EXPOSIÇÕES

A Dan Galeria apresenta uma mostra coletiva, com curadoria de Maria Alice Milliet, que explora as expressões geométricas da arte brasileira do século XX. São exibidas obras de artistas como Judith Lauand—recentemente celebrada no MoMA, Dionísio del Santo, Hércules Barsotti, que, com suas cores potentes, demonstram que a geometria não é fria, mas carregada de lirismo e intensidade poética.Obras emblemáticas de Max Bill, Rubem Valentim, Alfredo Volpi, Franz Weissmann, Geraldo de Barros, Ivan Serpa e Sérgio Camargo aparecem lado a lado de peças raras como o "Bicho" e a "Superfície modulada" de Lygia Clark, sugerindo que a abstração geométrica sempre caminhou em direção a uma profunda humanização da forma.Destaca-se ainda a inclusão de obras raramente exibidas, tais como o surpreendente relógio de Lothar Charoux, notável pela originalidade do design e do artista e a pintura sobre madeira do cubano Sandu Darie, que ampliam o diálogo da arte geométrica para o contexto latino-americano, demonstrando a relevância continental desse movimento.

A exposição propõe um diálogo entre diferentes abordagens poéticas e conceituais no campo da arte contemporânea, reunindo obras dos artistas visuais Alexandre Nitzsche, Douglas de Souza e Gabriela Mureb, com texto crítico assinado por Cristiana Katagiri.

A WG Galeria abre a coletiva Natureza Vivida. A mostra conta com obras da artista representada pela galeria Renata Laguardia (MG) e dos artistas convidados Giulia Bianchi (SP) e Arthur Arnold (RJ). A mostra tem a curadoria da pesquisadora Sylvia Monasterios.Natureza Vivida tem como premissa o encontro de três artistas nascidos em estados brasileiros distintos, com pesquisas concentradas na pintura, e que praticam a partir de técnicas diferentes a pesquisa pictórica obstinada. Provavelmente por isso, alguns elementos encontram sinergia em suas criações: o uso de cores fortes e saturadas e os gestos marcantes. A multiplicidade da arte, com seu vasto universo de possibilidades, muitas vezes direciona para caminhos que expressam sentimentos simbióticos, como se pode ver nesta exposição. Ao todo, o público poderá conferir 30 pinturas inéditas, de estilos figurativos e abstratos e temáticas ligadas à natureza, o cultivo do alimento e os costumes no ato de alimentar.

A mostra revisita a trajetória do artista Vicente Paulo do Rego Monteiro com ênfase em sua produção escrita. Resultado de uma pesquisa desenvolvida ao longo de anos, o curador e artista Paulo Bruscky apresenta pela primeira vez ao público brasileiro os poemas visuais de Rego Monteiro — exibidos no Centre Georges Pompidou, em 2017, em Paris — junto a uma rica documentação que percorre sua vida e obra, incluindo pinturas, desenhos, cartas, poemas, fotografias, gravações e caligramas.Agora, quase uma década depois, a exposição é retomada sob um novo olhar, incorporando obras inéditas, documentos adicionais e uma abordagem ainda mais ampla da pesquisa de Bruscky, outro artista múltiplo e seu conterrâneo. O resultado é um panorama enriquecido da trajetória de Rego Monteiro, revelando a complexidade e a modernidade de sua produção artística.Há pinturas das décadas de 1920 e 1930, livros, cartazes, discos, baralhos e um compêndio dos caligramas que antecedem os concretistas brasileiros. Vicente, o poeta que ganhou o Prêmio Apollinaire, editava em Paris e imprimia em Recife — numa troca oblíqua e luminosa entre mundos.

O Itaú Cultural apresenta a primeira retrospectiva do artista brasileiro Carlos Zilio. Com caráter cronológico, a mostra acompanha a sua produção de 1966 a 2022 definida por cada fase de sua vida. A exposição passa pelas diferentes etapas da obra do artista – entre técnicas, linguagens e suportes variados – e acompanha o desenvolvimento do trabalho iniciado com uma produção politizada, durante a ditadura militar, passando por trabalhos abstratos e de experimentação em uma reflexão sobre a identidade nacional e o modernismo brasileiro, até chegar ao vazio e à ausência. A mostra exibe também cadernos de trabalho de Zilio, nunca expostos. A exposição conta com curadoria de Paulo Miyada.

Nascida Lúcia, mas batizada Suanê pelo pajé da aldeia do povo indígena Fulni-ô, no interior pernambucano, a artista plástica teve intenso convívio com as tradições da comunidade da vila de Águas Belas e de outros vilarejos, até chegar a Recife e Olinda. Das vivências se inspirou nas memórias, nas lendas contadas, músicas e rezas ouvidas para transformar tudo em arte. Parte dessa produção estará na exposição que tem a curadoria de Ivo Mesquita, e reúne obras da fase contemporânea de Suanê.A exposição reúne um conjunto representativo de trabalhos da última etapa da carreira da artista pernambucana (1922-2020) radicada desde 1940 em São Paulo onde desenvolveu, de forma discreta, mas longa e intensa, uma produção artística consistente, própria do seu tempo. Foram seus últimos 20 anos de atuação.

Dopamine land propõe uma instalação multissensorial e imersiva, com espaços que mesclam diversão, tecnologia, cores e interatividade.

A ocupação homenageia a arte-educadora Ana Mae Barbosa. No total, a exposição se desdobra em 300 itens que passam pela sua biografia, que a levou a se tornar precursora da arte-educação no Brasil – a partir dos anos de 1950/1960, seguindo até hoje. Há documentação, materiais audiovisuais, livros disponibilizados para manuseio – só os publicados por ela, são mais de 30 –, obras, documentos nunca vistos, desenhos, catálogos, jornais, cadernos e curiosidades.A curadoria desta Ocupação, que é a 68a da série, é de Clarissa Diniz, pesquisadora, educadora e crítica de arte. A co-curadoria é da equipe Itaú Cultural e o apoio para a pesquisa curatorial é do também arte-educador Rodrigo Ferreira. O projeto expográfico é de Thereza Faria.Entre o material apresentado há documentos históricos, como a transcrição de palestra feita pelo educador Paulo Freire (1921-1997), a convite de Ana Mae, durante a Semana de Arte e Ensino na Universidade de São Paulo (USP), em 1980. Ele ficou perdido por décadas, tendo sido encontrado durante as pesquisas para esta exposição.

Exposição individual da artista Sallisa Rosa, artista que trabalha com o barro como matéria prima de suas esculturas. A mostra nos convida a sentir a terra como memória tátil, como corpo. Acionando temas como ancestralidade e território, podemos nos perguntar: quais são as intervenções que os corpos humanos têm feito com o corpo-Terra?

Exposição individual da artista Celina Portella, intitulada "Uma, nenhuma e cem mil". A mostra reúne um conjunto inédito de trabalhos em vídeo, fotografia, gravura e instalação, aprofundando as investigações da artista sobre corpo, matéria e percepção — agora, também com ênfase na fragmentação da imagem e seu ocultamento. O título remete ao romance de Luigi Pirandello que conta o impasse existencial de um sujeito que se vê dividido entre a imagem que tem de si e as múltiplas imagens projetadas sobre ele pelo olhar do outro. Assim como na obra literária, a artista parte do princípio que cada imagem é, na verdade, um reflexo das subjetividades alheias – e é precisamente esse jogo de percepções que constitui o cerne de sua investigação. Ao ocultar o rosto em diversas obras, a artista retira da figura a sua marca mais evidente de identidade, abrindo espaço para leituras que ultrapassam o autobiográfico. Celina tem interesse por um corpo-sem-identidade, capaz de representar muitos outros. Em vez de afirmar uma individualidade fixa, ela opera uma dissolução do eu em multiplicidade: o corpo como um campo fluido, dividido entre o um, o nenhum e os cem mil.

Exposição individual de Felipe Góes. Com texto curatorial de Renata Rocco, a mostra reúne o conjunto de 8 pinturas que evocam paisagens em constante formação, erosão e reinvenção.O ponto de partida conceitual da exposição emerge do encontro entre a obra do poeta Manoel de Barros (1916-2014) e o fenômeno natural que originou Surtsey — ilha formada no Atlântico sul da Islândia em decorrência de uma erupção vulcânica entre 1963 e 1967. Desde a erupção, Surtsey vem sendo moldada pela erosão dos ventos e do mar, que já reduziu a ilha a quase metade de suas dimensões, em um ciclo contínuo de feitura e desfazimento. Esse processo ressoa diretamente no gesto pictórico de Góes: camadas sucessivas de tinta cobrem parcialmente tentativas anteriores de forma, revelando e ocultando memórias, fantasias e construções imagéticas. Nesse sentido, a exposição dialoga com a poética de Manoel de Barros, poeta brasileiro do século XX cuja obra se debruça sobre a reinvenção do olhar para o mundo ordinário.

Em homenagem ao artista Cassio Michalany (1949-2024), a exposição celebra sua trajetória um ano de seu falecimento, ocorrido em 04 de julho de 2024. A exposição conta com cerca de 36 obras, que datam de 1960 a 2020, sendo que, muitas delas, são inéditas ao público.A mostra nasce do desejo de compartilhar com o público não apenas a força plástica de sua obra, que explora cores, texturas e formas geométricas, mas também os vínculos pessoais, afetivos e artísticos que nos unem a ele. Mais do que uma retrospectiva, a exposição é um reencontro com a obra e a memória de um artista que soube, como poucos, silenciar o excesso e fazer da cor um acontecimento. Obras dos colecionadores Augusto Livio Malzoni, José Olympio da Veiga Pereira e Walter Appel foram emprestadas para o evento.Em sua produção, o artista parte da crítica à pintura como representação do mundo e volta-se às questões relativas ao espaço, cor, brilho e matéria. Suas primeiras obras mais significativas, realizadas entre 1979 e 1980, são pintadas sobre lona crua, apresentando áreas regulares e autônomas. Em 1983, realizou quadros monocromáticos. Durante a década de 1990, passa a apresentar, em suas séries, a permutação de faixas de cor.

A galeria apresenta uma exposição coletiva com 16 artistas de diferentes nacionalidades, que se estrutura ao redor do conceito de circularidade. As obras, em sua maioria inéditas, selecionadas pela artista, fotógrafa e curadora Renata Siqueira Bueno criam uma dança sutil e atemporal, conduzida pela memória, pela emoção e pelas associações espontâneas entre materiais e poéticas. O protagonismo, em termos de suporte, recai sobre o papel — seja em fotografia, colagem, gravura, monotipia ou desenho — como superfície sensível e plural, que acolhe gestos diversos e revela afinidades inesperadas. Artistas participantes: Caio Pacela, Feco Hamburger, Kika Levy, Alex Červený, Anônimo, Athos Bulcão, Bárbara Paz, João Zocchio, Julio Villani, Leda Catunda, Lourdes Castro, Luciana Maia Rosa, Marina Sheetikoff, Paola Junqueira, Peter Handke e Renata Siqueira Bueno.

