TEATRO

O que acontece quando uma palhaça encontra a morte?Não aprendi dizer adeus é um solo de palhaçaria para adultos que narra as desventuras de uma palhaça fugindo da morte.No solo, o público acompanha o último dia de vida da palhaça que tenta desesperadamente escapar de seu destino final. Ao tentar fugir do que te espera, Leila escancara suas contradições, desejos, medos e alegrias e como num grande espelho, o público se vê, afinal a única batalha perdida por todos nós é a luta contra a morte e poder rir disso, é uma espécie de cura.

Inspirado na descoberta da vala clandestina do Cemitério Dom Bosco no bairro de Perus em 1990. Um jovem em busca de informações sobre o desaparecimento de seus pais, dois coveiros envolvidos com a criação da vala e uma estudante que se aproxima do ativismo político. 1970/1990 épocas distintas se entrelaçam e evidenciam causas e consequências.

O espetáculo Habitada, da marionetista e pesquisadora Juliana Notari, foi apresentado em diversos festivais e teatros na França, Espanha e Argentina, agora faz uma curta temporada em São Paulo. Essa obra cênica-marionetesca-musical, teve um longo período de criação, onde a artista esmiuçou seu corpo, suas possibilidades, e trouxe à tona todas as habitantes presentes e imaginadas, mais de trezentas "Julianas" que se expressaram durante a vida, o cotidiano e suas etapas. Foram quatro anos de laboratórios de construção de marionetes, de gestualidade, de desmembramento do corpo, onde Notari tentou responder duas perguntas: O que me define? Quem me define?

Espetáculo composto por números de música, acrobacia, malabares e muito humor. Romina é a palhaça Burbuja acrobata, acordeonista e encantadora de bolhas de sabão gigantes. Felipe dá vida ao palhaço Suspiro, acrobata e malabarista. Os artistas através de uma sequência de números criam seu universo convidando o público de todas as idades a brincar.

Irreal é uma performance itinerante de mágica de proximidade, em que a plateia é parte da experiência. Durante a intervenção, a plateia é convidada a questionar tudo o que sabe e percebe sobre o mundo ao seu redor. Situações enigmáticas e que desafiam o senso comum se misturam com questionamentos sobre o possível e o impossível na natureza.

Antônio oferece a sua vida em sacrifício ao participar de um reality show, com uma performance ambientada em um macabro teatro de variedades, auxiliado por Phedra, uma espécie de anjo da morte.A Conquista da Peste é uma peça escrita por Evaldo Mocarzel, livremente inspirada em textos de Antonin Artaud. Com Sergio Siviero e Tânia Granussi.

Inspirado no conto A RAINHA DA NEVE, do escritor Dinamarquês Hans Christian Andersen, conta a história de Vera e Caio, que são vizinhos e amigos inseparáveis. Um dia, Caio acaba vítima de um encantamento maligno que faz com que os dois briguem e se separem. Com determinação e coragem, Vera sai pelo mundo, sozinha, atrás dele para fazerem as pazes e voltarem a ser “amigos para toda a vida”. Nesta jornada, ela vive aventuras povoadas por seres fantásticos, animais exóticos, e forças da natureza, como o Sol, o Rio e até mesmo a Rainha da Neve.

Ancestralidade, tempo mítico, luta, cultura e sabedoria dos povos originários e afro-indígenas do território brasileiro integraram a pesquisa da cia. na criação de Festa dos Bárbaros, espetáculo que se estrutura a partir de estudos sobre a Revolta dos Bárbaros – guerra que por mais de 70 anos envolveu diversas etnias indígenas em confronto com os colonizadores no sertão nordestino – e a Cosmologia da Jurema Sagrada, árvore da caatinga nordestina que para diversos povos indígenas é guardiã de cultura e ciência, em rituais de cura e conexão com a ancestralidade. A peça acompanha a história da fuga de um casal, cujo homem é acusado de assassinar um policial. Na fuga, fazem uma peregrinação pela cidade até encontrar uma região de mata, onde se deparam com Malunguinho, entidade sagrada dos terreiros de Jurema que caminha por três mundos. A partir de então, o casal é apresentado aos aspectos sagrados, profanos, culturais e identitários da Jurema em celebração com o público e o cruzamento com a geografia local.

O espetáculo O Caso Meinhof é uma montagem do Teatro do Fim do Mundo livremente inspirada no texto Ulrike Maria Stuart, da ganhadora do Nobel de literatura Elfriede Jelinek. A partir da história da RAF, grupo terrorista alemão dos anos 70 (que tinha as mulheres Ulrike Meinhof e Gudrun Ensslin na liderança), a peça discute o fracasso e a herança dos movimentos revolucionários do séc. XX, além de debater a presença das mulheres na liderança de processos políticos – entre outros temas que se mostram urgentes no Brasil de hoje.Este foi um projeto contemplado pela 12ª Edição do Prêmio Zé Renato da Secretaria Municipal de Cultura de São Paulo. Lançada logo após o recebimento do Nobel em 2004, Ulrike Maria Stuart é com frequência considerada a mais importante peça de Jelinek, autora fundamental para a dramaturgia contemporânea (apesar de sua obra ainda ser pouquíssimo encenada no Brasil). Ao tratar de temas fundamentais para pensar o tempo em que vivemos – o aparente fracasso dos projetos revolucionários, o perigo da violência autoritária por parte de quem deseja mudar o mundo, e ao mesmo tempo a impossibilidade de se conformar a uma ideia de que o mundo não pode ser transformado –, a peça se faz urgente em um contexto brasileiro de crise profunda em que a imaginação política se vê travada pelo peso excessivo dos vícios históricos do país.Para narrar essa história, o grupo transformou a trajetória de vida da terrorista Ulrike Meinhof em um podcast, apresentado em cena pelos filhos da guerrilheira, vividos por Artur Kon e Mariana Otero. A história se divide em três episódios: todas as noites, o elenco – completado por Carla Massa, Clayton Mariano, Maria Tendlau e Marilene Grama – apresenta 3 programas de 50 minutos cada. O público pode ver os episódios de maneira independente ou assistir um espetáculo de quase 3 horas numa noite, com dois intervalos.

Para montar a clássica tragédia grega Édipo Rei, escrita por Sófocles por volta de 427 a.C, a Cia Veneno do Teatro e o dramaturgo, adaptador e diretor Bartholomeu de Haro pautaram-se na temática do filósofo Michel Foucault (1926-1984). As tragédias de Sófocles são tão geniais que sempre retornam, elabora o grupo. A consciência dos atos e como se desdobram sem a devida percepção dos indivíduos que são vigiados permanentemente, pode desembocar no exercício do poder alienado.Todo o enredo da obra original está preservado bem como os personagens. Édipo na rua... no meio do cruzamento. Um grupo de pessoas que tenta encenar uma peça (O Inferno é para quem se acha no Céu), se amotina e toma o público como refém. O grupo decide contar a sua versão de Édipo-Rei em meio a uma encruzilhada urbana, desrespeitando a faixa de segurança onde Foucault tenta consertar o semáforo que entrou em pane.

O musical da Broadway Hairspray volta ao Brasil para uma montagem original estrelada e dirigida por Tiago Abravanel. O espetáculo nos transporta para a cidade norte-americana de Baltimore, nos anos 1960, onde a adolescente cheia de energia Tracy Turnblad sonha em dançar no programa de TV local, The Corny Collins Show. Desafiando as normas sociais e lutando contra a discriminação, Tracy se torna uma voz pela igualdade racial e pelo direito de todos dançarem juntos. Com humor, música e coreografias vibrantes, Hairspray aborda questões de inclusão, aceitação e amor próprio, enquanto Tracy e seus amigos trabalham para mudar a sociedade através da dança.

Um boneco pensa conduzir os objetos e a vida à sua frente, mas nada sabe sobre o que está por detrás de si mesmo, nada sabe sobre o homem que é responsável por seu mais simples movimento. Um homem crê controlar o boneco que construiu, mas compartilha com este a ignorância do que está por detrás de si próprio. Criador e criatura em uma relação sem palavras.

