EXPOSIÇÕES

A exposição apresenta uma retrospectiva dos 50 anos de carreira do fotógrafo Bob Wolfenson, com um recorte voltado para a produção de décadas do artista na fotografia de moda, seja em colaboração com revistas como  Vogue e Elle, como ensaios independentes.

A Galeria TATO, conhecida por conectar artistas visuais promissores com os curadores e agentes atuantes no circuito da arte contemporânea, volta a representar artistas, iniciando com um time de oito nomes. Desde 2020, a galeria manteve o foco em projetos itinerantes e na criação de programas para desenvolvimento de carreira de artistas. Ao longo de 14 anos, mais de 150 talentos emergentes passaram pelos projetos oferecidos pela instituição. Agora, em 2024, além de seguir com os programas, a galeria volta a atuar na representação de artistas. O seleto grupo será apresentado na exposição “8 caminhos para o infinito”, com organização de Tato DiLascio e assistência de Maria Eduarda Mota.A exposição “8 caminhos para o infinito” marca o retorno da TATO na representação de talentos. Depois de um breve hiato, a galeria volta com um grupo coeso de oito artistas, curados pelo tempo e pelas relações construídas na última década de trabalho. Os novos representados são Ana Michaelis, Anna Guerra, Desirée Hirtenkauf, Hiago Bezerra, Juniara Albuquerque, Lucas Quintas, Luiz83 e Pedro Hórak.

A exposição apresenta uma seleção de trabalhos realizados entre 1984 e 2024, alguns trazidos a público pela primeira vez, outros muito pouco vistos. O percurso apresentado envolve a utilização de diversos suportes e recursos, indicando o interesse recorrente do artista em construir as intervenções em proximidade com o campo comunicativo, adotando recursos de repetição, estruturas recursivas e a mobilização do discurso em dispositivos de visualidade, sonoridade e oralidade. Ricardo Basbaum investiga a arte como um dispositivo intermediário e plataforma para a articulação entre experiência sensorial, sociabilidade e linguagem.

Exposição individual da artista Daniela Eorendjian Torrente, apresentando trabalhos realizados ao longo dos últimos sete anos. A forma carregada de sentimentos ao mostrar a arte confere a Daniela, neta de sobreviventes, um papel fundamental na representação da construção das identidades das famílias vítimas do Genocídio Armênio (caracterizado por deportações em massa, massacres e outras formas brutais de violência) ao chegarem ao Brasil, assim como de seus descentes. A curadoria é de Nino Cais e o texto crítico da artista visual e escritora Cassiana de Haroutiounian.Movida pelas lembranças e ciente da importância dos retratos no resgate à história, Daniela propõe uma reflexão sobre o papel feminino, enquanto pilar de estrutura da família armênia, na guarda e propagação da memória e cultura deste povo. Questões como a interrupção da vida cotidiana, o impacto na vida das mulheres em situação de refúgio e suas descendentes, expandindo para temas como a construção da identidade, o apagamento, o preconceito, a opressão, a fé religiosa, a reorganização social e o não pertencimento constituem vertentes importantes em sua pesquisa.A mostra conta com fotografias, pinturas, costuras, instalações e vídeo, discute o papel importante dessas mulheres dentro do processo de partida e chegada em uma nova terra, em suas diversas regiões, e de sua construção interna e busca pelas suas raízes.

Segunda individual da artista Daniela Eorendjian Torrente, apresentando trabalhos realizados ao longo dos últimos sete anos. A forma carregada de sentimentos ao mostrar a arte confere a Daniela, neta de sobreviventes, um papel fundamental na representação da construção das identidades das famílias vítimas do Genocídio Armênio (caracterizado por deportações em massa, massacres e outras formas brutais de violência) ao chegarem ao Brasil, assim como de seus descentes. A curadoria é de Nino Cais e o texto crítico da artista visual e escritora Cassiana de Haroutiounian.A mostra conta com fotografias, pinturas, costuras, instalações e vídeo, discute o papel importante dessas mulheres dentro do processo de partida e chegada em uma nova terra, em suas diversas regiões, e de sua construção interna e busca pelas suas raízes.

A exposição apresenta trabalhos dos artistas da VANDL Art, dirigida por Victor Valery, que também atua como curador da mostra. Com trabalhos de Brenda Nicole, Emilia Brandão, Jamex, Josh Brandão, Raquel Pater, RicardoBueno e Vivi Rosa, a mostra busca fomentar e divulgar a produção de artistas emergentes. O título da exposição “A gente ama o que não conhece”, desafia a máxima deSanto Agostinho "Só amamos aquilo que conhecemos", ao sugerir que o amor e a apreciação podem emergir do desconhecido e do inexplorado.

A galeria Superfície inaugura sua segunda sede em São Paulo. A abertura ocorre no contexto de comemoração dos dez anos de atividades da galeria, sediando o novo espaço expositivo, assim como a sede da editora Superfície Publicações e o Arquivo Superfície — iniciativa sem fins comerciais voltada à pesquisa e digitalização de documentos relacionados à arte conceitual e de vanguarda. A coletiva reúne 21 artistas entre nomes consagrados — como Antonio Manuel, Amelia Toledo, Cildo Meireles, Anna Bella Geiger e Paulo Bruscky — e artistas emergentes que se destacaram desde os anos 2000 — como Cinthia Marcelle, Renata Lucas, André Komatsu, Anna Costa e Silva, Vitor Cesar, Marcelo Cidade — que utilizam o jornal como elemento investigativo em seus trabalhos.Com cerca de 30 obras, a mostra conta com pesquisa e seleção colaborativa entre o curador Diego Matos e o galerista Gustavo Nóbrega, apresentando um índice inicial de diferentes processos de subversão do jornal, seja na forma ou na linguagem do meio, tendo como ponto de partida a produção da neovanguarda brasileira atenta às novas linguagens.

A mostra reúne dezenove fotografias inéditas realizadas pelo artista Cássio Vasconcelos ao longo dos últimos três anos, resultado de incursões pelos vestígios de mata atlântica em São Paulo, Paraná, Santa Catarina, Rio Grande do Sul e Rio de Janeiro. A proposta da exposição é a de proporcionar um olhar aprofundado sobre esse bioma, hoje um dos mais ameaçados do país. Cada uma das fotografias presentes na mostra é um exemplar único, sem tiragem. O título da exposição faz referência aos primeiros registros conhecidos das florestas brasileiras, iniciados pelo aristocrata e arqueólogo francês Conde de Clarac (1777-1847), em seu desenho Floresta Virgem do Brasil,gravado em metal por Claude François Fortier (1775-1835), em 1822, referência para os chamados “artistas viajantes” do século 19, integrantes da Missão Artística Francesa, como Jean-Baptiste Debret(1768-1848), que ao voltar à França publicou Viagem Pitoresca e Histórica ao Brasil (1834-1839).Diferentemente dos artistas viajantes, Cássio Vasconcellos precisa encontrar o enquadramento certo. “Os artistas do século 19 pegavam uma cena que podiam depois acertar no ateliê, tirar por exemplo uma palmeira que estava atrapalhando a imagem”, compara. “A floresta é muito difícil de fotografar. É uma confusão visual tremenda, porque são infinitos planos. É muita informação de uma vez só. E é muito fácil cair na banalidade. São muitos quilômetros de caminhada para achar o ângulo perfeito, e muitas vezes levo um dia inteiro para fazer uma foto", conclui.

A exposição coletiva parte de um diálogo dos trabalhos dos curadores e artistas Carla Chaim, Marcelo Amorim e Nino Cais, que convidaram Lenora de Barros, Rosângela Rennó e Leda Catunda para a mostra. A mostra é acompanhada por um texto crítico inédito da curadora e pesquisadora Ana Roman.As práticas de Carla Chaim, Marcelo Amorim e Nino Cais, embora diversas em suas trajetórias, compartilham uma sensibilidade comum aos objetos do mundo, unindo-os pela apropriação.Nesta exposição, o arquivo é o ponto de partida, e cada artista também atua como curador, convidando outro artista para expandir o diálogo. Nino Cais convida Leda Catunda, que ressignifica objetos cotidianos; Carla Chaim convida Lenora de Barros, explorando corpo e escrita; e Marcelo Amorim convida Rosângela Rennó, que recontextualiza imagens. Juntas, suas obras questionam a autoridade documental dos arquivos e expressam a contínua busca dos artistas por ressignificações, iluminando vestígios do passado sob novas perspectivas.

A individual de Flora Leite apresenta obras que exploram os limites entre matéria, objeto e a intangibilidade.Com trabalhos que capturam a atenção para o que é aparentemente invisível e efêmero, a individual de Flora Leite inclui obras como "Chaminé", uma torre de cigarros Marlboro empilhados, e "Celeste", um aparelho óptico que projeta a luz atmosférica no chão. Em "Alguma coisa, coisa nenhuma", a artista transforma a poeira recolhida em uma galáxia no piso da Casa, invertendo a célebre frase "Somos todos poeira de estrelas". A mostra também inclui "Núcleo, magma, crosta", onde um pedaço de pão percorre o elevador da casa, em um movimento que reflete a combinação de repouso e deslocamento.

Inspirado pela memória afetiva de sua avó, que lhe ensinou a fazer flores de papel crepom, Mano Penalva celebra os saberes transmitidos pelo corpo e pelo afeto. A instalação "Crepom", criada especialmente para o “Projeto 280x1020” da Casa de Cultura do Parque, é composta por uma videoperformance, um canal sonoro e dois grandes murais que lembram lousas, adornados com babados de crepom branco.Penalva evoca a educação convencional, com elementos que remetem à autoridade do professor e à organização normativa do alfabeto, para, em seguida, questionar essa estrutura. A instalação sugere que o conhecimento é transmitido também pela matéria, desafiando a separação entre intelecto e corpo, arte e artesanato, masculino e feminino, escrita e oralidade.A curadora e pesquisadora Mariana Leme, em seu texto crítico que acompanha a mostra, contextualiza "Crepom" dentro da história da arte ocidental, marcada pela divisão entre natureza e cultura, arte e artesanato.

O Farol Santander apresenta uma exposição coletiva cujo foco é o protagonismo do som na arte contemporânea. Com curadoria de Chico Duo, a mostra conta com 26 artistas nacionais e internacionais, os quais trabalham conceitos como a fisicalidade do som, fenômenos acústicos, fonofotografias, sonificação plásticas, paisagens e gambiarras sonoras, sons inauditos, cosmofonias, escuta profunda e a utopia do silêncio. A mostra apresenta instalações, objetos, esculturas, ambientes e instrumentos sonoros, além de quadros, discos conceituais, vídeos, partituras e fotografias. De pioneiros como Walter Smetak, John Cage e Yoko Ono a membros influentes da nova escola como, e passando também por artistas brasileiros de diferentes gerações, como Vivian Caccuri e Tiganá Santana, a Virada Sônica leva ao espaço do Farol Santander eventos sonoros participativos.Entre os trabalhos inéditos no Brasil estão: Christian Marclay (EUA) - "Ephemera"; Daniel Palacios (Espanha) - "Waves"; Rafael Lozano-Hemmer (Canadá) - "Au Clair de la Lune"; Christine Sun Kim (EUA) - "Close Readings" + "Echo Trap"; Darya Efrat (Israel), Joana Burd (Brasil) e João Dias-Oliveira (Portugal) - "Earth Pulse"; Nicole L´Huillier (Chile) - "Cuchicheos".Introduzido por críticos e pesquisadores na década de 1990, o termo "virada sônica" refere-se a uma transformação radical na arte contemporânea, em que o som assume um papel de destaque, passando de um elemento secundário nas narrativas visuais para uma posição central. Essa mudança se manifesta em diversas formas artísticas, desde instalações até performances multimídia.

