TEATRO

Paranoia, espetáculo concebido por Marcelo Drummond a partir do livro de Roberto Piva, volta para o palco do Teatro Oficina em curtíssima temporada.Com apenas um ator em cena (Marcelo Drummond), Paranoia é um poema visual, uma videoarte da presença, uma vertigem sonora nas ondas do piano (Chicão), uma força teatral em estado de graça, uma encruzilhada da poesia com o teatro e o Cinema ao Vivo (Igor Marotti) da companhia que amplificaram a potência tecnoritualista da companhia com grande força de invenção.

Freud e o Visitante se passa em Viena, em março de 1938, quando os alemães invadem a Áustria e perseguem os judeus. A Princesa Marie Bonaparte e o cônsul americano negociavam a partida de Sigmund Freud (1856 -1939), à qual ele resiste. Em primeiro lugar, porque os alemães exigiam que ele assinasse um documento, contando como ele fora bem tratado pelos nazistas; depois, pelo fato de que já tinha 82 anos de idade. Quando sua filha Anna é presa para interrogatório, a história toma outro rumo. É nesse dia que ele recebe uma estranha visita.

Tom Jobim Musical é uma montagem emocionante que retrata a vida e o legado do maior artista popular do Brasil. Viajamos desde a icônica praia de Ipanema nos anos 1950 até suas conquistas internacionais em Nova York, onde ele difundiu a Bossa Nova para o mundo. O musical enaltece sua importância na cultura musical do país e desperta o orgulho de ser brasileiro. Amado por sua música, inteligência e humor, Tom Jobim mostrou ao mundo o melhor do Brasil.A superprodução conta com 27 atores e 13 músicos, texto de Nelson Motta e Pedro Brício, direção de João Fonseca e direção musical de Thiago Gimenes.

Livremente inspirado na obra de Manoel de Barros, o espetáculo celebra a infância. Através da brincadeira, do teatro de animação e de canções originais, os irmãos Abílio (Douglas Moreira) e Palmiro (Edner Gustavo) contam histórias de quintal.

A Força da Água, nova peça do Grupo Pavilhão da Magnólia, com dramaturgia e direção de Henrique Fontes, traça o caminho historiográfico da seca no Ceará, desde as promessas feitas por Dom Pedro, passando pelo genocídio nos campos de concentração e no caldeirão, até o tempo presente, quando descobrimos que a água não é um direito constitucional.A peça de teatro documental, de forma bem-humorada, trata de fatos apagados da história do Brasil em torno da indústria da seca. Os relatos e documentos denunciam aquilo que nos impede de ter acesso à água potável e de qualidade. Até quando aceitaremos? Quando deixaremos nossas águas transbordarem?

Desobediência é uma peça de Renata Mizrahi livremente inspirada no livro “Passaporte Para a Vida”, de Yukiko Sugihara. A peça conta, de forma não-linear, a jornada de Chiune Sugihara, representante do consulado japonês na Lituânia que, em plena Segunda Guerra Mundial, forneceu de forma não autorizada mais de 6 mil vistos para judeus refugiados da Polônia, desobedecendo às ordens do Japão, aliado da Alemanha e Itália. A história é contada pelo ponto de vista da esposa Yukiko: a saída do casal do Japão, a chegada à Europa, os filhos, os privilégios que tiveram na guerra, a desobediência ao consulado japonês, a derrota, a fuga, a prisão, a volta ao Japão e o reconhecimento de Chiune como um aliado da vida. O texto é um drama, com doses de humor.

Após temporadas de sucesso de público e crítica, a montagem FRACASSADAS BR, da A Coletiva de Teatro e direção e dramaturgia de Ave Terrena e Ymoirá Micall – vencedora da primeira convocatória de projetos independentes do Instituto Brasileiro de Teatro (IBT) – chega ao Teatro de Contêiner Mungunzá.Idealizada pelos artistas Barbara Vitoria, Lucas Madureira e Rand Barbosa, FRACASSADAS BR tem com uma das inspirações o livro A Arte Queer do Fracasso, em que o teórico americano Jack Halberstam investiga alternativas e rotas de fuga em uma sociedade fascinada por uma ideia heteronormativa de sucesso. Em cena, além de Barbara Vitoria e Lucas Madureira, completam o elenco Jota Guerreiro Vilar, Kaiala e Wini Bueno Lippi.Sinopse: No país onde o sol não sai mais do céu, as habitantes da noite se tornam monstras privadas de casa e família e se refugiam numa boate antiga. Miradas pelos olhos de quem vive no dia, bixas, sapatonas e transviadas veem pelo avesso suas identidades e se reúnem numa luta que é revolta, baile e manifesto. Com referência no funk, na cultura ballroom, nas quebradas e bairros da infância, FRACASSADAS BR exalta os saberes da noite onde as LGBT+ foram esquecidas – ninguém que fracassa sai ileso.

A história já é entregue nas mãos do público desde seu prólogo musical: uma família Drag Queen é dona de seu próprio bar de futebol dedicado ao seu time do coração, o BOMBADOS FUTEBOL CLUBE. O bar é um espaço único que une o glamour e a cultura drag com a paixão pelo esporte. Repleto de personalidade, é ponto de encontro para uma torcida que não se ajusta aos padrões convencionais: drags vibrantes e exuberantes, que entendem muito sobre futebol e que recusam se esconder em uma sociedade que frequentemente marginaliza suas expressões de identidade e sexualidade.Contudo, o que inicialmente surgiu como um refúgio festivo para as torcedoras, logo se transforma em uma crise de imagem para a família, após a polêmica envolvendo o craque do time, que foi flagrado aos beijos com uma das drags. Elas acabam se tornando alvo de críticas da mídia e da opinião pública, acusadas de serem responsáveis pela chamada "maré de azar" do time que seguiu a polêmica, tornando-as alvo de piadas, preconceito e perseguição.