PARTO PAVILHÃO é um espetáculo de teatro solo com atuação de Aysha Nascimento e direção de Naruna Costa a partir do texto homônimo escrito por Jhonny Salaberg, acerca do universo do sistema carcerário brasileiro de mulheres negras e mães. Livremente inspirado na história real “A fuga dos bebês” na Penitenciária Feminina do Butantã na capital de São Paulo em 2009, a peça narra o cotidiano de Rose: uma detenta antiga de uma penitenciária feminina que criou um dos seus filhos atrás das grades e que ajuda outras detentas a cuidar de seus bebês. Rose vê seus filhos crescerem através de telefonemas semanais de quinze minutos e não pode receber visitas, como condição de manter a relação com eles. Respeitada pelo tempo e trabalho voluntário dentro do presídio, logo ganha a confiança dos guardas e da diretora da penitenciária Dona Glória, com quem conversa e tricota roupinhas de lã para os bebês quase todas as tardes. Tudo muda quando, durante um jogo da seleção brasileira, ela liberta dezenas de mães com seus bebês no colo.

O espetáculo Anas, Miquitas, Coras e outras Mulheres apresenta um recorte narrativo de mulheres trabalhadoras de periferias, relatos das atrizes do espetáculo e trechos das escritoras Cora Coralina, Carolina Maria de Jesus e Pagu. As narrativas abordam questões como patriarcado, machismo, o mundo do trabalho, construção social da mulher, maternidade, o trabalho doméstico e sua invisibilidade, sexualidade e padronização dos corpos femininos. As narrativas apresentadas trazem um olhar sobre a materialidade feminina, desejos, angústias, violências, façanhas e submissões vividas por mulheres em diferentes tempos e corpos.

Manic Freak, Pequeno Palhaço é um espetáculo multi-premiado.Um personagem dinâmico e carismático que cativa o público realizando habilidades de malabarismo, acrobacia e equilibrismo. Ele cativa o espectador ao transitar do terno ao absurdo e tocar na natureza mais sensível, o nosso eu interior de criança.

O espetáculo “O Avesso da Pele” é a montagem teatral oficial do premiado romance escrito por Jeferson Tenório (vencedor do prêmio Jabuti 2021 na categoria Romance Literário). A história é narrada por Pedro. O seu pai, Henrique, é um professor de literatura da rede pública de ensino que sofre uma desastrosa abordagem policial, sendo assassinado voltando para casa depois de uma das melhores aulas da sua vida. A partir dessa morte, Pedro então decide resgatar o passado da família e refazer os caminhos paternos.

Quatro jovens renegados e um narrador atravessam fatos históricos como a Ditadura Militar, as Diretas Já! e Junho de 2013.

A dupla de trabalhadores Januário e Agostino aparecem para vender sua força de trabalho, para tanto, demonstram toda destreza e dureza do ofício: carpir, preparar o solo, plantar, regar e colher a fruta do pé. Acrobacias, cascatas, malabarismos com enxada, facões e regador, dentre outras estripulias, são elementos que fazem parte dessa divertida e poética encenação circense.

Ambientado em uma tradicional cozinha mineira, o espetáculo tem inspiração nas memórias afetivas da atriz Tereza Gontijo, nascida em Belo Horizonte. O fogão à lenha, a avó cozinheira e seus livros de receitas, a infância passada na fazenda e programas antigos de rádio, são algumas referências poéticas que guiam a criação. Na construção das cenas, as memórias afetivas da atriz se unem às habilidades circenses (malabarismo, acrobacia e equilíbrio de pratos) e musicais (canto e instrumentos) do Duo Dégua.

Claudius e Pamplona, um lixeiro e uma mulher em situação de rua, se conhecem de maneira inusitada e unem suas forças em uma jornada de afetos e descobertas. Sem usarem palavras, em uma mistura de caos e ordem, os dois embarcam juntos com o público em uma história que nos leva a um universo construído com vários objetos descartados, que ganham novos significados na potência desse encontro.

O espetáculo de dança-teatro volta aos palcos como parte das comemorações de 25 anos de trajetória artística da Cia. Artesãos do Corpo. A montagem ganha novas apresentações com 10 artistas no palco em sete cenas e mostra um grupo de personagens anônimos, que evocam o cotidiano protagonizando episódios que revelam o absurdo de uma vida centrada no movimento da cidade. A direção é de Mirtes Calheiros, que com 74 anos, também está em cena.

A peça mostra a comunidade judaica incomodada com o pensamento do jovem judeu Baruch de Spinoza. Filho de imigrantes portugueses acolhidos em Amsterdã, ele afronta a ordem vigente, os costumes e preceitos de sua religião. Na tentativa de convencê-lo a ser um bom cidadão, os membros do Conselho de Rabinos Notáveis apresentam formas de conversão. Se Spinoza não aceitar, poderá ser julgado, condenado e exilado. Ele expõe todo o seu pensamento a seu amigo, Jan Rieuwertsz, editor de livros, com quem pode desabafar e contar de seus planos futuros. Um convite à reflexão e à liberdade de pensamento. O espetáculo é pontuado por músicas sefarditas do século XVII, em língua ladina, executadas ao vivo.

Em cartaz desde 2016, o espetáculo solo de auto expressão Carta ao pai, de Franz Kafka dirigido e vivido por Dionisio Neto volta em cartaz em São Paulo para uma curtíssima temporada com oito apresentações especiais no Teatro Bor, em celebração aos cem anos da morte do famoso autor de A Metamorfose e O processo. Um espetáculo para toda a família.Sinopse: em um sanatório, internado com tuberculose no auge do inverno, o oprimido e doente autor judeu Franz Kafka (Dionisio Neto) escreve uma carta para seu pai, o opressor comerciante Hermann Kafka, em que fala do seu medo da figura paterna e da sua relação com ele em um acerto de contas de anos. A carta presta contas sobre seu passado tirano e propõe soluções para o convívio pacífico entre os dois. Por interferência de sua mãe, a carta nunca foi entregue ao seu destinatário. O espetáculo aproxima e une pais e filhos ao propor uma reflexão sobre a relação entre pais e filhos, opressores e oprimidos e fala da leveza da vida, ao estilo do autor. Dionisio vive o pai e o filho.

O espetáculo “Dora” traz à tona escritos e cartas trocadas entre a guerrilheira Maria Auxiliadora Lara Barcelos e sua mãe, bem como mensagens enviadas do exílio, recriando a “Represa de Dora”, um espaço de comunicação entre o confinamento e a imaginação utópica. Essa pesquisa conjuga palavras “reais” num tempo poético, mergulhando tanto nos processos que levaram seu corpo ao suicídio como o inverso: criando um campo vibrátil para que ela reviva, numa espécie de cartografia do “encarnar”, avessa a desistência, fomentando um campo subjetivo singular de resistência e memória, um chamamento para atualizarmos referências de luta, e de mulheres que se envolveram com a política no país.

A Cor Púrpura, o Musical iniciou sua temporada em setembro de 2019, fazendo um imenso sucesso de público e crítica, recebendo mais de 100 prêmios. Realizou temporadas em 2021, 2022 e 2023. Com versão musical inédita no Brasil, retorna aos palcos para sua quarta temporada. O espetáculo tem direção de Tadeu Aguiar e versão brasileira de Artur Xexéo, 17 atores, 90 figurinos, um palco giratório de 6 metros de diâmetro e uma escada curva com sistema de traveling em volta do cenário. Alice Walker foi a primeira escritora negra a ganhar o Pulitzer pelo seu livro A Cor Púrpura, lançado em 1982, e que continua contemporâneo ao retratar relações humanas, de amor, poder, ódio, em um mundo pontuado por estruturais diferenças econômicas, sociais, étnicas e de gênero. A Cor Púrpura é um musical baseado em uma história passada na primeira metade do século XX, na zona rural do Sul dos Estados Unidos, com personagens típicos dessa região. Com um elenco em sua maioria escolhido por meio de testes, o musical apresenta a trajetória e luta de Celie contra as adversidades impostas pela vida a uma mulher negra, na Geórgia, no decorrer da primeira metade do século XX. Na adolescência, a personagem tem dois filhos de seu suposto pai, que a oferece a um fazendeiro local para criar seus herdeiros, lavar, passar e trabalhar sem remuneração. Ela é tirada à força do convívio de sua irmã caçula Nettie e passa a morar com o marido Mister. Enquanto Celie resigna-se ao sofrimento, Sofia e Shug entram em cena, mostrando que há possibilidade de mudanças e novas perspectivas, esperança e até prazer. A saga de Celie é permeada por questões sociais de extrema relevância até os dias atuais como a desigualdade, abuso de poder, racismo, machismo, sexismo e a violência contra a mulher.