O Centro Cultural Fiesp realiza em São Paulo a exposição Natureza Viva, do artista Marcelo Tinoco, com curadoria de Nancy Betts.A mostra apresenta 12 obras, produzidas durante a última década, que representam jardins e paisagens naturais, promovendo a reflexão sobre a interação humanidade - natureza. Em seu processo de criação, Tinoco desconstrói fotografias de diferentes épocas e locais e as utiliza como rascunho para a composição de uma nova cena, desenhada e colorida manualmente, gerando o que ele chama de “fotografia multidisciplinar”.A coleção exposta conduz o espectador a uma experiência imersiva composta de dois vieses: as paisagens tropicais e as paisagens europeias. Mais que apresentar lugares, na poética do artista há uma perspectiva dialógica entre todas as obras. As paisagens tropicais remetem aos jardins de Burle Marx com seus arranjos de um paisagismo modernista. Natureza Viva traduz um universo diferenciado, uma realidade mágica e um reencantamento com a vida e com a natureza.

Antecipando o seu 106º leilão, a galeria Blombô recebe uma exposição com 130 obras de artistas como Alfredo Volpi, Alberto da Veiga Guignard, Di Cavalcanti, Roberto Burle Marx, José Leonilson, Yolanda Mohalyi, Beatriz Milhazes, Djanira da Motta e Silva, Fulvio Pennacchi, entre outros.Entre os destaques da exposição e leilão está a obra “Almoço Campestre”, um óleo sobre tela de Fúlvio Pennacchi, pintor, ceramista, desenhista, ilustrador, gravador e professor nascido na Toscana.

A Galeria Lume inaugura a individual "Calorcito" de Mari Nagem, parte do projeto Alumiar, que tem o intuito de dar luz a pesquisa de artistas que ainda não possuem representação. Usando diversas mídias, cores vibrantes e contornos marcantes, as obras de Mari destacam a artificialidade daspaisagens, a subjetividade dos dados e a busca capitalista pela felicidade. Com texto curatorial de Ana Roman a mostra traz uma seleção de obras inéditas que colocam emcheque a crise climática mundial, mais especificamente as ondas de calor que são cada vez mais devastadoras e frequentes.O calor é uma energia essencial para moldar as paisagens terrestres e impactar as relações humanas, atuando como uma força transformadora que afeta formações geológicas epotencializa fenômenos naturais extremos. É a partir desta força de criação tecnológica e destruição que se materializa a exposição de Nagem.

A Galeria Lume inaugura a exposição individual "Ágora" doartista plástico Claudio Alvarez, com curadoria de Paulo Kassab Jr. A mostra apresenta 10 obras em aço inoxidável, acetato, tecido e espelhos, além de estudos, destacando ointeresse de Alvarez pela interação entre movimento e percepção visual por meio de esculturas que provocam e envolvem o espectador na dúvida "Persegui a ideia de criar notrabalho uma ponte ou passagem que conectasse o real ao ilusório de maneira que estes mundos fossem percebidos de forma contínua, sem divisão entre real e fictício.", relata.Em suas obras a interação com o visitante é essencial, ora desafiam os sentidos com jogosde espelhos e ilusões ópticas, ora encantam pela leveza e fluidez dos materiais. Aoconfrontar estes espelhos, não encontramos nosso reflexo, somos fragmentados em outras verdades que nos desorientam e fascinam.

Lidia Lisbôa (1970, Terra Roxa, PR, Brasil) apresenta "O Teatro", sua segunda individual na Millan. A exposição tem curadoria de Cristiano Raimondi e reúne uma ampla gama de materiais e suportes — têxteis, cerâmica, bronze, desenhos — apresentados em uma instalação imersiva. Ao longo da mostra, o espaço receberá performances e ativações, configurando-se como um palco onde as histórias e os gestos da artista possam ganhar forma.O trabalho de Lidia Lisbôa é resultado de uma prática que constantemente entrelaça arte e vida, corpo e memória. A nova exposição permite adentrar seu universo poético por meio de uma montagem instalativa, na qual o piso e parte das paredes são recobertos por um carpete rosa. A cor aqui é símbolo de uma força visceral, como define o curador, apontando para as dimensões interna e externa da obra da artista.A exposição reúne séries já consagradas da artista, como os Cupinzeiros, esculturas criadas em cerâmica ou bronze; os Cordões umbilicais, nos quais ela desenha linhas fluidas no espaço empregando fios de arame, botões e porcelana; as Tetas que deram de mamar ao mundo, esculturas têxteis criadas com crochê; e os Casulos, também de crochê, que são objetos vestíveis usados em performances. Em todos esses trabalhos a manualidade é uma característica determinante, atuando como exercício de construção subjetiva."O Teatro" também inclui obras sobre papel como a série Frutas (2009), Mulher (1995) — ambas expostas pela primeira vez — e os desenhos recentes da série Memórias de renda. Criados com nanquim ou aquarela, esses trabalhos revelam uma escala mais íntima da poética de Lidia e atestam uma prática incessante, que se manteve vigorosa ao longo dos anos.

A galeria apresenta uma exposição individual de Gisela Colón, com curadoria de Marcello Dantas. O trabalho de Colón, representado majoritariamente por monólitos, explora as interconexões entre ecofeminismo, histórias coloniais e as forças universais da natureza. Sua prática artística busca transformar o pessoal em universal, trazendo elementos de dolorosas realidades da violência armada, feminicídio e a violência militar coletiva que presenciou durante sua juventude em Porto Rico. Seu trabalho também ressignifica materiais, trazendo sustentabilidade às suas esculturas, que capturam e refratam a luz, criando uma cor estrutural que remete às cores encontradas na natureza.“A artista se apropria de materiais de alta tecnologia, frequentemente associados a funções militares, transformando-os em veículos de luz, vida e transcendência. Esta transmutação de materiais destinados à opressão em objetos que canalizam energia positiva subverte suas conotações originais.”, destaca Marcello Dantas, curador da exposição.

A exposição é uma coletiva com obras de Tuneu, Hercules Barsotti e Willys de Castro, que tem o texto curatorial assinado por Agnaldo Farias. A produção dos artistas é marcada pela introdução de novos materiais a partir do desejo de expandir a estrutura formal da tela.No mundo da arte desde a década de 60, com uma trajetória marcada por variações criativas e a exploração de novos territórios, Tuneu teve Tarsila do Amaral como mentora e uma grande referência para traçar seu próprio e único caminho.Hércules Barsotti foi um artista plástico nascido em 1914. Em 1954 começa a trabalhar em desenho têxtil e, juntamente com Willys de Castro, outro artista ligado aos movimentos Concreto e Neo-Concreto, funda o Estúdio de Projetos Gráficos, em São Paulo. Ambos compartilharam experiências com os maiores nomes da arte concreta mundial, e a convivência com Willys deixou marcas profundas na obra de Barsotti.

Exposição individual do artista que é uma figura chave na história da arte contemporânea e um dos principais nomes da arte cinética. Com mais de 45 trabalhos, a mostra reúne as mais recentes criações do artista argentino radicado na França, a grande maioria composta por pinturas, desenhos e um móbile em grandes dimensões.O principal interesse poético de Julio Le Parc é o estudo do movimento, que ao longo de sua trajetória foi explorado das mais diversas maneiras: por meio de pinturas, experimentações com espelhos e outras superfícies reflexivas, instalações, motores e mesmo instalações mais ousadas, como o conjunto que realizou na Bienal de Veneza de 1966 que, para incluir o espectador, transformou a instalação em um parque de diversões. Ao longo dos últimos anos, contudo, o artista vem se dedicando à série Alquimias. Nessa sequência de trabalhos, realizada desde a década de 1980, o artista se debruça sobre o estudo da cor, suas diferentes paletas e os resultados obtidos a partir da interação entre elas. Sua paleta é constituída de 14 tonalidades, que o mesmo vem utilizando desde 1959, e que vai desde tons mais quentes, como o vermelho e o laranja, até os mais frios, como o azul e o roxo. No entanto, nas Alquimias, as cores são reduzidas a pequenos fragmentos, como se fossem partículas, que se agrupam e se organizam de diferentes maneiras. Vistas de longe, o espectador tem a sensação de estar diante de nuvens cromáticas que vibram conforme as tonalidades friccionam entre si, mas de perto, ficam visíveis as partículas de cor presentes nas composições.Outra série pictórica presente na mostra é Ondas, na qualLe Parc coloca lado a lado faixas de cor que vão de tons mais quentes, como o vermelho, o laranja e o amarelo, até os mais frios, como o azul e o roxo. Através de esquemas sinuosos, as cores se intercalam, criando uma superfície dinâmica. Complementando o conjunto de pinturas, a exposição reúne também uma série de estudos em papel que o artista realiza dessas séries pictóricas, em especial das Alquimias, a partir dos quais fica visível o processo criativo e experimental do artista. A exposição também contempla algumas recentes criações tridimensionais de Julio Le Parc, como um grande móbile inédito.

Idealizado por Mônica Maia, o festival tem como objetivo promover a perspectiva feminina por trás das imagens. As atividades dialogam com a temática "Memória", com uma programação diversificada, incluindo Exposição Coletiva, Apresentação de Projetos, Mostra de Fotolivros, Palestras, Rodas Temáticas, Oficinas, Projeções, Tenda de Retratos e uma Feira de Fotografia. Atividades abertas ao público:- Exposição coletiva “Memórias Contadas, à Deriva e Sonhadas”, parede com 30 imagens selecionadas via convocatória. (quarta a domingo)- Mostra de Fotolivros, mesa com 20 publicações destacadas via convocatória. (quinta a domingo)- Feira de Fotografia, espaços com editoras, publicações independentes, imagens e objetos, todos produzidos por autoras mulheres. (quinta a domingo)- Lançamento de publicações- Apresentação de Projetos, ensaios selecionados (quarta)- Tenda de Retratos, uma experiência do projeto Face a Face da fotógrafa Marian Starosta. (sexta e sábado)- Lançamento da publicação Mulheres Luz (domingo)

A exposição de fotografias apresenta para o público brasileiro as tendências da moda de rua japonesa, desde 1950 aos tempos atuais. A mostra é coordenada pelo diretor de moda Souta Yamaguchi. A seleção de fotografias analisa por década as mudanças da moda de rua no Japão dos anos 1950 aos anos 2020, abordando diversas tendências internacionais, cinema e música, assim como a contracultura japonesa que surgiu em resposta às mudanças culturais, sociais, políticas e econômicas dessas épocas. Em complemento à evolução década a década, a exposição apresenta também uma coletânea de 25 fotos retiradas da Revista FRUiTS, uma das plataformas mais influentes de documentação acerca do streetstyle japonês entre os anos 1997 e 2017, quando teve sua última publicação. A revista foi responsável por registrar como os jovens, que resistiam aos padrões de estilo da época, se vestiam na região de Harajuku, no distrito de Shibuya, em Tóquio, local que viria a ser conhecido como um dos principais centros de cultura jovem do país, marcando toda uma geração. Até hoje, a criatividade e a espontaneidade desse movimento inspiram designers e amantes da moda do mundo todo.

