EXPOSIÇÕES

Com o intuito de resgatar a trajetória e a obra de Goulart, a mostra propõe um olhar atento à produção desse importante artista que, mesmo com projeção internacional, é pouco conhecido no cenário brasileiro. A exposição parte da íntima relação de Goulart com a memória, temática que atravessa sua produção e se faz presente em imagens apropriadas e de referências históricas, bem como em fragmentos de paisagens por onde passou e habitou.

Helô Sanvoy (1985, Goiânia, GO) inaugura a exposição "Nessas artes, vadiava" , com curadoria de Ana Avelar, que sucede a recente participação do artista em diversas exposições coletivas institucionais.
Pensada enquanto um tipo de investigação sobre o lugar ambíguo do fazer arte, a escolha pela ideia de vadiagem alude, por um lado, tanto à dinâmica singular que envolve a produção poética julgada à condição de atividade ociosa frente às demandas econômicas do capital quanto tensiona, por outro ângulo, o dado violento e escravagista a que permaneceram reiteradamente encrustadas as histórias social e política brasileiras. Com fundo em nexos relacionados ao pensamento do antropólogo e ativista sul-africano Archie Mafeje, a produção de Helô Sanvoy explora disputas relevantes que envolvem a arte contemporânea, bem como coloca em xeque uma espécie de neurose etnográfica que tem ocupado diversas frentes do discurso cultural. Primeira exposição individual dedicada à produção do artista, a mostra reúne um conjunto de obras que percorrem a multisciplinaridade da produção de Helô, abrangendo desde o seu trabalho com escultura, desenho, vídeo e fotografia até instalação e relevo de parede.
Helô Sanvoy foi um dos artistas premiados nas edições de 2023 do Prêmio PIPA e do Prêmio ABCA. Mestre em Artes Visuais pela ECA/USP, participou de exposições no Brasil e no exterior, tendo sido selecionado para mostras em programas como os do Centro Cultural de São Paulo (CCSP), do Paço das Artes e do Paço Imperial. Fez parte também de exposições coletivas no Inhotim, Instituto Moreira Salles, Museu de Arte do Rio (MAR), Museu da República, dentre outras.

A Galeria Zielinsky, focada em arte ibero-americana e fundada em Barcelona, abre as portas de sua nova sede em São Paulo, com uma mostra individual do artista Claudio Goulart (1954-2005), cuja produção se desenvolveu em Amsterdã, na Holanda, onde viveu por mais de 30 anos, e faleceu por complicações causadas pela AIDS. A exposição conta com curadoria de Fernanda Soares da Rosa.
Fragmentos da memória é a segunda individual póstuma de Claudio Goulart no Brasil e a primeira realizada em São Paulo. Com o intuito de resgatar a trajetória e a obra de Goulart, a mostra propõe um olhar atento à produção desse importante artista que, mesmo com projeção internacional, é pouco conhecido no cenário brasileiro. A exposição parte da íntima relação de Goulart com a memória, temática que atravessa sua produção e se faz presente em imagens apropriadas e de referências históricas, bem como em fragmentos de paisagens por onde passou e habitou.

Exposição individual da artista Mayana Redin na galeria Marli Matsumoto, realizada em parceria com a GDA e com texto crítico de José Augusto Ribeiro. A exposição reúne cerca de dez obras recentes da artista, incluindo desenhos materiais, esculturas e um vídeo inédito.Os trabalhos de Mayana Redin giram em torno de imaginárioscosmogônicos, técnicos e artefatuais da humanidade. Sua produção utiliza-se principalmente da linguagem tridimensional e do diálogo entre imagem e escultura para construir cenas, instalações e objetos. Nos últimos anos, Redin vem pesquisando a relação entre imaginação cósmica em sua orientação materialista com o espaço. Tem experimentado o uso de solda, queimas, metais, borracha, argilas e cerâmica em suas obras, interessando-se pelo repertório técnico e de manufaturas.Mayana Redin é artista, pesquisadora e professora do curso de Artes Visuais da UFMG. Nasceu em Campinas (SP) e vive em Belo Horizonte (MG). Possui doutorado em Teoria e Experimentações da Arte pela PPGAV-EBA-UFRJ e graduação em Artes Visuais /Escultura pelo Instituto de Artes da UFRGS, Porto Alegre (2010) e Comunicação Social pela UNISINOS (2007).

A DAN Galeria Contemporânea recebe a individual "Spin Machine", do artista francês Pascal Dombis. Com curadoria de Franck James Marlot, a mostra reúne um conjunto de 37 obras, incluindo uma instalação inédita, que deu nome à exposição, inspirada na icônica "Dream Machine"(1959), de Brion Gysin. Conhecido por suas formas visuais imprevisíveis e dinâmicas, Dombis desafia convenções sociais e temporais, propondo uma nova visão interativa que incita reflexões sobre o futuro e a memória por meio de colagens digitais provocativas e algoritmos, combinando efeitos óticos e cinéticos em suas produções, ao mesmo tempo, em que proporciona uma experiência hipnótica por meio do movimento giratório de caixotes que refletem tramas lenticulares.

A mostra O Ateliê Fotográfico de André Feliciano é um convite para adentrar à intimidade criativa do artista: seu ateliê é transportado para o espaço da galeria. É como se o visitante passeasse pelo universo de Feliciano, onde cada objeto, cada móvel, cada rolo de filme, juntos, contam a história de um apaixonado pela fotografia.André apresenta, em mais de 20 obras inéditas, os resultados de dois anos de pesquisa, que retratam a criação de um cotidiano fotográfico lúdico. Em cada uma delas, ressuscita a história da fotografia, desde a impressão salgada do século 19 – que é a primeira técnica de positivo e negativo da história –, o banho de platinum, o filme analógico em chapa de negativo e a impressão digital. Além disso, resgata uma tradição antiga da fotografia pintada, com aplicação de tinta óleo sobre as fotos analógicas em preto e branco.Por meio do uso de diferentes técnicas, desde processos antigos aos mais contemporâneos, o artista busca, por meio da exposição, expressar uma declaração de amor à fotografia.

A exposição traz o legado da coleção de Telmo Porto (1955-2023) Sob a curadoria de Ivo Mesquita e texto de apresentação de Marcelo Mattos Araújo, a mostra, fiel à essência de Telmo Porto, apresenta uma narrativa alternativa com obras produzidas entre 1940 e 2020, destacando tanto os trabalhos menos conhecidos de artistas já consagrados quanto o daqueles que não receberam reconhecimento no mercado da arte, mas cuja obra merece uma revisão.Com uma seleção cuidadosa, a exposição apresentará cerca de 60 obras, abrangendo pinturas, gravuras e esculturas de mais de 40 artistas, tanto nacionais quanto internacionais, provenientes do acervo da galeria e da família. Entre as principais apostas, está o grande mestre da espacialidade das cores, Eduardo Sued (1925, Rio de Janeiro). Com um conjunto de 14 gravuras figurativas em metal da série Personagens, 1964-1965, ele é um dos oito cariocas integrantes da exposição, que passa pela geometria de Osmar Dilon, as figuras antropomórficas de Maria Martins e a herança surrealista nos trabalhos de Franklin Cassario. O paulistano multifacetado Aldo Bonadei, artista com diversas obras na coleção Telmo Porto e Lais Zogbi Porto, aparece com cena de interior doméstico com estética que marcou o modernismo, ao lado de Di Cavalcanti, um dos grandes expoentes do movimento no país.Rompendo com o tradicional eixo Rio-São Paulo, o artista paraibano Antonio Dias emerge como uma voz singular no panorama artístico nacional. Em sua xilogravura icônica da década de 1960, intitulada "A Madona do Lago", Dias infunde vigorosamente uma narrativa política, formalizando uma resistência por meio da figuração.A curadoria também apresenta nomes internacionais como Antonio Lizárraga, Sepp Baendereck, Pol Bury, Gerhard Richter, Jannis Kounellis, Jean Arp, Joseph Beuys, Marcel Broodthaers, Markus Lüpertz e Yolanda Lederer Mohalyi.

A mostra tem como fio condutor o acervo de história oral do Memorial da Resistência que compõe o programa Coleta Regular de Testemunhos, com depoimentos de mulheres que vivenciaram a violência de Estado no período da Ditadura Civil-Militar (1964-1985) e na Democracia. Olhar para o período da Ditadura Civil-Militar sob a perspectiva de gênero é a linha que tece esta exposição, e através dos testemunhos, abordamos as lutas coletivas de mulheres por Memória, Verdade e Justiça e por direitos fundamentais.

A mostra conta com curadoria do pesquisador Tálisson Melo e reúne 62 obras da artista plástica pernambucana Lúcia deBarros Carvalho (1922-2020). Inédita, a exposição faz uma retrospectiva na produção artística de Suanê, de 1946 a 2019, Nascida em um engenho da região de Palmares do estado pernambucano, Lúcia passou sua infância e adolescência na vila Águas Belas, localizada no centro do território do povo indígena Fulni-ô. Ao conviver de perto com a cultura e tradições desta comunidade, Lúcia recebeu o nome Suanê, adotado por ela desde então.Conhecida por trazer em seu trabalho o regionalismo e as raízes pernambucanas que moldaram seu estilo único, na exposição o público poderá conferir obras importantesda artista, que evidenciam a incorporação de elementos de várias proposições estéticas, em diferentes momentos de sua carreira. Entre as obras, destacam-se a Santa com anjos (1946), sua primeira pintura que remete à Nossa Senhora daConceição, padroeira de Águas Belas; Enterro na Rede (1946) e Interior de Fazenda (1946), ambas pertencentes ao acervo do MAC USP; Barraca com romãs (1963), principal pintura de sua fase de síntese da figuração; e Tsakhakat-xua em duas cores (1988), que marca a presença de suas memórias com os Fulni-ô quando sua obra se abre definitivamente a uma espacialidade cósmica.

O MAB-FAAP apresenta a a exposição Latência, do artista brasileiro Dee Lazzerini. Com curadoria de Laerte Ramos, a exposição apresenta cerca de 250 obras, entre instalações, esculturas e audiovisual. Entre elas, 110 obras são em pequenos formatos, esculturas criadas em poliuretano e ‘pinçadas’ por milhares de alfinetes, principal marca do artista.Nascido em Belo Horizonte, em 1977, Lazzerini fez mestrado e doutorado em Engenharia Metalúrgica na área de Biomateriais. Dedicou-se ao estudo da nanotecnologia e desenvolveu um tipo de poliuretano para fazer a aplicação dos alfinetes nas suas obras. Tem uma trajetória de 20 anos nas artes visuais. “Por muitos anos trabalhei com uma técnica chamada pontilhismo, mas com o passar do tempo esses pontos tiveram que ganhar corpo, ganhar forma, ganhar volume. A partir disso essas esculturas foram nascendo”, conta, sobre o processo criativo da atual produção.

“Maio Fotografia no MIS” é um projeto de exposições fotográficas, que ocupa globalmente todas as galerias do museu. Ao longo dos anos, diversos fotógrafos e fotógrafas de diferentes origens e gerações ocuparam o espaço do museu, dando protagonismo a um dos suportes mais presentes na coleção do próprio MIS: a fotografia. Após um hiato, o projeto renasce trazendo exposições inéditas e exclusivas, além de uma seleção precisa e cuidadosa da coleção do próprio museu.  Os artistas que compõe a edição de 2024, com curadoria do diretor-geral do MIS, André Sturm, incluem: Sebastião Salgado, aclamado fotógrafo brasileiro, numa série jamais vista sobre a Revolução dos Cravos em Portugal, 50 anos atrás; Thereza Eugênia, fotógrafa baiana que registrou de forma íntima o convívio de artistas brasileiros no Rio de Janeiro das décadas de 1960 a 1980; Sergio Poroger, que traz um resgate, esteticamente belo e ao mesmo tempo triste e necessário, dos cinemas de rua do Brasil e do mundo; Gabriel Chaim, experiente fotojornalista, que cobriu diversas guerras, em registro do seus últimos dez anos na linha de frente da missão de registrar em imagens esses horrores; e Bruno Mathias, fotógrafo selecionado pelo programa Nova Fotografia, com uma produção que nos remete à fantasia de paisagens tradicionais.  Além dos fotógrafos mencionados, a exposição conta com uma seleção da Coleção Allan Porter, trazendo imagens icônicas da memória coletiva do séc. XX e uma curadoria especial na coleção do próprio MIS, com quatro fotógrafas engajadas e com diferentes perspectivas por trás das lentes.

