EXPOSIÇÕES

A exposição reúne artistas de diferentes gerações formando uma constelação de afetos e ideias de amigos, artistas, amigos-artistas e das galerias da cidade.
A exposição organiza-se a partir de uma fotografia de Rochelle Costi (1961-2022) intitulada Casa do Céu (2018). Na fotografia, uma pequena casa laranja construída no topo de um arranha-céu sobe do telhado do prédio para o céu azul apontando para as constelações invisíveis acima. A intenção da mostra é homenagear alguns dos artistas que contribuíram para tornar a galeria o que ela é em suas duas primeiras décadas de existência.

Neste ano de 2024, o Hermes Artes Visuais completa 13 anos de atuação, como um espaço independente, em São Paulo, promovendo encontros e diálogos com artistas. E para celebrar esta data acontece no Edifício Vera, no Centro de São Paulo, a exposição coletiva “Cama de Gato". Com curadoria de Carla Chaim, Marcelo Amorim e Nino Cais e texto crítico de Carol Soares, a mostra reúne os artistas que estão atualmente participando das atividades do Hermes.

A exposição inaugura a galeria Martins & Montero, criada a partir da fusão da Sé Galeria e da Galeria Jaqueline Martins.A primeira exposição individual de Jota Mombaça no Brasil aborda as mudanças climáticas e sua imprevisibilidade, a interconexão entre o corpo humano e o planeta, e narrativas referentes ao pertencimento à terra. Ao mesmo tempo em que Jota propõe práticas poéticas, ela realiza um estudo profundo sobre a construção do imaginário colonial. Seu corpo de trabalho, polissêmico e multidisciplinar, foi produzido em diversas regiões do Brasil.

Exposição coletiva que reúne o trabalho de jovens artistas, como Leka Mendes e Elvis Almeida, e os posiciona em diálogo com obras de artistas de peso da arte contemporânea brasileira, entre eles: Tunga e Anna Maria Maiolino. O texto curatorial é assinado por Daniela Avellar. " Lua Nova é uma sugestão de nome que vem através de um trabalho de Leka Mendes. Esta mostra se organiza a partir de um diálogo intergeracional entre artistas latino-americanos, com obras que se afastam por décadas, mas que se aproximam por certa temperatura comum. No caso, a imagem agregadora é a do referido astro quando em fase nova, caracterizada por permanecer com sua face visível sem receber a luz do sol, tornando-se imperceptível ao olho nu." - Daniela Avellar.

"Em Funduras, Solange Pessoa apresenta uma qualidade inesperada dos minerais: a leveza. A artista mobiliza algo que está distante do nosso imaginário, a linguagem das pedras, e traz à superfície forças geológicas das profundezas da terra. Dessa superfície e leveza se sobressaem movimentos cromáticos singulares. É por esse percurso que pode parecer sinestésico, que outros territórios são inventados. Eles vão do carvão e ao sumo do jenipapo ao verde-pátina, pétreo e brônzeo, passando pelas cores formadas a partir de novas afinidades da matéria, como a fusão entre a prata e o cristal. A esse eixo cromático de relações originais somam-se os elos laranjas das composições de suas pinturas."- Eduardo Jorge de Oliveira

Conhecido por sua pesquisa sobre a cor nos grandes centros urbanos, o artista e escritor radicado em Londres David Batchelor apresenta sua produção mais recente da série contínua Concretos, reunindo mais de vinte esculturas em diversas dimensões e materialidades. Intitulada Transparent Things, esta é a quinta exposição individual do artista na galeria.David Batchelor teve suas obras expostas pela primeira vez no Brasil em 2004, na 26ª Bienal de São Paulo. Nas duas décadas seguintes, ele retornou ao país em muitas ocasiões e exibiu suas esculturas baseadas em cores em diversas instituições culturais.A arte e cultura brasileiras são uma fonte contínua de inspiração para Batchelor. O artista realizou inúmeros trabalhos em São Paulo com objetos encontrados nas ruas da cidade. O título da série de trabalhos presentes nesta exposição é uma alusão direta aos grupos da vanguarda brasileira das décadas de 1950 e 1960.Em Concretos, cada peça independente é composta por um elemento colorido brilhante inserido em um simples bloco retangular de concreto. O primeiro desses trabalhos, de 2012, foi inspirado nos cacos de vidro colorido sobre muros de concreto, comumente encontrados nos ambientes urbanos. Desde então, Batchelor incorporou uma vasta gama de objetos e materiais a essa forma básica, desde recortes de Plexiglas (vidro acrílico) e ferragens comerciais, até tampas de latas de tinta e cabides decorativos. Elas também variam muito em tamanho, podendo chegar a ter mais de três metros de altura.O principal tema do trabalho de Batchelor nos últimos 30 anos é a cor, e como ela se manifesta nos materiais e estruturas da cidade moderna. Esses temas recorrem de diferentes maneiras e combinações em uma ampla gama de esculturas, instalações, pinturas, desenhos, fotografias, gravuras e animações.

A exposição monográfica em dupla do casal de artistas pernambucanos Elza O. S. (1928, Recife – 2007, Rio de Janeiro) e Gerson de Souza (1926, Recife – 2008, Rio de Janeiro) apresenta um recorte panorâmico da produção de ambos.A mostra vincula-se a um dos pilares do programa da galeria, que se volta para o reposicionamento, exibição e discussão crítica de artistas que atuaram fora dos circuitos tradicionais das artes e que, muitas vezes autodidatas, foram marginalizados pelo modernismo, pela crítica de arte, pelos programas curatoriais dos museus e pelo mercado.Elza & Gerson: cada indivíduo é um universo coloca em diálogo a produção em pintura do casal de artistas 54 anos depois da última exposição que realizaram em conjunto, na Galeria Oca, no Rio de Janeiro, em 1970. O título da mostra toma emprestada uma frase que Gerson grafava no verso de suas pinturas e que dá, aqui, o fio da abordagem curatorial, voltada às múltiplas e diversas formas de existir narradas nas pinturas dos dois, que retratam a boemia carioca e a vida cotidiana da cidade; cenas de carnaval e figuras religiosas; além de composições de tom onírico e surreal que se dividem nos núcleos: surrealismos; cenas de carnaval e manifestações populares; bordel e boêmia; figuras religiosas; e retratos.

exposição individual de Lia Chaia. A exposição conta com texto crítico de Thaís Rivitti . A mostra reúne novos trabalhos produzidos entre 2020 e 2024, incluindo uma videoinstalação,dois vídeos, desenhos e uma série de móbiles. Durante a abertura, Chaia apresentará uma projeção mapeada na fachada da Vermelho. Chaia é conhecida por suas obras que exploram a inserção do corpo em paisagens naturais e urbanas e é um dos nomes que definiu a Geração 2000.

O ano de 2024 marca uma década desde a primeira apresentação de obras de tempo e lugar específicos criadas por Dan Lie em instituições de arte. Devido à transformação da matéria ao longo do tempo e à ação de seres além-humanes, estas instalações, ao final de seus períodos expositivos, deixam de existir fisicamente, tornando-se o que Lie chama de “obras que vivem e morrem”. Ao longo dos anos, os elementos remanescentes destas obras, que não perecem – como vasos de cerâmica e tecidos de algodão tingidos naturalmente com cúrcuma – vêm sendo resgatados e utilizados como material base para o desenvolvimento de novas esculturas. A prática de tingimento natural dos tecidos teve início em 2018, mas ganhou nova dimensão em 2022 com a apresentação da instalação “Sociedade Secreta do Luto” na 58ª Carnegie International, em Pittsburgh, EUA. No processo criativo destas obras, Lie estabeleceu um paralelo conceitual com o luto – durante o luto, precisamos reelaborar nossos sentimentos em relação a alguém ou algo que morreu. Aqui, as esculturas são a reelaboração de uma instalação que já não existe mais. As tentativas e aprendizados de lidar com o movimento, mudanças e impermanência têm orientado a prática de Dan Lie. No caso da criação de esculturas, o processo criativo foi confrontado por um embate ético, uma vez que a mudança da matéria não ocorre na mesma velocidade que nas instalações efêmeras. O Studio Dan Lie adota uma política de não acumulação e de não possuir espaços físicos para armazenamento de obras de arte. Em 2023, iniciou-se um processo para integrar esse novo corpo de obra à filosofia da impermanência, estabelecendo um prazo de 05 anos, a partir da data em que a obra é exposta pela primeira vez, para que as esculturas sejam adquiridas por coleções de arte. Caso sejam adquiridas, as obras ficarão sob a guarda dos colecionadores por tempo indeterminado. Caso contrário, após cinco anos desde sua primeira exibição, as obras retornam ao Studio Dan Lie, para serem transformadas em outras obras ou destruídas. A exposição na galeria Casa Triângulo apresenta obras com prazos limite em 2024, 2028 e 2029. As obras inéditas que vão até 2029 foram criadas com os restos mortais da instalação “Outres”, que fez parte da 35ª Bienal de São Paulo, em 2023. Após o término desta instalação, restaram apenas testemunhos, como fotografias, um vídeo registro apresentando momentos da existência desta obra efêmera e esculturas inéditas feitas a partir dos tecidos que envolviam a obra. A escolha das obras para esta exposição reflete o percurso na produção de esculturas de Dan Lie e o processo de continuidade e ressignificação da matéria como parte integral do fazer escultórico. A obra “Memory Stick” (2015), por exemplo, produzida para a primeira exposição individual de Dan na galeria Casa Triângulo, é novamente apresentada e destacada como ponto de partida dessa produção.PARTILHAR

Eliane Duarte nasceu em 1943 no Rio de Janeiro e teve uma produção artística breve, mas intensa, até seu falecimento prematuro em 2006. Suas obras expandem os limites da telacomo suporte e ganham corpo como objetos-amuletos-rezos. Feitos com tecidos, algodão, pigmentos naturais, cera, sementes, corda, penas, moedas e muitos outros elementos, habitam uma mística, ganhando corpo como entidades e forças únicas. Ao conhecer sua prática, acessamos fundamentos da natureza, formas orgânicas, flores, cachos e vestes que se materializam em suas obras através de um processo de costura visceral. A costura é uma prática ancestral mas frequentemente associada ao universo feminino domesticado. Entretanto, a voracidade com que Eliane trabalhou com essas técnicas aproximam o fazer artesanal ao cirúrgico. Suas metodologias explicitam também a urgência de se comunicar de outra forma, tridimensional mas não escultórica, com costura em pele e não só em tecido, sempre driblando das conformidades práticas do mercado de arte.Sua obra é um legado à prática artística de mulheres no Brasil, que seguem sem o devido reconhecimento na memória coletiva de sua geração, evidenciando os processos patriarcais das decisões históricas sobre quem é reconhecido. Acessamos um conjunto de trabalhos que nunca foram apresentados juntos e assim resgatamos e honramos a memória não só dessa grande artista mas de todas as mulheres, artistas que seguem sem o devido reconhecimento.

Abrindo a programação de exposições de 2024, a Luciana Brito Galeria tem o prazer de anunciar a exposição “Cadê o Abre Alas?”, de Gabriela Machado. Essa é a primeira da artista na galeria e a mais completa que já realizou ao longo da carreira. Com curadoria de Oswaldo Corrêa da Costa, a mostra reúne mais de cem obras, entre pinturas de maior e menor escala, assim como esculturas em porcelana, ocupando todos os espaços da galeria. A montagem da exposição “Cadê o Abre Alas?” foi inspirada pela ideia da “Morte do Autor” de Roland Barthes, onde este defende que o autor deve desaparecer no momento em que nas- ce o leitor (ou espectador, no caso), pois é a partir das reflexões desse último que novas ideias surgem. Aqui, essa ideia pode ser entendida como um apagamento do rastro do curador, ou a diminuição radical de seu protagonismo, parte da crítica contemporânea à autoridade do “ho- mem branco ocidental”.Para por essa ideia em prática, a proposta curatorial pretende dividir as pequenas pinturas em três grupos, ou “enxames”, compostos de telas do mesmo tamanho. Dentro de cada enxame, o ordenamento nas paredes será por degradês que vão do mais claro ao mais escuro, ou vice versa. Transferir a responsabilidade para critérios mais objetivos aumenta o enfoque sobre a cromaticidade dos trabalhos e gera um ordenamento coletivo, ao mesmo tempo em que cada obra continua se sustentando individualmente.