Beto Shwafaty é um artista de sólida formação no campo da arte e fez os seus estudos no Brasil, na Alemanha e na Itália. Ele atua na intersecção das diferentes linguagens das artes visuais. O seu trabalho objetiva provocar a reflexão sobre os processos de modernização e progresso, com relação às heranças históricas e coloniais e ao capitalismo. Isso envolve o pensar sobre povos originários, trabalho escravo, monoculturas, processos de industrialização, histórias de massacres, expropriações e genocídios. Ou, ainda, catequeses culturais e religiosas e sobre a falta de planejamento urbano em cidades como São Paulo. De que maneira as cidades se estruturam durante o passado colonial no Brasil? Quais os legados, os prós e os contras das ações de modernização que se sucederam em nosso país?Focada nos cruzamentos entre justiça social e questões ambientais, a sua obra estabelece conexões imediatas entre os impactos gerados pelo desenvolvimento tecnológico e as alterações climáticas, entre sociedade e cidades, migrações e construções urbanas.Uma das vertentes do trabalho de Beto Shwafaty articula-se em diálogo com a arquitetura da esfera pública e com o design, não somente como denúncia, mas para evidenciar urgências, tais como a reparação das consequências que o “avanço tecnológico” e o “progresso”, tônicas das pesquisas e dos discursos da modernidade, geraram ao longo dos séculos.Ao pensar esses processos em que a cidade de São Paulo se inclui, o artista aplica esse raciocínio crítico à instalação agora apresentada na Capela do Morumbi, onde novos assuntos foram engendrados para abordar questões como patrimônio incerto ou indefinido, história, o Antropoceno, arquitetura, colonial ou não?

"Vida Lúdica" é primeira individual de Bruno BIG em São Paulo. Sob curadoria de Tito Bertolucci e Lara Pap, a mostra celebra os 18 anos de carreira do artista, destacando sua trajetória marcada pela street art e pela diversidade de temas que acompanham sua vida pessoal e artística. Conhecido por suas composições com linhas fluidas, cores vibrantes e gestualidade marcante, o artista apresenta uma seleção de aproximadamente 20 obras, entre telas, aquarelas, desenhos e esculturas. A mostra reúne uma miscelânea de temas recorrentes na trajetória do artista, como a natureza, o esporte, os corpos e as paixões.

No ano em que se completam 100 anos do Manifesto Surrealista, a Galeria de Arte André sedia a exposição "Surrealismo, 100 – A mão, o olhar e a ideia em movimento". Com curadoria de Mario Gioia, apresenta cerca 50 obras de arte, entre pinturas, esculturas, desenhos, gravuras, além de 50 itens, entre fotografias e documentação, como livros e catálogos de artistas surrealistas brasileiros e estrangeiros. Entre os destaques, estão obras originais de Salvador Dalí, um dos mais representativos artistas do surrealismo. São cinco litografias do artista espanhol, dentre elas, La Divina Commedia: Inferno, da década de 1960, além da escultura Persistência da Memória, de 1981, representando uma de suas obras mais icônicas, com seus famosos relógios ‘derretendo'

Alex Červený inaugura sua nova individual com curadoria de Ivo Mesquita. Apresentando um conjunto de mais de vinte pinturas recentes, além de uma dupla de aquarelas do acervo do artista, a exposição é nutrida por uma miríade de narrativas, de clássicas a contemporâneas, que trazem reflexões sobre a condição humana na Terra, a relação com outros seres e os impasses ambientais.A prática de Červený é marcada pelo emprego de múltiplas técnicas e suportes, mas sempre teve seu alicerce no desenho e na obra sobre papel. Orbis sensualium pictus, porém, é a primeira de sua carreira dedicada quase exclusivamente à pintura sobre tela. Nesta, que é também sua primeira individual na Millan, ele reúne um conjunto de mais de vinte pinturas inéditas, incluindo pequenos e médios formatos, além de um trio de grandes dimensões, com uma tela que atinge 4m de largura.

Exposição do coletivo de artistas LAb[au], de Bruxelas. Ativo desde 1996, o grupo explora a interseção entre arte conceitual, sistemática e concreta, utilizando materiais e técnicas contemporâneas para questionar a estética atual por meio de uma lógica algorítmica. A mostra reúne cerca de 26 obras estruturadas em torno de três noções principais: modos, sistemas e conceitos, que se manifestam em instalações, integrações arquitetônicas e objetos de arte.O LAb[au], originalmente formado pelo trio Manuel Abendroth, Jérôme Decock e Els Vermang, destacou-se por suas instalações dinâmicas, onde a interação entre arte e arquitetura é uma constante. Embora Els Vermang tenha deixado o grupo, Manuel e Jérôme continuam a explorar temas conceituais em obras como 'Signal to Noise' e 'Chronoprints'. Essas criações exemplificam a abordagem única do LAb[au], que investiga a relação entre sinal e ruído, bem como a passagem do tempo, utilizando programação algorítmica para criar experiências visuais e auditivas envolventes, conectando o espectador à lógica por trás da criação artística.

A pintura de Manabu Mabe, instalada na sala de estar pelo arquiteto e designer de móveis Jorge Zalszupin, é o ponto de partida da exposição "Intimidade das Formas". Parte de uma paisagem cultural moderna do pós-guerra que ele inscreveu no ambiente doméstico de sua casa, a obra dialoga agora com a produção artística nipo-diaspórica em São Paulo, dos artistas Massao Okinaka, Kimi Nii, Tikashi Fukushima, Tomie Ohtake e Mika Takahashi, que realizou uma obra em colaboração com a ETEL para a ocasião. além de mobiliário da designer brasileira Claudia Moreira Salles, todos selecionados pelo curador Yudi Rafael. Reunindo desenhos, pinturas, esculturas e peças de mobiliário, a mostra reflete as ressonâncias formais e temáticas entre os artistas e o espaço de acolhida da Casa Zalszupin. Entre os jardins e o interior do imóvel, a exposição apresenta figurações da natureza, com a geometria botânica e os desenhos da flora de Kimi Nii e Massao Okinaka, e pinturas do abstracionismo informal e geométrico de Tikashi Fukushima e Tomie Ohtake, aos quais se juntam os volumes do mobiliário de Claudia Moreira Salles e a produção pictórica de Mika Takahashi.De ascendência japonesa, os artistas que compõem a mostra são conhecidos por integrar elementos da cultura japonesa em suas obras, ao mesmo tempo em que exploram temas e técnicas brasileiras.

A mostra coletiva, com curadoria de Camila Bechelany, reúne obras de 38 artistas, entre convidados e representados pela galeria e propõe um ensaio curatorial em torno da ideia de paisagem, explorando sua representação na arte contemporânea. Além disso, reflete sobre os impactos da ação humana no meio ambiente e como esse contexto influencia o olhar artístico atualmente. A exposição também destaca o crescente interesse dos jovens artistas pela pintura de paisagem, aproximando diferentes gerações acerca desse tema.

Ao longo de sua produção, Marilia Furman vem levantando questões sobre o caráter de crise e colapso iminente do sistema de produção de mercadorias (ou, capitalismo tardio). Seja por meio de apelos à sensibilidade imediata através de mecanismos que colocam matérias-primas como vidro, parafina e gelo em conflito; seja através da apropriação e desvio de significados de objetos e imagens, a artista busca moldar estruturas de violência e dominação social. Nos últimos anos, Furman se voltou principalmente para uma discussão da conjuntura política brasileira, com trabalhos que recorrem a símbolos nacionais, militares e elementos visuais da indústria cultural do país, tratando tal cenário como parte de um fenômeno global de intensificação violenta da desintegração social e destruição material. Vazio e Dilúvio aborda criticamente esses fenômenos, assumindo a alegoria do dilúvio como elemento norteador de suas reflexões e trabalhando com imagens de excesso e de sobras da superprodução simultaneamente. Os trabalhos apresentados articulam elementos de guerra, violência, desenvolvimento técnico e cultura de massa e catástrofe climática.

Arte132 Galeria apresenta a exposição "Transmutação e metáforas do inconsciente" do escultor italiano Renato Brunello, com curadoria de Laura Rago. Em sua segunda mostra individual na galeria, a produção de Brunello reflete a fusão entre a tradição escultórica italiana e a cultura brasileira. A mostra com 22 obras, todas inéditas, traz a adaptabilidade dos materiais utilizados, abrangendo novas concepções sobre seu manuseio.Desde meados dos anos 1970, Renato Brunello, radicado no Brasil, incorporou em sua produção artística as influências da arte e da cultura popular nordestina, como o artesanato e o folclore, além das características da arquitetura vernacular pelo uso de materiais locais e técnicas construtivas tradicionais. Formado na Escola de Artes e Ofícios, em Veneza, Brunello trabalha com mármore e madeira em suas criações, transgredindo a maneira convencional de utilizar esses materiais ao incorporar a força expressiva da técnica e a adequabilidade do trabalhador de ofício. As obras de Brunello rejeitam a classificação tradicional da arte, que se apoia na separação do abstrato versus o figurativo ou engajamento versus "arte pela arte". Nelas, o elemento abstrato evoca o figurativo, ao mesmo tempo que a beleza da forma provoca reflexões. "A ocupação do espaço é vital para gerar pontos dinâmicos e dialogar eficazmente com o próprio espaço", afirma o artista, comparando a composição espacial da escultura a um passo de dança.

Exposição de Julia Fullerton-Baten. Inédita no Brasil, a mostra, que tem curadoria de João Kulcsár, apresenta 18 imagens em homenagem a Frida Khalo, 70 anos após sua morte. As obras foram produzidas na Cidade do México pela alemã Julia Fullerton-Baten, fotógrafa reconhecida por suas narrativas visuais de estilo cinematográfico e técnicas sofisticadas de iluminação. Para a criação dessas fotografias, Julia contou com a colaboração de modelos, de um figurinista de cinema local – empenhado em encontrar autênticos trajes artesanais de Oaxaca – e de produtores mexicanos. Esses produtores lhe forneceram acesso a locais ocultos e secretos, como uma mansão abandonada no coração da Cidade do México, uma residência privada projetada pelo arquiteto de renome internacional Luis Barragán, antigas fazendas repletas de história e a enigmática Ilha das Bonecas, em Xochimilco, famosa por seus jardins flutuantes e permeada de misticismo.

