TEATRO

Logo após a sua morte, Van Gogh desperta dentro de uma de suas obras e passa a observar a vida além da tela. Preso em sua pintura, Van Gogh percebe a reação das pessoas sobre sua arte e percebe em si sentimentos guardados de amores e paixões àquela que sempre o inspirou, a pintura. Dentro deste universo, o artista luta para compreender sobre sua situação de loucura e beleza e a partir daí desvenda sentimentos e ideias para conseguir se libertar de seus tormentos.

Nesse espetáculo, a relação entre as personagens é um jogo de múltiplas possibilidades, já que a travessia é o caminho da criação e do desejo de jogar em cena. O circo pensado para a ocupação artística das ruas e espaços alternativos, relembrando a importância desta arte milenar.

O espetáculo trata da travessia transatlântica de africanas e africanos escravizados para o Brasil. O mar, na qualidade de Kalunga Grande, é utilizado como elo entre o Brasil e a África Bantu. De um lado a história da Rainha Nzinga Mbandi, que no século XVII, reinou em territórios que hoje constituem Angola, de outro, figuras arquetípicas do imaginário popular.

Intervenção artística criada por Flávia Reis e Ricardo Cubba a partir de seus vídeos de sucesso nas redes sociais e de suas experiências com personagens cômicos. À frente do público, sem sair de cena para troca de figurinos, os atores brincam com diferentes acessórios para dar vida a personagens clássicos de contos de fadas e contam histórias fantásticas no formato “stand-up”.

A trama tem como ponto de partida a psicóloga Carol, de 60 anos, adepta da metodologia do Dr. Cury, que tem sucesso com seus pacientes, mas enfrenta uma verdadeira comédia dramática em sua própria vida. A peça apresenta personagens cativantes e situações divertidas que abordam temas universais como sonhos, resiliência, e a busca pela felicidade.

Praça do Sol, 762 é o endereço do Condomínio Alvorada e a nova peça do Coletivo Quimera de Teatro Independente. Escrita por Carol Bohone, a peça é dirigida por Victor Lazzari e tem direção musical de Tábata Romanhol.A história acontece entre o final de 2019 e o início de 2021 no décimo andar de um prédio antigo no centro de São Paulo. Sim, durante a pior fase da pandemia. E é esse o tempo histórico e a memória que permeiam as histórias dos dez moradores deste andar.Ruth e Francisco acabam de chegar. Uma mãe divorciada e um filho saindo da adolescência. Ao chegarem conhecem Lucas e Danilo, um casal normal que enfrenta o humor difícil da nova vizinha. Mirela está prestes a receber a irmã Amanda pra passar uns tempos na cidade, crescer e trabalhar. Lívia e Marcelo vêm do interior com um sonho de família para realizar. Cláudia está mais sozinha do que nunca. Rafael até gosta da solidão, mas as coisas vão mudar.Praça do Sol, 762, discute temas reais e complexos sob o prisma da pandemia e num contexto familiar cotidiano que faz lembrar acima de tudo de nós mesmos. Nossas dores, alegrias e dúvidas intensificadas pelo isolamento e também pelo medo, mas sem deixar a esperança escorrer pelos dedos.

Idealizado pelo trio de produtores criativos Rose Dalney, Marcio Sam e Túlio Rivadávia – responsáveis por O Musical Mamonas e Em Busca do Balão Mágico –, o espetáculo tem direção artística de Jarbas Homem de Melo e Túlio Rivadávia, que também assina a dramaturgia.
No palco, três músicos e dezessete atores, formam um bloco carnavalesco que, tal qual um coro no teatro grego, conta a história de amor, sonhos e desafios do músico Tom e de Diana, ameaçados pelas mentiras e armadilhas criadas por Tião, obcecado pela moça. Tudo isso embalado pelas canções do repertório da trilogia de álbuns O Grande Encontro, que reuniu Geraldo Azevedo, Alceu Valença, Elba Ramalho e Zé Ramalho.
O musical mergulha nas raízes culturais do repertório das canções e busca no carnaval, do maracatu e da cultura nordestina, os elementos estéticos para ambientar a narrativa.

Duas mães. Duas filhas. Três gerações. Duas viagens. E um segredo. A peça faz um recorte sobre a relação entre três gerações de mulheres, atravessada por questões urgentes como a homofobia, as lutas históricas feministas e a construção de um novo lugar para a mulher na sociedade contemporânea.

Mitologias andinas dão corpo à história de Pacha, jovem indígena que vai à cidade para trabalhar como doméstica e acaba assassinada. Para se despedir de sua mãe, junta-se à carruagem do além em uma travessia por diferentes tempos-espaços.

Estrelado por Marília Gabriela e Theodoro Cochrane, o espetáculo discute temas como feminismo, conflito de gerações e homofobia abordando a relação entre mãe e filho com uma honestidade brutal.