Não fossem as sílabas do sábado, peça vencedora do Prêmio Shell na categoria dramaturgia, traz a história de Ana e Madalena, vizinhas, que moram no mesmo prédio, mas mal se conheciam até um fato trágico marcar a vida das duas e mudar os rumos de suas histórias. O marido de Madalena, ao pular da janela, desaba justamente sobre o marido de Ana. E, a partir disto, o que as une é o que as separa. Na rotina das ausências, as duas viúvas vão se aproximando: atravessam a dor, a chegada de uma criança, as agruras do recomeço. Nasce uma amizade, que talvez expanda o que se entende por família.

Melchior, por não ter onde morar, sem ter o comer ou onde dormir, está diante de uma crise existencial que se agrava pela dificuldade financeira e falta de dignidade, decide tomar uma atitude drástica. Suas únicas companhias são Baltazar e Gaspar, que vão fazer de tudo para que o amigo não tome tal atitude. Absorvido pela dramaticidade e tragédias exibidas por ela, somado a vida que leva, Melchior a cada ato vai perdendo seus últimos resquícios de esperança pela vida enquanto Gaspar e Baltazar tentam resgatá-lo até o fim, sem nunca abandoná-lo.

O espetáculo apresenta personagens inspirados em mitos afrobrasileiros e convida o público a celebrar a diversidade. Duas araras, azul e amarela, disputam a importância de suas cores até a chegada da arara vermelha, que revela a história da arara de muitas cores, mostrando a beleza de serem coloridos.

“ÂNIMA” é uma história sobre mulheres que mudaram o curso da história da humanidade contada por uma tecelã. Ela entrelaça os fios da vida em busca de sua ancestralidade feminina dando voz a mulheres idealistas e pensadoras, como: Joana d'Arc, Hipátia de Alexandria, Marguerite Porete, Helena Blavatsky, Harrite Tubman e Simone Weil. Cada fio conta uma história, que escrito nas estrelas, ecoa através dos séculos.

Encenado por atores nipo-brasileiros, a mostra de repertório do Coletivo Oriente-se apresenta espetáculo sobre a possibilidade de extermínio da humanidade trazida pela invenção da bomba atômica, que provocou entre 130 e 240 mil mortes nas cidades de Hiroshima e Nagasaki, no Japão, no fim da Segunda Guerra. O texto, inspirado na história real do físico judeu húngaro Léo Szilárd e na sua participação na construção da primeira bomba atômica, traz para a cena as figuras de sua esposa, a médica Gertrude Weiss, e diversos personagens históricos, entre eles Albert Einstein, o presidente americano Harry Truman, o general Groves, e vários outros que direta ou indiretamente colaboraram para a construção da bomba e para seu lançamento que resultou no extermínio de centenas de milhares de pessoas em Hiroshima e Nagasaki.

O Itaú Cultural realiza a 3ª edição da Mostra de Solos, programação que ocupa quase todo o mês na Sala Itaú Cultural com espetáculos de diferentes linguagens, abordando temáticas como identidade, território, corporeidade, violência de gênero, cotidiano e trabalho. Com apresentações diárias únicas, sempre de quinta-feira a domingo, reúne, ao todo, 12 obras, nas quais os artistas mostram a sua potência individual para envolver o público, com espetáculos de dança, teatro e palhaçaria.

Um narrador nos conta a história de Zaíra da Conceição, mulher, negra, retinta, grávida. E de Osvaldo, homem, negro, que acabou de se tornar pai. Uma está desempregada, outra acabara de conseguir emprego em uma rede de varejo. Zaíra sofre uma acusação infundada de roubo no supermercado. Zaíra e Osvaldo, então, lutam contra a mãe.

Fundado em 2016 na cidade de Cubatão, em SP, o Esquadrilha Marginália é formado por jovens artistas das quebradas locais. Seu novo espetáculo, “Favela de Barro - Instáveis Moradias em Queda”, faz sua temporada de estreia no Sesc Avenida Paulista.Com direção de Sander Newton, o trabalho destrincha a formação das favelas, considerando tanto o processo de desapropriação das terras quanto as heranças étnico-culturais e seus reflexos nos cotidianos das cidades. Em cena estão Julia Victor, JùpïRã Transeunte, Luiz Guilherme, Jezuz Pereira e Rafael Almeida.Com a peça, o Esquadrilha Marginália vai inserir o público em uma favela do litoral de São Paulo, com suas cores, sonoridades e estéticas. Os espectadores devem se preparar para pisar na terra e interagir com a água. O grupo vai abordar o cotidiano desses espaços, incluindo brincadeiras infantis, os bailes, as relações familiares e situações que se criam a partir da ausência do estado na garantia de direitos constitucionais.

Marco Nanini retorna a São Paulo com o espetáculo Traidor, escrito e dirigido por Gerald Thomas.Quase duas décadas após o êxito de Um Circo de Rins e Fígados, Nanini e Thomas se reencontram em cena. Traidor tem lotado teatros por onde passa, incluindo São Paulo, Rio de Janeiro, Brasília, Belo Horizonte e outras capitais. A montagem, produzida por Fernando Libonati, nasceu de uma intensa troca criativa entre os três e reflete questões urgentes do nosso tempo — do trauma pós-pandêmico à revolução digital e às crises democráticas.No palco, Nanini dá vida a um homem isolado em uma ilha, acusado de um crime que não cometeu. Em um fluxo de consciência, dialoga com suas memórias, seus fantasmas e reflexões sobre o passado, o presente e o futuro. Misturando humor ácido e traços de tragédia, o espetáculo é um híbrido entre Kafka e Shakespeare, questionando as tensões do mundo contemporâneo.