A exposição imersiva, que acontece na OCA do Ibirapuera, explora os bastidores e celebra momentos icônicos, personagens, cenários e criaturas vistos nos filmes de Harry Potter e de Animais Fantásticos.  O evento já passou por várias cidades do mundo e agora desembarca em São Paulo, com ambientes que usam o design e a tecnologia para que o público se sinta dentro do universo da saga. Entre alguns destaques da exposição estão as salas de aula de Hogwarts, na qual os visitantes poderão interagir com tarefas e jogos; uma recriação da Cabana de Hagrid e um espaço em que os visitantes poderão conhecer as casas de Hogwarts e tirar fotos com o Chapéu Seletor.

Ao evocar a intimidade e o afeto, assim como os estados de sofrimento e pertencimento, a obra audiovisual Lazarus (2023) homenageia e reimagina histórias e experiências da comunidade queer na Sala de vídeo: Kang Seung Lee.Inspirado na obra Lásaro (1993), de José Leonilson – instalação feita com duas camisas costuradas juntas, considerada o último trabalho do artista brasileiro – e no balé original Unknown Territory (1986), do coreógrafo singapurense Goh Choo San (1948-87), o vídeo apresenta um dueto de movimentos mínimos e intencionais. Ao replicar a obra de Leonilson em Sambe, tecido de cânhamo tradicionalmente usado na Coreia para mortalhas funerárias, os bailarinos interagem coreografando uma homenagem às vidas e memórias perdidas durante a epidemia do HIV/AIDS, inclusive às de ambos os artistas.

A Exposição Via Crucis, com curadoria de Jaqueline Ferreira, é uma homenagem ao artista Darcy Penteado, de 1966, com 10 quadros 81X81 (colagem), com obras das mais emblemáticas desse artista que esteve presente no Masp, Bienais nacionais e internacionais. A exposição, além de participar da programação do centenário do surrealismo na Biblioteca Mário de Andrade, também fará parte do movimento Darcy Penteado Rumo aos 100 anos, que começou em abril de 2024 e irá até 2026.Darcy decidiu experimentar a colagem talvez influenciado por Picasso e Braque quando estava no auge da carreira. Aos 40 anos, vivendo na Itália, tinha acabado de se destacar na Bienal Internacional de São Paulo e conquistado seu espaço no mundo das artes. E esse artista tão difuso decidiu “brincar” com vários materiais, como tecidos, recortes de jornal, fotografias, ampliações de imagens, grafismos, desenhos com materiais diferentes (carvão, nanquim e óleo).

Guto Lacaz: cheque mate apresenta um panorama da obra do artista construída desde os anos de 1970, entre o design em todas as suas formas, a transmutação de objetos do cotidiano, performances e a exploração do uso da tecnologia na arte. Na base de tudo, crítica social com humor, experimentação e originalidade. A mostra traz três obras inéditas: Volare, feita especialmente para a exposição, Nomes, recém-criada pelo artista, e Eletrolinhas, de 2004, nunca exposta. Multimídia, Guto Lacaz é conhecido por suas instalações e performances, além de ter uma produção variada como desenhista, ilustrador, cartunista, designer, cenógrafo, e na assinatura de projetos gráficos editoriais e logomarcas para empresas. Formou-se em arquitetura e eletrônica industrial pela USP, na década de 1970, no entanto, como o próprio diz, não deu certo e decidiu fazer “esse negócio de ser artista”. Com o tempo, ele criou o que chama de convivência lúdica com os objetos – um método de observação e concentração que desemboca em seu trabalho artístico. Deu certo. O universo do artista – hoje com 76 anos – é uma imensidão de objetos singulares, dispositivos engenhosos e incomuns, vídeos de performances inusitadas, peças com trocadilhos e jogos de palavras. Um fantástico mundo que ele construiu entre elementos visuais de objetos que transitam despercebidos pelo cotidiano de todos. Com a sua interferência, eles ganharam o circuito das artes.

Nova Ocupação do Itaú Cultural é dedicada a Naná Vasconcelos, embalada com música e seu maior parceiro, o berimbau, exposto no centro do espaço expositivo. O instrumento foi construído pelo percussionista, em 1967, com uma corda de piano afinada em Fa em substituição à tradicional. Foi o único berimbau que teve e o acompanhou até a sua morte, em 2016. Desde então, o objeto permaneceu fechado em um depósito da família, em Recife, e agora é exposto pela primeira vez.Composto por seis eixos, o percurso da exposição é guiado por nomes de álbuns do artista em uma espécie de espiral do tempo que acompanha a sua vida e obra. Um ambiente tão musical quanto o percussionista, reúne cerca de 90 peças.

Uma das principais artistas da fotografia internacional contemporânea, Catherine Opie é conhecida por seus retratos da cena queer californiana desde o final dos anos 1980, mas sua produção se estende para outros gêneros artísticos, como paisagens e cenas do cotidiano de diferentes grupos sociais e comunidades, especialmente de seu país. A mostra é a primeira individual de Opie no Brasil. Serão apresentadas cerca de 60 fotografias de muitas de suas séries mais icônicas, revelando parte significativa de mais de quatro décadas de produção. A exposição incluirá também um conjunto de cerca de 15 retratos emblemáticos da coleção do MASP – fortemente marcada pela arte figurativa, pela representação da figura humana e pelo próprio retrato – com o objetivo de acentuar os diálogos, tensões e reformulações aos quais o trabalho de Catherine Opie se propõe.

A exposição “O cinema de Billy Wilder” homenageia um dos cineastas mais célebres do século 20, diretor de clássicos como Crepúsculo dos deuses e Quanto mais quente melhor. A mostra inédita, concebida inteiramente pelo MIS, tem curadoria do diretor-geral do Museu, André Sturm.Com recriações de cenários e um panorama de seus trabalhos mais influentes, a exposição vai ocupar os três andares do Museu da Imagem e do Som de São Paulo, convidando os visitantes a mergulhar na piscina de Norma Desmond, dançar com Marilyn Monroe, tramar golpes de indenização no cinema noir, desvendar casos de tribunal concebidos por Agatha Christie, escapar do inferno número 17 e se render aos encantos de Sabrina.A exposição faz um percurso pela extensa filmografia de Billy Wilder, destacando 13 dos seus 27 longas-metragens, e conta com textos de Ana Lúcia Andrade, especialista na obra do cineasta, autora do livro “Entretenimento inteligente – o cinema de Billy Wilder”. Entre cartazes, fotografias de bastidores, stills de filmes, cenas selecionadas e editadas exclusivamente para a mostra, objetos de cena, figurinos originais usados nas gravações e depoimentos em vídeo de pessoas que conviveram com o diretor, a exposição consegue aproximar o visitante do fazer cinematográfico, ao mesmo tempo que apresenta e instiga o público sobre a trajetória profissional do homenageado.

As galerias vizinhas Galatea e Luísa Strina apresentam simultaneamente exposições do celebrado artista brasileiro Cildo Meireles.A Galatea traz uma seleção de desenhos produzidos desde 1964, quando o artista tinha apenas 17 anos, até 1977. A mostra coloca em destaque o Meireles desenhista, faceta menos explorada em comparação a outras vertentes do seu trabalho. Por outro lado, é essa a sua prática mais constantee longeva. Em entrevista ao curador Hans Ulrich Obrist no número que lhe é inteiramente dedicado da revista francesa Cahiers d’Art, o artista afirma: “Parei de desenhar por cinco anos, de julho de 1968 a junho de 1973. Quando voltei me senti um idiota por ter parado, porque os desenhos sãocomo pontes entre o pensamento e o papel.”A seleção realizada pela galeria reúne obras tanto dotadas de aspectos figurativos quanto de experimentações abstratas com campos de cor, formas orgânicas, rabiscos e círculos criados a partir das digitais do próprio artista. No âmbito da figuração, as cenas de interiores domésticos esuas linhas, seus mobiliários e personagens evocam temas recorrentes na produção de Meireles, como o espaço, a escala e o objeto; o projeto e a arquitetura; e a crítica à ditadura militar. O diálogo com importantes obras tridimensionais, como as da série Cantos (1967-1968/2008), também é evidente em vários desses desenhos.

A mostra é a primeira exposição individual da artista paulistana.Formada em design, Jessica Costa traz sua experiência no tufting e arte têxtil, para o campo das artes visuais. Em "Na Altura dos Olhos", a artista revisita a tapeçaria, uma prática situada entre arte, moda e o têxtil, transformando-a em elementos arquitetônicos e escultóricos. Entre as obras expostas, a série "Sobejos" se destaca por questionar o conceito convencional de moldura, estendendo-se pelo chão da galeria em forma de "soft sculptures". A artista utiliza elementos como lã e bordado, reimaginando a tapeçaria em contextos artísticos. Com referências à tapeçaria medieval e ao movimento Arts & Crafts, emprega a técnica da tufagem para "pintar" e "esculpir" suas criações, resultando em peças densas, escultóricas, mas ao mesmo tempo suaves e acolhedoras.

Com uma trajetória que soma quase duas décadas, o artista apresenta telas povoadas por seres fantasiosos elaborados em densas composições, cores e grafismos. Entre as obras expostas está a maior pintura que Novelli já produziu: Jardim dos daimons (2024), com 2,70 metros de altura por 4 metros de largura.Fortemente inspirado pela exuberância do mundo amazônico e em diálogo de longa data com os artistas indígenas Huni Kuin, do coletivo MAKHU, Novelli traz em suas pinturas composições ricas em cor e complexas padronagens, nas quais figuram animais fantásticos e visões oníricas da natureza. Ele também explora a tensão entre o olhar europeu sobre a paisagem tropical e o embate entre a natureza e sua dominação pelo homem. Outra importante influência para Novelli é o pintor de ascendência indígena Chico da Silva (Alto Tejo, 1910 - 1985, Fortaleza), de quem absorveu o imaginário fantástico durante sua primeira infância em Fortaleza, onde o legado do artista é significativo.

A Casa Triângulo apresenta a individual de Vânia Mignone, com texto crítico de Lilia Schwarcz. Lilia Moritz Schwarcz intitulou a nova exposição de Vânia Mignone de “A esperança equilibrista”. Interpretada por Elis Regina, a canção "O bêbado e a equilibrista" tornou-se um hino de resistência durante a Ditadura Militar no Brasil. A exposição busca resgatar o espírito de uma época marcada por desafios e sonhos de democratização. A obra de Mignone, conhecida por seu traço fino e consistente, sua representação ambígua e sua linguagem visual evocativa, continua a explorar narrativas abertas e incompletas, convidando o público a participar ativamente da construção do significado.“A Esperança Equilibrista” não é apenas um título simbólico, mas uma reflexão sobre a própria natureza da obra de Mignone. A artista não nomeia suas exposições, mas Schwarcz resolveu batizá-la com base na sua percepção das obras apresentadas. As obras na exposição incluem figuras enigmáticas, palavras soltas e cenas que desafiam a compreensão direta, incentivando uma experiência de contemplação mais profunda.Entre os destaques estão sequências que remetem ao universo do circo e ao teatro, com elementos que evocam tanto o espetáculo quanto a introspecção. Palavras como “Urso”, “Leão” e “Tigre” aparecem em contextos que questionam a dominação e a liberdade, enquanto outras obras apresentam cenários internos misteriosos, repletos de símbolos e perguntas sem respostas definitivas.