A peça "Não te pareço vivo?", baseada em Electra de Sófocles, apresenta a história milenar da família dos Átridas e o mito de Electra em paralelo à descrição de uma tragédia que não deixou sobreviventes ocorrida numa comunidade não tão distante de nós. Os rituais fúnebres deste coro de mortos se entrelaçam com a obra clássica de Sófocles em um chamado por justiça. Orestes retorna do exílio de volta para a casa para vingar a morte do pai, rei Agamêmnon, cujo assassinato é compulsivamente lamentado por sua irmã Electra, aquela que não esquece.Com uma abordagem contemporânea, a peça traz à tona a inquietação do Màli Teatro com os percalços e conflitos políticos e civilizatórios vivenciados no Brasil dos últimos anos, mergulhando no universo da Tragédia Grega e em seus desdobramentos na atualidade.

Após estrear em 2022 e realizar apresentações no FRINGE, a mostra alternativa do Festival de Curitiba, o espetáculo AQUI - Amanhã é outra imagem, da Súbita Companhia de Teatro, finalmente chega a São Paulo. Na peça, cinco artistas estão no mesmo espaço. Compartilham também o mesmo tempo e as inquietações de quem cria uma obra de arte. De repente, um buraco no teto se abre, invadindo a cena e o pó que cai lá de cima já cobre seus corpos. O que fazer? O espetáculo traz para cena questionamentos sobre a insistência em seguir fazendo arte. A Súbita Companhia de Teatro é um coletivo de artistas, com sede em Curitiba/PR, que cria espetáculos, produtos audiovisuais, publicações e ações formativas desde 2007. O grupo desenvolve uma pesquisa continuada em encenação e dramaturgia contemporâneas, com foco nos estudos do corpo e do movimento.

Celebrando seus 40 anos de carreira, Kiko Mascarenhas traz pela primeira vez a São Paulo o solo “Todas as Coisas Maravilhosas”, com texto dos ingleses Duncan MacMillan e Joe Donahuer e direção de Fernando Philbert (“O Caso”, “Três Mulheres Altas”, “O Escândalo Philippe Dussaert”).A peça conta a história de um menino que descobre que sua mãe sofre de depressão, e começa a escrever listas de todas as coisas maravilhosas que podem fazê-la recuperar a vontade de viver e as deixa em locais estratégicos, para que ela encontre e redescubra "motivos" para continuar viva.

"Meu Corpo Está Aqui" é uma peça teatral inovadora que mergulha nas experiências pessoais de Bruno Ramos, Haonê Thinar, Juliana Caldas e Pedro Fernandes, talentosos atores PCDs. Na trama, eles compartilham abertamente seus relacionamentos, corpos e desejos, desafiando preconceitos e celebrando a diversidade.Premiada no Festival Internacional de Teatro de Angra - FITA, a peça promove inclusão com intérpretes de Libras e acessibilidade para pessoas com TEA. Não perca esta experiência única de reflexão e conexão humana.

O Sapateiro Ruço é uma fábula que conta a incrível história de Antônio, um pobre sapateiro, que resmungando tem de terminar às pressas, na véspera de Natal, as botas de um cliente bem misterioso. Insatisfeito com a vida, enquanto os ricos se divertem, ele tem de trabalhar; e por ter se distraído com suas fantasias e imaginação não deu conta de concluir suas tarefas. Cansado, adormece e mergulha num sonho fantástico, num mundo de oportunidades, aventuras e de uma vida abastada e recheada de coisas gostosas. Uma criatura mágica é muito poderosa o desafia, fazendo-o questionar a existência de pobres e ricos.É uma peça concebida para o público infantil, livremente inspirada no conto “O sapateiro e a força maligna” de Anton Tchekhov. A peça, nascida da parceria entre Carlos Escher e Cássio Brasil, aborda temáticas importantes e contemporâneas como a desigualdade social, os privilégios e o mundo do trabalho, através de um desenho narrativo delicado e lúdico.

Na véspera da estreia de uma importante exposição, um artista encontra seu namorado morto e deixa o corpo no mesmo lugar, para não atrapalhar o grande dia. A história, com ares de filme de mistério, aconteceu com o pintor anglo-irlandês Francis Bacon (1909–1992) e inspirou Fause Haten a criar a performance “Eu Sou um Monstro”.Tudo começou a partir da palavra. Haten, que transita entre as diversas artes, ficou muito impressionado com esse relato e escreveu um conto ficcional. Em um determinado momento, surgiu a ideia de transportar a narrativa para o teatro – foi quando começou a fazer leituras individuais para amigos atores e diretores de teatro. Nessas leituras sempre gravadas e roteirizadas depois, foi performando de improviso todo o restante da obra. Na peça, os sentimentos de admiração e aversão são colocados em confronto.

Casal aguarda a visita de um corretor de imóveis em seu apartamento. Mas surge uma mancha de mofo no teto: um vazamento de água iminente. Ao chamar um homem dos serviços, ele faz a primeira visita e desaparece. A mancha cresce e os pingos não param, revelando o passado que está soterrado por trás das paredes do edifício.

