EXPOSIÇÕES

A exposição Exteriores, do consagrado fotógrafo brasileiro Bob Wolfenson, composta por um conjunto de 53 fotografias, apresenta uma crônica visual da diversidade humana, revelando corpos em movimento, expressões passageiras e instantes únicos capturados nas ruas de diferentes cidades ao redor do mundo.Ao longo de cinco décadas de carreira, Wolfenson consolidou-se como um dos maiores nomes da fotografia brasileira, conhecido por seus retratos de personalidades, imagens de moda e produções em estúdio. Em Exteriores, ele percorre o caminho oposto ao controle do ambiente fechado e mergulha na imprevisibilidade do espaço público, de tudo que lhe é “exterior”. O olhar do fotógrafo se volta para o acaso, para o fluxo das cidades e seus habitantes anônimos – pessoas atravessando faixas, distraídas em pensamentos ou em contato breve com a câmera.

A exposição Onde as borboletas não habitam, inspirada no livro homônimo de Luciane Bonace, que também assina a curadoria ao lado de Karen Zolko. A obra, baseada em fatos reais, narra a história de crianças e adolescentes levados ao campo de concentração de Theresienstadt (atual República Tcheca), durante o nazismo, e que encontraram na arte uma forma de resistência e de dignidade. Sob a orientação da artista e professora Friedl Dicker-Brandeis, formada pela Bauhaus, essas crianças transformaram medo em expressão e dor em criação. A mostra propõe uma experiência sensível e educativa, dividida em dez painéis imersivos que combinam arte, história e memória. A narrativa amplia o olhar sobre o Holocausto, conectando-o a contextos contemporâneos de intolerância, guerra e vulnerabilidade social, lembrando que a arte e a empatia continuam sendo formas de resistência.

A pergunta título da exposição norteia as ações da Casa de Criadores (CdC), como maior plataforma propulsora da moda e demais segmentos criativos autorais no Brasil. Nesta edição N57, ela se torna ainda mais palpável ao tomar corpo numa exposição que recebe as criações de 15 estilistas participantes na edição 2025 do evento.

A Unibes Cultural apresenta ao público a exposição Mooca Judaica: histórias e memórias de uma comunidade, concebida a partir das pesquisas de Adriana Abuhab Bialski e Myriam Rosenblit Szwarcbart, sob a curadoria da historiadora Maria Luiza Tucci Carneiro. A mostra reúne fotografias, depoimentos e outros tantos registros que evidenciam a trajetória da comunidade judaica na Mooca, resgatando tradições, preservando e valorizando memórias vinculadas a um patrimônio cultural único e pouco conhecido. A mostra é um desdobramento do projeto Comunidade Judaica da Mooca, desenvolvido desde 2023 com o apoio de representantes comunitários oriundos do bairro.

A exposição "Deslocamentos da Memória" acontece no Museu da Imigracao do Estado de São Paulo, no bairro da Mooca. Curada por Rejane Cintrão, a mostra reúne obras das artistas visuais Alexandra Ungern e Heloisa Lodder, que exploram a riqueza das memórias individuais e coletivas através de diversos meios artísticos. Ambas as artistas utilizam métodos distintos de lembrar e desconstroem aspectos de destruição e deslocamento, especialmente na cidade de São Paulo e em experiências de imigração, sendo as duas filhas de imigrantes (alemão - Lodder, e húngaro - Ungern, respectivamente).

A Galeria Luis Maluf encerra o calendário expositivo de 2025 com Boca de Sol, mostra que marca a co-representação de Delson Uchôa. A mostra apresenta uma retrospectiva que se inicia nos anos 1980 até a atualidade, reunindo em um conjunto de 29 obras em grande escala. Com texto curatorial de Ariana Nuala, a exposição reafirma a pintura como um corpo vivo, luminoso e em constante transformação — um campo onde cor, gesto e tempo se fundem em matéria contínua. As obras, feitas em camadas de pigmentos e resinas aplicadas em momentos diferentes — de trabalhos iniciados nos anos 1980 a intervenções recentes —, mostram um processo contínuo em que cada pintura se renova, acumulando tempo, memória e matéria.

Reconhecido internacionalmente por investigar os limites entre arte e tecnologia, Schönauer traz à galeriaum conjunto de 15 obras — esculturas em aço inoxidável e vidro, além de pinturas de grande formato — em que contrastes como força e leveza, equilíbrio e tensão, luz e movimento se convertem em experiências visuais e sensoriais.Suas esculturas operam como arquiteturas sensíveis, em que a técnica da indústria pesada é transfigurada em linguagem estética. Embora seja amplamente reconhecido por sua produção escultórica, Schönauer mantém ativasua pesquisa em pintura.

A galeria apresenta uma exposição individual da artista Janaina Wagner, que transporta para o espaço físico da galeria, em esculturas, a sua pesquisa que tem como eixo territorial e simbólico a Rodovia Transamazônica, examinada também por ela em um trabalho em vídeo apresentado no MASP no início de 2025.

A mostra individual do artista mexicano Gabriel de la Mora apresenta obras inéditas de séries realizadas com cascas de ovo, asas de borboleta, penas de pássaro, rocha obsidiana e enfeites reflexivos, materiais inusuais entre a produção contemporânea. Fragmentados e articulados em colagens pictóricas complexas, esses elementos se organizam em padrões geométricos e composições sofisticadas, sempre em formatos distintos desenhados pelo próprio artista.

A Casa Triângulo apresenta Duas luas, a segunda exposição individual da artista brasileira radicada em Paris, Fernanda Galvão, na galeria. Com curadoria de Marcos Moraes, a mostra apresenta uma nova série de pinturas que aprofundam a investigação da artista sobre o deslocamento, a impermanência e a reimaginação da coexistência em um futuro possível.Fernanda Galvão (1994, São Paulo, Brasil) vive e trabalha em Paris, França. Sua trajetória inclui exposições individuais e coletivas em galerias e instituições de prestígio internacional.

A Nara Roesler São Paulo apresenta Do Vento, exposição individual do artista francês Xavier Veilhan, com obras concebidas através do seu Transatlantic Studio – projeto no qual o artista transfere seu estúdio para um veleiro, oferecendo uma alternativa ao transporte aéreo para o transporte de obras de arte.Em Do vento, Xavier Veilhan revisita uma preocupação central em sua prática: a relação entre a segunda e a terceira dimensões. Para o artista, toda escultura começa como uma linha, e é através de sua acumulação e sucessão que o volume emerge. Essa articulação entre o gráfico e o espacial reflete a passagem da imagem para a realidade. Um ritmo linear se desdobra ao longo da exposição: em desenhos de parede, móbiles e esculturas, nas quais camadas de madeira compensada montadas sugerem ao mesmo tempo estrutura e fluidez.

A Luciana Brito Galeria apresenta Jogo da Memória, mostra inédita de Geraldo de Barros (1923–1998), organizada pelo Arquivo Geraldo de Barros (Fabiana de Barros e Michel Favre). A exposição reúne, pela primeira vez na história, a coleção completa da série Sobras(1996–1998 / 2024), a derradeira pesquisa do artista brasileiro, considerada um marco experimental em sua trajetória. O conjunto completo abrange 281 peças, cuja disposição no espaço expositivo convida a uma leitura expandida da complexidade da prática fotográfica de Geraldo de Barros.

A exposição apresenta 12 obras inéditas do artista libanês-brasileiro Camille Kachani, que revisita criticamente a construção histórica do país, propondo outra leitura a partir de povos originários, africanos escravizados e imigrantes europeus, cujas experiências foram em grande parte silenciadas no discurso oficial. Inspirado no procedimento de Michel Onfray ao formular uma “contra-história” da filosofia, Kachani desloca o foco do cânone para protagonistas invisibilizados. Com curadoria de Ícaro Ferraz Vidal Junior, em vez de ilustrar a história, o conjunto a reconfigura por imagens — “umaarqueologia crítica do presente”, nas palavras do próprio artista.

Na mostra, a artista exibe pinturas que exploram as forças que movem o fazer artístico — como o amor, o desejo, o luto e os vazios — e os vestígios que permanecem após essas experiências atravessarem o corpo. Enquanto pulsão representa o impulso inicial, a necessidade sem nome que move o gesto, rastro é a marca deixada no mundo, quando a tinta registra, como um sismógrafo, intensidades entre o que pode e o que não pode ser dito.Em todas as obras, a artista trabalha a partir do chão, em escala diretamente relacionada ao corpo, permitindo que o pincel opere como extensão do corpo.Entre delicadeza e vigor, erotismo e agonia, suspensão e dinamismo, as pinturas devolvem ao espectador superfícies-espelho, capazes de fazer emergir imagens e afetos latentes, não como ilustração do vivido, mas como transfiguração contínua da experiência no presente da pintura.

O coletivo Jardim Miriam Arte Clube – JAMAC, fundado por Mônica Nador, que completa 20 anos de atividade exibirá e comercializará peças de dois projetos: Inventários e Aprender algo novo. Ao longo de duas décadas, o JAMAC se dedica a integrar a arte ao cotidiano da comunidade, instrumentalizando o público a utilizar o estêncil como meio de expressão visual e, em muitos casos, como uma fonte de renda.Inventários é uma investigação aberta do acervo de estampas produzidas ao longo de 20 anos de oficinas de estêncil do JAMAC. Aprender Algo Novo é um projeto que nasce da colaboração entre o JAMAC, o Projeto Descartes e o grupo Colo de Vó/Instituto Nova União da Arte, que resulta em uma coleção de porcelanas e uma publicação que reúnem estampas e histórias.