Em sua sede localizada na Vila Modernista, a Superfície apresenta a individual de Gerty Saruê. Com 14 desenhos em bastão oleoso, a mostra resgata o texto da professora e historiadora da arte Maria Izabel Branco Ribeiro escrito em 1993, na ocasião da exposição da artista no MAC USP, que trazia uma parte do conjunto de desenhos.Gerty Saruê nasceu na cidade de Viena, Áustria, em 1930, e se mudou para São Paulo na década de 1950, onde acompanhou o crescimento desenfreado da metrópole. Desde o início de sua produção, nos anos 1960, o contexto urbano, a cultura de massa e a sociedade industrial assumem papel fundamental e estruturante no seu fazer artístico.A obra de Gerty Saruê acompanha, ao longo dos anos, uma linha historiográfica dos meios de reprodução da imagem: tanto a técnica quanto as temáticas de seu trabalho refletem o pensamento gráfico e as possibilidades tecnológicas de diferentes épocas, em compasso com os progressos da atividade industrial .

Segunda edição do programa do museu dedicado a revisitar e propor novos olhares sobre o seu acervo. Para esta edição, a a exposição reúne obras dos artistas Eustáquio Neves (Juatuba, MG, 1955) e Zimar (Matinha, MA, 1959), este último com produção recentemente incorporada ao acervo do museu. A mostra propõe um encontro potente entre linguagens distintas, mas igualmente comprometidas com a experimentação, a artesania e a investigação sobre memória, corpo e território. Fotógrafo mineiro com formação em Química Industrial, Eustáquio Neves desenvolve uma poética visual que rompe os limites da fotografia tradicional. Manipula negativos analógicos com processos químicos e intervenções manuais, como pintura e desenho, criando imagens densas, texturizadas, que evocam a materialidade da memória.Do outro lado, Zimar apresenta suas impressionantes caretas de cazumbás — máscaras feitas com materiais reaproveitados, como capacetes, ossos, papel machê e borracha, que dão forma a figuras enigmáticas do Bumba meu boi maranhense.

“Turbilhão” intitula a individual do artista Solly Kamkhagi na MITS Galeria. Artista de origem judaico-libanesa, Solly tem uma trajetória que atravessa mais de seis décadasde prática em desenho, pintura e escultura. Para a mostra, ele apresenta 10 telas, sendo nove inéditas.Radicado no Brasil desde 1968, o artista desenvolveu uma linguagem profundamente marcada pelo rigor técnico de sua formação clássica, que foi aprimorada por sua vivência no Brasil.A mostra, que tem curadoria de Khadyg Fares, é um novo capítulo na vida do artista que, sem amarras ou vícios, apresenta frescor aos 85 anos em obras comprometidas com a liberdade pictórica.

O multiartista Tadeu Jungle apresenta a mostra “TUDO PODE (perder-se)” no Centro Cultural Fiesp - Espaço de Exposições, nos Jardins, em São Paulo. Curada por Daniel Rangel, é a primeira exposição retrospectiva e prospectiva do multiartista - que completa 45 anos de produção, que é um herdeiro da poesia concreta e um dos precursores da videoarte no País. O espaço será ocupado por obras que se dividem em poética verbivocovisual, incluindo peças originais dos anos 80 e trabalhos, especialmente concebidos para a exposição. São instalações de suportes e técnicas variadas, relacionadas ao universo das artes visuais e da comunicação de massa e ainda uma série de vídeos, relacionada com sua produção de videoarte.

Exposição individual da artista portuguesa Joana Vasconcellos. A mostra reúne obras inéditas no Brasil de uma das vozes mais influentes da arte contemporânea internacional, cujo trabalho é marcado por esculturas de tamanhos monumentais que se apropriam de objetos e tecidos do cotidiano.A sala principal da galeria apresenta Valkyrie Léonie , uma escultura monumental suspensa que integra a icônica série das Valquírias, desenvolvida por Joana Vasconcelos desde 2004. A série constitui uma reinterpretação profunda e contemporânea do mito nórdico das valquírias — virgens guerreiras encarregadas de conduzir os heróis caídos em batalha até Valhalla. As esculturas, de contornos enigmáticos, fundem elementos têxteis e tecnológicos, revelando uma linguagem visual que transita entre o universo mitológico e a história contemporânea.Entre o monumental e o íntimo, entre a mitologia e o presente, a exposição convida o público a uma experiência onde arte, história e imaginação se entrelaçam.

Exposição individual de Hiroshi Sugiro (Nagoya, 1970), com pinturas produzidas em 2025. Esta é a quarta vez que o artista expõe em São Paulo, após três mostras na galeria no início dos anos 2000.Sugito é conhecido por suas pinturas etéreas, que trazem referências do Nihon-ga, a tradição japonesa onde ele se formou. Definidas por camadas de pigmento e uma paleta suave e nebulosa com tons ácidos, suas composições são moldadas pelo ambiente — dos gestos do artista ao clima e os processos diários de ateliê — tornando-se recipientes que absorvem o que está fora da imagem. Suas composições frequentemente apresentam motivos e formas recorrentes que fazem alusão a paisagens ou naturezas-mortas, habitadas por formas esvoaçantes que lembram velas e canoas, casas, construções enviesadas e cortinas.

A Fortes D’Aloia & Gabriel apresenta Esculturas com Vento, exposição individual de Erika Verzutti. Nesta mostra, Verzutti expõe suas séries em andamento — ou “famílias” — a ventos conceituais que distorcem e remodelam suas formas escultóricas. Essas novas obras se relacionam com uma atmosfera carregada, como se condições turbulentas testassem os limites de suas formas e estruturas.Nos últimos anos, a artista tem reorientado suas esculturas totêmicas e alongadas na horizontal, como se estivessem repousando, em estado de exaustão, sobre blocos de jornais envoltos em resina. Aqui, elas enfrentam novas pressões externas e ressonâncias internas. Enquanto obras anteriores sugeriam um colapso sob o peso da informação e da sobrecarga sensorial contemporâneas, a disposição formal e a organização espacial das novas peças de Verzutti conferem a elas um caráter resiliente, como se reagissem à crise com maleabilidade, testando sua resistência à deformação.

A galeria Simões de Assis apresenta uma individual do artista Manfredo de Souzanetto. A mostra reúne 16 obras produzidas entre os anos 1970 e 2025, além de uma instalação de piso e uma vitrine com estudos e pigmentos naturais utilizados pelo artista.A seleção inclui trabalhos centrais das décadas de 1970 e 1980, ao lado de obras realizadas a partir dos anos 2000 e dois trabalhos de 2025. Estão presentes pinturas que articulam formas orgânicas e geométricas em composições que misturam referências à arquitetura e à paisagem.Parte dos trabalhos apresentados tensiona os limites entre pintura e escultura.Desde os anos 1980, Souzanetto emprega pigmentos naturais misturados à resina acrílica. O material é extraído de regiões de Minas Gerais, muitas vezes em minas abandonadas, onde o solo é rico em minerais como óxidos de ferro e alumínio. Além disso, o artista incorpora madeira, pedra e metal em sua produção.

A galeria apresenta TERRA, uma curadoria de Moacir dos Anjos e Priscyla Gomes acerca de artistas e obras que têm a terra como suporte moldável ou que a exploram em suas dimensões poéticas e políticas. Com mais de setenta obras – entre pinturas, cerâmicas, fotografias, esculturas, vídeo e instalação – TERRA ainda inclui um núcleo documental composto por publicações históricas disponíveis para leitura. Voltados principalmente à questão indígena no Brasil, estes documentos são compostos por duas reportagens fotográficas de Claudia Andujar publicadas em edições da revista Realidade, que circulou em território nacional entre 1966 e 1976; a célebre série “Os donos da terra”, do fotógrafo francês Jean Manzon, publicada em 1947 na revista O Cruzeiro; o fotolivro Amazônia (1978), de Claudia Andujar e George Love; e o emblemático livro Xingu: território tribal (1979), com fotografias de Maureen Bisilliat e textos de Orlando Villas-Bôas e Cláudio Villas-Bôas sobre as comunidades indígenas do Xingu.

O Instituto de Arte Contemporânea-IAC apresenta a exposição "Modus Operandi” da artista Regina Silveira na Consolação, em São Paulo.A mostra - que tem curadoria Agnaldo Farias - professor da FAU-USP e crítico de arte, apresenta os processos criativos e desenvolvimento de algumas de suas obras de diferentes períodos, além de maquetes, desenhos preparatórios e mesmo documentários em vídeo. O conjunto ocupa duas salas expositivas e a área do café da instituição. Alguns dos trabalhos expostos no IAC já foram vistos no Brasll, mas outros foram obras site-specific, instaladas temporariamente em outros países como Bélgica, Estados Unidos, México, Chile e Japão.

Exposição em homenagem ao centenário de Antônio Poteiro. Com curadoria de Marcus de Lontra Costa, a mostra reúne 53 obras, entre pinturas e esculturas, que abrangem diferentes fases da carreira de Antônio Poteiro (1925-2010).Antônio Poteiro já era um ceramista conhecido quando começou a pintar, incentivado por nomes como Siron Franco e Cléber Gouvêa. Seu trabalho logo se destacou pelo uso vibrante das cores, composições densas e temas ligados ao cotidiano brasileiro – com ênfase na religiosidade, nas festividades populares e na vida rural. Autodidata, o artista construiu uma obra autêntica e original.

A exposição coletiva investiga perspectivas de artistas de diferentes origens sobre a experiência da noite, com seus mistérios, personagens e ritos. Em cada um dos sete núcleos, a mostra percorre o assunto através de diferentes abordagens, desde um viés social, com reflexões sobre os impactos da modernização nas cidades no século 20, até uma narrativa mais fantástica e imaginativa.Em “Tecendo a manhã” a experiência da noite se apresenta como um problema artístico para refletir sobre vivências individuais, que aparecem, por exemplo, nas representações de sonhos e pesadelos, e coletivas, que dizem respeito a formação histórica e social do país. Atividades de lazer, surgimento de novas profissões, vivências na cidade figuram em obras emblemáticas, muitas delas expostas pela primeira vez.

