EXPOSIÇÕES

São Paulo recebe um novo espaço multidisciplinar dedicado à arte contemporânea no circuito da capital: a galeria Pórtico. Fundada pelo curador e crítico Adolfo Caboclo, ao lado de seu sócio Alexandre Zákia, o espaço abre as portas em 16 de dezembro de 2025, com a exposição coletiva O desencaixar das coisas.

Com curadoria do professor e poeta Eucanaã Ferraz, a mostra propõe uma imersão na obra do artista paraense, que dialoga com a paisagem amazônica, o cotidiano popular e as transformações sociais. Marcone constrói sua poética a partir de Marabá (PA), articulando elementos populares e contemporâneos. A exposição aborda o conceito de “mundo em trânsito", onde materiais e linguagens se cruzam em constante mutação. A mostra reúne obras de diferentes fases da carreira do artista, destacando séries como Cruzamentos, Páginas, Travessias e Vertebral. Os trabalhos exploram deslocamentos, ausências e reinvenções, com uso de materiais como madeiras de carrocerias e embarcações. As esculturas remetem à força da sucuri, símbolo ancestral da floresta. A Amazônia é apresentada como metáfora do Brasil contemporâneo — múltiplo, fragmentado e resiliente. A arte de Marcone é vista como testemunho sensível das relações entre paisagem, identidade e memória.

Abre ao público a exposição “20 anos da Residência Artística FAAP - São Paulo: contribuições para uma coleção de arte contemporânea”, com 91 artistas de todos os lugares do mundo que já passaram pela residência artística da FAAP. A exposição celebra duas décadas deste que é um dos programas mais consistentes de residência artística do país. São cerca de 135 obras que hoje integram a coleção do MAB FAAP.

A Galeria Lume apresenta Rios Falam, Rios Cantam, uma exposição individual com o corpo de trabalho mais recente do artista Caio Rosa. A exposição, que conta com a curadoria da Cindy Sissokho, inclui fotografia, escultura, têxteis, instrumentos musicais e som, articulando a exploração contínua do artista sobre ritmo e memória.Em todas as obras de Rosa há um fio condutor: o envolvimento com materiais e elementos naturais em seus processos, onde a imagem depende de uma relação com a materialidade. Chuva, sol e luz colaboram com reações químicas para formar as texturas de suas obras fotográficas e esculturais, onde a matéria se torna uma forma viva e ativa em sua criação. Aço, cobre, papel orgânico e emulsão fotográfica se transformam nas superfícies das obras, ao registrarem o eco da transmissão cultural da continuidade ancestral.

A exposição contextualiza a vasta produção de artistas, ativistas e cientistas que, desde os anos 1960, propuseram estratégias de resistência às tecnologias informacionais hegemônicas. Mesmo com recursos limitados, criaram maneiras alternativas para lidar com o novo regime de dados e algoritmos que se formava à sua volta.

A CAIXA Cultural São Paulo recebe pela primeira vez a exposição “Amados – Zélia & Jorge”, uma homenagem sensorial e afetiva a Zélia Gattai e Jorge Amado, casal que marcou profundamente a literatura e a cultura brasileira. Com curadoria de Paloma Jorge Amado, direção geral de Elaine Hazin (Via Press Comunicação), projeto expográfico de Rose Lima e cenografia de Renata Mota.A exposição convida o público a percorrer os 56 anos de vida e amor compartilhados entre Zélia e Jorge, em uma jornada que mistura literatura, memória e emoção. O visitante encontrará um rico acervo de fotografias, cartas, vídeos, ilustrações e depoimentos, que revelam desde o primeiro encontro do casal, em 1945, até os últimos anos na Bahia, com amigos ilustres como como Dorival Caymmi, Mãe Menininha, Glauber Rocha, Vinicius de Moraes, Carybé, entre outros.

O Projeto 280x1020 recebe a mostra "Corpo-a-corpo", explorando a presença do corpo na produção contemporânea, onde suas vivências são atravessadas por contextos socioculturais. Com texto crítico de Giovanna Bragaglia, a exposição reúne trabalhos de Acelino Sales - MAHKU (Rio Jordão, 1975), Alex Cerveny (São Paulo, 1963), Bárbara Wagner (Brasília, 1980), Hudinilson Jr. (1957–2013), Regina Parra (São Paulo, 1984), entre outros. A série fotográfica Brasília Teimosa (2008), de Wagner, por exemplo, apresenta o resultado de uma documentação, levada pela artista ao cabo de dois anos, da periferia do Recife, onde moradores se reuniam aos domingos com amigos e familiares para tomar banho, comer, beber e aproveitar o dia à beira-mar. A obra capta gestos de celebração e prazer como forma de afirmação da coletividade, além de investigar as dinâmicas sociais de uma comunidade constantemente marginalizada.

A mostra “Som e Fúria” (Galeria), com texto de Tetê Lian, utiliza recursos como automação, som e movimento para discutir uma fúria relativa às experiências humanas. O título é emprestado de um dos mais importantes romances de William Faulkner (1897-1962), publicado em 1929 e marcado pelo emprego do fluxo de consciência e da narrativa não-linear. A expressão deriva também de uma fala de Macbeth (1623), na peça homônima de William Shakespeare (1565-1616), que descreve uma situação de grande tumulto, barulho e raiva sem sentido ou propósito útil. Entre os artistas estão André Komatsu (São Paulo, 1978), Chelpa Ferro, Emmanuel Nassar (Capanema, 1949), Nuno Ramos (São Paulo, 1960) e Mariana Manhães (Niterói, 1977). Destaca-se uma obra da série Ato de… (2013), de André Komatsu, que utiliza itens de segurança de obras emolduradas para fundamentar a imagem e o sistema de fixação na parede, e o trabalho do paulista Nuno Ramos, que sublima a dimensão física de processos semânticos, lidando com a sobreposição de materiais.

O Gabinete é ocupado por caixas e livros na exposição “Balada para um espectro”, com texto crítico de Ella Pacheco. A mostra dialoga com o conceito de coleção, exibindo obras que extrapolam o estatuto do plano bidimensional.O múltiplo histórico Boîte-en-Valise, 1935-41 (fac-símile), de Marcel Duchamp, compõe a coleção e reúne 68 trabalhos do pintor e escultor francês em um objeto desdobrável, que revela a reprodução em escala de esculturas e pinturas anteriores, na qual constituiu o conceito do ready-made. Cildo Meireles completa a seleção com Camelô (1998), uma lembrança de infância das viagens com sua família ao Rio de Janeiro. Observando camelôs no centro da cidade que comercializam objetos aparentemente insignificantes, como alfinetes e barbatanas, o artista reflete sobre as dinâmicas de sobrevivência dessas pessoas e sobre a extensa cadeia de trabalho envolvida na produção dos itens.

A Casa de Cultura do Parque hasteia novas bandeiras na fachada, com a exposição "Para-luz", de Aline Ricci, como parte do projeto Dando Bandeira.Os curadores Claudio Cretti e Tetê Lian destacam a relevância da coleção, composta de mais de 500 obras, que conta com trabalhos sonoros, objetos-caixas, esculturas motorizadas, publicações experimentais e livros de artista, que exigem outro tempo de atenção no espaço expositivo.

Ònà Irin: caminho de ferro, é a exposição individual da artista baiana Nádia Taquary, com curadoria de Amanda Bonan, Ayrson Heráclito e Marcelo Campos. A mostra destaca a pesquisa de Taquary sobre o universo afro-brasileiro e a presença feminina nos mitos de criação de matrizes iorubás.Entre esculturas, objetos-esculturas, instalações e uma videoinstalação, a mostra reúne 22 obras produzidas em diferentes momentos da carreira da artista, que iniciou sua trajetória em 2010 pesquisando a joalheria afro-brasileira e, em especial, as pencas de balangandãs, conjuntos de pingentes metálicos usados por mulheres negras escravizadas e libertas na Bahia dos séculos XVIII e XIX, que reuniam símbolos de fé, proteção e prosperidade, funcionando também como formas de resistência e autonomia. Desde então, sua produção expandiu-se para instalações e esculturas de grande escala, em que o sagrado e o feminino se manifestam em formas híbridas, com materiais como búzios, miçangas, palhas e metais.

A mostra “Um delírio de carnaval: unir o improvável e celebrar o mistério” traz obras das artistas Bruna Amaro, Clarice Cunha, Paloma Mecozzi, Rafaela Foz e Sandra Lapage, sob a curadoria de Bianca Coutinho Dias.O Carnaval, sendo uma expressão cultural nascida da mistura de ritmos e tradições, é a alegoria popular que aglutina a fantasia, o transe e o delírio. Em “Um delírio de carnaval: unir o improvável e celebrar o mistério”, os trabalhos apresentados conjugam a capacidade de lidar com o artifício e a ilusão com encantamento prismático e uma espécie de delírio poético, forjado no trabalho com as ruas ou na observação do cotidiano.