Gabri[ELAS] é um monólogo que parte do encontro da atriz Fernanda Viacava com a vida e a obra de Gabriela Leite, principal referência na luta em defesa dos direitos das prostitutas no Brasil. A atriz narra em primeira pessoa o encontro com Gabriela se reconhecendo com 'elas', as mulheres da vida, a partir das suas inquietações como mulher e como atriz. Uma busca que parte do corpo da prostituta e transborda para o corpo de qualquer mulher que deseja.

Idealizado e criado por Laerte Késsimos, o espetáculo é uma costura poética entre a vida e obra do artista plástico José Leonilson (1957-1993) morto pela pandemia de AIDS, e a biografia do ator Laerte Késsimos. Um bordado ou um diário em que frente e verso são compartilhados publicamente – suas amarras, cortes, sobras de linha, correções, imperfeições, pontos e nós.

Em um ringue de boxe, enfrentam-se a Sra. S.A. Corporation e a faxineira do ringue, Maria da Luta. A mediação é realizada por Dra. Norma, a juíza. Maria cria estratégias para garantir sua sobrevivência.O espetáculo “A Luta” tem como base esquetes construídas sobre a estrutura do boxe e busca criar um jogo cômico-alegórico que traz à cena a luta de classes. A peça propõe um riso conjunto a partir de uma perspectiva crítica, buscando fortalecer vínculos de solidariedade e a imaginação coletiva.

Mostrando cultura, lutas, tradições, canções, ancestralidades e curiosidades, quatro atrizes e cantoras do grupo contam histórias de quatro mulheres históricas do nosso país.Juntam a cultura brasileira que contém músicas ao vivo que manifestam palavras de revolução, cirandas e de guerrilhas, com histórias que protagonizam mulheres fortes, importantes e que não devem nunca ser esquecidas. As contações são como um acalanto e preservação de memória, como uma carta de amor à essas mulheres que colaboraram com nossa emancipação, empoderamento e justiça.

Este espetáculo narra fragmentos do cotidiano e dos primeiros relacionamentos de Charlotte. Tudo acontece em sua garagem, local onde se sente livre para extravasar seus desejos, pensamentos e guarda livros e discos enviados por sua tia preferida.

O espetáculo traz os bastidores do cotidiano nas feiras livres, contando o início do dia de trabalho de dois prestadores de serviços transformados. Ao longo da história, eles se veem em um espetáculo circense inusitado, revelando técnicas peculiares e encantadoras utilizadas para montar suas bancas e conseguir vender seus produtos.

A versão brasileira da premiada peça O Pai, escrita pelo francês Florian Zeller e protagonizada pelo talentosíssimo Fulvio Stefanini, volta em cartaz em São Paulo para uma temporada em comemoração às 300 apresentações do trabalho. A montagem brasileira, que é dirigida por Léo Stefanini, e ainda celebra os 69 anos de carreira de Fulvio, que ganhou os prêmios Shell e Bibi Ferreira de melhor ator por este trabalho. A produção, que também ganhou a premiação nas categorias de cenografia e espetáculo, ainda traz no elenco Carol Gonzalez, Fulvio Filho, Wilson Gomes, Déo Patrício e Carol Mariottini.Encenado em mais de 30 países, o texto foi adaptado pelo próprio autor para o cinema em um filme de 2020, estrelado por Anthony Hopkins, que levou o Oscar nas categorias de melhor ator e roteiro adaptado. O Pai conta a história de André, um idoso de 80 anos, rabugento, porém muito simpático e divertido. Quando a memória dele começa a falhar, a sua única filha vive um dilema: deve levá-lo para morar com ela e contratar uma enfermeira para ajudá-la a cuidar dele ou deve interná-lo em um asilo – para poder curtir a vida ao lado de seu novo namorado? Com tom poético e um leve humor requintado, a peça trata desse tema comovente com leveza e sensibilidade, e nos convida a pensar sobre questões como a convivência familiar, o envelhecimento e as nossas escolhas na vida.

Uma reflexão divertida e instigante sobre a passagem do tempo e a importância do cuidado que os casais devem ter com o relacionamento, nas suas diferentes fases. A comédia começa com casal de meia idade e seu filho adolescente, que arrumam sua casa que está à venda, para receber compradores. Dois casais, em fases e objetivos distintos, chegam para a visitação e começam a compartilhar as experiências e os desafios que enfrentam em seus relacionamentos. As afinidades entre os gêneros vão se tornando evidentes até que sinais estranhos e misteriosos surgem, o que os leva a uma descoberta surpreendente. Tal situação desperta os casais a questionarem sobre como, no presente, lidam com o seu passado e o que desejam fazer pelo seu futuro.