Na Sala de Vídeo do edifício Pina Luz, Bárbara Wagner e Benjamin de Burca apresentam a obra Estás vendo coisas (2016).Apresentado na 32ª Bienal de São Paulo, Estás Vendo Coisas / You Are Seeing Things investiga a paisagem social e profissional da música Brega no Recife. A indústria dos videoclipes atua como catalisadora de uma ideia de futuro marcada pelo desejo de sucesso, moldado pelas dinâmicas do capitalismo. O filme observa esse universo em que a autorregulação e a manipulação da imagem desempenham um papel central na construção da voz, do status e da identidade de uma nova geração de artistas populares.

Partindo de um repertório ligado à abstração geométrica e aos ativismos de gênero e sexualidade, Ad Minoliti propõe um novo modelo de educação artística, transformando a sala expositiva em um espaço de aprendizado teórico-prático.A oitava edição da Escola Feminista de Pintura foi pensada como um site-specific para a Galeria Praça, espaço que já foi uma sala de aula.Ao entrar na Grande Galeria, o público tem acesso ao manifesto da Escola Feminista de Pintura, em diálogo com um conjunto de obras abstratas do acervo da Pinacoteca, feitas por artistas mulheres que tiveram destaque no Brasil desde os anos 1950 até a atualidade. No espaço, estão obras de Lygia Pape, Judith Lauand, Maria Bonomi, Mira Schendel, Moussia Pinto Alves, Rebeca Carapiá e Tomie Ohtake.

Em latim, Circumambulatio quer dizer andar em torno de. Foi o título escolhido para dar nome ao trabalho desenvolvido por Anna Bella Geiger com um grupo de alunos do Setor de Integração Cultural do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, em 1972. Classificada como um ambiente ou instalação, Circumambulatio é o que se chama na história da arte de obra processual, ou seja, um trabalho vivo, resultado de uma ação que permanece em aberto, podendo sofrer modificações e acréscimos ao longo do tempo. A montagem apresentada aqui reúne as peças (diapositivos, sons, fotografias e papéis manuscritos) que compuseram a versão original da instalação mostrada pela primeira vez, em 1972, no MAM RJ. No ano seguinte, por iniciativa de Walter Zanini, então diretor do MAC USP, a obra foi exibida e comprada pela instituição. Essa é a primeira vez que o museu remonta a instalação, desde 1973.

Exposição individual do artista Marcos Siqueira. Com curadoria de Fabiana Lopes, a exposição apresenta obras que partem da Serra do Cipó (MG) para refletir sobre a materialidade e a vida. As telas de Siqueira nascem de investigações sobre espaços, seus limites e as possibilidades de expansão que eles oferecem.

A Galeria Marcelo Guarnieri apresenta, “Fermata Erótica”, terceira mostra do artista José Carlos Machado (Zé Bico) em sua unidade de São Paulo. A exposição reúne um conjunto de 27 esculturas realizadas durante os últimos três anos e outras 9 realizadas entre os anos de 2020 e 2021, exibidas pela primeira vez. A partir da força magnética dos ímãs, Zé Bico dá continuidade à sua investigação sobre o equilíbrio e a instabilidade, explorando, através de objetos em chapa metálica, ferro, aço, feltro e areia, as tensões entre a força gravitacional e a matéria. A exposição conta com texto de apresentação do artista e curador Rafael Vogt Maia Rosa.Ter trabalhado por tantos anos com ímãs na produção de suas obras permitiu a Zé Bico desenvolver uma prática baseada em movimentos sutis, de cálculos exatos, gerados não por métodos teóricos, mas sim empíricos. Em “Fermata Erótica”, o artista apresenta peças em diferentes escalas e alturas, contrapondo a dureza e a ortogonalidade de blocos e cilindros de ferro ao movimento curvo das fitas metálicas. Firmes em suas bases, essas esculturas relacionam-se com o espaço através dos vazios contornados por linhas sinuosas e formas abauladas que remetem ao símbolo da fermata.

A Superfície inaugura a exposição individual que apresenta a produção de um dos principais expoentes da arte conceitual nacional e das práticas ambientais. Com curadoria de Diego Matos, a mostra constrói um panorama da obra de Luiz Alphonsus, tanto em termos históricos quanto poéticos, permitindo atualizar e restabelecer sua relevância histórica.Natural de Belo Horizonte, Luiz Alphonsus mudou-se para o Rio de Janeiro aos sete anos, em 1955, lugar onde vivenciou a infância. Anos depois, foi com a família para Brasília, onde morou entre 1961 e 1969. Neste ano, voltou e se estabeleceu em definitivo no Rio de Janeiro, onde firmou-se como artista próximo à comunidade artística que vivenciava o Museu de Arte Moderna do Rio (MAM Rio). Fotógrafo, pintor, escultor e artista multimídia, a obra de Luiz Alphonsus é marcada pelas formações geológicas e situações político-geográficas de seus arredores, além de uma preocupação em construir um entendimento poético da ideia de espaço (espaço como lugar ou espaço como cosmos).

Raphaël Zarka volta ao Brasil para apresentar Gnomonic Woods, sua segunda exposição na Luciana Brito Galeria. A mostra reúne obras que demonstram importantes aspectos da pesquisa do artista e alguns desdobramentos desde sua primeira mostra, em 2013, por meio de um conjunto de esculturas e xilogravuras, além de uma pintura de parede pensada exclusivamente para a ocasião da mostra.O artista francês parte do experimentalismo teórico e científico para embasar sua pesquisa artística, que recai principalmente sobre a potencialidade escultórica dasestruturas, como volumes e geometrias, bem como suas histórias e contextos, influenciado pela arquitetura, urbanidade, além das histórias da arte e da ciência. Oartista apresenta um interesse especial pela geometria, linguagem comum a vários diferentes campos (como a arte, a ciência e o técnico), inclusive a objetos feitos pelohomem, em particular aqueles que foram esquecidos ou negligenciados.

A galeria apresenta a primeira individual da artista carioca Dani Cavalier (Rio de Janeiro, 1993). Com textos críticos assinados pelo curador Tomás Toledo e pela historiadora da arte Isabel Carvalho, a exposição marca o início da representação da artista pela Galatea.Reunindo um conjunto de obras inéditas, a exposição apresenta a pesquisa que Cavalier tem desenvolvido nos últimos anos em torno do conceito de “pinturas sólidas” — composições feitas com retalhos de tecidos reaproveitados da indústria da moda que operam entre pintura, escultura e instalação. Em vez de tinta e pincel, a artista utiliza retalhos coloridos de Lycra, tecido com o qual se familiarizou a partir da sua antiga marca de moda praia, a Aro SwimWear.Os recortes de lycra que envolvem o chassi criam tramas, texturas, justaposições e blocos de cor que desestabilizam a ideia tradicional de superfície pictórica e composição.

Exposição individual da artista Marina Weffort, sua obra produz uma reconfiguração cinética da lógica construtiva e escultórica dos tecidos, transitando entre desenho e escultura em estruturas suaves, móveis, contornadas e geométricas. Ao desfiar os tecidos fio a fio, Marina apresenta as fibras soltas como relevos suaves e de fácil movimentação, em contraste com seus desenhos-pinturas-impressões de gesso e grafite sobre tela, também em exposição na galeria.

A Casa Seva, espaço dedicado à arte, cultura e sustentabilidade apresenta a exposição “Uma Transa AntárticAmazônica”, com obras do fotógrafo e cineasta Jorge Bodanzky e do historiador e fotógrafo João Paulo Barbosa. A mostra reúne 21 trabalhos que atravessam décadas de expedições e contemplações dos artistas em dois dos territórios mais emblemáticos do planeta: a Amazônia e a Antártica.Bodanzky e Barbosa propõem uma reflexão visual sobre a interligação de ecossistemas aparentemente distantes, mas que compartilham os impactos das ações humanas. A partir de recortes temporais e geográficos, os artistas apresentam uma narrativa que flerta com o apocalíptico e o poético, o documental e o existencial. A construção narrativa da exposição ficou a cargo do ambientalista e artista multimídia brasileiro de origem tcheca e indígena Thiago Cóstackz, ampliando o diálogo entre arte e ativismo ambiental.

A Luciana Brito Galeria apresenta a primeira exposição individual da artista Rochelle Costi na galeria desde seu falecimento, em 2022. Com curadoria da chilena Alexia Tala, a mostra traz a essência da poética da artista, resgatada por meio de mais de vinte obras, que se entrelaçam em uma narrativa seguindo o conceito desenvolvido pelo escritor francês Georges Perec, em Aproximações ao infraordinário: “O que acontecequando não acontece nada? Como falar dessas horas, desses dias em que nada acontece, em que se passa apenas o que acontece todos os dias — o habitual, o cotidiano, o evidente, o comum, o ordinário, o infraordinário, o de todos os dias?”

Coletiva com obras de Célia Euvaldo, Ester Grinspum, Geórgia Kyriakakis e Shirley Paes Leme, além Iole de Freitas e Elizabeth Jobim. Completam o grupo Frida Baranek,, e Maria-Carmen Perlingeiro.Com curadoria de Ana Carolina Ralston, a exposição propõe um salto temporal da produção dessas artistas nos anos 80 até suas criações mais recentes, refletindo sobre a continuidade e o amadurecimento de suas investigações.

A Galatea apresenta uma série inédita de pinturas do artista sergipano Antonio Maia (1928-2008). A exposição destaca o olhar singular de Maia sobre os 22 Arcanos Maiores do tarô, símbolo místico e esotérico que atravessa sua produção artística. A partir de uma experiência com o tarólogo Namur Gopalla em 1986, o artista aprofundou uma pesquisa intuitiva que já vinha construindo, integrando também referências à astrologia, cabala e alquimia.Natural do interior de Sergipe, Antonio Maia construiu uma obra marcada pelo diálogo entre a religiosidade popular nordestina e as linguagens visuais contemporâneas. Sua produção é reconhecida principalmente pelos ex-votos, tema que permeou seu trabalho por mais de 30 anos, mas nesta série, ele amplia sua abordagem, incorporando elementos do imaginário esotérico e místico, criando uma ponte entre o popular e o pop, como define o curador, que chama essa atmosfera de “surrealismo nordestino”.

A exposição apresentada no Instituto Tomie Ohtake é resultado de um processo formativo e coletivo, realizado ao longo de 2024, dentro de uma residência voltada exclusivamente a pessoas negras na Casa Sueli Carneiro.O programa foi orientado pelas pesquisadoras Luanda Carneiro Jacoel, Taina Silva Santos e Ionara Lourenço, e compreendeu os seguintes eixos: História Negra e Feminismos Negros, Artes e Documentação. A experiência propôs um intercâmbio entre diferentes campos do saber e modos de criação, incentivando a articulação entre legado, linguagem, arte e justiça social.São apresentados sete projetos nas áreas de artes visuais, performance, literatura, audiovisual, educação e memória que tensionam temas como feminismos negros na América Latina, a atuação política das mulheres negras na cultura brasileira, ancestralidade e corpo, racismo estrutural e encarceramento, pedagogias decoloniais e estratégias de resistência a partir da arte.