A exposição da artista plástica Claudia Tostes "microCOSMOS", com curadoria de Moisés Patrício, apresenta 12 obras que exploram as cosmovisões humanas e as tradições de religiões africanas e indígenas.Utilizando técnicas como pintura em tela e madeira, Tostes cria um tapeçado de cores e texturas que transporta os visitantes para o universo encantado das florestas tropicais.As obras, que capturam a transição do dia para a noite e a metamorfose da natureza, convidam os espectadores a uma imersão sensorial nas florestas.Experiência estética e ao mesmo tempo política, a mostra destaca a importância de preservar e celebrar a diversidade dos seres não-humanos, lembrando-nos da necessidade de proteger essas paisagens ricas e vibrantes.

A mostra de arquitetura, paisagismo e design de interiores ocupa o Conjunto Nacional entre os meses de maio e julho. Com o tema: “De Presente, O Agora.”, a CASACOR ocupa cerca de nove mil metros quadrados do prédio modernista projetado pelo arquiteto David Libeskind (1928-2014). O circuito tem 5 áreas dedicadas a exposições e instalações artísticas e 70 ambientes entre 8 estúdios e lofts, 16 casas, 7 jardins, 6 operações de restaurante, bar e café, 5 banheiros unissex com espaço família, 4 lojas e operações comerciais, além de quartos, lavabos, salas de leitura, home office, home cinema, lavanderia, cozinhas, livings e até um espaço de coworking totalmente funcional, que poderá ser utilizado pelos visitantes. O tema proposto para a edição de 2024 convida a refletir sobre como as nossas decisões cotidianas impactam nas futuras gerações, afinal, sempre seremos ancestrais de alguém, e a curadoria traz nomes consagrados no mercado. A mostra também contará com a participação de restaurantes, assim como da galeria de arte Martins&Montero e de uma instalação do artista Denilson Baniwa.

Francis Bacon (Dublin, Irlanda, 1909—1992, Madrid, Espanha) é considerado um dos mais importantes pintores da arte do século 20, com mais de seis décadas de produção. Filho de pais ingleses, teve uma infância difícil, em um ambiente familiar violento. Aos dezesseis anos, foi expulso de casa por seu pai. Após passar um período em Berlim e em Paris, fixou-se em Londres a partir dos anos 1930, onde iniciou sua carreira como artista. Bacon construiu uma obra contundente e marcante, conhecida sobretudo por sua maneira particular de retratar as figuras humanas, especialmente retratos e nus masculinos. Em suas obras, pintou frequentemente seus companheiros, amantes e amigos da boemia londrina.A biografia e a obra de Bacon foram permeadas pela presença de seus amantes, especialmente Peter Lacy e George Dyer, com os quais estabeleceu relações intensas e turbulentas. A exposição apresentará diversos retratos desses homens, além de outras figuras marcantes em sua vida, como seu companheiro próximo John Edwards. O título da exposição – A beleza da carne – é inspirado numa fala do artista em uma das entrevistas conduzidas pelo crítico de arte David Sylvester: “[...] enquanto pintor, devemos lembrar que há essa grande beleza na cor da carne. [...] Nós, obviamente, somos carne, somos carcaças em potencial. Quando vou a um açougue, sempre penso que é surpreendente que eu não esteja lá no lugar do animal”. A fisicalidade do corpo – pele, carne, músculos – é traduzida pelo artista em texturas espessas e oleosas, conferindo às figuras formas quase abstratas. As pinturas de Bacon reúnem em si uma grande variedade de fontes, revisitando temas canônicos e combinando referências da história da arte com suas experiências pessoais e suas percepções sobre o corpo masculino.

Exposição de caráter colaborativo, baseada na interação entre curadores e artistas unidos no propósito de jogar luz sobre o acervo do MAC-USP. Pensada como um ``work in progress'', esta exposição se realiza em três atos, ao longo de cinco meses, resultando em três diferentes conformações espaciais. A proposta é abrir espaço para que a curadoria seja experimentada como um processo compartilhado entre as curadoras, os artistas selecionados para a mostra e os interlocutores convidados.

Na efeméride de 60 anos do Golpe Militar brasileiro (1964–1985), a Pinacoteca, em parceria com o Memorial da Resistência de São Paulo, constrói diálogos sobre o estado de exceção a partir dos acervos artísticos e documentais de ambas as instituições.

Sallisa Rosa (Goiânia, GO, 1986) ocupa a Galeria Praça, na Pina Contemporânea, com sua primeira grande instalação composta principalmente por esculturas em cerâmica, abordando questões ligadas a memória, ancestralidade, paisagem e erosão da terra.

Exposição em homenagem à carreira do cineasta e fotógrafo Jorge Bodanzky (1942), com foco na produção realizada durante a ditadura militar brasileira (1964-1985). O período engloba a jovem produção fotográfica, as experimentações em super-8, as reportagens para tevês alemãs e alguns dos principais longas-metragens, como Iracema (1974), Gitirana (1975), Os Mucker (1978), Jari (1979), Terceiro milênio (1980) e Igreja dos oprimidos (1985). Com equipe enxuta e ideias abundantes, Bodanzky renovou o cinema brasileiro ao mesclar documentário e ficção para abordar os conflitos sociais e políticos do período em que o manto desenvolvimentista recobriu o país de violência e opressão. Nos 60 anos do golpe militar que calou o Brasil, a produção de Bodanzky é um convite urgente e atual para repensar a democratização do país e a renovação do cinema político. Curadoria de Thyago Nogueira. Curadora-assistente: Horrana Santoz. Pesquisa de Ângelo Manjabosco e Mariana Baumgartner. Em uma parceria entre áreas do IMS, o Cinema IMS organiza uma ampla retrospectiva da obra de Jorge Bodanzky.

Estabelecer a rota do que acontece dentro do corpo humano e dentro da psicologia individual, a partir do momento em que algo é inalado, é o mote da exposição “Inalação” da artista olfativa Karola Braga. Sob a curadoria de Marcello Dantas a mostra apresenta dezenas de obras cuja assincronia entre aquilo que já é conhecido pelo cérebro humano e o que de fato se está vendo ou inalando, gera um desencontro entre razão e sentido. A mostra visa um mergulho nessa interseção, explorando a experiência sensorial, desafiando as percepções ao criar um desencontro entre o que é percebido e o que é racionalizado.Entre os trabalhos apresentados, uma ‘revisão’ do mictório de Marcel Duchamp, elemento fundamental na história da arte. Instalada na altura do rosto, é uma das primeiras obras com a qual os espectadores se deparam ao entrar na galeria. Inovadora, a pesquisa da artista acerca de ‘cheiros’ tem base no uso de aromas, característico em seu trabalho. Através da utilização de fragrâncias, que carregam significados simbólicos e culturais, suas obras geram sensações, evocam memórias e, acima de tudo, contam histórias.

Colaboração entre o ilustrador Wagner Loud e o Youtuber Load, com o propósito de prestar homenagem a algumas personalidades do rap nacional, retratando-as como renomados super-heróis e super-heroínas. Ao todo, são 19 homenageados, representados como ícones dentro do vasto universo das histórias em quadrinhos.

A Galeria Alma da Rua I inaugura a exposição "Antigos Agora" do artista Rocket,
A mostra, sob curadoria de Tito Bertolucci e Lara Pap, propõe uma reflexão sobre cenas e ideias que evocam memórias e experiências passadas, muitas vezes despercebidas no cotidiano. Este conceito dialoga com a história da arte urbana, que sempre buscou capturar e refletir as dinâmicas sociais e culturais das cidades. A técnica de Rocket, que utiliza humanoides como elemento central, propõe uma nova interpretação da figura humana e suas interações com o espaço e as cidades. Seu estilo se alinha à tradição da arte de rua, que historicamente tem sido uma forma potente de expressão e resistência cultural.
Rocket, nascido no bairro Jardim São Pedro, no extremo leste de São Paulo, iniciou sua prática no grafite em 2006. Suas primeiras influências vieram do movimento Hip-Hop, dos amigos e da rebeldia típica da adolescência. Integrante da crew de grafite OTM, Rocket desenvolveu um estilo distintivo que se concentra na criação de personagens humanoides, caracterizados por traços respingados, cores vibrantes e anatomias não convencionais.

Apresentando pela primeira vez um conjunto mais extenso de obras em pequenos e médios formatos de Luiza Gottschalk, a mostra reúne diversos trabalhos inéditos da artista e desenvolve reflexões em torno de algumas questões centrais da sua produção no tocante à constituição de certa paisagem formada a partir do encontro entre realidade e ficção.Ao mobilizar certa imagem associada a um dado sinestésico que percorre o tato com a água, o cheiro das flores ou a brisa gelada da noite na mata, a artista reordena as vistas que pinta com fundo nas suas experiências sensoriais e pessoais. O movimento orgânico e intermitente dos rios começa a fazer parte da grama e do caule das plantas, bem como a nervura das folhas se estende à textura das montanhas. As vistas levam tudo a se misturar, como se a experiência encontrasse a lembrança ao mesmo tempo em que desencontra o real. Parece haver algo escondido detrás das folhagens ou das cordilheiras, dando corpo a uma tensão da espera ou um suspense do porvir.

Gustavo Caboco (1989, Curitiba/Roraima, Brasil) apresenta sua nova exposição na Millan: Manhaba’u: onde toca o invisível, na qual manifesta seu pensamento sobre a memória e a luta indígena histórica e contemporânea. Ao reunir pinturas, bordados, objetos e instalações, na maioria inéditos, o artista propõe reflexões sobre o tempo e a memória da Terra, as relações de consumo e a crise climática, ashistórias dos fios e da costura como forma de resistência do povo Wapichana. Seu trabalho destaca oque ele denominou “coma colonial”: violências e legados colonialistas escancarados que, no entanto, por serem naturalizados, costumam passar despercebidos. Um dos cocuradores do Pavilhão Hãhãwpuá — que representa o Brasil na Bienal de Veneza, atualmente em cartaz na Itália —, Gustavo Caboco é um artista do povo Wapichana cuja produção se desdobra nas áreas das artes visuais, do cinema e da literatura. Manhaba’u é exemplo de como essasdiferentes linguagens se entrecruzam em sua prática.Entre os pontos de partida dessa nova exposição está o livro Literatura do invisível. Publicado pelo selo independente Picada (fundado pelo artista), o título teve seu lançamento na Flip 2023, onde Caboco foi um dos autores convidados. Trata-se de um ensaio-manifesto que propõe um diálogo com os diversos seres literatos da Terra, lidando com questões dos direitos indígenas e ambientais. “Nessecontexto expositivo, a publicação torna-se objeto-curatorial e embasa o pensamento expográfico e a seleção de obras apresentadas”, explica o artista.

A exposição “Esplendor”, que reúne artistas de 20 a 80 anos, é uma ponte de gerações em diálogo, quase um recorte da cena paulistana e suas reflexões nas artes, entre beleza, leveza, dúvida e solidão.A mostra, com curadoria de Lilian Bado, reúne cerca de 150 obras, em sua maioria bidimensionais, entre pintura, gravura, desenho e algumas excentricidades em técnica mista, instalação e vídeo.Os artistas são: Ana Luiza Álvares; Carolina Velasquez; Fabiola Racy; Joaquim Pinkalsky; Lu Martins; Luiz Basile; Maria Villares; Nina Moraes; Otávio Barata; Rodrigo Pimenta; Rui Versiani; Shaolin; Soraia Dias e Ulysses Bôscolo.