Leo é professor de natação em uma escola infantil e tem intenção de adotar uma criança. Ao conhecer Téo, um menino abandonado que tem uma cicatriz no rosto, ele decide que ali está a criança que quer adotar. Esse mote é suficiente para escancarar vários tipos de preconceitos: por um lado seu marido não aceita que se adote uma criança que não se pareça com eles e que além do mais tem uma cicatriz no rosto e por outro a sociedade repele a atitude de Leo por ele ser gay. Preconceitos de classe e racial tão presentes no dia a dia do brasileiro, que um dia Sérgio Buarque de Holanda chamou de homem cordial! A saga de Leo é narrada por ele mesmo, ora dirigida ao menino Téo, ora dirigida ao espectador. Além dos percalços com a adoção, Leo enfrenta as reações dos pais das crianças ao saberem que ele conversou com os alunos sobre o que é ser gay; ele é espancado na rua por um bando que soube de suas atitudes na escola e ainda decide se separar do companheiro ao descobrir que possuem valores muito diferentes.

Após temporada de estreia em novembro de 2024 e uma série de curtas apresentações em fevereiro deste ano, As Bacantes retornam agora em junho à Sala Experimental para as apresentações finaisO deus Dióniso é filho de Zeus e da mortal Sêmele. Quando a deusa Hera, esposa de Zeus, fica sabendo da traição do marido, disfarça-se em forma humana e conquista a confiança de Sêmele, que conta a ela sobre seu amante divino. Hera então a convence de que se ele é mesmo um deus, deveria mostrar-se a Sêmele em sua forma divina. Zeus, que havia prometido jamais negar pedido algum a Sêmele, faz a vontade dela. Entretanto, como os mortais não sobrevivem ao contato direto com a forma original de um deus, Sêmele é fulminada pelo poder de sua manifestação divina. Para proteger Dióniso da fúria de Hera, Zeus o esconde em sua coxa, até que sua gestação se complete e ele possa realmente vir à luz.Na tragédia de Eurípides, o deus Dióniso também é chamado de Baco e Brômio. O coro que se vê em cena é formado pelas bacantes que acompanham o deus (percebido por elas como sacerdote do culto) da Ásia até Tebas. As mulheres de Tebas, incluindo Ágave, Ino e Autonoe, formam o grupo de bacantes que sabemos estar concentrado no monte Citéron.

Baseado em textos de Heiner Müller, Dostoiévski, Yehuda Amichai, Shakespeare, Bertold Brecht e Tchékhov, o espetáculo conta com a interpretação do ator Celso Frateschi e com o contrabaixista Alexandre Rosa, que estabelecem um diálogo de linguagens entre onírico e o real. Entre os sonhos que nos elevam e os sonhos que nos despertam.

Tony Ramos e Denise Fraga retornam a São Paulo para apresentar um espetáculo dedicado aos encontros. Um encontro de dois atores, um homem e uma mulher, com uma multidão de pessoas na plateia. Suas memórias. Suas próprias histórias e outras tantas que ouviram por aí. E o que só saberão, juntos? Esses dois atores e esse público? Uma sala cheia de gente que escolheu estar ali na companhia umas das outras. Há algo a celebrar, juntos?

Buscando novas maneiras de representar a negritude, que não passam pela violência e o sofrimento, a companhia Aquilombamento Ficha Preta estreia seu novo trabalho, com direção de Rodrigo França e Tainara Cerqueira. Falada em português e LIBRAS, a peça é sobre um casal que decide não se curvar às regras de um amor socialmente instituído. Eles passam a questionar os limites impostos aos seus corpos e aprendem a construir uma família a partir das suas próprias crenças. O texto é de Aline Mohamad.

Três figuras fundamentais para a arte e o pensamento do século XX se encontram em cena: Gertrude Stein (Bárbara Bruno), escritora, mentora e colecionadora de arte; Alice B. Toklas (Patrícia Vilela), sua companheira de vida e guardiã de seu legado; e Pablo Picasso (Joca Andreazza), o gênio que revolucionou a arte com o cubismo.A partir desse encontro, a peça revela não só os laços afetivos que uniam essas personalidades, mas também provoca uma reflexão sobre os movimentos artísticos que moldaram a modernidade — e seus ecos no mundo atual.

Em um mundo onde sua existência depende do quanto você vale para o sistema, Zeca, é arrastado para uma disputa perigosa com a poderosa corporação Lux Bite. O que é ser humano em uma sociedade que transforma pessoas em produtos? Entre delírios, rebeldias e revelações, acompanhe essa jornada distópica que mistura ironia, crítica e emoção.

Ané das Pedras é uma obra performativa em que a artista indígena Barbara Matias Kariri caminha na cidade com uma “cuia” com pedras e entrega pedra as pessoas, convida-as a pensar em seus sonhos e para que confiem nas pedras. Caminham em procissão sonorizado pela maracá para debaixo de uma arvore e nesse lugar – Barbara cava um buraco e convida as pessoas não a enterrar as pedras, mas, plantar. Plantamos as ancestrais pedras que levam o desejo de cada pessoa que se conectou, por isso “Ané” da língua Kariri, Sonho. E a pedra a nossa ancestral mais antiga sabe o que é ser resistência e fazer a força para que aconteça.