Formada por jovens artistas emergentes, a exposição busca trazer visibilidade para as recentes produções de arte contemporânea e para novos espaços de ocupação no circuito cultural da cidade de São Paulo. A partir da iniciativa dos artistas em parceria com Famintas Lab, e sob curadoria de Lilian Bado, a exposição contará com 19 artistas e mais de 60 obras em pinturas, serigrafias, desenho, esculturas e instalações que estarão à venda, como ação de viabilizar a manutenção e continuidade do espaço.

Com curadoria de Eder Chiodetto, a mostra reúne fotografias de Lalo de Almeida e Luciano Candisani, dois dos mais proeminentes fotodocumentaristas brasileiros, além de apresentar mapas, livros, infográficos e uma sala de vídeos que auxiliam a compor um panorama potente do Pantanal e de suas urgências.Lalo de Almeida focou suas lentes no fogo que assolou o Pantanal durante os incêndios de 2020, devastando aproximadamente 26% da área e resultando na morte de 17 milhões de animais. Suas imagens circularam globalmente, desempenhando um papel crucial ao alertar a sociedade, a comunidade científica, o governo brasileiro e organizações internacionais sobre a gravidade do ocorrido. Parte delas, sobretudo o registro de um bugio ajoelhado e carbonizado, conferiu a Lalo o prestigioso prêmio World Press Photo na categoria “Ambiente”.Já Luciano Candisani, especializado em fotografar ecossistemas ao redor do mundo, traz uma série de imagens da água, sejam elas submersas, terrestres ou aéreas. Suas fotografias, caracterizadas por uma rara combinação de excelência técnica e expressividade, foram produzidas em condições complexas durante as cheias pantaneiras, resultando em um acervo iconográfico de suma importância.

Exposição individual retrospectiva da obra do fotógrafo George Love, importante nome da fotografia no Brasil. Nas palavras do curador Zé de Boni: "Chamá-lo de gênio também não é hipérbole. George Leary Love nasceu em 24 de maio de 1937, em Charlotte, Carolina do Norte, Estados Unidos. Negro, filho único em uma família simples e culta, concluiu seus primeiros estudos superiores antes dos 20 anos. Adotou a câmera fotográfica também cedo, vislumbrando a possibilidade profissional no segmento de fotografia de viagem, representado por arquivos de imagens, um mercado importante na época, com o qual se manteria ligado por toda sua vida profissional."

O Nova Fotografia é um projeto anual que seleciona, através de convocatória aberta ao público, seis novos fotógrafos para uma exposição individual no museu. A seleção fica a cargo do Núcleo de Programação, com supervisão e coordenação da curadoria geral do MIS. São selecionadas séries fotográficas inéditas, de profissionais que se destacam por sua originalidade técnica e estética. O ano de 2024 abre sua temporada com a série “Cores de São Paulo”, realizada pelo fotógrafo Rafa Rojas. Essa série explora uma nova visão da cinza São Paulo, buscando uma fuga nas cores da arquitetura da cidade.

Primeira exposição individual de Daniel Acosta (Rio Grande, 1965) na galeria. A mostra conta com texto crítico de Gabriela Motta, a qual destaca como o artista trabalha o nexo entre arquitetura, escultura e design, a partir do desenvolvimento de peças que são "mobiliários esculturais". Outro destaque da pesquisa do artista é a forma como ele trabalha a representação da natureza a partir de um olhar para as imagens produzidas pela cultura de massa.

Primeira exposição individual do artista Misheck Masamvu (1980, Zimbabwe) no Brasil. “Mostre-me como ruínas fazem um lar” apresenta a prática artística de Masamvu ao público brasileiro através de um conjunto de novas compreensões sobre os embates e negociações com as institucionalidades construídas pelos projetos coloniais que impactaram o Sul Global. O artista apresenta uma série de pinturas inéditas, desenvolvidas ao longo de dois meses em residência no espaço Casa de Pedra no Rio de Janeiro. Considerado um dos artistas contemporâneos mais significativos e pioneiros do Zimbabwe, o artista busca criar espaços e espessuras poéticas para realidades diversas em suas pinturas, conduzindo um pensamento da composição dos sujeitos políticos como ferramentas da transformação social.As obras de “Mostre-me como ruínas fazem um lar” refletem sobre as ideias de sacrifício e de renovação no contexto do pertencimento e da autopreservação. Sugere que, ao eliminar um obstáculo, é criado espaço para que outros possam prosperar. Este processo envolve a manutenção da identidade de uma pessoa enquanto navega por ameaças que podem, com o tempo, tornar-se obsoletas. Explora a fluidez dos papéis e das relações familiares, salientando a possibilidade de substituição dos títulos e a natureza partilhada das filiações. Em última instância, defende o crescimento e a proteção, permitindo aos outros o acesso a recursos diversos, sem deixar de salvaguardar a sua própria integridade.

"Na Simples e Suave Coisa - Suave, coisa Nenhuma", marca exposição individual da artista holandesa Janet Vollebregt. Sob a curadoria de Galciani Neves, a exposição, nas palavras da artista, “foca no invisível, porém sensível, sendo energia sutil. Ela oferece um cenário para experimentar e contemplar a consciência elevada das energias dentro e ao nosso redor.” A exposição se desenvolve a partir da ideia de "energia sutil”, algo que está disponível, vibrando e em troca com o ambiente. Para Janet, pintura e escultura se conectam por suas energias e assim se mantêm numa rede de energias. Vem daí o título da mostra. Ao tomar emprestado os versos da música "Amor" da banda Secos e Molhados, Janet evoca a leveza e a contradição da vida, refletindo a essência de sua exposição como uma celebração das energias sutis que nos cercam e nos conectam.A paixão em criar motivou a artista multidisciplinar a se graduar em Arquitetura e Urbanismo, mas as restrições das normas de construção a levaram a explorar novas formas de expressão, gerando obras que transcendem as fronteiras que limitam a arte e a arquitetura, pontuando uma poética singular em sua trajetória. Uma grande jornada pelo mundo, vivendo em diversos países e explorando diferentes culturas, aprofundou sua busca por conhecimento, incluindo práticas como o Feng Shui e o Jin Shin Jyutsu, uma arte de cura ancestral. Tais experiências lhe conferiram bagagem para essa individual, na qual Janet traz obras que produzem experiências espaciais e corporais em que são induzidas por várias instalações e oferecem material para reflexão.

Antes do presente é a primeira exposição individual de Rodrigo Matheus com a galeria desde 2018. A mostra é uma instalação imersiva onde o artista costura cenas de um tempo ambíguo, entre o passado remoto, o futuro distante e o presente suspenso entre eles. Compondo a obra com espículas de aço e cabelo sintético, Matheus investiga noções de começo e fim, da formação telúrica da Terra à contaminação e degradação do meio-ambiente.Por meio da produção de um sítio arqueológico especulativo, Rodrigo Matheus dobra a linha do tempo que nos conecta aos idos remotos da representação, criando um tableau panorâmico onde coexistem diferentes temporalidades sobrepostas. O título da exposição faz referência a uma medida de tempo, empregada em disciplinas científicas para a datação de eventos ocorridos a partir da alteração da composição química do globo pelos experimentos nucleares. O artista converte o espaço expositivo num misto de caverna pré histórica e panorama contemporâneo. Desenhos e grafismos que citam pinturas rupestres, pictogramas arcaicos e a história da arte moderna negociam sua autonomia em meio a imagens transitivas e saturadas. Num exame das pulsões representativas humanas, Matheus inclui em seu vocabulário pictórico o desenho de uma girafa encontrado numa caverna no deserto do Saara, uma cabeça de cavalo da caverna de Chauvet e negativos de mão indonésios de Kalimantan-Bornéu, que datam de mais de 45.000 anos atrás. O artista assim tece uma crítica à tradição dos saques arqueológicos, reprocessando a prática como um motor para a criação de espaços híbridos.

Romper o dia, crack of dawn é a primeira exposição da artista carioca Tatiana Chalhoub em São Paulo. A produção de Chalhoub é estruturada segundo os parâmetros técnicos e formais da pintura e extrapola o plano bidimensional por meio da cerâmica, em relevos de superfície acidentada. A sua técnica incorpora o acaso e a imprevisibilidade da prática de ateliê, projetando soluções pictóricas a partir de quebras, ruídos e desvios de processo. Peças de acetato, cacos de cerâmica, retalhos de tela, fragmentos e resíduos são processados em reinterpretações da natureza, da história da arte ou de anotações mentais, reunindo pedaços díspares num mundo marcado por matizes líquidos e tons aquáticos. Em suas obras, a artista emprega cerâmica pigmentada tanto em colagens quanto como superfície para pintura, com acabamentos esmaltados ou oxidados que ganham contornos de paisagem ou natureza morta. De peças em pequena escala a pinturas maiores sobre placas refratárias e colagens de grandes dimensões, a artista atravessa escalas heterogêneas e diferentes abordagens da imagem. Os trabalhos trazem representações do mundo botânico, e traduzem em matéria as qualidades sensíveis de ambientes ao ar livre.

As esculturas suspensas do cinético Knopp Ferro vão ocupar a Dan GaleriaContemporânea em Levitating Colour. A individual apresenta obras inéditas, entre desenhos e os marcantes móbiles que desafiam a gravidade e orbitam levemente emmovimento contínuo. As esculturas dançantes confeccionadas com hastes metálicas pretas ou de cores vibrantes convidam o público a experimentar diferentes pontos de vista e sensações.No início de sua trajetória, Knopp Ferro fez experimentações buscando um material que pudesse se encaixar melhor com seu processo artístico. O fascínio pela maneira com que o calor e a soldagem criam ligações, deformações e fusões o aproximou rapidamente do metal.As hastes metálicas são pintadas inteiramente numa só cor — geralmente em tons fortes, como vermelho ou laranja neon, mas por vezes em alguns tons calmos, como azul ultramarino — e são organizadas em propostas variadas de ativação do espaço e das relações a serem estabelecidas com ele.A exposição convida o público para um ambiente submersível, onde se experimenta a dimensão do processo artístico de Knopp Ferro. Até mesmo os títulos das obras são pensados para expressar o espaço e o tempo nos quais o artista confeccionou as peças. A aparência das esculturas pode ainda remeter a algumas formas pacíficas, como árvores e bambuzais ao vento. Um universo cinético único que se reconstrói.

A mostra é uma instalação imersiva onde Rodrigo Matheus costura cenas de um tempo ambíquo, entre o passado remoto e o futuro distante. Compondo a obra com espículas de aço e cabelo sintético, o artista investiga noções de começo e fim, da formação telúrica da Terra à contaminação e degradação do meio-ambiente.

Em pinturas, cerâmicas e colagens, Tatiana Chalhoub processa fragmentos em reinterpretações do mundo natural, dando forma a amálgamas de matéria que evocam paisagens em transformação. A artista abraça a imprevisibilidade da prática de ateliê, projetando soluções pictóricas a partir de quebras, deformações e desvios na sua cadeia de processos.

A Nara Roesler São Paulo apresenta Melinha, primeira exposição individual de Asuka Anastacia Ogawa (1988, Tóquio, Japão) no Brasil, que reúne uma seleção de treze pinturas desenvolvidas pela artista especialmente para a ocasião. A mostra abre como parte do circuito oficial da SP-Arte 2024.Nascida no Japão, Ogawa passou parte da infância e adolescência em Petrópolis, no Rio de Janeiro, cidade natal de sua família materna. Depois, a artista completou seus estudos na Suécia e graduou-se na Central Saint Martins College, em Londres, e atualmente vive em Los Angeles, nos Estados Unidos. A diversidade cultural que permeou seus anos de formação teve grande impacto em sua produção artística, que incorpora diferentes referências visuais, crenças e tradições. Sobre fundos monocromáticos e vibrantes, suas pinturas oníricas retratam figuras andróginas com rostos cuidadosamente construídos e olhos amendoados que parecem mirar para além dos limites da tela. As imagens retratadas por Ogawa remetem, sobretudo, à sua ancestralidade japonesa e afro-brasileira.

A Superfície apresenta Vênus Ancestral, primeira individual dedicada ao trabalho de Celeida Tostes em São Paulo. Com texto de Pollyana Quintella, a mostra retoma a importante trajetória da artista que dedicou a vida ao diálogo entre arte e educação, ampliando o pensamento no campo da escultura.A exposição é uma celebração da trajetória da artista e dos 10 anos da Superfície.