A OMA Galeria abre sua programação de 2026 com Dada Brasilis, exposição individual de Fernanda Figueiredo, com abertura em 7 de fevereiro. A mostra reúne cerca de dez pinturas inéditas no Brasil, desenvolvidas a partir de um projeto apresentado na Suíça em 2024, e propõe um encontro imaginário entre Tarsila do Amaral e a artista suíça Sophie Taeuber-Arp. Com texto crítico de Daniela Labra.

"O rio no qual se nada com os olhos" é a primeira exposição individual de Genor Sales. Ânforas, filtros de barro e hidrantes, assim como peixes e objetos relacionados à pesca, orbitam o conjunto inédito de aquarelas que tem a água como matéria central. A curadoria de Divino Sobral evidencia a obra de Sales como leitura sensível e crítica das dinâmicas que atravessam os rios, os corpos e os sistemas de vida que deles dependem.

A artista Luiza Sigulem inaugura sua segunda exposição individual, Manual para percorrer a menor distância de um ponto a outro. Reunindo um conjunto inédito de trabalhos, a mostra, com curadoria de Juliana Caffé, tensiona a relação entre corpo, arquitetura e o tempo, propondo o deslocamento como uma operação de ajuste e reflexão crítica. O projeto toma a instabilidade como condição que reorganiza a relação entre corpo e arquitetura, produzindo um tempo que não coincide com a lógica da eficiência. Em sintonia com a teoria Crip (termo reapropriado de cripple que nomeia práticas que deslocam o "corpo padrão") e o conceito de crip time — uma temporalidade que acolhe pausas, ritmos variáveis e o não-alinhamento com o relógio produtivista —, o trabalho de Sigulem afirma a diferença não como exceção, mas como método.

A Zipper Galeria abre seu calendário expositivo de 2026 com a individual Cuidado com a Pintura, do artista plástico mineiro Célio Braga. Com curadoria de Celso Fioravante, a exposição reúne 21 obras em pequenos formatos. Neste conjunto inédito, o artista desloca a pintura de uma lógica centrada na imagem para um campo de construção material, no qual superfície, costura, camadas e volumes passam a integrar um mesmo sistema. Braga trabalha com feltro e seda, acolchoados e costurados à mão, além de tinta e cera, instaurando relevos que aproximam a pintura de procedimentos do bordado, da colagem e da escultura. A exposição se organiza em torno de um eixo recorrente na produção do artista: a pele como metáfora e como campo de pensamento.

Nesta edição do Salão dos Artistas Sem Galeria, o Salão registrou 371 artistas inscritos. O projeto que há 17 anos aposta em alternativas democráticas para a exibição, divulgação, documentação e comercialização da arte contemporânea. O Salão é voltado a artistas de diferentes idades e localidades que, por diversas razões, ainda não integram o circuito de galerias em São Paulo.Os artistas selecionados para a 17ª edição do Salão dos Artistas Sem Galeria são: Bernardo Liu (RJ), Dani Shirozono (MG/SP), Demir (DF), Isabela Vatavuk (SP), Mariana Riera (RS), Paulo Valeriano (DF), Romildo Rocha (MA), Santacosta (SP), Shay Marias (RJ/SP) e Timóteo Lopes (BA). O Prêmio Estímulo Fora do Eixo foi concedido a Pedro Kubitschek (MG).

A Nara Roesler São Paulo apresenta Língua d’Água, primeira exposição individual de Maria Klabin (1978, Rio de Janeiro) na cidade. Com curadoria de Galciani Neves, a mostra reúne obras inéditas e recentes, incluindo pinturas em óleo sobre tela, linho e papel vegetal, além de desenhos em nanquim, carvão, guache e bastão a óleo. O conjunto apresenta escalas variadas, de pequenos trabalhos de cerca de vinte centímetros até telas que chegam a três metros de comprimento, além de desenhos extraídos de seus cadernos, oferecendo ao público um amplo panorama de seu processo de criação.

Pela primeira vez ocupando todo o galpão da galeria, a mostra Nascimento de Antonio Obá apresentará trabalhos inéditos e consagrados do artista, dentre eles instalações, pinturas, desenhos e filme. O título Nascimento surge do marco milagroso de uma nova existência sobre a Terra, que também carrega a contrapartida da fortuna e da sorte, que nos acompanha desde a concepção.Uma instalação inédita, localizada em um espaço fechado, no fundo da galeria, se refere diretamente a ideia de jogo e de sorte. Destaca-se também um conjunto de 22 pinturas de pequeno formato apresenta a leitura de Obá sobre o Tarô.

‘Através’ reúne obras de cinco artistas: David Batchelor (1955), Alexandre Canonico (1974), Rafael D’Aló (1981) Maria Luiza Toral (1998) e Maria Tereza Bomfim (2001). Através propõe a transparência como exercício contínuo de revelação parcial. Um convite a observar aquilo que sustenta a forma, aquilo que antecede o objeto e aquilo que permanece quando o objeto, isoladamente, já não é suficiente.

O MIS inaugura a exposição “A alma humana, você e o universo de Jung”, um contundente convite ao autoconhecimento e um mergulho no universo dos conceitos criados por Carl Gustav Jung, que, em 2025, comemoraria os 150 anos de seu nascimento.Nos 550 m2 do primeiro andar do MIS, o visitante vai percorrer a psique humana de forma simbólica e imagética, por meio de instalações criadas para dialogar em três diferentes dimensões: a pedagógica, já que os conceitos criados ou trabalhados por Jung serão explicados de forma acessível; a sensorial, tendo em vista que cada instalação artística pode provocar sensações no visitante; e ainda a provocativa, já que sempre haverá uma pergunta convidando o público à introspecção, movimento necessário para o autoconhecimento. Todos os conteúdos foram inspirados na cosmovisão de Carl Gustav Jung (1875 – 1961), psiquiatra suíço fundador da Psicologia Analítica.

A mostra imersiva “Exposição – O Pequeno Príncipe – 80 Anos” – e inédita – celebra o aniversário da primeira edição francesa da obra-prima de Antoine de Saint-Exupéry. A megaexposição, que tem curadoria da pesquisadora Mônica Cristina Corrêa, conduz o público por uma jornada cronológica, sensorial e poética, começando pela França dos anos 1920, cenário que moldou a juventude e as inspirações de Saint-Exupéry. Os visitantes conhecem momentos marcantes da vida e obra do autor — suas invenções, sua genialidade artística, sua paixão pela escrita e, principalmente, seu profundo amor pela aviação. Como piloto do correio aéreo, Saint-Exupéry viveu aventuras que influenciaram diretamente sua produção literária e sua visão de mundo. Ao longo do percurso, a vida pessoal do autor também é apresentada de forma rica e detalhada: família, viagens, projetos, conflitos, curiosidades e o legado de um dos escritores mais influentes da literatura moderna.

‍

A exposição apresenta 38 obras de 34 estudantes do Centro Universitário, nas mais variadas linguagens, meios e suportes artísticos. Esta edição conta ainda com obras dos artistas convidados Gabriel Torggler e Marina Hachem, que participaram do programa da Residência Artística FAAP - Paris. O Programa premia, a cada semestre - dentre os inscritos que podem ser estudantes-, artistas formados pela instituição ou professores, para ocupar o estúdio 1422, que a instituição mantém desde 1997 na Cité Internationale des Arts, uma residência internacional localizada às margens do Rio Sena.

Gordon Parks (1912-2006) é autor de uma vasta produção autoral, na qual documentou a vida cotidiana de pessoas negras em estados segregados nos EUA, a luta organizada do movimento negro pelos direitos civis e as manifestações culturais e religiosas da população afro-americana, entre outros temas. A exposição é a primeira retrospectiva de Parks no Brasil e a maior na América Latina. Entre as obras exibidas, estão retratos de nomes centrais do movimento negro americano, como Malcolm X, Martin Luther King e Muhammad Ali, e séries consagradas, como De volta a Fort Scott (1950) e Histórias da segregação no sul (1956). O título da exposição — A América sou eu — foi tirado de um texto que Parks escreveu para a revista Life, em 1968, no qual aborda numa questão crucial para o movimento negro nos EUA: o fato da democracia americana ter se consolidado sob um regime de segregação racial, excluindo a população negra.