Àkùko, Eiyéle e Ekodidé – Uma revoada de Alberto Pitta, é a primeira individual do artista baiano e figura central no carnaval de Salvador, Alberto Pitta. Ele foi o autor das estamparias de importantes blocos como o Olodum e os Filhos de Gandhy, tendo criado em 1998 o seu próprio bloco, o Cortejo Afro. A mostra, com curadoria e texto crítico de Galciani, conta com 24 trabalhos inéditos e outros resultantes de sua produção ao longo dos últimos anos, incluindo pinturas e serigrafias sobre tela e um carrinho de cafezinho, em madeira – uma referência aos coloridos carrinhos usados por ambulantes para vender cafezinho em Salvador, e também ao trabalho mostrado na coletiva

O MAB FAAP apresenta “Entre o desenho e a pintura”, exposição individual e inédita da artista Caru Duprat, dentro do projeto Mezanino Aberto. Com curadoria de Nancy Betts.A mostra reúne três séries, “Águas que falam de águas”, “Águas que querem ser montanhas” e “Passagens”, que exploram a potência expressiva da aquarela. Entre transparências e densidades, Caru aproxima o gesto do desenho ao da pintura, evocando a lição dos mestres japoneses do “ukiyo-e” como Katsushika Hokusai e Utagawa Hiroshige, pintores de paisagens neste gênero que, na tradução para o português, significa “imagens do mundo flutuante”.A partir de distintos locais como Ilha Bela, no litoral paulista, em Santorini, na Grécia, e Paraty, no litoral carioca, a artista propõe um olhar renovado sobre a paisagem.

A exposição Harmony Hammond & Ivens Machado propõe um diálogo inédito entre a obra de Ivens Machado (1942–2015), figura central da arte brasileira dos anos 1970, 80 e 90, e Harmony Hammond (1944), artista estadunidense pioneira do movimento feminista queer nos Estados Unidos. A mostra articula as fronteiras entre corpo, materialidade e política.As obras reunidas – esculturas, pinturas, relevos e fotografias produzidas entre 1973 e 2020 – desafiam categorias formais e empregam elementos “precários”, como concreto, ferro, cordas, gaze e cera.

A galeria Estação abre a exposição Eu sou o Silva, com curadoria de Paulo Pasta, festejando o artista José Antônio da Silva num momento de grande destaque das suas obras, que tiveram a primeira mostra monográfica europeia no Museu de Grenoble, na França, de abril a julho, como parte da Temporada Brasil-França 2025. A exposição Eu sou o Silva – a segunda do artista organizada pela galeria Estação – reúne 26 obras das décadas de 1940 a 1980, que pertencem ao acervo próprio e às coleções de Andre Mastrobuono, Breno Krasilchik, Gustavo Rebello, Ladi Biezus, Marcelo Noschese, Mauricio Buck e Orandi Momesso. Para Vilma Eid, fundadora da galeria Estação, é um momento de celebrar o artista nessa itinerância iniciada em março, na França, passando depois, por Porto Alegre, com a exposição José Antônio da Silva: Pintar o Brasil, que teve curadoria do espanhol Gabriel Pérez-Barreiro, na Fundação Iberê Camargo, em agosto.

A exposição apresenta um conjunto de 57 obras pertencentes ao Acervo Sesc de Arte, reunindo produções de artistas autodidatas de diferentes regiões do Brasil. Produzida a partir de uma seleção criteriosa do curador Renan Quevedo, a mostra, que evidencia a relevância da coleção de artes visuais do Sesc São Paulo, inclui pinturas, esculturas, xilogravuras e objetos que revelam a pluralidade e a potência simbólica da chamada arte popular, força criativa marcada pela ancestralidade, pela memória coletiva e pela resistência.

Para celebrar as cinco décadas de memórias e vivências no Sesc Interlagos, a exposição Presença Espiral será inaugurada no dia 30 de outubro, exatamente na data que marca os 50 anos de inauguração da unidade, ocorrida em 30 de outubro de 1975. A curadoria, da Lentes Malungas, coletivo de pesquisa, documentação e produção audiovisual, é fundamentada em uma ampla pesquisa que inclui: relatos, acervo iconográfico e escuta de frequentadores, funcionários e artistas participantes dessa história. A proposta coloca em diálogo 10 vídeos-depoimentos e uma mostra dos acervos fotográficos e gráficos do Sesc São Paulo. O percurso é materializado em cinco ilhas, estruturadas por vídeos-depoimentos que narram a diversidade de modos de lembrar, viver e ocupar o Sesc Interlagos ao longo do tempo.

A Mitre Galeria apresenta a primeira exposição individual de Pedro Neves em seus espaços em São Paulo. Com texto curatorial de Nathalia Grilo, em Zuilla – Bandeiras Verdes o artista maranhense traça um mapa de vestígios e memórias ao seguir os rastros migratórios de sua família, revisitando narrativas e territórios que se estendem entre o sertão nordestino e outras geografias simbólicas. Nessa travessia, o artista busca mundos onde o Encantamento se manifesta como força viva e princípio de transformação. Entrelaçando referências ao catolicismo popular, às tradições afro-atlânticas e aos saberes indígenas, Neves propõe o que chama de uma “ética Encante”, uma tecnologia de resistência e cuidado que emerge do encontro entre espiritualidade, corpo e território.

Em 25 de outubro, Elena Damiani inaugura As formas interiores na Almeida & Dale, sua primeira individual no Brasil. A exposição investiga a passagem do tempo e as transformações na paisagem a partir do encontro sinérgico entre materiais de naturezas calcária e industrial, apresentando obras inéditas de séries expostas recentemente em Estocolmo, Nova York, Cidade do México, Lima, Buenos Aires e Japão.Damiani compreende geologia não como mera ciência de medição, mas como uma linguagem das formas. Cada rocha, sedimento ou mineral carrega sua própria lógica de organização, que pode ser lida como sinais de como a natureza se estrutura.

À sombra do pó das estrelas é a primeira exposição individual de Amilcar de Castro na Almeida & Dale. Sob curadoria de Cristiano Raimondi, a mostra apresenta uma seleção de obras do artista mineiro falecido em 2002, um dos pilares da escultura contemporânea brasileira.Reconhecido como um dos principais expoentes do concretismo, Amilcar de Castro revolucionou a arte tridimensional brasileira, empregando operações de corte e dobra sobre chapas metálicas. A partir desses movimentos aparentemente simples, suas esculturas adquirem formas diversas, apontando para a complexidade que resulta de um pensamento sintético.

Material Affinities and Tropical Dreams, apresenta um conjunto inédito no país ao reunir artistas de ascendência sul-asiática sob curadoria de Mario D’Souza, diretor de programação e exposições na Kochi Biennale Foundation, Índia.Com obras de Anwar Jalal Shemza (1928, Índia-1985, Inglaterra), Ayesha Sultana (1984, Bangladesh), Balraj Khanna (1940, Índia-2024, Inglaterra) e Lubna Chowdhary (1964, Tanzânia), a exposição reflete sobre as afinidades que emergem a partir da experiência pós-colonial —que mobiliza vertentes do modernismo e de tradições locais— entre o Sul da Ásia e o Brasil.

Carlos Garaicoa inaugura Double Exposure. A mostra, composta por trabalhos que transitam entre pintura, escultura e instalação, aborda temas centrais na produção do artista: a arquitetura, a matemática, a geometria e o tecido social das cidades. Entre eles, está um novo grupo de trabalhos em que imagens fotográficas passam por intervenções com tinta óleo e materiais diversos para criar cenas nas quais formas orgânicas irrompem da paisagem urbana. Já nas obras da série π=3,1416, Garaicoa retoma, de certo modo, sua origem como pintor, com peças que recaem no limiar da bi e tridimensionalidade, enquanto examinam a geometria e dialogam com vertentes do construtivismo e concretismo. Outro destaque, Toda utopia passa pela barriga, é uma instalação concebida entre 2008 e 2024, que toca em temas como isolamento e alimentação — em sua dimensão histórica na formação das sociedades e diante dos atuais conflitos que levam à escassez e à fome.

A exposição “Rendando Histórias” é uma celebração da trajetória dos quase 20 anos do coletivo Rendeiras da Aldeia, grupo de mães e mulheres de Carapicuíba (SP) que, desde 2006, se encontram para exercitar, produzir, preservar e difundir as tradições de um ofício que trouxeram das suas regiões de origem, em especial os estados nordestinos de Pernambuco e Paraíba: a Renda Renascença.As Rendeiras da Aldeia celebram essa trajetória por meio de obras que unem o fazer manual à expressão cultural da comunidade. A mostra apresenta dois eixos principais: o trabalho coletivo das mulheres e a relação com a festa do Cavalo-Marinho, trazida por migrantes pernambucanos e incorporada em Carapicuíba como o “Boizinho da Aldeia”. Essa celebração inspira a criação de máscaras de renda que representam personagens da cultura popular, como Mestre Ambrósio, Empata-Samba e Catirina.