ACORDA! integra o projeto Teatro de Janela, proposta inusitada do Grupo Esparrama, que de forma poética e sem precedentes ocupa e debate a cidade, com a plateia acomodada no espaço público para assistir uma peça teatral e com isso se apropriar da cidade de uma forma diferente. Após três peças e 25 mil espectadores na janela do prédio no Minhocão (Elevado Presidente João Goulart), o Esparrama muda de cenário e pela primeira vez encena um espetáculo em uma janela inédita.Na nova montagem com direção de Iarlei Rangel, três palhaços “acordadores de cidades” (Kleber Bianez, Lígia Campos e Rani Guerra) precisam acordar um prédio que está roncando e se não for despertado a tempo vai dormir para sempre. Pela intensidade do ronco os “especialistas” conseguem saber quanto tempo resta para que o prédio não caia no sono eterno e marcam esse tempo em uma ampulheta gigante. ACORDA! também é marcado pela presença de Petrônio e Pedruska, duas gárgulas que habitam uma das janelas do prédio. Na montagem, as personagens são bonecos que contam as histórias e memórias do prédio, seu entorno e da própria cidade de São Paulo. Com muita diversão, os palhaços tentam muitas maneiras de acordar o prédio até despertarem um dragão que habitou o local.

Em “Enquanto você voava, eu criava raízes” nenhuma palavra é dita, a dramaturgia é guiada pelos corpos em diálogo com as artes visuais, o cinema, a dança e o teatro. Nesse navegar por várias linguagens, os significados também se apresentam diversos e chegam ao público em camadas múltiplas e plurais. Assim, entre sonho e realidade, somos apenas um emaranhado de sombras e luzes, diante do imensurável, da imensidão e do mistério do abismo. Esse espetáculo é uma caminhada e, a um só tempo, perturba nossas percepções e revela a força do onírico. Um tempo-espaço em que o amor e a cura são manifestações de nossa consciência para além de nossos medos, angústias e feridas profundas, nem sempre possíveis de compreender a origem. E um universo cenográfico que nos transporta para um oráculo, um portal, o tempo suspenso de um sonho nos conduz aos nossos próprios sonhos, aos nossos próprios abismos. Uma experiência para ver com os ouvidos e ouvir com olhos. “As vozes serão silêncios e os olhares abissais”.

Num lugar e momento qualquer o que poderia ser um dia comum, revela-se improvável! Afinal, trata-se da tão aguardada e sonhada inauguração do La Trattoria, um restaurante aparentemente típico, fruto de uma sociedade atípica. Nesta história pode-se dizer que as pessoas, cozinheiros-sócios, nada têm de típicos. E nada têm de cozinheiros. E nada têm de garçons…

A SP Escola de Teatro recebe a residência artística do espetáculo “2 Palitos”, com texto e direção de Lucas Papp.Um humorista iniciante perde o controle em um show de stand-up. Na fila do Detran, um casal se encanta por uma jovem mais nova, desencadeando “DR” que escancara as mentiras da relação. Dois amigos nerds fazem uma aposta que revela desejos ocultos dos dois. Duas atrizes buscando a vaga em uma novela fazem de tudo para que a outra desista do teste. Duas irmãs se reencontram no velório do pai, anos após uma delas ser expulsa de casa por ser transexual. O participante de um programa de perguntas e respostas tem a sua vida exposta sem sua permissão em rede nacional. Uma festa reúne os amigos da época de escola e termina com consequências irreversíveis.“2 Palitos” não conta a história de um personagem, mas de uma geração. Os onze protagonistas divididos em sete cenas, que de tão absurdas se confundem com a realidade, mostram, satirizam e criticam a sociedade contemporânea e o que é ter 30 anos de idade dentro dela.

Musical sobre a vida e a obra de Caio Fernando Abreu. Sinopse: Caio Fernando Abreu retorna ao sobrado onde viveu os últimos anos de sua vida, no bairro Menino Deus em Porto Alegre, após um longo período distante. Mergulhado em lembranças difusas e imprecisas, o escritor contará com a ajuda de suas icônicas personagens, cartas e histórias para entender como chegou até ali, para onde deve ir e, acima de tudo, por que os cães não param de latir lá fora.

O musical mais bem sucedido do mundo, está celebrando 25 anos de sucesso e volta ao Brasil depois de 10 anos.Com direção de Julie Taymor, produção de Thomas Schumacher, presidente da Disney Theatrical Productions, O REI LEÃO, o maior espetáculo da Broadway, reina absoluto desde sua estreia há 25 anos. A adaptação visionária da animação do Walt Disney Studios redefiniu nossas expectativas sobre produções teatrais e tornou-se recorde de público (cem milhões de pessoas ao redor do mundo, sendo mais de 850 mil no Brasil).A concepção artística ousada e inovadora é um dos destaques da produção, como por exemplo, a criatividade com a qual figurinos, máscaras e objetos manipuláveis se unem para permitir ao elenco atuações que representem cada animal ao invés de imitá-lo. A performance de canções em 6 línguas africanas originárias (Swahili, Zulu, Xhosa, Sotho, Tswana, Congolês) também marca o espírito que caracteriza o show.

Sinopse: Uma parede é a personagem principal. Quatro cantoras/atrizes/ instrumentistas incrustadas nela viverão diferentes situações que descortinarão suas diferentes maneiras de perceber – ou não – a parede que as aprisiona.O espetáculo é dividido em cenas que abordam os diferentes tabus, armadilhas muitas vezes difíceis de detectar justamente pelas ‘paredes’ construídas ao longo de tantos anos de patriarcado, sociedades altamente hierarquizadas, com um deus único e masculino, construídas sob o paradigma binário homem / mulher, cabendo a esta sempre a posição inferior.