Inspirado pelo poema “Confissão de Caboclo” e pelas ideias de Paulo Freire, “Ledores no Breu” trata das dificuldades de pessoas analfabetas no século XXI. A peça mostra personagens que não leem, leem sem entender ou leem palavras sem compreender o mundo, ilustrando suas lutas e tragédias pessoais.

“Uma sala numa casa burguesa abastada”. Este é o cenário que abriga a ação da peça “Pequenos Burgueses”, de Máximo Gorki. Considerada por muitos como um exemplo clássico de realismo de gabinete, a obra serve de material para investigarmos como a lógica pequeno-burguesa está profundamente introjetada nas relações que estabelecemos dentro do atual modo de produção. A Companhia Bípede de Teatro Rupestre parte de uma pesquisa em teatro popular para esmiuçar as fricções que surgem das interações entre as personagens e tenta entender de maneira crítica a fábula entre o bem e o mal. Afinal, deve-se pagar o mal com o bem? Quem é bom e quem é mal?

Em uma montagem moderna, vibrante e acessível ao grande público, o espetáculo MARY STUART traz a versão contemporânea dos bastidores da rivalidade histórica entre a rainha da Escócia Mary Stuart e a rainha da Inglaterra Elizabeth I, protagonizada por Virginia Cavendish e Ana Cecília Costa (Ana Abbott é a atriz alternante), além de grandes nomes como Anderson Müller, Gustavo Machado e Joelson Medeiros. Um mergulho na vida dessas duas rainhas: onde a traição, a violência e a desonestidade são as armas políticas para se manter no poder. Trata-se da adaptação da obra clássica do teatro alemão escrita por Friedrich Schiller, feita por Robert Icke, traduzida por Ricardo Lísias e dirigida pelo premiado Nelson Baskerville.

No centro da cidade, um Caixa ambicioso trabalha no turno da noite de uma xOxO's loja de conveniência e presencia os maiores absurdos, assaltos, violências e práticas em arrepio à legislação trabalhista; o Gerente da loja passa pano para a empresa; a Vizinhança nota as mudanças no bairro; e a Demolidora segue determinada em cumprir o seu papel.

Espetáculo em que artistas do Coletivo Circo no Beco realizam um espetáculo Varietê de Circo de Rua, com diversas habilidades em cena: Malabares, acrobacia, comicidade, números aéreos e muito mais. A missão é mostrar todo o potencial que a arte de rua pode ter.

Vem chegando uma Caravana de artistas em cortejo, com seus instrumentos, cores e movimentos, que anunciam a atração que está para acontecer. Quanto riso, quanta gente! É a Caravana Zona Leste. Uma banda ao vivo acompanha o Mestre de Pista, que anuncia todas as atrações. Com os outros palhaços em cena, cantam junto com o público, trazem poesia e brincadeiras em intensa troca com a plateia! Números de contorção, acrobacia, equilibrismo, malabarismo e palhaçaria, com extremo zelo e habilidade técnica! Tudo isso regido pela música ao vivo da banda que acompanha essa Caravana.O espetáculo Caravana Zona Leste é um passeio por diversos números circenses, que homenageiam a tradição, pisam firme no presente e miram o futuro, levando ao palco o diálogo entre o Circo Tradicional, o Circo Contemporâneo e o Circo de Rua.

“Um determinado momento da vida em que surgem memórias repentinas, involuntárias e vívidas de experiências pessoais passadas. Em muitos casos, essas memórias poderosas estão intimamente ligadas a eventos traumáticos.” Esse é o conceito de Flashback, mas poderia ser sobre a vida de Édipo, não é? Então será! Vamos a Édipo Rec, a tragédia à la Magiluth.

Cigarro de palha, cheiro de café passado na hora servido em canequinha de esmalte, casa de taipa, cochilo na rede depois do almoço, as conversas pausadas, os causos e as trovas improvisadas, canções e ritmos, histórias do Brasil de baixo e do Brasil de cima. Esta é a atmosfera que esse espetáculo propicia aos espectadores. Os espectadores fazem parte do espetáculo como se fossem vizinhos do quintal do poeta. E é neste quintal que se apresenta a estrada de Patativa do Assaré, onde vida e arte estão tão próximas que seria quase impossível distingui-las.A Cia. do Tijolo foi formada por membros que faziam parte de dois tradicionais grupos de teatro de São Paulo: o Teatro Ventoforte e a Cia. São Jorge de Variedades. O projeto nasceu do desejo de realizar um monólogo sobre o poeta cearense Patativa do Assaré. O grupo começou a estudá-lo e assim surgiu o primeiro trabalho da companhia, o show musical Cante Lá Que Eu Canto Cá, há 16 anos.

Um crime bárbaro é cometido: no fundo dum poço, uma criança e sua mãe são encontrados mortos. Um inocente é preso. As vítimas transitam entre dois mundos, conscientes de quem foi seu algoz. Uma perdoa o assassino, a outra quer vingança. O espetáculo convida o público a acompanhar a trajetória de Raul, menino doce e bondoso que nunca entendeu os maus-tratos sofridos pelo pai, Manuel, um homem rude e violento. Manuela, a mãe de Raul, faz o possível para proteger o filho da ira do pai, mas não consegue impedir que este os assassine de uma maneira bárbara e cruel. Enquanto o espírito de Manuela não se conforma e busca vingança a qualquer custo, o espírito de Raul procura a evolução e o entendimento para, enfim, retornar à Terra para se reconciliar com o próprio passado e com o espírito do pai.Da mesma autora de “Violetas na Janela”, “Reconciliação” foi adaptada para o teatro por Solange Castro Neves, co-autora da novela “A viagem” em parceria com os também novelistas Vitor de Oliveira (“O astro”, “Jesus” e “I Love Paraisópolis”) e Thalma Bertozzi (“Roda da Vida”). A direção é de Eduardo Martini, que também faz parte do elenco.

A peça mostra a comunidade judaica incomodada com o pensamento do jovem judeu Baruch de Spinoza. Filho de imigrantes portugueses acolhidos em Amsterdã, ele afronta a ordem vigente, os costumes e preceitos de sua religião. Na tentativa de convencê-lo a ser um bom cidadão, os membros do Conselho de Rabinos Notáveis apresentam formas de conversão. Se Spinoza não aceitar, poderá ser julgado, condenado e exilado. Ele expõe todo o seu pensamento a seu amigo, Jan Rieuwertsz, editor de livros, com quem pode desabafar e contar de seus planos futuros. Um convite à reflexão e à liberdade de pensamento. O espetáculo é pontuado por músicas sefarditas do século XVII, em língua ladina, executadas ao vivo.

A peça é a terceira parte da Trilogia Grande Sertão: Veredas. que teve início em 2020, com a estreia do espetáculo "Riobaldo", indicado ao Prêmio Shell 2022 nas categorias de Melhor Ator e Dramaturgia. Em 2022, foi a vez da segunda parte, "O Diabo na Rua, No Meio do Redemunho", estrear e dar continuidade ao projeto da obra de Guimarães Rosa. "O Julgamento de Zé Bebelo" transporta o público para o contexto da transição entre a República Velha e o início do governo de Getúlio Vargas, traçando um panorama detalhado do sistema jagunço e do poder dos coronéis. Zé Bebelo, um chefe jagunço rival, é derrotado na guerra e, ao invés de ser executado como de costume, exige um julgamento "correto e legal". Essa passagem, além de ilustrar um pluralismo jurídico no sertão, apresenta uma teoria da justiça única, onde Joca Ramiro, o chefe dos chefes, assume o papel de juiz, garantindo a Zé Bebelo o direito à defesa com todas as garantias de um processo civilizado.

Eu Amo Chris é uma peça-manifesto que surgiu como uma reação ao livro Eu Amo Dick, da escritora estadunidense Chris Kraus, que já foi adaptado para a televisão e gera reações polêmicas e controversas desde sua publicação em 1997.“O encontro com o livro foi o disparador para a articulação de uma série de procedimentos de criação e para a percepção de que, quando se nasce mulher, fracassar é uma condição. Isso aparece com recorrência nas narrativas amorosas, nas tentativas de corresponder a expectativas relacionadas ao gênero feminino, mas também na busca por realização profissional”, revela a encenadora Verônica Veloso.O trabalho evidencia esse processo de ruminação de diferentes situações nas quais se opera a misoginia, colocando em xeque as relações amorosas, a produção artística e a estrutura patriarcal.As desigualdades de gênero, o fracasso e a misoginia são temas evocados pela encenação, que convoca o espectador a refletir sobre os limites entre a realidade e a ficção.