A partir do desejo compartilhado de promover trocas e explorar modelos horizontais de organização, Fortes D’Aloia & Gabriel e HOA fundem diferentes gerações de artistas e suas respectivas abordagens, linguagens e mídias em uma única mostra de intercâmbio entre os espaços expositivos de ambas as galerias. Em exibição a partir de 22 de junho, RAW! subsidia um campo de articulações para diálogos convergentes entre jovens artistas e nomes já estabelecidos por meio da expressão. Do vídeo à escultura, a exposição reúne práticas diversas em categorias instalativas, audiovisuais e pictóricas. A HOA abre suas portas a uma escultura imersiva de Ernesto Neto em contraste com o trabalho de Nidia Aranha e, também, abriga a primeira edição da programação presencial do fdag-film, plataforma digital de vídeo-arte e imagem em movimento da Fortes D’Aloia & Gabriel. Ao longo da exposição serão apresentadas obras de Babi Mello, biarritzzz, Caio Rosa, Cristiano Lenhardt, Ivens Machado, Nico Mascarenhas, Rivane Neuenschwander, Ernesto Neto, Rodrigo Cass, Sara Ramo e Janaina Tschäpe, entre outros.Na FDAG, pinturas, fotografias, esculturas e assemblages dão forma a um espaço atravessado por tensões entre cor, textura e matéria.  Os trabalhos de Ana Clara Tito e Iah Bahia empregam o contraste entre materiais da construção civil e tecidos frágeis, enquanto as obras de Igi Lola Ayedun, Anderson Borba e Almeida da Silva organizam superfícies carregadas de informação textural, recompondo a materialidade habitual de seus suportes. Beatriz Milhazes, Janaina Tschäpe, Leda Catunda, Mariana Rocha e Marina Rheingantz apresentam composições que sugerem expansão e movimento, comunicando um ritmo vital e encadeando visões oníricas. As pinturas de Bertô, Márcia Falcão e Mika Takahashi trazem gestos marcados que traduzem o corpo-a-corpo da sua fatura, assim como materiais corriqueiros são ressignificados nas práticas de Antonio Tarsis e Derrete, traduzindo a aspereza da atmosfera urbana.

A exposição apresenta as obras de 37 artistas selecionados a partir do chamamento de portfólios realizado pela galeria. Em sua segunda edição, a mostra apresenta cerca de 100 obras, que são marcadas pela diversidade temática e estilística.

A Verve inaugura seu novo espaço expositivo com uma exposição coletiva dedicada ao tema dos afetos, com textos críticos de Hilda de Paulo e Tiago Sant’Ana. A mostra reúne trabalhos de Adriel Visoto, Aretha Sadick, AVAF, Caroline Ricca Lee, Carlos Motta, Cassils, Fefa Lins, Felippe Moraes + Márcia Pantera, Francisco Hurtz, Gabriella Marinho, Gabz 404, Hilda de Paulo, iah bahia, Isabelle Passos, João GG, Karola Braga, Lady Letal, Lia D Castro, Madalena Schwartz, Manauara Clandestina, Mariela Scafati, Mayara Ferrão, Nathan Braga, Nino Pereira, Pat Baik, Piti Tomé, Rafa BQueer, Randolpho Lamonier, Renan Soares, Tales Frey, Victor Fidelis e Yeguas del Apocalipsis.

Mostra panorâmica da artista nipo-brasileira Lydia Okumura (São Paulo, 1948), realizada simultaneamente nas galerias Nara Roesler e Martins&Montero. A exposição acontecerá simultaneamente nas duas galerias, abrangendo três décadas da carreira de Okumura – dos anos 70 aos 90, e apresentará cerca de 30 obras, incluindo pinturas, esculturas e instalações em grande escala, sendo algumas destas inéditas.Por mais de cinquenta anos, Okumura empregou a abstração geométrica para investigar a compreensão e a experiência do espaço, expandindo suas possibilidades através de forma e cor. Utilizando materiais como barbante, arame, tinta acrílica, vidro, alumínio, carvão e grafite, Okumura concebe instalações site- specific que se relacionam diretamente à arquitetura do espaço expositivo. Nelas, planos são pintados nos cantos das paredes que se conectam por fios, resultando em formas geométricas que se projetam no campo espacial e criando a ilusão de objetos tridimensionais. Embora a sua prática possa ser enquadrada na tradição minimalista, a op art também está em jogo. Através de intervenções modestas, porém engenhosas, Okumura questiona a percepção da nossa presença corporal no ambiente. No campo da pintura e desenho, práticas adotadas a partir do início dos anos 70, Lydia se mantém fiel aos seus questionamentos e segue propondo as mesmas questões espaciais. Suas composições abstratas simulam configurações geométricas em espaços arquitetônicos onde o uso da cor é crucial para sugerir tridimensionalidade através de variações cromáticas. Lydia faz parte de grupo de artistas como Tomie Ohtake, Lygia Clark, Lygia Pape e Mira Schendel, que ajudaram a definir a arte conceitual como a conhecemos.

A partir do desejo compartilhado de promover trocas e explorar modelos horizontais de organização, Fortes D’Aloia & Gabriel e HOA fundem diferentes gerações de artistas e suas respectivas abordagens, linguagens e mídias em uma única mostra de intercâmbio entre os espaços expositivos de ambas as galerias. Em exibição a partir de 22 de junho, RAW! subsidia um campo de articulações para diálogos convergentes entre jovens artistas e nomes já estabelecidos por meio da expressão. Do vídeo à escultura, a exposição reúne práticas diversas em categorias instalativas, audiovisuais e pictóricas. A HOA abre suas portas a uma escultura imersiva de Ernesto Neto em contraste com o trabalho de Nidia Aranha e, também, abriga a primeira edição da programação presencial do fdag-film, plataforma digital de vídeo-arte e imagem em movimento da Fortes D’Aloia & Gabriel. Ao longo da exposição serão apresentadas obras de Babi Mello, biarritzzz, Caio Rosa, Cristiano Lenhardt, Ivens Machado, Nico Mascarenhas, Rivane Neuenschwander, Ernesto Neto, Rodrigo Cass, Sara Ramo e Janaina Tschäpe, entre outros.Na FDAG, pinturas, fotografias, esculturas e assemblages dão forma a um espaço atravessado por tensões entre cor, textura e matéria. Os trabalhos de Ana Clara Tito e Iah Bahia empregam o contraste entre materiais da construção civil e tecidos frágeis, enquanto as obras de Igi Lola Ayedun, Anderson Borba e Almeida da Silva organizam superfícies carregadas de informação textural, recompondo a materialidade habitual de seus suportes. Beatriz Milhazes, Janaina Tschäpe, Leda Catunda, Mariana Rocha e Marina Rheingantz apresentam composições que sugerem expansão e movimento, comunicando um ritmo vital e encadeando visões oníricas. As pinturas de Bertô, Márcia Falcão e Mika Takahashi trazem gestos marcados que traduzem o corpo-a-corpo da sua fatura, assim como materiais corriqueiros são ressignificados nas práticas de Antonio Tarsis e Derrete, traduzindo a aspereza da atmosfera urbana.

A Gomide&Co tem o prazer de apresentar as individuais de Nicolai Dragos (Romênia, 1931 – Brasil, 2020) e Seyni Awa Camara (Senegal, 1945), que inauguram simultaneamente na galeria. A exposição de Dragos tem organização da galeria em parceria com Laymert Garcia dos Santos, que também assina o texto crítico, e procura promover uma recuperação histórica desse artista singular, que viveu e produziu durante mais de quatro décadas no Brasil, reunindo um conjunto de pinturas de uma de suas fases mais expressivas, datada principalmente da década de 1980. Junto às pinturas de Dragos, serão apresentadas de maneira inédita no Brasil as esculturas em cerâmica de Seyni Awa Camara, comentadas em texto crítico de Luciara Ribeiro. Oriundos de realidades distintas, as pinturas de Dragos e as esculturas de Seyni encontram-se pela primeira vez no mesmo espaço, uma oportunidade que procura refletir de que maneira o inconsciente se expressa através das formas.
Tanto Dragos quanto Seyni trabalham o inconsciente, ainda que criando diferentes resultados em suportes distintos. Na pintura de Dragos, sempre surge um figural que nunca se consuma numa figura acabada, enquanto Seyni cria suas esculturas no sentido oposto, engendrando signos variados no topo de suas figuras totêmicas. Ambos os artistas exploram, cada qual em sua linguagem, o âmago do gesto. Dragos trabalha a partir de um caráter embrionário na pintura, realizando suas obras com as telas pintadas diretamente no chão, enquanto Seyni cria suas esculturas concebendo o seu animismo que lhe é particular, representando e aludindo seus antepassados para dar caminho às gerações porvir. Em diferentes latitudes, os artistas exploram os limites do sublime, onde tudo se cria e se deforma. Criadores de realidades inimagináveis, os dois artistas sugerem, aqui, representações das formas múltiplas de seus inconscientes.

Mostra panorâmica da artista nipo-brasileira Lydia Okumura (São Paulo, 1948), realizada simultaneamente nas galerias Nara Roesler e Martins&Montero. A exposição acontecerá simultaneamente nas duas galerias, abrangendo três décadas da carreira de Okumura – dos anos 70 aos 90, e apresentará cerca de 30 obras, incluindo pinturas, esculturas e instalações em grande escala, sendo algumas destas inéditas.Por mais de cinquenta anos, Okumura empregou a abstração geométrica para investigar a compreensão e a experiência do espaço, expandindo suas possibilidades através de forma e cor. Utilizando materiais como barbante, arame, tinta acrílica, vidro, alumínio, carvão e grafite, Okumura concebe instalações site- specific que se relacionam diretamente à arquitetura do espaço expositivo. Nelas, planos são pintados nos cantos das paredes que se conectam por fios, resultando em formas geométricas que se projetam no campo espacial e criando a ilusão de objetos tridimensionais. Embora a sua prática possa ser enquadrada na tradição minimalista, a op art também está em jogo. Através de intervenções modestas, porém engenhosas, Okumura questiona a percepção da nossa presença corporal no ambiente.No campo da pintura e desenho, práticas adotadas a partir do início dos anos 70, Lydia se mantém fiel aos seus questionamentos e segue propondo as mesmas questões espaciais. Suas composições abstratas simulam configurações geométricas em espaços arquitetônicos onde o uso da cor é crucial para sugerir tridimensionalidade através de variações cromáticas. Lydia faz parte de grupo de artistas como Tomie Ohtake, Lygia Clark, Lygia Pape e Mira Schendel, que ajudaram a definir a arte conceitual como a conhecemos.

Em um movimento de se reapropriar do cotidiano “Crtl+C_Crtl+V” intitula a individual da artista Cristina Suzuki na Galeria Diáspora, que traz 36 obras produzidas desde 2012. Com humor ácido, os trabalhos refletem, e trazem à tona sob uma nova e crítica estética, as vivências da artista durante sua juventude na Zona Leste de São Paulo, até a fase adulta com sua mudança para o município de Santo André. Para tal, a artista se reutiliza de itens frugais do cotidiano, transformando-os em obras questionadoras acerca, principalmente, dos arquétipos sociais. Os trabalhos estão interligados pelos assuntos que permeiam a sua produção artística, e a principal pergunta que surge na mostra é: qual o sentido em praticar a reutilização de objetos do cotidiano na criação de obras de arte, quando já temos as correntes modernistas do século XX?

Primeira individual da artista Ros4 em São Paulo, com curadoria de Nutyelly Cena. Convergir as linguagens empregadas por Ros4 ao longo de 10 anos é um dos motes da exposição. Seu trabalho transita por diferentes suportes e plataformas: música, vídeo, fotografia, performance e instalação. A mostra assinala o lançamento do EP R.O.S.4 e a transição de nome da artista visual, rapper e criadora de conteúdo para a internet, à frente do canal do YouTube Maloka Imponente. Fotografias, como a série "Tratamento de reposição hormonal automedicado" (2015), em que a artista se autorretrata durante sua hormonização; vídeos, entre eles o clipe da música "Maria Navalha / Salve Seu Zé" (2024), se juntam na expografia de forma instalativa, ao lado de trabalhos recentes, como "JukeTrava" (2024) e "Barraco 2" (2024). A curadoria destaca o processo espiralar do tempo que envolve a criação de Ros4 - um recorte que expande as possibilidades de debate para além da crítica dos marcadores sociais da diferença.Vida e experiências de Ros4 estão no centro de sua obra, que, abordadas de forma transgressora, abrem espaço para redefinir noções de visibilidade e representatividadedas identidades trans e travestis no campo das artes. A liberdade, as impermanências e a autonomia estão entre os questionamentos, evidentes em seus autorretratos e rimas: veículos poderosos para redefinir e reconfigurar as estruturas convencionais. Ros4, nascida na cidade satélite de Gama, Distrito Federal, é artista visual.