Um ator, Ariel Borghi, interpreta dois poetas: Guillaume Apollinaire e André Breton. Através de sua vida e de seus poemas, os dois poetas surrealistas manifestam sua posição diante da guerra. A Carta do tarô ARCANO 17, trazida à cena por Breton, simboliza e propõe a renovação da vida humana.No confinamento a que nos reduziu a pandemia, a poesia retornou ao nosso ambiente de vida e de trabalho. Ariel, que sempre trouxe consigo os poetas, sobretudo os surrealistas, tais como Rimbaud, Mallarmé, Lautréamont, Apollinaire e Breton, voltou a citá-los no contexto do vazio e da incerteza que a pandemia trouxe ao mundo.

O musical conta conta a história de Bela, uma moradora de uma pequena aldeia francesa. Bela tem o pai capturado pela Fera e decide entregar sua vida ao estranho ser em troca da liberdade do seu pai. No castelo ela conhece objetos mágicos e descobre que a Fera é na verdade um príncipe que precisa de amor para voltar à forma humana.

A partir do best-seller Sapiens, de Yuval Harari, o premiado espetáculo "Ficções" fala da capacidade humana de criar e acreditar em ficções: deuses, dinheiro, nações…o que foi ou não inventado? Mas, apesar dessa habilidade inédita e revolucionária que alçou nossa espécie à condição de “donos” do planeta, seguimos inseguros e sem saber para onde ir. Você está satisfeito?Monólogo estrelado por Vera Holtz e escrito e encenado por Rodrigo Portella. Vera Holtz se desdobra em personagens da obra literária e em outras criadas por Rodrigo, canta, improvisa, “conversa” com Harari, brinca e instiga a plateia, interage com o músico Federico Puppi – autor e performer da trilha sonora original, com quem divide o palco.

Leda é uma professora de meia idade bem-sucedida que viaja de férias para a praia em busca de descanso. Na areia, ao observar a serenidade de uma jovem mãe com sua criança se vê tomada por dilemas que pareciam soterrados no passado: o abandono do marido e das duas filhas em busca de uma vida mais livre. A montagem da Oceânica Companhia de Teatro é uma adaptação para o teatro do romance A Filha Perdida, de Elena Ferrante, pseudônimo da autora italiana famosa por tratar em suas obras, de forma bastante honesta, da opressão que a sociedade exerce sobre as mulheres e as consequências disso na rotina dos relacionamentos.

Por meio da palhaçaria e da ludicidade, o espetáculo conta, canta e retrata as ações dos Palhaços Sem Fronteiras e suas aventuras vividas em áreas de risco e de instabilidade. A peça é um convite a crianças, jovens e adultos para que conheçam os Palhaços Sem Fronteiras e revivam momentos mágicos. São relatos que transformaram e construíram a trajetória dessa “inacreditável” Organização, assim como de todos que passaram por ela.

Dois clowns entram em cena para divertir a plateia. Mas nada funciona direito. Está dada a medida do que veremos quando abrirem as cortinas do pequeno palco: todos os números estão condenados a uma série divertidíssima de fracassos. A dupla clownesca dá vida aos bonecos, mostrando habilidades e grande domínio nas técnicas de manipulação ao mesmo tempo que estabelece com a plateia um intenso movimento de colaboração.Números clássicos do circo são recriados por personagens conhecidos ou figuras inusitadas: uma mosca dançarina, uma família de ovos equilibristas e duas minhocas trapezistas estão entre os companheiros de palco. Todos carismáticos, todos capazes de manterem crianças e adultos atentos do início ao fim dessa peculiar jornada circense.

Uma experiência exotérica vivida pelo escritor irlandês Oscar Wilde (1854-1900) inspirou o premiado autor inglês Neil Bartlett a escrever a comédia dramática In Extremis, que teve uma montagem brasileira em 2015, dirigida por Bruno Guida. O espetáculo, estrelado por Daniel Infantini e Flávio Tolezani, volta em cartaz para uma temporada de reestreia.De acordo com um telegrama enviado para uma amiga em 1895, apenas há uma semana de começar o julgamento que custaria a sua reputação, sua liberdade, sua família e em seguida sua vida, Oscar Wilde foi fazer uma consulta a uma famosa cartomante chamada Mrs. Robinson. “Nunca saberemos o que de fato aconteceu naquela noite. Mas a história é muito boa para ser ignorada”, comenta Bruno. Depois de criarem juntos o espetáculo The Pillowman – O Homem Travesseiro, Bruno Guida, Daniel Infantini e Flávio Tolezani repetem o formato e se dividem na equipe criativa para continuar a pesquisa sobre a linguagem de bufão iniciada no espetáculo anterior. Bruno traduziu o texto, idealizou o projeto e dirige a montagem, Daniel além de atuar, assina o figurino e a maquiagem. E Flávio, além de ator, também é o cenógrafo da peça. O grupo busca uma atmosfera mística a fim de trazer a plateia para o jogo de adivinhação e mistério que faz parte da encenação de uma consulta exotérica.

