém a obra viva é uma pulsação constante, ela é viva e dominante.

O circuito expositivo apresenta a história das primeiras motocicletas, que nasceram a partir das bicicletas, tendo o pedal como forma de auxílio para os primeiros motores. Eles acabaram desaparecendo, os motores cresceram e mudaram de posição, as suspensões surgiram, os freios cada vez mais potentes, e tudo isso acompanhado pela evolução do design, que deixou as motos cada vez mais lindas.

O MuBE - Museu Brasileiro da Escultura e Ecologia inaugura no dia 26 de outubro a exposição “Mupotyra: arqueologia amazônica”, com curadoria de Naine Terena, Carla Gibertoni, Eduardo Neves, Ricardo Cardim e Guilherme Wisnik, e parceria com o MAE USP.Partindo de estudos que indicam que a ação de povos indígenas ancestrais teria sido determinante para a formação da Floresta Amazônica, a mostra reúne arqueologia, arte e meio ambiente para discutir a ocupação da região e os impactos da exploração excessiva dos recursos naturais em prol do desenvolvimento. Mupotyra significa florescer em Nheengatu, língua geral amazônica. Ao revisitar o passado, a exibição propõe um chamado de consciência para imaginarmos novos futuros, de forma sustentável.

A exposição reúne cerca de 500 itens, incluindo fotografias, filmes, documentos e equipamentos, e reflete a trajetória inclusiva e colaborativa do artista, no ano de seu centenário de nascimento. Dividida em eixos, a exposição explora as facetas de sua atuação como fotógrafo e cineasta, destacando as séries documentais Brasil verdade e A condição brasileira, além de filmes como Todomundo e Subterrâneos do futebol, que revelam sua visão acolhedora e curiosa sobre o país que adotou como lar. A mostra busca recriar o espírito coletivo e generoso de Farkas, presente tanto na sua produção artística quanto em seu papel como incentivador cultural e empresário, com a criação da Galeria Fotoptica.

exposição coletiva com curadoria da artista Laura Vinci em parceria com o núcleo curatorial Nara Roesler. A mostra reúne em torno de 30 trabalhos de 22 artistas que, embora possuam poéticas distintas entre si, têm como ponto de convergência a questão da cartografia. A cartografia é um campo do conhecimento que produz representações gráficas de um determinado espaço, e historicamente a mesma dialogou profundamente com as artes, a religião e diversos sistemas de crenças e mitologias. Olhando para os mapas como ideias de representação de mundo, mas também como ferramentas amplamente utilizadas para controle e exploração de territórios colonizados, a mostra busca reunir trabalhos que repensam e subvertem essas representações.

A mostra coletiva conta com trabalhos dos artistas Antonio Dias, Carlito Carvalhosa, Sergio Sister, Tomie Ohtake, Milton Machado, Fabio Miguez, Abraham Palatnik, Amelia Toledo, Mira Schendel, além do próprio Lescher. A exposição tem como ponto de partida a instalação inédita que Artur Lescher concebeu especialmente para o projeto, que serve como objeto teórico para abordar a relação dinâmica entre cor e linha, suas mutuas interações e tensões plásticas, declinada através de diferentes artistas e linguagens.

Calambur é um projeto que nasceu de um diálogo entre dois amigos artistas e um curador que está quase tão distante quanto a própria pesquisa dos dois artistas. Os amigos trabalham, o curador observa e não faz absolutamente nada, exceto dar dicas possivelmente inúteis, trazer um olhar diferente e benevolente, mas, acima de tudo, gosta de torturar os dois artistas. Nossos heróis sofrem invadidos pelo orgasmo que o próprio ato de criar lhes causa. O curador cria limites ao impor a máxima liberdade… não há liberdade se você não estiver ciente dos limites dos outros… Calambur joga em diferentes planos, lidando com problemas dialéticos, visuais, formais requintados de sentido e contra-sentido. Calambur enfrenta a metodologia crítica de frente e não deixa espaço para nada além da força das imagens. Calambur poderia ser uma batata (doce também), um peixe, um perfume, um problema de saúde, uma arma, uma língua, um país, um tipo de abraço, um diálogo, uma homenagem, um experimento… Calambur é tão fluido quanto sua pesquisa. Calambur é repentino. Calambur é o paradoxo da própria vida… ele dá sentido ao sem sentido e se esforça para mergulhar nele criando novos significados.

Willian Santos apresenta nesta exposição individual uma série de obras inéditas que expandem sua pesquisa sobre a figuração enigmática e os paradoxos visuais. Sua produção explora temas como alquimia, mitologia, história da arte e questões ambientais, além de incorporar elementos culturais, como símbolos xamânicos e referências à cultura popular brasileira.A pesquisa do artista curitibano se caracteriza por uma relação íntima com os materiais e processos que utiliza, enfatizando a reutilização de resíduos de suas criações anteriores. Ele adota uma abordagem de "logística reversa", onde vestígios e fragmentos de trabalhos concluídos guiam a criação de novas obras, muitas vezes transformando o suporte em um espaço que carrega memórias materiais e simbólicas.