A mostra retrata aspectos particulares do desenvolvimento de robôs japoneses e oferece ao público brasileiro a oportunidade de refletir sobre a convivência com eles de maneira amigável, já que ao cotidiano japonês eles já estão mais do que incorporados.

Com o tema Infiltragem, um neologismo criado para a mostra, e curadoria de Giselle Beiguelman, as obras apresentadas no espaço do Parque Augusta unem a perspectiva de cinco artistas convidados e outros dois selecionados via edital, em 2023. Infiltragem foi concebida para integrar-se à rotina dos frequentadores de um dos parques públicos mais irreverentes da cidade, e também considerado um ponto turístico de grande movimento desde a sua inauguração, no ano de 2021. A ideia é infiltrar-se nos espaços, acomodando-se aos lugares de trânsito, cultura e lazer com obras para serem experimentadas em diferentes locais, como a Casa das Araras, que oferecerá uma imersão sonora e luminosa, de Guto Requena, e até mesmo a “prainha”, onde memes serão “vestidos” pelo público em uma intervenção do coletivo Saquinho de Lixo. Pautada pela cultura urbana contemporânea, a Mostra 3M de Arte destaca o ambiente público como espaço permeado por territórios informacionais e físicos que podem trazer reflexões artísticas e sociais.

A exposição surgiu através colaboração entre o ilustrador Wagner Loud e o Youtuber Løad, com o propósito de prestar homenagem à algumas personalidades do rap nacional, retratando-as como renomados super-heróis e super-heroínas das histórias em quadrinhos.Ao todo, são 19 homenageados, habilmente representados como ícones dentro do vasto universo dos quadrinhos.

A mostra faz um recorte da produção recente de Bechara, que acumula mais de 30 anos de carreira.Numa pesquisa cromática mais luminosa, em “Lampejar” o artista constrói espaços geométricos que oscilam entre o rigor formal e ocorrências randômicas. Aprofundando-se na sua técnica de oxidação, o artista revela novos tons e tramas, trazendo espaços elaborados a partir de campos com fronteiras frágeis, conjuntos de linhas hesitantes, que se esforçam para emergir no plano.

Continuando as celebrações em torno do centenário do Manifesto do Surrealista, que norteia várias das atividades promovidas pela Biblioteca neste ano, a exposição faz um recorte com 12 obras de inspiração surrealista do artista, conhecido por aproximar a pintura da fotografia em seus trabalhos.Alberto Oliviera começou seus estudos de artes visuais na Oficina Cultural Oswald de Andrade, em São Paulo, na década de 90, trabalhou como assistente para artistas e passou pelo teatro, vídeo, música e literatura.

A primeira exposição do Museu A CASA do Objeto Brasileiro em 2024 reverencia o trabalho de rendeiras e estilistas brasileiros, enquanto relembra vestimentas que já passaram pela instituição ao longo de sua história. A mostra revisita duas exposições que marcaram a instituição, uma dedicada à chita, realizada em 2005, e outra de 2012 focada na renda, em que se mostrou o trabalho do encontro de designers com artesãs rendeiras. As principais comunidades da técnica artesanal mostraram seus preciosos trabalhos em modelos desenhados por estilistas consagrados, reverenciando saberes e fazeres que contribuem para a promoção da identidade brasileira tanto na moda como no artesanato reconhecido como patrimônio cultural. É a missão do museu desde sua fundação: dar visibilidade à nossa rica diversidade cultural, pois por meio da valorização de nossas raízes ancestrais que acreditamos poder construir um futuro melhor.

O artista mexicano Bosco Sodi apresenta sua primeira exposição individual “Rock and Roll - Bosco Sodi e os objetos de interesse”, na Casa das Rosas. Conhecido mundialmente pela pesquisa com materiais de origem natural e práticas que resgatam sua ancestralidade, Bosco Sodi reúne cerca de 20 obras, entre pinturas, esculturas e instalações, como “Harmless deception” [engano inofensivo], “The stars are alive” [as estrelas estão vivas], “All we gotta do is surrender” [tudo o que podemos fazer é nos render], que questionam a história das Américas e todo o passado colonial dos continentes.Os países pertencentes às Américas do Norte, Sul e Central desenvolveram-se à medida que os determinados contextos (geográfico, social, político e econômico) permitiram, mas tiveram em comum um norteador: o sistema colonial europeu. O processo de colonização dessas regi- ões deixou marcas profundas na sociedade, que reverberam até os dias atuais, como padrões econômicos e políticos que perpetuam a desigualdade social e a discriminação contra os povos originários e de origem africana. Dessa forma, para a exposição “Rock and Roll - Bosco Sodi e os objetos de interesse” o artista utiliza elementos fundamentais para representar os objetos de interesse da exploração e dos conflitos que moldaram a colonização do Novo Mundo: terra, café, açúcar, madeira, ouro, tabaco, sangue e sal.Promover este debate tendo como plano de fundo a história da Casa das Rosas, ícone arqui- tetônico de uma época, e a história da avenida Paulista, símbolo de riqueza e da economia cafeeira, é uma forma de reconhecer nosso passado e resgatar as camadas de significado histó- rico, social e econômico. Justamente pensadas para a ocasião, as obras promovem um diálogo contundente, ou até controverso, com a arquitetura neoclássica da antiga residência, da mesma forma quando realizou a mostra “What goes around, comes around”, na Fondazione dell’Albero d’Oro, em ocasião da Bienal de Veneza, em 2022.Bosco Sodi cria um contraponto do processo ao subverter o questionamento sobre os instrumentos de colonização atuais, daí o conceito do Rock como mais um objeto de interesse na exposição. A metodologia do artista espelha a autenticidade e a energia do que produz sob a dualidade libertadora e colonizadora do rock and roll, capturando o espírito do tempo com uma presença e objetividade que desafiam convenções. Todas as obras são intituladas com trechos de canções de rock americanas. O rock hoje exerce um papel fortíssimo como arma de colonização e controle.

A ASP é uma Associação sem fins lucrativos que tem como objetivo principal desenvolver atividades de arte e educação com crianças e adolescentes em situação de risco e vulnerabilidade social.Agindo como uma incisão necessária perante os diversos sucateamentos e violências que o sistema incide sobre os jovens os quais deveria cuidar, os projetos desenvolvidos pela ASP vem para bater de frente, mostrando a potência latente que a cultura oferece na construção do indivíduo.Pensando nessas vulnerabilidades sociais, Daniela Machado criou o projeto ;Expresso, um curso de iniciação artística voltada para jovens que tiveram suas vidas atravessadas por passagem pela Fundação Casa e que vivem em ocupações de moradia. No projeto, os adolescentes entram em contato com uma variedade de linguagens artísticas para desenvolver não somente habilidades em arte, mas também trabalhar suas subjetividades, auto-estima, noções de cidadania e política, trabalhando um novo modo de se olhar e perceber no mundo.Nessa segunda edição, quarenta jovens puderam experimentar linguagens como desenho, estamparia, produção musical, pintura, aquarela e escultura e o resultado é a exposição Territórios Imaginados, que inaugura a parceria institucional entre a ASP e o Memorial da América latina.Com curadoria de Carollina Lauriano, e curadoria adjunta de Carla Cruz, a mostra reúne mais de 40 trabalhos criados pelos adolescentes durante o segundo semestre de 2023. Na mostra, observamos como os jovens discutem as noções de territórios, sejam eles geográficos ou subjetivos, abstratos ou figurativos. Essa noção de território perpassa a ideia de se reconhecer no mundo, poder afirmar suas raízes, mas também criar outros espaços possíveis de existência e resistência para corpos marginalizados.

A história da Galeria Raquel Arnaud é uma jornada pelo mundo da arte contemporânea brasileira e internacional. Comemorando cincodécadas de contribuição para o cenário artístico, a galeria apresenta, em fevereiro de 2024, um projeto especial em homenagem a essa trajetória, com curadoria de Jacopo Crivelli Visconti e da curadora adjunta Marina Schiesari. Este marco de 50 anos é mais do que uma celebração; é uma reflexão sobre a evolução da arte contemporânea no Brasil e no mundo.A mostra é uma celebração da arte contemporânea ao olhar para o passado, o presente e o futuro. Este projeto nos convida a refletir sobre a evolução da arte e sua influência em nossa sociedade. É uma celebração não apenas da galeria, mas também da vitalidade e da diversidade da cena artística contemporânea, tanto no Brasil quanto no mundo.

O cotidiano árido da região central da capital paulista ganha contornos poéticos na exposição Sob o Céu, Sobre o Chão: o Centro de São Paulo, que traz 50 imagens em P&B inéditas do fotógrafo gaúcho Ale Ruaro. ). A exposição conta com curadoria da jornalista, editora e pesquisadora Gabriela Longman.As fotografias em preto e branco de Ruaro têm no contraste denso uma característica marcante, emprestando aos rostos e objetos o chiaroscuro típico de pintores holandeses como Vermeer e Rembrandt. Com uma ênfase no retrato que acompanha toda sua trajetória, parte de seus retratados fazem parte de camadas estigmatizadas e excluídas das narrativas hegemônicas, como profissionais do sexo, adeptos radicais de práticas sadomasoquistas e pessoas em situação de rua

O Centro MariAntonia da USP recebe a exposição Alfredo Bosi: entre a crítica e a utopia, realizada em parceria com o Instituto de Estudos Avançados (IEA-USP). Com curadoria de Viviana Bosi, professora de literatura e filha de Alfredo e Ecléa Bosi, a mostra parte do acervo do historiador da cultura, professor e crítico literário para iluminar aspectos de uma trajetória marcada por fortes compromissos éticos na vida pessoal, acadêmica e na militância. No dia 21, às 18 horas, uma mesa-redonda marcará a abertura da exposição. Participarão Alcides Villaça (FFLCH-USP), Pedro Meira Monteiro (Universidade de Princeton, EUA) e Augusto Massi (FFLCH-USP), três ex-alunos, orientandos e amigos de Bosi, hoje professores de literatura brasileira. Além deles, também participarão o diretor e a vice-diretora do IEA, Guilherme Ary Plonski e Roseli de Deus Lopes, e o diretor e vice-diretora do Centro MariAntonia da USP, José Lira e Ana Castro.. A mediação será feita por Viviana Bosi. Após as falas, haverá confraternização para celebrar a inauguração da exposição. A escolha do edifício Rui Barbosa do Centro MariAntonia como local da exposição não é fortuita. Foi nesse endereço que, entre os anos 1955 e 1959, Alfredo Bosi frequentou o curso de letras neolatinas da antiga Faculdade de Filosofia, Ciências e Letras da USP, onde teve seu primeiro contato com autores fundamentais para a formação de seu método crítico. Foi no prédio histórico também que, de volta ao Brasil após cumprir uma bolsa de estudos em Florença, na Itália, o crítico começou a dar aulas de literatura italiana durante os anos 1960, período em que o golpe militar de 1964 e os eventos de 1968 levaram-no a aprofundar-se na literatura nacional em busca de momentos de insubordinação aos discursos de dominação. A História concisa da literatura brasileira (1970), escrita a pedido do poeta, tradutor e, à época, editor José Paulo Paes, é resultado dessa investigação.

O programa Diásporas asiáticas é composto por três exposições de artistas migrantes da China, da Coreia do Sul e do Japão cuja contribuição para o campo da arte deve ser fortalecida. A trajetória de tais artistas conjugam de forma singular a história de suas respectivas comunidades, cuja presença é constitutiva da história do país.

Com uma produção profundamente marcada pelo imaginário do semiárido mineiro, Maria Lira Marques se destaca por desenvolver uma linguagem singular, pintando em pedras ou sobre o papel, seres que habitam seu universo. Natural de Araçuaí, no Vale do Jequitinhonha, Maria Lira tem 78 anos, é ceramista, pintora e pesquisadora autodidata.A mostra no Instituto Tomie Ohtake, a primeira institucional de sua carreira, é dividida entre as três salas à esquerda do grande hall. Na primeira, redonda, estão as pinturas em seixos de rio e outros trabalhos em papel. A segunda traz diferentes grupos de obras e famílias de bichos, reunindo grande parte dos trabalhos apresentados na exposição, enquanto a terceira sala, além de apresentar obras do início da carreira de Maria Lira, é dedicada sobretudo a contextualizar o seu trabalho e sua ligação com o Vale do Jequitinhonha, através de documentos, objetos, cantos e fotografias. Um curta-metragem produzido especialmente para a exposição, exibindo seus cantos, trajetória e obra, completa a exposição.