Uma espécie de máquina de sonhar que cria uma cena política de encantamento, Autoexame de Corpo de Delito é uma experiência que explora o universo dos sonhos a partir da mistura de diferentes linguagens artísticas. Entrecortando narrativas de sonhos com canções compostas especialmente para a peça, o espetáculo faz sua temporada de estreia na sala Multiúso do Centro MariAntonia.A partir de ideia original e dramaturgia de Lucienne Guedes, atriz e professora do Departamento de Artes Cênicas da Escola de Comunicação e Artes, a montagem tem encenação de Eliana Monteiro. Em cena figuram a própria Lucienne e o pianista Daniel Maudonnet, compositor das músicas originais.Duas pessoas – a mulher que canta e o músico – são figuras de um mundo onírico, paralelo ao mundo real. Eles aparecem numa espécie de sala de concerto, transformando-a num espaço de fronteira entre a vigília e o sonho. O público, convidado a mergulhar em seus próprios sonhos, se dispõe em meio à música e a ação da atriz.No momento histórico em que vivemos, repletos de informações terríveis sobre as incessantes guerras, a destruição da natureza, as disputas por poder e o avanço de ideias autoritárias e extremistas, conseguir pensar de outras maneiras e ampliar o universo existencial torna-se uma necessidade de sobrevivência.

A trama se passa nas horas que antecedem a abertura de um vernissage. Enquanto aguardam a chegada de uma mecenas, conflitos surgem entre um marchand emocionado, um artista ególatra, uma aprendiz manipuladora e um silencioso assistente. Com uma combinação de efeitos especiais, humor e muito sangue, “A Farsa do Olho Traído” discute narcisismo e arte, e conta com um cenário visualmente impactante e cenas com efeitos sangrentos inesquecíveis.

Neste novo trabalho, Jéssica Teixeira dá continuidade à pesquisa iniciada em seu primeiro solo, E.L.A., no qual seu corpo se tornou matéria bruta para a construção dramatúrgica. Agora, a atriz se propõe a revisitar a crueza do passado e derrubar mitos para construir outros imaginários possíveis. Faz isso a partir da história da mexicana Julia Pastrana, vulgarmente chamada de “mulher macaco” e transformada em atração de freak shows. Trazendo à tona o gênero do terror psicológico, a artista dança, performa e canta, assumindo sua estranheza, na vida e na cena.

Como se configuram e estabelecem as relações de amor, sexo e amizade na implacável e frenética cidade de São Paulo nos 2020's? E como elas acontecem entre os LGBTQIA+ com mais de 40 anos, pertencentes a uma geração em que assumir quem se era ou falar sobre o seu amor era quase proibido, ou melhor, não era de bom tom??Nos tempos de relações rasas, ghosthing, pouco envolvimento, facilidades para o sexo, hiperconexão, auto-privação, de liberdade explícita velada, da explosão dos multigêneros, um homem com pouco mais de 40 anos releva em cena um retrato íntimo e comovente da solidão de uma grande cidade, onde ter tudo à mão, poder ser o mesmo do que não ter nada. As migalhas reunidas pelo personagem central em busca de refazer a própria vida, em um prédio emblemático do Centro da capital paulistana - com seus personagens curiosos e tipos interessantes que costuram e compõem a narrativa - propõem uma conversa íntima, com muitas reviravoltas, altos e baixos, emoção, cumplicidade com o público, em um solo que traz à tona as questões a cerca das relações destes tempos.Protagonizado pelo ator e dramaturgo Vinicius Aguiar, que pertence à mesma geração do protagonista, o espetáculo inédito baseado no premiado romance autoficcional "Diga Que Não Me Conhece", escrito por Flávio Cafiero, vencedor do prêmio APCA de Literatura de 2021, tem co-autoria na adaptação e direção de Ester Laccava.

A peça traz uma reflexão sobre a passagem do tempo e a importância do cuidado que os casais devem ter com o relacionamento, nas suas diferentes fases. A comédia começa com casal de meia idade e seu filho adolescente, que arrumam sua casa que está à venda, para receber compradores. Dois casais, em fases e objetivos distintos, chegam para a visitação e começam a compartilhar as experiências e os desafios que enfrentam em seus relacionamentos. As afinidades entre os gêneros vão se tornando evidentes até que sinais estranhos e misteriosos surgem, o que os leva a uma descoberta surpreendente. Tal situação desperta os casais a questionarem sobre como, no presente, lidam com o seu passado e o que desejam fazer pelo seu futuro.

Brad e Janet, recém-casados, enfrentam um pneu furado em uma noite de tempestade fria e impetuosa enquanto estão a caminho da casa de um velho amigo que os apresentou. Desesperados por ajuda, eles encontram um castelo no mínimo peculiar e decidem pedir para usar o telefone. Ao entrarem, são recebidos por uma série de personagens atípicos e selvagens, além do excêntrico Dr. Frank N. Furter, um médico, bioquímico e transformista. Em meio a raios e trovões, Frank convida Brad, Janet e os espectadores para seu laboratório, onde revela sua mais nova criação: Rocky, um ser humano meticulosamente moldado em laboratório, musculoso e bronzeado. A partir daí, Brad e Janet são arrastados para uma jornada surreal e misteriosa através dos cômodos do antigo castelo.

Após uma temporada de sucesso e com sessões esgotadas, a peça volta a entrar em cartaz no Teatro Unimed. Estrelado por Marília Gabriela e Theodoro Cochrane, o espetáculo discute temas como feminismo, conflito de gerações e homofobia abordando a relação entre mãe e filho com uma honestidade brutal.

O Teatro Oficina recebe a remontagem do espetáculo “Atotô – Silêncio, o Rei Está na Terra”, encenado pela Cia Odara. A peça, que tem direção e produção de Márcio Telles e um elenco de cerca de 40 pessoas, reúne importantes elementos sobre manutenção e resistência de narrativas Yorubás.Prestando homenagem a Obaluaê, a apresentação conta com artistas pretos em um elenco formado por atrizes, atores, bailarinos, dançarinos, cantores, músicos, percussionistas, capoeiras, sambistas, técnicos, produtores e promotores da cultura e das tradições de matriz africana. O espetáculo também conta com as participações da cantora Raquel Tobias, Jônatas Petróleo,Dogge, além das atrizes Lena Silva, Vera luz,Viviane Clara, Silvina Elias, Luzia Rosa, Stella Valentina e ainda , parte do elenco preto do Teatro Oficina. Em cerca de 90 minutos a peça se baseia nos confrontos da luz e a sombra, do amor e da dor. Inspirado em um dos Itans de Obaluaê, senhor da doença e da cura, ela se propõe a realizar “uma celebração à vida num rito-espetáculo que une diversas linguagens, sempre com um olhar espacial para a capacidade humana de adaptar-se à mudança, num eterno aprendizado que provém das coisas mais simples”, comenta o diretor Márcio Telles.

Após fazer sucesso nas redes sociais falando sobre moda, comportamento e estilo, Thai de Melo faz sua estreia nos palcos com o espetáculo Como é que eu vim parar aqui?. Com direção de Bruno Guida e produção de Dani Angelotti, a montagem traz as experiências e reflexões da comunicadora de forma cômica e questionadora. Com uma abordagem de autoficção, que busca conduzir o público por uma jornada profunda pela mente da protagonista, no palco são explorados os momentos em que ela se depara com situações inesperadas, questionando-se sobre as escolhas que a levaram até ali.

“Uma Aprendizagem ou O Livro dos Prazeres” é o sexto romance da escritora Clarice Lispector, publicado em 1969. A obra começa com uma vírgula: ", estando tão ocupada, viera das compras de casa que a empregada fizera às pressas porque cada vez mais matava serviço..."A história narra o início do relacionamento amoroso entre Loreley, mais conhecida como Lóri, uma professora primária, e Ulisses, um professor de filosofia. A tensão entre os dois, que tem objetivos e desejos diferentes, leva a um processo de aprendizagem e de autodescoberta.Inédito nos palcos paulistanos, o espetáculo é protagonizado pela atriz Melise Maia, que também assina a adaptação e pelo ator Caio Paduan. A peça tem direção de Ernesto Piccolo e direção musical e trilha sonora de Edu Lobo.