Manhattan se passa na Nova York dos anos 50. Na corrida pelo Oscar de 1956, o famoso Sr. Williams está pressionado pelos seus produtores e pelo estúdio para entregar o mais breve possível o novo roteiro do longa-metragem. No mesmo prédio onde ele vive, mora o famoso ator John Puccini, grande amigo e parceiro de trabalhos de grande sucesso. Juntos, Sr. Williams e John Puccini curtem a vida badalada e glamourosa de Nova York. E o escritor precisa de muita paciência para receber diversos artistas que o aguardam na entrada do prédio, como as atrizes Deise e Cindy. Já a ciumenta Emily, ex-noiva de John Puccini, tenta arruinar qualquer pessoa que se aproxime de John, inclusive o próprio Sr. Williams.

‘A Noviça Rebelde’ é um clássico incontestável: estreou na Broadway em 1959 e nunca mais foi esquecido. Em 2024, este fenômeno musical ganhará uma superprodução brasileira.

Dirigido por Leonardo Ventura, "Elizabeth Costello" é um solo de Lavínia Pannunzio a partir do livro homônimo do Prêmio Nobel J. M. Coetzee.Na narrativa, uma escritora se encontra diante de um júri – a plateia, a comunidade literária, o moralismo ocidental, as instituições políticas que tendem a obliterar a vastidão de uma mulher –, empreendendo um misto de depoimento, análise, memorando e confissão.No dia 22 de julho, após o espetáculo, Pannunzio apresenta a palestra: “Costello: J. M. Coetzee no teatro”.

O "Teatro Musical Canta" mescla grandes nomes da música sertaneja e country, tanto nacionais quanto internacionais em seu repertório. Tony Lucchesi, além de dirigir o espetáculo, é responsável pelos arranjos da apresentação. O elenco conta com um time de atrizes-cantoras reconhecidas no universo do teatro musical brasileiro.Idealizado por Luis Fernando Rodrigues, produtor cultural da cena paulistana, o "Teatro Musical Canta" foi inspirado na proposta norte-americana "Broadway Sing".

Uma mulher viajante segue com sua carroça cheia de segredos, histórias, amuletos, ossos e saberes populares que vão sendo revelados durante o espetáculo. Entre tantas coisas existe Cordelina que é manipulada pela personagem para contar sobre o que não pode morrer em nós. O lado de dentro desta figura vem falar da delicadeza, do dançar e de pequenas coisas que fazem crescer o que nos vale a pena.

Um casal circense que, após vinte anos de parceria, aceita um convite para trabalhar como detetive. Circo, humor, teatro e música permeiam essa trama recheada de aventura. Inspirada na série dos anos oitenta “Hart to Hart” (Casal 20), dois detetives circenses utilizam técnicas de acrobacia de dupla, parada de mãos, manipulação de objetos, aéreos e bicicleta acrobática para compor uma narrativa com o olhar da comicidade, teatralidade física e dança.

Em "ENXAME", quatro indivíduos à espera de que algo aconteça são levados a subverterem a ordem das coisas, em um fluxo de acontecimentos nada rotineiros. Utilizando alegoricamente o modo de vida das abelhas e a figura do apicultor, este trabalho busca tocar, com humor e criatividade, em temas sensíveis ao homem contemporâneo, como a questão da individualidade versus coletividade e do desenvolvimento in/sustentável. De modo lúdico e surreal, esses temas são explorados em números e cenas que mesclam técnicas circenses tradicionais (como Dandys Acrobático, Corda Lisa, Malabarismo, Palhaçaria, e Paradas-de-mão) a elementos do teatro, da dança e projeção de vídeo.

Com uma equipe exclusivamente feminina no palco, o espetáculo nasce de uma escrita coletiva - écriture de plateau - onde outros fragmentos literários se somam ao texto de Ovídio, Les Héroïdes, ponto de partida para nossa dramaturgia. Textos clássicos, contemporâneos, mas também textos escritos e improvisados pelas próprias atrizes, dão voz a uma pluralidade de narrativas. A encenação emerge de improvisações coletivas, nas quais corpos, coreografias, ritmos, textos, músicas e arquiteturas se encontram em um mesmo dispositivo, revelando assim cenas que se entrelaçam, se respondem e se confrontam. A partir de algumas das figuras retratadas por Ovídio em sua obra, tecemos os fios de uma dramaturgia original, em que o desafio é estabelecer uma relação entre o mundo antigo e mitológico dessas personagens femininas e o mundo real e contemporâneo das atrizes que encarnam no palco esses mitos.

Todos os dias você acorda e se dá conta de que tem contas para pagar. Birita é uma palhaça (d)eficiente que para (sobre)viver e pagar as contas, parte em busca de um emprego e desafia (seus) limites para exercer alguma função importante na sociedade. Assim como qualquer mortal, tem sua sonhada meta, mas será que ela está preparada para lidar com as frustrações que encontrará pelo caminho? Birita tem limitações reais ou impostas pela sociedade?