A exposição apresenta uma seleção de obras de Augusto de Campos derivadas do livro pós poemas (2025), publicado às vésperas de o poeta completar 95 anos. Reunindo trabalhos produzidos ao longo das últimas duas décadas, a mostra propõe uma síntese de sua pesquisa poética e ocupa a Sala Modernista da galeria, em diálogo com a arquitetura de Rino Levi.No espaço expositivo, os poemas se afirmam como experiências visuais e espaciais, em que palavra, cor, som e forma se articulam de maneira indissociável. A leitura deixa de ser linear e passa a exigir uma percepção ativa do público, característica da tradição verbivocovisual do Concretismo. Obras como Vertade (2021) e Esquecer (2017) exploram jogos gráficos, apagamentos e deslocamentos semânticos, convidando à reflexão sobre linguagem, memória e tempo — tema central também do título pós poemas, que evoca tanto o “depois” quanto o resíduo do que permanece.

A Galatea apresenta Entre a pintura e a pintura, exposição individual que marca o início da representação de Guilherme Gallé pela galeria. Com introdução escrita por Rodrigo Naves e texto crítico assinado por Tadeu Chiarelli, a mostra reúne trabalhos inéditos em pinturas e trabalhos em papel que evidenciam a investigação contínua do artista sobre os limites, as potencialidades e a permanência da pintura na contemporaneidade. A pintura de Gallé se desenvolve a partir de um processo contínuo de depuração, no qual cada quadro dá origem ao seguinte, em um encadeamento no qual cor, forma e espaço se reorganizam em resposta mútua.

Inconformadas apresenta na Claraboia obras de 24 artistas mulheres do período moderno e contemporâneo que encontraram na abstração um espaço de criação. A mostra parte de uma hipótese central: formas moles e fluidas, quando realizadas por mulheres, foram historicamente interpretadas como sinais de uma feminilidade negativa, associadas à fragilidade, à intuição e à falta de rigor, e, por isso, desvalorizadas. Já quando esses mesmos recursos aparecem na obra de artistas homens, costumam ser celebrados como poéticos, ousados ou inovadores. Essa assimetria crítica revela um sistema simbólico de exclusão que posicionou as mulheres entre dois polos opostos — o do sexo e o da arte — raramente reconhecendo-as como sujeitos plenos da criação artística. As obras aqui reunidas enfrentam justamente esse impasse.

‍

A mostra “Duplo” tem texto crítico assinado pela curadora e pesquisadora Pollyana Quintella. Com colagens e fotografias impressas sobre a seda, a mostra reúne 14 trabalhos inéditos da artista, dos quais seis resultam da pesquisa realizada durante sua residência artística na “Cité Internationale des Arts” (Paris, 2025). Em sua prática, a artista investiga a relação entre a paisagem, a cor e a superfície. Ela transita pela fotografia e pela colagem, concentrando-se na construção da imagem por meio do recorte e da justaposição. Na individual “Duplo”, Julia Kater apresenta trabalhos recentes, desenvolvidos a partir da pesquisa realizada durante sua residência artística em Paris.

A Central Galeria apresenta a individual da artista Sofia Borges, “O cristalino, o rasgo e mistério“, primeira exposição da artista no Brasil desde o seu retorno de Nova Iorque.A poética do trabalho de Borges se desenvolve em torno da formação da imagem em suas diversas formas dentro do imaginário histórico-social geral e pessoal da artista. Seu trabalho retraça frequentemente linhas de resgate de ancestralidades por meio de materiais, como metais, rochas e minerais, assim como à figura da paleontologia, da mitologia, do teatro e da análise da figura humana, especialmente do rosto. O museu ocupa um espaço igualmente importante em sua pesquisa uma vez que ele se apresenta como um agente de reconfiguração eterno de imagens dentro da sociedade.

A exposição Germinações reúne obras de Vera Martins e Armarinhos Teixeira, com curadoria de Marcus de Lontra Costa. A mostra propõe um diálogo entre duas produções que investigam a natureza não como tema ou representação, mas como processo material e estrutural da obra. Organizada como um percurso que alterna 18 obras entre pinturas, esculturas, instalações e objetos, a exposição evidencia que o que conecta os dois artistas não é a afinidade formal, mas o modo como ambos submetem a matéria a operações de desgaste, repetição, recomposição e transformação, colocando em crise a ideia de suporte estável e de forma definitiva.No conjunto apresentado por Vera Martins, a pintura é tratada como corpo físico. Já Armarinhos Teixeira apresenta um conjunto de esculturas e instalações recentes que aprofundam sua pesquisa em torno de formas híbridas e organismos instáveis. Enquanto Vera Martins opera a partir do confronto direto com o suporte e sua degradação, Armarinhos Teixeira constrói sistemas que simulam processos naturais, reprodução, seriação, transformação contínua. Em ambos os casos, a matéria não é passiva: reage, impõe limites e redefine o resultado formal da obra.

Minerva Cuevas (Cidade do México, 1975) é uma artista conceitual mexicana que desenvolve projetos que dialogam com antropologia, história e ciências naturais. Sua obra abrange diversos suportes e mídias, como instalação, muralismo, pintura, vídeo e performance.No ano de Histórias da ecologia no MASP, Cuevas abordará pelo menos três aspectos de seu trabalho. O primeiro diz respeito às suas investigações sobre os impactos do mundo corporativo na vida cotidiana. Cuevas se apropria de logomarcas, campanhas de marketing, slogans e símbolos de grandes empresas para discutir temas como consumo, valor e propriedade. O segundo aspecto a ser explorado na exposição está relacionado ao subtítulo, inspirado no conceito de “ecologia social”, desenvolvido pelo filósofo estadunidense Murray Bookchin (1921-2006

Game+ arte, cultura e comunidade é a última grande exposição de 2025, que ocupará os três pisos do espaço expositivo. A mostra busca revelar o universo amplo e variado dos videogames, tratando-o como um campo decisivo da cultura e não apenas como entretenimento. O universo dos games, com seus personagens e mundos que marcam o imaginário coletivo, atravessa gerações e forma comunidades, manifestando-se no audiovisual, na moda, no comportamento, na educação e com papel central na indústria criativa.Esta é a terceira exposição realizada pelo Itaú Cultural dentro deste tema. Em 2003 foi realizada Game o quê e, em 2009, GamePlay, tratando o game como forma artística. Game+ se articula em três eixos curatoriais: Sociedade e economia criativa; Educação; e Arte e inovação.

De nome de batismo Sebastião Bernardes de Souza Prata, nascido em Uberlândia (MG) em 1915 (ou 1917, de acordo com alguns registros), ele adotou primeiro o nome Pequeno Otelo e depois Grande Othelo – ele mesmo acrescentou o “h” no nome e assim está registrado em sua lápide. Morreu aos 78 anos no aeroporto Charles de Gaulle, em Paris, França, em 1993, vítima de um ataque cardíaco fulminante quando se preparava para seguir para o Festival de Nantes, onde receberia uma homenagem. A Ocupação Grande Othelo se propõe em revelar percursos pouco conhecidos do público sobre Othelo, como, por exemplo, suas contribuições à classe artística brasileira, tendo sido vice-presidente da Associação Brasileira de Atores Cinematográficos.

A mostra nasce do encontro simbólico entre o rio Charente, que atravessa a região da Nova-Aquitânia, e o sistema Tietê-Pinheiros, eixo fluvial que estrutura a metrópole paulista. Entre as duas margens, a exposição se transforma a cada etapa, incorporando novas obras, montagens e relações. A curadoria parte da ideia de “confluência” formulada pelo pensador quilombola Antônio Bispo dos Santos — encontro que soma sem subtrair — para propor a mostra como um campo de escuta e coexistência, em que as águas são entendidas como seres vivos, portadores de direitos e memórias, mas também como testemunhas de passados coloniais e agentes de transformação.As obras abordam questões ligadas à escassez, à contaminação, às infraestruturas e às possibilidades de reparação. Barbara Kairos, artista de Angoulême, na França, reelabora criticamente a história do “jacaré do Tietê”, transformando um episódio da memória urbana em alerta sobre a política das águas. A também francesa Capucine Vever, que pesquisa a paisagem fluvial e suas camadas coloniais, parte de arquivos e da escuta do rio Garona para aproximar imagem e história.

O Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo recebe a exposição internacional Joaquín Torres García - 150 anos, inédita no país. A mostra celebra a trajetória de um dos pilares da arte moderna na América Latina, com cerca de 500 itens, entres obras e documentos, incluindo pinturas, manuscritos inéditos, maquetes, desenhos e os célebres brinquedos de madeira produzidos pela família do artista uruguaio. Com curadoria de Saulo di Tarso em colaboração com o Museo Torres García e organização da Cy Museum, é a primeira vez que esse conjunto tão amplo e diversificado do artista é apresentado no Brasil, com peças que deixarão pela primeira vez as reservas técnicas do museu uruguaio, revelando ao público aspectos pouco conhecidos da produção do artista.