A CAIXA Cultural São Paulo apresenta a exposição “Loli World” com 25 obras imersivas e sensoriais do artista urbano Michael Devis, que mistura arte urbana com experiências lúdicas e interativas. Inspirado por suas vivências nas ruas e viagens pelo mundo, Devis cria um universo mágico com personagens como As Lolitas, capivaras rainhas, teclados gigantes, sons, luzes e colagens. A proposta é estimular o imaginário e os sentidos do público, indo além do visual.As obras refletem a brasilidade por meio de cores vibrantes, ícones culturais e sonoridades regionais. A exposição promove inclusão, com experiências personalizadas para pessoas com deficiência e em situação de vulnerabilidade. A curadoria destaca o caráter multissensorial da mostra, que convida o público a tocar, ouvir e até cheirar os elementos das obras, transformando a observação em uma jornada interativa e poética.

A 36ª Bienal de São Paulo apresenta uma edição conduzida pelo curador geral Prof. Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung com sua equipe de cocuradores composta por Alya Sebti, Anna Roberta Goetz e Thiago de Paula Souza, além da cocuradora at large Keyna Eleison e da consultora de comunicação e estratégia Henriette Gallus. A mostra se inspira no poema enigmático da poeta afro-brasileira Conceição Evaristo, “Da calma e do silêncio”.A proposta central dessa Bienal é repensar a humanidade como verbo, uma prática viva, em um mundo que exige reimaginar as relações, as assimetrias e a escuta como bases de convivência a partir de três fragmentos/eixos curatoriais. A metáfora do estuário – local onde diferentes correntes de água se encontram e criam um espaço de coexistência – guia o projeto curatorial, inspirado nas filosofias, paisagens e mitologias brasileiras. Tal conceito reflete a multiplicidade de encontros que marcaram a história do Brasil e propõe que a humanidade se una e se transforme por meio de uma escuta atenta e da negociação entre seres e mundos distintos.A exposição vem acompanhada, ainda, de uma mudança histórica na organização do evento, que tradicionalmente é realizado de setembro a dezembro. A mostra se estenderá por quatro semanas adicionais, sendo apresentada gratuitamente ao público entre setembro de 2025 e janeiro de 2026.

Após quase quinze anos sem realizar exposições individuais em São Paulo, o artista Antonio Manuel retorna à Galeria Raquel Arnaud, com curadoria de Tiago Mesquita, para apresentar a mostra “Corte Circuito”, que reúne 33 obras inéditas, entre elas, uma série feita com grades e novos trabalhos Incontornáveis. O conjunto marca uma nova fase em sua produção, de intensa experimentação poética, e reafirma a vitalidade de uma trajetória que atravessa mais de cinco décadas de arte contemporânea brasileira.

A exposição PLAY – FITE - Bienal Têxtil de Clermont-Ferrand edição 2024-2025 convida o público para desvendar as tramas de um instigante conjunto de obras e criações que propõe um diálogo entre as técnicas da produção têxtil e o universo lúdico dos jogos e das brincadeiras. A exposição chega ao Brasil após estreia, em 2024, no Museu Bargoin, em Clermont-Ferrand, na França, integrando a mais recente edição da FITE – Bienal Têxtil de Clermont-Ferrand, evento realizado desde 2012 com o objetivo de celebrar o inesperado e o extraordinário na criação têxtil e sua cadeia produtiva, promovendo encontros entre tradições, saberes e inovações. A realização da mostra no Brasil é resultado de uma parceria entre o Sesc São Paulo, a cidade de Clermont-Ferrand, na França, e a produtora HS_Projects, e integra a programação da Temporada França-Brasil 2025, iniciativa bilateral que celebra o intercâmbio cultural, o diálogo social e a cooperação entre os dois países.

“Anísio O Couto” apresenta uma seleção potente de obras que transitam entre o gesto e o sagrado, entre o improviso e o rigor. A mostra inclui uma nova série inédita criada especialmente para 2025, além de trabalhos que marcaram sua passagem pelo Tropigalpão.A montagem busca criar um espaço imersivo, que convida o público a entrar no universo do artista — um portal simbólico, ou, como define Denise Milfont, “a porta do céu”.

A exposição Leo Battistelli: água viva, que conta com texto crítico de Leonel Kaz, reúne cerca de 29 obras, incluindo inéditas, que exploram a profunda conexão entre o homem e a natureza por meio da luz, da matéria e da espiritualidade.Coincidindo com a realização da COP, a exposição reforça a urgência das discussões ambientais contemporâneas ao propor um olhar poético e científico sobre o planeta. Para o artista, “nós todos somos líquens” — seres biológica e planetariamente feitos da mesma estrutura da Terra.

A Galeria Marcelo Guarnieri apresenta a primeira parte da série de exposições “Galeria: 40 anos”.Esta primeira parte da exposição apresenta um recorte que se inicia em 1912, com pinturas de Eliseu Visconti, e se expande até o ano de 1966, com uma obra de Wesley Duke Lee. Esta última funciona como um marco histórico, mas não cronológico, já que a mostra inclui obras produzidas posteriormente a essa data.As obras presentes na mostra pertencem à coleção da galeria, aos artistas atualmente representados por ela ou àqueles que participaram de exposições ao longo dessas quatro décadas de atividade. Parte dessas obras retorna agora ao espaço expositivo da galeria após anos integrando coleções privadas.Agradecemos aos artistas, colecionadores, colaboradores, amigos e a todo o circuito de arte por esses anos de convivência, troca e construção conjunta.

A irmandade Vilanismo inaugura a mostra Guarda-Corpo realizada paralelamente à participação do coletivo na 36ª Bienal de São Paulo e é acompanhada de texto crítico da professora, historiadora africanista e curadora Vanicleia Silva-Santos.Guarda-Corpo propõe uma reflexão crítica sobre as formas de proteção, cuidado e vigilância que marcam os corpos negros favelizados nas cidades.

A 16ª edição da exposição CONTEMPORÂNEO traz uma proposta ousada e necessária: apresentar obras que têm o feminino como eixo central, abordando questões urgentes como feminicídio, exploração da força de trabalho das mulheres nas dinâmicas globais e reflexões que atravessam corpo, cotidiano e identidade feminina. A exposição vai reunir 25 obras que promovem diálogos sobre arte, cultura e pluralidade, assinadas por nomes consagrados da cena contemporânea internacional.Com curadoria de Zeca Medeiros e Otavio Avancini, a mostra valoriza a diversidade ao reunir artistas de diferentes etnias, gêneros e nacionalidades.

A mostra coletiva reúne obras de 25 mulheres artistas do Brasil, da França e de países do continente africano e da diáspora africana.Com curadoria de Odile Burluraux, do Museu de Arte Moderna de Paris, Suzana Sousa, curadora independente angolana, e de Aline Albuquerque, artista visual e curadora com atuação em Fortaleza (CE), a exposição se baseia em valores de autorrepresentação, resistência, memória e invenção de mundos, dando sequência à mostra apresentada no Musée d'Art Moderne de Paris dentro da Temporada África 2020, agora com a inserção de obras de artistas residentes no Brasil.A exposição reúne trabalhos de Aléxia Ferreira, Aline Motta, Ana Pi, Ana Silva, Buhlebezwe Siwani, Castiel Vitorino Brasileiro, Dhiovana Barroso, Eliana Amorim, Fabiana Ex-Souza, Gabrielle Goliath, Gê Viana, Grace Ndiritu, Kapwani Kiwanga, Jasi Pereira, Lebohang Kganye, Lerato Shadi, Lidia Lisbôa, Lucimélia Romão, Pedra Silva, Reinata Sadimba, Senzeni Marasela, soupixo, Stacey Gillian Abe, Terroristas del Amor e Wura-Natasha Ogunji.

A Gentil Carioca São Paulo apresenta a vídeo-instalação “OJARDIM” (Trilogia das Plantas 2) do artista visual indígena Denilson Baniwa, com o cineasta Felipe M. Bragança na Travessa Dona Paula, em Higienópolis, em São Paulo. A vídeo-instalação se organiza em torno de uma escultura de madeira e 3 monitores de vídeo simultâneos: *A voz do filósofo (Coccia) + *Ritual de corpos-plantas” + *Natureza morta-viva"", e seguirá em exposição pública, gratuitamente. A mostra reúne artistas cujas trajetórias apresentam a similaridade do autodidatismo. Dentre símbolos afro-indígenas, escobros da cidade e pinturas, eles têm em comum pontos de partida em muros da cidade, ou no trabalho de montagem de exposições, restauro de obras de arte, ou na arte-educação.

Canção sublime, notas para o infinito, com curadoria de Ariana Nuala, propõe uma reflexão sobre a canção como forma de conhecimento, experiência espiritual e gesto político. Com cerca de 30 obras, a mostra parte da noção de “canção como imagem de acesso”, um portal para compreender o mundo em sua dimensão implicada, ativa e emaranhada, conforme define a curadora. A mostra estabelece pontos de reconexão com tradições e conhecimentos ancestrais. Nessa retomada, as práticas se tornam experiências ativas de aprendizado e liberdade, contrapondo-se à tendência contemporânea de reduzir a vida à sua dimensão utilitária.

A individual Men in Love, de Douglas de Souza (Blumenau, 1984), com curadoria de Domenico de Chirico, reúne 12 pinturas inéditas a óleo que evidenciam as tensões entre força e fragilidade, masculino e feminino, superfície e interioridade, com cores vibrantes e um imaginário que combina esplendor e fissura. O título da exposição, inspirado na canção homônima da banda norte-americana Gossip, investiga as complexidades das relações afetivas entre homens e estabelece a atmosfera poética que percorre o conjunto e a narrativa em torno do desejo, identidade, pertencimento e a representação.