O Salão dos Artistas Sem Galeria, promovido pelo portal Mapa das Artes apresenta as obras de dez artistas selecionados entre os mais de 300 inscritos para a mostra. Nesta edição, foram selecionados Emika Takaki (SP), Fava da Silva (RJ), Ian Salamente (RJ), Iuri Dias (SP/MS), Jesus José (GO), João Guilherme Parisi (SP), Luana Lins (SP), Mauro Yamaguti (SP), Rafael de Almeida (GO) e Telma Gadelha (BA/RJ).Também foi concedido o Prêmio Estímulo Fora do Eixo, no valor de R$ 1 mil, direcionado a um artista residente fora do eixo Rio - São Paulo. A premiada foi Beatriz Pessoa (nascida no Maranhão e residente em Minas Gerais).O Salão dos Artistas Sem Galeria tem como objetivo movimentar e estimular o circuito de arte logo no início do ano. Há 16 anos, o evento avalia, exibe, documenta e divulga a produção de artistas plásticos que não tenham contratos verbais ou formais (representação) com qualquer galeria de arte em São Paulo (SP). O evento abre o calendário de artes na cidade e é uma porta de entrada para esses artistas no concorrido circuito comercial das artes no país.

No centenário de nascimento de Paulo Vanzolini (1924 – 2013), compositor brasileiro responsável por clássicos como "Ronda" e "Volta Por Cima", o Sesc São Paulo apresenta uma imersão na vida do artista, revelando não apenas sua faceta musical, mas também a trajetória do zoólogo de renome internacional. Idealizada pelos filhos do cientista, o diretor de arte e cineasta Toni Vanzolini e a psicóloga Maria Eugênia Vanzolini, a mostra conta com curadoria de Daniela Thomas, cenógrafa, cineasta e diretora teatral.Sem perder de vista o lado boêmio e artístico do homenageado, a exposição revisita as expedições científicas e as contribuições para a ciência empreendidas como herpetólogo, especializado no estudo de répteis e anfíbios. O Sesc Ipiranga como espaço para a exposição possui um simbolismo especial: a proximidade com o Museu de Zoologia da Universidade de São Paulo (MZUSP), onde Paulo Vanzolini trabalhou por cinco décadas – três destas, como diretor.Em parceria com o Museu de Zoologia da USP, a exposição exibe ao público 51 exemplares conservados de espécies animais identificadas e catalogadas por Vanzolini. Esses espécimes, emprestados pelo Museu ao Sesc, estão em destaque em uma sala que recria um laboratório de zoologia.Cinco salas temáticas revelam a trajetória multifacetada de Vanzolini, abrangendo mais de meio século de pesquisa. A exposição destaca suas célebres expedições amazônicas e as conexões entre arte e ciência que ele promoveu. Documentos, fotografias e vídeos oferecem um vislumbre dos bastidores das descobertas marcantes do , apelido carinhosamente atribuído por Antonio Cândido, sociólogo e crítico literário, no encarte do disco Acerto de Contas de Paulo Vanzolini (2002)

Eu não faço desenhos, pinturas, textos e esculturas usando a linguagem dos quadrinhos. Eu faço histórias em quadrinhos usando a linguagem e os meios da escultura, da pintura, do desenho e do cinema. Posso fazer quadrinhos usando tinta a óleo sobre tela, modelando argila e porcelana fria, realizando ações em espaços públicos, escrevendo ensaios e romances, desenhando sobre a parede.

C. L. Salvaro apresenta Lapso, uma exposição que explora a interação sensível com o espaço e seus estímulos externos. Suas obras, que incorporam o vocabulário da ruína urbana, são um convite a refletir sobre a impermanência, instabilidade e resíduo na vida contemporânea.

A galeria da Escola da Cidade apresenta uma mostra que investiga o uso do vidro na arquitetura. os 16 pavilhões que compõem a mostra estão objetos autênticos de arte e peças históricas que datam de 1851 a 2023, como a maquete de Dan Graham para um pavilhão de vidro, jornais originais e fac-símiles dos desenhos originais de 1851 do Crystal Palace de Joseph Paxton, o pavilhão de Lucio Costa e Oscar Niemeyer para Feira Mundial de Nova York de 1939 – primeiro projeto com cortina de vidro na cidade –, modelos de blocos de vidro prismático utilizados no interior do pavilhão de Bruno Taut, cartões postais das Exposições Universais de 1937 e 1970, fotografias, desenhos, materiais audiovisuais, entre outros.