A exposiçã reúne obras de mais de 30 artistas fundamentais da cena contemporânea que definem a trajetória da galerista Luisa Strina ao longo de suas cinco décadas de atuação.Com curadoria de Marcello Dantas e Kiki Mazzucchelli, a mostra traça um panorama da arte conceitual desde os anos 1970 até a atualidade, reunindo obras de artistas brasileiros e internacionais cujas trajetórias foram acompanhadas ou impulsionadas por Strina. A seleção inclui instalações de grande porte, muitas delas apresentadas uma única vez em importantes exposições institucionais.Ao reunir no mesmo espaço criações de diferentes momentos históricos, CRIVO permite ao público perceber como as ideias seminais da arte conceitual brasileira se transformaram e ganharam novas dimensões ao longo do tempo. Conceitos explorados nos anos 1970 e 1980 – como a crítica institucional, a exploração de novos suportes e a discussão de identidades culturais – reaparecem reinterpretados em obras de artistas contemporâneos, mostrando um fio condutor entre gerações. Essa perspectiva histórica torna a mostra especialmente significativa: mais do que uma homenagem individual, CRIVO evidencia a continuidade de um movimento artístico e convida a questionamentos sobre suas mudanças epermanências.

Primeira individual institucional do artista Manuel Messias. A exposição reúne cerca de 70 xilogravuras e traça umpanorama sensível e contundente de um artista que manteve uma produção contínua e coesa apesar de ter enfrentado grandes dificuldades por ser um homem negro, nordestinoe que viveu nos limites da pobreza e da loucura "Sem limites", como ele próprio se definia, Manuel Messias é hoje reconhecido como um importante membro de sua geração e umdos mais destacadas nomes da gravura brasileira do século XX.A mostra perpassa três décadas de produção artística, revelando a potência poética e crítica de Manuel Messias dos Santos (1945–2001), sergipano radicado no Rio de Janeiro desde a infância.

O Instituto Tomie Ohtake apresenta a individual de Manfredo Souzanetto, com uma reunião de cerca de cinquenta obras produzida entre as décadas de 1970 e 1990. São sobretudo desenhos, fotografias e pinturas — a grandemaioria advindas do acervo de Souzanetto, que as guardou por décadas, como se antevisse a importância desses trabalhos na constituição da sua trajetória.Nascido em 1947 no norte do Vale do Jequitinhonha, Manfredo teve uma infância marcada pelas paisagens montanhosas e as riquezas naturais da região — especialmente às pedras, cerâmicas e pigmentos terrosos — elementos que mais tarde se tornariam centrais em sua produção artística. As obras selecionadas revelam o processo de amadurecimento do artista, acompanhando a sua produção artística durante o percurso que o levou de Minas Gerais ao Rio de Janeiro, passando por Belo Horizonte, Paris e Juiz de Fora.

Reunindo cerca de 110 itens, entre fotografias e documentos provenientes do acervo doIpeafro, a mostra ilumina a histórica colaboração entre o Teatro Experimental do Negro(TEN) e o fotógrafo José Medeiros (1921-1991) ao longo de quase duas décadas. Mais doque documentar, a exposição busca evidenciar uma parceria artística que é, ao mesmotempo, política e poética, ressaltando o papel fundamental do TEN tanto na evolução doteatro moderno no Brasil quanto na afirmação da identidade negra nas artes e na esferapública. A relação entre o TEN e Medeiros é de colaboração simbólica e prática: enquantoo grupo teatral lutava por representação e dignidade para pessoas negras no cenárioartístico, o fotógrafo registrava e difundia essa luta com sensibilidade e respeito,contribuindo de forma decisiva para sua preservação na memória visual brasileira.

A mostra de arquitetura, paisagismo e design apresenta sua 38a edição, em um espaço de mais de 10 mil metros quadrados dentro do Parque da Água Branca . A edição de 2025 da CASACOR conta com mais de 70 ambientes assinados por designers e arquitetos, assim como espaços dedicado à gastronomia, lojas e instalações artísticas.

O Museu A Casa do Objeto Brasileiro recebe um recorte da produção artesanal do estado da Paraíba. A mostra chega a São Paulo após ser apresentada no 39º Salão do Artesanato da Paraíba, em João Pessoa. A exposição reúne o trabalho de sete artesãos — Adriano Oliveira, Babá Santana, Carlos Apollo, Dadá Venceslau, Ednaldo Farias, Géo Oliveira e Socorro Souza —, que têm no papel sua principal matéria-prima de criação. A partir dele, dão forma a uma arte delicada, marcada por poesia, cores e personagens que habitam o imaginário popular e o universo lúdico da região.As peças exibidas foram criadas sob a orientação do designer Sérgio Mattos, que estimulou a experimentação sem abrir mão da identidade autoral de cada artista. As obras são fruto de um domínio apurado das técnicas de papel machê e papietagem, práticas artesanais de origem milenar.

A exposição se estende para os pais, mães e avós que cresceram ouvindo o cancioneiro de Sandra Peres e Paulo Tatit. A história da dupla, percorrida por mais de 30 anos nesse universo infanto-musical, é contada com surpresas e descobertas ao longo do trajeto. Tudo é embalado por suas músicas.Do quintal para a sala, da varanda para a cozinha, do quarto para o banheiro até a garagem as crianças e os adultos vão encontrando – ou conhecendo – as músicas da Palavra Cantada. O percurso vai desde seu álbum de estreia Canções de ninar, de 1994 e vencedor do Prêmio Sharp (hoje Prêmio BTG Pactual da Música Brasileira) até Cenas infantis, lançado no ano passado em comemoração aos 30 anos da dupla. De lá para cá, são mais de 20 álbuns, 11 DVDs e nove livros lançados, com novos repertórios seguindo em construção.Cada cômodo da casa é colorido, com tons fortes de azul e vermelho, mescla móveis de verdade com outros plotados, estantes contendo surpresas, portinholas para serem abertas trazendo mais descobertas.

Concebida pela artista visual Stela Barbieri, a Exposição Pausa, propõe ocupar o espaço com obras em grande escala construídas em materiais diversos, que possibilitam ao público habitar e permanecer em seu interior e, dentro delas, conversar, descansar, relaxar e refletir sobre a importância das pausas, do descanso e do ócio na construção das subjetividades e humanidades.

No Octógono da Pina Luz, a artista Mônica Ventura explora materialidades e símbolos associados às cosmologias afro-ameríndias em um site-specific produzido em diálogo com a escala monumental do espaço central do edifício. Ao entrelaçar as camadas de tempo que habitam o Octógono, a artista propõe ao visitante um lugar em que as conexões humanas possam confluir, receber e irradiar energia, a partir da relação entre corpo e arquitetura.

Exposição concebida como um show audiovisual pela dupla de artistas Bárbara Wagner & Benjamin de Burca especialmente para o Sesc Avenida Paulista. Com curadoria geral de Clarissa Diniz e curadoria de acessibilidade e coordenação do projeto educativo pelo coletivo alingua, a mostra parte de uma reflexão sobre as políticas do olhar e as práticas de espelhamento presentes em Swinguerra (2019) e One Hundred Steps (Cem Degraus, 2020).Os filmes serão exibidos como um espetáculo, no qual o público será conduzido pela voz da mestra de cerimônias Indra Haretrava, que comenta as obras da dupla, seus contextos e métodos.

A exposição Geometrias reunirá cerca de 40 trabalhos do acervo que se relacionaram com a abstração geométrica. A mostra apresenta desde artistas concretos e neoconcretos, como Judith Lauand (1922-2022) e Hélio Oiticica (1937-1980), até artistas contemporâneos como Delson Uchoa e Beatriz Milhazes. Artistas que trabalharam com a geometria a partir de abordagens menos formalistas também estão incluídos. Entre eles, Rubem Valentim (1922-1991), que desenvolveu um sistema de símbolos afro-brasileiros; Alfredo Volpi (1896-1998), que explorou as formas de fachadas de casarios coloniais e de bandeirinhas de festas populares; e artistas indígenas como Daiara Tukano, que trabalham com grafismos ligados às cosmogonias de seu povo.

Arpillera é o nome em espanhol para uma linguagem têxtil figurativa que surgiu no Chile no final dos anos 1960. Durante o regime ditatorial de Augusto Pinochet (1973-1990), essa prática se tornou uma forma de denunciar as violações dos direitos humanos, além de configurar uma importante expressão cultural politicamente engajada e de protagonismo feminino. Em espanhol, "arpillera" significa "juta", o nome da fibra têxtil que recebe bordados que narram histórias de vida, luta e resistência das autoras e seus contextos. A produção chilena inspirou diversas mulheres e movimentos sociais ao redor do mundo.No Brasil, essa forma de expressão inspirou o Coletivo Nacional de Mulheres do MAB – Movimento dos Atingidos por Barragens – um movimento social brasileiro, auto-organizado, surgido na década de 1980 e que luta pelo direito das pessoas atingidas, reivindica um Projeto Energético Popular e uma transformação social estrutural. A exposição Mulheres Atingidas por Barragens: bordando direitos apresentará cerca de 30 trabalhos, produzidos entre 2013 e 2024, por mulheres que se reúnem em oficinas organizadas pelo MAB em todo o território nacional.

Isaac Julien (Londres, Reino Unido, 1960) é um artista e cineasta que, por meio de narrativas audiovisuais e instalações multimídia, tensiona os limites entre diferentes práticas artísticas, como arquitetura, fotografia, música e pintura. A vídeo-instalação Um maravilhoso emaranhado (Marvellous Entanglement) foi apresentada pela primeira vez em Londres, em 2019. Composta por nove projeções simultâneas em telas de grandes formatos, os vídeos captam imagens de edifícios icônicos de Lina Bo Bardi (1914-1992), realçando a dimensão poética do legado da visionária arquiteta e designer modernista. O trabalho enfatiza as ideias sociais, políticas e culturais de Bo Bardi, junto a reflexões filosóficas formuladas em artigos e cartas de sua autoria. O título da exposição deriva do trecho: “O tempo linear é uma invenção ocidental; o tempo não é linear, é um maravilhoso emaranhado onde, a qualquer instante, podem ser escolhidos pontos e inventadas soluções, sem começo nem fim.” – Lina Bo Bardi. Gravado em São Paulo (no Museu de Arte de São Paulo-MASP, no Sesc Pompeia e no Teatro Oficina) e em Salvador (no Museu de Arte Moderna, no Restaurante Coaty e no Teatro Gregório de Mattos), o filme é protagonizado por Fernanda Montenegro e Fernanda Torres, que interpretam os escritos de Bo Bardi sobre o potencial social e cultural da arte, arquitetura e design em diferentes estágios de sua vida.