Raul Seixas, o Musical mergulha na essência de um dos artistas mais autênticos da nossa música. A peça se desenrola durante uma noite insone, onde Raul revisita sua história, compõe, reflete sobre sua arte e questiona os rumos do Brasil. Com um tom confessional e emocionalmente intenso, o espetáculo nos conduz pelos bastidores da mente inquieta do artista, revelando seus pensamentos sobre a liberdade, a arte e a sociedade.Ao longo da apresentação, 21 canções ganham vida no palco, incluindo clássicos como Eu Nasci Há Dez Mil Anos Atrás, Maluco Beleza, Tente Outra Vez e Gita.

Um programa de rádio anuncia a “hora da história”. A Cantora Careca, locutora do programa, narra em detalhes a passagem da Santa Profana, figura icônica deste conto distópico. Após ser proclamada Santa pela população do Distrito PS, a protetora vive sua ressurreição ao mesmo tempo em que deve se defender dos ataques iniciados por seguidores de um Rei Colônia.A história de resiliência entre duas travestis ganha ênfase nessa ficção-científica que retrata a disputa de narrativas em um Brasil paralelo totalmente atemporal. A peça é um retrato do país y suas práticas de subjugar existências dissidentes se valendo do uso de pequenos poderes para a manutenção de sua estruturafragmentada y “bem-sucedida”.

Cenas da Menopausa é uma peça sobre a mulher 50+ que retrata situações vividas por mulheres no seu “segundo ato” de vida, através de cenas curtas e números musicais com várias personagens divertidas, honestas e, por vezes, dramáticas. As cenas refletem as inquietações, angústias, sonhos e desejos impactados pela maturidade e pela incontornável menopausa.Mudanças corporais, questionamentos de vida e carreira, saúde, beleza, expectativas sociais e relacionamentos afetivos, tudo é abordado de uma forma franca – propondo ao mesmo tempo riso e reflexão sobre uma das fases mais impactantes e menos discutidas (até hoje) na vida das mulheres.

Após uma temporada de sucesso de crítica e de público, o espetáculo “Ana Marginal - Um navio ancorado no espaço”, com texto de Michelle Ferreira e direção de Nelson Baskerville, volta em cartaz para apresentações gratuitas. O espetáculo é um metateatro que transita pela obra e vida da poeta Ana Cristina Cesar, ícone da poesia marginal da década de 70 a partir do conflito de três atrizes envoltas pela complexidade e identificação das angústias de suas personagens, que representam diferentes facetas da poeta: a Ana, a Cristina e a César.

PAI, inspirado em uma história real, é um solo que acompanha a jornada de um homem confrontando os impactos duradouros dos abusos que sofreu nas mãos de suas figuras paternas. Em um espaço cru, impregnado de memória, ele revive episódios de violência, rituais, vergonha e silêncios — marcados por gestos de controle, crueldade e ternura fugidia. Ele busca clareza, encerramento e um sentido de identidade que vá além do passado que o assombra. À medida que o passado rompe a superfície do presente, PAI desafia o silêncio, entrelaçando emoção bruta com momentos de beleza e esperança.

Ser a ‘felizarda’ por conseguir a vaga de emprego. Trabalhar. Ter colegas de mesa. Mas para qual função? Para fazer o quê? Em um mundo cada vez mais voltado à produtividade sem descanso, o novo espetáculo dirigido por Beatriz Barros, com idealização das atrizes Bella Camero e Louise D’Tuani, foi escrito por Cecilia Ripoll e reflete sobre tais impactos na vida em sociedade. Sinopse: Felizarda é contratada por uma empresa, mas não sabe exatamente para quê. Enquanto tenta entender qual é sua função, vê-se cercada por neuroses e angústias típicas de um mundo hiperprodutivo, onde a comunicação falha e o trabalho invade todas as esferas da vida. A partir de situações absurdas e cotidianas, o espetáculo traça um retrato tragicômico da alienação contemporânea.

Violette Toussaint é uma mulher comum, zeladora de um cemitério numa pequena vila da Borgonha. Seu dia-a-dia é preenchido pelo cuidado com as plantas e animais que lá habitam, e pelas confidências comoventes, trágicas ou até cômicas dos visitantes do cemitério, que divide com o público, assim como suas memórias pessoais . Apesar da infância conturbada, de um marido desaparecido e de vários reveses, encontra conforto entre os rituais e as flores do cemitério. Acredita de forma obstinada na felicidade.

As tragicômicas histórias dos mais de 30 anos de dependência do álcool contadas pela jornalista Barbara Gancia na autobiografia “A Saideira: Uma dose de esperança depois de anos lutando contra a dependência” ganharam os palcos no solo Bárbara, que rendeu à Marisa Orth o prêmio Bibi Ferreira de Melhor Atriz em 2024. E para comemorar o recente relançamento do livro em edição ampliada pela Matrix Editora, o espetáculo ganha uma nova temporada no Teatro Bravos.Bárbara, que tem texto de Michelle Ferreira e direção e Em sua celebrada autobiografia, Barbara Gancia expõe de peito aberto um tema de sua vida, que é tabu até hoje para muitos: a luta contra o alcoolismo. E a montagem ainda traz reflexões de Marisa em um texto emocionante e cheio de pitadas cômicas.