A Gomide&Co apresenta a primeira individual de Megumi Yuasa (São Paulo, 1938) na galeria. A exposição tem projeto concebido pela parceria entre o artista Alexandre da Cunha, a arquiteta Jaqueline Lessa (entre terras) e a pesquisadora Rachel Hoshino, que também assina o texto crítico. Sem expor individualmente desde 1998, o artista realiza na Gomide&Co uma mostra que combina obras realizadas desde o fim da década de 1970 até algumas inéditas realizadas em 2024.Megumi constrói ao longo de sua produção artística uma linguagem própria, dando forma a esculturas que combinam elementos variados, como argila, metais, limalhas e óxidos. Megumi Yuasa inicia-se nas artes plásticas em 1964, quando passa a realizar suas primeiras cerâmicas. Viaja em seguida junto a sua companheira Naoko Yuasa ao interior do estado de Goiás, pesquisando técnicas e materiais. Em 1968, realiza em Goiânia sua primeira exposição, e no ano seguinte retorna para São Paulo.Das exposições que participou, cabe destacar as suas participações nas 13ª e 14ª edições da Bienal de São Paulo (1975 e 1977, respectivamente); Laços do Olhar (2008), coletiva no Instituto Tomie Ohtake (São Paulo); e O Curso do Sol (2023), coletiva com curadoria de Yudi Rafael, na Gomide&Co. Em 2024, sua obra integrou a coletiva Tocar a Terra, curadoria de Rachel Hoshino como parte do programa Diásporas Asiáticas, no Instituto Tomie Ohtake.A exposição de Megumi Yuasa ocorre no contexto de um programa da Gomide&Co que dedica especial atenção ao território da cerâmica, tendo como bússola a superação das distinções estabelecidas entre a técnica e outras linguagens artísticas com vias à afirmação dessa produção no campo da arte contemporânea.

O NALATA Festival internacional de arte realizadoanualmente em São Paulo, celebra sua quinta edição anunciando uma parceria inédita com o STRAAT, museu de arte de rua e grafite de Amsterdã. Este ano, será apresentado uma versão pop up do museu holandês em São Paulo, com obras gigantes de artistas nacionais e internacionais.No festival, quarenta artistas terão suas obras expostas no espaço localizado no entorno do Largo da Batata, e quatro assinando empenas e murais na região de Pinheiros. A programação também incluirá exibições de video mapping.A Casa NALATAxSTRAAT será o epicentro do festival, com exposições de artistas brasileiros, potencializando expressões da cultura urbana, e promovendo o encontro entre o grafite e o vídeo mapping.

O Instituto Artium apresenta Matéria Prima, exposição composta por esculturas da artista porto-riquenha-americana Gisela Colón, cujas obras eco feministas abordam questões ecológicas, cósmicas e universais.As esculturas orgânicas de estrutura totêmica e ativadas pela luz de Gisela Colón, junto a suas monumentais instalações de arte ambiental, exploram a percepção humana e desafiam os espectadores a vivenciarem transformações no espaço em tempo real. Colón tem um processo artístico que utiliza materiais de alta tecnologia, como acrílicos ópticos e fibra de carbono, bem como material coletado em locais importantes na trajetória de vida da artista. Além disso, Colón é conhecida por ser a pioneira do “minimalismo orgânico”, um estilo que evoca a energia da terra, memórias biológicas ancestrais e conceitos de tempo, gravidade e forças universais da natureza.Organizada pelo curador independente Simon Watson, a exposição busca provocar um diálogo entre as esculturas orgânicas luminescentes de Colón e a arquitetura histórica neoclássica do Palacete Stahl, sede do Instituto Artium.

A exposição Iuri Sarmento – Suíte Barroca apresenta ao público a obra de um artista contemporâneo, que vive e trabalha em São Paulo. Nascido em Minas Gerais e tendo residido por longo tempo na Bahia, Iuri Sarmento resgata a herança barroca brasileira através de um olhar dinâmico e atual. Seus trabalhos, realizados com impressionante riqueza de detalhes, combinam elementos como volutas, transparências, dourados, rendas, porcelanas e azulejos, transportando o visitante para um mundo mágico, pleno de memórias afetivas.

A exposição apresenta a obra de Hermeto Pascoal além do âmbito musical, considerando-a como um acervo interdisciplinar e plural, em diálogo com os campos das artes visuais e da performance.Compositor, arranjador e multi-instrumentista, Hermeto Pascoal nasceu em 1936, em Arapiraca, Alagoas. Destaca-se pela singularidade de sua obra, decorrente da experimentação constante, o que se manifesta na dificuldade de enquadrá-la em qualquer tipologia ou classificação do gênero musical. Em seu repertório, as fronteiras entre a música regional, a nacional e a internacional, a popular e a erudita dialogam com intensidade.Com curadoria de Adolfo Montejo Navas, a proposta destaca duas ideias fundamentais que definem a poética de Hermeto: o som como a fonte primordial para alcançar a totalidade e uma cosmovisão dinâmica, e o desenho-caligrafia-escritura como uma segunda matriz cartográfica para reinterpretar o mundo. A exposição, composta principalmente por produção das últimas duas décadas do artista, é organizada em núcleos que estabelecem conexões entre objetos-instrumentos e objetos-partituras, pinturas-partituras e desenhos, música e visualidade, obras-arquivo e experiências sonoras como novos mapas artísticos.

Do alto do Jatobá até as suas raízes, quantas histórias passarão por debaixo desta sombra? A exposição é um convite para repensar conceitos de terra, território e liberdade, um espaço de convergência e aprendizado.Inspirada na colaboração entre o grupo palestino Campus in Camps e a Rede Mocambos, uma rede nacional de quilombos, a Árvore-Escola nasceu em 2014 no contexto da 31ª Bienal de São Paulo, idealizada pelo grupo Contrafilé. Agora, em uma nova edição, essa obra ganha novas camadas de significado, enriquecida pela presença de pessoas engajadas em diversas lutas sociais que ecoam pelos territórios da Zona Norte.

A artista Rafa Bqueer inaugura Monstração, sua segunda individual no Projeto Vênus. A exposição é acompanhada de texto crítico assinado por Renato Menezes, curador da Pinacoteca de São Paulo.Os trabalhos de Monstração podem ser divididos em três grupos: primeiro, o que Menezes chama de obras residuais —dentes, garras, retalhos e resquícios carnavalescos. "Essas obras residuais não deixam de ser, em igual medida, mecanismos de criação de memória das práticas de sociabilidade das Themônias, coletivo paraense surgido em 2014, propondo uma abordagem suja, impura e transumana da cultura paraense", escreve. O segundo conjunto, por sua vez, apresenta registros fotográficos de performances de Uhura Bqueer, alter ego da artista, nos quais a figura themonia deglute referências como a cestaria tradicional paraense e os célebres Azuleijões de Adriana Varejão até ganhar a forma monstruosa com suas garras de caranguejo.Por fim, Bqueer traz experimentações têxteis inéditas, resultado de suas pesquisas sobre cenografias de ballrooms, de figurinos e de estandartes com sobreposições que revisitam Leda Catunda e suas pinturas moles.

Michael Dean apresenta They Early Doors, uma exposição individual em São Paulo, que acontece entre a Mendes Wood DM e a Casa Iramaia. Seria possível descrever as relações existentes em uma experiência através da sintaxe? Para o artista Michael Dean, as perspectivas dessa pergunta impulsionam sua investigação contínua sobre a transmutação da linguagem, uma tarefa que ele realiza por meio de práticas sobrepostas de escultura, escrita e tipografia. Empregando, com frequência, estruturas tridimensionais para publicar suas ideias, Dean exerce a necessidade de alocar palavras a símbolos, ativando cada espaço para criar experiências. Em de They Early Doors, o artista retoma suas reflexões sobre a natureza e a condição pós-humana, apresentando um novo corpo de trabalho na forma de esculturas de concreto moldadas à mão e manipuladas com fogo.

A galeria apresenta uma exposição individual do artista Fernando Marques Penteado. Retomando a imagem de um lar, Marques Penteado explora uma ampla gama de símbolos que foram mantidos e valorizados em ambientes domésticos para proteger seus habitantes. Abrangendo diferentes geografias e tradições, desde figuras devocionais peruanas até deuses afro-brasileiros, ARDOR E IRA traça uma análise poética da busca duradoura da humanidade por objetos evocativos e protetores. Combinando instalações, trabalhos esculturais, desenhos e storyboards, Marques Penteado borda as histórias não contadas incrustadas nessas representações.

Em Sefirot, a artista Mimi Lauter, de Los Angeles, conhecida por seu trabalho com tinta a óleo e pastel seco, desenvolve uma obra profundamente sintonizada com os conceitos da Árvore da Vida do misticismo cabalístico. Os cabalistas acreditam que dez forças criativas conectam o infinito e o incognoscível ao nosso mundo presente. Dez faces de Deus voltadas para a nossa realidade material. Dez aspectos da onipresença divina que se cruzam com nosso cotidiano. Dez emanações que derramam a luz inefável do divino – as imagens destacam formas de iluminação, luminosidade, brilho e luz. Cada uma das dez sefirot, ou emanações, representa um conjunto de conceitos abstratos, com imagens e noções associadas. Os cabalistas organizaram essas dez sefirot em um diagrama de relações chamado Árvore da Vida, sendo que cada força é representada por uma esfera, um nó ou ponto. Diferentes canais conectam as sefirot adjacentes, de modo que posicionam aspectos da manifestação divina em várias relações. É uma árvore que estrutura a forma como o divino se apresenta para nós ou como o entendemos

A exposição “60 anos da Moda Brasileira” propõe trazer uma mostra abrangente que destaque e celebre a evolução da moda brasileira nos últimos 60 anos.A iniciativa apresenta a diversidade e a riqueza criativa presente no cenário da moda nacional, através da seleção criteriosa de vestuários confeccionados por artesãos convidados. Os 29 artistas foram escolhidos com base em suas trajetórias profissionais e pessoais, o que garante personalidade através de abordagens inclusivas e representativas para cada peça exposta. A cuidadosa curadoria realizada pelas estilistas e professoras Walquiria Caversan e Nina Florsz teve um papel fundamental na seleção dos artesãos e na organização da exposição. A exposição também serve como um espaço para a experimentação e a inovação, permitindo que os participantes explorem novas criações baseadas em modelos originais ou que apresentem novas interpretações e abordagens no Brasil. Isso contribui para o fortalecimento da moda como expressão artística e para o enriquecimento do cenário criativo brasileiro. Artistas como Ronaldo Fraga, Zuzu Angel, Walério Araújo e Denner Pamplona de Abreu são revisitados sob a ótica dos 29 artistas e trazendo aspectos de suas próprias vidas e meios onde estão inseridos.