Erótica” estreou em 1988 no Teatro Mambembe em São Paulo, e logo causou um frisson, com sua proposta ousada de mostrar um painel do erotismo, sob a ótica dos amigos artistas que frequentavam a programação do teatro àquela época. Época de redemocratização do país onde imaginávamos que o período obscuro da ditadura que durou 21 anos já tinha terminado e, que nos cabia agora, como artistas, focar nas liberdades democráticas, movendo a linha moralista que ainda permanecia em nossa sociedade. Agora, passados tantos anos, ainda nos vemos ameaçados por uma onda conservadora, negacionista e moralista que pauta o Brasil e boa parte do mundo. Então o Erótica voltou, repaginado, mas conservando algumas cenas do espetáculo de 1988. Agora mais feminista e antifascista como o momento impõe.

Os atores do conceituado grupo “Os Escafandristas” voltam a se reunir depois de um longo hiato para pensar em um novo trabalho teatral, porém o que poderia ser um promissor reencontro acaba de maneira surpreendente.

A ação se passa no início dos anos 50, em uma fazenda cafeeira da Serra da Mantiqueira, de nome Paiol Velho.Tonico, administrador da fazenda, e sua esposa Lina mantém um casamento conturbado, sem amor. Lina é mais nova que Tonico e a união dos dois foi arrumada pelo falecido proprietário da fazenda, com quem ela teve um caso. A relação do casal é extremamente conflituosa, repleta de violência verbal e física. No entanto, Lina é uma esposa que busca, a seu modo e dentro de suas possibilidades, reagir contra a opressão de seu marido.Além de criticar as relações de poder e machismo, a peça aborda as dinâmicas sociais entre a sociedade rural e urbana."Paiol Velho" foi encenada pela primeira vez em 1951 no TBC, sob a direção de Ziembinski, com aclamada atuação de Cacilda Becker.

O espetáculo é inspirado no enredo “Uma Delirante Confusão Fabulística” de 2005 criado por Rosa Magalhães para a Imperatriz Leopoldinense, escola de samba do Rio de Janeiro, que prestou homenagem a Hans Christian Andersen em seu centenário. A peça narra a vida do famoso autor e os contos de fadas por ele criados, envolvidos pela rica tradição da literatura de cordel e ambientados no Nordeste do Brasil.Com texto e direção de Thereza Falcão, o espetáculo é uma deslumbrante fusão de elementos da cultura nordestina com o universo encantado dos contos de fadas. No palco, mais de 10 cenários e 50 figurinos, criados pela eterna Rosa Magalhães e conduzido pelo seu braço direito, o carnavalesco Mauro Leite, ganham vida. A experiência visual é enriquecida pelas projeções e vídeos dirigidos pelo renomado artista visual Batman Zavareze. As coreografias são assinadas pelo premiado Renato Vieira, enquanto a direção musical fica a cargo do aclamado Marcelo Alonso Neves. Com 10 músicas inéditas e originais compostas pelos brilhantes Paulinho Moska, Chico César e Zeca Baleiro, o espetáculo mescla o vibrante ritmo do Nordeste com a magia das histórias eternas.

O Itaú Cultural recebe a temporada de Magnólia. Com texto de Lucas Moura, a obra, idealizada e dirigida pela atriz e bailarina Marina Esteves – que também atua na peça –, é livremente inspirada na música de mesmo título do álbum A tábua de esmeralda, lançado há 50 anos pelo cantor e compositor Jorge Ben Jor.A montagem é resultado da pesquisa de Marina acerca das representações de gênero e raça no cenário atual, interseccionada com os desdobramentos do teatro épico. A peça, que foca no corpo, na música e na palavra, narra a fábula de uma deusa astronauta que vive no cosmos, nas dimensões azul e rosa, entre estrelas e cometas. Ela encontra São Jorge, que lhe propõe uma missão: descer à Terra e experimentar viver como humana. Após a queda, ela passa por diversas transformações até se tornar uma mulher negra, vivendo os prazeres e as adversidades da sua existência.

Uma peça-jantar do grupo MEXA. Um grupo de pessoas se senta para sua última refeição. Alguém anuncia que vai morrer. O grupo não vai mais existir. É uma despedida. Poderia ser uma ficção, mas nem sempre é. Nessa noite, ninguém será salvo.Na peça, escrita e dirigida por João Turchi, a companhia parte da Bíblia para atualizar, a partir das suas vivências, a ideia de morte e ressurreição. Como continuar só, quando o coletivo não mais existe? Quem conta as histórias de corpos que já não podem mais falar? Inspirada no famoso quadro de Leonardo Da Vinci, A Última Ceia explora a criação de uma imagem final que persista, mesmo após o fim do grupo.

Um mistério em uma ilha. A água do único poço que abastece a população local sumiu do dia para a noite. Para investigar o caso, um detetive é trazido com urgência do continente. Personagens bufos e situações esdrúxulas atravessam seu caminho, borrando a linha que separa vítimas e culpados. Nessa ilha, qualquer pessoa solícita é também suspeita. É neste clima de conto policial que a Cia. LaMínima amarra sua âncora em sua mais recente criação.

Num cenário de fim de mundo, dois arqueólogos descobrem uma foto que registra pessoas praticando o extinto gesto de abraçar e, quebrando protocolos, sentem a necessidade de darem um abraço. O espetáculo costura histórias e contextos, passado, presente e futuro, com uma linha do tempo ágil, sagaz, cômica, reflexiva e contemporânea, que atualiza o cultuado frescor da assinatura do grupo teatral.

O Viajante é a autobiografia póstuma de um homem formado pelos condicionamentos e preconceitos machistas do século XX. Embora pulse nele uma tendência à consciência, ele só dá forma às questões básicas de sua vida no breve instante entre a morte e sua dissolução no universo.

Fúlvio Stefanini celebra 70 anos de carreira com o 'O Pai', peça escrita por Florian Zeller e cuja montagem brasileira já foi apresentada 300 vezes. O Pai conta a história de André, um idoso de 80 anos, rabugento, porém muito simpático e divertido. Quando a memória dele começa a falhar, a sua única filha vive um dilema: deve levá-lo para morar com ela e contratar uma enfermeira para ajudá-la a cuidar dele ou deve interná-lo em um asilo – para poder curtir a vida ao lado de seu novo namorado?Com tom poético e um leve humor requintado, a peça trata desse tema comovente com leveza e sensibilidade, e nos convida a pensar sobre questões como a convivência familiar, o envelhecimento e as nossas escolhas na vida.

O espetáculo Alforrias de Papel, escrito e dirigido por Marcio Boaro, fundador da Cia Ocamorana que completa três décadas de trajetória pautada no teatro político, traz à cena um diálogo entre passado e presente, estabelecendo paralelos claros entre o abuso do poder econômico do século XIX e as formas modernas de exploração.A peça apresenta um texto que resgata as contradições sociais e políticas de um Brasil ainda preso às amarras do passado, mas também um convite para o público perceber os mecanismos de repetição. Através da figura do Espectro contemporâneo, a peça transcende seu contexto histórico e revela que o espírito de exploração e opressão permanece, ajustando-se à face que melhor lhe convém.

Dizem que “quando os ratos abandonam o navio”, alguma desgraça está para acontecer! Isso poderia ser verdade com uma cidade inteira? Chega o momento em que os habitantes de Orá, que até então queixavam-se apenas de um mal-estar desagradável, e que disfarçavam sua inquietação com gracejos e piadas, começam a entender que, com tantos ratos mortos, alguma coisa realmente ameaçadora está para acontecer na cidade. Neste monólogo, baseado no livro homônimo de Albert Camus, o doutor Bernard Rieux conta como a pequena cidade de Orá, luta para sobreviver ao terrível e devastador flagelo da peste.

Em meio à batida do funk e à pulsação da quebrada, jovens da periferia de São Paulo vivem suas realidades em um baile que, de repente, é interrompido por uma operação policial. O que parecia ser apenas mais uma noite se transforma em uma viagem entre o passado, o presente e um futuro incerto. Com uma abordagem que mescla teatro, música, dança, circo e hip hop, FLUXO explora as cicatrizes deixadas pela pandemia, as tensões nas relações familiares, e as dores e amores de uma juventude que resiste.O espetáculo foi criado por um elenco de jovens artistas, selecionados entre mais de 150 candidatos, que, ao longo de três meses de imersão, debateram, improvisaram e deram vida a uma dramaturgia coletiva que reflete suas próprias vivências.