Uma grande cidade é um tecido de sonhos, frustrações, desejos, possibilidades, dúvidas, convívios e solidões. Milhões de solidões entrecruzadas. Sem dormir, sem parar. Mas e se decidirmos parar para ver? “Avenida Paulista, da Consolação ao Paraíso”, a peça inédita, é um retrato volante da inquietude da principal avenida de São Paulo, sua história, seu presente, suas ausências.

A história é de Cady Heron, uma adolescente que se muda para os Estados Unidos após viver na África com seus pais. Ela entra em uma nova escola e é acolhida por Janis e Damian, que a apresentam a uma nova estrutura social (high school). Por sugestão de Janis, Cady se envolve com o grupo popular de Karen, Gretchen e liderado por Regina George, mas logo percebe que elas são cruéis e manipuladoras. Cady então resolve fazê-las provarem do próprio veneno. O musical aborda temas como amizade, sororidade, aceitação e as pressões sociais enfrentadas pelos adolescentes de forma realista e muito engraçada.

“O Andante” foi criado através de uma inquietação artística de Elias Andreato, a partir de diversos poemas de grandes autores, citados em diferentes momentos da peça. Entre esses poetas estão Mário Quintana, Cecília Meirelles, Manoel de Barros, Fernando Pessoa, Millôr Fernandes, Helena Kolody e Stela do Patrocínio.Suas obras são mixadas com as reflexões de Andreato sobre a condição humana. A trama conta a história de um andarilho, catador de livros, reciclador de poesias, carroceiro das palavras. Perdido dentro de si, entre o real e o imaginário, esse homem está imerso em seus pensamentos e sentimentos, falando verdades de uma maneira quase filosófica. Com sua inquietação, “O Andante” provoca quem o ouve, instigando a discussão das verdades estabelecidas pela sociedade.

Buscando ampliar o debate sobre violência estrutural que leva à alienação, o diretor Cesar Ribeiro estreia seu novo trabalho, Trilogia Kafka. No elenco estão Helio Cicero, André Capuano e Pedro Conrado.A peça apresenta três textos curtos do escritor tcheco Franz Kafka (1883-1924): “Um Artista da Fome”, que conta a história de um artista cujo trabalho é passar fome publicamente e que se sente excluído da sociedade após uma mudança cultural que desvalorizou seu ofício; “Comunicado a uma Academia”, sobre um macaco falante que relata a diversos intelectuais sua transição de animal para quase humano e como se tornou um artista de renome no teatro musical; e “Carta ao Pai”, em que Kafka escreve ao pai para expor a mágoa diante de seu autoritarismo. A montagem ainda conta com outro escrito na abertura. “Diante da Lei” revela ao público um homem que vai até a porta da lei pedindo acesso à Justiça, sempre negado.

Atualmente, mais de 110 milhões de pessoas no mundo, segundo dados oficiais, foram obrigadas a se deslocar por causa de guerras, violações de direitos humanos, condições climáticas e perseguições de todo tipo (políticas, religiosas, étnicas, por orientação sexual). Elas estão sujeitas a violências anti-imigração, como estupro, discriminação, humilhação. Muitas perderam suas vidas. A experiência do exílio também pode ser vivida dentro do próprio país, como no caso das ditaduras e nos processos de desumanização. eXílio é um trabalho teatral, proposto pelo Coletivo Comum, que parte desta atualidade brutal, mas também da perspectiva de que as fronteiras são criações históricas e que, portanto, podem ser alteradas e suprimidas.

Depois de duas décadas dedicadas a retratar a história do Rio de Janeiro, a Aquela Cia. decidiu ampliar seu objeto de pesquisa. Seu novo trabalho, Veias Abertas 60 30 15 seg, aborda a construção do continente latino-americano. O texto da peça parte do livro "As Veias Abertas da América Latina", de Eduardo Galeano para discutir temas que fazem parte do contexto histórico e político do continente. A peça narra a história de um casal, um militar e um funcionário da United Fruit, que se conhece em aulas de dança e decide se casar. O casamento coincide com o Massacre das Bananeiras, em 1928, na Colômbia, quando o Exército reprime uma greve, matando mais de 2 mil trabalhadores. A trama se desenrola em 80 quadros curtos, que variam entre 15 e 60 segundos. Máscaras tradicionais, figurinos típicos e músicas populares da América Latina compõem a cena. O ritmo fragmentado reflete os modos contemporâneos de consumir informação e memória.

Espetáculo musical que conta a história de dois amigos palhaços: Risadinha (Fafy Siqueira), que encara a vida com óculos de sol mesmo nos dias mais nublados e é capaz de tirar gargalhadas de todos; e Murmúrio (Fernando Vieira), que acha que nasceu para o drama, mas é a comédia em pessoa e não consegue ter a percepção disso. Ambos embarcam em uma jornada interna em busca da própria essência.Murmúrio carrega uma questão que nunca superou: sempre sonhou em ser cantor. Mas lá nos anos 80, tentou entrar para um famoso grupo musical infantil e não foi apenas recusado, mas humilhado. Desde então, aprendeu a rir de si mesmo antes que os outros pudessem rir dele.Entre frustrações e risadas, os dois amigos se veem diante de algo inesperado: um balão que os transporta para um lugar onde medos, sonhos e segredos se misturam em um espetáculo imprevisível. É um verdadeiro rito de passagem, no qual Murmúrio vai encarar de frente seu sonho de cantar. E a Risadinha está ali pra dar aquele empurrãozinho. No palco do Circo das Maravilhas, os dois vão ter que enfrentar medos, emoções, sonhos e, quem sabe, umas perucas coloridas voando pelo ar.