A Caixa Cultural recebe a exposição itinerante World Press Photo, reunindo 129 fotografias vencedoras do 67º concurso anual. A mostra apresenta uma seleção do melhor do fotojornalismo e fotografia documental do mundo. Quatro fotógrafos brasileiros estão entre os expositores premiados.As obras são um convite para que o visitante saia do ciclo de notícias e aprofunde o seu olhar para histórias proeminentes e negligenciadas. A mostra oferece a oportunidade de dar um passeio pelo mundo inteiro por meio das fotos premiadas, que representam uma pluralidade de perspectivas e vozes globais. Guerras, migração, família, demência e meio ambiente estão entre os temas destacados na edição do prêmio deste ano.Ao todo, a exposição será exibida em mais de 60 cidades em todo o mundo.

Celebrando a intersecção vibrante entre arte, luz e cor, destacando como estes elementos são fundamentais para a vida, a artista britânica Liz West explora como as cores e suas tonalidades podem transformar espaços e provocar percepções. As cores têm o poder de despertar memórias e influenciar o humor, conectando experiências passadas e moldando reações no presente.

O artista visual Gui Marcondes apresenta a mostra “Eu sei que existo porque você me imagina”. O texto curatorial é do fotógrafo e professor Marcelo Greco e o evento faz parte do programa Nova Fotografia 2024. A exposição - que é reinterpretação de algumas imagens do livro “I know I exist because you imagine me”, lançado em 2023, em Berlim, conta com 16 fotografias p & b em grande formato, que foca nas “entidades” que habitam o livro. Além disso, será exibido um vídeo, que expande a narrativa das fotos.

Leonilson é um artista central da arte contemporânea brasileira. Embora seja identificado com a chamada Geração 80 no Brasil, seus trabalhos mais icônicos foram produzidos no final da década e nos primeiros anos de 1990. Muitas de suas obras são reflexões poéticas e pessoais sobre sua vida e o mundo, apresentando aspectos autobiográficos. A mostra reunirá cerca de 150 trabalhos, entre eles desenhos, esculturas, bordados e objetos, bem como documentos e cadernos do artista.

Por meio de pinturas, gravuras, objetos, fotografias e desenhos, D Castro aborda as maneiras como o afeto e o cuidado podem ser importantes ferramentas de transformação social. A artista se utiliza do trabalho sexual para investigar como as relações de raça, classe e gênero se dão em situações de vulnerabilidade e intimidade.

Curada por Sônia Salzstein e Claudinei Roberto da Silva, a mostra reúne as obras de Adriele Oliveira, Danilo Juliano, Deusvaldo Pereira, Difavela, Luiz Lira e Ramon Santos, artistas que resgatam as memórias do território que habitam, a partir de uma pesquisa no acervo do Instituto de Estudos Brasileiros - IEB-USP.

Natural de Goioerê, no Paraná, e com 26 anos, o artista visual Gustavo Magalhães vem se dedicando à pintura desde 2013. Suas obras estabelecem um diálogo com a historiografia da arte e abordam temas como raça, identidade, materialidade e violência.Com curadoria de Ayala Prazeres, a mostra reúne obras produzidas desde 2018, utilizando materiais descartados, como madeiras, papeis e tecidos recolhidos pelo artista nas ruas ou doados por colegas. Os trabalhos destacam diferentes texturas e estruturas, explorando a função do suporte na pintura e a relação entre materialidade e criação artística. Algumas obras são expostas de forma suspensa na galeria.

A exposição Lélia em nós: festas populares e amefricanidade se estrutura a partir do livro Festas populares no Brasil, da pensadora, antropóloga e liderança do movimento negro brasileiro, Lélia Gonzalez. Com realização do Sesc São Paulo, o projeto expositivo se insere no contexto de lançamento da obra de Lélia Gonzalez, pela editora Boitempo.Para a curadoria, foram convidadas Glaucea Britto e Raquel Barreto que, por meio de um recorte que traz destaque para as festas afro-brasileiras, selecionaram artistas e obras históricas e contemporâneas, em diferentes suportes como fotografia, pintura, performance, instalação, vídeo, entre outras. A exposição foi organizada tendo o pensamento de Lélia Gonzalez sobre festas e tradições como dispositivos para discussões e reflexões de aspectos fundantes da cultura brasileira.

De entidade divina ao papel crucial para a vida na Terra, a jornada da estrela mais próxima de nosso planeta é o fio condutor da exposição LUZ ÆTERNA - Ensaio Sobre o Sol. Cinco obras imersivas evocam a poética do Sol por meio de projeções digitais, instalações interativas e contemplativas que permitem aos visitantes conferirem a evolução e o poder deste corpo celeste tão presente em nossas vidas e a 149 milhões de quilômetros da Terra.Além de enaltecer o Sol, a exposição provoca reflexões sobre o seu impacto na natureza, na sociedade e na sustentabilidade. Propõe, por exemplo, uma mensagem reflexiva sobre o meio ambiente, de uma forma lúdica e poética.

A mostra convida o público para conhecer de perto a história e cultura das antigas civilizações andinas. São mais de 162 peças datadas entre 900 a.C e 1600 d.C, a grande maioria em cerâmica, cobre, ouro, prata, além de têxteis.Divida por cinco blocos temáticos – Linha do Tempo, Mineração, Divindades e Rituais, Cerâmica e Têxteis e Colonização –, a mostra reúne um conjunto raro de objetos, descobertos em diversas expedições arqueológicas, que é reconhecido como patrimônio pelo Ministério da Cultura do Peru, pertence à Fundação Mujica Gallo, e faz parte do catálogo do Museo Oro del Perú y Armas del Mundo.

As galerias vizinhas Galatea e Luísa Strina apresentam simultaneamente exposições do celebrado artista brasileiro Cildo Meireles. Celebrando seus 50 anos de atividade, a Galeria Luísa Strina realiza uma mostra de trabalhos originalmente idealizados na década de 80, quando Cildo iniciou sua trajetória de exposições na galeria. Exibida pela primeira vez na Galeria Lelong, em Nova York, em 2023-4, a instalação Uma e Sete Cadeiras (1997-2023) faz referência à obra One and Three Chairs (1965), do artista Joseph Kosuth, considerada uma das obras seminais da arte conceitual. A instalação começa com a estrutura deuma cadeira simples de madeira; esse objeto é replicado e modificado em outras seis variações de uma cadeira construídas com materiais diversos: vidro, serragem, cinza, entre outros. Uma sétima variação, posicionada ao lado do conjunto central, consiste de uma torre de lâminas de acrílico em cujo interior distinguimos a forma imaterial de uma cadeira, destacando a ideia de vazio.Na sala 2 da galeria, o grupo de obras apresentadas em Camuflagem também lida com questões relativas ao objeto e à representação. Nesses trabalhos, a pintura é feita diretamente sobre objetos como guardassois, cadeiras de praia e tendas. Algumas dessas pinturas-objeto são dedicadas a importantes artistas da história: uma cadeira de praia listrada homenageia Jasper Johns; o guarda-chuva monocromático negro, Malevich; e o banquinho de pescador, Volpi.

Primeira exposição no Brasil de Renée Green (Cleveland,EUA, 1959). A mostra apresenta a práticainternacional de Green, que abrange quatro décadas de trabalho e emprega uma gama de suportes —pintura, esculturas, instalações, filme, vídeo, obras sonoras, Space Poems, arranjosarquitetônicos, entre outros— refletindo os efeitos de uma esfera transcultural em transformação e o que agora pode ser feito e pensado.Após uma estadia no auroras no início de 2024, Green selecionou cuidadosamente para esta exposição três conjuntos de obras de diferentes décadas que ressoam com a arquitetura modernista do local, bem como a relação poética, histórica e pessoal contínua da artista com o Brasil.Sua obra envolve investigações sobre circuitos de relação e troca ao longo do tempo, as lacunas e mudanças doque sobrevive nas memórias públicas e privadas como bem como o que foi imaginado e inventado.

A exposição toma o espaço expositivo do segundo andar do Sesc Pinheiros com desdobramentos que recepcionam visitantes desde o muro da entrada como uma mostra de arte que parte do romance histórico homônimo de Ana Maria Gonçalves. Em seu livro, a autora reconta a saga de Kehinde, africana escravizada confrontada com a necessidade de reconstrução em terras brasileiras e a incessante luta por liberdade fazendo uso da comida, da arte, do afeto, da busca pela família, acolhimento e de sua fé nos encantados.

A mostra retoma a obra e a trajetória de Pedro Escosteguy, nome de grande relevância para a arte de vanguarda e para a descentralização dos meios de arte tradicionais. A exposição retrospectiva do artista reitera o compromisso da Superfície no resgate e consolidação de nomes importantes da  arte de vanguarda no Brasil, e será acompanhada por um livro panorâmico do artista editado pela Superfície Publicações, com lançamento previsto para o término da exposição.Pedro Escosteguy foi uma figura central no debate da arte política no país, destacando-se pela participação e organização de diversos eventos que se tornaram célebres para a história da arte, como Opinião 65, Proposta 65, Opinião 66, Pare (1966), Nova Objetividade Brasileira (1967). O artista também esteve presente na 8ª e 9ª Bienal de São Paulo, em 1965 e 1967 respectivamente. No mesmo período, ele desenvolve o filme Arte Pública (1967), do qual criou texto e roteiro, documentando a Bienal de 1967, os ateliês de diversos artistas e performances de Lygia Clark, Lygia Pape e Hélio Oiticica. A década de 1960 marcou um período fundamental para a arte no Brasil: frente às crises políticas e socioculturais, iniciou-se uma ruptura com os suportes tradicionais, apontando para uma arte mais participativa que busca a superação de seus princípios formais, alargando as possibilidades técnicas e incorporando novos procedimentos. É nesse contexto que o poeta  Pedro Geraldo Escosteguy se estabelece no Rio de Janeiro, tornando-se próximo de nomes  como Roberto Magalhães, Carlos Vergara, Rubens Gerchman e Antonio Dias.

O Instituto de Arte Contemporânea-IAC apresenta a exposição "RASCUNHOS - Arnaldo Antunes". A mostra faz parte do projeto Diálogos Contemporâneos - Acervo IAC, que tem como proposta o encontro de processos artísticos que desafiam a percepção espaço-temporal. A curadoria do evento fica por conta de Daniel Rangel - que reúne cerca de 500 itens, entre as obras de Arnaldo Antunes e do acervo.Os escritos originais de Antunes se tornam o ponto de partida para diálogos visuais, processuais, materiais e temáticos com o acervo documental do IAC. Um conjunto composto por cadernos, anotações, desenhos, colagens, esboços e maquetes de Antonio Dias, Hermelindo Fiaminghi, Iole de Freitas, Luiz Sacilotto, Regina Silveira, Sérgio Camargo e Willys de Castro. A seleção cruzou nomes das artes visuais, da poesia e do design refletindo parte da riqueza do acervo do IAC e ainda a capilaridade da produção de Arnaldo.