A exposição Histórias do MASP percorrerá mais de sete décadas de história do museu no contexto da abertura do seu segundo prédio na avenida Paulista, o edifício Pietro Maria Bardi. Inicialmente instalado em um único andar no prédio dos Diários Associados na rua 7 de abril, o Museu de Arte Assis Chateaubriand consolidou seu papel na vida cultural da cidade ao inaugurar sua icônica sede na avenida paulista — agora chamada de edifício Lina Bo Bardi. Em um viés cronológico, a exposição Histórias do MASP aborda temas como a formação do acervo, as histórias das exposições no museu, sua extensa programação, bem como as transformações na arquitetura de seus edifícios. Esse momento de expansão também nos convida a refletir sobre a forte presença do MASP no imaginário artístico e cultural paulistano e nacional.

A exposição estabelece uma leitura crítica e propositiva sobre a da coleção de arte africana do MASP que reúne cerca de 120 itens e obras provenientes da África, que abrangem desde peças do Egito Antigo até alguns trabalhos contemporâneos. A maior parte desse acervo são estatuetas e máscaras do século 20, incorporadas ao acervo do museu ainda nas primeiras décadas de sua formação. Essas obras provêm principalmente da porção ocidental do continente, de grupos como os Guro, Senufo e Baule, da atual Costa do Marfim; Dogon e Bambara, da República do Mali; Mossi e Bobo-Quele, da Burkina Fasso; Baga, da Guiné; Ashanti, de Gana; Wobe-Guere, da Libéria; Mumuye, Ibibio e, predominantemente, Iorubá, da atual Nigéria. Recentemente, o museu também recebeu um tambor Chokwe, da Angola, contabilizando cerca de 70 peças que são o cerne de Artes da África.

A exposição sobre Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) exibirá as treze obras do artista presentes no acervo do MASP. Composta por doze pinturas e uma escultura, a mostra abrange praticamente toda a carreira do artista francês. Entre as pinturas europeias da coleção do MASP, esta constitui o maior número de obras de um único artista. A última vez que esse conjunto foi exposto em sua totalidade foi há 23 anos, em abril de 2002, no próprio museu, na mostra “Renoir - O pintor da vida”.As obras de Renoir foram adquiridas durante o chamado período das grandes aquisições quando, entre o final da década de 1940 e início dos anos 1950, Pietro Maria Bardi (1900-1990), diretor-fundador do MASP, incorporou ao acervo trabalhos de artistas do cânone europeu, a maioria deles italianos e franceses, que hoje compõem o maior e mais importante acervo de arte ocidental do Hemisfério Sul.Nascido em Limoges, na França, em 1841, Renoir foi um dos principais pintores do movimento impressionista francês, conhecido por suas pinturas de cores vibrantes, caracterizadas pelo uso da luz e cor, pinceladas fluidas e uma atenção especial à figura humana, especialmente em cenas de cotidiano e retratos.

A grande exposição “Fullgás – artes visuais e anos 1980 no Brasil” chega ao Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo. Com Raphael Fonseca como curador-chefe, e Amanda Tavares e Tálisson Melo como curadores-adjuntos, a mostra apresenta cerca de 300 obras de mais de 200 artistas de todas as regiões do país, mostrando um amplo panorama das artes brasileiras na década de 1980. Completam a mostra elementos da cultura visual da época, como revistas, panfletos, capas de discos e objetos icônicos, ampliando a reflexão sobre o período. A exposição ocupará todo prédio histórico do CCBB São Paulo e será dividida em cinco núcleos conceituais cujos nomes são músicas da década de 1980: "Que País é Este" (1987), "Beat Acelerado" (1985), "Diversões Eletrônicas" (1980), "Pássaros na Garganta" (1982) e "O Tempo Não Para" (1988). A mostra aborda o período de forma ampla, entendendo que seus questionamentos e impulsos começaram e terminaram fora do marco temporal de dez anos que tradicionalmente constitui uma década. Desta forma, a exposição abrange o período entre 1978 e 1993, tendo como marcos o final do Ato Institucional 5 e o ano posterior ao impeachment do ex-presidente Fernando Collor de Mello.

A exposição apresenta obras em grande escala da artista visual, arte-educadora, curadora e contadora de histórias Stela Barbieri.Construídas com o uso de materiais diversos, como bambu e miçangas, as instalações reunidas em Pausa convidam o público a permanecer em seu interior e, dentro delas, descansar, relaxar, conversar e refletir sobre a importância do descanso e do ócio na construção das subjetividades humanas. Definida pela artista como uma “obra-oficina”, a exposição propõe um espaço para o desacelerar em meio à velocidade da vida moderna, criando atmosferas que estimulam o devaneio, a introspecção e a escuta.

A exposição “Ilusão Real” investiga como percebemos a realidade através da forma e da sugestão visual, a partir doencontro entre a obra do artista Felipe Cohen e do designer Percival Lafer, e curadoria de Guilherme Wisnik.Partindo dos princípios da Gestalt e da Psicologia da Forma, os trabalhos de Felipe Cohen desdobram as virtualidades do espaço geométrico com volumes sugeridos, sombras e reflexos que instigam a mente a completar o que não está inteiramente dado. Já o mobiliário de Lafer opera com geometrias evidentes – como retas e curvas – em materiais rígidos e maleáveis, em uma lógica na qual o conjunto transcende a simples soma das partes. Entre ambiguidades perceptivas e estruturas poéticas, “Ilusão Real” constrói um campo de tensão entre o mundo físico e o imaginado.

Exposição individual do artista espanhol Raúl Díaz Reyes na Travessa Dona Paula, em Higienópolis, em São Paulo. Com texto crítico de Camila Bechelany, a mostra revela a nova produção de pinturas realizada em solo brasileiro neste ano. O evento celebra o primeiro ano de funcionamento da galeria no Brasil.

Exposição individual do artista português radicado em São Paulo Tiago Mestre. A mostra consiste em uma grande instalação site-specific, composta por diferentes conjuntos escultóricos, que ocupa todo o espaço expositivo. Apresentando grupos inéditos de esculturas em cerâmica, a mostra funciona como uma síntese de aspectos fundamentais da produção do artista, além de aprofundar investigações que têm estado bastante presentes em seu trabalho há alguns anos.Para receber a proposta instalativa de Tiago Mestre, a galeria passou por uma alteração importante em seu espaço expositivo, removendo a parede da fachada que bloqueava a visão entre interior e exterior. Com essa mudança, a exposição passa a funcionar como uma espécie de vitrine na qual as peças em exibição estabelecem um diálogo com a própria cidade.Para Fogo Fumo, Mestre parte de uma reflexão sobre a tradição da cerâmica portuguesa, com particular atenção para a longa tradição da olaria do Alentejo, onde nasceu e cresceu, propondo uma reelaboração que coloca em perspectiva aspectos históricos, sociais e culturais dos objetos.

Vídeo nas Aldeias é um projeto audiovisual criado em 1986 com o propósito de fortalecer o cinema indígena brasileiro. Idealizado por Vincent Carelli (Paris, França, 1953), o Vídeo nas Aldeias se dedicou, inicialmente, a registrar a cultura de diferentes povos indígenas brasileiros, apresentando as filmagens para as próprias comunidades. A partir de 1997, o projeto expandiu suas atividades para incluir oficinas audiovisuais realizadas junto a esses povos e passou a distribuir equipamentos de filmagem para que os participantes tivessem autonomia na representação de sua própria cultura. Desde então, a formação de cineastas indígenas e o suporte técnico para a produção de filmes se tornaram pilares fundamentais da atuação do projeto. Os filmes produzidos formam um acervo plural que reflete a diversidade dos povos indígenas brasileiros. A sala de vídeo dedicada ao Vídeo nas Aldeias pretende destacar filmes produzidos pelo projeto em parceria com comunidades indígenas, os quais abordam formas distintas de lidar com a terra e com o meio ambiente, retratando aspectos de suas culturas e cosmologias, além da urgente luta pela demarcação territorial.

Antoni Muntadas (Barcelona, 1942), artista conhecido por desafiar convenções socioculturais por meio da sua arte e trabalhar as relações de poder dos signos gráficos e textuais, realiza mostra inédita no Sesc Pompeia.A exposição instalativa Lugar Público - Muntadas convida o público a uma reflexão sobre os limites e as transformações dos espaços compartilhados. Em um cenário de crescente privatização e vigilância, Antoni ocupa a Área de Convivência do Sesc Pompeia para questionar as mudanças urbanas e o Com curadoria de Diego Matos, o projeto para o Sesc Pompeia traz uma ocupação da Área de Convivência da unidade, de caráter site-specific: são intervenções audiovisuais, textuais e dispositivos arquitetônicos projetados para explorar os significados de "público" – audiência e espaço público - e provocar reflexões a respeito do espaço urbano contemporâneo e das noções de lazer e esfera pública.

Exposição individual do artista espanhol José Manuel Ballester, com curadoria de Luiz Armando Bagolin. A mostra reúne uma seleção de obras que retomam a longa pesquisa do artista sobre o apagamento de figuras humanas em obras-primas da história da arte ocidental, propondo uma revisão crítica e sensorial do modo como vemos, recordamos e projetamos sentido nas imagens.Ballester, vencedor do Prêmio Nacional de Gravura (1999), o Goya de Pintura da cidade de Madri (2006) e o Prêmio Nacional de Fotografia da Espanha (2010), apropria-se de pinturas canônicas como A Última Ceia, de Leonardo da Vinci, O Nascimento de Vênus, de Botticelli, e os afrescos de Giotto, eliminando digitalmente seus personagens centrais. O que resta são cenários vazios, espaços desabitados, prontos a serem repovoados pela memória do espectador.Ao esvaziar o campo narrativo das obras e deixar à vista apenas seus planos de fundo — a mesa posta, os bosques, as arquiteturas — Ballester inscreve sua poética num território próximo ao que Aristóteles e Borges descreveram como o intervalo entre percepção e linguagem. A exposição se constrói, assim, como um jogo entre presença e ausência, onde a contemplação se desloca do motivo alegórico para a superfície, para o que antes era apenas suporte ou bastidor.

A mostra coletiva na Galeria Marilia Razuk considera a prática da escultura na sua relação com o corpo e em suas possibilidades com os materiais e espaço. Na exposição, cerca de 20 obras dos artistas Claudio Cretti, Manuel Brandazza e Raphaela Melsohn se apresentam como forças coexistentes com o espectador, em constante negociação.Reunindo três artistas que exploram as interseções entre escultura, material e o corpo, de formas diversas, a exposição examina como a forma pode ser ‘moldada’ seja por meio da manipulação de materiais rígidos ou maleáveis, na reconfiguração de objetos cotidianos e pela invocação da memória corporal. As obras reunidas sugerem que criar uma forma é também questionar seus limites e reimaginar suas possibilidades de relação com o espaço.