TRANSCLANDESTINA 3020, de Manauara Clandestina, dá continuidade à pesquisa apresentada pela artista na 36ª Bienal de São Paulo. Com curadoria de Aldones Nino, a exposição reúne têxteis, vídeo, fotografia e objetos em torno da migração entendida como prática de atravessamento, transmutação e construção de redes de cuidado.Tendo o filme TRANSCLANDESTINA 3020 como eixo conceitual, a mostra propõe um exercício de imaginação coletiva que ultrapassa fronteiras geográficas, corporais e simbólicas. A noção de transmutação se materializa em trabalhos que incorporam materiais descartados por meio do upcycling, entendido como gesto político e ferramenta de reorientação de valores. Ao transformar o espaço expositivo em um “Ministério Trans de Imigração”, a artista cria um território simbólico de acolhimento, onde alianças, afetos e práticas coletivas apontam para outras formas possíveis de existência.

A artista autodidata Rafael Chavez inaugura “Jardim Flamejante”, sua primeira individual na Casa Triângulo. Com curadoria crítica de Walter Arcela, a mostra reúne pinturas e esculturas que exploram o sertão nordestino como território sensorial, espiritual e político, articulando matéria, memória, cosmologia e corpo.Na mostra, o sertão surge não como cenário, mas como corpo vivo e múltiplo, atravessado por espiritualidade, ancestralidade e pela presença de corpos queer e desviantes, que desafiam estereótipos e normas identitárias. A exposição afirma a relevância de Rafael Chavez na arte contemporânea brasileira, apresentando um “jardim ardente” onde arte, território e cosmologia se unem.

Com coordenação de Lissa Carmona, curadoria de Francesco Perrotta-Bosch apoiado pela Fundação Oscar Niemeyer, a exposição propõe um reencontro entre a dimensão internacional da obra do arquiteto e o contexto brasileiro, convidando o visitante a revisitar seu olhar e reconhecer a potência criativa que articula o Brasil ao cenário global.

A Galeria Frente exibe uma exposição totalmente dedicada a Amadeo Luciano Lorenzato (1900 – 1995) e com um número tão expressivo de obras do artista. “O mundo misterioso inventado por Lorenzato” reúne 118 obras deste que é considerado um dos maiores nomes das artes visuais brasileira, mas, principalmente de Minas Gerais. Trata-se de um conjunto excepcional de pinturas cujos traços perpetuaram, em obras icônicas, cenas cotidianas, favelas, paisagens e agricultura mineiras. Destaque para “Lenhador”, de 1933: um trabalho de Lorenzato considerado como o mais antigo no mundo de que se tem conhecimento até hoje. A exposição pontua um encontro de obras provenientes de coleções privadas cuja seleção revela a potência lírica do artista na observação do mundo à sua volta, explica o diretor da Galeria, Acacio Lisboa.

A investigação da luz natural e seus efeitos teatrais, que transmutam a percepção do cotidiano, é o ponto de partida da pesquisa poética do fotógrafo Fabio Mattos em suas andanças pelo mundo. Essa pesquisa culmina agora na publicação do fotolivro “Solaris” (Fotô Editorial), que será lançado na abertura de sua exposição individual . A mostra, tem curadoria assinada por Eder Chiodetto, responsável também pela edição do fotolivro.Com mais de 12 anos de carreira, Fábio Mattos construiu uma poética profunda enraizada nas sombras e luzes que coreografam destinos, criam miragens e desvelam paisagens. Ao todo a exposição reúne 27 fotografias, entre inéditas e produções realizadas ao longo da trajetória do artista.

O Centro MariAntonia inaugura a exposição Nossa estranheza e a vergonha, da pintora Gilda Vogt, com curadoria de Khadyg Fares, doutoranda em História da Arte na Universidade Federal de São Paulo (Unifesp). A mostra reúne um conjunto de pinturas em tinta acrílica sobre tela, abrangendo o período de 1989 a 2024, que reitera em sua linguagem poética a noção de afecção, ou seja, da experiência de ser afetado por algo ou alguém. Também é notório o predomínio do fundo branco da tela, a translucidez da tinta diluída e a fluidez dos contornos.

O Centro MariAntonia inaugura a exposição Neo-andina 15-25, do fotógrafo Tatewaki Nio, com mais de 60 trabalhos. A curadoria é do professor da USP, Ivo Giroto, e do pesquisador Diego Matos, com consultoria de Guilherme Wisnik, docente da USP. A mostra tem como eixo central a arquitetura “neo-andina”, fenômeno cultural e estético surgido na cidade de El Alto, Bolívia, que tem como um dos seus principais expoentes o arquiteto boliviano Freddy Mamani. A exposição parte do trabalho fotográfico de Tatewaki Nio das construções extravagantes e super-coloridas, realizadas entre 2015 e 2025, e que incluirá fotografias, maquetes, projeções e vídeos, captados pelos alunos de graduação da disciplina Cultura Urbana na Contemporaneidade da Faculdade de Arquitetura, Urbanismo e Design (FAU) da USP.

A exposição "José Antônio da Silva: Pintar o Brasil", com lançamento do livro da mostra, pela Editora Martins Fontes dá luz sobre a trajetória do muitas vezes considerado o Van Gogh brasileiro. A exposição tem curadoria do espanhol Gabriel Pérez-Barreiro e chega a São Paulo, com obras adicionais curadas por Fernanda Pitta, após ter passado pelo Musée de Grenoble (FR), como parte da Temporada Brasil-França 2025, em abril, e pela Fundação Iberê Camargo, em Porto Alegre (RS), em agosto. A mostra tem um total de 142 obras, sendo 23 acréscimos provenientes do rico acervo da instituição, o maior do artista no Brasil, formado com doações dos primeiros colecionadores de Silva, entre os quais estão Ciccillo Matarazzo e Theon Spanudis. Dentre as obras, o público poderá ver, de maneira inédita, o primeiro livro do artista exposto na íntegra, com 76 desenhos, chamado "Romance da minha vida".

A exposição é primeira panorâmica institucional da artista Marga Ledora e apresenta uma reunião significativa de séries até hoje raramente vistas em seu conjunto, além de um expressivo grupo de obras pouco conhecidas. A visita começa pela série Quadrus Negrus (1986), com mais de 20 trabalhos fundamentais de Ledora. Obras como Casa em amarelu (1986) marcam o início do trabalho de experimentação de linhas e cores, base para toda a sua produção artística. Nas obras, o giz pastel seco faz o traçado de triângulos, retângulos e fendas em linhas secas sobre o papel Carmen preto, item raro à época de produção da série.

A Gentil Carioca apresenta com alegria o Abre Alas 21 (2026), celebrando a 21ª edição do projeto. Desde 2005, o Abre Alas inaugura o calendário anual de exposições e reafirma, a cada edição, o desejo de abrir caminhos, criar encontros e acompanhar de perto o nascimento e o amadurecimento de novas trajetórias na arte contemporânea.Nesta edição, a curadoria — formada por Felipe Molitor, Lena Solano Guedes e Ramon Martins — escolheu 14 artistas - Curitiba (PR), Rio de Janeiro (RJ), Duque de Caxias (RJ), Cali (Colômbia), Caracas (VE), São Paulo (SP), Belo Horizonte (MG), Lages (SC), Salvador (BA) e Belém (PA), cujas pesquisas revelam a diversidade de contextos, linguagens e afetos que atravessam a produção artística atual: Ana Luiza Domicent, Ana V. Lopes, David Caicedo Alzate, Felipe Braga, Jean Deffense, Leticia Morgan, Lucas Emanuel, Lucas Speranza, Oriana Pérez, Sheila Kracochansky, Telma Gadelha, Thatiane Mendes, Vicente Baltar e Yara Ligiéro. Os artistas escolhidos apresentam obras nas duas galerias simultaneamente.

Ainda Bem, Atravessei as Nuvens é a segunda exposição individual de Gabriela Machado na galeria e reúne obras produzidas entre 2025 e 2026. A mostra marca uma inflexão importante na trajetória da artista, com a ampliação da linguagem figurativa para grandes formatos, sem abandonar a prática cotidiana da pintura como exercício contínuo de atenção e presença.Com uma paleta cromática intensa — marcada por cores neon, camadas de brilho, transparências e vestígios de glitter —, as obras evocam memórias, pequenos acontecimentos e imagens ligadas à luz, ao lúdico e ao encantamento. Referências ao universo do circo, a objetos cotidianos e a lembranças da infância atravessam a exposição, não como nostalgia, mas como uma condição de sensibilidade. A pintura de Gabriela Machado propõe uma pausa: um convite a sustentar o olhar, o gesto e o afeto em um tempo que insiste em desacelerar.