A mostra “Estúdio de uma vida” trata da importância da casa da Rua Lopes Chaves, onde está localizado o museu, na formação da identidade de Mário de Andrade e tem curadoria da própria equipe da instituição. O público poderá conferir, no cômodo antes ocupado pelo estúdio de trabalho do escritor, uma parte dos móveis originais e desenhados pelo próprio modernista. O mobiliário — hoje sob a guarda do Instituto de Estudos Brasileiros da Universidade de São Paulo (IEB-USP) — conta com a escrivaninha, o divã e o harmônio que Mário costumava tocar até de madrugada.

Com o objetivo de resgatar as ideias que permearam a criação do MuBE — partindo de uma sugestão do próprio Paulo Mendes da Rocha, arquiteto responsável pelo premiado edifício-sede do museu —, esta mostra traz para o público um novo recorte da obra produzida ao longo de toda a extensa e profícua carreira da Amelia Toledo, cuja poética aborda, entre outros temas, os principais assuntos de interesse do museu: a escultura e a natureza.

Para comemorar a reabertura da casa na rua Lopes Chaves, a Casa Mário de Andrade recebe a mostra "A Origem de Macunaíma", que tem o objetivo estabelecer uma conexão entre passado, presente e futuro com o universo do modernista.Obra-prima do modernismo brasileiro, Macunaíma foi escrito em 1928 e ainda hoje é um livro de referência para compreendermos nossa diversidade cultural. A exposição “A Origem de Macunaíma” contará com três partes: uma experiência interativa em realidade virtual (VR); uma exposição sobre a expedição Koch-Grünberg de 1911, a partir da qual o autor descobriu os mitos de Macunaíma relatados por indígenas e registrados pelo etnógrafo alemão Theodor Koch-Grünberg; além de uma visita virtual ao Monte Roraima, considerado sagrado pelos povos indígenas que vivem ao seu redor. Ao colocarem os óculos, os visitantes serão transportados para um encontro virtual com Mário de Andrade em seu escritório, e em seguida levados a uma visita ao Monte Roraima e seus mitos. Dentro da experiência o público poderá interagir com objetos e até ajudar um pajé em sua magia com o fogo ancestral, ilustrando as antigas histórias de seu povo. A experiência VR é aberta a todos acima de 12 anos.

O Museu Brasileiro da Escultura e da Ecologia apresenta Amelia Toledo: Paisagem cromática, exposição individual da artista, com curadoria de Fernando Limberger e Daniela Gomes Pinto.A exposição, com mais de 100 obras, traz o público um novo recorte da obra produzida ao longo da carreira da artista, cuja poética aborda, entre outros temas, os principais assuntos de interesse do MuBE: a escultura e a natureza.

A panorâmica de Clark acontece quase 20 anos depois da última mostra da artista na Pina e ocupará sete salas da Pina Luz. Curadoria de Ana Maria Maia, Pollyana Quintella e Jochen Volz. A exposição perpassa diferentes momentos da carreira de Clark, apresentando seus objetos relacionais e proposições, como as instalações A casa é o corpo (1968) e Campo minado (1967–8), além de séries da fase neoconcreta, como Linha Orgânica (1954–5) e Bichos (1960- 80).

A exposição apresenta a obra de Marisa Nunes, sob a curadoria de Juliana Mônaco. A mostra explora a busca humana pela liberdade através de uma lente pessoal e coletiva, onde cada peça reflete a profundidade das experiências da artista. Inspirada pelo poema "A bandeja de prata" de Natan Alterman, a artista investiga a metáfora "não se entrega um estado numa bandeja de prata". A artista utiliza técnicas mistas em pintura, com sobreposições de tintas e colagens de folhas de ouro, além de esculturas em aço. Sua obra é uma manifestação da evolução pessoal e coletiva, tecendo memórias de infância, adolescência e a construção de sua personalidade adulta. As influências culturais e religiosas são evidentes em suas peças, refletindo a complexidade da busca humana pela liberdade.

A partir dos anos 1930, mais precisamente após a Segunda Guerra Mundial (1939-1945), países econômica e socialmente vulneráveis passaram a ser denominados “subdesenvolvidos”. No Brasil, artistas reagiram ao conceito, comentando, se posicionando e até combatendo o termo. Parte do que eles produziram nessa época estará presente nesta mostra.

Ao todo mais de 40 artistas e outras personalidades brasileiras terão obras expostas na mostra, entre eles: Abdias Nascimento, Abelardo da Hora, Anna Bella Geiger, Anna Maria Maiolino, Artur Barrio, Candido Portinari, Carlos Lyra, Carlos Vergara, Carolina Maria de Jesus, Cildo Meireles, Daniel Santiago, Dyonélio Machado, Eduardo Coutinho, Ferreira Gullar, Graciliano Ramos, Henfil, João Cabral de Melo Neto, Jorge Amado, José Corbiniano Lins, Josué de Castro, Letícia Parente, Lula Cardoso Ayres, Paulo Bruscky, Rachel de Queiroz, Rachel Trindade, Solano Trindade, Regina Vater, Rogério Duarte, Rubens Gerchman, Unhandeijara Lisboa, Wellington Virgolino e Wilton Souza.

Em celebração a um ano de atividades, a MITS Galeria abre as portas de seu espaço no bairro do Jardins, em São Paulo, com a individual “Jazzmatazz – todos meus manos ouvem jazz” do artista Pegge. Para a mostra, o artista apresenta 15 obras inéditas, cujo foco é uma temática que ele considera um dos pontos mais importantes em suas abordagens: a recuperação do jazz enquanto um movimento voltado pessoas periféricas e o de poder inserir, nesse cenário, a questão do pertencimento de ambas as partes. A exposição tem curadoria de Carollina LaurianoPegge, cria da Zona Leste paulistana, encontrou seu caminho na música, principalmente no jazz e, também, na arte. Um caminho sem volta para um perfil que já nasce estereotipado e julgado apenas pelo local onde viveu e que, contrariando todas as más expectativas, encontrou no jazz a rota para a erudição.

Prestes a celebrar seus 50 anos de carreira, a Galeria Leme apresenta Luiz Braga: Colorista, exposição individual do fotógrafo. A mostra reúne um conjunto de 19 fotografias, em sua maior parte inéditas, em diálogo com duas obras de Alfredo Volpi e Paulo Pasta.
A exposição apresenta um recorte diferente da obra de Luiz Braga, um de Luiz colorista. Que se desprende da figuração e sugere a visão de um universo de cores.
Capturar a luz de um entardecer na linha do Equador já é desafiador por si só, porém ver Luiz fotografando em sua terra, o Pará, capturando suas cores é uma experiência única para quem não está habituado a essa comunicação cromática única da região; onde as casas nas vilas não têm numero e sim cores para indicar a morada é um desafio que só quem está habituado sabe tirar proveito.
Os diálogos propostos na mostra ilustram esta vertente do trabalho do artista, encontrando intersecções com obras pictóricas de Paulo Pasta e Alfredo Volpi, aproximando suas fotografias das técnicas da pintura. Para isso, realça o campo de luz da região como uma materialidade pincelada pelas lentes de sua câmera.

Exposição individual que retoma o trabalho de Hermelindo Fiaminghi de forma plural e panorâmica, vinte anos após o falecimento do artista. Com texto de Agnaldo Farias, a mostra homenageia a sua importante trajetória para a arte brasileira, contemplando desde trabalhos da sua fase concretista nos anos 1950 até obras da longa pesquisa que intitulou Corluz.
Nascido em São Paulo em 1920, Fiaminghi foi um artista de intensa atuação no cenário cultural da cidade. Suas várias experiências profissionais implicam um corpo de obras múltiplo e que, à primeira vista, pode parecer dissonante, mas indicam a continuidade de seu pensar.
Em sua fase concretista, Fiaminghi explora os limites dos códigos geométricos, criando composições rítmicas que sugerem o deslocamento de formas, principalmente triângulos, a partir da lógica concreta e marcadas pelo contraste entre o pleno e o vazio. Entre 1959 e 1966, o artista passa a frequentar o ateliê de Alfredo Volpi, onde se aprofunda no uso da têmpera e herda parte de seus pigmentos, explorando cada vez mais a transparência das cores, no que ele nomeou de Corluz, pesquisa que perdurará até o fim de sua vida.
Ele entende a questão inicial como algo mais complexo: a luz branca que incide sobre um prisma e se dispersa nas várias cores que a compõem. Há a passagem de uma produção construtiva para o uso menos rígido das formas e cores, revelando o colorido como superfície flutuante. O gesto pictórico se destaca e sua pintura passa a revelar o próprio ato de pintar, assumindo sua subjetividade.

Rumors and Whispers [Rumores e Sussurros] é a primeira exposição individual de artista Ebecho Muslimova em São Paulo.Reunindo oito imagens anedóticas do alter ego da artista, a anti-heroína Fatebe (FAT-E-be), a exposição é uma conversa lúdica entre duas mostras paralelas: Rumors, que ocorrerá no Brasil em uma semana, e Whispers, que ocorrerá em Zurique na semana seguinte. As exposições são entrelaçadas, com cada pintura tendo um equivalente na outra cidade, e são ligadas por um fio narrativo semelhante ao que acontece no jogo do telefone sem fio, no qual uma palavra sussurrada viaja por uma linha de crianças, muitas vezes sendo distorcida no final. Essas conexões refletem nossa capacidade de criar, interpretar e ocultar rumores, espelhando o ethos mutante da pintura ao longo da história.Antes de parar para apreciar as qualidades pictóricas de Ebecho Muslimova, encontramos uma qualidade narrativa, uma parte caricatural da artista, muitas vezes sujeita à humilhação e à exaltação, à medida que ela mergulha nos reinos ilimitados de seus desejos e medos. O humor embutido em suas figuras e cenários nos leva às profundezas de sua psique, servindo como um espelho que reflete seu eu interior.Suas imagens sugerem que nós tendemos a construir nosso senso de identidade por meio de imagens externas, sejam elas reflexos, sejam pessoas que cuidam de nós, promovendo um “eu” idealizado que os indivíduos se esforçam continuamente para alcançar. Esse processo estabelece a dependência do ego em relação a estímulos externos, que evoluem dentro de estruturas sociais e linguísticas à medida que os indivíduos amadurecem e se envolvem com a sociedade, moldando assim suas personalidades e seus desejos.

Exposição individual da artista mineira Josi na sede da galeria em São Paulo. O texto da exposição é assinado pela curadora Galciani Neves, que destaca: "Dos desenhos feitos em cadernos durante trajetos de ônibus ao sonho de que a arte (apesar de tudo) não seja um privilégio; das vivências em Itamarandiba, Carbonita e Caeté à vida de professora; das tantas sabenças guardadas junto com a lavação de roupa e com a lida diária no mato à graduação em Artes Plásticas na Escola Guignard (UEMG); dos chãos de terra de Tabatinga ao chão da cozinha/ateliê; desses lugares que não se separam em fronteiras, mas se ajuntam, porque são, ao mesmo tempo, memória e aglomerado de tempos, Josi se faz como artista. Nessas sobreposições de tempos, de lugares e de narrativas trançadas, as tintas foram sendo percebidas enquanto a água do feijão fervia, as nódoas de frutas iam subitamente pigmentando as superfícies e a água barrenta formava tonalidades de terra e chão."