A Fortes D’Aloia & Gabriel apresenta Vagarosa Luminescência Voadora, nova exposição de Luiz Zerbini em São Paulo. Neste corpo de trabalho, a imagem de cupinzeiros do cerrado brasileiro, com larvas em estado de bioluminescência, desencadeia uma nova investigação sobre cor, luz e ritmo, a partir dos fenômenos do mundo natural.No espaço expositivo, uma grande instalação de esculturas dialoga com pinturas de larga escala, configurando um ambiente onde rastros da presença humana coexistem com a reprodução e transformação da própria imagem da natureza. Nesse meio interconectado e de atmosfera hipnótica, superfícies e volumes se tornam portais para uma percepção expandida. As propriedades pictóricas e esculturais se deslocam de uma obra a outra, instaurando um sistema de trocas visuais. O cupinzeiro, por sua vez, surge ora na pintura, ora como corpo escultórico de textura lisérgica.

A WG galeria inaugura a exposição “Uma mulher sempre sorrindo”. A mostra convida o público a refletir a multiplicidade da experiência feminina e a importância da presença das mulheres na construção da sociedade, através das obras de duas artistas distintas, Carol Ambrósio e Elvira Freitas Lira. Nesta cena, criada em conjunto pela curadora Paula Borghi e os arquitetos - sócios da galeria - Mariana Weigand e André Weigand, as artistas dialogam por meio da plasticidade de assemblages, objetos de parede, jóias falsas, pedras brutas, pinturas e tapetes; e pela poética que transita pelos territórios do dramático, do cômico, do ousado e do absurdo. A mostra evidencia essa necessidade contínua de combater desigualdades e violências estruturais que atravessam as vivências do feminino, e reforça a posição política dos sócios que primam pela apresentação de trabalhos de artistas mulheres ao mercado, impactando diretamente a vida de todas elas e seus descendentes.

Desejo negativo é uma exposição coletiva que investiga a teoria queer para traçar uma crítica às lógicas da reprodutibilidade – entendida aqui não apenas como processo biológico de repetição, mas como princípio normativo que sustenta o mundo hegemônico, colonial, estabelecido.Ao lado de Hudinilson Jr., a exposição reúne duas artistas de gerações distintas da sua, cujos trabalhos se entrelaçam na mesma inquietação com o mundo e sua reprodução compulsória. Bruna Kury, artista carioca, transita por colaborações e coletividades, como o coletivo Coiote. Sua obra tensiona os regimes de autoria e de poder, criando alianças com corpos em dissidência. Zines, frases contestatórias e gestos táticos compõem um repertório de insurgência que faz da reprodutibilidade um campo de disputa estética e política. Tetê, artista paraense, opera entre a poesia visual e a fotografia. A curadoria de Jota Mombaça imagina-se como um ensaio visual sobre os limites do presente e as possibilidades de sua dissolução.

O MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand apresenta a Sala de Vídeo: Maya Watanabe. Com curadoria de Glaucea Helena de Britto, curadora assistente, MASP, a mostra exibe a videoinstalação Bullet (2021) da artista peruana Maya Watanabe (Lima, 1983). Inédita no Brasil, a obra se debruça sobre os restos mortais de uma vítima não identificada de conflitos internos armados que assolaram o Peru entre 1980 e 2000, período violento no qual quase 70 mil pessoas morreram e que deixou marcas profundas na história do país.A mostra reflete sobre a ecologia não apenas como tema ambiental, mas como um campo que envolve relações de poder, desigualdades, violência de Estado e memória histórica, mostrando como paisagens, corpos e territórios são marcados por conflitos que ultrapassam gerações.

O artista multimídia Alexandre Orion e o Instituto Ar apresentam a mostra inédita AR-TE no Centro Cultural São Paulo (CCSP), entre os dias 18 de novembro e 25 de janeiro. O projeto contempla uma exposição com dez obras e um minidocumentário assinado pela produtora Big Bonsai, que transformam poluição em arte e denúncia. Reconhecido por utilizar a própria sujeira das cidades como matéria-prima de forma pioneira no universo artístico, Orion propõe uma reflexão contundente sobre as emissões atmosféricas e seus impactos na vida humana e no futuro do planeta. A mostra apresenta também uma versão tátil integral da exposição, na Biblioteca Louis Braille, no CCSP.

Limiar é a primeira exposição individual de Tarik Kiswanson em São Paulo. A instalação, originalmente concebida para a Sala de Vidro do MAM São Paulo, foi adaptada para ocupar uma sala inteira do Instituto Tomie Ohtake, criando uma intervenção arquitetônica que altera a percepção do espaço.Na obra, o artista reúne três elementos em suspensão: uma cadeira da fábrica Móveis Cimo, utilizada em repartições de imigração brasileiras na década de 1950; um cadeiralde igreja católica belga do século XIX, testemunho da circulação colonial de objetos sacros; e Cradle (Berço), uma escultura branca em formato de casulo que sugere origem, ausência e potência de futuro. Unidos na sala expositiva, esses elementos criam umespaço sensível que convida à reflexão sobre identidade, exílio e pertencimento.

Com curadoria de Tomoe Moriyama, a mostra que vem para para celebrar os 130 anos do Tratado de Amizade Brasil-Japão, destaca a produção de jovens artistas japoneses, que integraram duas exposições exibidas no Museu de Arte Contemporânea de Tóquio.O termo “antípodas” designa lugares e pessoas situados em lados opostos da Terra, mas também sugere encontros e conexões possíveis, mesmo a longas distâncias, em que afastamento e proximidade revelam o que há de comum entre culturas aparentemente distantes: Brasil e Japão, São Paulo e Tóquio.

A exposição propõe um museu em movimento dedicado ao pensamento do poeta, filósofo e ensaísta martinicano Édouard Glissant (1928–2011). A mostra, com curadoria de Paulo Miyada e Ana Roman, integra a Temporada França-Brasil 2025 como um de seus principais destaques.É nesse horizonte que se apresenta, pela primeira vez no Brasil, parte da coleção pessoal reunida por Glissant e atualmente preservada no Mémorial ACTe, em Guadalupe. À coleção de obras somam-se documentos, cadernos, vídeos e fragmentos de textos e entrevistas de Glissant e um diálogo com trabalhos de mais de 30 artistas contemporâneos das Américas, Caribe, África, Europa e Ásia

A galeria é um espaço de estudo e formação resultante de uma parceria entre a Terra Foundation for American Art e o MAC USP, para que um conjunto da coleção da fundação viesse a São Paulo. São 36 obras selecionadas em diálogo com a pesquisa e as disciplinas de graduação e pós-graduação do MAC USP e sua atuação no Programa Interunidades em Estética e História da Arte (PGEHA USP), a linha de pesquisa em História da Arte e da Cultura do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas da Unicamp, e o Departamento de História da Arte da Unifesp. Além disso, nos próximos dois anos, elas também permitirão criar pontes de interpretação com obras do acervo do MAC USP.A Terra Collection for American Art é uma associação sem fins lucrativos, com sede em Chicago, nos Estados Unidos que, desde os anos 1980, coleciona obras de arte do país e fomenta a pesquisa sobre sua arte. Através de seu Programa Collection- in-Residence, o MAC USP se insere em uma rede de 12 museus universitários internacionais de arte em uma visada crítica sobre a história da arte dos Estados Unidos e suas possíveis articulações com outros países. No caso do Brasil e da proposta feita pelo MAC USP, a seleção de obras partiu das questões já colocadas em outras parcerias da instituição estadunidense com o país.

A DAN Galeria apresenta, O Brasil dos modernistas, com curadoria de Maria Alice Milliet. Reunindo cerca de 50 obras de emblemáticas de nomes fundamentais como Tarsila do Amaral, Di Cavalcanti, Cícero Dias, Victor Brecheret, Cândido Portinari, Guignard, Alfredo Volpi, Anita Malfatti e outros, a coletiva traça um panorama da arte moderna no país e destaca o papel do movimento que, a partir da década de 1920, redefiniu a linguagem artística nacional e acrescentou ao imaginário coletivo visões atualizadas do imaginário popular brasileiro.O percurso curatorial retrata como os primeiros modernistas, em busca de formação e reconhecimento, voltaram-se aos grandes centros artísticos da Europa. Foi a partir dessa experiência que muitos passaram a perceber a força e a originalidade da diversidade cultural brasileira para construção de suas próprias identidades artísticas. A coletiva reforça o papel dessa geração de artistas na construção de uma identidade visual e reafirma a atualidade de seu legado na formação do que se entende por brasilidade.

A Aura inaugura a exposição “Entre terra e memória”, primeira individual do artista Leandro Júnior na galeria. Com texto crítico do curador ganense-americano Larry Ossei-Mensah, a mostra apresenta um panorama abrangente da pesquisa pictórica do artista mineiro, reunindo séries marcantes como Viúvas de Maridos Vivos, Vale e Lágrimas, além de obras inéditas e uma escultura.Natural da Chapada do Norte (MG), Leandro traz para São Paulo a força e a poética do Vale do Jequitinhonha, onde sua prática se enraíza, tanto na escolha dos materiais, como o barro extraído das encostas, quanto nas histórias e experiências que inspiram seu trabalho.