ANTONIO DIAS / IMAGE + MIRAGE é uma exposição individual de Antonio Dias (1944–2018), organizada pela Gomide&Co em parceria com a Sprovieri, Londres, a partir de obras preservadas por Gió Marconi. Com organização e texto crítico de Gustavo Motta e expografia de Deyson Gilbert, a mostra destaca sete pinturas realizadas entre 1968 e 1971, período inicial do artista em Milão e fundamental para sua trajetória.Reunindo obras históricas, documentação inédita do Fundo Antonio Dias (IAC) e uma equipe curatorial dedicada a revisitar esse momento de produção, a exposição propõe uma leitura contemporânea da obra de Dias, evidenciando a atualidade de suas investigações conceituais e sua relevância no contexto internacional.

Trama propõe um diálogo inédito entre bancos de madeira produzidos por etnias indígenas, majoritariamente do Alto Xingu, e obras da série Tecelares (1953–1960), de Lygia Pape. Com texto crítico de Camila Bechelany e expografia do escritório Acayaba _ Rosemberg Arquitetos, a exposição reúne mais de dez bancos provenientes da coleção Porangatu, evidenciando a sofisticação técnica, simbólica e estética dessa produção ancestral.Ao aproximar esses objetos de uso ritual e cotidiano das xilogravuras de Pape, a mostra revela paralelos entre gesto, matéria e conhecimento, em que a madeira deixa de ser suporte passivo para se afirmar como agente de sentido. Sem buscar sínteses fáceis, Trama cria uma fricção produtiva entre ancestralidade e modernidade, convidando o público a refletir sobre diferentes modos de compreender o mundo como entrelaçamento de forma, experiência e cultura.

Recortes, de Cristiano Mascaro apresenta um conjunto de fotografias analógicas e digitais ampliadas, realizadas ao longo de diferentes momentos da trajetória do artista, cuja obra contribuiu de forma decisiva para a construção da memória visual da metrópole e de seus espaços arquitetônicos.

Ianni explora a relação entre história e política, abordando as contradições da modernização e as mitologias do progresso, especialmente em relação ao Brasil.

Exposição Reúne cerca de 80 obras nacionais e internacionais do acervo do MAC USP, um dos mais importantes acervos de arte abstrata nacional e internacional do Brasil.

Amor e outros estranhos é a primeira individual no Brasil de Jesse Wine, artista inglês radicado em Nova York. A exposição reúne obras recentes em cerâmica e composições em bronze. Wine apresenta três peças de argila em grande escala além de composições em bronze feitas a partir de elementos botânicos moldados, coletados ao longo de viagens realizadas nos últimos quatro anos. Essas obras constituem uma espécie de diário, no qual a experiência pessoal é registrada por meio do material, da forma e da acumulação.Membros, folhas, casas e edifícios surgem como ícones de uma memória suspensa. A matéria orgânica é preservada para além do tempo; a arquitetura permanece em um estado de interrupção.

A exposição “Angular”, reune trabalhos inéditos de Alan Oju e Guilherme Callegari, com o texto curatorial de Lorraine Mendes. A mostra propõe uma reflexão sobre o ângulo não apenas como medida geométrica, mas como gesto de vontade, ponto de inflexão e escolha, uma quebra que projeta novas direções e inaugura outras formas de ver e ocupar o espaço.Partindo de trajetórias distintas, mas atravessadas por experiências comuns no contexto urbano da Grande São Paulo, os artistas constroem um campo de diálogo marcado por tensões sutis entre desvio e permanência, controle eabertura, rigor e sensibilidade.

A exposição coletiva “... toda palavra sã”, tem meio da curadoria de Galciani Neves, reune trabalhos que tomam a palavra, o texto e os signos gráficos como elementos centrais de investigação artística. A mostra apresenta obras de Almandrade, Antonio Manuel, Arnaldo Antunes, Carla Chaim, Carlos Nunes, Carlos Zilio, Carmela Gross, Geórgia Kyriakakis, Fabio Morais, Iole de Freitas, Mira Schendel, Natalie Salazar, Shirley Paes Leme, Vitor Cesar e Waltercio Caldas, propondo um amplo panorama de experimentações que atravessam diferentes tempos, linguagens e contextos poéticos.

Até um carvalho enlouqueceu, exposição coletiva com obras de Bruno Dunley (Brasil), Lais Amaral (Brasil), Marina Rheingantz (Brasil) e Richard Aldrich (Estados Unidos) reúne artistas de contextos distintos cujas práticas compartilham um engajamento com a abstração enquanto processo material, perceptivo e temporal.O título da exposição faz referência ao mito de Orfeu, cuja música era capaz de comover animais, pedras e até árvores, suspendendo distinções entre matéria animada e inanimada. Ali, a força da música não reside na narrativa ou no significado, mas no próprio som, que atua diretamente sobre corpos e substâncias. Nesse contexto, as pinturas de Bruno Dunley testam a instabilidade da forma por meio de tensões cromáticas e hesitações compositivas. Lais Amaral trabalha com acumulação e apagamento, permitindo que as superfícies registrem tempo, pressão e resíduos. Marina Rheingantz constrói campos espaciais que oscilam entre paisagem, memória e abstração. Richard Aldrich aborda a pintura como um lugar de transferência, onde marcas, referências e decisões materiais permanecem provisórias e móveis.

"Vetores" sob curadoria de Antonio Gonçalves Filho, a mostra coletiva tece relações entre os períodos moderno e contemporâneo da arte brasileira e internacional. Escultura, pintura, fotografia e gravura formam os três núcleos que retomam o modernismo como uma força em movimento, capaz de reverberar encontros, desdobramentos e novas possibilidades no presente.A mostra reúne obras de nomes como Eleonore Koch, Lucio Fontana, Tunga e Willys de Castro, em diálogo com artistas como Dudi Maia Rosa, Nelson Félix e Paulo Pasta.

Quarenta anos após o início pulsante do Hip-Hop nas ruas de São Paulo, sua batida original ressurge no Sesc 24 de Maio como memória viva e afirmação cultural. A exposição convida o público para uma jornada que devolve à cidade gestos, sons e imagens de uma geração que criou com poucos recursos e máxima potência. Sob curadoria coletiva e com mais de 3 mil peças reunidas de forma inédita, a mostra reconstrói a revolução urbana que transformou inúmeros pontos da cidade em palcos de resistência.A mostra tem idealização e curadoria compartilhada por vozes e testemunhas da cena, como OSGEMEOS, Rooneyoyo O Guardião, KL Jay (DJ histórico dos Racionais MC’s), Thaíde, as pioneiras Sharylaine e Rose MC e o b-boy ALAM Beat.

A exposição coletiva A MONTANHA, reúne obras de 10 artistas brasileiros contemporâneos: Aominê, Augusto Portella, Diana Motta, Luiz Gallina Neto, Moisés Patrício, Renan Andrade, Eduardo Nazarian, R.Trompaz, Samara Paiva e Mavi Accorsi.A montanha atravessa o imaginário humano como figura paradoxal: obstáculo e promessa, desafio e iluminação. Ela exige esforço, disciplina e resistência, mas oferece, no cume, a experiência rara de enxergar além. Esta exposição parte da montanha como metáfora existencial e espiritual. É a partir desse campo simbólico que A Montanha reúne pesquisas que compartilham a ideia de tensão, elevação, peso e resistência como motores de pensamento e forma.

No Japão, a água é compreendida como fonte de vida e nutrição essencial para a natureza, mas é também indispensável para a formação da sociedade e da espiritualidade do país. Na exposição “Fluxos – o Japão e a água” o elemento é apresentado a partir de diferentes perspectivas: seu desenvolvimento junto com a economia e infraestrutura das cidades e do meio ambiente; seus avanços tecnológicos e aprimoramento de sua qualidade e abastecimento; sua importância para a espiritualidade e tradições japonesas; sua influência por meio da arte. Com curadoria de Natasha Barzaghi Geenen, também Diretora Cultural da instituição, a exposição traz o movimento centrífugo das águas para a expografia, que convida o público a explorar um ambiente de formas arredondadas com texturas e iluminação que parecem deixar o segundo andar da JHSP submerso.