A mostra Ofício: Barro: Gabriella Marinho – Argila-Griô reúne 25 trabalhos, cerca de metade deles inéditos, criados a partir de 2017 pela artista visual, educadora e pesquisadora que, em suas esculturas e instalações, reflete sobre corporeidade e subjetividade, explorando tanto as relações entre as peças e o espaço, quanto a plasticidade pictórica que a pintura oferece sobre esse material.Desde sua criação em 2019, o projeto Ofício, desenvolvido no Galpão das Oficinas de Criatividade do Sesc Pompeia, tem se destacado como um espaço inovador para a exploração e valorização de diversas formas de expressão artística. A edição de 2024, intitulada Ofício: Barro, celebra a argila como um material fundamental na criação de utensílios e obras de arte que moldaram culturas milenares, desde a Mesopotâmia até o Egito Antigo. A modelagem do barro não só preserva tradições ancestrais, mas também se revela uma poderosa ferramenta para expressar reflexões e sensibilidades contemporâneas.Gabriella Marinho, com sua participação no projeto Ofício, destaca a importância da arte em argila não apenas como forma de expressão, mas também como meio educativo e transformador

A exposição estabelece um diálogo sensível entre temas contemporâneos – tais como a valorização da diversidade, direitos humanos, questões indígenas, de gênero e raciais – apresentados por meio de obras de relevantes artistas nacionais e internacionais, e a celebração da vida de Anne Frank, contextualização histórica e imersão no Anexo Secreto, através de materiais fornecidos pela Anne Frank House Amsterdã.Em um percurso expositivo imersivo, a mostra utiliza O Diário de Anne Frank como obra fundamental, que revisitado no presente torna-se objeto de memória, um potencial manifesto humanista e poderosa declaração ética. A reprodução fiel do Anexo Secreto é uma iniciativa inédita no Brasil, um convite à imersão num espaço de memória reconstituído, com objetos e marcas pessoais mencionadas em passagens do Diário. De relato pessoal, tornou-se uma obra fundamental na trajetória da luta pelos direitos humanos, no combate ao antissemitismo e todas as formas de intolerância, e na construção da ideia de humanidade. Nessa missão, felizmente, Anne não está sozinha. Muitas vozes uniram-se a ela.A exposição propõe um diálogo com o momento atual por meio de um espaço que abriga um conjunto de obras de arte originais de grandes nomes do cenário cultural nacional, como Claudia Andujar, Leonilson, Flávio Cerqueira, Nino Cais, Eustáquio Neves, Anna Bella Geiger, Gê Viana, Erich Brill, entre outros — em empréstimos do MAM (Museu de Arte Moderna), Pinacoteca de São Paulo e galerias de arte.

A exposição tem a proposta de apresentar de maneira acessível as obras do artista Rubem Valentim, a partir de uma experiência que inclui fotografias, serigrafias e esculturas adaptadas para pessoas com deficiência. A mostra, baseada em obras do acervo do Museu, abrange elementos com recursos acessíveis instalados no subsolo e obras originais localizadas no primeiro nível do espaço. Os elementos com recursos acessíveis incluem duas reproduções táteis tridimensionais e três reproduções bidimensionais das obras originais que serão apresentadas na exposição instalada no primeiro nível. Além disso, a mostra conta com jogos interativos, um mapa tátil e um retrato tátil do artista homenageado.

O dia a dia do povo brasileiro é atravessado pelas presenças africanas na forma como nos expressamos – seja na entonação, no vocabulário, na pronúncia ou na forma de construir o pensamento.

O dia a dia do povo brasileiro é atravessado pelas presenças africanas na forma como nos expressamos – seja na entonação, no vocabulário, na pronúncia ou na forma de construir o pensamento. É sobre essas presenças que trata a exposição com curadoria do músico e filósofo Tiganá Santana. Línguas dos habitantes de terras da África Subsaariana, como o iorubá, eve-fom e as do grupo bantu, têm participação decisiva na configuração do português falado no Brasil, seja em seu vocabulário ou na maneira de pronunciar as palavras e de entoar as frases, mesmo que esta estruturação não seja do conhecimento dos falantes. Trata-se de uma história e de uma realidade legadas por cerca de 4,8 milhões de pessoas africanas trazidas de forma violenta ao país entre os séculos 16 e 19, durante o período do regime escravocrata. Além da língua, essa presença pode ser sentida em outras manifestações culturais, como a música, a arquitetura, as festas populares e rituais religiosos.

O circuito expositivo apresenta uma instalação cênica, que evoca o mito de Narciso, paradigma da cultura ocidental relativo ao cultivo da própria imagem, ao olhar do artista para si mesmo. O espelho d’água e a flor amarela em que Narciso se metamorfoseou apresentam a versão mais difundida da fábula. Mais do que uma leitura de fundo psicanalítico, o mito de Narciso é tomado como matéria alegórica referida à questão da autorrepresentação artística e do fenômeno contemporâneo da selfie.A exposição oferece ao visitante conhecer através de uma linha do tempo, a transição dos autorretratos fotográficos analógicos para as selfies digitais e experimentar sensorialmente variações de sua autoimagem refletida em instalações compostas por espelhos multicoloridos.

A mostra é uma homenagem à rica tradição do samba paulistano. A partir do olhar sensível do fotógrafo Wagner Celestino, a exposição retrata figuras lendárias do samba, como Seu Nenê da Vila Matilde, Xangô da Vila Maria e Carlão do Peruche. Instalado sob a marquise do museu, na área externa, o acervo apresentará as fotografias acompanhadas de biografias dos homenageados.

Novo centro cultural na cidade, a Casa Bradesco inaugura com uma mostra do artista britânico Anish Kapoor. A exposição apresenta 18 esculturas de diferentes momentos da carreira do artista e uma nova obra, criada especialmente para a exposição, com o título de “Blinded by Eyes, Butchered by Birth”. A instalação é um inflável de grandes proporções que tensiona o edifício por todos os seus cantos. Concebidaespecialmente para a mostra no Brasil, a obra evoca uma relação com a inflamação concentrada em um gigantesco órgão, que pulsa e domina o espaço. A condição que carregaé a fragilidade essencial da existência: o que mantém a obra viva é uma pulsação constante, ela é viva e dominante.

Exposição individual da artista Geórgia Kyriakakis. Com texto crítico de Paula Borghi, a mostra traz obras que suscitam reflexões sobre a cultura, a história e a herança social do processo colonizador na América Latina.Inspirada pela canção "Sangue Latino", composta em 1973 por Paulinho Mendonça e João Ricardo, e eternizada pela banda Secos e Molhados, a artista propõe uma visão ampliada da América Latina, que ultrapassa conceitos geográficos e contrapõe a influência cultural norte-americana.Composta por esculturas, desenhos, instalações e ações colaborativas, a exposição ocupa todo o espaço da galeria. No piso térreo estão duas séries de desenhos inspirados na história da cidade de Chuquicamata, no Chile, abandonada devido à poluição do ar e à contaminação causada pela exploração de cobre na região. Na parede principal, a artista apresenta VEIAS ABERTAS, uma extensa faixa de tecidos vermelhos de diferentes formatos e texturas, cobrindo toda a metade inferior da parede. São quase 20 metros de tecidos sobrepostos, dispostos de modo a representar a divisão geográfica entre norte e sul. Esses tecidos trazem recortes de trechos da música Sangue Latino: “minha vida, meus mortos, meus caminhos tortos, meu sangue latino, minha’alma cativa”. Ainda no térreo, outra frase da mesma canção inspira a criação das três esculturas chamadas LANÇA AO ESPAÇO, compostas por 15 lanças de madeira torneada, pontiagudas e encaixadas umas nas outras. No andar superior, estão expostas ações colaborativas propostas por Kyriakakis em parceria com as artistas Carla Chaim, Aline Langendonck, Isis Gasparini e Vânia Medeiros, desenvolvidas para envolver a participação da equipe da galeria. Exceto Vânia Medeiros, todas as demais artistas, e também a curadora Paula Borghi, foram alunas de Kyriakakis no curso de Artes Visuais da Faap. O projeto surgiu do desejo da artista de unir sua atuação como artista e professora em uma mesma iniciativa.

O Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo, uma das instituições mais importantes na formação técnico-profissional do Brasil, celebra 150 anos com a exposição que revela um olhar detalhado sobre a contribuição do Liceu na construção do patrimônio arquitetônico e artístico da capital paulista, pelas fotografias de Leonardo Finotti e Nelson Kon.A exposição, com curadoria de Gustavo Curcio e Fernanda Carvalho, apresenta a grandiosidade e as minúcias de edifícios icônicos de São Paulo, erguidos graças ao trabalho da instituição ao longo de 15 décadas de existência. Monumentos como a Pinacoteca do Estado, o Theatro Municipal e a Catedral da Sé estão entre os destaques, oferecendo ao público uma visão inédita de espaços que muitas vezes passam despercebidos pelo observador.

O Museu de Arte Moderna realiza a 38a edição do tradicional Panorama da Arte Brasileira, dedicado a apresentar a pluralidade da arte contemporânea no país. Em razão de reformas na marquise do Parque do Ibirapuera, a exposição ocorre desta vez na sede do MAC-USP, localizado em frente ao parque. Com curadoria de Germano Dushá e Thiago de Paula Souza, e curadoria-adjunta de Ariana Nuala, esta edição apresentará obras de 34 artistas, de 16 estados brasileiros. O título da exposição parte de uma expressão coloquial que pode assumir múltiplos significados a depender do contexto, mas que invariavelmente funciona como índice de elevada intensidade. Em texto de apresentação sobre o projeto, a curadoria conta que “a mostra orienta-se pelo interesse por formulações ligadas à experimentação, ao risco intenso, às situações radicais, às condições extremas marcadas pelo calor — metafísico, metafórico e climático —, e aos estados — da alma e da matéria — que nos põem diante da transmutação como destino inevitável e imediato”.

A exposição "Extasia", de Flávia Junqueira, proporciona aos visitantes uma experiência mágica e nostálgica a partir da proposta instalativa, em que a artista constrói um espaço teatral e onírico com esculturas, vídeo e fotografias que exploram o universo da fantasia e dos afetos lúdicos da infância, convidando o espectador a sonhar novos mundos.O ambiente onírico da exposição-instalação é composto por elementos do meio infantil como balões coloridos e cavalinhos de carrossel, contrapostas à experiência de estranhamento criada pelos cavalinhos girando de ponta cabeça. Sensações ambíguas como medo e desejo compõe a teatralidade da proposta, um limiar entre fantasia e realidade.