Leda Maria Martins, homenageada na 66a Ocupação Itaú Cultural, é teatróloga, poeta, importante intelectual brasileira, além de Rainha de Nossa Senhora das Mercês. A exposição homenageia a sua trajetória múltipla e plural. A Ocupação revela essa trajetória ao percorrer as diferentes formações da homenageada, que passam pela academia tradicional e pelas experiências na poesia, no teatro e no Reinado. Também revela o seu processo criativo, afetos familiares e registros visuais e materiais que remetem à sua existência como Rainha de Nossa Senhora das Mercês da Irmandade de Nossa Senhora do Rosário do Jatobá, em Minas Gerais.“Eu sou tudo o que me constitui: poeta, pós-doutora, reinadeira, que foi princesa e hoje é rainha. Sou mãe, sou filha. Não mantenho comigo nem com o mundo uma relação de dualidade”, diz Leda em um dos vídeos produzidos pela equipe do Itaú Cultural e exposto na Ocupação.

O Centro MariAntonia inaugura a exposição Memórias encontradas: entre a solidariedade e a perseguição, que traz a história de homens e mulheres que, no golpe de Augusto Pinochet - 11 de setembro de 1973 - ingressaram na Embaixada da Argentina, em Santiago do Chile, em busca de refúgio. Os perseguidos incluíam muitos brasileiros e brasileiras que também não puderam regressar ao Brasil.A partir de documentos produzidos pela Dirección de Inteligencia de la Policía de la Provincia de Buenos Aires (DIPPBA), que fotografou e registrou todos os latino-americanos que foram asilados na Embaixada da Argentina, e produziu fotografias, fichas com datas de ingresso, antecedentes ideológicos e de destino posterior, a exposição foi idealizada pela Comisión Provincial por la Memoria de Buenos Aires e chega a São Paulo, com a parceria do Instituto Vladimir Herzog, após ter passado pelo Uruguai, Chile, Argentina e, no Brasil, por Porto Alegre, Curitiba, Campinas e Niterói.

A exposição destaca a trajetória das mulheres como produtoras e mantenedoras de conhecimento nas áreas científica, intelectual e artística. A exposição abrange cenários históricos que vão desde a sabedoria ancestral até a crescente presença feminina nas instituições científicas. A narrativa revela a contínua luta das mulheres por uma sociedade mais igualitária, onde todos tenham pleno acesso a direitos políticos, econômicos e sociais.

A exposição imersiva, que acontece na OCA do Ibirapuera, explora os bastidores e celebra momentos icônicos, personagens, cenários e criaturas vistos nos filmes de Harry Potter e de Animais Fantásticos.  O evento já passou por várias cidades do mundo e agora desembarca em São Paulo, com ambientes que usam o design e a tecnologia para que o público se sinta dentro do universo da saga. Entre alguns destaques da exposição estão as salas de aula de Hogwarts, na qual os visitantes poderão interagir com tarefas e jogos; uma recriação da Cabana de Hagrid e um espaço em que os visitantes poderão conhecer as casas de Hogwarts e tirar fotos com o Chapéu Seletor.

“Domingo no parque", individual de Renata Lucas, reúne obras realizadas nos últimos 15 anos.A radicalidade do trabalho de Lucas se evidencia no confronto não apenas com a escala das três salas expositivas do museu, mas também na fachada e na praça em frente ao prédio da Pina Estação, localizada no Largo General Osório.O repertório da artista se concentra especialmente em intervenções temporárias em ambientes já existentes, rompendo os limites delineados dos espaços arquitetônicos e urbanos, e levantando questões sobre a forma como nosso dia-a-dia e comportamento social são determinados pelos espaços que nos rodeiam.

O coletivo Serigrafistas Queer surgiu durante uma oficina de serigrafia que tinha o objetivo de ensinar ativistas a estampar camisetas para a manifestação do Orgulho LGBTQIA+, em Buenos Aires. Composto por artistas, ativistas e participantes espontâneos, o coletivo combina técnicas de artes gráficas com slogans e frases de protesto que são impressos em faixas, camisetas e peças de tecido. A partir de encontros periódicos, os Serigrafistas Queer promovem discussões sobre o potencial das palavras de ordem provenientes de práticas e discursos dissidentes, estratégias para ampliar a disseminação das inúmeras possibilidades de manifestação dos desejos, além da produção de dispositivos móveis que facilitam as impressões serigráficas e com estêncil.