A comédia musical Forever Young aborda seis grandes atores que representam a si mesmos no futuro, quase centenários. Apesar das dificuldades eles continuam cantando, se divertindo e amando. Tudo acontece no palco de um teatro, que foi transformado em retiro para artistas, sempre sob a supervisão de uma enfermeira. Quando ela se ausenta, os simpáticos senhores se transformam e revelam suas verdadeiras personalidades através do bom e velho rock’n’roll e mostram que o sonho ainda não acabou e que eles são eternamente jovens.  Forever Young consegue relatar não apenas o problema da exclusão social na “melhor idade”, mas também aborda questões sobre a velhice com muito humor e músicas que marcaram várias gerações.

A Casa de Bernarda Alba mergulha nas complexidades das relações familiares e sociais, abordando assuntos como poder, repressão, desejo e liberdade. A peça tem direção de Rodolfo García Vázquez, co-fundador da companhia criada em 1989.A peça escrita pelo renomado dramaturgo espanhol Federico García Lorca, concluída em 1936, poucos meses antes de sua morte, trata da obra e vida de Bernarda Alba, uma mulher autoritária e controladora, que vive com suas cinco filhas em uma casa na Espanha rural, após a morte de seu segundo marido, que desencadeia, um período de luto de oito anos. Durante este tempo, as mulheres são proibidas de sair de casa ou se relacionar com homens, tornando o ambiente opressivo. Esta série de tensões é o pano de fundo para rivalidades e conflitos que surgem entre as irmãs que anseiam por liberdade e amor. O espetáculo conta com três formações, com as personagens sendo interpretadas por elenco somente feminino, somente masculino e misto, que se revezam ao longo da temporada, cada um apresentando uma versão de elenco diferente e oferecendo uma perspectiva única sobre os temas abordados.

Num misto de cabaré com circo e show de mulher-gorila, Fran diverte o público virando ao avesso os estereótipos do feminino: com humor e ironia, inverte a lógica machista e brinca com a plateia fazendo com que os homens ‘provem do seu próprio veneno’.Numa fusão das linguagens de circo e teatro, o solo KING KONG FRAN, protagonizado pela personagem-título Fran, criação da atriz e palhaça Rafaela Azevedo, convida o público a conhecer o avesso dos estereótipos do feminino disseminados na sociedade. Partindo de referências como a atração circense Monga, A Mulher Gorila, e King Kong, o gorila gigante do cinema, Rafaela questiona a sexualidade e a distinção de gênero na construção social.Entre brincadeiras (consentidas), relatos e músicas, a atriz interage com os espectadores propondo que experimentem inversões dos estereótipos de gênero. Fazendo o papel secularmente atribuído aos homens, Fran os aborda fazendo convites e propostas.

Em “Sonhos Roubados”, uma mulher, trancada em seu apartamento há um longo período de tempo, carrega consigo as marcas de um relacionamento abusivo ao qual se entregou completamente, perdida em uma fantasia romântica. O espetáculo mergulha na intimidade dessa mulher que procura resgatar sua identidade, reconstruindo sua história em busca da liberdade desse relacionamento e também do conjunto de construções sociais no qual ela se percebe soterrada. É uma jornada íntima, mas que reverbera questões coletivas urgentes.

Uma inusitada história de amor na década de 1930 entre Helen, uma solitária atriz de Hollywood, famosa e símbolo sexual, e o jovem, Kip, um roteirista talentoso, parece ser mais um romance que se repete entre tantos. Tennessee Williams, entretanto, apresenta um homem negro de sucesso e uma mulher branca promíscua às voltas com uma paixão avassaladora por ele. Ela precisa lutar contra seu próprio preconceito e é obrigada a assumir seu desejo e sua paixão por Kip.

A pobre trupe kaoz apresenta a comédia "O auto da Compadecida" uma história nordestina que conta as aventuras de duas trambiqueiras, Grilo e Chico enfrentam situações hilárias em busca de sobrevivência. A peça mescla humor, crítica social e elementos da cultura popular do Nordeste brasileiro, preparem a gaita e o violão, que essa peça é uma festa de comédia e canção.

Três amigos preparam uma festa de aniversário surpresa para um quarto amigo que está sempre atrasado e que sofre por excesso de trabalho. Enquanto organizam, lamentam a situação e compartilham experiências profissionais com um motoboy, revelando contradições, medos e angústias, sem enxergar a exaustiva jornada de trabalho daquele que lhes faz as entregas para a comemoração. Com uma dose de bom humor, o espetáculo discute as questões da produtividade desenfreada e as mazelas da Síndrome de Burnout em corpos pretos, bases do capitalismo em suas históricas formas de exploração.

Dois narradores, um experiente capitão e um jovem marinheiro, embarcam em um navio baleeiro rumo a um refúgio idílico onde ninguém esteve antes. Durante a viagem, ambos entram em contato com o poder de destruição do ser humano, cujo destino parece sempre o impelir a sacrificar, tragicamente, a vida prodigiosa.

Em um futuro distante – mas, talvez, nem tanto -, Legatus é o chefe da província de Lusitânia e membro do comando de defesa cibernética do Estado. Os interesses da elite dominante da população, aqueles mesmos representados por ele, parecem ameaçados diante de um problema tão perturbador quanto um barril de pólvora. Os “agregatus”, a parcela excluída do povo, os pobres, os imigrantes e toda e qualquer minoria, ganharam uma voz crescente na luta por novos espaços e exigem o reconhecimento de suas reivindicações.

Com texto e direção de Miguel Falabella e produção de Jô Santana, o espetáculo é uma jornada pelas raízes africanas do sambista Martinho da Vila, destacando a influência da Folia de Reis e outras manifestações culturais afro-brasileiras.A dramaturgia, escrita por Helena Theodoro, é baseada em sua pesquisa sobre a África e na biografia “Martinho da Vila: Reflexos no Espelho”. A peça celebra a ancestralidade e a rica cultura negra, reunindo 20 talentosos atores-cantores-bailarinos e 8 músicos, incluindo netos de Martinho, Dandara e Guido Ventapane.Dividido em dois atos, o espetáculo apresenta a vida de Martinho, desde sua trajetória familiar até sua paixão pelo samba, e conta com participações especiais de grandes nomes do gênero, como Leci Brandão e Mart’nália.Martinho resgata lendas e mitos afro-brasileiros em uma trilha sonora marcante. O espetáculo movimenta mais de 300 empregos diretos e indiretos e é uma celebração à rica história do samba.

Na noite em que sua filha ANNA é levada pela Gestapo para interrogatório, FREUD recebe um inusitado visitante. Enquanto do lado de fora, os nazistas marcham e cantam hinos em louvor da morte, o pai da psicanálise e o desconhecido travam um instigante diálogo sobre a vida. Sonho ou ficção?A dramaturgia do autor belga de origem francesa Éric-Emmanuel Schmitt coloca em cena uma disputa entre Divindade e Ateísmo. Brian Penido Ross é o responsável por dar vida ao pai da psicanálise em cena.

Claudia Raia e Jarbas Homem de Mello se apresentam em São Paulo com a segunda temporada de Conserto para Dois. “Conserto para Dois, O Musical” conta a história de amor, encontros e desencontros entre o famoso escritor Ângelo Rinaldo (Jarbas) e a atriz internacional Luna de Palma (Claudia). Separados, os dois embarcam em um cruzeiro para esquecerem a desilusão amorosa. Eles só não contavam embarcar no mesmo navio, Sinfonia dos Mares, rumo à Antártida. É nesse cenário que se desenrola toda a história, criada por Anna Toledo a convite de Claudia e Jarbas.

O espetáculo é inspirado e construído a partir de poemas de Geni Guimarães e da prosa de Marcelino Freire. O espetáculo bebe na sabedoria de transformar o cotidiano em poesia. O solo da atriz Olivia Araujo, com direção de Renato Farias, traz uma personagem/poeta que constrói seu universo através de memórias, saudades e histórias familiares delicadas e saborosas. O tempo, o vento, os sons, os cheiros, as dores e os amores, para ela tudo é matéria prima para um poema. A simplicidade é a base da construção da intimidade com a palavra poética, sem rebuscamentos que, por muito tempo, elitizaram a relação das pessoas com a poesia.