A individual da artista carioca radicada em Portugal Frida Baranek é uma ode ao movimento. “Deslocamentos”, o título da exposição, nomeia também duas esculturas inéditas da mostra, em que a artista trabalha com acrílico e madeira.

30 obras de seis jovens artistas contemporâneos brasileiros. A proposta é trazer um diálogo entre as obras de artistas representados pela galeria – Carla Chaim, Carlos Nunes e João Trevisan – e convidadas: Ana Takenaka, iah bahia e Nathalie Ventura.

A mostra inédita Thalassa, da fotógrafa Gisa Araújo e com apoio curatorial de Eder Chiodetto, está em cartaz no MIS. Thalassa é, na mitologia grega, uma das primeiras a personificações femininas do mar Mediterrâneo, mãe de todos os peixes e seres que habitam a vida marítima. O Nova Fotografia é um projeto anual do MIS que seleciona, através de convocatória aberta ao público, seis novos fotógrafos para uma exposição individual no museu.

Individual da artista visual Ana Kesselring. Apresentada no espaço expositivo externo da Casa, a exposição Arqueologias do Vivente evoca a ideia de corpo expandido. Trata-se de um conjunto de esculturas de cerâmicas, com formas que remetem à anatomia de entranhas, e reflete a pesquisa da artista sobre a interdependência dos corpos no mundo, ainda que não apenas humanos, mas também vegetal e mineral – corpos viventes.

A exposição examina as práticas de construção do corpo, desafiando a noção de naturalidade passiva. Desde intervenções cirúrgicas ao uso de hormônios sintéticos, as práticas exploradas encarnam os sonhos e pesadelos da materialidade corporal.
Com curadoria de Alice Granada, estarão expostas obras de Aun Helden, Sansa Rope e Nuno Q. Ramalho. Em diálogo com o ideal de beleza da sociedade, as esculturas, performances e murais que integram a exposição desafiam a maneira como o gênero molda a visão do corpo humano.

A galeria apresenta, em sua unidade da Barra Funda, uma mostra individual de Licida Vidal. A mostra apresenta obras inéditas, incluindo duas grandes instalações, seis trabalhos em menor escala e uma série de três vídeos que se articulam como sistemas em atividade. Elementos naturais como plantas, água, terra e sementes são incorporados às peças, atraindo e interagindo com animais como insetos, transformando a exposição diariamente. Licida Vidal (São Paulo, SP, 1984) é artista visual nascida entre as montanhas do Vale do Paraíba (SP). Hoje morando na fronteira da floresta e da cidade, a artista traça sua pesquisa afastando-se do meio urbano, investigando a relação conflituosa entre humano e natureza, as colonizações das paisagens e a vulnerabilização de corpos e territórios. Através de ações performáticas, fotografia, vídeo e instalações, sua pesquisa atravessa questões sobre o gênero feminino e a natureza.

Narrativas e imaginários sobre religião, fé e ancestralidade compõem a exposição Sala de vídeo: Ventura Profana. Em cada uma das obras, sejam colagens, performances ou músicas, a artista visual, pastora, cantora evangelista e escritora Ventura Profana (Salvador, Bahia, 1993) escolhe dar vazão e semear as infinitas possibilidades de sua identidade. Como em um trabalho missionário, a artista tem o compromisso de ressignificar os símbolos e valores da doutrina cristã. A partir de uma "malandragem teológica", como ela mesma nomeia, Ventura busca gerar perspectivas de plenitude e abundância para combater a visão opressora e fetichista que reproduz a exploração de corpos negros e travestis. Com curadoria de David Ribeiro, a mostra apresenta quatro trabalhos inéditos que combatem a colonização, o racismo e a transfobia. Por vezes fazem críticas diretas, em outros momentos anunciam poeticamente aquilo que é negado às travestis – família, afeto, fé, religiosidade e espiritualidade. A obra de Ventura Profana não pretende pregar uma teoria ateísta, mas oferecer seu ponto de vista para que templos, famílias e estruturas sociais possam acolher todas as diversidades.

O Instituto Italiano de Cultura de São Paulo e o MIS Experience apresentam uma mostra multimídia, imersiva e itinerante para contar a história da Itália através dos testemunhos de seu patrimônio cultural, por meio da expressão artística dos mosaicos. A exposição é uma viagem de 2000 anos do norte ao sul da Itália que une em um único grande relato Roma, Pompei, Aquileia, Ravenna, Palermo, Monreale, Piazza Armerina e a cidade submersa de Baia. Em um percurso experiencial, a mostra revela a história, as representações, os materiais e os gestos que distinguem algumas das obras mais icônicas do universo do mosaico italiano. A mostra chega a São Paulo no âmbito das comemorações dos 150 anos da imigração italiana no Brasil.

O artista baiano Augusto Leal apresenta a mostra “Ocupação CCSF – Centro Cultural Simões Filho”. Com curadoria de Victor Hugo de Souza (Guto Ezek), a exposição ocupa diversos lugares da instituição.
A exposição é orientada a partir de uma reunião emblemática e estratégica da produção do artista e se propõe a evidenciar o caráter multifacetado e transversal das formulações de Leal, nascido em Simões Filho/BA – com obras que datam de 2009 a 2024 – instaladas por diversas áreas. Conhecido por usar a cidade como propulsor de seu trabalho, o artista utiliza, principalmente o espaço público como palco para tensionar e gerar reflexão sobre o meio ao qual está inserido.
A mostra traz obras de grande escala, onde Leal convida o público para questionar o próprio repertório visual, com obras como: Gangorra e Encontros, onde a participação do público é imprescindível para fazer girar o poder e demarcar nossas presenças acumuladas nos espaços, Bibliocicleta que migra a cultura livresca e radicaliza a experiência de distribuição de livros, Sinalização Profética que presentifica lacunas e ausências como orientações para esse múltiplo trânsito institucional que necessita de movimentos, alternâncias e errâncias, e Faixa, que ensaia uma manifestação crucial e efêmera da marcação de uma ideia e/ou reivindicação em um lugar.

Na efeméride de 60 anos do Golpe Militar brasileiro (1964–1985), a Pinacoteca, em realização conjunta com o Memorial da Resistência de São Paulo, constrói diálogos sobre o estado de exceção a partir dos acervos artísticos e documentais de ambas as instituições. A exposição parte da Coleção Alípio Freire, doada ao Memorial da Resistência em 2023. Será a primeira vez que o conjunto, composto por trabalhos de ex-presos políticos dos presídios de São Paulo durante o período ditatorial e reunidos por Alípio Freire e Rita Sipahi, será mostrado ao público na Pinacoteca. Entre os destaques da mostra, está a obra do acervo da Pinacoteca Fantasmas da Esperança (2018), de Marcela Cantuária, que traz elementos simbólicos que a exposição propõe discutir.

Exposição individual da artista Márcia de Moraes, quem produziu 30 obras inéditas para esta ocasião. O ponto de osso se refere tanto ao momento da cerâmica quando seca e vira um objeto imaleável, quanto ao seu processo de desenho no qual a artista precisa aceitar o momento que já preencheu todos os espaços da folha e agora está em seu ponto mais rígido.Para a exposição, Marcia projeta sua pesquisa tanto em seus desenhos, agora como polípticos em larga escala, e em novos desdobramentos de esculturas de madeira e cerâmicas.

A exposição, que acontece no edifício anexo do CCBB, é uma oportunidade para o público conhecer a produção de Antônio Roseno de Lima, artista outsider descoberto no final da década de 1980 pelo professor Instituto de Artes da UNICAMP, Geraldo Porto, que também assina a curadoria da mostra. Semianalfabeto, o fotógrafo e pintor tirou da dura realidade de favelado a inspiração para criar uma obra que é reflexo da mais pura e encantadora arte bruta, onde autorretratos, onças, vacas, galos, Santos Dumont, bêbados, mulheres e presidentes foram seus temas principais.
Apesar das condições precárias em que vivia na favela Três Marias, em Campinas - SP (onde morou de 1962 até sua morte, em junho de 1998), Roseno expressava seus sonhos e observações do cotidiano através de suas pinturas, muitas vezes utilizando materiais improvisados encontrados no lixo: pedaços de latas, papelão, madeira e restos de esmalte sintético. Quando gostava de algum desenho, recortava-o em latas de vários tamanhos para usar como modelo, além de outros materiais como lã, em épocas de frio. Seu barraco era sua tela, onde cores vibrantes e figuras contornadas em preto ganhavam vida, revelando uma poesia visual única. Nas obras, as diversas aspirações do artista são representadas, mas uma delas se repete em toda a sua arte: "Queria ser um passarinho para conhecer o mundo inteiro!"
Com cores fortes, escrevia nos quadros: "Este desenho foi fundado em 1961", referindo-se ao início de sua obra de desenho, pintura e fotografia, com um "professor espanhol", em São Paulo. Mesmo sendo semianalfabeto, as palavras sempre fizeram parte de sua expressão poética, como signos herméticos, expostos respeitando a anterioridade das figuras e evidenciando desconhecimento das regras gramaticais. Amigos e crianças da favela o ajudavam com a leitura e as anotações em um caderno, que eram fotocopiadas para serem coladas na parte de trás dos quadros. Os bilhetinhos carregados de informação com as mais diversas letras, avisavam sobre os materiais, processo de criação, execução, conservação da pintura e arrematavam: "Quem pegar esse desenho guarda com carinho. Pode lavar. Só não pode arranhar. Fica para filhos e netos. Tendo zelo, dura meio século."

A Galeria Alma da Rua II celebra seu segundo aniversário com a abertura de "CASACORPO", da multiartista Pati Rigon, sob a curadoria de Tito Bertolucci e Lara Pap. A exposição reúne uma série de pinturas a óleo que exploram o conceito do corpo humano como uma casa. A obra de Pati Rigon interpreta o corpo/carne/espírito humano como uma residência privada e suas múltiplas identidades transitórias. Através de sua arte, a artista convida o público a percorrer os corredores da alma, explorando os recantos mais íntimos do coração, em uma jornada introspectiva que revela os labirintos pessoais e as histórias que moldaram cada indivíduo.Pati Rigon traz para a mostra uma série que dialoga com a tradição da arte urbana, Sua obra reflete as influências de movimentos que utilizam a cidade como tela, integrando elementos do grafitti e das intervenções urbanas com a técnica clássica da pintura a óleo. Essa fusão de estilos permite uma leitura renovada do espaço urbano.

Luise Weiss apresenta em “Paisagens Desconhecidas” mais de trinta novas pinturas em acrílica sobre tela ou painel de madeira. Com curadoria de Fernando Stickel, a mostra reúne, além desses quadros, xilogravuras e fotomontagens, refletindo de forma ampla a produção artística desta fotógrafa, gravadora, pintora e professora de renome.Suas obras expressam lembranças de viagens que nunca fez, de lugares que pode até ter conhecido ou visto, mas que foram se tornando apenas sensações. Fotografias antigas de família são referência fundamental em seu trabalho, em especial a partir de 2001, quando visita a Áustria, terra de seus antepassados, e refotografa alguns dos locais onde viveram.Luise Weiss é natural de São Paulo e graduada em artes plásticas pela ECA/USP, onde concluiu mestrado e doutorado, este com a tese “Retratos Familiares: in Memorian”. Construiu uma carreira docente notável lecionando na Pinacoteca do Estado de São Paulo, nas universidades Faam, Mackenzie e Unicamp, na qual desenvolveu sua livre-docência.

Para celebrar os 30 anos de atuação do Instituto Socioambiental (ISA), o museu A CASA apresenta uma retrospectiva que reúne vídeos, artefatos artesanais e fotografias emblemáticas de sua atuação pelo país. A organização atua pela garantia dos direitos de povos indígenas, quilombolas, ribeirinhos e comunidades tradicionais, pela proteção de seus territórios, pelo fortalecimento de suas culturas e saberes tradicionais e pelo desenvolvimento de suas economias.