No Japão, a água é compreendida como fonte de vida e nutrição essencial para a natureza, mas é também indispensável para a formação da sociedade e da espiritualidade do país. Na exposição “Fluxos – o Japão e a água” o elemento é apresentado a partir de diferentes perspectivas: seu desenvolvimento junto com a economia e infraestrutura das cidades e do meio ambiente; seus avanços tecnológicos e aprimoramento de sua qualidade e abastecimento; sua importância para a espiritualidade e tradições japonesas; sua influência por meio da arte. Com curadoria de Natasha Barzaghi Geenen, também Diretora Cultural da instituição, a exposição traz o movimento centrífugo das águas para a expografia, que convida o público a explorar um ambiente de formas arredondadas com texturas e iluminação que parecem deixar o segundo andar da JHSP submerso.

“O que nos une” tem como ponto de partida a teoria Brain Net, criada pelo médico e neurocientista brasileiro Miguel Nicolelis, professor emérito da Duke University (EUA). Cérebros humanos podem sincronizar suas atividades elétricas e formar redes de cérebros que permitem a organização de grupos sociais coesos, que operam conjuntamente e trabalham de forma cooperativa para resolver tarefas cognitivas complexas ou para compartilhar ideias, sons, palavras e sentimentos, numa interface cérebro-cérebro, como define o autor.Ao unir ciência, tecnologia e arte contemporânea, a exposição materializa esse conceito por meio de três instalações artísticas interativas, criadas especialmente para a mostra pelo Aya Studio. A exposição propõem um debate sobre os efeitos das novas tecnologias no comportamento humano e na consciência coletiva.

Tema do ciclo curatorial de 2025, Histórias da ecologia será uma coletiva internacional que ocupará cinco andares do edifício Pietro Maria Bardi, novo espaço do MASP. Em um contexto marcado pela intensificação de crises climáticas, políticas, territoriais e sociais, Histórias da ecologia investiga como artistas, coletivos e ativistas de diversas partes do mundo respondem ao tempo presente e compreendem as relações entre os seres vivos, suas criações e o meio em que vivem. O termo “ecologia” foi escolhido em detrimento do termo “natureza”, compreendendo o humano como parte de um ecossistema complexo e não separado ou hierarquicamente superior a ele. A exposição parte do entendimento de que a ecologia é um sistema de relações. Organizada em cinco núcleos, a mostra abordará as diferentes ideias de tempo como um elemento organizador da vida; bem como os efeitos dos deslocamentos forçados e dos processos migratórios causados tanto por modelos extrativistas de produção quanto por efeitos das mudanças climáticas.

A Pinacoteca apresenta a instalação Dominique Gonzalez-Foerster: Meteorium, no Octógono do edifício Pina Luz. A estrutura foi concebida especialmente para o espaço central do museu, projetando um panorama tridimensional dividido em oito câmaras, com paredes e pisos pintados em referência a elementos da natureza. Com curadoria de Jochen Volz, a artista convida o público a entrar na instalação e reimaginar o entrelaçamento com o meio ambiente.Dominique Gonzalez-Foerster dedica sua prática artística a projetos experimentais, partindo de uma investigação contínua sobre as formas como habitamos o tempo, o espaço e a memória.

A Pinacoteca de São Paulo inaugura a exposição Beatriz González: a imagem em trânsito, nas sete salas do edifício Pinacoteca Luz. Com curadoria de Pollyana Quintella e Natalia Gutiérrez, a mostra revisita os mais de 60 anos de carreira da artista, conhecida pelos trabalhos que tecem críticas à história de violência em seu país e reinterpretam obras da História da Arte ocidental. São mais de 100 trabalhos produzidos desde a década de 1960, incluindo peças fundamentais como Decoración de interiores (1981) e Los suicidas del Sisga II y III (1965).

Exposição panorâmica da obra de Flávio Império. A mostra reúne quase 300 obras, abrangendo a produção do artista entre os anos 1960 e 1985, e tem curadoria assinada por Yuri Quevedo, curador do museu e pesquisador da obra de Flávio Império (1935–1985) há 16 anos. Flávio Império foi um artista brasileiro em que a atuação transdisciplinar marcou profundamente a cena cultural do Brasil nas décadas de 1960 e 1970. Sua importância se dá não apenas pela multiplicidade de linguagens que dominava (como pintura, arquitetura, cenografia, teatro, design gráfico e do ativismo político), mas também pela maneira como ele as articulava em uma prática artística crítica, engajada e transformadora. Império trabalhou com uma diversidade de materiais, produzindo serigrafias, pinturas, colagens, fotografia e documentários em super-8. A exposição propõe ao público uma imersão em diferentes momentos e manifestações da produção do artista, ressaltando a coerência e a liberdade que orientam sua prática tão diversa. Entre os destaques estão o projeto de figurino "fogo”, desenvolvido especialmente para a cantora Maria Bethânia para a peça Rosa do Ventos (1971), além dos estudos para capa do disco Doces Bárbaros (1976), que poderão ser vistos na segunda sala da mostra. Uma maquete descreve o projeto que o artista fez para o show Pássaro da Manhã (1977) de Maria Bethânia. Em um momento em que a ditadura militar começa a enfraquecer e surgem os movimentos de abertura, Império concebe um cenário em que a cantora surge de uma noite escura no fundo e vai gradualmente se aproximando da plateia ladeada por tecidos que representam a alvorada. No show Bethânia canta lembrando os amigos que foram exilados.

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Abel Rodríguez (Cahuinarí, Colômbia, 1944) nasceu às margens do Rio Cahuinarí, na Amazônia colombiana, e seu nome indígena é Mogaji Guihu, sendo originário das comunidades Nonuya e Muinane. Foi treinado desde a infância para ser um sabedor, isto é, um depositário dos conhecimentos sobre as espécies botânicas da floresta, seus usos práticos e simbólicos. Nos anos 1990, fugindo dos conflitos armados em sua região natal, mudou-se para Bogotá, onde, em contato com a ONG holandesa Tropenbos, foi incentivado a desenhar para registrar e compartilhar suas memórias. Ao contrário da tradição do desenho botânico ocidental, que isola os elementos representados, os desenhos de Rodríguez em grafite e aquarela mostram ciclos, interações entre diversas espécies e a ação do tempo na floresta. Feitos a partir de memórias, têm inscrições em espanhol e Nonuya, descrevem os sabores das frutas, os usos medicinais das plantas e quais animais se alimentam delas. A “árvore da vida” é outro tema recorrente em sua produção e narra o principal mito de origem dos Nonuya.

Esta é a primeira exposição individual da artista Clarissa Tossin (Porto Alegre, 1973) em uma instituição de arte no Brasil. A mostra abrange peças de 2008 até o presente, incluindo instalações, esculturas, tecelagens, imagens em movimento e um conjunto de novas obras encomendadas pelo MASP especificamente para esta mostra. A artista gaúcha radicada em Los Angeles aborda em seu trabalho questões relacionadas ao aquecimento global a partir de diversos materiais, em geral, resíduos industriais da sociedade de consumo, como plástico reciclado, látex derivado do extrativismo na Amazônia e caixas de entrega da loja online Amazon, entre outros. Na obra de Tossin, réplicas de objetos descartados e partes do corpo humano e de plantas aparecem como fósseis, traços de um tempo e lugar perdidos que ecoam na forma de sedimentos arqueológicos.

O encontro entre fotografia e mobiliário define CorpoFala, última exposição do ano da galeria MaPaFoto, e apresenta fotografias vintage em diálogo com o mobiliário de Ricardo van Steen.Fotografias vintage de diferentes décadas e procedências: os nus monumentais de Helmut Newton, as cenas coreografadas por Vânia Toledo, os rituais de Orlando Brito, as composições surrealistas de Francisco Aszman, os registros anônimos dos anos 1950–70 e as manipulações tramadas de Juvenal Pereira. Nesse encontro, surge algo que ultrapassa a mera soma das partes. A fotografia, quando olhada ao lado de um móvel que solicita o corpo, deixa de ser objeto para se tornar acontecimento. E o móvel, ao ser acionado pelo visitante que acabou de atravessar a experiência do olhar fotográfico, também fala — não com palavras, mas com o modo como faz o corpo existir no espaço.

Em um movimento que reposiciona sua atuação no mercado de arte brasileiro, a Danielian inaugura uma nova sede em São Paulo e lança um programa estruturado de representação de artistas contemporâneos.Com curadoria de Dereck Marouço e Livia Benedetti — que assumem a direção artística do programa contemporâneo —, ’SITUAÇÃO’ reúne obras do acervo da galeria em diálogo com os artistas representados. ‘SITUAÇÃO’ traz trabalhos, que vão desde a década de 1970 até a atualidade, de 14 artistas — incluindo Glauco Rodrigues, Jorge Guinle, Odoteres Ricardo de Ozias e Paulo Pedro Leal, além de Alvaro Seixas, Ana Neves, Anna Bella Geiger, Darks Miranda, Emilio Azevedo, Florencia Rodríguez Giles, Mariana Tassinari, Nicholas Grafia, Ottavia Delfanti e Thales Pomb.

Para celebrar a abertura de seu novo espaço expositivo, a galeria apresenta a mostra “ Zerbini in Conversation with Frank Walter”, que estabelece um diálogo inédito entre pinturas de paisagem em pequeno formato dos dois artistas . Com curadoria de Barbara Paca, a exposição aproxima Brasil e Caribe ao destacar a habilidade de ambos em captar atmosferas, luz e memória em composições de grande sensibilidade.