Primeira exposição individual do artista libanês Pascal Hachem em São Paulo.A exposição é um desdobramento de “FEITO NO CÉU”, realizada em Brasília após residência artística de mais de 60 dias na galeria Karla Osorio, na mesma cidade. Com prática profundamente enraizada na relação com a cidade e com temas sócio-politicos, Hachem traduz as incertezas e tensões do ambiente urbano em instalações e esculturas potentes, muito poéticas, que instigam o olhar e o pensamento. Inspirado pela imprevisibilidade da vida em Beirute, onde o futuro é incerto, a obra de Hachem possui natureza transitória. Na mostra, Hachem apresenta mais de 40 obras, todas de séries criadas em sua residência artística em Brasília entre setembro e novembro de 2024. São obras que dialogam com a paisagem cultural e urbana do país, criando intercâmbio poético e reflexivo entre as realidades do Oriente Médio e da América Latina, sobretudo considerando o período de guerras no mundo. Resgata também tradições locais como bordado, miçangas, pipas, entre outras.

A exposição coletiva reúne mais de 20 artistas cearenses sob a curadoria de David Almeida. Com nomes como Leonilson, Efrain Almeida, Arivanio e Darks Miranda, a mostra apresenta trabalhos de diferentes gerações. Ao construir uma narrativa que ecoa o sertão em suas múltiplas dimensões – arqueológica, mística, política e poética –, a exposição mergulha no imaginário cearense de diversas regiões do estado e explora as fronteiras entre o sagrado e o profano, o real popular e o místico redentor.Motivado por uma investigação familiar e pela preservação da memória das paisagens de seus pais, David Almeida, nascido em Guará, DF, aproximou-se profundamente do sertão e seus artistas, encontrando reverberações de suas pesquisas nas imagens criadas por eles. Em seu ateliê, David nota que seu gesto revisita frequentemente as paisagens do sertão de Inhamuns, do Cariri. Vaquejada da Meia-Noite reúne obras em xilogravura, pintura, escultura, instalação e vídeo, com forte presença de artistas ligados à tradição gráfica do Cariri, como José Lourenço, Stênio Diniz e Francisco de Almeida, além de nomes consagrados da arte contemporânea brasileira, como Leonilson. Em comum, os trabalhos evocam fabulações sertanejas atravessadas por tensões sociais, figuras lendárias, manifestações religiosas e signos populares, compondo um painel onírico e crítico de um Brasil subterrâneo e imagético.

A Mendes Wood DM tem o prazer de apresentar a exposição coletiva Remanso com trabalhos de Eleonore Koch, Linda Kohen, Anna Livia Monahan, Rayana Rayo e Paula Siebra. Suas pinturas expõem o que lhes é intrínseco, conduzindo o olhar a territórios silenciosos, densos e simbólicos. Suas obras iluminam espaços domésticos, corpos, objetos e representações da psique e do feminino, criando uma constelação de símbolos que traduzem um cotidiano particular e ao mesmo tempo compartilhável. Remanso reúne uma constelação intergeracional de artistas de diferentes regiões geográficas e trajetórias únicas, que se encontram no ofício da pintura em pequena escala. Telas a princípio discretas, carregam uma profundidade que transporta o espectador para dentro de si: evocam lembranças, sonhos, medos e incertezas. Este diálogo sensível se torna ainda mais potente ao ocupar a Casa Iramaia, originalmente uma residência familiar, que com sua atmosfera introspectiva acolhe e amplifica essas narrativas visuais, como se fosse extensão das próprias obras.

Exposição coletiva com curadoria de Luis Pérez- Oramas e o Núcleo Curatorial Nara Roesler. O ponto de partida da curadoria foi a “música das estrelas”, ouvida, identificada e registrada pela primeira vez em 16 de setembro de 1932, às 19h10, nos campos de Nova Jersey por Karl Jansky (1905-1950), físico e engenheiro especializado em ondas de rádio. Empregado pelos Laboratórios Bell Telephone, ele tinha a tarefa de estudar as fontes de interferência “estática” nas comunicações rádio telefônicas transatlânticas. O ruído das estrelas é o leve chiado de um passado sideral. A partir das obras de Laura Vinci, Abraham Palatnik, Tomás Saraceno, Tomie Ohtake, Bruno Dunley, Monica Ventura, Artur Lescher, Cao Guimarães, Paulo Bruscky, Rodolpho Parigi e Julio Le Parc, a exposição busca sugerir uma cena análoga em que as obras de arte seriam objetos que, como as antenas de Jansky, capturam ressonâncias de fundo de seus próprios campos figurais.

A exposição individual de Marcos Chaves apresenta trabalhos inéditos em tapeçaria do artista carioca, além de três objetos, dos quais duas obras são da década de 90. A mostra toma partido de uma intervenção realizada pelo artista em 2013 na Fundação Eva Klabin, no Rio de Janeiro, na qual Chaves apresentou tapetes que eram réplicas fotográficas de detalhes de tecidos da coleção da Fundação. Em Sangue Azul, Marcos Chaves posiciona nas paredes as tapeçarias inéditas em tons de vermelho que reproduzem fotografias feitas pelo artista do chão de carpetes de locais históricos europeus, como o Palazzo Doria Pamphili, construído em Roma, no século 16; a escadaria que leva ao único trono existente de Napoleão Bonaparte (1769-1821), no Castelo de Fontainebleau, na França, que data dos primórdios do século XII, e era residência dos reis franceses; e a Ópera Garnier, projetada durante o reinado de Napoleão III (1808-1873), o décimo-terceiro palácio a abrigar a Ópera de Paris, fundada por Luís XIV. No piso de uma das salas da galeria, o artista cobrirá toda a superfície do chão com uma versão em grande escala do tapete que originou a pesquisa em 2013.

Leticia Ramos apresenta Silver, um conjunto de trabalhos que ocupa uma sala da Casa Iramaia e investiga a trajetória da luz em relação às superfícies materiais, às paisagens e aospanoramas cósmicos. Neles, Ramos recorre aos recursos do laboratório fotográfico e da cameraless para encenar um encontro entre aparelhos técnicos e o contingente, produzindo imagens que operam entre a presença espectral e a inscrição material. Composiçõesluminosas tensionam visibilidade e escuridão, funcionando como esquemas que desafiam paradigmas de representação e refletem a preocupação da artista pelas possibilidades ainda pouco exploradas na intersecção entre arte e ciência. Sua prática se desenvolve por meio deprojetos extensos, com forte afinidade com o cinema experimental, tanto no uso do suporte material, nas qualidades ópticas, quanto na atenção à duração, à encenação e à organização dos eventos. Essas investigações, expressas como séries interconectadas, se desdobram por meio de experimentação meticulosa e resultam de pesquisas contínuas realizadas em seu ateliê em São Paulo

A galeria apresenta a primeira exposição de Guglielmo Castelli no Brasil. Pintor de Turim, Castelli aprimorou seu ofício durante sua formação acadêmica em cenografia – disciplina que moldou sua prática pictórica, especialmente na forma como representa espaços e interiores arquitetônicos. Embora sua estética esteja enraizada nesse contexto, uma crítica à cultura burguesa marca seu horizonte intelectual. A superfície pictórica não é expressão de mera virtuosidade técnica, mas um campo de batalha no qual Castelli compreende a cultura ao seu redor: o peso do legado, a relação entre a alta cultura e o conservadorismo em contraposição ao popular, e a possibilidade de uma ruptura total.A exposição toma seu título de um verso do poeta brasileiro João Cabral de Melo Neto: Um galo sozinho não tece uma manhã. O verso aparece em A educação pela pedra, coletânea publicada em 1966, quando o Brasil era governado por uma ditadura militar que reprimia artistas e intelectuais com violência crescente nos anos subsequentes. A metáfora do galo, que só consegue anunciar a claridade da manhã se acompanhado de vários outros, mostra-se perene – um tributo à coletividade e à colaboração, que ressoa também com um princípio da abstração geométrica brasileira: o todo é mais do que a soma das partes.

Em um mundo pautado pela velocidade, extração e distanciamento da natureza, o artista Saulo Szabó propõe um gesto inverso: escutar o chão. A exposição “Tudo que Fica sem Ser Visto” apresenta uma série de obras e instalações que emergem da fricção entre corpo, paisagem e arquitetura, acionando a terra — e seus vestígios — como matéria viva e agente de memória.Coletando matérias vegetais e minerais em um incessante percurso pela natureza — fragmentos de solo, pedras, resíduos, galhos -- Szabó reconfigura o gesto artístico como prática de escuta e cuidado. Em suas frotagens feitas em cachoeiras, o atrito entre rocha, papel e, no caso da cachoeira de Boiçucanga, lixo urbano, compõem uma cartografia da erosão — tanto física quanto ética — de um território em exaustão. A instalação ocupa os 15 metros da sala expositiva da Galeria Lume como um fluxo suspenso, um rio de lembrança e alerta.

Primeira exposição individual de Miguel Afa em São Paulo. O texto que acompanha a mostra é assinado por Lorraine Mendes — crítica, curadora e pesquisadora que já acompanhou a trajetória do artista na exposição coletiva Dos Brasis (Sesc Belenzinho, 2024), marco de sua estreia na cidade. Nesta nova exposição, Afa exibe um conjunto inédito de pinturas que exploram os limites e as expansões do afeto como experiência estética e política. O céu, aqui, surge como metáfora de amplitude e possibilidade: lugar de acolhimento, respiro e entrega.

A exposição é primeira panorâmica institucional da artista e apresenta uma reunião significativa de séries até hoje raramente vistas em seu conjunto, além de um expressivo grupo de obras pouco conhecidas. A visita começa pela série Quadrus Negrus (1986), com mais de 20 trabalhos fundamentais de Ledora. Obras como Casa em amarelu (1986) marcam o início do trabalho de experimentação de linhas e cores, base para toda a sua produção artística. Nas obras, o giz pastel seco faz o traçado de triângulos, retângulos e fendas em linhas secas sobre o papel Carmen preto, item raro à época de produção da série.Ao caminhar pela exposição, o público encontra diferentes núcleos que parecem irradiar da parede de Quadrus Negrus, norteadora da exposição. Podem ser vistos conjuntos de trabalhos mais orgânicos, com obras como Casa em Amarelu (1989) e Objeto colorido II (2020). Paisagens, arranjos, casas e jardins são motivos recorrentes na produção da artista, mas a delicadeza dos detalhes, das cores e composições leva a atenção do espectador para muito além da representação.