Por trás das Flores é um espetáculo de Samir Yazbek, com direção de Marcelo Lazzaratto, e no elenco Helena Ranaldi e Martha Meola.A peça aborda, por meio de uma linguagem poética que ultrapassa o realismo, a relação entre uma Filha (Helena Ranaldi) e uma Mãe (Martha Meola).Localizada no Norte do Líbano, mas também na imaginação da Filha, a ação da peça acompanha a tentativa de a Mãe convencer a Filha a voltar para o Brasil e viver entre os seus. Contrapondo tradição e modernidade, a história enfatiza as diferenças entre a cultura libanesa e a brasileira, além de revelar o abismo que separa o mundo de hoje daquele de meados do século XX, quando a Mãe migrou para o Brasil. O diálogo faz aflorar as subjetividades dessas duas mulheres tão próximas e tão distintas, numa relação que ressalta aspectos psicológicos, sociais e míticos.

Inédita no Brasil, a peça Um Simples Judeu - escrita pelo suíço Charles Lewinsky com tradução assinada por Sylvia Lohn - ganha montagem em São Paulo, com direção de Carlos Baldim, interpretação de Ricardo Ripa e direção de arte de Rosa Berger.O solo conta a história do jornalista Emanuel Goldfarb, que recebe o singelo convite de um professor para compareça pessoalmente a uma aula e explique aos seus alunos o que é ser judeu. Emanuel passa então a refletir sobre atender ou não a esse chamado. Com legítimo "humor judaico", ele irá revisitar sua ancestralidade e acessar lembranças que há muito tempo estavam adormecidas. Suas memórias e reflexões passam pela origem familiar, pela diáspora do povo judeu desde a antiguidade até os dias atuais, pelas tradições e por sua própria hereditariedade, temas que são abordados por ele alternando emoção, razão e humor.A montagem, idealizada pelo próprio ator, tem o propósito de estimular o diálogo com diversos setores da sociedade ao apresentar, sem estereótipos, uma cultura que é parte da diversidade cultural brasileira. Trata-se de um espetáculo singular, que não se restringe à colônia judaica. As apresentações de Um Simples Judeu foram acompanhadas por plateias entusiasmadas e diversas em todos os países onde foi encenada, como México e Alemanha (onde também foi adaptado para o cinema). Em recente montagem, na Argentina, permaneceu mais de cinco anos em cartaz.

Escrita e dirigida pela atriz e diretora Vanja Ca Michel, a montagem chama a atenção do público por abordar temas atuais e as últimas tendências do universo dos adolescentes, mostrando as dores e as delícias da transição da infância para a vida adulta. A montagem aborda assuntos como ansiedade, depressão e transtornos alimentares, além da relação com as redes sociais, o cyberbullying e a nomofobia (medo irracional de ficar longe do celular), parentalidade, entre outros.
O espetáculo conta com um elenco formado por 11 integrantes que se revezam entre os personagens e a peça está no ar desde 2002, tendo sido apresentada em 49 cidades e mais de duas mil sessões.

A peça AO VIVO – Dentro da cabeça de alguém é uma criação com dramaturgia original e direção de Marcio Abreu, inspirada em A Gaivota, texto seminal do autor russo Anton Tchekhov, e dá sequência a uma das linhas de pesquisa da companhia brasileira de teatro, que reflete os tempos atuais a partir de diálogos inventivos com os clássicos.A peça se passa dentro da cabeça de uma artista. Da Renata, da Nina, da Bianca, da Bárbara, do Bolzan, do Rafael, de todas que criaram esse trabalho. Como se pudéssemos perceber outras consciências, outras subjetividades, coisas que são, e de repente já não são mais. Coisas que se revelam, e desaparecem, algo que vejo e de repente, já não está mais ou já não é. Quais questões levantadas pelo texto de Tchekhov atravessam o tempo e chegam até nós, hoje? E de que modo? E que formas são possíveis, hoje? Há formas novas, futuros possíveis? Quais direitos estão garantidos para uma mulher numa sociedade ainda machista, etarista e conservadora? Como jovens artistas buscam sua própria voz hoje? Qual o valor da arte, para quem se produz, com quem? Que espaços ocupar e construir? Como renovar, como artistas, os sentidos da vida, da liberdade e do amor, com e para o público, numa experiência viva, no agora?Tudo isso habita a memória e o imaginário de uma atriz, que nos anos 70 participou de uma célebre montagem de A Gaivota, no Rio de Janeiro, e está a caminho do ensaio e lembra que, naquele momento, num dia em dirigia um carro indo para o ensaio, teve uma sensação inédita, como se o topo da sua cabeça se abrisse e ela tivesse uma súbita consciência do todo: tudo ficou nítido, ela mesma, as outras pessoas, seu lugar no mundo, as coisas, sua conexão com o universo, o tempo passado e o tempo futuro. Nesse outro estado de consciência ela revê personagens de sua vida e de sua arte, atravessando o tempo e ressignificando suas existências, ao vivo, hoje.

Adriana Birolli sobe ao palco para dar voz a uma personagem prestes a completar 36 anos e que não quer ir à comemoração do seu aniversário, mesmo quase pronta para sair, passa a refletir sobre a possibilidade de não comparecer. O celular não para de receber mensagens e a pressão não para de aumentar enquanto somos convidados a entrar na intimidade dessa personagem e sua comédia privada. Com texto e direção de Diogo Camargos, a trama reflete com humor sobre a jornada de uma mulher que vive em uma busca da liberdade de dizer não.

O espetáculo é a biografia musical por trás do ícone. Uma jornada musical com os maiores sucessos do Rei do Rock.

A peça Veraneio inicia nova temporada no Teatro FAAP. A obra reforça a colaboração entre Leonardo Cortez e Pedro Granato, iniciada em 2018 com o premiado Pousada Refúgio. O elenco conta com Clarisse Abujamra, que se uniu ao time de Pousada Refúgio formado por Glaucia Libertini, Maurício de Barros, Sílvio Restiffe, Tatiana Thomé e Leonardo Cortez.A peça acompanha Dona Laura e seus três filhos, marcados pelo ressentimento, que se reúnem para celebrar o aniversário da matriarca, interpretada por Clarisse Abujamra. O cenário é uma casa à beira-mar, recentemente adquirida por Hercília, uma das filhas e ex-apresentadora de TV em declínio, serve como palco para o desconforto gerado pela presença da mãe. Hercília, junto de seus irmãos, Silvio e Mario Sérgio, espera ansiosamente a chegada do novo namorado de Dona Laura, um enérgico professor de ginástica. O encontro e as surpresas que ele traz acabam abalando a já frágil dinâmica familiar.

Um espetáculo cênico-musical que passa a limpo toda a trajetória dos Beatles. Os primeiros sucessos como Twist and Shout, She Loves You e I Wanna Hold Your Hand, passando pela fase psicodélica até atingir o êxtase na fase final de Hey Jude e Let it Be.

Dez anos depois da estreia do sucesso Rita Lee Mora ao Lado, a atriz Mel Lisboa volta a interpretar a roqueira-mor em um musical inédito, desta vez inspirado na autobiografia da cantora. Com direção de Márcio Macena e Débora Dubois, Rita Lee – Uma Autobiografia Musical.Quando Mel Lisboa pisou pela primeira vez em cena como Rita Lee em 2014, ela não poderia prever algumas coisas: primeiro, de que seriam meses de casa cheia num dos maiores teatros de São Paulo. Segundo, que a própria Rita apareceria sem avisar, abençoaria sua performance e ainda voltaria para assistir ao espetáculo. Trabalho, aliás, que rendeu a Mel prêmios como melhor atriz e a colocou de vez entre os maiores nomes do teatro nacional, com uma frutífera e diversificada carreira. A nova montagem ainda tem direção musical de Marco França e Marcio Guimarães e, junto com Mel, estão no elenco Bruno Fraga, Fabiano Augusto, Carol Portes, Debora Reis, Flavia Strongolli, Yael Pecarovich, Antonio Vanfill, Gustavo Rezê e Roquildes Junior.Diferentemente do projeto anterior, dessa vez, Mel conta a história de Rita com base no livro da cantora, lançado em 2016 e um dos maiores sucessos editoriais do Brasil. O livro narra os altos e baixos da carreira de Rita com uma honestidade escancarada.