A GROU.BASE apresenta DOBRA, mostra inaugural dos ciclos expositivos, sob direção artística de Diego Castro, que reúne cinco artistas de diferentes gerações para pensar o tempo, a cidade e a matéria como campos em constante torção. A ideia de “dobra” atravessa a mostra como imagem de fricção e continuidade. Albano Afonso investiga luz, imagem e memória, compondo camadas temporais que se atravessam e se reativam. André Komatsu tenciona sistemas construtivos e dinâmicas urbanas, revelando estruturas em constante reorganização. Azeite De Leos, presente na exposição anterior, retorna com um trabalho que prolonga e reinterpreta a memória daquele gesto inicial. Erica Ferrari reconfigura arquiteturas e paisagens simbólicas, evidenciando relações de poder inscritas em espaços marcados por sedimentações históricas. Leka Mendes, em seus trabalhos atuais, faz uso de vestígios da cidade ao coletar fragmentos produzidos pela atividade humana nesta era, o lixo urbano-industrial-tecnológico, em sua maioria destroços de construção civil, descartes têxteis e plásticos.

Olhar a Floresta, Ver a Floresta parte do deslocamento entre a experiência sensível e a imagem fabricada para reunir cerca de 40 trabalhos de 25 artistas, históricos e contemporâneos, por vezes exibidos justapostos em elipses de tempo, em um arco que vai do século XIX aos dias de hoje.A curadoria de Ivo Mesquita organiza a exposição em três movimentos discretos, mas contínuos. O primeiro corresponde à chegada dos viajantes-naturalistas europeus ao Brasil, quando a pintura e o desenho registram a floresta como território sublime, exuberante, quase impenetrável. O segundo eixo revela o momento em que essa natureza, antes monumental, passa a ser convertida em paisagem produtiva. Olhar a floresta, ver a floresta não formula diagnósticos. Para Ivo Mesquita, propõe outra coisa, mais rara em tempos acelerados: um intervalo de silêncio.

Ecos e miragens tem curadoria de Carlos Quijon, Jr. e Yudi Rafael e aborda a obra de arte como um aparato capaz de ativar, poética e criticamente, o reconhecimento para investigar a relação entre práticas e histórias artísticas através dos oceanos Atlântico e Pacífico e das questões ecológicas em um mundo interconectado.A mostra é a terceira do programa Perspectivas Transoceânicas, concebido e coordenado pelo curador Yudi Rafael e realizado pela Almeida & Dale desde 2023. Em Ecos e miragens são apresentadas obras de artistas que produziram no Brasil e em diferentes países do Sudeste Asiático para investigar afinidades que se manifestam como reverberações — não necessariamente formais ou temáticas — entre a produção artística contemporânea dessas regiões.

A exposição individual de Sonia Gomes chega a São Paulo depois de itinerar por Ouro Preto (Museu da Inconfidência) e Salvador (MAC-BA), cidades fundamentais para o barroco brasileiro, onde o projeto iniciou sua trajetória em diálogo com as camadas de memória e história que permeiam esse legado.O projeto parte de uma reflexão sobre o barroco brasileiro como testemunho do trabalho, da técnica e da arte de pessoas africanas e afro-brasileiras, destacando como a obra da artista condensa e atualiza essa herança no contexto contemporâneo. Acompanhada pelo curador Paulo Miyada, Sonia percorreu as cidades de Ouro Preto e Salvador para aprofundar sua pesquisa sobre os territórios e as comunidades que moldaram essa tradição estética e cultural.

Ao longo de sua trajetória, a artista Juliana dos Santos vem explorando o azul da flor Clitoria ternatea como forma de investigar a cor enquanto experiência sensível no processo de ampliação da percepção. Sua pesquisa situa-se na interseção entre arte, história e educação, com interesse nas maneiras como artistas negros desenvolvem práticas que desafiam os limites da representação. Partindo do azul da flor, a artista ancora seu trabalho na impermanência: o pigmento natural oxida com o tempo, transformando-se diante dos olhos do público.

Celebrando 25 anos de trajetória, esta é a primeira grande exposição individual de Sérgio Adriano H em São Paulo, um marco para o artista. CORpo MANIFESTO tem curadoria de Claudinei Roberto da Silva e Juliana Crispe e reafirma a força e a relevância da produção contemporânea afrodiaspórica no Brasil e convida o público paulista a uma experiência artística profunda, sensorial e politicamente engajada.A mostra reúne mais de 100 obras que dialogam com a história, a memória e a luta do povo negro no Brasil. O artista usa o corpo como uma plataforma de resistência e expressão política, abordando temas como racismo estrutural, decolonialidade e aconstrução de uma identidade negra empoderada. Além de obras inéditas, a exposição também conta com experiências imersivas, incluindo a performance “desCOLONIZAR CORpos”, numa proposta de arte que transborda o museu, se conecta com a rua e as pessoas que transitam por ela.

A galeria Luisa Strina apresenta Montañas bajo el mar [Montanhas sob o mar], a nova exposição de Federico Herrero. O artista costa-riquenho exibe uma sériede pinturas inéditas, acompanhadas de uma obra in situ realizada sobre o piso da galeria, que dão ao espaço uma dimensão imersiva. Reconhecido por seus trabalhos site-specific, murais e telas permeados por formas orgânicas e cores vibrantes, Herrero desenvolve uma prática expansiva que busca diluir as fronteiras entre arte e vida cotidiana. Suas obras captam vibrações, movimentos e sons das formas e das cores, infundindo musicalidade e novos significados aos espaços que ocupam.

A galeria Luisa Strina apresenta Contrato, individual de Ilê Sartuzi com uma série de trabalhos inéditos em vídeo, pintura e instalação que relacionam as estruturas do sistema da arte e sua burocracia a truques e movimentos da economia.Com uma prática de pesquisa conceitual, Sartuzi lida com aspectos estruturais, porém frequentemente pouco visíveis, dos ambientes culturais. A exposição se desenvolve a partir de um conjunto de cinco contratos que incorporam noçõeslegais e financeiras para suscitar reflexões sobre o sistema da arte, o papel de diferentes agentes desse circuito — incluindo o próprio artista — e as especificidades de um espaço comercial como a galeria.

São Paulo recebe um novo espaço multidisciplinar dedicado à arte contemporânea no circuito da capital: a galeria Pórtico. Fundada pelo curador e crítico Adolfo Caboclo, ao lado de seu sócio Alexandre Zákia, o espaço abre as portas em 16 de dezembro de 2025, com a exposição coletiva O desencaixar das coisas.

Abre ao público a exposição “20 anos da Residência Artística FAAP - São Paulo: contribuições para uma coleção de arte contemporânea”, com 91 artistas de todos os lugares do mundo que já passaram pela residência artística da FAAP. A exposição celebra duas décadas deste que é um dos programas mais consistentes de residência artística do país. São cerca de 135 obras que hoje integram a coleção do MAB FAAP.

A Galeria Lume apresenta Rios Falam, Rios Cantam, uma exposição individual com o corpo de trabalho mais recente do artista Caio Rosa. A exposição, que conta com a curadoria da Cindy Sissokho, inclui fotografia, escultura, têxteis, instrumentos musicais e som, articulando a exploração contínua do artista sobre ritmo e memória.Em todas as obras de Rosa há um fio condutor: o envolvimento com materiais e elementos naturais em seus processos, onde a imagem depende de uma relação com a materialidade. Chuva, sol e luz colaboram com reações químicas para formar as texturas de suas obras fotográficas e esculturais, onde a matéria se torna uma forma viva e ativa em sua criação. Aço, cobre, papel orgânico e emulsão fotográfica se transformam nas superfícies das obras, ao registrarem o eco da transmissão cultural da continuidade ancestral.

A CAIXA Cultural São Paulo recebe pela primeira vez a exposição “Amados – Zélia & Jorge”, uma homenagem sensorial e afetiva a Zélia Gattai e Jorge Amado, casal que marcou profundamente a literatura e a cultura brasileira. Com curadoria de Paloma Jorge Amado, direção geral de Elaine Hazin (Via Press Comunicação), projeto expográfico de Rose Lima e cenografia de Renata Mota.A exposição convida o público a percorrer os 56 anos de vida e amor compartilhados entre Zélia e Jorge, em uma jornada que mistura literatura, memória e emoção. O visitante encontrará um rico acervo de fotografias, cartas, vídeos, ilustrações e depoimentos, que revelam desde o primeiro encontro do casal, em 1945, até os últimos anos na Bahia, com amigos ilustres como como Dorival Caymmi, Mãe Menininha, Glauber Rocha, Vinicius de Moraes, Carybé, entre outros.

O Projeto 280x1020 recebe a mostra "Corpo-a-corpo", explorando a presença do corpo na produção contemporânea, onde suas vivências são atravessadas por contextos socioculturais. Com texto crítico de Giovanna Bragaglia, a exposição reúne trabalhos de Acelino Sales - MAHKU (Rio Jordão, 1975), Alex Cerveny (São Paulo, 1963), Bárbara Wagner (Brasília, 1980), Hudinilson Jr. (1957–2013), Regina Parra (São Paulo, 1984), entre outros. A série fotográfica Brasília Teimosa (2008), de Wagner, por exemplo, apresenta o resultado de uma documentação, levada pela artista ao cabo de dois anos, da periferia do Recife, onde moradores se reuniam aos domingos com amigos e familiares para tomar banho, comer, beber e aproveitar o dia à beira-mar. A obra capta gestos de celebração e prazer como forma de afirmação da coletividade, além de investigar as dinâmicas sociais de uma comunidade constantemente marginalizada.