A exposição propõe um mergulho na trajetória da arte circense no Brasil, revelando sua arquitetura nômade, seus personagens emblemáticos e sua importância como patrimônio cultural e afetivo do paísDe forma lúdica e interativa, o público é conduzido por um percurso sensorial que combina fotografias, vídeos, objetos históricos, maquetes e instalação holográfica, destacando a força simbólica e estética do circo ao longo dos séculos.

A exposição A Ecologia de Monet explora o vínculo entre o icônico artista impressionista Claude Monet (Paris, França, 1840—1926, Giverny, França) e o meio ambiente, integrando o programa curatorial do museu para 2025 dedicado ao ciclo de Histórias da Ecologia.A relação do pintor impressionista com a natureza abrange toda a sua obra, tornando-se mais complexa ao longo dos anos. O artista se dedicou à pintura de paisagem desde sua produção inicial, das cenas marítimas na Normandia, ao norte da França, ou da Floresta de Fontainebleau, até suas pinturas em série realizadas a partir de seu jardim em Giverny durante suas últimas décadas de vida.

Hulda Guzmán (Santo Domingo, República Dominicana, 1984) é reconhecida por retratar, por meio da pintura, seus arredores tropicais e caribenhos enquanto explora planos, perspectivas e realidades, povoadas por um elenco tecnicolor de seres humanos, animais, plantas antropomórficas e criaturas imaginárias. A exposição aborda a relação de Guzmán com a paisagem impressionista, destacando sua contribuição ao gênero ao mesclar a paisagem com características arquitetônicas, realismo mágico e muralismo mexicano.As narrativas em suas telas ocupam realidades contraditórias e oníricas. Personagens descansam em praias paradisíacas ao lado de apartamentos abandonados, dançam em pistas que se estendem até a floresta tropical e perseguem demônios por interiores elegantes

Uma homenagem à luta, à alegria e à resistência das mulheres Guarani Mbyá: esse é o mote de Jaraguá Kunhague Ouga'a - O jogo das mulheres do Jaraguá, a nova mostra temporária do Museu do Futebol. A exposição celebra o futebol das mulheres Guaranis Mbyá da Terra Indígena Jaraguá, e apresenta a importância do jogo no contexto da resistência na manutenção do modo de vida indígena no meio urbano paulistano.

O Sesc Vila Mariana recebe a exposição inédita Jardim do MAM no Sesc, uma correalização do Museu deArte Moderna de São Paulo e do Sesc São Paulo. A mostra tem curadoria de Cauê Alves e Gabriela Gotoda e reencena na entrada do Sesc Vila Mariana elementos do Jardim de Esculturas do MAM. Nela, o público poderá apreciarobras da coleção do MAM, entre esculturas icônicas de Alfredo Ceschiatti, Amilcar de Castro e Emanoel Araújo, e trabalhos que exploram críticas sociais, como as obras de Regina Silveira, Luiz 83 e Marepe.A seleção de obras inclui peças que já integraram o Jardim do MAM, além de trabalhos do acervo do museu que dialogam com temas como natureza, cidade e materialidade

A exposição com curadoria de Bitu Cassundé e assistência de Maria Luiza Meneses apresenta uma seleção com cerca de 250 fotografias realizadas ao longo de 50 anos de trajetória do fotógrafo paraense. A partir do arquivo do artista, o recorte não linear de imagens delineia a dimensão do imaginário sensível e ficcional de Luiz Braga (Belém, PA, 1956) sobre o território amazônico, principal interesse em sua produção. O título da mostra se refere ao chamado arquipélago do Marajó, maior arquipélago fluviomarítimo do mundo, formado por mais de 2.500 ilhas no estado do Pará, que inclui a capital Belém e a Ilha do Marajó, lugares registrados por Braga. Ao escolher a terra natal como campo poético de investigação de imagem e vida, ao longo das décadas o fotógrafo elabora operações relacionais de aproximação e convívio com as pessoas e lugares registrados. O resultado é uma produção intensa, carregada de intimidade e cuidado com os sujeitos e ambientes, que compreende aspectos de uma Amazônia múltipla.

Marcone Moreira (1982, Pio XII, MA) apresenta Vertebral, uma instalação com cerca de 600 hélices de alumínio de uma embarcação adquiridas de uma fundição artesanal amazônica, que preserva técnicas tradicionais. A instalação integra o projeto No Deck, em que artistas são convidados a criar obras site specific para a área externa da instituição. Dispostas em 20 metros, as hélices com seis tamanhos distintos mimetizam o movimento de uma cobra e evocam fluxos e deslocamentos aquáticos.

Fala Falar Falares, a próxima exposição temporária do Museu da Língua Portuguesa, aborda a capacidade de se manipular o som a partir do corpo, sob uma perspectiva mais do que especial: a do português falado no Brasil e de sua variedade. A mostra conta com curadoria da cenógrafa e cineasta Daniela Thomas e do escritor e linguista Caetano W. Galindo. A exposição tem o objetivo de fazer o público pensar no quanto é especial a capacidade de falar – e, com a fala, criar música, cultura e se expressar de maneiras tão diferentes dentro da mesma língua.

Quantas perguntas se desdobram a partir de uma obra de arte? E quantas respostas?   A exposição Uma Obra torna visíveis os variados caminhos de leitura e interpretação que podemos percorrer a partir de uma mesma obra. Para sua segunda edição, selecionamos a obra Nessa terra, em se plantando tudo dá, feita em 2015, por Jaime Lauriano.

A Pina Luz apresenta uma retrospectiva da artista Neide Sá. A mostra reúne um recorte significativo da produção da artista, evidenciando sua atuação como arte-educadora, a multiplicidade de linguagens e suportes de seu trabalho e também sua pesquisa de materiais. Essa trajetória responde a questões específicas de cada época: da novidade dos acrílicos, cores e formas de impressão entre os anos 1960 e 1970 ao retorno a narrativas sobre uma origem civilizatória no Brasil, que alcançava 500 anos de chegada dos portugueses na virada dos anos 1990 para os 2000.As 97 obras em exposição abrangem o período de 1960 até os anos 2000, conectando o começo de carreira da artista a sua produção mais recente. Com curadoria de Lorraine Mendes, a mostra conta com uma sala com obras interativas, como “Momento” (1967), “Reflexível” (1977) e “Nós & nós” (2004).A curadoria deste espaço foi compartilhada com a Área de Ação Educativa da Pinacoteca de São Paulo. Ali, o público pode tocar, interagir e compor seus próprios poemas.

Exposição individual da artista Anna Bella Geiger. A primeira mostra da artista em um museu judaico apresenta um conjunto de cerca de 60 obras, entre gravuras, vídeos, objetos e fotografias documentais. Com curadoria de Priscyla Gomes e Mariana Leme, a mostra se organiza em cinco grandes eixos: espaços, criação-proposição, linguagem, desterritorialização-transposição e imaginação política.A mostra abarca séries emblemáticas de diferentes períodos – de 1962 a 2025 – tendo como destaque as que exploram a cartografia, o trânsito e as passagens. É a partir dessas séries que a ideia de limiar é investigada, sendo os atravessamentos e as transposições noções centrais na produção da artista.

A exposição se apresenta como uma homenagem ao centenário da artista Hannah Brandt, completados em 2023. Com curadoria de Ruth Tarasantchi, a individual propõe um mergulho na trajetória da obra de Brandt, cuja produção consistente explora as possibilidades da gravura. Estão presentes temas como paisagens brasileiras, letras do alfabeto hebraico e outros elementos recorrentes em sua obra. O conjunto de 30 obras, selecionadas diretamente de seu ateliê, inclui parte do acervo doado ao museu após sua morte, em 2020, consolidando-se como a maior coleção dedicada à artista.

A exposição apresenta cerca de 930 itens adquiridos desde a década de 1960 por Tina e Calito Azevedo Moura. Entre móveis, utensílios domésticos, ferramentas de trabalho, fotografias e materiais gráficos, os objetos foram produzidos por imigrantes europeus no sul do Brasil entre a segunda metade do século 19 e o início do século 20. A coleção representa o imaginário social e o dia a dia de imigrantes alemães e italianos e revelam aspectos pessoais do universo doméstico de pessoas que buscavam construir uma nova vida. As obras conjugam as lembranças, as técnicas e os costumes trazidos pelos imigrantes de sua terra natal, de um lado, e as condições e materiais que encontraram na terra de adoção, de outro.Passando por questões como habitação, religiosidade, marcenaria e culinária, os objetos apresentados denotam como uma mesma tipologia de artefato pode ter diferentes feições, carregando aspectos afetivos e emocionais. Trata-se de uma escolha dos colecionadores, que optaram por valorizar o trabalho manual contrapondo-se à lógica industrial de produção de peças idênticas em massa.

A primeira exposição individual de Tania Ximena (Hidalgo, México, 1985) no Brasil, apresentada na sala de vídeo, investiga as complexas relações entre humanidade, natureza e ciclos de transformação do planeta. A artista constrói narrativas que atravessam tempos geológicos e históricos, conectando formas de vida animadas e inanimadas, naturais e espirituais, manifestas em minerais, vegetais, animais, céu, terra e água. Por meio de imagens que combinam registros documentais, intervenções espaciais e fabulações poéticas, Ximena reflete sobre os impactos da ação humana no meio ambiente, apresentando a paisagem como protagonista de processos decisivos. Em sua obra, a paisagem não é apenas território ou recurso a ser explorado, mas um agente ativo que possibilita a existência humana.

“Pop Brasil: vanguarda e nova figuração, 1960-70” é a maior exposição da Pinacoteca em 2025, reúne 250 obras de mais de 100 artistas, proporcionando uma visão abrangente sobre a arte do período.A mostra se divide em temas que remontam aos grandes acontecimentos do período, como o surgimento da indústria cultural, a ruptura democrática e transformações sociais de diversas ordens.Na Pinacoteca, “Pop Brasil” comemora ainda os 10 anos do comodato da Coleção Roger Wright e o importante acervo de obras dos anos 1960 e 1970.

A exposição inédita traz a evolução histórica das casas pré-fabricadas, desenvolvida desde o período de reconstrução pós-guerra, abordando a sua história, além de apresentar o morar sustentável sob perspectivas como funcionalidade, conforto e design. Pré-fabricação é um método construtivo em que parte ou todos os componentes de uma construção são produzidos em uma fábrica e, posteriormente, montados no local da obra. A construção de casa pré-fabricada japonesa, que alia o design à otimização dos materiais, possibilitou maior eficiência ao sistema de construção e contribui para uma maior qualidade de vida aos moradores e à comunidade.