O Instituto Socioambiental (ISA) reúne vídeos, artefatos artesanais e fotografias emblemáticas de sua atuação pelo país na sede do Museu A CASA do Objeto Brasileiro. São três décadas em defesa de um Brasil socioambiental, atuando pela garantia dos direitos de povos indígenas, quilombolas, ribeirinhos e comunidades tradicionais, pela proteção de seus territórios, pelo fortalecimento de suas culturas e saberes tradicionais e pelo desenvolvimento de suas economias.

Em seus 25 anos de existência, o Festival Internacional de Linguagem Eletrônica (FILE) é um projeto brasileiro de renome internacional que explora a interseção entre arte e tecnologia. O festival se destaca por fomentar espaços de exposição e debate sobre experimentações artísticas impulsionadas por tecnologias disruptivas e inovadoras. No cenário contemporâneo, duas dessas tecnologias se destacam: o desenvolvimento acelerado da computação quântica e a inteligência artificial, corroborada pelos dados sintéticos.

Exposição das fotografias vencedoras do concurso Wildlife Photographer of the Year – Fotógrafo de Vida Selvagem do Ano, promovido pelo Museu de História Natural de Londres (Natural History Museum).

Carmela Gross realiza trabalhos em grande escala que se inserem no espaço urbano e que assinalam um olhar crítico sobre a arquitetura e a história urbana. O eixo comum, para além da diversidade dos contextos e das propostas elaboradas em cada caso, é o conceito básico de trabalhar-na-cidade. O conjunto de operações que envolvem desde a concepção do trabalho, passando pelo processo de produção, até a disposição no lugar de exibição, enfatizam a relação entre a obra e o espaço, entre a obra e o público. Com curadoria de Paulo Miyada, a exposição propõe uma leitura panorâmica das obras da artista, pautada no diálogo com a fábrica projetada por Lina Bo Bardi.

Uma jornada visual que apresenta 50 painéis que capturam tanto os momentos célebres de sua presidência transformadora na África do Sul quanto aspectos menos conhecidos, como sua decisão de fugir de um casamento arranjado para se dedicar ao estudo das Artes e do Direito.

A Galeria Nonada SP abre a coletiva Diadorim, com curadoria de Guilherme Teixeira. A exposição eúne 17 artistas em torno de 19 obras que exploram temas como corpo, inadequação, pertencimento e gênero, utilizando diversas técnicas e suportes, incluindo pintura, escultura, fotografia, desenho, objetos, videoarte, performance e instalações, atualizando questões conceituais do clássico "Grande Sertão: Veredas" de Guimarães Rosa, obra da qual a galeria tira seu nome e conceito.Diadorim, um personagem que se veste como homem para acompanhar os cangaceiros e proteger-se, traz à tona discussões contemporâneas sobre construção de gênero e performance social. Esta narrativa literária oferece um ponto de partida para a reflexão sobre identidades de gênero e seus desdobramentos na sociedade atual.Guilherme Teixeira, o curador, é reconhecido por seu trabalho que atravessa temas de identidade, sexualidade e pertencimento.

Composta de registros audiovisuais feitos em oficinas de dança e percussão do oeste da África, promovidas por quatro migrantes músicos de Guiné Conacri residentes em São Paulo, a temporária reflete sobre a simultaneidade da experiência migratória em campos sociais, culturais, políticos e territoriais.
Historicamente o pertencimento é vinculado, exclusivamente, ao país de nascimento, tornando o migrante um cidadão sem identidade, ao ser de um lugar mas viver em outro, sem possuir território fixo, presença física e o compartilhar de símbolos nacionais.
Por outro lado, cada vez mais o fundamento do rompimento tem sido questionado e, uma das vertentes mais marcantes desse reconsiderar tem sido um olhar transnacional. Olhando a migração como um movimento que não somente rompe, mas conecta, ao colocar objetos, pessoas, símbolos em movimento, mesclando culturas, saberes e a sociedade.
É a partir desse olhar que a exposição “Pertencimentos transnacionais: danças e ritmos do oeste da África” convida a um repensar acerca do pertencimento, ao destacar as vivências que se reconstroem na mobilidade e conexão entre lá e cá por meio da música do oeste africano, que rompe com a rigidez e fixidez do pertencer nacional para apresentar suas facetas em mobilidade física e simbólica.

A CAIXA Cultural São Paulo apresenta a exposição “Laguna Plena”, do artista curitibano Rimon Guimarães. A mostra, que foi exibida este ano no espaço cultural da CAIXA em Curitiba, inclui obras que contemplam várias linguagens artísticas criadas a partir da canção do próprio artista chamada Laguna Plena, entrelaçando música, artes plásticas, moda e vídeo em um universo criativo e lúdico. A música que serve como ponto de partida da mostra é a primeira parte da trilogia Melodias Neolatinas, escrita em 2012 por Rimon. Ela foi lançada em 2021 com a adição de um quarteto de cordas composto por músicos russos, arranjo de Maycon Ananias e as vozes livres e polifônicas da também curitibana banda Tuyo. A obra musical se desdobrou para desenhos, depois para uma animação e, a partir dos frames do vídeo, viraram pinturas: ao todo, são sete obras na técnica acrílica sobre tela em tamanhos variados. A exposição traz também os figurinos criados para a gravação do vídeo da música, cujas roupas foram desenhadas, recicladas e customizadas por Rimon com a colaboração de costureiras e figurinistas locais e com impressão serigráfica manual.​

A exposição traz 137 obras de 87 artistas que tiveram influência do movimento surrealista, e dialogam com a exposição Desafio Salvador Dalí, em cartaz também no MAB. A curadoria é de Laura Rodríguez, que apresenta oito núcleos com pinturas, desenhos, gravuras, tridimensionais, fotografias, vídeos do acervo do MAB e cartazes de cinema da coleção da Filmoteca FAAP.

Desafio Salvador Dalí convida o público a embarcar em uma jornada pelo mundo surreal de um dos artistas mais enigmáticos do século XX. A exposição é uma viagem pela imaginação e pela obra de Salvador Dalí, apresentados por meio de formatos imersos e interativos. A mostra conta com 6 áreas expositivas e mais de 100 conteúdos inéditos trazidos diretamente da Espanha com supervisão da Fundação Gala-Salvador Dalí.

Cecilia Vicuña (Santiago, Chile, 1948) “Sonhar a água — Uma retrospectiva do futuro (1964…)” é uma colaboração da Pinacoteca com o Museu Nacional do Chile, em Santiago, e com o Malba, em Buenos Aires. A curadoria é do peruano Miguel López e levará pinturas, fotografias, vídeos, peças sonoras, esculturas e instalações da artista para a Pina Contemporânea. Um de seus trabalhos mais emblemáticos, Menstrual (2006), poderá ser visto pelo público pela primeira vez no Brasil.Essa é a primeira grande mostra da artista chilena no Brasil, reúne cerca de 200 obras que abrangem os 60 anos de sua produção e apresenta o compromisso de Vicuña com as lutas populares, o respeito aos direitos humanos e a proteção ambiental. O nome da exposição representa um convite para mudarmos nossa relação com a terra.Cecilia Vicuña é poeta, artista visual e ativista feminista. Boa parte de sua produção se volta para sua relação com seu país natal, a cordilheira dos Andes, as lutas feministas, a memória têxtil pré-colombiana e a emancipação das comunidades indígenas. Desde os anos 1960, a obra visionária da artista dedica-se a honrar o equilíbrio e a reciprocidade do mundo natural. Seu trabalho valoriza a dimensão ritual, medicinal e curativa da arte.

A exposição apresenta a vida cotidiana pelos olhos da escritora, animadora e ilustradora coreana Puuung, que captura momentos pequenos, mas comoventes, do dia a dia e os transmite para o público por meio de seu trabalho não-verbal. Os desenhos da artista possuem uma sensibilidade coreana, porém também contam histórias universais que podem ser apreciadas em qualquer lugar do mundo.

A exposição apresenta a vida cotidiana pelos olhos da escritora, animadora e ilustradora coreana Puuung, que captura momentos pequenos, mas comoventes, do dia a dia e os transmite para o público por meio de seu trabalho não-verbal. Os desenhos da artista possuem uma sensibilidade coreana, porém também contam histórias universais que podem ser apreciadas em qualquer lugar do mundo.

As problemáticas socioambientais e sociopolíticas do Centro-Oeste brasileiro ocupam as três salas do segundo andar da Pinacoteca Luz, com a mostra “Como é bom viver em Mato Grosso” do cuiabano Gervane de Paula. Sob a curadoria de Thierry Freitas, 58 obras pontuam os mais de 40 anos da carreira desse artista ativista e multifacetado. São fotografias, pinturas, esculturas e instalações que traduzem a potência de um criador em constante ebuliçãoSuas primeiras telas, realizadas entre os anos de 1976 a 1980, parte delas exibidas nessa individual, fixam imagens de um Mato Grosso recém-dividido. Em uma clara demonstração das imbricadas relações entre humanos e bichos na região, destaca-se As filhas do fazendeiro, uma tela em que dois jacarés figuram sobre a cama e, ao fundo, duas moças observam atordoadas. “Como é bom viver em Mato Grosso” reflete o aspecto crítico e o humor corrosivo de Gervane que, inspirado no artista canadense-americano Philip Guston (Montreal, CA, 1913 – Nova York, EUA, 1980) cujas obras teve contato na 16ª Bienal de São Paulo, em 1981, usa, em algumas de suas criações, as figuras supremacistas da Ku Klux Klan, colocando-as num passeio de carro ao Pantanal mato-grossense.

A retrospectiva traz diversos momentos da carreira do fotógrafo George Love, cujo trabalho é reconhecido mundialmente pelas suas fotografias da região amazônica. A curadoria é de Zé de Boni, o qual destaca sobre o fotógrafo: "Atuando em uma era de efervescência intelectual, de questionamento comportamental e de transição de costumes, George exibia um intenso brilho em suas realizações, na interação profissional e no convívio particular. A luz que trazia ao ambiente extravasava paredes e repercutia na atmosfera e nas pessoas, que vislumbravam as infinitas possibilidades de um marcante meio de expressão. Suas ações no meio cultural, editorial e corporativo expandiam os horizontes da fotografia, abrindo caminhos adiante do seu tempo. Conscientemente ou não, gerações de fotógrafos brasileiros seguem sua inspiração e seu modelo, que se realça entre as raízes de nossa contemporaneidade."

Santídio Pereira nasceu no interior do Piauí, no nordeste do Brasil, em 1996, numa área caracterizada pelo ecossistema semiárido. Nesse período, tal como em décadas anteriores, houve fluxos migratórios para o sudeste do país. Embora a região seja comumente descrita por suas condições climáticas com temperaturas elevadas e chuvas escassas, o povoado em que o artista nasceu, Curral Comprido, no município de Isaías Coelho, está em suas lembranças como um lugar de chuvas fortes, especialmente no inverno. Nessa época, a paisagem é tomada pelo capim-do-pendão-rosa, como é conhecida, na região, a espécie de origem do sul da África, com nome científico Melinis repens.Em vez de retratar um ambiente árido, desolado, com a terra seca, rachada e com animais mortos, a gravura e pintura recentes de Santídio elegem a vegetação como motivo central. As plantas, em geral, surgem isoladas de seu bioma de origem. Elas flutuam, não como ideias, mas como se estivessem acima das circunstâncias geográficas e meteorológicas. Construídas a partir da memória, suas imagens possuem aspectos exuberantes, estão plenas, muitas vezes em época de floração. Mas se afastam do gênero da natureza-morta. Elas não são lembranças sobre a efemeridade da vida, mas elogios à força vital das plantas. A linguagem gráfica de Santídio é direta, sem excessos ou dramas, mas recusa a objetividade cientificista. Aos poucos, o artista foi simplificando seu vocabulário, recorrendo a poucos recursos, mas para chegar ao elementar, usou diversas nuances de luzes e sutilezas cromáticas.