A mostra “Som e Fúria” (Galeria), com texto de Tetê Lian, utiliza recursos como automação, som e movimento para discutir uma fúria relativa às experiências humanas. O título é emprestado de um dos mais importantes romances de William Faulkner (1897-1962), publicado em 1929 e marcado pelo emprego do fluxo de consciência e da narrativa não-linear. A expressão deriva também de uma fala de Macbeth (1623), na peça homônima de William Shakespeare (1565-1616), que descreve uma situação de grande tumulto, barulho e raiva sem sentido ou propósito útil. Entre os artistas estão André Komatsu (São Paulo, 1978), Chelpa Ferro, Emmanuel Nassar (Capanema, 1949), Nuno Ramos (São Paulo, 1960) e Mariana Manhães (Niterói, 1977). Destaca-se uma obra da série Ato de… (2013), de André Komatsu, que utiliza itens de segurança de obras emolduradas para fundamentar a imagem e o sistema de fixação na parede, e o trabalho do paulista Nuno Ramos, que sublima a dimensão física de processos semânticos, lidando com a sobreposição de materiais.

O Gabinete é ocupado por caixas e livros na exposição “Balada para um espectro”, com texto crítico de Ella Pacheco. A mostra dialoga com o conceito de coleção, exibindo obras que extrapolam o estatuto do plano bidimensional.O múltiplo histórico Boîte-en-Valise, 1935-41 (fac-símile), de Marcel Duchamp, compõe a coleção e reúne 68 trabalhos do pintor e escultor francês em um objeto desdobrável, que revela a reprodução em escala de esculturas e pinturas anteriores, na qual constituiu o conceito do ready-made. Cildo Meireles completa a seleção com Camelô (1998), uma lembrança de infância das viagens com sua família ao Rio de Janeiro. Observando camelôs no centro da cidade que comercializam objetos aparentemente insignificantes, como alfinetes e barbatanas, o artista reflete sobre as dinâmicas de sobrevivência dessas pessoas e sobre a extensa cadeia de trabalho envolvida na produção dos itens.

A Casa de Cultura do Parque hasteia novas bandeiras na fachada, com a exposição "Para-luz", de Aline Ricci, como parte do projeto Dando Bandeira.Os curadores Claudio Cretti e Tetê Lian destacam a relevância da coleção, composta de mais de 500 obras, que conta com trabalhos sonoros, objetos-caixas, esculturas motorizadas, publicações experimentais e livros de artista, que exigem outro tempo de atenção no espaço expositivo.

Ònà Irin: caminho de ferro, é a exposição individual da artista baiana Nádia Taquary, com curadoria de Amanda Bonan, Ayrson Heráclito e Marcelo Campos. A mostra destaca a pesquisa de Taquary sobre o universo afro-brasileiro e a presença feminina nos mitos de criação de matrizes iorubás.Entre esculturas, objetos-esculturas, instalações e uma videoinstalação, a mostra reúne 22 obras produzidas em diferentes momentos da carreira da artista, que iniciou sua trajetória em 2010 pesquisando a joalheria afro-brasileira e, em especial, as pencas de balangandãs, conjuntos de pingentes metálicos usados por mulheres negras escravizadas e libertas na Bahia dos séculos XVIII e XIX, que reuniam símbolos de fé, proteção e prosperidade, funcionando também como formas de resistência e autonomia. Desde então, sua produção expandiu-se para instalações e esculturas de grande escala, em que o sagrado e o feminino se manifestam em formas híbridas, com materiais como búzios, miçangas, palhas e metais.

A Nara Roesler São Paulo apresenta Língua d’Água, primeira exposição individual de Maria Klabin (1978, Rio de Janeiro) na cidade. Com curadoria de Galciani Neves, a mostra reúne obras inéditas e recentes, incluindo pinturas em óleo sobre tela, linho e papel vegetal, além de desenhos em nanquim, carvão, guache e bastão a óleo. O conjunto apresenta escalas variadas, de pequenos trabalhos de cerca de vinte centímetros até telas que chegam a três metros de comprimento, além de desenhos extraídos de seus cadernos, oferecendo ao público um amplo panorama de seu processo de criação.

Pela primeira vez ocupando todo o galpão da galeria, a mostra Nascimento de Antonio Obá apresentará trabalhos inéditos e consagrados do artista, dentre eles instalações, pinturas, desenhos e filme. O título Nascimento surge do marco milagroso de uma nova existência sobre a Terra, que também carrega a contrapartida da fortuna e da sorte, que nos acompanha desde a concepção.Uma instalação inédita, localizada em um espaço fechado, no fundo da galeria, se refere diretamente a ideia de jogo e de sorte. Destaca-se também um conjunto de 22 pinturas de pequeno formato apresenta a leitura de Obá sobre o Tarô.

A exposição apresenta 38 obras de 34 estudantes do Centro Universitário, nas mais variadas linguagens, meios e suportes artísticos. Esta edição conta ainda com obras dos artistas convidados Gabriel Torggler e Marina Hachem, que participaram do programa da Residência Artística FAAP - Paris. O Programa premia, a cada semestre - dentre os inscritos que podem ser estudantes-, artistas formados pela instituição ou professores, para ocupar o estúdio 1422, que a instituição mantém desde 1997 na Cité Internationale des Arts, uma residência internacional localizada às margens do Rio Sena.

Gordon Parks (1912-2006) é autor de uma vasta produção autoral, na qual documentou a vida cotidiana de pessoas negras em estados segregados nos EUA, a luta organizada do movimento negro pelos direitos civis e as manifestações culturais e religiosas da população afro-americana, entre outros temas. A exposição é a primeira retrospectiva de Parks no Brasil e a maior na América Latina. Entre as obras exibidas, estão retratos de nomes centrais do movimento negro americano, como Malcolm X, Martin Luther King e Muhammad Ali, e séries consagradas, como De volta a Fort Scott (1950) e Histórias da segregação no sul (1956). O título da exposição — A América sou eu — foi tirado de um texto que Parks escreveu para a revista Life, em 1968, no qual aborda numa questão crucial para o movimento negro nos EUA: o fato da democracia americana ter se consolidado sob um regime de segregação racial, excluindo a população negra.

A Central Galeria apresenta a individual da artista Sofia Borges, “O cristalino, o rasgo e mistério“, primeira exposição da artista no Brasil desde o seu retorno de Nova Iorque.A poética do trabalho de Borges se desenvolve em torno da formação da imagem em suas diversas formas dentro do imaginário histórico-social geral e pessoal da artista. Seu trabalho retraça frequentemente linhas de resgate de ancestralidades por meio de materiais, como metais, rochas e minerais, assim como à figura da paleontologia, da mitologia, do teatro e da análise da figura humana, especialmente do rosto. O museu ocupa um espaço igualmente importante em sua pesquisa uma vez que ele se apresenta como um agente de reconfiguração eterno de imagens dentro da sociedade.

Game+ arte, cultura e comunidade é a última grande exposição de 2025, que ocupará os três pisos do espaço expositivo. A mostra busca revelar o universo amplo e variado dos videogames, tratando-o como um campo decisivo da cultura e não apenas como entretenimento. O universo dos games, com seus personagens e mundos que marcam o imaginário coletivo, atravessa gerações e forma comunidades, manifestando-se no audiovisual, na moda, no comportamento, na educação e com papel central na indústria criativa.Esta é a terceira exposição realizada pelo Itaú Cultural dentro deste tema. Em 2003 foi realizada Game o quê e, em 2009, GamePlay, tratando o game como forma artística. Game+ se articula em três eixos curatoriais: Sociedade e economia criativa; Educação; e Arte e inovação.

De nome de batismo Sebastião Bernardes de Souza Prata, nascido em Uberlândia (MG) em 1915 (ou 1917, de acordo com alguns registros), ele adotou primeiro o nome Pequeno Otelo e depois Grande Othelo – ele mesmo acrescentou o “h” no nome e assim está registrado em sua lápide. Morreu aos 78 anos no aeroporto Charles de Gaulle, em Paris, França, em 1993, vítima de um ataque cardíaco fulminante quando se preparava para seguir para o Festival de Nantes, onde receberia uma homenagem. A Ocupação Grande Othelo se propõe em revelar percursos pouco conhecidos do público sobre Othelo, como, por exemplo, suas contribuições à classe artística brasileira, tendo sido vice-presidente da Associação Brasileira de Atores Cinematográficos.

A mostra nasce do encontro simbólico entre o rio Charente, que atravessa a região da Nova-Aquitânia, e o sistema Tietê-Pinheiros, eixo fluvial que estrutura a metrópole paulista. Entre as duas margens, a exposição se transforma a cada etapa, incorporando novas obras, montagens e relações. A curadoria parte da ideia de “confluência” formulada pelo pensador quilombola Antônio Bispo dos Santos — encontro que soma sem subtrair — para propor a mostra como um campo de escuta e coexistência, em que as águas são entendidas como seres vivos, portadores de direitos e memórias, mas também como testemunhas de passados coloniais e agentes de transformação.As obras abordam questões ligadas à escassez, à contaminação, às infraestruturas e às possibilidades de reparação. Barbara Kairos, artista de Angoulême, na França, reelabora criticamente a história do “jacaré do Tietê”, transformando um episódio da memória urbana em alerta sobre a política das águas. A também francesa Capucine Vever, que pesquisa a paisagem fluvial e suas camadas coloniais, parte de arquivos e da escuta do rio Garona para aproximar imagem e história.