Reunindo 60 obras — entre pinturas, gravuras, desenhos, aquarelas e documentos inéditos —, a exposição "Lasar Segall: sempre a mesma lua" apresenta um panorama amplo da produção do artista. A curadoria de Patricia Wagner adota um olhar poético para explorar suas múltiplas linguagens e a construção de uma identidade que, embora enraizada na tradição judaica, dialoga com temas universais como deslocamento, espiritualidade e a condição humana.O ponto de partida é a associação entre a imagem da lua e o profundo sentimento humano que Segall atribuía à própria identidade judaica. A partir desse símbolo, a mostra evidencia como, em cada fase, o artista equilibra tensões pessoais, heranças culturais e observações sobre o mundo. A mostra destaca também a maneira como Segall absorveu os reflexos de seu tempo.

O MASP exibe a exposição André Taniki Yanomami: ser imagem / në utupë / image being, que reúne 121 desenhos produzidos entre 1976 e 1978 por André Taniki Yanomami (n. ca. 1945, Terra Indígena Yanomami, Roraima, Brasil). Taniki é xamã, guardião político e espiritual de sua comunidade, sendo responsável por “segurar o céu”, garantindo o equilíbrio cósmico, além de curar doenças e mediar relações. A expressão yanomami në utupë significa “ser imagem” e designa a essência vital de todos os seres, visível apenas aos líderes espirituais em visões xamânicas. Com curadoria de Adriano Pedrosa, diretor artístico, MASP, e Mateus Nunes, curador assistente, MASP, a mostra apresenta obras raramente exibidas ao público — 78 delas nunca exibidas antes —, que retratam a cosmologia yanomami, na qual humanos, animais, espíritos, floresta e céu coexistem em uma mesma ecologia espiritual.

Com realização da Vento Leste e produção da equipe MIS, a mostra apresenta um testemunho visual impactante a partir de ampla documentação sobre a escassez hídrica que afeta milhões de pessoas em diferentes países, incluindo o Brasil. O trabalho de Hiller desmistifica a ideia de abundância hídrica em regiões como a Amazônia e o Pantanal, revelando que mesmo no país detentor do maior volume de água doce do planeta, milhões de brasileiros vivem sem acesso à água limpa.

Com cerca de 67% de seu território coberto por florestas, o Japão é reconhecido como um dos países mais arborizados do mundo, segundo dados da Embaixada do Japão no Brasil. A partir deste cenário, o carpinteiro, mestre da madeira, pede a permissão das divindades das montanhas e florestas para cuidar das árvores, analisando cuidadosamente suas características e o seu crescimento para utilizar a madeira certa para o propósito certo. Tendo como base esse respeito e admiração pela natureza, junto com a responsabilidade e o comprometimento de construir algo duradouro, os carpinteiros japoneses desenvolveram uma técnica altamente refinada, que não depende de pregos ou peças metálicas. Este é um pouco do espírito que a exposição “Imbuídos das forças das florestas do Japão – Mestres da carpintaria: habilidade e espírito”, com curadoria de Marcelo Nishiyama, diretor associado e curador-chefe do museu Takenaka Carpentry Tools (Kobe, Japão). Em São Paulo, a mostra ainda ganhará uma segunda parte, prevista para março de 2026, dedicada ao kigumi, técnica arquitetônica que consiste em entalhar as peças de madeira para que se encaixem perfeitamente.

A exposição “Olhar Negro, Negro Olhar — Antologia da Fotografia Negra da Bahia”, traz um panorama sensível da fotografia produzida no estado. Com curadoria de Bené Fonteles e pesquisa e organização de Marcelo Reis, a mostra propõe um aprofundamento nas múltiplas camadas de significados sobre a negritude baiana.A exposição reúne obras de artistas que construíram, ao longo das últimas décadas, um repertório visual sobre o povo e a cultura da Bahia, entre eles: Adenor Gondim, Ayrson Heráclito, Bauer Sá, Christian Cravo, Mário Cravo Neto, Miguel Rio Branco, Pierre Verger, Zélia Gattai e Voltaire Fraga, entre outros.

A nova exposição temporária, ¡Cancha Brava! Futebol sudamericano en disputa, convida o público a vivenciar não apenas as conquistas e confrontos dentro de campo, mas também a paixão arrebatadora que move os sul-americanos, seus conflitos e contradições, tornando o futebol uma das manifestações culturais mais marcantes do continente. A curadoria de Luiza Romão, Matias Pinto e Gisele de Paula propõe um percurso histórico, político e poético, pelo subcontinente a partir do futebol, explorando instalações audiovisuais, paisagens sonoras, experiências interativas, fotografias e obras de arte – muitas produzidas com exclusividade para a exposição. Como o próprio título anuncia, a exposição é bilíngue, explorando os cruzamentos entre português e castelhano. !Cancha Brava! é uma síntese da história do nosso futebol, feita de muita paixão, particularidades e bolas divididas.

A exposição celebra o universo vibrante e multicolorido das letras pintadas à mão dos cartazes de mercado, das carrocerias de caminhões e das embarcações ornamentadas. Idealizada pelo artista Filipe Grimaldi em parceria com o artista e pesquisador Thiago Nevs e a produtora Carolina Herszenhut, a mostra, que reúne trabalhos de cerca de 60 artistas, propõe um mergulho na cultura visual popular do Brasil e de países como Argentina, Chile, Colômbia, México e Peru, valorizando saberes que atravessam gerações.Exaltando personagens que atuam no anonimato, a exposição é organizada em núcleos temáticos e retrata sobretudo, a diversidade de estilos da letra popular brasileira e latino-americana.

A fotógrafa Lucia Lang inaugura sua exposição individual “Régis, Cadê Você?”, um ensaio construído a partir de longas caminhadas pelo centro de São Paulo. Com olhar atento e sensível, a artista percorre ruas, becos e zonas de sombra da cidade em uma busca que é, ao mesmo tempo, urbana e existencial. O trabalho parte da procura quase infrutífera por alguém que partiu para revelar um centro em transformação, marcado pela diminuição do fluxo de pessoas, pelo esvaziamento afetivo e por mudanças profundas no tecido social.Longe de registros meramente documentais, as imagens constroem paisagens urbanas associadas a um estado de alma. A cidade deixa de ser pano de fundo e passa a atuar como agente ativo, influenciando sentimentos, percepções e modos de estar no mundo.

Rafael Pereira: A Cabeça de Zumbi inaugura a programação de 2026 da Galeria Estação, reafirmando a força poética e a crescente complexidade do trabalho do artista paulistano de 39 anos. Composta por dois núcleos expositivos, a mostra reúne 22 pinturas — sendo 20 retratos e duas naturezas-mortas — e apresenta, no mezanino, a série Nbimda, formada por 16 pinturas de cabeças de dimensões variáveis. Cada obra representa uma divindade (nkisi) cultuada no candomblé de Angola de matriz Bantu. A exposição evidencia, ainda, a ampliação de técnicas experimentadas durante o período formativo de Pereira, como o uso de bastão de giz pastel óleo sobre papel, revelando processos investigativos de um trabalho em transformação.

A última exposição de 2025 da Pinacoteca, “Trabalho de Carnaval”, é uma coletiva com obras de 70 artistas de diferentes gerações e origens, como Alberto Pitta, Bajado, Bárbara Wagner, Ilu Obá de Min, Heitor dos Prazeres, Juarez Paraíso, Lita Cerqueira, Maria Apparecida Urbano, Rafa Bqueer e Rosa Magalhães.A mostra no edifício Pina Contemporânea expõe 200 obras dentre adereços, projetos de decoração e documentação histórica em fotografia e vídeo, além de comissionamentos de projetos inéditos dos artistas Adonai, Ana Lira e Ray Vianna.Dividida em quatro temas – Fantasia, Trabalho, Poder e Cidade, “Trabalho de Carnaval” apresenta a maior festa popular do país como uma cadeia produtiva que envolve o trabalho das muitas mãos desde antes mesmo da festa acontecer, ao mesmo tempo em que alude à precariedade e invisibilidade desses profissionais.

Nome central da história do cinema, com filmes que marcaram gerações, Agnès Varda (1928–2019) também é autora de uma extensa produção fotográfica, tendo inclusive começado sua carreira como fotógrafa. Ao longo dos anos, consolidou-se como cineasta, mas a fotografia continuou presente em sua trajetória, seja em seus filmes, seja nas instalações artísticas que produziu no século 21.A exposição reúne cerca de 200 fotografias tiradas por Varda, principalmente entre as décadas de 1950 e 1960. O conjunto traz imagens clicadas em viagens, incluindo registros inéditos na China, em 1957, fotos em Cuba, no contexto pós-revolução, e nos EUA, onde a artista documentou os Panteras Negras. Há ainda fotos feitas em Paris, como as de uma peça encenada pelos Griôs, primeira companhia de teatro negro na cidade. Em diálogo, a mostra apresenta trechos de filmes da autora, enfatizando como o comprometimento social, o olhar afetuoso e o humor caracterizam a sua produção.