Dois irmãos órfãos sequestram um misterioso homem de negócios, que acaba virando o jogo e se tornando a figura paterna com a qual os dois sempre sonharam. Com Ernani Moraes, Lucas Drummond e Rafael Queiroz no elenco.

Um show repleto de adrenalina, risadas e surpresas! Imagine presenciar malabarismos com objetos cortando o ar com precisão milimétrica, corpos se torcendo em movimentos impossíveis e música surgindo de panelas e objetos inusitados. A cada ato, os integrantes da Cia Circo Dux demonstram força, habilidades de tirar o fôlego e uma coragem que beira o inacreditável.

Três palhaços erguem uma pequena lona no meio da rua e apresentam um espetáculo de variedades. Em meio a belos screamers, as tradicionais marchas circenses executadas pelas charangas, lançam desafios, apresentam reprises, números de habilidade e de música excêntrica, nos moldes dos circos clássicos. “Circo Charanga” é uma homenagem à palhaçaria de picadeiro e à tradição dos circos de lona.

A peça propõe associações entre comportamentos comuns na adolescência, como as inquietações existenciais, a utilização de tecnologias digitais e a rebeldia social, com questões e jogos matemáticos. Ao mesmo tempo mostra mecanismos de solidariedade e o papel positivo que o teatro pode desempenhar.

A trajetória de Leci Brandão contada em um musical a partir das histórias de seus orixás, Ogum e Iansã, e por meio do doce olhar de sua mãe, Dona Lecy. O caminho trilhado pela artista é mostrado em cena ao som de sucessos como “Isso é fundo de quintal” e “Zé do Caroço”.

A peça é uma obra autobiográfica criada e interpretada por Paulo Betti, que completa 49 anos de carreira, baseada em textos escritos durante sua adolescência e artigos semanais que ele escreveu por quase trinta anos para o jornal de sua cidade natal. Na peça, Betti representa vários personagens de sua vida, incluindo seu pai, mãe e avó, proporcionando ao público uma experiência divertida e emocionante. Estreado em 2015, o espetáculo já percorreu diversas cidades brasileiras e internacionais, incluindo Sorocaba, São Carlos, Jundiaí, Araraquara, Piracicaba, Paulínia, Fortaleza, Uberlândia, Brasília, além de Luanda, na Angola, e em Portugal. Paulo Betti, aos 71 anos, traz à tona sua trajetória de superação: saído de um contexto rural, onde seu avô, um imigrante italiano, trabalhava como meeiro para um fazendeiro negro. Filho de uma camponesa analfabeta que se tornou empregada na cidade, Betti foi o décimo quinto filho, e, apesar das dificuldades, estudou em boas escolas, cursou um Ginásio Industrial em tempo integral, formou-se pela Escola de Arte Dramática da USP e lecionou na Unicamp. ​

Música de concerto! Um quarteto de cordas cheio de personalidade, apresentará obras de grandes nomes da música com tempero brasileiro. Mas uma partitura desaparece, uma cadeira se quebra e um maestro não convidado entra em cena.

Um pretenso “mestre da magia” realiza as mágicas, mas elas não saem da maneira como ele espera. O que é pra desaparecer, se multiplica; a água que parecia ter acabado, jorra sem explicação da garrafa. Tudo isso com a interação dos palhaços junto ao público presente.

“Por entre espaços”, trabalho que resulta da dramaturgia experimentada durante as vivências cênicas e pesquisas corporais entre Marcos Sobrinho e as performers Jussara Miller, Luciana Hoppe e Simone Mello, dentro do projeto Dramaturgias Paralelas, estreia no primeiro fim de semana de agosto, no Teatro Alfredo Mesquita, em Santana, zona Norte da capital. Com pensamentos diversos sobre o corpo e a cena, mas tendo em comum transitarem num território estético onde as artes visuais se instauram como gesto criativo predominante e as complexidades do ato da criação acontecem na solidão de um artista-solista, os quatro experenciaram um intenso processo de compartilhamento de suas práticas, que se deu num largo período nos laboratórios de investigação, nos vários workshops e na mostra Arrastão dos Solos, realizada na Oficina Cultural Oswald de Andrade e indicada ao prêmio APCA na categoria Programa/Memória.A estrutura da performance teve a improvisação como base para a coleta de novos vocabulários corporais e se chegar à questão do exílio e seus desdobramentos – tema bastante discutido durante o processo -, não limitado às conotações existenciais e religiosas do termo, mas como um desafio à criatividade, trazendo rastros do que pode ser o exílio pra cada um, a partir de suas experiências pessoais e da relação com seu fazer artístico. Como inspiração natural, surgiu a obra do filósofo tcheco-brasileiro Vilem Flusser, que tem o exílio como um marco importante em sua vida. Nascido em 1920, na cidade de Praga, Flusser teve que deixar sua terra natal em função da Segunda Guerra Mundial e do avanço do regime nazista. Após passar por países da Europa, se estabeleceu no Brasil em 1941, onde encontrou um ambiente intelectualmente estimulante, influenciado pela cultura brasileira e latino-americana.