Mostra individual do fotógrafo e documentarista Wagner Celestino, artista autodidata nascido na Zona Leste de São Paulo. A exposição reúne registros que destacam e celebram a cultura, a história e a contribuição negra para a construção da identidade cultural paulista.A mostra - que teve sua primeira montagem em 2023 no Sesc 14 Bis - chega ao Sesc Itaquera com a adição de imagens inéditas, realizadas pelo artista na unidade em 1995. Na ocasião, Celestino registrou o encontro de dois grandes nomes do samba: Dona Ivone Lara e Zé Keti. Com curadoria do professor e artista visual Claudinei Roberto da Silva, a exposição reúne 108 obras de grande relevância para a memória da cultura negra e suas diversas manifestações culturais, abrangendo mais de quatro décadas da produção artística de Celestino. Diversas séries produzidas pelo artista ao longo da sua extensa carreira estarão presentes na exposição, como Retratos, Carnaval e Velha Guarda.

A Galeria de Fotos do Centro Cultural Fiesp (CCF), em São Paulo, recebe a exposição “Ta’ãngaa, os indígenas por eles mesmos”, que apresenta 30 fotografias produzidas por 8 artistas indígenas atuantes em diferentes territórios do país.Com curadoria de Richard Wera Mirim e João Kulcsár, a mostra reúne trabalhos de Moara Tupinambá, Edgar Kanaykõ Xakriabá, Richard Wera Mirim, Genilson Guajajara, Gê Viana, Kamikia Kisedje, Denilson Baniwa e Natalia Tupi. As obras são inspiradas por temas como território, memória, ancestralidade, cotidiano e impactos da colonização, propondo uma reflexão sobre identidade e modos de existência dos povos indígenas na atualidade. As imagens revelam vivências pessoais e coletivas, e se apresentam como expressão de luta, pertencimento e continuidade

Frans Krajcberg (Kozienice, Polônia, 1821—2017, Rio de Janeiro, Brasil) foi pioneiro no cruzamento entre arte e ecologia, precursor em dar visibilidade às questões ambientais no território brasileiro. O artista trabalhou a partir de resquícios de troncos, cipós, raízes e madeira calcinada, explorando pigmentos naturais, para produzir obras em que os elementos naturais são a própria matéria de sua arte. Krajcberg provocou uma virada radical nas convenções da escultura, além de desafiar fronteiras entre desenho, gravura e pintura.Krajcberg chegou ao Brasil nos anos 1950, onde desenvolveu seu trabalho como artista. A partir dos anos 1960, passou a viajar à Amazônia e ao Pantanal, coletando resquícios de troncos em áreas de queimadas. Suas preocupações com o drama ambiental tornaram-se indissociáveis de sua arte. Engajou-se em denunciar queimadas e a violência do extrativismo desenfreado, conferindo ao seu trabalho um cunho altamente político

A 36ª Bienal de São Paulo apresenta uma edição conduzida pelo curador geral Prof. Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung com sua equipe de cocuradores composta por Alya Sebti, Anna Roberta Goetz e Thiago de Paula Souza, além da cocuradora at large Keyna Eleison e da consultora de comunicação e estratégia Henriette Gallus. A mostra se inspira no poema enigmático da poeta afro-brasileira Conceição Evaristo, “Da calma e do silêncio”.A proposta central dessa Bienal é repensar a humanidade como verbo, uma prática viva, em um mundo que exige reimaginar as relações, as assimetrias e a escuta como bases de convivência a partir de três fragmentos/eixos curatoriais. A metáfora do estuário – local onde diferentes correntes de água se encontram e criam um espaço de coexistência – guia o projeto curatorial, inspirado nas filosofias, paisagens e mitologias brasileiras. Tal conceito reflete a multiplicidade de encontros que marcaram a história do Brasil e propõe que a humanidade se una e se transforme por meio de uma escuta atenta e da negociação entre seres e mundos distintos.A exposição vem acompanhada, ainda, de uma mudança histórica na organização do evento, que tradicionalmente é realizado de setembro a dezembro. A mostra se estenderá por quatro semanas adicionais, sendo apresentada gratuitamente ao público entre setembro de 2025 e janeiro de 2026.

A galeria é um espaço de estudo e formação resultante de uma parceria entre a Terra Foundation for American Art e o MAC USP, para que um conjunto da coleção da fundação viesse a São Paulo. São 36 obras selecionadas em diálogo com a pesquisa e as disciplinas de graduação e pós-graduação do MAC USP e sua atuação no Programa Interunidades em Estética e História da Arte (PGEHA USP), a linha de pesquisa em História da Arte e da Cultura do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas da Unicamp, e o Departamento de História da Arte da Unifesp. Além disso, nos próximos dois anos, elas também permitirão criar pontes de interpretação com obras do acervo do MAC USP.A Terra Collection for American Art é uma associação sem fins lucrativos, com sede em Chicago, nos Estados Unidos que, desde os anos 1980, coleciona obras de arte do país e fomenta a pesquisa sobre sua arte. Através de seu Programa Collection- in-Residence, o MAC USP se insere em uma rede de 12 museus universitários internacionais de arte em uma visada crítica sobre a história da arte dos Estados Unidos e suas possíveis articulações com outros países. No caso do Brasil e da proposta feita pelo MAC USP, a seleção de obras partiu das questões já colocadas em outras parcerias da instituição estadunidense com o país.

Exposição panorâmica da obra de Flávio Império. A mostra reúne quase 300 obras, abrangendo a produção do artista entre os anos 1960 e 1985, e tem curadoria assinada por Yuri Quevedo, curador do museu e pesquisador da obra de Flávio Império (1935–1985) há 16 anos. Flávio Império foi um artista brasileiro em que a atuação transdisciplinar marcou profundamente a cena cultural do Brasil nas décadas de 1960 e 1970. Sua importância se dá não apenas pela multiplicidade de linguagens que dominava (como pintura, arquitetura, cenografia, teatro, design gráfico e do ativismo político), mas também pela maneira como ele as articulava em uma prática artística crítica, engajada e transformadora. Império trabalhou com uma diversidade de materiais, produzindo serigrafias, pinturas, colagens, fotografia e documentários em super-8. A exposição propõe ao público uma imersão em diferentes momentos e manifestações da produção do artista, ressaltando a coerência e a liberdade que orientam sua prática tão diversa. Entre os destaques estão o projeto de figurino "fogo”, desenvolvido especialmente para a cantora Maria Bethânia para a peça Rosa do Ventos (1971), além dos estudos para capa do disco Doces Bárbaros (1976), que poderão ser vistos na segunda sala da mostra. Uma maquete descreve o projeto que o artista fez para o show Pássaro da Manhã (1977) de Maria Bethânia. Em um momento em que a ditadura militar começa a enfraquecer e surgem os movimentos de abertura, Império concebe um cenário em que a cantora surge de uma noite escura no fundo e vai gradualmente se aproximando da plateia ladeada por tecidos que representam a alvorada. No show Bethânia canta lembrando os amigos que foram exilados.

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Abel Rodríguez (Cahuinarí, Colômbia, 1944) nasceu às margens do Rio Cahuinarí, na Amazônia colombiana, e seu nome indígena é Mogaji Guihu, sendo originário das comunidades Nonuya e Muinane. Foi treinado desde a infância para ser um sabedor, isto é, um depositário dos conhecimentos sobre as espécies botânicas da floresta, seus usos práticos e simbólicos. Nos anos 1990, fugindo dos conflitos armados em sua região natal, mudou-se para Bogotá, onde, em contato com a ONG holandesa Tropenbos, foi incentivado a desenhar para registrar e compartilhar suas memórias. Ao contrário da tradição do desenho botânico ocidental, que isola os elementos representados, os desenhos de Rodríguez em grafite e aquarela mostram ciclos, interações entre diversas espécies e a ação do tempo na floresta. Feitos a partir de memórias, têm inscrições em espanhol e Nonuya, descrevem os sabores das frutas, os usos medicinais das plantas e quais animais se alimentam delas. A “árvore da vida” é outro tema recorrente em sua produção e narra o principal mito de origem dos Nonuya.

Esta é a primeira exposição individual da artista Clarissa Tossin (Porto Alegre, 1973) em uma instituição de arte no Brasil. A mostra abrange peças de 2008 até o presente, incluindo instalações, esculturas, tecelagens, imagens em movimento e um conjunto de novas obras encomendadas pelo MASP especificamente para esta mostra. A artista gaúcha radicada em Los Angeles aborda em seu trabalho questões relacionadas ao aquecimento global a partir de diversos materiais, em geral, resíduos industriais da sociedade de consumo, como plástico reciclado, látex derivado do extrativismo na Amazônia e caixas de entrega da loja online Amazon, entre outros. Na obra de Tossin, réplicas de objetos descartados e partes do corpo humano e de plantas aparecem como fósseis, traços de um tempo e lugar perdidos que ecoam na forma de sedimentos arqueológicos.

Tema do ciclo curatorial de 2025, Histórias da ecologia será uma coletiva internacional que ocupará cinco andares do edifício Pietro Maria Bardi, novo espaço do MASP. Em um contexto marcado pela intensificação de crises climáticas, políticas, territoriais e sociais, Histórias da ecologia investiga como artistas, coletivos e ativistas de diversas partes do mundo respondem ao tempo presente e compreendem as relações entre os seres vivos, suas criações e o meio em que vivem. O termo “ecologia” foi escolhido em detrimento do termo “natureza”, compreendendo o humano como parte de um ecossistema complexo e não separado ou hierarquicamente superior a ele. A exposição parte do entendimento de que a ecologia é um sistema de relações. Organizada em cinco núcleos, a mostra abordará as diferentes ideias de tempo como um elemento organizador da vida; bem como os efeitos dos deslocamentos forçados e dos processos migratórios causados tanto por modelos extrativistas de produção quanto por efeitos das mudanças climáticas.

Minerva Cuevas (Cidade do México, 1975) é uma artista conceitual mexicana que desenvolve projetos que dialogam com antropologia, história e ciências naturais. Sua obra abrange diversos suportes e mídias, como instalação, muralismo, pintura, vídeo e performance.No ano de Histórias da ecologia no MASP, Cuevas abordará pelo menos três aspectos de seu trabalho. O primeiro diz respeito às suas investigações sobre os impactos do mundo corporativo na vida cotidiana. Cuevas se apropria de logomarcas, campanhas de marketing, slogans e símbolos de grandes empresas para discutir temas como consumo, valor e propriedade. O segundo aspecto a ser explorado na exposição está relacionado ao subtítulo, inspirado no conceito de “ecologia social”, desenvolvido pelo filósofo estadunidense Murray Bookchin (1921-2006