A exposição, que reúne um conjunto de trabalhos inéditos de Lynch associados à sua nova série de pinturas com sobreposições de campos chapados em cor preta, é a primeira individual da artista na galeria. Orientada por certa ideia de desorganização progressiva da realidade dada ao espelho da natureza randômica e de vocação dispersiva característica ao conceito de entropia — entidade física que rege a segunda lei da termodinâmica —, a seleção de trabalhos retoma soluções anteriores da produção de Lynch, relacionadas à fisionomia lúdica e orgânica das divisões de cor, mas tensionando essa virtude colorista a um espaço fragmentado que se constitui através da sobreposição da cor preta e do encobrimento da imagem.

Integram esta edição séries individuais de: Sebastião Salgado, aclamado fotógrafo brasileiro, numa série jamais vista sobre a Revolução dos Cravos em Portugal, 50 anos atrás; Thereza Eugênia, fotógrafa baiana que registrou de forma íntima o convívio de artistas brasileiros no Rio de Janeiro das décadas de 1960 a 1980; Sergio Poroger, que traz um resgate, esteticamente belo e ao mesmo tempo triste e necessário, dos cinemas de rua do Brasil e do mundo; Gabriel Chaim, experiente fotojornalista paraense, que cobriu diversas guerras, em registro do seus últimos dez anos na linha de frente da missão de registrar em imagens esses horrores e reunir as fotografias em exposição inédita e lançamento de livro; e Bruno Mathias, fotógrafo selecionado pelo programa Nova Fotografia do MIS, com uma produção que nos remete à fantasia de paisagens tradicionais. Além dos fotógrafos mencionados, a exposição conta com uma seleção da Coleção Allan Porter, trazendo imagens icônicas da memória coletiva do séc. XX e uma curadoria especial na coleção do próprio Acervo MIS, com quatro fotógrafas engajadas e com diferentes perspectivas por trás das lentes.

Exposição coletiva com curadoria do Núcleo Curatorial da Nara Roesler, que reúne trabalhos de importantes artistas brasileiros em diálogo com grandes nomes da arte contemporânea internacional, por meio de suas ressonâncias mútuas – seja por razões formais, estruturais, temáticas, biográficas ou históricas. Um ponto em comum entre os artistas que integram a seleção é o fato de incorporarem em suas obras elementos visuais puros, como luminosidade, formas geométricas, cores e espacialidade, fatores que impactam diretamente na percepção do espectador e promovem intensas experiências sensoriais. Se destacam, nesse sentido, os artistas Julio Le Parc e Heinz Mack, ambos figuras pioneiras da arte cinética e ótica internacional, que exploraram ao longo de suas carreiras de mais de 60 anos, elementos como luz e cor, incentivando a participação do espectador e a ativação de sua percepção. Integra também a exposição um Aparelho Cinecromático, de Abraham Palatnik (1928-2020), figura central da arte cinética e ótica no Brasil. Com o dispositivo, Palatnik reinventa a prática da pintura por meio do movimento coreografado de lâmpadas de diferentes voltagens em distintas velocidades e direções que criam imagens caleidoscópicas. Exibido pela primeira vez na 1ª Bienal de São Paulo (1951), o exemplar recebeu então Menção Honrosa do júri internacional por sua originalidade.

A artista Fran Chang (1990, Poços de Caldas, MG, Brasil) abre sua primeira exposição na Millan. Intitulada Zenith, a mostra é composta por um conjunto de aproximadamente dez pinturas inéditas, todas criadas ao longo dos últimos meses.A artista, que fez estudos de astronomia, mostra obras inspiradas por uma viagem recente à Noruega, onde observou fenômenos como a aurora boreal. Essas telas unem o cosmos a paisagens gélidas e inóspitas que servem como pano de fundo para reflexões existenciais.O resultado dessa viagem ao país nórdico são pinturas minuciosas e diáfanas, nas quais fenômenos observados no céu aparecem com maior protagonismo: cometas, estrelas cadentes, arco-íris, auroras, nevoeiros e corpos celestes como luas e sóis figuram nas telas. As obras, no entanto, não têm um compromisso científico com a representação e, por vezes, parecem retratar, de fato, espaços oníricos ou extraterrestres — indicando o aspecto subjetivo dos trabalhos.Fran Chang elegeu a seda como suporte para suas pinturas, o mesmo tecido que sua mãe, taiwanesa que imigrou para o Brasil, utilizava na confecção de suas roupas. Além de conferir transparência e leveza às pinturas, a seda serve como uma ponte afetiva, política e social com a região do Leste da Ásia. Nesse sentido, a placidez das paisagens de Chang também parece dialogar com a tradição artística chinesa.

Dedicada à importante presença de artistas nipo-brasileiros e a mostrar suas diferentes criações frente às individuais percepções de cada um em contato com a nova cultura dos trópicos, a Galeria Frente apresenta a exposição “A realidade máxima das coisas”. Com cerca de 70 obras, a mostra tem curadoria de Jacob Klintowitz e celebra a arte de onze artistas que deixaram o país do Sol Nascente e dedicaram suas vidas e suas criações nas artes no Brasil. As diferentes nuances, traços, formas e tons impregnados nas obras de Jorge Mori, Flávio Shiró, Kazuo Wakabayashi, Manabu Mabe, Megumi Yuasa, Takashi Fukushima, Tikashi Fukushima, Tomie Ohtake, Tomoshige Kusuno, Yutaka Toyota e Tsugouharu Foujita que compõem o elenco da exposição, retratam a forma como esses artistas dialogaram com o Novo Mundo. Um dos destaques, e em celebração ao seu centésimo aniversário – o artista faria 100 anos esse ano – Manabu Mabe (1924-1997) tem forte presença nessa mostra. Entre o total das 14 obras que serão exibidas na exposição, está um óleo sobre tela de 1994 que retrata uma aventura no espaço, uma intervenção no imaginário espacial, e uma referência à sensibilidade humana.

A CAIXA Cultural São Paulo apresenta a exposição “Dois Indígenas da Amazônia – Vida e Arte”, com os trabalhos artísticos de Dhiani Pa'saro e Duhigó​, dois artistas indígenas que, por meio das técnicas de marchetaria e pintura, expressam a poética do cotidiano vivido nas aldeias e suas tradições, dos mitos e das lendas ambientados nas fascinantes fauna e flora amazônicas. Ambos nascidos em São Gabriel da Cachoeira, na região do Alto Rio Negro, Estado do Amazonas, Dhiani Pa'saro, da etnia Wanano, e a pintora Duhigó, da etnia Tukano, também têm em comum a produção de obras de grande apuro técnico, aprimorado nos estudos, bem como a utilização de materiais de excelência extraídos da floresta. Pa’saro domina a pintura e a marchetaria (produção de elementos em madeira, como móveis e obras de arte). Seus trabalhos, realizados no coração da selva amazônica, abordam o cotidiano, a fauna e flora, expressos por meio de imagens de trançados indígenas elaborados em uma refinada marchetaria. Já as pinturas da artista Duhigó trazem forte componente inspirado na cultura vivenciada nas aldeias Tukano, Barassano e Tuyuca e revelam o universo dos povos originários da Amazônia, representados por cenas do cotidiano, artefatos e elementos mitológicos.​

A exposição imersiva traz uma homenagem aos 40 anos de estreia de um dos seriados de TV mais queridos do Brasil – e de toda a América Latina –, a capital paulista recebe Chaves: A Exposição. A maior mostra sobre Chaves já realizada no mundo acontece no MIS Experience e celebra as quatro décadas de exibição do icônico programa de TV no Brasil, com a reconstrução de mais de 20 cenários emblemáticos que fizeram parte da vida de milhões de espectadores.

Imageria das redes: design e ativismos, com curadoria de Didiana Prata, apresenta por meio de peças gráficas e vídeos um recorte da produção estética dissidente relacionada aos principais acontecimentos que marcaram um período conturbado da história do Brasil de 2019 a 2022, escalonado pela pandemia sanitária, social e política.O projeto curatorial parte desse levante poético e de uma seleção de artefatos gráficos – mini cartazes digitais – extraídos do experimento de net art e design visual Calendário Dissidente. Fruto de uma extensa pesquisa de Prata, esse arquivo digital da memória gráfica e da cultura visual brasileira é constituído com o auxílio de inteligência artificial e permite a leitura de uma narrativa visual cronológica, configurada pelas milhares de imagens capturadas do Instagram – perdidas e embaralhadas na opacidade das redes e agora disponíveis em suporte físico e num espaço público.

Juan Casemiro apresenta a exposição Onze Horas, com curadoria de Julie Dumont e Daniela Avellar, que consiste na instalação Levar Meu Pai para Conhecer e um grupo de vinte trabalhos.O artista evoca experiências pessoais em seus trabalhos: os encontros amorosos, o luto, as incertezas; tanto na configuração das obras como nos títulos. São objetos encontrados nas ruas e em caçambas que, depois de um tempo convivendo no ateliê, onde também o artista mora, se transformam em objetos. Uma espécie de organização da própria vida que fica evidente lendo os títulos dos trabalhos, que faz referências a trechos de músicas, poesias e mensagens de texto que recebe.

Fruto de uma parceria, entre o Museu de Arte Sacra e a Associação dos Amigos de Arte de São Paulo – SOCIARTE, a exposição reúne uma seleção de pinturas de paisagens marinhas, rios e lagos.Um subgênero da pintura de paisagem, as pinturas de marinha são aquelas que se ocupam da representação de cenas, objetos e construções marítimas, mares, praias, tempestades, baías, enseadas, navios, portos e junto as essas cenas foram incluídas a paisagens de rios e lagos. Buscando valorizar e evidenciar a importância das águas através da pintura, a exposição conta com obras de pintores importantes que representaram a riqueza da terra e a diversidade da paisagem brasileira. Essa exposição que tem curadoria de Ruth Sprung Tarasantchi com universo de 85 pinturas de vários artistas – Agostinho Batista de Freitas, Benedito Calixto, Campos Ayres, Clodomiro Amazonas, Gentil Garcez, Glycério Geraldo Carnelosso, João Batista da Costa e Joaquim Dutra, dentre outros.

“Década dos Oceanos - I Mostra Nacional de Criptoarte" visa refletir sobre as novas fronteiras da arte digital movidas pelo advento da blockchain. A exposição se propõe como um espaço de interface física e digital com o público, num ambiente contemplativo e imersivo, combinando elementos artísticos e tecnológicos, com exibição de obras artísticas baseadas na 3ª geração da internet.O projeto destaca a produção de artistas nacionais no cenário da arte contemporânea digital: Alexandre Rangel, biarritzzz, Clelio de Paula, Eduardo Kac, Giselle Beiguelman, Gustavo Von Ha, Hifa Cybe & Maurizio Mancioli, Leandro Lima, Lucas Bambozzi, Monica Rizzolli, Occulted, Rejane Cantoni, Simone Michelin, Suzete Venturelli, Artur Cabral Reis e Francisco de Paula Barretto, Tania Fraga, Vamoss, Sarah Schorr e Gabriel Pereira, Vini Naso, Vitória Cribb.

A exposição Leste do Éden será realizada simultaneamente nas galerias Estação e Millan. A mostra, que tem curadoria de Antonio Gonçalves Filho, reúne 35 trabalhos de três ícones da pintura de diferentes gerações: os brasileiros Júlio Martins da Silva (1893–1978), Paulo Pasta (1959) e o uruguaio Pedro Figari (1861–1938). Na Galeria Estação estarão expostas 17 telas: cinco de Júlio, quatro de Figari e oito de Pasta. Na Millan, o público terá acesso a 18 trabalhos: cinco de Júlio, quatro de Figari e nove de Pasta.Para o curador Antonio Gonçalves Filho, a nova mostra, Leste do Éden, é um convite à percepção de que Júlio, Pasta e Figari têm em comum o sentimento de exílio simbolizado no título da exposição, que faz referência a um território bíblico chamado Nod, habitado por Caim após matar seu irmão Abel. Viver em Nod, “a leste do Éden”, seria uma espécie de punição, e a sobrevivência às diferentes formas simbólicas de exílio, explica o curador, é um traço que se manifesta de forma nítida nas paisagens transfiguradas que compõem a exposição – algumas vezes idílicas, caso das telas de Júlio, outras vezes alegóricas, como nas pinturas de Figari, ou atmosféricas, caso das criações que remetem a memória afetiva de Pasta.