A exposição “Demonstra: pela poética def” reúne obras de Lua Cavalcante, Nara Rosetto, Guto Oca, Daniel Moraes, Jeff Barbato e João Paulo Racy, propondo um encontro entre arte, corpo e reexistência e reafirmando a deficiência como campo de conhecimento e invenção. A mostra nasce do desejo de construir um território coletivo, no qual artistas, educadores e pesquisadores com deficiência criam a partir de suas próprias vivências, deslocando o olhar do público sobre o que se entende por corpo, normalidade e estética.Com curadoria de Daniel Moraes, fundador da Demonstra, em colaboração com a pesquisadora Júlia Ayerbe, e assistência de curadoria de Maíra Freitas, a mostra articula diferentes linguagens - como desenho, fotografia, objetos-instalativos, vídeo-performance e publicações - em torno da ideia de acessibilidade estética e propõe uma constelação de corpos e poéticas def que questionam modelos hegemônicos de representação e pertencimento.

A mostra se debruça sobre a política da memória na diáspora asiática a partir do contexto das Américas e de seus entrelaçamentos transpacíficos. A exposição percorre tempos e geografias ao mesmo tempo distantes e interconectados, que se estendem da Segunda Guerra Mundial até o presente, reunindo trabalhos de 29 artistas de diferentes países do continente americano, do Caribe, e do Leste e Sudeste da Ásia. Com trabalhos em desenho, pintura, pôster, fotografia e vídeo, assim como revistas e jornais, Cartas à memória propõe uma constelação de imagens que funcionam como uma lente multifacetada para o trabalho da imaginação e da memória na diáspora.

O Museu do Ipiranga inaugura a exposição Debret em questão –olhares contemporâneos, que propõe um diálogo entre a iconografia do Brasil Império estabelecida pelo artista francês Jean-Baptiste Debret (1768–1848) e sua releitura, quasesempre crítica ou irônica, por parte de 20 artistas contemporâneos. A exposição é um desdobramento do livro Rever Debret (Editora 34, 2023), do pesquisador Jacques Leenhardt, que assina a curadoria ao lado de Gabriela Longman. Além de apresentar uma seleção de 35 trabalhos de Jean-Baptiste Debret, a mostra conta com obras de artistas contemporâneos que partem das referências visuais do artista francês.

A nova exposição do Museu das Favelas tem como fio condutor a potência do legado de Frantz Fanon, médico psiquiatra, pensador, crítico e revolucionário martinicano que marcou os séculos XX e XXI.Com mais de 130 obras de pessoas artistas de 8 países, Imaginação Radical: 100 anos de Frantz Fanon propõe um diálogo entre as ideias de Fanon e a arte contemporânea, evidenciando como sua obra permanece atual, influenciando a história da arte no Brasil e no mundo, além de gerações de ativistas, artistas e intelectuais.Dividida em quatro eixos temáticos, ela apresenta criações que dialogam com identidade, corpo, território e o sonho, convidando o público a refletir sobre a imaginação como uma prática radical de transformação da realidade.

A artista paulistana Marcia Pastore inaugura, a instalação inédita Cabodá. A obra foi selecionada pelo 1º Edital de Artes Visuais do Museu da Cidade de São Paulo, instituição vinculada à Secretaria de Cultura e Economia Criativa da Prefeitura de São Paulo, e tem origem na observação dos furos deixados pelas travessas de madeira utilizadas na construção em taipa de pilão, conhecidas como cabodás.O projeto parte da estrutura da edificação, feita em taipa de pilão, para construir uma obra que conecta interior e exterior do edifício. A partir dos vazios deixados no processo construtivo, Pastore transforma elementos arquitetônicos em escultura e propõe uma reflexão sobre equilíbrio, corpo e espaço.

A primeira exposição panorâmica da artista peruana Sandra Gamarra Heshiki reúne cerca de 80 obras dos últimos 25 anos de sua produção. Desde o final dos anos 1990, o trabalho de Gamarra adota uma perspectiva de crítica institucional, evidenciada pela criação do museu fictício LiMAC. A artista questiona a neutralidade das representações artísticas ao utilizar a apropriação crítica de pinturas e esculturas, sobretudo do período colonial, estabelecendo a “réplica” como forma de resposta a narrativas estabelecidas. A própria organização da mostra imita e critica a cronologia clássica de um museu latino-americano.

Muñoz investiga as relações entre identidade, memória e imagem por meio de experimentações com suportes fotográficos e audiovisuais.

FUNK: Um grito de ousadia e liberdade, a nova exposição temporária com curadoria de Taísa Machado, Dom Filó, Amanda Bonan, Marcelo Campos e Renata Prado, a exposição apresenta e articula a história do funk para além da sua sonoridade, evidenciando sua origem na matriz cultural urbana, periférica, a sua dimensão coreográfica, as comunidades, e os seus desdobramentos estéticos, políticos e econômicos no imaginário constituído em torno dele. Na versão apresentada no Museu da Língua Portuguesa, o projeto tem conteúdos exclusivos sobre o funk paulista. Entre eles, o acervo da memória da FUNK TV, produtora do bairro da Cidade Tiradentes, berço do movimento na capital. Trabalhos de artistas contemporâneos como Panmela Castro, Rafa Bqueer, Marcela Cantuária, Maxwell Alexandre, Rafa Black, Brenda Nicole, Tiago Furtado e Markus CZA, entre outros, também estarão em exibição.

La Chola Poblete produz performances, desenhos, fotografias e vídeos em que parte de seu corpo e biografia para discutir as complexidades da identidade chola — termo usado para designar mulheres mestiças de ascendência indígena na América Latina — e os legados coloniais na região Andina, incluindo a violência contra a população LGBTQIA+ e grupos racialmente marcados, dos quais ela faz parte. A mostra é composta por muitas obras inéditas e em diferentes mídias, como aquarelas de grandes dimensões que funcionam como mapas mentais, fotografias encenadas e trabalhos que misturam a iconografia pop com o imaginário pré-colombiano. O projeto, baseado em um manifesto da artista, questiona as categorias de enquadramento de seu corpo e obra, afirmando identidades híbridas e a possibilidade de transformação e fluidez contínuas.

Claudia Alarcón e o coletivo de tecedeiras Silät, formado em 2023 por mulheres de comunidades wichí do norte da província de Salta, na Argentina, criam obras têxteis a partir de técnicas ancestrais de seu povo. A exposição apresenta cerca de 30 obras, algumas delas inéditas, elaboradas com fios de chaguar (uma bromélia nativa do território em que vivem as artistas), que resgatam padrões e técnicas tradicionais usadas na confecção das yicas (bolsas típicas da região). Para o povo wichí, tecer é um ato ligado à memória, à mitologia e ao território. Alarcón & Silät preservam e atualizam esses saberes, experimentando sofisticadas composições a partir dos padrões tradicionais. Ao reivindicar o protagonismo feminino, as artistas usam a produção têxtil como linguagem viva e instrumento de afirmação cultural e política, expressando sua história e identidade.

O Colectivo Acciones de Arte foi fundado em Santiago do Chile em 1979, durante a ditadura militar, pelos artistas Lotty Rosenfeld (1943–2020) e Juan Castillo (1952–2025), a escritora Diamela Eltit, o poeta Raúl Zurita e o sociólogo Fernando Balcells. O grupo realizou, de forma rápida e anônima, intervenções em espaços públicos para repensar as relações entre arte e política em um contexto de violência e precariedade. A exposição reúne fotografias, filmes e documentos que registram as oito ações do coletivo entre 1979 e 1985. A intervenção mais conhecida, “NO+” (1983), espalhou o slogan aberto “NO+” (Não mais) pelos muros da cidade, sendo livremente completado por cidadãos e movimentossociais (“NO+ dictadura”, “NO+ hambre”). Essa participação popular transformou a ação em uma poderosa forma de denúncia expressão coletiva, fundamental para compreender as articulações entre arte e política na América Latina.

A mostra dedicada a Santiago Yahuarcani reúne cerca de 30 pinturas, incluindo obras inéditas, e dá continuidade à projeção internacional do artista após sua participação na 60a Bienal de Veneza (2024), onde seu trabalho chamou a atenção do público e da crítica. A obra do artista indígena do povo Uitoto, radicado na Amazônia peruana, está profundamente enraizada nas tradições orais, na cosmologia e na cultura visual de sua comunidade, articulando memória familiar, história e imaginação. Por meio da pintura, Yahuarcani desenvolve uma prática que combina investigação artística e retomada de narrativas. A história de deslocamento, violência e sobrevivência de sua família, descendente de sobreviventes da exploração do ciclo da borracha, é um fio condutor central em sua obra.