O musical traz um texto épico e lírico, realista e mágico que revela, para além de sua trama que conta uma história de vida e morte nas profundezas do sertão baiano, um poderoso elemento de insubordinação social, de combate e redenção. Questões delicadas e difíceis, como escravidão moderna, racismo, resistência, sobrevivência, disputa de terra, bem como o universo da fé, magia, poesia e religiosidade são abordadas tanto no livro, quanto no musical. Um projeto que promove um diálogo inédito entre as criações artísticas de Itamar Vieira Junior e Elisio Lopes Junior; ambos baianos e que compartilham com o público do espetáculo novas visões do Brasil e de sua diversidade.

Escrita por Sophie Swithinbank em parceria criativa com Phoebe Ladenburg, a peça explora as complexas realidades da maternidade moderna. A protagonista, uma atriz emergente e mãe solo, luta para equilibrar as exigências de sua carreira, o cuidado de sua filha recém-nascida e a pressão esmagadora das expectativas sociais. Vemos essa mulher, sobrecarregada pela falta de apoio e pelo julgamento implacável da sociedade, tentando desesperadamente sobreviver em um sistema que frequentemente falha em dar suporte a mães em crise. “Renda-se” levanta questões profundas sobre as demandas físicas e emocionais da maternidade e critica a maneira como a sociedade trata as mulheres que não conseguem cumprir as expectativas idealizadas.

“Lady Tempestade”, monólogo com Andrea Beltrão, que fez duas temporadas de sucesso de público e crítica no Rio, com seis indicações ao Prêmio APTR (atriz protagonista, direção, dramaturgia, espetáculo, produção não-musical e jovem talento) chega a São Paulo.Passado, presente e futuro se embaralham em “Lady Tempestade”, espetáculo cuja dramaturgia parte dos diários da advogada pernambucana Mércia Albuquerque (1934-2003) para refletir sobre violências e injustiças no presente e no futuro, por meio dos relatos sobre sua atuação em defesa de centenas de presos/as políticos/as do Nordeste, principalmente entre 1973 e 1974, um dos períodos mais pesados da ditadura brasileira.Na trama escrita por Sílvia Gomez e dirigida por Yara de Novaes, Andrea Beltrão interpreta A., mulher que recebe os diários de Mércia e fica impactada com o testemunho pela busca de justiça ou, ao menos, o paradeiro de desaparecidos, a partir das súplicas de mães desesperadas — repletas de violência e coragem.

O cotidiano de escritórios num prédio empresarial de uma metrópole do Brasil, apresentado em três monólogos entrelaçados: um ascensorista imigrante do Nordeste, uma executiva ambiciosa e um porteiro que sonha em ser um policial. Em um jogo dinâmico de um só ator, a peça explora, acima de tudo, a alienação urbana das grandes cidades, e suas relações cada vez mais desumanas.

Após temporadas marcantes em Minas Gerais e no Rio de Janeiro, o espetáculo Marku Musical estreia no CCBB-SP. A montagem homenageia a trajetória do artista Marku Ribas (1947–2013) — cantor, compositor, ator, dançarino e percussionista — reunindo no palco sua própria família numa criação que entrelaça teatro, música e projeções ao vivo.A dramaturgia parte da autobiografia inédita Marku por Marco Antônio, escrita pelo próprio artista, somada a memórias familiares e a um rico acervo documental. Com texto de Allan da Rosa e pesquisa dramatúrgica de Rafael Queiroz, a encenação mistura elementos ficcionais e documentais em uma linguagem híbrida e audiovisual.Com direção de Lira Ribas, filha de Marku, e direção musical de sua irmã, Júlia Ribas, o espetáculo conta com as duas no elenco, junto à mãe, Fatão Ribas. Completam o time Mário Broder, Ìdòwú Akínrúlí e Gabriel Mendes.A narrativa acompanha os passos de Marku por territórios que moldaram sua arte: de Pirapora (MG) — onde nasceu — à Martinica, França, Nova Orleans e o continente africano. Também mergulha nas culturas ribeirinhas do interior do Brasil e nas tradições afro-brasileiras, propondo reflexões sobre ancestralidade, autoria e o apagamento de vozes negras nas artes.

12° Round: A História de Emile Griffith” é um espetáculo que resgata a trajetória do primeiro pugilista a assumir-se bissexual na história do boxe. Negro, afro-caribenho, Emile Griffith foi cinco vezes campeão mundial em três categorias de peso diferentes. Sua vida foi transformada após o combate com Kid Paret, que foi nocauteado e faleceu, numa luta televisionada para todos os EUA em 1962. “12° Round” narra a trajetória de um dos maiores boxeadores da história e revisita sua luta dentro e fora dos ringues.

As complexas relações humanas, a tolerância e o etarismo são grandes temas de A Mulher da Van, do autor inglês Alan Bennett. O texto já foi adaptado ao cinema e agora ganha uma montagem brasileira dirigida por Ricardo Grasson e estrelada pela multifacetada Nathalia Timberg, que completa 96 anos neste ano.A peça conta a história real de Mary Shepherd, uma senhora inglesa acumuladora que, na década de 1970, morava dentro de uma van no subúrbio de Londres. Com um passado misterioso e problemático de tempos em tempos, ela estaciona na frente das residências.Inicialmente relutante em interagir com a Mulher da Van, Alan gradualmente desenvolve uma relação de amizade e compreensão com ela. Ao longo da história, Alan tenta conciliar sua própria vida pessoal e profissional com a presença de Shepherd na rua, ele se torna cada vez mais envolvido em sua vida, oferecendo-lhe assistência prática e apoio emocional. A relação entre os dois personagens principais é marcada por humor, compaixão e reflexões sobre solidão, humanidade, envelhecimento e os desafios da convivência.