A exposição Leste do Éden será realizada simultaneamente nas galerias Estação e Millan. A mostra, que tem curadoria de Antonio Gonçalves Filho, reúne 35 trabalhos de três ícones da pintura de diferentes gerações: os brasileiros Júlio Martins da Silva (1893–1978), Paulo Pasta (1959) e o uruguaio Pedro Figari (1861–1938). Na Galeria Estação estarão expostas 17 telas: cinco de Júlio, quatro de Figari e oito de Pasta. Na Millan, o público terá acesso a 18 trabalhos: cinco de Júlio, quatro de Figari e nove de Pasta.Para o curador Antonio Gonçalves Filho, a nova mostra, Leste do Éden, é um convite à percepção de que Júlio, Pasta e Figari têm em comum o sentimento de exílio simbolizado no título da exposição, que faz referência a um território bíblico chamado Nod, habitado por Caim após matar seu irmão Abel. Viver em Nod, “a leste do Éden”, seria uma espécie de punição, e a sobrevivência às diferentes formas simbólicas de exílio, explica o curador, é um traço que se manifesta de forma nítida nas paisagens transfiguradas que compõem a exposição – algumas vezes idílicas, caso das telas de Júlio, outras vezes alegóricas, como nas pinturas de Figari, ou atmosféricas, caso das criações que remetem a memória afetiva de Pasta.

A galeria apresenta, em parceria com o Instituto Tomie Ohtake, Infravermelho, uma individual da artista nipo-brasileira Tomie Ohtake (1913-2015). Paulo Miyada, diretor artístico do Instituto, atua com Rodrigo Ohtake, arquiteto e vice-presidente estatutário da instituição, para desenvolver, respectivamente, a curadoria e a expografia da exposição. Na ocasião em que a obra de Tomie Ohtake é apresentada pela primeira vez na mostra principal da Bienal de Veneza, Infravermelho oferece uma oportunidade de adensar o olhar sobre uma importante etapa do trabalho da artista. Na exposição, pinturas e esculturas relevantes para a compreensão da produção de Tomie Ohtake nos anos 1990 são apresentadas em um arranjo que enfatiza sua analogia cosmológica. Hoje, perante o impacto das imagens produzidasa partir dos dados coletados pelo telescópio James Webb, cujos equipamentos captam a luz no espectro infravermelho, que é invisível aos olhos humanos, vivemos um momento de renovação do imaginário coletivo sobre as origens, a expansão e os limites do espaço – o qual cria a oportunidade de reinquirir o que há de cósmico na obra de Ohtake. Críticos como Frederico Morais e Miguel Chaia também já se debruçaram sobre a então chamada “Fase Cósmica” de Tomie Ohtake.Na década de 1990, já consagrada como importante artista abstrata brasileira e pessoa pública referencial para a comunidade nipo-brasileira, Tomie Ohtake concluiu sua transição do uso da tinta à óleo para a exploração da tinta acrílica. Esse momento coincidiu com a passagem de um processo criativo baseado em estudos com colagens de papéis recortados para a investigação direta da pinturaa partir de formas sintéticas – círculos, espirais, ovoidese ameboides. Na mesma década, Ohtake iniciou sua produção de esculturas enquanto linhas metálicas curvas, modeladas em escala humana a partir de modelos em arames diminutos.

A exposição reúne peças arqueológicas originais da época pré-romana pertencentes à cultura Daunia (IV e II século a.C.). A exposição tem curadoria assinada por Massimo Osanna, Diretor Geral dos Museus do Ministério da Cultura italiano, e Luca Mercuri.Os materiais selecionados para a exposição provêm, em grande parte, dos depósitos dos museus arqueológicos das mais importantes cidades de Puglia, Bari e Taranto, além da própria Canosa – onde ainda hoje é possível visitar os sítios em que algumas peças foram encontradas. É a primeira vez que armaduras, jóias, cerâmicas, acessórios matrimoniais, ornamentos e outros importantes artefatos arqueológicos são expostos no Brasil.A península italiana, antes da unificação ocorrida sob o domínio de Roma, era habitada por povos muito diferentes entre si do ponto de vista cultural. Na Puglia, desde a segunda metade do VII século a.C., conviviam os colonos gregos que haviam fundado Taranto algumas dezenas de anos antes, os Messapi no sul da região, os Peucezi no centro e os Dauni na parte mais setentrional.A exposição ilustra os traços peculiares da cultura desses últimos, os Dauni, através de artefatos arqueológicos provenientes de um dos principais centros da região, a área da atual Canosa di Puglia. Aqui, entre o IV e o II século a.C., os príncipes, personalidades das elites locais, eram sepultados em tumbas de família, escavadas no tufo local, os hipogeus, com ricos acessórios funerários que ostentavam, diante da comunidade, os seus status econômico e cultural.

No ano dedicado às Histórias da diversidade LGBTQIA+ no MASP, o museu apresenta pela primeira vez uma exposição do coletivo Gran Fury na América Latina, grupo considerado referência para as práticas de ativismo artístico das décadas de 1980 e 1990. Formado em 1988 em Nova York, o Gran Fury emergiu de uma organização chamada ACT UP (Aids Coalition to Unleash Power) [Coalizão da Aids para Libertar o Poder], composta por indivíduos e grupos de afinidade dedicados a tornar criticamente público o silêncio e a posição negligente do governo dos Estados Unidos sobre o HIV/aids. Em sua atuação, pressionou o trabalho de órgãos governamentais para o aumento da criação de políticas públicas de tratamento e conscientização.

A produção intelectual de Mário de Andrade (São Paulo, 1893—1945) sobre música, artes visuais e arquitetura, seus romances, contos e poemas, além dos levantamentos etnográficos realizados pelo artista, foram e continuam sendo centrais para a compreensão do modernismo no Brasil e para a construção de uma ideia de identidade brasileira. O autor de Pauliceia desvairada (1922) e Macunaíma (1928) participou da Semana de Arte Moderna (1922), foi colecionador de arte e de folclore brasileiro, realizou registros fotográficos e fonográficos de suas viagens pelo país e criou o SPHAN – Serviço de Patrimônio Histórico e Artístico Nacional, o primeiro órgão no gênero.As atividades e os escritos de Andrade, bem como a correspondência que manteve com seus contemporâneos do meio cultural, vêm sendo objeto de estudo desde seu falecimento. Contudo, somente em 2015, setenta anos após sua morte, quando todos os seus escritoscaíram em domínio público, a produção literária de Mário de Andrade começou a ser analisada à luz de suas preferências homoafetivas, um assunto considerado tabu até então.Mário de Andrade: duas vidas será a primeira exposição a tratar do olhar queer do colecionador a partir de uma seleção das obras de arte e imagens sacras por ele reunidas, hoje sob a guarda do Instituto de Estudos Brasileiros da Universidade de São Paulo. A exposição será composta majoritariamente por desenhos e gravuras, sendo alguns apresentados pela primeira vez ao público, bem como um conjunto de fotografias captadas por Mário em suas viagens ao norte e nordeste do Brasil entre 1927 e 1935

Ao longo de três temporadas, desenvolvidas entre 2018 e 2022 com diferentes equipes curatoriais, o projeto MASP Renner convidou e acompanhou o processo criativo de 26 duplas de artistas e estilistas que conjuntamente produziram 78 roupas criadas especialmente para o acervo do museu. A exposição Arte na moda: MASP Renner reúne pela primeira vez todas as peças.O MASP Renner radicaliza a ideia de uma criação conjunta entre artistas e estilistas, sendo um dos poucos exemplos no mundo de museus cuja coleção de moda é composta por roupas que foram produzidas diretamente para o acervo, sem circulação prévia. Essa especialidade traz a reflexão sobre a roupa como obra de arte, e não como documento histórico ou item autoral que passa a integrar acervos após seus usos.Nesse sentido, cada dupla tensiona as relações e limites entre arte e moda a partir de três categorias e de suas possíveis interseções: a transposição das imagens produzidas pelos artistas para as modelagens utilizadas pelos estilistas; a criação de roupas que aproximam os procedimentos e materiais em comum na produção de ambos, lidando com a roupa em seus aspectos escultóricos; e, por fim, a experimentação dos limites conceituais e simbólicos de uma roupa, aproximando-a de debates sobre design especulativo e outras áreas de produção, como a arquitetura.

A Exposição apresenta um dos mais importantes símbolos da cultura brasileira, que se consolidou como tal a partir dos anos de 1990. Considerado Patrimônio Cultural Brasileiro, o Maracatu Rural ou Baque Solto vêm do território da Zona da Mata pernambucana, produzida pelos trabalhadores da monocultura do açúcar. A mostra faz um panorama desde o período da escravidão até os dias de hoje. Apresentada através de fotografias, objetos, documentos, artesanato, personagens, figurinos e vídeos a exposição, busca o entendimento da sociedade sobre a formação do homem nordestino canavieiro, que além de manter viva a sua própria cultura, influenciou artistas de diversos segmentos – música, artes-plásticas, artesanato, cinema e dança.

A mostra é um convite ao público para conhecer, mais de perto, a menina dos olhos de Oyá, a filha de Dona Canô e Seu Zezinho, a voz que encanta e emociona multidões por onde passa. A exposição leva ao público um olhar poético sobre a artista e realça seus laços com a literatura, destacando sua ligação com autores como Vinicius de Moraes, Clarice Lispector e Fernando Pessoa.

No ano de 1790, a Academia Francesa convocou um grupo de cinco cientistas para o estabelecimento de parâmetros de medição e volume, a fim de evitar as variantes regionais e de interesse pessoal espalhadas no continente europeu. Após cinco anos de investigações, os critérios foram estabelecidos por decreto de lei, no total de seis unidades decimais (metro, acre, estéreo, litro, grama e franco), gradativamente implementadas nas colônias francesas – mas não sem alarde. Curiosidades à parte, fato é que tais definições, por mais que se almeje uma universalidade de determinação espacial, são acima de tudo paradigmas estabelecidos para o desenvolvimento do universo científico. Portanto, sua natureza é mais abstrata do que concreta e seus pais fundadores, homens eurocêntricos (como o matemático italiano Fibonacci, ou os religiosos franceses Gabriel Mouton e Jean Picard, os noruegueses Simon Stevin e Christiaan Huygens, entre outros, ao longo da história).É dessa percepção que a artista Adalgisa Campos tem realizado ao longo de mais de duas décadas a subversão de uma série de protocolos e convenções de esquadrinhamento do mundo, tomando seu corpo (feminilizado, branco, cis) como referencial de dimensão e dando a essa prática o nome de Coleção de Medições.

Em um convite à contemplação e à reflexão sobre a relação entre a água e seus diferentes biomas, Vera Reichert apresenta a exposição "Espelhos D'Água" na CAIXA Cultural de São Paulo, com curadoria do artista e gestor cultural André Venzon.A mostra mergulha nas profundezas dessa temática, explorando novas narrativas e perspectivas poéticas sobre esse elemento essencial à vida. Ao longo de mais de três décadas de imersão na poética da água, Vera Reichert tem investigado e expressado sua visão singular por meio de diversas mídias, como fotografia, vídeo, instalação e escultura. Sua jornada artística é marcada por uma profunda conexão com os ambientes aquáticos, inspirando-se nas nuances e na beleza dos oceanos, rios, lagos e lagoas ao redor do mundo.As obras exibidas em "Espelhos D'Água" revelam a habilidade da artista em capturar a essência da água em suas mais diversas formas. Fotografias subaquáticas transportam o espectador para um mundo raro, onde a luz dança sobre as superfícies e as cores se mesclam em harmonia. Instalações imersivas proporcionam uma experiência sensorial única, convidando-nos a explorar os mistérios e as maravilhas dos ecossistemas aquáticos. Foram produzidas mais de 30 obras, entre imagens do fundo do mar dentro de escotilhas espelhadas, imagens de superfícies de lagoas emolduradas e em forma de gotas de acrílico. Um curta-metragem, selecionado no canal Arte1 sobre seu trabalho, uma gota espelhada e um backlight da lua complementam a exposição, oferecendo ao público uma experiência visual e sensorial única.Além das obras já conhecidas de Vera Reichert, exibe também criações inéditas, especialmente concebidas para este evento: instalações interativas convidam o público a mergulhar literalmente na arte e no pensamento da artista, proporcionando uma experiência imersiva e transformadora. "Espelhos D'Água" não apenas encanta visualmente, mas também convida à conscientização sobre a importância da preservação e do uso responsável das fontes e mananciais de água em nosso planeta.