A exposição coletiva nasce a partir do trabalho emblemático de Almeida Júnior (Itu, 8 de maio de 1850 — Piracicaba, 13 de novembro de 1899), Caipira picando fumo (1893), para repensar o imaginário em torno da identidade deste tipo social construído para designar o paulista interiorano.A figura do caipira surge do projeto político de uma elite cultural empenhada na modernização de São Paulo e na construção de um lugar destacado para o estado frente as outras unidades da federação.O alinhamento com tendências modernas internacionais de arte no século 19, o realismo e o naturalismo, faz do caipira a versão paulista dos trabalhadores do campo, à época colocado como tipo social fundador das culturas nacionais em diversos países. A primeira sala expositiva perpassa a construção desse personagem (caipira), a representação do ambiente rural e os afazeres que os caracterizam.Na segunda galeria, estão reunidas obras que buscam apresentar os antecedentes do caipira, que pode ser entendido como a síntese de outras imagens produzidas ao longo do século 19, entre elas bandeirantes, mestiços e caboclos. Paralelas a essas figuras, algumas paisagens retratam a destruição das florestas desde 1830, tratando da relação humana com o ambiente.A última sala se volta para a representação do sistema cultural em que a figura do caipira se insere, uma preocupação realista dos pintores modernos, como Almeida Júnior. É nessa sala que está a Saudade (1899), uma das obras mais emblemáticas de Almeida Júnior. Na pintura, uma caipira nos comove ao chorar sobre uma fotografia, que lhe traz uma recordação.

Realizada pela primeira vez no Brasil, a exposição “A vida que se revela” ocupa o segundo andar da Japan House São Paulo. Em colaboração com o “KYOTOGRAPHIE International Photography Festival” - reconhecido como um dos mais importantes eventos do gênero desde sua criação em Quioto em 2013 – a mostra exibe quatro séries de fotografias produzidas por Rinko Kawauchi (1972) e Tokuko Ushioda (1940), que retratam momentos familiares e a intimidade de seus lares no Japão. As séries, que capturam momentos com a família ou cenas cotidianas do lar, são baseadas em um diálogo entre essas duas importantes fotógrafas japonesas, Rinko Kawauchi e Tokuko Ushioda, que receberam grande reconhecimento no ‘KYOTOGRAPHIE International Photography Festival 2024’.

Com cerca de 200 obras de acervos públicos e privados do Brasil e do exterior, a mostra será organizada em diversos núcleos. A noção plural de histórias, em português, é particularmente relevante (em oposição à noção de History em inglês, por exemplo), pois pode abranger ficção e não ficção, relatos pessoais ou políticos, narrativas privadas ou públicas, possuindo um caráter aberto, especulativo, diverso e polifônico.

Com curadoria de Eder Chiodetto, a mostra de Giselle Beiguelman traz cerca de 30 trabalhos inéditos da artista, que utilizou inteligência artificial (IA) para desenvolvê-los. “Nos últimos três anos, tenho trabalhado extensivamente com IA em meus projetos artísticos. E tem sido uma tremenda experiência de aprendizado. No momento, me dedico à exploração de modelos de IA que utilizam linguagem natural para gerar imagens a partir de textos e transformar imagens em um dinâmico processo de tradução quase intersemiótica. As obras visuais apresentadas nesta mostra foram criadas com esse tipo de tecnologia”, explica Beiguelman.Em “Venenosas, Nocivas e Suspeitas”, a artista relaciona plantas que foram proibidas ou demonizadas pelo colonialismo – por razões que vão do seu uso em práticas rituais a poderes afrodisíacos ou alucinógenos – a mulheres que foram apagadas da história da arte e da ciência.Pau-brasil, cannabis e cogumelos são outras algumas das plantas que surgem em vídeos criados por Beiguelman, que abasteceu a IA com referências da arte e estética de diversas botanistas que, no seu tempo, não tiveram o reconhecimento de seu trabalho, como Sarah Anne Drake (1803-1857), responsável pelas ilustrações do livro “Orchidaceae Of Mexico And Guatemala" (1837-1843), de James Batemane.A artista também homenageia naturalistas do século XVII ao XIX, que, apesar de terem feito importantes contribuições à ciência e às artes, nunca receberam os devidos créditos

“Era uma vez: visões do céu e da terra” é uma exposição coletiva que se organiza como uma viagem no tempo e no espaço para refletir sobre o fim do mundo e a imaginação de outros mundos. A mostra que acontece na Grande Galeria do edifício Pina Contemporânea articula perspectivas de 33 artistas de variadas gerações e origens no Brasil e no mundo, cujas produções permitem vislumbrar o confronto entre diferentes lógicas de habitar o planeta e, sobretudo, inventá-lo; uma viagem no tempo e no espaço para refletir sobre o fim do mundo e imaginar novos inícios.A exposição investiga o pensamento cosmológico das pessoas artistas, desde o período de 1969 – ano que marca os eventos históricos da chegada do homem à Lua e da divulgação do primeiro relatório da ONU sobre “Problemas do meio ambiente urbano” – até os dias de hoje, em que a relação predatória da humanidade com o planeta colocou as questões ambientais como tema central no debate ao redor do globo.