Dez anos depois da estreia do sucesso Rita Lee Mora ao Lado, a atriz Mel Lisboa volta a interpretar a roqueira-mor em um musical inédito, desta vez inspirado na autobiografia da cantora. A peça passa por toda a vida de Rita e pelas canções que marcaram a música brasileira.

A companhia do Teatro Oficina apresenta uma montagem de Os Sete Gatinhos, texto clássico de Nelson Rodrigues. A peça se passa em um ambiente tenso, onde os membros da família revelam suas verdadeiras faces.Nelson Rodrigues sintoniza a hipocrisia das relações no núcleo colonial originário: A Família, Instituição patriarcal secular herdada de geração em geração, e nos convida a olhar pras suas entranhas.O teatro se transforma em um cenário de traições e revelações terríveis que culminam em um crime brutal.

A peça reconstrói a história viva de um dos grupos mais revolucionários do teatro brasileiro. Em tempos de censura e repressão, eles criaram liberdade com seus próprios corpos. Cinquenta anos depois, a verdadeira história dos Dzi Croquettes volta aos palcos com esse espetáculo que mergulha nos bastidores de um dos coletivos artísticos mais provocativos e inovadores do país. Fundado em 1972 por Wagner Ribeiro e Lennie Dale, o Dzi Croquettes não apenas desafiou o regime militar, mas também expandiu as fronteiras da arte brasileira, ao combinar teatro, dança e música em uma linguagem cênica que atravessou gerações. Mais do que relembrar um sucesso de público, o espetáculo revela a complexidade da vida em comunidade, a coragem diante da censura e o legado afetivo de uma geração que ousou sonhar e lutar.

Dan, um escritor, socorre Alice de um acidente que ela acabou de sofrer na rua e imediatamente ambos sentem uma forte atração. Nesta época, ele estava em início de carreira e escrevia obituários para um jornal, enquanto ela saiu de sua cidade para fugir de uma relação que não deu certo. Os anos passam e Dan finalmente escreve um livro, que relata sua relação com Alice. É produzindo uma foto para a capa que ele conhece Anna, uma fotógrafa de sucesso, e se impressiona com a beleza dela imediatamente, mas não é correspondido. Dan fica tão obcecado por Anna, que segue sua rotina e chega ao ponto de fingir ser ela num chat na internet e marca um encontro com um tal dermatologista, Larry. Ele escolhe o lugar preferido de Anna. Por coincidência do destino Anna e Larry acabam juntos. Entre encontros e desencontros, ciúmes e amor, os quatro personagens são tomados por desejos e anseios. Eles se conectam e as relações se revelam rodeadas por mentiras e traições sob o nome de paixão.

O Teatro Oficina recebe Senhora dos Afogados, de Nelson Rodrigues, com direção de Monique Gardenberg. Escrita em 1947, é um mergulho denso no inconsciente familiar — uma tragédia brasileira em forma e espírito, marcada por paixões, mortes, desejos incestuosos e pela atmosfera fantasmagórica de uma sociedade à beira do colapso.Nesta encenação, o espaço cênico é atravessado por elementos audiovisuais, trilha original e ambientações sensoriais. Um coro de “putas do cais”, evoca Zé Celso, reforça o clima onírico e alucinatório da narrativa.Ambientada em uma casa à beira-mar, onde o oceano é mais que cenário — é extensão simbólica da psique familiar — a peça propõe um mergulho nos limites entre realidade e delírio, desejo e culpa. A casa, impregnada de sal, luto e memória, torna-se um organismo vivo: respira com as marés, ecoa as vozes silenciadas, e revela as camadas subterrâneas de uma família dilacerada.

O espetáculo O Avesso da Pele é a montagem teatral do premiado romance escrito por Jeferson Tenório. A história é contada por Pedro, que tem na morte do seu pai – um professor de escola pública assassinado voltando para casa depois da aula, numa desastrosa abordagem policial – o ponto de partida para uma investigação do passado.Em cena, os quatro atores se alternam entre os personagens, em um movimento em que todos serão pai e filho em algum momento. O cenário é o apartamento de Henrique, no qual Pedro, após o assassinato, observa os objetos ali presentes e os utiliza como ponto de partida na recuperação da história de seu pai.

"O Papel de Parede Amarelo e Eu" é uma adaptação contemporânea de uma obra pioneira de 1892, que até hoje ressoa profundamente ao confrontar as complexas relações de poder entre homens e mulheres. A história se desenrola através dos olhos de uma mulher diagnosticada com depressão e histeria, forçada por seu marido, um médico, a se isolar em uma casa para evitar qualquer esforço físico ou mental. Durante esse isolamento, ela desenvolve uma obsessão com o papel de parede amarelo de seu quarto, um símbolo de sua crescente confusão mental e angústia.A obra revela não apenas as tensões psicológicas da protagonista, mas também o contexto social que limita sua liberdade e identidade, desafiando as normas da época sobre o papel da mulher. Ao mesmo tempo, a peça expõe, com uma linguagem poética moderna e realista, a luta interna dessa mulher, refletindo sobre as questões de gênero e o poder nas relações maritais.A História mantém uma profunda atualidade ao refletir sobre os desafios enfrentados pelas mulheres e o avanço de suas lutas. Um espetáculo de forte simbolismo, que ilumina os dramas pessoais e o triunfo artístico sobre as adversidades.