Nascida na Polônia em 1922, em uma família judaica, Stefania emigrou para o Brasil em 1950. Em São Paulo, em 1970, consolidou-se inicialmente como fotógrafa e, a partir dos anos 1980, como crítica e curadora. Em suas imagens, captou especialmente cenas cotidianas, pessoas comuns e momentos de encontro e irreverência, em perspectivas que propõem sutis deslocamentos na forma de olhar para as metrópoles e seus habitantes. Foi a primeira pessoa a assinar como crítica de fotografia na imprensa brasileira, escrevendo por mais de uma década no jornal O Estado de S. Paulo e na revista Iris Foto. Em suas colunas, analisou boa parte da produção fotográfica brasileira e internacional apresentada em São Paulo nos anos 1980. A exposição foca especialmente na produção fotográfica da artista, menos conhecida do que sua atuação crítica. São exibidas cerca de 160 fotografias, grande parte em preto e branco, tiradas sobretudo na década de 1970, ampliadas digitalmente a partir dos negativos. As imagens, muitas delas inéditas, abrangem duas grandes temáticas presentes na obra de Stefania: as cidades, vistas a partir de uma perspectiva crítica à modernidade, e as pessoas que as habitam – crianças, idosos, trabalhadores. A seleção traz ainda dois núcleos com vídeos e documentos que mostram seu trabalho enquanto crítica, curadora e articuladora do campo fotográfico. A seleção tem curadoria de Ileana Pradilla Ceron e Miguel Del Castillo, com assistência de Pamela de Oliveira. No dia da abertura (27/8), às 19h, os curadores participam de uma conversa sobre a mostra com a jornalista Cremilda Medina e as fotógrafas Maureen Bisilliat e Nair Benedicto.

A exposição apresenta ao público uma compreensão geral sobre o vínculo entre a mudança global do clima e a mobilidade humana, evidenciando as diferentes maneiras pelas quais a ciência, os agentes sociais (associações, ONGs e OIs) e as artes lidam com fenômenos tão complexos.

A Pinacoteca apresenta uma exposição de arte têxtil desenvolvida em colaboração com a Maison Gacha, sediada em Paris, França, e com a Fondation Jean-Félicien Gacha, sediada em Bangoulap, Cameroun. Dividida em sete núcleos, a mostra apresenta 129 peças têxteis que buscam estimular novas percepções sobre a África no público brasileiro, a partir de um olhar múltiplo e diverso para um continente povoado de saberes, tradições e contribuições artísticas.Com curadoria de Renato Menezes e do curador convidado Danilo Lovisi, a exposição nasce a partir de uma pesquisa sobre tecnologias têxteis ancestrais e transmissão de saberes tradicionais de África. Os curadores visitaram diferentes regiões do Cameroun, para dialogar com lideranças e autoridades locais, instituições e artesãos, processo que foi fundamental para o desenvolvimento da mostra. Os objetos apresentados, em sua maioria provenientes do acervo da instituição franco- camaronesa, são produzidos com materiais diversos e funções múltiplas, e nos permitem conhecer ritos e cosmogonias de diversos povos da África. Entre eles, máscaras, túnicas, adornos, tecidos bordados eMáscara-elefante. Oeste do Cameroun, povo Bamiléké. Acervo Maison Gacha e Fondation Jean-Félicien Gacha Tecidos ndop. Oeste do Cameroun, povo Bamiléké. Acervo Maison Gacha e Fondation Jean-Félicien Gachatingidos, além de estatuetas, ajudam a contar uma história que percorre o caminho entre a cabeça e a terra, isto é, entre as inteligências e liberdades criativas individuais, exercidas por cada artesão, e a terra, lugar associado à manutenção das tradições e dos elos com as identidades coletivas.

A Pina Contemporânea apresenta um projeto experimental desenvolvido em colaboração com a Serpentine Galleries, de Londres, na Galeria Praça do edifício Pina Contemporânea. Concebido a partir de uma perspectiva decolonial, de teorias queer e de estratégias descentralizadas em tecnologia, Gabriel Massan constrói Terceiro Mundo, um jogo de videogame ambientado em um universo fantástico, que a partir de um storytelling colaborativo desafia o conceito colonial de “exploração” e convoca o público a repensar suas ações no mundo. Gabriel Massan (1996) é um artista nascido no Rio de Janeiro que combina a contação de histórias com a criação de esculturas e ecossistemas, pensando o ambiente digital como linguagem artística. Terceiro Mundo – termo que se refere a classificação imposta às nações emergentes – é um jogo dividido em dois grandes níveis, com diferentes ambientações. Cada nível foi criado em colaboração com artistas e pensadores, que contribuíram na construção de diálogos, textos e narrativas, emprestando inclusive suas vozes aos personagens. Participaram LYZZA, Castiel Vitorino Brasileiro, Novíssimo Edgar e Ventura Profana, estando os três últimos incluídos na programação cultural que acontece no museu neste semestre.

A exposição é a primeira retrospectiva da obra instalativa do artista e conta com curadoria de Luís Pérez-Oramas e Daniel Rangel, além de curadoria adjunta de Lúcia Stumpf. Em sua concepção, a mostra reafirma o protagonismo de Carvalhosa na cena artística contemporânea brasileira das últimas décadas e oferece ao público um panorama abrangente de seu percurso criativo. Uma oportunidade única de revisitar momentos fundamentais da trajetória do homenageado, falecido prematuramente em 2021, aos 59 anos.Esta exposição única permite ao público vivenciar simultaneamente algumas das mais icônicas criações de Carvalhosa, como Faço Tudo Para Não Fazer Nada, Já Estava Assim Quando Cheguei, Linha de Sombra, Imaterialidade e Sala de Espera. Cada uma dessas obras, com suas dimensões monumentais e ousadas experimentações formais, parece reconfigurar o ambiente ao seu redor, ora tensionando, ora promovendo uma espécie de apagamento da arquitetura circundante. O resultado é uma experiência sensorial em que a arte e o mundo se entrelaçam em um constante jogo de aproximação e distanciamento.

A exposição reinaugura a galeria do Centro Cultural Fiesp, após uma reforma de 18 meses. A mostra, que ocupa um espaço de 850 m2, apresenta a diversificada coleção de artes africana e afro-brasileira do Museu de Arqueologia e Etnologia da Universidade de São Paulo (MAE/USP).O acervo começou a ser formado no final da década de 1960 (época em que os movimentos de independência das ex-colônias em África se consolidavam), por meio de doações ou compras encomendadas pela universidade. Marianno Carneiro da Cunha (1926-1980), então professor do MAE/USP, foi um dos principais nomes à frente do projeto institucional e científico da construção da coleção.Arqueólogo especialista em Médio Oriente, ele lecionou entre 1974 e 1976 em Ifé, na Nigéria, lugar sagrado para os iorubá, ficando incumbido de adquirir peças para o MAE. Com olhar antropológico e educativo, Marianno se preocupou em também trazer para o Brasil moldes, mostrando interesse não apenas pelo objeto artístico, mas também pela técnica de diferentes culturas da África central e ocidental.O trio de curadores da mostra, Carla Gibertoni Carneiro, Renato Araújo da Silva e Rosa C. R. Vieira, apontam que essas duas regiões africanas estão conectadas ao Brasil por séculos de circuitos transatlânticos. Eles trouxeram até nosso litoral inúmeros navios de violência, mas também trouxeram outros navios, que nos permitem mergulhar por histórias alternativas e criar novos significados para as centenas de objetos selecionados para a exposição.

No centenário de nascimento de Paulo Vanzolini (1924 – 2013), compositor brasileiro responsável por clássicos como "Ronda" e "Volta Por Cima", o Sesc São Paulo apresenta uma imersão na vida do artista, revelando não apenas sua faceta musical, mas também a trajetória do zoólogo de renome internacional. Idealizada pelos filhos do cientista, o diretor de arte e cineasta Toni Vanzolini e a psicóloga Maria Eugênia Vanzolini, a mostra conta com curadoria de Daniela Thomas, cenógrafa, cineasta e diretora teatral.Sem perder de vista o lado boêmio e artístico do homenageado, a exposição revisita as expedições científicas e as contribuições para a ciência empreendidas como herpetólogo, especializado no estudo de répteis e anfíbios. O Sesc Ipiranga como espaço para a exposição possui um simbolismo especial: a proximidade com o Museu de Zoologia da Universidade de São Paulo (MZUSP), onde Paulo Vanzolini trabalhou por cinco décadas – três destas, como diretor.Em parceria com o Museu de Zoologia da USP, a exposição exibe ao público 51 exemplares conservados de espécies animais identificadas e catalogadas por Vanzolini. Esses espécimes, emprestados pelo Museu ao Sesc, estão em destaque em uma sala que recria um laboratório de zoologia.Cinco salas temáticas revelam a trajetória multifacetada de Vanzolini, abrangendo mais de meio século de pesquisa. A exposição destaca suas célebres expedições amazônicas e as conexões entre arte e ciência que ele promoveu. Documentos, fotografias e vídeos oferecem um vislumbre dos bastidores das descobertas marcantes do , apelido carinhosamente atribuído por Antonio Cândido, sociólogo e crítico literário, no encarte do disco Acerto de Contas de Paulo Vanzolini (2002)

O coletivo Serigrafistas Queer surgiu durante uma oficina de serigrafia que tinha o objetivo de ensinar ativistas a estampar camisetas para a manifestação do Orgulho LGBTQIA+, em Buenos Aires. Composto por artistas, ativistas e participantes espontâneos, o coletivo combina técnicas de artes gráficas com slogans e frases de protesto que são impressos em faixas, camisetas e peças de tecido. A partir de encontros periódicos, os Serigrafistas Queer promovem discussões sobre o potencial das palavras de ordem provenientes de práticas e discursos dissidentes, estratégias para ampliar a disseminação das inúmeras possibilidades de manifestação dos desejos, além da produção de dispositivos móveis que facilitam as impressões serigráficas e com estêncil.

Com cerca de 200 obras de acervos públicos e privados do Brasil e do exterior, a mostra será organizada em diversos núcleos. A noção plural de histórias, em português, é particularmente relevante (em oposição à noção de History em inglês, por exemplo), pois pode abranger ficção e não ficção, relatos pessoais ou políticos, narrativas privadas ou públicas, possuindo um caráter aberto, especulativo, diverso e polifônico.

A curadoria propõe um recorte de obras, realizadas entre as décadas de 1960 e 1970, no Brasil, por artistas representativos da nova figuração, do teor político e da explosão colorida do pop, como Wesley Duke Lee, Claudio Tozzi, Antonio Dias, Cildo Meireles, Nelson Leirner, Raymundo Colares, Rubens Gerchman, Carlos Zilio, entre outros.

A galeria é um espaço de estudo e formação resultante de uma parceria entre a Terra Foundation for American Art e o MAC USP, para que um conjunto da coleção da fundação viesse a São Paulo. São 36 obras selecionadas em diálogo com a pesquisa e as disciplinas de graduação e pós-graduação do MAC USP e sua atuação no Programa Interunidades em Estética e História da Arte (PGEHA USP), a linha de pesquisa em História da Arte e da Cultura do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas da Unicamp, e o Departamento de História da Arte da Unifesp. Além disso, nos próximos dois anos, elas também permitirão criar pontes de interpretação com obras do acervo do MAC USP.A Terra Collection for American Art é uma associação sem fins lucrativos, com sede em Chicago, nos Estados Unidos que, desde os anos 1980, coleciona obras de arte do país e fomenta a pesquisa sobre sua arte. Através de seu Programa Collection- in-Residence, o MAC USP se insere em uma rede de 12 museus universitários internacionais de arte em uma visada crítica sobre a história da arte dos Estados Unidos e suas possíveis articulações com outros países. No caso do Brasil e da proposta feita pelo MAC USP, a seleção de obras partiu das questões já colocadas em outras parcerias da instituição estadunidense com o país.