O Clube de Colecionadores do Museu de Arte Moderna de São Paulo ganhará exposição inédita para relembrar mais de 30 anos de trajetória, além de outra mostra para celebrar a edição de 2024. A mostra reúne gravuras, fotografias e obras de outros suportes que foram realizadas, principalmente, na última década.A curadoria de Gabriela Gotoda selecionou trabalhos que têm em comum uma busca para desviar, defletir ou divergir das expectativas tradicionais sobre a arte e, em especial, a arte reprodutível.Técnicas de diversão na arte contemporânea reúne trabalhos de artistas como Angelo Venosa, Arcangelo Ianelli, Arnaldo Antunes, Ascânio MMM, assume vivid astro focus (avaf), Barrão, Claudio Tozzi, Elza Lima, Lia Chaia, Paulo Bruscky e Waltercio Caldas, dentre outros

Exposição que recobre o arco temporal de 20 anos da produção do artista mineiro Thiago Honório (Carmo do Paranaíba, MG, 1979), a partir de um recorte de 18 trabalhos que tomam o livro como como matéria, como lócus para a produção, discussão e elaboração de enunciados e questões no âmbito da arte contemporânea. A mostra individual tem curadoria de Lilia Schwarcz

A arte de Yoshitaka Amano representa um convite à transcendência, abrindo um portal para um universo onde o real e o fantástico se encontram, e o sonho se confunde com a realidade. Suas obras, que transcendem a mera visualidade, são verdadeiros convites para explorar mundos desconhecidos e refletir sobre a complexidade da existência humana. Amano mistura habilmente a tradição japonesa com elementos do art nouveau, surrealismo e pop art, criando um estilo único que habita um espaço onírico, onde natureza, tecnologia e fantasia se fundem, refletindo uma perspectiva que valoriza tanto o passado quanto antevê o futuro.

O Edital Programa de Exposições, realizado anualmente pelo Centro Cultural São Paulo chega à sua 33ª edição em 2023/2024 com uma grande mostra, que reúne 24 artistas selecionados e ocupa os dois pavimentos expositivos do prédio: os pisos Caio Graco e Flávio de Carvalho.O Edital chega atualizado à sua 33ª Edição, com a incorporação oficial de Ações Afirmativas para seleção de artistas. Visando promover maior equidade entre seus proponentes, em 2023 o Programa de Exposições passa a incluir a autodeclaração nas categorias étnico-raciais, de gênero, mãe-solo e pessoas com deficiência como critérios de acréscimo na pontuação. Desta forma, a presente edição torna-se um ponto de inflexão na história do edital, ao estabelecer caminhos para assegurar maior pluralidade de repertórios visuais e de pensamento na sua mostra anual.O júri desta edição – composto pelas curadoras Fabiana Lopes e Luciara Ribeiro e pelo curador Renato Araújo Silva, além de representantes da instituição, Maria Adelaide Pontes, Victor Hugo de Souza e Thamires Cordeiro Nunes – avaliou 520 propostas artísticas inscritas e selecionou 24 proponentes.

Tourmaline (Roxbury, Massachusetts, 1983) é uma artista, cineasta, escritora e ativista cuja prática destaca manifestações culturais, opressões e modos de sobrevivência das comunidades negra, queer e trans, trazendo à tona saberes e vivências dissidentes com o objetivo de impactar a instituição artística e, consequentemente, a cultura e a sociedade como um todo. Seus filmes e fotografias reescrevem narrativas e histórias dominantes através de citações e referências a importantes figuras da resistência queer, como a ativista Marsha P. Johnson, em novos contextos imaginados pela artista, que também aparece em algumas produções. Valendo-se da intersecção entre ficção e realidade, Tourmaline procura reformular crenças e iniciar uma mudança de paradigma com o intuito de imaginar um futuro em que opressões de raça, gênero e sexualidade percam suas forças.

O artista mineiro-carioca Rubem Dario Horta Bittencourt (1941 – 1978) ganha sua primeira individual nesta galeria que é referência nacional em tapeçaria artística e decorativa. A mostra, que tem curadoria da proprietária da galeria, Graça Bueno, e colaboração especial do historiador Paulo César Garcez Marins, resgata a memória de Dario a partir de documentos históricos e uma coleção de obras que estiveram desde 1978 sob os cuidados da irmã dele, Anna Lúcia Bittencourt. No total, a exposição cobre um período de 1963 a 1978 e reúne 67 obras únicas, sendo 56 cartões modelo, 6 tapeçarias, 3 desenhos e 2 estudos de projetos. Sobre esse acervo reunido, a maioria dos guaches no papel nunca foi exposta e estes trabalhos podem ser considerados inéditos.

Com curadoria de Ana Avelar e Laura Rago, a próxima exposição na Almeida & Dale enfoca um recorte relevante da produção de Lygia Pape, propondo três eixos baseados na observação da obra e das ideias da artista, precisamente: corpo, construção e sentidos.A individual apresentará trabalhos em suportes diversos, produzidos entre os anos 1950 e 2000, que incluem obras tridimensionais, instalações, e uma importante série de xilogravuras, os Tecelares, além de obras inéditas em exposições. O pensamento de Susanne Langer e Mario Pedrosa, autores citados pela artista em seus escritos, estão entre as referências para o discurso curatorial. Segundo Ana Avelar, trata-se de observar o papel de ambos para a “arte sensível e ao mesmo tempo construtiva”, desenvolvida por Pape, bem como seu pensamento que informa procedimentos artísticos. Nesse sentido, um aspecto importante para a compreensão da produção visual de Lygia Pape, presente na narrativa curatorial proposta pela exposição, é sua atuação, paralelamente ao desenvolvimento de sua obra visual, como Teórica da arte e Professora.A mostra também apresenta a prática artística experimental de Pape, conhecida como figura central do Neoconcretismo, ao mesmo tempo em que levanta novas hipóteses, propondo outros olhares sobre a produção da artista. Ao abordar múltiplas camadas de sua obra a exposição manifesta a conexão entre formas, técnicas, experiências sensoriais e exploração cromática ou espacial.

Desafio Salvador Dalí convida o público a embarcar em uma jornada pelo mundo surreal de um dos artistas mais enigmáticos do século XX. A exposição é uma viagem pela imaginação e pela obra de Salvador Dalí, apresentados por meio de formatos imersos e interativos. A mostra conta com 6 áreas expositivas e mais de 100 conteúdos inéditos trazidos diretamente da Espanha com supervisão da Fundação Gala-Salvador Dalí.

“Pancetti – o mar quando quebra na praia…” apresenta uma seleção de obras que nunca antes estiveram reunidas, pertencentes a coleções particulares e instituições. É uma oportunidade rara e única de conhecer as várias facetas de Pancetti, um pintor original e intensamente pessoal. Seu temperamento solitário e a formação quase autodidata permitiram o surgimento de uma obra particular plena de lirismo, melancolia e poesia – uma obra que emociona. Sem estar preocupado com uma brasilidade teórica Pancetti retratou amorosamente a nossa gente, a nossa luz e o nosso mar.

A exposição na sede do Itaú Cultural traz um panorama da obra de um dos mais importantes nomes da fotografia brasileira: Claudia Andujar. Para além de seu trabalho fotográfico com a nação Yanomami, que também está exposto, a mostra traz outras séries da carreira da artista, como as fotos que retratam momentos da cena gay no Rio de Janeiro e em São Paulo em 1967, e uma série de fotografias aéreas da capital paulista feita com filme infravermelho. Outro destaque da exposição é uma releitura colorida de O voo de Watupari, resultado da travessia que fez em 1976, ao lado do missionário Carlo Zacquini. Eles viajaram de São Paulo até a Amazônia a bordo de um fusca preto que os levou até os Yanomami.

Em mostra individual, Marcus Vinícius apresenta Gabinete para leituras horizontais e verticais, com trabalhos que partem de sua investigação na pintura sobre cor e de como possibilidades ópticas acontecem em diferentes tipos de superfícies. Explorando as propriedades de materiais e de cores industriais com extrema precisão técnica e formal, o artista evoca o universo industrial. No entanto, seu fazer artístico é extremamente artesanal e manual, sendo o resultado de um tempo que rejeita qualquer concepção de aceleramento. A mostra é acompanhada de texto do crítico e curador Diego Matos.

Inspirada em As veias abertas da América Latina (1971), de Eduardo Galeano, Veias abertas é uma instalação de Geórgia Kyriakakis desenvolvida especialmente para a Casa de Cultura do Parque. A pesquisa da artista perpassa pelas relações do sujeito com a paisagem que habita e suas coordenadas em relação ao mundo geopolítico. Composta por desenhos que remetem a posições geográficas e tecidos vermelhos que trazem partes da letra da música Sangue Latino (1973), a artista reflete sobre pertencimento e identidade.

Com curadoria de Claudio Cretti, diretor artístico da Casa de Cultura do Parque, Diante do outro traz o encontro de obras de Alberto Pitta, Mônica Nador, o coletivo que Nador fundou e do qual faz parte, o JAMAC (Jardim Miriam Arte Clube), e texto da curadora e crítica Thais Rivitti. Com produções que partem de movimentos comunitários, tanto culturais quanto sociais, esses artistas têm o tecido e a serigrafia como base conectora de suas práticas. Apresentada na sala expositiva Galeria do Parque, a mostra retoma pinturas de Nador produzidas desde os anos 1990 em conversa com produção recente realizada junto ao JAMAC e pinturas de Pitta.A trajetória de Mônica Nador teve início com sua participação na exposição Como vai você, Geração 80?, realizada há 40 anos no Parque Lage, no Rio de Janeiro. Ao longo do tempo, Nador voltou-se para uma prática mais coletiva, envolvida socialmente, ao contribuir para o JAMAC, sem abandonar seu espaço no circuito institucional.Artista, designer e carnavalesco, Alberto Pitta resgata valores estéticos em suas estamparias afro-baianas. Utilizando símbolos, ferramentas indumentárias e adereços dos orixás como fonte de inspiração, sua produção é resultado de sua vivência nos terreiros de candomblé e envolvimento no carnaval de Salvador, onde iniciou-se há cerca de 40 anos atrás.

A exposição Paisagem e Poder: construções do Brasil na ditadura é mostra documental que utiliza diversos suportes, e tem o objetivo de pensar o ambiente construído no período da ditadura brasileira, que durou 21 anos. A curadoria é dos arquitetos Paula Dedecca, Victor Próspero, João Fiammenghi, Magaly Pulhez, e José Lira. A mostra procura refletir sobre as complexas e intensas transformações do território nacional em suas diversas escalas entre 1964 e 1985, a partir de documentação da época e material audiovisual. Para os curadores, muito do que vemos ao nosso redor foi construído durante o regime militar. O espaço se transformou profundamente de conjuntos residenciais à expansão das periferias urbanas, das estradas e barragens construídas nos quatro cantos do país a viadutos e avenidas presentes nas metrópoles, de edifícios modernos icônicos a estruturas espaciais ordinárias, da destruição das marcas da história à construção das cidades novas pelo território nacional. A exposição busca apresentar um panorama de transformações radicais na paisagem brasileira durante o período, refletindo sobre suas contradições e seus impactos sociais e ambientais.

Há sinais arqueológicos de coleções datados de 400 a 600 mil anos atrás. Colecionava-se fragmentos de pedra, torrões de terra endurecidos e de cores inusitadas, lascas de ossos, pedras ou calcários com desenhos involuntários ou com inscrições intencionais.O ato de colecionar, é uma atividade reconhecida há mais de 500 mil anos, como expressão de grupos de objetos com familiaridade formal, funcional, cromática, de constituição material. Há razões que explicam o ato de colecionar que vão desde o desejo da preservação de objetos significativos para a vida de indivíduos ou de grupos sociais, até o extremo patológico da dificuldade de se desfazer de coisas, nisso incluído o desejo de materializar a memória.