Os avanços tecnológicos da corrida espacial entre os Estados Unidos e a antiga União Soviética, que culminou com a chegada do homem à Lua em 1969, estão no imaginário de Emmanuel Nassar. Mas o título de sua instalação Lataria Espacial, além dos aspectos científico e político, traz também um termo informal, que se refere a estruturas metálicas de veículos motorizados. Para o artista, lataria está associada ao termo “lata velha”, geralmente usado para designar o estado precário de grandes máquinas deterioradas.O trabalho aproxima opostos: a lataria envelhecida e com sinais de desgaste, o que há de primitivo e popular nas funilarias do subúrbio às missões espaciais e altamente tecnológicas que colaboraram para o desenvolvimento das comunicações via satélite. Há, nessa justaposição, algo do sonho e da fantasia de voar. Mas se o voo está ligado à imagem da liberdade que tanto aviões quanto pássaros evocam, uma das asas de Lataria Espacial está decepada, como se estivesse incrustada na parede. Dentro da Sala de Vidro do MAM São Paulo, a obra parece tratar mais da impossibilidade de levantar voos do que da completa realização do desejo de liberdade.

Esta exposição apresenta as transformações da moda no Japão, por meio de peças de designers renomados criadas desde a década de 1950 aos anos 2000, desvendando as influências, sensibilidades e estética japonesas.

A Galeria Marcelo Guarnieri apresenta a exposição individual de Mariannita Luzzati (1963, São Paulo) na sede da galeria em São Paulo. A mostra conta com texto crítico de Luiz Armando Bagolin. Convidando o espectador a refletir sobre o vazio e o silêncio, Mariannita Luzzati desenvolve sua prática pictórica a partir do interesse pela paisagem e pela simbologia elementar da contemplação que vem associada a ela. Em sua pesquisa, tenta refletir sobre a ideia de “restauração” da paisagem, que diz respeito a um mundo sem excessos, sejam eles de informação, de imagens ou de cores. A ação de esvaziar pode ser observada não só nas paisagens silenciosas que nos apresenta, mas também na paleta de tons rebaixados que utiliza e até mesmo no aspecto difuso da pintura que dá conta de nublar os elementos da cena. A partir de um sistema pictórico próprio que desenvolveu há mais de 25 anos, Mariannita Luzzati apresenta nesta exposição um diálogo entre pinturas inéditas e pertencentes a séries anteriores, onde a variação de escalas se faz evidente. Por meio da tinta diluída, sobrepõem-se camadas muito leves que dão corpo a rochedos muito pesados, rodeados pela imensidão do imprevisível oceano. Há uma troca entre cor e forma, onde uma se constrói enquanto a outra se desmancha. Em suas novas pinturas, Luzzati passeia por tons azulados e esverdeados por meio do uso de pigmentos como verde ftalo, óxido de cromo verde, azul ultramar e azul cobalto, aproximando-se assim, como observado por Luiz Armando Bagolin em seu texto crítico, de um momento da tradição da pintura de paisagem inglesa em que o pintor do gênero buscava uma emancipação e autonomia.

A exposição convida artistas de diferentes gerações para dialogarem com as Seis propostas para o próximo milênio do autor italiano Italo Calvino (1923–1985): leveza, rapidez,exatidão, visibilidade, multiplicidade e consistência.A ideia é aproximar as obras de seis artistas a cada uma das conferências que o autor italiano faria na universidade de Harvard, nos EUA, em 1985, dedicadas às qualidades do fazer artístico a serem preservadas após a virada para os anos 2000.Deste modo, a curadoria sugeriu correspondências entre os trabalhos de Ana Amorim (1956, São Paulo, SP, Brasil) à rapidez; os de Cassio Michalany (1949–2024, São Paulo, SP, Brasil) à exatidão; os de Emmanuel Nassar (1949, Capanema, PA, Brasil) à consistência; os de Miguel Rio Branco (1946, LasPalmas de Gran Canaria, Espanha) à visibilidade; os de Tatiana Blass (1979, São Paulo, SP, Brasil) àmultiplicidade; e os de Thiago Hattnher (1990, São Paulo, SP, Brasil) à leveza.

A galeria apresenta uma seleção de 27 obras da artista Gabriella Garcia, que dividem entre esculturas em concreto, cerâmica, telas em grande formato e pinturas sobre madeira. O texto curatorial da exposição é de Igi Ayedun. Na exposição, Gabriella retoma elementos da iconografia greco-romana, recriando-os por meio de inteligência artificial para provocar um desequilíbrio hierárquico. Aqui as imagens são abstraídas de seus contextos originais, editadas, difundidas e finalmente deformadas por processos que as anulam e as modificam. Todas as obras elaboradas através de inteligência artificial são desenvolvidas como esculturas físicas através de materiais históricos e inéditos na produção de Gabriella. Os resultados das execuções de comandos inseridos pela artista incorporam multiplicidades de correntes estilísticas e formam novas figuras estranhas, insólitas e muitas vezes, irreconhecíveis, e é nesse momento em que a imagem, enquanto objeto “desfigurativo”, completa sua realização e se torna dependente de interpretações e não mais de intenções.Em continuidade ao conceito de farsa abordado em sua última individual na galeria, "Esse sonho pode nunca acontecer" em 2021, na qual exibia obras carregadas de símbolos da história da arte clássica, Gabriella traz agora questionamentos e reflexões a respeito do pensamento hegemônico eurocêntrico, aliado às astúcias das imagens religiosas.

Com a instalação "Nosotros hablamos la misma lengua", Ana Teixeira traz para a Biblioteca Mário de Andrade uma obra sonora e visual, com a qual os visitantes poderão interagir. Para criar esta obra a artista selecionou do dicionário espanhol-português todas as palavras com igual grafia e significado em ambos os idiomas. São 2613 palavras que revestem um cubo em cujo tampo está um livro de páginas tripartidas que podem ser manipuladas, contendo 99 das palavras, separadas em substantivos, verbos e advérbios. Cada parte pode ser folheada individualmente, possibilitando a formação de frases em centenas de combinações diferentes. Instalado no centro da sala, o cubo pode ser pensado como um pequeno monumento a celebrar os idiomas português e espanhol em suas imbricações semânticas, resquícios da origem única das duas línguas. Nas paredes serão adesivadas algumas das dezenas de frases possíveis de serem formadas com as palavras que estão no Cubo-Livro. Um áudio instalado na sala reproduz todas as palavras pronunciadas, simultaneamente, em espanhol e português. A sonoridade destas duas línguas sobrepostas preencherá o espaço, denunciando o que as outras partes da obra não esclarecem totalmente: que são dois os idiomas.Ana Teixeira tem como foco de seu trabalho as interações humanas e as maneiras que escolhemos para nos relacionar, contar nossas histórias e nos comunicarmos. Há vinte e cinco anos Ana desenvolve ações e intervenções tanto em espaços públicos quando em espaços institucionais

A exposição Gira da Poesia – 15 anos de slam no Brasil traz mais de 400 itens ao Instituto Tomie Ohtake, fornecendo ao público um olhar sobre a trajetória do poetry slam desde sua chegada no Brasil em 2008 até a atualidade, e destacando a produção, a circulação e a recepção do movimento no país.A mostra foi originalmente realizada no Museu de Arte do Rio – MAR, pela Festa Literária das Periferias – Flup, em 2023. Com curadoria de Julio Ludemir, Luiza Romão e Roberta Estrela D’Alva, a mostra ganha novos contornos no Instituto, expandindo-se por estruturas de andaime ao redor da arena/palco que abrigará as batalhas e outros encontros do festival Poesia em presença.Do início do movimento em Chicago, nos EUA, passando pelos primeiros saraus em São Paulo, a disseminação pelas ruas do país, a criação de slams com recorte de gênero e outros novos formatos, a chegada nas escolas e nas universidades, os campeonatos estaduais, o nacional e os internacionais realizados no país são alguns dos eixos construídos por meio de recortes de memórias, depoimentos, flyers, folders, peças de vestuário, troféus e medalhas de campeonatos, fotos, vídeos, livros, zines, discos e recortes de jornal.

A exposição apresenta a nova série do artista Celso Gitahy. Com pinturas realizadas com a utilização de fragmentos de estênceis figurativos, feitos durante os últimos trinta anos de produção, a série marca a passagem da figura para a abstração, num processo de diluição da forma e estratificação imagética da imagem. Essa abstração surge por meio do tratamento de impressão com sobreposições de camadas, manchas e ajustes gestuais, sobre caixas de papelão, adquiridas gratuitamente, como embalagens descartáveis de compras cotidianas em supermercados da cidade.

A exposição traz uma retrospectiva da vida e obra de Alexandre Herchcovitch, um dos mais importantes nomes da moda brasileira.  A mostra conta com curadoria de Maurício Ianês. Alexandre Herchcovitch se tornou, através de um trabalho único, subversivo e impecável em termos de acabamentos e modelagens, o nome mais importante na história da moda brasileira, tendo alcançado grande relevância também no cenário internacional. Ao longo de trinta anos, o estilista desfilou suas coleções nas semanas de moda de Londres, Paris e Nova York, além, claro, nas de São Paulo e do Rio de Janeiro.Nascido em 1971 na capital paulista, filho de imigrantes judeus de segunda geração, iniciou cedo a sua carreira. Regina Herchcovitch, sua mãe, ensinou o filho a costurar, e ele logo pôs suas ideias em prática ao criar roupas para ela. No fim da adolescência, desenhou uma caveira, que, junto da sua assinatura, se tornou a sua primeira logomarca. Inspirada em desenhos de livros de anatomia, foi também a sua primeira estampa, um ícone da sua produção que é utilizado – e desejado – até os dias de hoje.Em sua carreira estrelada, nunca deixou de prezar por sua família, seu círculo de amigos e sua origem judaica. De uma forma ou de outra, a estética das mulheres judias religiosas da Europa Central e do Leste, e as roupas dos Haredim (judeus ultraortodoxos) se misturaram a macacões sadomasoquistas, sapatos de saltos altíssimos, roupas de látex, vestidos de cetim de seda desconstruídos, lingeries, babados inspirados por Carmen Miranda, burkas, sempre com um pé nas comunidades alternativas que o receberam quando era jovem. Partindo dessa forte influência judaica em diálogo com várias outras perspectivas e identidades, Alexandre, que nunca foi religioso, ocupou um lugar único na moda.A exposição que celebra seus (mais de) trinta anos de carreira apresenta ao visitante um panorama que tem como base a palavra aramaica bereshit, primeira palavra que se lê na Torá, que significa “no início”, e tem suas origens na palavra resh, no aramaico, ou rosh no hebraico, que remetem à “cabeça”. No início, na cabeça, um universo múltiplo é criado e posto em movimento. É a partir desse conceito que se desenvolve esta primeira mostra deste criador que pôs em movimento um universo muito pessoal e abraçou seu tempo com um olhar no futuro.

Edith Derdyk apresenta a exposição Alfabeto da Reta, com texto crítico de Sylvia Werneck, que tem, como ponto de partida, uma pesquisa sobre a geometria descritiva desenvolvida por Gaspard Monge, no final do século XVIII: um sistema de desenho projetivo que embasou o desenho técnico para efeito da produção industrial, provocando um impacto no desenvolvimento tecnológico na época da Revolução Industrial, por facilitar a visualização de objetos fabricados e sua sistematização.A artista visual especula sobre os métodos de representação de operações gráficas maquínicas, frutos da abstração mental calcada na observação do real, facilitando a reprodução massiva de objetos industriais e a produção dos artefatos e suas problematizações com o tempo da costura manual e artesanal estabelecendo uma conversa entre a atividade artesanal fabril e atividade industrial febril. A exposição também alude, por decorrência, ao uso das fontes de energia primária que sustentam os modos de produção industrial, refletindo sobre a intensa exploração dos recursos naturais. A presença do carvão - fóssil antigo e fonte de energia não renovável, o motor da produção industrial de nossa história civilizatória -, sinaliza a problemática das fontes de energia naturais.