Minerva Cuevas (Cidade do México, 1975) é uma artista conceitual mexicana que desenvolve projetos que dialogam com antropologia, história e ciências naturais. Sua obra abrange diversos suportes e mídias, como instalação, muralismo, pintura, vídeo e performance.No ano de Histórias da ecologia no MASP, Cuevas abordará pelo menos três aspectos de seu trabalho. O primeiro diz respeito às suas investigações sobre os impactos do mundo corporativo na vida cotidiana. Cuevas se apropria de logomarcas, campanhas de marketing, slogans e símbolos de grandes empresas para discutir temas como consumo, valor e propriedade. O segundo aspecto a ser explorado na exposição está relacionado ao subtítulo, inspirado no conceito de “ecologia social”, desenvolvido pelo filósofo estadunidense Murray Bookchin (1921-2006

O Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo recebe a exposição internacional Joaquín Torres García - 150 anos, inédita no país. A mostra celebra a trajetória de um dos pilares da arte moderna na América Latina, com cerca de 500 itens, entres obras e documentos, incluindo pinturas, manuscritos inéditos, maquetes, desenhos e os célebres brinquedos de madeira produzidos pela família do artista uruguaio. Com curadoria de Saulo di Tarso em colaboração com o Museo Torres García e organização da Cy Museum, é a primeira vez que esse conjunto tão amplo e diversificado do artista é apresentado no Brasil, com peças que deixarão pela primeira vez as reservas técnicas do museu uruguaio, revelando ao público aspectos pouco conhecidos da produção do artista.

Com coordenação de Lissa Carmona, curadoria de Francesco Perrotta-Bosch apoiado pela Fundação Oscar Niemeyer, a exposição propõe um reencontro entre a dimensão internacional da obra do arquiteto e o contexto brasileiro, convidando o visitante a revisitar seu olhar e reconhecer a potência criativa que articula o Brasil ao cenário global.

A Galeria Frente exibe uma exposição totalmente dedicada a Amadeo Luciano Lorenzato (1900 – 1995) e com um número tão expressivo de obras do artista. “O mundo misterioso inventado por Lorenzato” reúne 118 obras deste que é considerado um dos maiores nomes das artes visuais brasileira, mas, principalmente de Minas Gerais. Trata-se de um conjunto excepcional de pinturas cujos traços perpetuaram, em obras icônicas, cenas cotidianas, favelas, paisagens e agricultura mineiras. Destaque para “Lenhador”, de 1933: um trabalho de Lorenzato considerado como o mais antigo no mundo de que se tem conhecimento até hoje. A exposição pontua um encontro de obras provenientes de coleções privadas cuja seleção revela a potência lírica do artista na observação do mundo à sua volta, explica o diretor da Galeria, Acacio Lisboa.

O Centro MariAntonia inaugura a exposição Nossa estranheza e a vergonha, da pintora Gilda Vogt, com curadoria de Khadyg Fares, doutoranda em História da Arte na Universidade Federal de São Paulo (Unifesp). A mostra reúne um conjunto de pinturas em tinta acrílica sobre tela, abrangendo o período de 1989 a 2024, que reitera em sua linguagem poética a noção de afecção, ou seja, da experiência de ser afetado por algo ou alguém. Também é notório o predomínio do fundo branco da tela, a translucidez da tinta diluída e a fluidez dos contornos.

O Centro MariAntonia inaugura a exposição Neo-andina 15-25, do fotógrafo Tatewaki Nio, com mais de 60 trabalhos. A curadoria é do professor da USP, Ivo Giroto, e do pesquisador Diego Matos, com consultoria de Guilherme Wisnik, docente da USP. A mostra tem como eixo central a arquitetura “neo-andina”, fenômeno cultural e estético surgido na cidade de El Alto, Bolívia, que tem como um dos seus principais expoentes o arquiteto boliviano Freddy Mamani. A exposição parte do trabalho fotográfico de Tatewaki Nio das construções extravagantes e super-coloridas, realizadas entre 2015 e 2025, e que incluirá fotografias, maquetes, projeções e vídeos, captados pelos alunos de graduação da disciplina Cultura Urbana na Contemporaneidade da Faculdade de Arquitetura, Urbanismo e Design (FAU) da USP.

A exposição "José Antônio da Silva: Pintar o Brasil", com lançamento do livro da mostra, pela Editora Martins Fontes dá luz sobre a trajetória do muitas vezes considerado o Van Gogh brasileiro. A exposição tem curadoria do espanhol Gabriel Pérez-Barreiro e chega a São Paulo, com obras adicionais curadas por Fernanda Pitta, após ter passado pelo Musée de Grenoble (FR), como parte da Temporada Brasil-França 2025, em abril, e pela Fundação Iberê Camargo, em Porto Alegre (RS), em agosto. A mostra tem um total de 142 obras, sendo 23 acréscimos provenientes do rico acervo da instituição, o maior do artista no Brasil, formado com doações dos primeiros colecionadores de Silva, entre os quais estão Ciccillo Matarazzo e Theon Spanudis. Dentre as obras, o público poderá ver, de maneira inédita, o primeiro livro do artista exposto na íntegra, com 76 desenhos, chamado "Romance da minha vida".

A exposição é primeira panorâmica institucional da artista Marga Ledora e apresenta uma reunião significativa de séries até hoje raramente vistas em seu conjunto, além de um expressivo grupo de obras pouco conhecidas. A visita começa pela série Quadrus Negrus (1986), com mais de 20 trabalhos fundamentais de Ledora. Obras como Casa em amarelu (1986) marcam o início do trabalho de experimentação de linhas e cores, base para toda a sua produção artística. Nas obras, o giz pastel seco faz o traçado de triângulos, retângulos e fendas em linhas secas sobre o papel Carmen preto, item raro à época de produção da série.

Exposição Reúne cerca de 80 obras nacionais e internacionais do acervo do MAC USP, um dos mais importantes acervos de arte abstrata nacional e internacional do Brasil.

Quarenta anos após o início pulsante do Hip-Hop nas ruas de São Paulo, sua batida original ressurge no Sesc 24 de Maio como memória viva e afirmação cultural. A exposição convida o público para uma jornada que devolve à cidade gestos, sons e imagens de uma geração que criou com poucos recursos e máxima potência. Sob curadoria coletiva e com mais de 3 mil peças reunidas de forma inédita, a mostra reconstrói a revolução urbana que transformou inúmeros pontos da cidade em palcos de resistência.A mostra tem idealização e curadoria compartilhada por vozes e testemunhas da cena, como OSGEMEOS, Rooneyoyo O Guardião, KL Jay (DJ histórico dos Racionais MC’s), Thaíde, as pioneiras Sharylaine e Rose MC e o b-boy ALAM Beat.

O MASP exibe a exposição André Taniki Yanomami: ser imagem / në utupë / image being, que reúne 121 desenhos produzidos entre 1976 e 1978 por André Taniki Yanomami (n. ca. 1945, Terra Indígena Yanomami, Roraima, Brasil). Taniki é xamã, guardião político e espiritual de sua comunidade, sendo responsável por “segurar o céu”, garantindo o equilíbrio cósmico, além de curar doenças e mediar relações. A expressão yanomami në utupë significa “ser imagem” e designa a essência vital de todos os seres, visível apenas aos líderes espirituais em visões xamânicas. Com curadoria de Adriano Pedrosa, diretor artístico, MASP, e Mateus Nunes, curador assistente, MASP, a mostra apresenta obras raramente exibidas ao público — 78 delas nunca exibidas antes —, que retratam a cosmologia yanomami, na qual humanos, animais, espíritos, floresta e céu coexistem em uma mesma ecologia espiritual.

Reunindo 60 obras — entre pinturas, gravuras, desenhos, aquarelas e documentos inéditos —, a exposição "Lasar Segall: sempre a mesma lua" apresenta um panorama amplo da produção do artista. A curadoria de Patricia Wagner adota um olhar poético para explorar suas múltiplas linguagens e a construção de uma identidade que, embora enraizada na tradição judaica, dialoga com temas universais como deslocamento, espiritualidade e a condição humana.O ponto de partida é a associação entre a imagem da lua e o profundo sentimento humano que Segall atribuía à própria identidade judaica. A partir desse símbolo, a mostra evidencia como, em cada fase, o artista equilibra tensões pessoais, heranças culturais e observações sobre o mundo. A mostra destaca também a maneira como Segall absorveu os reflexos de seu tempo.

Com realização da Vento Leste e produção da equipe MIS, a mostra apresenta um testemunho visual impactante a partir de ampla documentação sobre a escassez hídrica que afeta milhões de pessoas em diferentes países, incluindo o Brasil. O trabalho de Hiller desmistifica a ideia de abundância hídrica em regiões como a Amazônia e o Pantanal, revelando que mesmo no país detentor do maior volume de água doce do planeta, milhões de brasileiros vivem sem acesso à água limpa.