Eleonore Koch: em cena apresenta ao público uma reunião de obras da artista de origem judaica, nascida em 1926 na Alemanha, que se refugia no Brasil com a família aos 12 anos de idade. Eleonore Koch vive períodos em São Paulo, no Rio de Janeiro e em Londres, falecendo na primeira cidade, em 2018.Koch abordou gêneros pictóricos tradicionais (paisagens, interiores e naturezas-mortas) e uma técnica tão antiga quanto a têmpera a ovo a partir de questões contemporâneas e de sua experiência de vida. Sua pintura remete ao exílio, à desterritorialização, a um senso de estar no mundo, ciente de privilégios e das consequências das próprias escolhas. Individualidade, solidão, trânsito, deslocamento são vivenciados a partir de lugares de gênero, de etnicidade e de classe. Ela é referência para artistas que se interessam pela capacidade de comunicação da pintura: a concisão de suas estratégicas compositivas, seu arguto senso cromático, sua metodologia obsessiva, colaboram não para um formalismo encerrado em si mesmo, mas que se nutre de perguntas acerca da intersubjetividade e da agência do mundo sobre nós. O que a pintura dá a ver e a quem? Como se estabelece a conexão entre artista e público? No que a pintura contribui para a percepção do mundo que nos cerca, que habitamos e que nos habita?Reunindo obras de coleções públicas e privadas, a maior parte delas inédita, a exposição também apresenta fotografias, cartões-postais e estudos – que fazem parte do arquivo da artista, recentemente doado ao MAC USP. Os documentos demonstram o processo de criação de Koch e suas indagações sobre a natureza da imagem, da perspectiva e do enquadramento.

A mostra conta com curadoria do pesquisador Tálisson Melo e reúne 62 obras da artista plástica pernambucana Lúcia deBarros Carvalho (1922-2020). Inédita, a exposição faz uma retrospectiva na produção artística de Suanê, de 1946 a 2019, Nascida em um engenho da região de Palmares do estado pernambucano, Lúcia passou sua infância e adolescência na vila Águas Belas, localizada no centro do território do povo indígena Fulni-ô. Ao conviver de perto com a cultura e tradições desta comunidade, Lúcia recebeu o nome Suanê, adotado por ela desde então.Conhecida por trazer em seu trabalho o regionalismo e as raízes pernambucanas que moldaram seu estilo único, na exposição o público poderá conferir obras importantesda artista, que evidenciam a incorporação de elementos de várias proposições estéticas, em diferentes momentos de sua carreira. Entre as obras, destacam-se a Santa com anjos (1946), sua primeira pintura que remete à Nossa Senhora daConceição, padroeira de Águas Belas; Enterro na Rede (1946) e Interior de Fazenda (1946), ambas pertencentes ao acervo do MAC USP; Barraca com romãs (1963), principal pintura de sua fase de síntese da figuração; e Tsakhakat-xua em duas cores (1988), que marca a presença de suas memórias com os Fulni-ô quando sua obra se abre definitivamente a uma espacialidade cósmica.

A mostra tem como fio condutor o acervo de história oral do Memorial da Resistência que compõe o programa Coleta Regular de Testemunhos, com depoimentos de mulheres que vivenciaram a violência de Estado no período da Ditadura Civil-Militar (1964-1985) e na Democracia. Olhar para o período da Ditadura Civil-Militar sob a perspectiva de gênero é a linha que tece esta exposição, e através dos testemunhos, abordamos as lutas coletivas de mulheres por Memória, Verdade e Justiça e por direitos fundamentais.

Francis Bacon (Dublin, Irlanda, 1909—1992, Madrid, Espanha) é considerado um dos mais importantes pintores da arte do século 20, com mais de seis décadas de produção. Filho de pais ingleses, teve uma infância difícil, em um ambiente familiar violento. Aos dezesseis anos, foi expulso de casa por seu pai. Após passar um período em Berlim e em Paris, fixou-se em Londres a partir dos anos 1930, onde iniciou sua carreira como artista. Bacon construiu uma obra contundente e marcante, conhecida sobretudo por sua maneira particular de retratar as figuras humanas, especialmente retratos e nus masculinos. Em suas obras, pintou frequentemente seus companheiros, amantes e amigos da boemia londrina.A biografia e a obra de Bacon foram permeadas pela presença de seus amantes, especialmente Peter Lacy e George Dyer, com os quais estabeleceu relações intensas e turbulentas. A exposição apresentará diversos retratos desses homens, além de outras figuras marcantes em sua vida, como seu companheiro próximo John Edwards. O título da exposição – A beleza da carne – é inspirado numa fala do artista em uma das entrevistas conduzidas pelo crítico de arte David Sylvester: “[...] enquanto pintor, devemos lembrar que há essa grande beleza na cor da carne. [...] Nós, obviamente, somos carne, somos carcaças em potencial. Quando vou a um açougue, sempre penso que é surpreendente que eu não esteja lá no lugar do animal”. A fisicalidade do corpo – pele, carne, músculos – é traduzida pelo artista em texturas espessas e oleosas, conferindo às figuras formas quase abstratas. As pinturas de Bacon reúnem em si uma grande variedade de fontes, revisitando temas canônicos e combinando referências da história da arte com suas experiências pessoais e suas percepções sobre o corpo masculino.

Exposição de caráter colaborativo, baseada na interação entre curadores e artistas unidos no propósito de jogar luz sobre o acervo do MAC-USP. Pensada como um ``work in progress'', esta exposição se realiza em três atos, ao longo de cinco meses, resultando em três diferentes conformações espaciais. A proposta é abrir espaço para que a curadoria seja experimentada como um processo compartilhado entre as curadoras, os artistas selecionados para a mostra e os interlocutores convidados.

Na efeméride de 60 anos do Golpe Militar brasileiro (1964–1985), a Pinacoteca, em parceria com o Memorial da Resistência de São Paulo, constrói diálogos sobre o estado de exceção a partir dos acervos artísticos e documentais de ambas as instituições.

Sallisa Rosa (Goiânia, GO, 1986) ocupa a Galeria Praça, na Pina Contemporânea, com sua primeira grande instalação composta principalmente por esculturas em cerâmica, abordando questões ligadas a memória, ancestralidade, paisagem e erosão da terra.

Exposição em homenagem à carreira do cineasta e fotógrafo Jorge Bodanzky (1942), com foco na produção realizada durante a ditadura militar brasileira (1964-1985). O período engloba a jovem produção fotográfica, as experimentações em super-8, as reportagens para tevês alemãs e alguns dos principais longas-metragens, como Iracema (1974), Gitirana (1975), Os Mucker (1978), Jari (1979), Terceiro milênio (1980) e Igreja dos oprimidos (1985). Com equipe enxuta e ideias abundantes, Bodanzky renovou o cinema brasileiro ao mesclar documentário e ficção para abordar os conflitos sociais e políticos do período em que o manto desenvolvimentista recobriu o país de violência e opressão. Nos 60 anos do golpe militar que calou o Brasil, a produção de Bodanzky é um convite urgente e atual para repensar a democratização do país e a renovação do cinema político. Curadoria de Thyago Nogueira. Curadora-assistente: Horrana Santoz. Pesquisa de Ângelo Manjabosco e Mariana Baumgartner. Em uma parceria entre áreas do IMS, o Cinema IMS organiza uma ampla retrospectiva da obra de Jorge Bodanzky.

O Museu Brasileiro da Escultura e da Ecologia apresenta Amelia Toledo: Paisagem cromática, exposição individual da artista, com curadoria de Fernando Limberger e Daniela Gomes Pinto.A exposição, com mais de 100 obras, traz o público um novo recorte da obra produzida ao longo da carreira da artista, cuja poética aborda, entre outros temas, os principais assuntos de interesse do MuBE: a escultura e a natureza.

A panorâmica de Clark acontece quase 20 anos depois da última mostra da artista na Pina e ocupará sete salas da Pina Luz. Curadoria de Ana Maria Maia, Pollyana Quintella e Jochen Volz. A exposição perpassa diferentes momentos da carreira de Clark, apresentando seus objetos relacionais e proposições, como as instalações A casa é o corpo (1968) e Campo minado (1967–8), além de séries da fase neoconcreta, como Linha Orgânica (1954–5) e Bichos (1960- 80).

Apresentada no espaço externo da casa, a exposição Arqueologias do Vivente evoca a ideia de corpo expandido. Trata-se de um conjunto de esculturas de cerâmicas, com formas que remetem à anatomia de entranhas, e reflete a pesquisa da artista sobre a interdependência dos corpos no mundo, ainda que não apenas humanos, mas também vegetal e mineral – corpos viventes.

Na efeméride de 60 anos do Golpe Militar brasileiro (1964–1985), a Pinacoteca, em realização conjunta com o Memorial da Resistência de São Paulo, constrói diálogos sobre o estado de exceção a partir dos acervos artísticos e documentais de ambas as instituições. A exposição conjunta ocupa o 2º andar da Pina Estação.A mostra acontece no edifício da Pina Estação, que sediou até 1983 o Deops/SP — Departamento Estadual de Ordem Política e Social de São Paulo —, que atuava como aparelho de repressão política do Estado e onde inúmeras pessoas foram presas e torturadas durante a Ditadura Civil-Militar (1964–1985), e hoje é ocupado pelo Memorial da Resistência de São Paulo e a Pinacoteca de São Paulo.A exposição parte da Coleção Alípio Freire, doada ao Memorial da Resistência em 2023. É a primeira vez que o conjunto, composto por trabalhos de ex-presos políticos dos presídios de São Paulo durante o período ditatorial e reunidos por Alípio Freire e Rita Sipahi, será mostrado ao público.

Ventura Profana (Salvador, Bahia, 1993) é pastora missionária, cantora evangelista, escritora, compositora e artista visual, cuja prática está enraizada na pesquisa sobre as implicações e metodologias do deuteronomismo, uma tradição interpretativa das escrituras sagradas do cristianismo relacionada à difusão das igrejas neopentecostais. Seus trabalhos já foram expostos no MASP, na mostra Histórias brasileiras (2022), na 35a Bienal de São Paulo (2023) e em diversas outras instituições no Brasil e no exterior, como o Werkstatt Der Kulturen Berlin (Alemanha), o Museu Nacional da República (Brasília, DF), o Dragão do Mar – Museu de Arte Contemporânea do Ceará (Fortaleza, CE), o Centre d’Art Contemporain Genève (Suíça), e o MAR – Museu de Arte do Rio.A artista também publicou o livro A cor de Catu e participa da Antologia Jovem Afro, fez shows em La Mutinerie (Paris), em eventos como a Virada Cultural de São Paulo e a 22a Parada LGBT de Belo Horizonte, e em espaços como o Circo Voador (RJ). Seu disco de estreia Traquejos Pentecostais para Matar o Senhor foi lançado em 2020 em parceria com Podeserdesligado. Também realizada em parceria com Podeserdesligado, a performance Cântico dos Cânticos foi premiada na categoria Melhor Performance no Prêmio de Artes Cênicas Negras Leda Maria Martins, em 2019. Ventura Profana foi indicada ao Prêmio PIPA em 2020 e em 2021, tendo sido selecionada neste último.

Carmela Gross realiza trabalhos em grande escala que se inserem no espaço urbano e que assinalam um olhar crítico sobre a arquitetura e a história urbana. O eixo comum, para além da diversidade dos contextos e das propostas elaboradas em cada caso, é o conceito básico de trabalhar-na-cidade. O conjunto de operações que envolvem desde a concepção do trabalho, passando pelo processo de produção, até a disposição no lugar de exibição, enfatizam a relação entre a obra e o espaço, entre a obra e o público. Com curadoria de Paulo Miyada, a exposição propõe uma leitura panorâmica das obras da artista, pautada no diálogo com a fábrica projetada por Lina Bo Bardi.