Exposição dedicada à vida e obra de Artacho Jurado, que mesmo sem ter formação como arquiteto ou engenheiro, ergueu edifícios que se tornaram ícones de São Paulo. Na contramão dos traços racionalistas da arquitetura moderna, Artacho se tornou uma espécie de aquarelista da cidade, com projetos que destacavam elementos ornamentais e decorativos, cores vibrantes e espaços de convivência que perduram até hoje. A mostra traz cerca de 130 peças, entre imagens, fotografias, vídeos, desenhos originais, publicidade de época, uma maquete e o acervo pessoal da família Jurado – além de recursos acessíveis – que permitem ao público conhecer a fundo a vida e obra deste empreendedor, que ajudou a desenhar a paisagem urbana. A exposição tem curadoria do antropólogo e pesquisador Guilherme Giufrida, ao lado da arquiteta e curadora Jéssica Varrichio.

Calder+Miró é uma exposição que reúne dois artistas incontornáveis para quem quer pensar com sensibilidade nos caminhos da arte moderna.Ocupando quase todos os espaços expositivos do Instituto Tomie Ohtake, a mostra contempla a amizade entre um dos principais escultores modernos e um dos mais famosos pintores surrealistas: o escultor norte-americano Alexander Calder (1898-1976) e o catalão Joan Miró (1893-1983). Os dois foram, cada um em sua trajetória, embaixadores da ideia de que a abstração poderia ser um canteiro aberto de experimentação dinâmica, permeado pelos modos de criação intuitivos, de artistas circenses, da mecânica e da poesia.Com curadoria de Max Perlingeiro, acompanhado pelas pesquisas de Paulo Venâncio Filho, Roberta Saraiva e Valéria Lamego, a mostra traz cerca de 150 peças – entre pinturas, desenhos, gravuras, esculturas, móbiles, stabiles, maquetes, edições, fotografias e jóias.

Sem Sinal, de João Bandeira, com curadoria de José Augusto Ribeiro, reúne 15 trabalhos em fotografia de grande formato, vídeo e serigrafia, que apresentam em sua maioria painéis e outros suportes de comunicação visual instalados nas ruas e demais áreas públicas de grandes cidades. As imagens apresentam as estruturas intactas, mas vazadas, em branco ou encobertas, onde estariam afixados cartazes e peças afins. As fotos registram esses suportes tal como estavam quando foram localizados, sem nenhuma manipulação para apagar o que haveria de material de comunicação. Os trabalhos indicam também escolhas do artista no ato do clique quanto a aspectos do entorno, ao horário do registro fotográfico e outros detalhes. A exposição inclui, ainda, fotos de restos lacerados de outdoors, também sem manipulação. Neste caso, o enquadramento destaca sempre uma única palavra-chave (privada, assim, de seu contexto discursivo), que alude ao lacunar, à falta, ao óbvio ou secundário.João Bandeira é artista visual e poeta, desenvolvendo seu trabalho desde fins dos anos 1980, e lidando muitas vezes com a interface entre imagem e palavra em meios diversos, como desenho, gravura, fotografia, vídeo e dispositivos sonoros, além de, na tridimensionalidade, objetos e relevos

A exposição apresenta três dos mais icônicos trabalhos de Josef Koudelka, um dos grandes representantes da tradição humanista da fotografia. Viajante incansável, ele fez do fotojornalismo um extenso testemunho pessoal, dotado de múltiplas camadas. Essas três séries são hoje reconhecidas como clássicos da fotografia mundial: as imagens de Ciganos transmitem respeito por uma etnia que, à margem da sociedade majoritária, preservou uma atitude espontânea e própria diante da vida. Praga, 1968 foi pensada como lembrança de toda resistência desarmada ao poder militar dos regimes totalitários e as obras de Exílios são a expressão pessoal de um fotógrafo que perdeu sua terra natal, mas ganhou a liberdade.

José Bento (Salvador, BA, 1962) leva para o Octógono da Pinacoteca um projeto sensorial que pensa a relação com o espaço, tempo e memória, atribuindo novos significados ao seu principal material de trabalho, a madeira.No site-specific o artista relembra que toda cidade, como resultante das ações humanas no passado e no presente, é um receptáculo das histórias e dos ciclos de vida que por ela assentam e habitam.A região onde a Pinacoteca se localiza foi, em um passado-presente da cidade de São Paulo, conhecida como Caminho de Guaré. Com destino às Minas Gerais, os tropeiros percorriam uma passagem que existia antes mesmo da chegada do elemento europeu a essas terras: percorrer o Caminho de Guaré é compreender o espaço em que estamos como lugar de consciência, reconhecer a presença indígena nesse território e se entender também como parte dessa intricada trama de história.

O artista Venes Caitano, estreia a mostra inédita ""ÓDIO, MÁRIO, ÓDIO: cíclico, fecundo, fundamento, sem perdão! na Hemeroteca da Biblioteca Mário de Andrade. Venes Caitano, que se destaca como cartunista, agora se afirma no circuito de artes plásticas como pintor. A exposição busca estabelecer um diálogo direto com o poema "Ode ao Burguês", revisitando-o cem anos após sua criação. Mário de Andrade recitou o poema "Ode ao Burguês" na Semana de Arte Moderna de 1922, revelando uma crítica incisiva à sociedade da época. E é com base neste legado que Venes conecta as questões sociais contemporâneas por meio de suas pinturas.

No ano que marca o 50º aniversário da galeria, Luisa Strina apresenta uma abrangente mostra da obra de Mira Schendel (1919-1988. A artista foi uma figura pioneira na arte latino-americana, que trabalhou com Strina nos anos 1980, onde teve exposições em 1981 e 1983.Organizada por Olivier Renaud-Clement em colaboração com a família Schendel e Hauser & Wirth, Mira Schendel: Transparências apresentará uma ampla seleção de Monotipias de Schendel produzidas entre 1963 e 1965, além de uma série de objetos escultóricos em acrílico produzidos no final dos anos 1960 e 1970. A exposição é acompanhada, ainda, por um ensaio inédito do Curador Chefe do Museo del Barrio de Nova York, Rodrigo Moura.As mais de cinquenta Monotipias apresentadas na mostra oferecem um panorama da abordagem experimental e inovadora de Schendel. Cada peça revela sua meticulosa exploração da textura, forma e translucidez, em um jogo sutil de luz e sombra. As monotipias foram extremamente experimentais na época de sua criação. Sua feitura envolve a aplicação de pó de talco em um dos lados do papel de seda japonês, que é então colocado sobre uma chapa de vidro previamente oleada. Schendel então "desenhava" com vários instrumentos, incluindo seus dedos, aplicando pressão no lado não oleado. O processo criava uma linha orgânica que quase parecia parte do papel e permitia a Schendel responder gestual e caligráficamente ao material. Essas marcas gráficas, letras e manchas resultaram em desenhos extraordinariamente belos e poéticos em ambos os lados do papel, os quais são mostrados na galeria em prateleiras retroiluminadas que preservam sua transparência.

A exposição coletiva organizada por Livia Debate e Nessa Leonzini apresenta uma seleção de cerca de cinquenta obras que exploram a intersecção entre design e a arte contemporânea. A mostra traz poltronas, cadeiras bancos e banquinhos que foram reimaginados pelos artistas convidados, e várias das obras foram feitas especialmente para a mostra. Entre as obras expostas, está uma cadeira de praia transformada em moita por Rochelle Costi (obra "Moita", 2019), um banquinho com aplicações de tecidos e rendas feito por Sonia Gomes ( obra "Escondedouro", 2017) e um banco de jardim com formato de troncos, feito a partir de madeira de jabuticabeira e ferro fundido por Marcius Galan.

Conectados por suas investigações sobre masculinidade, conflito, sexo e consciência por meio de figuras distorcidas e genderizadas que existem justapostas e imersas em ambientes impossíveis e coloridos, o brasileiro Victor Arruda e o americano Carroll Dunham terão suas obras lado a lado na exposição "Examinando a mim mesmo e aos outros".Victor Arruda (Cuiabá, MT, 1947) é um artista visual brasileiro, conhecido por seu trabalho na pintura, desenho e instalação. Ele começou sua carreira nos anos 1970 e desde então tem se destacado por suas obras que frequentemente abordam temas como sexualidade, política, e crítica social. Seu estilo é marcado por uma paleta de cores vibrante e elementos simbólicos que criam narrativas provocativas e desafiadoras. Alguns dos temas recorrentes em seu trabalho incluem a exploração da identidade e a crítica às normas sociais e culturais. Ele também é conhecido por seu engajamento com questões de gênero e sexualidade, muitas vezes abordando esses temas de maneira direta e provocadora. Carroll Dunham (EUA, 1949) é conhecido por suas pinturas e desenhos que combinam elementos abstratos e figurativos de maneira provocativa. Seu trabalho é caracterizado por formas biomórficas, figuras humanas estilizadas e cenas de violência ou sexualidade, muitas vezes apresentadas com humor e ironia. Dunham usa uma paleta de cores vibrantes e linhas fortes para criar obras dinâmicas e cheias de movimento. Ao longo de sua carreira, Dunham passou por várias fases estilísticas, começando com pinturas abstratas nos anos 1980 e evoluindo para trabalhos mais figurativos nas décadas seguintes. Suas séries mais conhecidas incluem figuras masculinas e femininas em paisagens estilizadas. Ele utiliza uma variedade de técnicas e materiais, incluindo pintura a óleo, desenho, gravura e escultura, misturando técnicas tradicionais com uma abordagem contemporânea.

A exposição apresenta uma seleção de fotografias do brasileiro radicado na França Roberto Frankenberg. A série foi exibida pela primeira vez na edição de 2015 do projeto "Maio Fotografia", do Museu da Imagem e do Som, e hoje faz parte do acervo do MUJ. As fotos tratam da temática do holocausto a partir de um olhar para a ausência e a perda, transmitindo o silêncio das paisagens.

Exposição individual do artista Maxwell Alexandre. Novo poder: passabilidade faz parte da série “Novo Poder” e trata-se da itinerância em São Paulo do primeiro Pavilhão de Maxwell Alexandre, que foi no bairro de São Cristóvão, Rio de Janeiro.A exposição é marcada por uma instalação com mais de 50 retratos, todos pintados a óleo sobre papel pardo. Firmes e conscientes desses espaços – museus e galerias – que outrora eram hostis a pessoas melanizadas, os personagens caminham elegantes, como se estivessem desfilando numa passarela. Em Novo poder: passabilidade, o artista faz esse cruzamento entre moda e arte contemporânea, denotando os dois campos como plataformas de empoderamento, que oferecem dignidade e autoestima para o indivíduo.

Bancos, cadeiras, sofás, caixas, cômodas, escrivaninhas, guarda-roupas, redes, esteiras e camas. Todos esses itens fazem parte do nosso dia a dia e revelam como atendemos três necessidades básicas: sentar, guardar e dormir.Com foco nessas três ações humanas e nas soluções criativas adotadas em diferentes épocas, o Museu do Ipiranga apresenta 164 móveis produzidos entre os séculos 16 e 21, com as peças criadas de acordo com as demandas de cada período. A curadoria é dos docentes do Museu Paulista, Maria Aparecida de Menezes Borrego, e Paulo César Garcez Marins e do convidado Giancarlo Latorraca, arquiteto e ex-diretor técnico do Museu da Casa Brasileira.

A mostra retrata a cultura periférica e do funk, celebrando suas gírias, músicas, vestimentas e cortes de cabelo como verdadeiras e importantes expressões de identidade e referência.

A Pinacoteca apresenta uma retrospectiva de J. Cunha (Salvador, 1948), a maior já realizada em sua carreira.Com cerca de 300 itens, entre pinturas, desenhos, cartazes, estampas, objetos e documentos, “J. Cunha: Corpo tropical” apresenta a trajetória do artista, acompanhando seus percursos pela Bahia e sua projeção nacional e internacional. A mostra enfatiza o caráter experimental, a diversidade das linguagens e o compromisso político do artista e de sua obra. Como ponto alto está a obra Códice (2011-2014), um painel de três por sete metros que nunca foi exposto em São Paulo e apenas três vezes apresentado ao público de forma completa. Na mostra, são apresentadas também algumas obras inéditas dos anos 1970, além de um expressivo conjunto de tecidos estampados para o bloco afro Ilê Aiyê, produzidos entre os anos 1980 e 2000.