Em Copacabana, uma aposentada se vê inesperadamente conectada à sua jovem vizinha. Esse encontro gera uma jornada de emoções intensas, memórias profundas e descobertas transformadoras. Com momentos de riso, lágrima e reflexão, A Lista celebra o poder das conexões humanas em meio à solidão e ao caos.O aclamado espetáculo A Lista, estrelado por Lilia Cabral e sua filha Giulia Bertolli, retorna a São Paulo para uma temporada no Teatro FAAP.

O musical reimagina a clássica história de Alice no País das Maravilhas em meio ao caos e à destruição da guerra. A trama acompanha Alice, uma jovem que se refugia em seu livro desgastado de Alice no País das Maravilhas, enquanto está presa em um abrigo antibombas com seu amigo de infância Alfred, que está gravemente doente. Enquanto os horrores da guerra se intensificam, Alice escapa para um mundo de fantasia onde pode reescrever sua própria história e encontrar força para lidar com a realidade brutal ao seu redor.

Espetáculo propõe reflexões sobre ciência, identidade, polarização e os limites entre o público e o privado em tempos de redes sociais. Quando a ciência e a fé colidem, quem deve decidir?Em um hospital de ponta, uma médica se vê no centro de uma tempestade ética e social após tomar uma decisão em meio a uma emergência delicada. O caso, inicialmente clínico, ganha dimensões públicas e pessoais, à medida que questões deidentidade, preconceito, religião e poder entram em cena.O espetáculo A Médica, do dramaturgo e diretor britânico Robert Icke, é uma livre adaptação da peça Professor Bernhardi (1912), de Arthur Schnitzler. A montagem traz à cena questões sobre ética profissional, valores religiosos e os limites da medicina em um mundo inundado pelas redes sociais.

Com mais de 200 apresentações e 80 mil espectadores, O Pai é um espetáculo escrito por Florian Zeller, e que no Brasil recebe uma montagem estrelada por Fulvio Stefanini. Com este trabalho (considerado um dos maiores de sua carreira), ganhou o Prêmio Shell de melhor ator.Fulvio Stefanini interpreta André, um idoso de 80 anos, rabugento, mas muito simpático e divertido. Com sua cabeça começando a falhar, sua filha vive um dilema: cuidar de seu pai, ou interná-lo em um asilo e ir curtir a vida com seu novo namorado.

Idealizado e criado pela atriz Denise Fraga, o produtor José Maria e o diretor Luiz Villaça, EU DE VOCÊ mostra histórias reais, costuradas com pérolas da literatura, música, imagens e poesia.No espetáculo, o humor cotidiano leva o público a rir das situações corriqueiras. A gargalhada costuma ser uma arma poderosa que consegue ampliar a consciência, a sabedoria e trazer uma reflexão. Embora seja um solo, a atriz estará acompanhada de personagens inspirados em histórias reais: Fátima, Bruno, Clarice, Wagner, além de diversos artistas de grande reconhecimento, tecendo um bordado de vida e arte. Não há melhor espelho do que o outro. Sabemos quem somos a partir do que reverberamos.

Sucesso de público nas décadas de 1990 e 2000, com sessões lotadas em diversas cidades brasileiras, a comédia Aluga-se Um Namorado, escrita originalmente pelo inglês James Scherman e adaptada por Gustavo Klein, chega ao Teatro Multiplan MorumbiShopping para uma nova temporada. O espetáculo conta a história de Alex Schneider (Eri Johnson), um ator bem-humorado contratado por Sara (Ju Knust) para interpretar o papel de seu namorado, judeu e médico, diante de sua família, que segue rigorosamente as tradições judaicas. A farsa é armada porque, na verdade, o verdadeiro namorado de Sara não é judeu. A partir daí, desenrola-se uma comédia marcada por mal-entendidos e situações inesperadas. Será que os pais de Sara (Myrian Rios e Raymundo de Souza) e seu irmão Joel (João Lima Junior), um psicanalista atento, vão descobrir a verdade? E o verdadeiro namorado (Marcondes Oliveira), será revelado? Sara acabará se apaixonando pelo ator? O enredo gira em torno dessas perguntas, com doses de humor e reviravoltas.

Após uma temporada de sucesso de público e crítica, "Beetlejuice" volta para os palcos paulistanos. Estrelada por Eduardo Sterblitch, a peça é inspirada no clássico de Tim Burton, "Os Fantasmas Se Divertem" (1988), trazendo a estética excêntrica e o humor sombrio que marcam a obra tanto nas telas quanto nos palcos. A peça conta com libreto original de Scott Brown e Anthony King e músicas de Eddie Perfect. A versão brasileira é assinada por Claudio Botelho. A equipe criativa conta com Laura Visconti na direção musical, Renato Theobaldo na cenografia (vencedor do Prêmio DID 2024), Dani Vidal e Ney Madeira no figurino, Sueli Guerra na direção de movimento e coreografia, Dani Sanches no desenho de luz, Gabriel D’Angelo no desenho de som, Anderson Bueno no visagismo e Lucas Pimenta como assistente de direção. A produção geral é de Alyzandra Pessanha.

A partir do best-seller Sapiens, de Yuval Harari, o premiado espetáculo FICÇÕES fala da capacidade humana de criar e acreditar em ficções: deuses, dinheiro, nações…o que foi ou não inventado? Vera Holtz se desdobra em personagens da obra literária e em outras criadas por Rodrigo Portella, canta, improvisa, “conversa” com Harari, brinca e instiga a plateia, interage com o músico Federico Puppi – autor e performer da trilha sonora original, com quem divide o palco. Em outros momentos, encarna a narradora, às vezes é a própria atriz falando.