O Pivô recebe uma exposição apresentando as obras de Marcia Falcão, Carolee Schneemann e Diego Bianchi. Essa mostra coletiva oferece ao público uma interseção única de temas e abordagens artísticas.A obra de Carolee Schneemann lida com as percepções sociais sobre o corpo feminino e sua representação na arte. Ela busca criar uma visão abrangente de sua jornada artística, com ênfase no discurso feminista, levando os espectadores a refletirem sobre as relações de gênero. Ao longo de sua carreira, Schneemann se opôs às representações típicas das mulheres. Utilizando dispositivos cinéticos e ferramentas em suas instalações, ela promove um diálogo intrincado entre a forma humana e a tecnologia. A exposição de Diego Bianchi se configura como uma fusão de instalação, escultura e performance. Sua arte instiga os espectadores a reavaliarem suas percepções e promove o engajamento ativo. Em várias de suas instalações, elementos da forma humana são fundidos à obra, enfatizando que, para Bianchi, o corpo é mais uma entidade entre muitas. Ele desafia os espectadores a refletirem sobre a relação do corpo com a sociedade, questionando noções estabelecidas de identidade e as fronteiras que separam o humano do não-humanoEm contraste, as obras de Marcia Falcão, com seus traços sólidos e densas camadas de tinta, formam uma narrativa em torno do corpo feminino e da substância da obra de arte. Inspirando-se nos subúrbios cariocas de sua infância e residência atual, suas pinturas retratam figuras sujeitas a graus intensos de violência. Isso serve como reflexão das ameaças sistêmicas às vidas das mulheres, especialmente aquelas que são negras e provenientes de áreas marginalizadas no Brasil.Ao posicionar as obras contemplativas de Falcão ao lado das explorações dinâmicas de Schneemann e Bianchi, a exposição proporciona uma visão multifacetada da experiência humana, destacando as diversas maneiras como os artistas interagem e a retratam.

O impacto e as influências da moda japonesa no cenário global ganham destaque na exposição inédita ‘Efeito Japão: moda em 15 atos’. A partir de 15 trajes de importantes estilistas nipônicos, a mostra busca desvendar o poder do design japonês que assimila as tendências do mundo e as transformam em novas tendências por meio de uma sensibilidade particular.A mostra foi coordenada por Souta Yamaguchi, diretor de moda, responsável pelo design das roupas utilizadas pelo staff na cerimônia de entrega de medalhas dos Jogos Olímpicos e Paralímpicos de Tokyo 2020.Dentre as peças selecionadas especialmente para a exibição, estão produções de Hanae Mori (1926 - 2022); Masao Mizuno (1928 - 2014); Kansai Yamamoto (1944 - 2020); Kenzo Takada (1939 - 2020); Yohji Yamamoto (1943); Isao Kaneko (1939); Yoshiki Hishinuma (1958); Issey Miyake (1938 - 2022); Junya Watanabe (1961); Jun Takahashi (1969); Kunihiko Morinaga (1980); Junichi Abe (1965) e Chitose Abe (1965).

Os avanços tecnológicos da corrida espacial entre os Estados Unidos e a antiga União Soviética, que culminou com a chegada do homem à Lua em 1969, estão no imaginário de Emmanuel Nassar. Mas o título de sua instalação Lataria Espacial, além dos aspectos científico e político, traz também um termo informal, que se refere a estruturas metálicas de veículos motorizados. Para o artista, lataria está associada ao termo “lata velha”, geralmente usado para designar o estado precário de grandes máquinas deterioradas.O trabalho aproxima opostos: a lataria envelhecida e com sinais de desgaste, o que há de primitivo e popular nas funilarias do subúrbio às missões espaciais e altamente tecnológicas que colaboraram para o desenvolvimento das comunicações via satélite. Há, nessa justaposição, algo do sonho e da fantasia de voar. Mas se o voo está ligado à imagem da liberdade que tanto aviões quanto pássaros evocam, uma das asas de Lataria Espacial está decepada, como se estivesse incrustada na parede. Dentro da Sala de Vidro do MAM São Paulo, a obra parece tratar mais da impossibilidade de levantar voos do que da completa realização do desejo de liberdade.O artista projetou e construiu seu próprio jato particular, que se assemelha aos aviões de brinquedo, mas é inspirado no modelo Phenom 300, da Embraer, que está entre os jatos executivos mais vendidos no mundo. Mas, em vez de fazer um elogio à alta performance e ao poder que uma aeronave de pequeno porte carrega, o artista aponta de modo irônico para as contradições sociais do país e para o contraste entre o imaginário da elite e do povo, justamente mostrando que essa separação já não é tão clara.

Santídio Pereira nasceu no interior do Piauí, no nordeste do Brasil, em 1996, numa área caracterizada pelo ecossistema semiárido. Nesse período, tal como em décadas anteriores, houve fluxos migratórios para o sudeste do país. Embora a região seja comumente descrita por suas condições climáticas com temperaturas elevadas e chuvas escassas, o povoado em que o artista nasceu, Curral Comprido, no município de Isaías Coelho, está em suas lembranças como um lugar de chuvas fortes, especialmente no inverno. Nessa época, a paisagem é tomada pelo capim-do-pendão-rosa, como é conhecida, na região, a espécie de origem do sul da África, com nome científico Melinis repens.A experiência de Santídio Pereira, como ele mesmo observa, é diferente daquela do retirante apresentado na obra literária de Graciliano Ramos, em Vidas secas, da década de 1930, marcada pelas lutas e falta de perspectiva diante da escassez de chuva e da pobreza. Santídio, ao contrário, aponta para a multiplicidade de caatingas (baixões, chapadas, malhadas, passagem molhada), para a riqueza da região, em vez de enfatizar o solo como infértil. Seu trabalho também não se aproxima das pinturas de Candido Portinari, em que migrantes nordestinos, fugindo da seca rumo aos centros urbanos, são representados de modo edificante, como exemplos que podem nos instruir sobre as questões sociais e humanas enfrentadas pela população durante a estiagem. Santídio Pereira se recorda dos diferentes tipos de chuva e das transformações da flora, conforme as estações do ano. As folhas e flores, em períodos mais úmidos, são abundantes, e os verdes, intensos. Sua obra é de uma vitalidade extraordinária; ela enfrenta o lugar-comum do Piauí como árido e inóspito, ao apresentar uma atmosfera alegre, prazerosa e com cores vibrantes.Em vez de retratar um ambiente árido, desolado, com a terra seca, rachada e com animais mortos, a gravura e pintura recentes de Santídio elegem a vegetação como motivo central. As plantas, em geral, surgem isoladas de seu bioma de origem. Elas flutuam, não como ideias, mas como se estivessem acima das circunstâncias geográficas e meteorológicas. Construídas a partir da memória, suas imagens possuem aspectos exuberantes, estão plenas, muitas vezes em época de floração. Mas se afastam do gênero da natureza-morta. Elas não são lembranças sobre a efemeridade da vida, mas elogios à força vital das plantas. A linguagem gráfica de Santídio é direta, sem excessos ou dramas, mas recusa a objetividade cientificista. Aos poucos, o artista foi simplificando seu vocabulário, recorrendo a poucos recursos, mas para chegar ao elementar, usou diversas nuances de luzes e sutilezas cromáticas.

O modernismo, especialmente no campo da arquitetura, seguiu princípios funcionais com ênfase na racionalidade e no uso de formas geométricas simples. Além disso, incorporou materiais como o concreto, o que permitiu novas perspectivas construtivas. Rodrigo Sassi dialoga com ideias modernistas, mas em vez de recusar o decorativo em busca de uma aparência mais limpa, explora outras possibilidades do ornamento.Em obra recente realizada no Museu da Inconfidência, em Ouro Preto, MG, instituição parceira do MAM São Paulo neste projeto, o artista atualizou noções sobre o barroco a partir da perspectiva da arte contemporânea. É justamente do cruzamento entre arte moderna e arte colonial que seu trabalho se desenvolveu. Com referências aos painéis de Burle Marx e de Athos Bulcão, típicos da arquitetura moderna de Rino Levi e Oscar Niemeyer, o artista também explora contradições do projeto moderno. Entre elas está a ênfase no trabalho operário, sempre pouco valorizado, mas fundamental para qualquer construção. Por isso, o artista produz artesanalmente módulos de concreto usando técnicas tradicionais.A obra se apresenta como um grande relevo construído com fôrmas de madeira que servem de molde temporário para cada um dos módulos. Com elas, é possível modelar o concreto, material característico da construção civil e que suporta altas cargas. A partir de uma linha horizontal central, formas sinuosas, cinzas como o cimento, serpenteiam a parede em configurações de diferentes tamanhos. Dez peças distintas podem se encaixar umas nas outras, criando padrões variados.

José Bento (Salvador, BA, 1962) trará para o Octógono um projeto sensorial que pensa a relação com o espaço, tempo e memória, atribuindo novos significados ao seu principal material de trabalho, a madeira.No site-specific o artista relembra que toda cidade, como resultante das ações humanas no passado e no presente, é um receptáculo das histórias e dos ciclos de vida que por ela assentam e habitam.A região onde a Pinacoteca se localiza foi, em um passado-presente da cidade de São Paulo, conhecida como Caminho de Guaré. Com destino às Minas Gerais, os tropeiros percorriam uma passagem que existia antes mesmo da chegada do elemento europeu a essas terras: percorrer o Caminho de Guaré é compreender o espaço em que estamos como lugar de consciência, reconhecer a presença indígena nesse território e se entender também como parte dessa intricada trama de história.

Primeira mostra individual de Gervane de Paula (Cuiabá, Mato Grosso, 1961) em uma instituição paulista fará um recorte dos 40 anos de carreira do artista, que questiona as problemáticas sociopolíticas do Centro Oeste brasileiro.

A exposição traz uma retrospectiva da vida e obra de Alexandre Herchcovitch, um dos mais importantes nomes da moda brasileira.  A mostra conta com curadoria de Maurício Ianês. Alexandre Herchcovitch se tornou, através de um trabalho único, subversivo e impecável em termos de acabamentos e modelagens, o nome mais importante na história da moda brasileira, tendo alcançado grande relevância também no cenário internacional. Ao longo de trinta anos, o estilista desfilou suas coleções nas semanas de moda de Londres, Paris e Nova York, além, claro, nas de São Paulo e do Rio de Janeiro.Nascido em 1971 na capital paulista, filho de imigrantes judeus de segunda geração, iniciou cedo a sua carreira. Regina Herchcovitch, sua mãe, ensinou o filho a costurar, e ele logo pôs suas ideias em prática ao criar roupas para ela. No fim da adolescência, desenhou uma caveira, que, junto da sua assinatura, se tornou a sua primeira logomarca. Inspirada em desenhos de livros de anatomia, foi também a sua primeira estampa, um ícone da sua produção que é utilizado – e desejado – até os dias de hoje.Em sua carreira estrelada, nunca deixou de prezar por sua família, seu círculo de amigos e sua origem judaica. De uma forma ou de outra, a estética das mulheres judias religiosas da Europa Central e do Leste, e as roupas dos Haredim (judeus ultraortodoxos) se misturaram a macacões sadomasoquistas, sapatos de saltos altíssimos, roupas de látex, vestidos de cetim de seda desconstruídos, lingeries, babados inspirados por Carmen Miranda, burkas, sempre com um pé nas comunidades alternativas que o receberam quando era jovem. Partindo dessa forte influência judaica em diálogo com várias outras perspectivas e identidades, Alexandre, que nunca foi religioso, ocupou um lugar único na moda.A exposição que celebra seus (mais de) trinta anos de carreira apresenta ao visitante um panorama que tem como base a palavra aramaica bereshit, primeira palavra que se lê na Torá, que significa “no início”, e tem suas origens na palavra resh, no aramaico, ou rosh no hebraico, que remetem à “cabeça”. No início, na cabeça, um universo múltiplo é criado e posto em movimento. É a partir desse conceito que se desenvolve esta primeira mostra deste criador que pôs em movimento um universo muito pessoal e abraçou seu tempo com um olhar no futuro.

Com curadoria do próprio fotógrafo tcheco, a exposição reunirá duas séries famosas de Josef Koudelka, um dos grandes nomes da tradição da fotografia humanista: Ciganos e Exílios. Iniciadas respectivamente nas décadas de 1960 e 1970, as duas séries são apresentadas integralmente, com ampliações produzidas nas décadas de 1980 e 1990 sob a supervisão do artista.

A primeira grande individual da artista chilena no Brasil foi organizada pelo Museu Nacional do Chile, em Santiago. A curadoria do peruano Miguel López reune pinturas, fotografias, vídeos, peças sonoras, esculturas e instalações para a Pina Contemporânea. Um de seus trabalhos mais emblemáticos, Menstrual (2006), poderá ser visto pelo público pela primeira vez no Brasil.

Com curadoria do próprio fotógrafo tcheco, a exposição reunirá duas séries famosas de Josef Koudelka, um dos grandes nomes da tradição da fotografia humanista: Ciganos e Exílios. Iniciadas respectivamente nas décadas de 1960 e 1970, as duas séries são apresentadas integralmente, com ampliações produzidas nas décadas de 1980 e 1990 sob a supervisão do artista.