Inspirada em sua própria jornada pessoal e na sua dedicação ao teatro, a atriz e dramaturga Jandira Martini (falecida em janeiro de 2024) escreveu sua última dramaturgia para o teatro JANDIRA – em busca do bonde perdido. E é ela quem define: “Um monólogo sobre uma situação imprevista, surpreendente. Uma atriz que se revela, diante de seu público, ao narrar, com humor, sua inesperada e assustadora experiência. Auto ficção? Sem dúvida. Um stand-up? Seria, se fosse cômico. E cômico não chega a ser. Nem trágico. Apenas dramático.”Isabel Teixeira, um dos nomes mais relevantes do teatro brasileiro, com 40 anos de carreira e diversos prêmios é a atriz que dá voz ao texto autobiográfico de Jandira Martini neste tocante solo. Para dirigir o espetáculo, nada mais apropriado do que Marcos Caruso, amigo e dupla constante de Jandira, com quem escreveu inúmeras peças e roteiros de audiovisual. Ambos foram convidados para este projeto pelos produtores Fernando Cardoso e Roberto Monteiro, sócios na Mesa2 Produções. A peça convida o público a um passeio pelas memórias mais marcantes da autora através de um texto direto, enxuto e coloquial, evocando os blocos carnavalescos da cidade de Santos - sua terra natal -, as descobertas da infância, momentos dramáticos e a vida dedicada ao teatro.

O Teatro do Incêndio estreia o espetáculo De Dionísio para Koré. Com direção de Marcelo Marcus Fonseca e coreografias de Francisco Silva, a montagem é baseada no livro homônimo de autoria de Fonseca, que traz o amor descontrolado de um deus por uma mortal, gerando a morte e o renascimento por meio da constante troca de papéis entre os dois amantes. Do encontro com a obra Júbilo, Memória, Noviciado da Paixão, de Hilda Hilst, o diretor Marcelo Marcus Fonseca criou 42 poemas sintéticos que contam a trajetória de Koré (Perséfone jovem), seduzida por Dionísio e transformada nele próprio para devolver-lhe a dor. Escrito em três dias, o livro busca o ponto de vista do Deus grego, despedaçado e renascido, em diálogo constante com a obra de Hilst.O espetáculo é uma aventura pela dança e pelo ritual, estabelecendo uma relação mística com a plateia em busca da celebração dos mistérios de Elêusis e Delfos. Fruto das reuniões para preparação da celebração dos 30 anos da companhia em 2026, a peça surgiu como um reencontro com a própria formação da companhia, a sua pele, sua introspecção ritual.

Em cartaz há 20 anos, Marcelo Médici apresenta mais uma temporada do solo "Cada um com os seus pobreza". No enredo, o personagem central é um ator de teatro que ao desistir de fazer sua apresentação começa a contar suas próprias experiências. Surgem então os demais personagens, comentando e criticando com muito humor várias situações do cotidiano.

Em um hotel na Nova York de 1953 se passa o hipotético encontro entre quatro famosas lendas norte-americanas – a estrela de cinema Marilyn Monroe, Albert Einsten, cientista criador da Teoria da Relatividade (que levou à criação da Bomba H e, consequentemente, à Bomba Atômica), Joe DiMaggio, renomado jogador de beisebol e marido de Marilyn, e o infame senador Joe McCarthy. Encontro que poderia acontecer hoje, trocando os personagens originais por seus pares na atualidade.Este é o enredo da peça Insignificância, texto do dramaturgo e diretor de teatro, cinema e televisão inglês Terry Johnson, lançado em livro em 1983, na qual os atores Cássio Scapin, Amanda Acosta, Marcos Veras e Norival Rizzo assumem os papéis do Professor, da atriz, do jogador de beisebol e do senador. Este encontro singular destaca uma das questões mais discutidas na mídia contemporânea: as consequências da fama, tanto na vida pessoal de renomadas celebridades, em relação às concessões necessárias para alcançá-la ou preservá-la, quanto à sua exploração para objetivos políticos.

Na comédia “Dois de Nós”, dois casais de gerações diferentes, se encontram num quarto de hotel. Segredos e mentiras começam a ser revelados trazendo à tona um divertido turbilhão de sentimentos, com muita emoção e desafios, que mudarão a vida deles para sempre. De forma poética e bem-humorada, são abordados assuntos comuns aos casais, como rotina, filhos, dinheiro, tempo, realização profissional, desejo sexual, frustrações e mágoas, tudo à luz das mudanças velozes de comportamento, características da atualidade.

A comédia teatral TOC TOC, escrito por Laurent Baffie, traduzido e montado mundo afora diversas vezes após estrondoso sucesso na França, retorna aos palcos brasileiros com uma nova montagem, trazendo uma abordagem bem-humorada e sensível sobre o Transtorno Obsessivo Compulsivo (TOC). Branca (Danielle Winits), obcecada por limpeza; Maria (Cláudia Ohana), uma religiosa que vive com a sensação de ter esquecido tudo aberto; Lili (Maria Helena Chira), com seu hábito de repetição; Bob (Miguel Menezzes), fanático por simetria; Vicente (André Gonçalves), que não consegue parar de fazer contas; Fred (Riba Carlovich), que luta contra uma síndrome que o faz dizer palavras obscenas, e a assistente do médico (Carolina Stofella) formam esse grupo peculiar. A demora do médico faz com que a única solução seja iniciar uma terapia em grupo, onde, entre crises, brigas e muitas gargalhadas, o público é convidado a acompanhar as dificuldades e as maneiras inusitadas que cada um encontra para lidar com seu TOC.

Inspirada no livro O Colar de Pérolas, publicado em 1846 pelos escritores britânicos Thomas Peckett Prest e James Malcom Rymer, Sweeney Todd – o Cruel Barbeiro da Rua Fleet é uma fábula vitoriana macabra adaptada com maestria por Stephen Sondheim. O espetáculo, que teve temporada esgotada em São Paulo e passou por Curitiba em curtíssima temporada, retoma sessões na capital paulista, agora no palco principal do Teatro Santander. O musical conta a história de Benjamin Barker, barbeiro que se viu obrigado a ir embora de Londres por conta de uma briga com o cruel Juiz Turpin (Rodrigo Mercadante). Após 15 anos afastado da cidade, ele retorna sob o pseudônimo Sweeney Todd (Saulo Vasconcelos) e sedento por vingança. Ao chegar ao lugar onde funcionava sua antiga barbearia, na Rua Fleet, Todd se depara com uma arruinada loja de tortas administrada pela Dona Lovett (Andrezza Massei). A partir daí, Todd e Lovett unem forças para que ele se vingue de Turpin, e ela faça sua loja crescer com tortas recheadas de ingredientes muito suspeitos.As apresentações contam com orquestra ao vivo, composta por 9 músicos e elenco de 18 atores.

Um clássico da comédia dos anos 90, o filme “Uma Babá Quase Perfeita” conquistou gerações de fãs e transformou-se, em 2021, em um musical da Broadway, reafirmando a atemporalidade da obra e o Brasil ganha uma versão do musical, estrelada por Eduardo Sterblitch e dirigida por Tadeu Aguiar. A história de “Uma Babá Quase Perfeita” gira em torno de Daniel Hillard (Eduardo Sterblitch), um ator desempregado que fará qualquer coisa por seus filhos. Após um divórcio conturbado, Daniel encontra uma solução para não ficar longe dos seus filhos, disfarçando-se de Euphegenia Doubtfire, uma senhora idosa perfeita para ser babá das crianças. Enquanto cuida das crianças, ele aprende importantes lições sobre paternidade e responsabilidade.Em seu segundo musical, Eduardo Sterblitch dará vida à famosa Babá. O artista multifacetado estará ao lado de Thais Piza, responsável por dar vida à ex-esposa Miranda, Lara Suleiman no papel da filha mais velha Lydia Hillard, Bernardo Destri como Christopher e Bibi Valverde como a pequena Natalie. O elenco conta ainda com outros 20 talentos dos palcos e poderá sofrer eventuais alterações sem prévio aviso. Vitor Martinez assina a maquiagem de efeito e a perucaria fica por conta de Feliciano San Román. O musical conta com música e letras de Karey e Wayne Kirkpatrick, e texto de Karey Kirkpatrick e John O'Farrell.