Abrindo a programação de 2026, a Pinacoteca apresenta Nocaute, primeira exposição institucional do artista camaronês Pascale Marthine Tayou no Brasil, um dos mais importantes nomes da arte contemporânea. A mostra apresenta diferentes momentos da carreira do artista, além de obras concebidas especialmente para a exposição. Tayou é conhecido por abordar temas como mobilidade, identidade, trocas culturais e relações entre humanidade e natureza, com trabalhos que cruzam linguagens e materiais diversos, incluindo escultura, pintura e grandes instalações.

O Octógono fica a cargo de Cristina Salgado, que desde os anos 1980 apresenta o corpo e a psique como temas centrais do seu trabalho. Em 2026, a artista realizará a maior instalação de sua carreira, intitulada A mãe contempla o mar.

Galindo é uma artista e poeta que utiliza seu próprio corpo para expor as violências impostas pelas estruturas de poder nas sociedades contemporâneas.

A mostra apresenta mais de três décadas de trabalho do artista Damián Ortega, um dos principais expoentes de sua geração. Transitando entre fotografia, vídeo, escultura e instalação, Ortega convida o público a reexaminar materiais e objetos cotidianos para investigar narrativas sociais, econômicas e políticas. Em sua icônica prática escultórica, ele desmonta objetos, como carros, reorganizando suas partes e exibindo-as em novas configurações. O mesmo pensamento de rearranjo aparece em obras em que dispõe ferramentas, pedras ou tijolos em montagens suspensas. A reorganização desses objetos na forma de diagramas espaciais é frequentemente carregada de humor e comentários políticos e sociais. A exposição destaca obras importantes de sua trajetória e um conjunto de trabalhos que investigam aspectos da arquitetura brasileira.

Na Pina Estação, acontece a exposição Macunaíma é Duwid, com curadoria do artista e ativista indígena Gustavo Caboco. A mostra toma a aproximação do centenário de Macunaíma, de Mário de Andrade, como uma oportunidade para rever e contextualizar o personagem a partir de uma perspectiva indígena, confrontando o imaginário modernista com as cosmologias e narrativas dospovos originários.

Alice Yura apresenta uma mostra individual no edifício Pina Contemporânea, a partir do desdobramento de sua pesquisa que entremeia fotografia, arquivo e memória.

Com trabalhos que incluem fotografia, instalação, vídeo, performance e desenho, a produção de Carolina Caycedo se constitui como um ponto de encontro entre saberes e práticas que vão da arte contemporânea aos saberes ancestrais ribeirinhos e às estratégias de resistência de movimentos sociais latino-americanos. A trajetória de Caycedo foi marcada por múltiplos processos migratórios que informam sua prática, refletindo as relações simbólicas e culturais que estabelecemos com o mundo. Trabalhando frequentemente de forma colaborativa, a artista busca reconstruir uma memória comunitária dos bens comuns, que englobam desde o espaço público urbano até rios e montanhas. A exposição apresenta um panorama abrangente de sua obra e conta com criações recentes desenvolvidas no contexto brasileiro em diálogo com outros contextos latino-americanos e suas diásporas. O título se refere tanto à convergência de cursos de água quanto ao encontro de pessoas, ideias e culturas.

Garay revisita narrativas coloniais latino-americanas, especialmente as relacionadas ao Peru, por meio de fabulações criadas a partir de artefatos museológicos e figuras históricas.

Complementando a programação do edifício Pina Luz no primeiro semestre, Paulo Pedro Leal (1894 – 1968), pintor brasileiro autodidata, terá primeira individual nas três salas do 2º andar.

A mostra de Caio Pacela explora campos como o da espiritualidade e da transcendência em diálogo com corpo, fé e identidade, reúne pinturas em óleo sobre tela; desenhos em grafite sobre papel; cadernos do artista e textos autorais intitulados ‘notas de culto’, abarcando as diferentes nuances e fases do artista, que opta pelo olhar fenomenológico e convoca o espectador a atribuir sentido às obras, a partir de suas próprias referências.O artista convida o espectador a observar e completar suas obras, acessando espaços interiores e individuais, a priori etéreos e impalpáveis, mas que acabam por reverberar em comportamentos coletivos mediados ora pela corporeidade humana (ou não), ora por paisagens da natureza em movimento e fúria. A arte de Pacela convida o público ao exercício do sentir, mas, também, ao de decodificar, sob o entendimento particular, o mistério, o não dito e o não aparente.

O “Museu da Antiga Colônia” é uma grande instalação que examina as perseverantes e inabaláveis estruturas coloniais através das lentes de Porto Rico, ilha que vivencia mais de quinhentos anos de influência e domínio colonial. Concebida pelo artista Pablo Delano, inclui uma miríade de objetos, fotografias, jornais, filmes e revistas que contam múltiplas histórias relacionadas, inicialmente, ao domínio espanhol e, atualmente, americano sobre comunidades indígenas e nativas, bem como sobre pessoas de ascendência africana. O título da instalação faz uma referência irônica à cumplicidade dos museus e a uma marca de refrigerante estadunidense muito popular em Porto Rico, ao mesmo tempo que destaca como o poder e a presença dos EUA se baseiam na exploração colonial, na higiene social e na hierarquia racial, que se materializam na circulação de bens, pessoas e valores, e no recrutamento de antropólogos, missionários, fotógrafos e políticos para sustentar a matriz colonial.

Calel se destaca por uma poética sensível, atravessada por dimensões espirituais e rituais vinculadas à cosmovisão maia-kaqchikel. Suas obras propõem uma reflexão crítica sobre a marginalização das comunidades indígenas latino-americanas e questionam formas hegemônicas de produção, exposição e circulação de arte.

Histórias latino-americanas será uma coletiva internacional articulada em cinco núcleos. Essa ampla mostra investiga como a ideia de América Latina foi criada e disputada ao longo do tempo. A exposição parte dos processos de colonização, marcados por violência e extrativismo, e examina o papel do barroco e da invenção do paraíso tropical como regimes de imagens que difundiram o poder colonial, a fim de evidenciar como essas dinâmicas moldaram a modernidade na região e destacar contranarrativas e formas de contestação. A mostra considera a circulação de pessoas, bens e ritmos em processos de migração e diáspora que conectam a América Latina a outras geografias. Por fim, explora concepções indígenas sobre fim e renovação, convidando a imaginar futuros possíveis diante das crises do presente.

A exposição retrospectiva apresenta mais de 80 obras de Rosa Elena Curruchich, pintora autodidata indígena de origem Maya Kaqchikel. Curruchich foi neta do artista que deu início a uma tradição popular de pintura a óleo entre os Kaqchikel nos anos 1930. Sua obra se destaca entre as da primeira geração de pintoras mulheres dessa tradição pelo modo como trabalhou o legado pictórico do registro da vida cotidiana e das cerimônias de seu povo, com especial atenção aos huipil (vestuário feminino artesanal). A artista manteve sua prática em segredo, com medo de represálias, o que levou seu corpo de pinturas a ser marcado pelo pequeno formato para transporte discreto.

O artista Jesús Soto foi um dos nomes mais importantes da arte cinética, sendo um dos expoentes do modernismo latino-americano em um cenário global. Em suas obras, Soto introduziu a sensação de movimento e a participação do espectador, como em seus “Penetráveis”, além de incorporar fenômenos ópticos pela sobreposição de planos e transparências. Dissolvendo as fronteiras rígidas entre observador e obra, o artista contribuiu de maneira decisiva para o debate de questões teóricas que permanecem atuais, como as noções de imaterialidade, interação e virtualidade. A exposição destaca a produção de Soto entre o início da década de 1950 e o final dos anos 1980, período em que o artista se debruçou de modo mais experimental sobre as experiências ópticas, geométricas e interativas.

A exposição é a primeira no Brasil dedicada ao curta-metragem documental “TRANS” (1982), dirigido pelos artistas venezuelanos Manuel Herreros de Lemos e Mateo ManaureArilla, e estreado em 1983. Além da exibição do filme, a mostra reúne um conjunto inédito de materiais fotográficos relacionados à sua produção, apresentando as vidas, as subjetividades e os enfrentamentos de pessoas trans e travestis na cidade de Caracas no início da década de 1980. O trabalho retrata com sensibilidade questões urgentes, como a criminalização do trabalho sexual, a violência de gênero e a marginalização institucional. Na contramão de uma perspectiva distanciada, o filme propõe uma colaboração poética e política entre diretores e protagonistas, cujas relações de intimidade, vulnerabilidade e potência se refletem nas imagens.