De férias pelo caribe, um casal enfrenta desafios que colocam a relação amorosa entre os dois em xeque. De forma irreverente e com muito humor, driblam os percalços da viagem, em meio a reflexões filosóficas que elevam a cumplicidade entre eles. Amor, saúde mental, etarismo, consumo e sexo são temas que pegam carona nessas férias inusitadas.

Idealizado e criado por Laerte Késsimos, o espetáculo é uma costura poética entre a vida e obra do artista plástico José Leonilson (1957-1993) morto pela pandemia de AIDS, e a biografia do ator Laerte Késsimos. Um bordado ou um diário em que frente e verso são compartilhados publicamente – suas amarras, cortes, sobras de linha, correções, imperfeições, pontos e nós.

Um trágico acidente que muda a vida de duas mulheres é tema de Não Fossem as Sílabas do Sábado, uma adaptação para o romance que rendeu à escritora e defensora pública Mariana Salomão Carrara o Prêmio São Paulo de Literatura em 2023. Na história, Ana e Madalena são vizinhas, moram no mesmo prédio, mas mal se conheciam até um fato trágico marcar a vida das duas e mudar os rumos de suas histórias.A peça tem direção de Joana Dória, dramaturgia de Liana Ferraz e elenco formado por Carol Vidotti e Fábia Mirassos. A ideia de transportar o romance para o palco surgiu de um encontro casual entre Vidotti e a autora Mariana Salomão Carrara na plateia de outro espetáculo, em junho de 2023.

O espetáculo acompanha a história de cinco jovens, moradores de uma república situada na cidade de São Paulo, entre os anos de 1968 e 1969. O grupo está engajado em produzir, dentro do apartamento em que moram, um curta-metragem de ficção científica, com baixo orçamento. A trama dentro da trama é baseada em longas-metragens de sci-fi dos anos 1950. A dramaturgia original do musical é embalada por canções clássicas do repertório de Rita Lee, como “Agora só falta você”, “Nem luxo, nem lixo” e “Mutante”.

Prestes a fazer uma audição para o papel de sua vida, uma talentosa atriz de musicais não consegue mais cantar. Depois de muita investigação, descobre que a causa de seu problema vocal pode não ser física. Determinada a recuperar sua voz, a única alternativa é encarar os segredos de seu passado.

O espetáculo conta a história do compositor pernambucano Lourenço da Fonseca Barbosa (1933-1997), o Capiba, um dos grandes nomes do gênero musical.
Criado a muitas mãos com o objetivo de valorizar a rica e plural cultura pernambucana, o espetáculo estreou em 2022, na comemoração de 30 anos do Aria Social, que atende mais de 450 crianças e jovens em situação de vulnerabilidade social, transformando vidas por meio da arte
Durante cerca de uma hora, o musical apresenta a trajetória do menino nascido em Surubim, no Agreste pernambucano, em 28 de outubro de 1904. Filho de um mestre de banda, Capiba já lia partituras mesmo antes de aprender a ler. Morou na Paraíba e aos 26 anos foi para o Recife, onde trabalhou como funcionário do Banco do Brasil e cursou a Faculdade de Direito do Recife, tudo isso sem nunca deixar a música de lado.
A primeira composição de Capiba, “Valsa Verde”, é de 1931, e é apenas uma das que, entre frevos dos anos 30, valsas apaixonadas, sambas, maracatus, ciranda, marchas e ópera, servem de trilha para CAPIBA, pelas ruas eu vou..., que conta também com uma orquestra de câmara e projeções de cinema e fotografias que fazem o público mergulhar no espetáculo.
CAPIBA, pelas ruas eu vou... tem figurino de Beth Gaudêncio, direção audiovisual e videografia de Max Levay, design de luz e operação de Cleison Ramos, design de som e operação de Isabel Brito e projeção de Gabriel Furtado.

Petra von Kant é uma estilista de alta costura esmagada por sua paixão não correspondida. Por meio das intrincadas relações de poder entre mulheres, esta nova montagem do clássico de Rainer Werner Fassbinder “As Lágrimas Amargas de Petra von Kant” reafirma três forças universais: o feminino, o amor e a arte teatral. Seis mulheres de personalidades fortes que compartilham da incessante busca pelo amor e da desesperada necessidade de aceitar e ser aceita pela outra, mesmo que para isto seja preciso sacrificar o amor próprio.

Jesus Cristo SuperStar é um musical de ópera rock de Andrew Lloyd Webber, com libreto e letras de Tim Rice. O musical começou como um álbum conceitual de ópera rock e devido ao seu sucesso, foi para a Broadway em 1971, e desde então tem sido encenado em todo o mundo. Baseado nas narrativas da Paixão, a obra interpreta a psicologia de Judas Iscariotis, Jesus e outros personagens Bíblicos. Grande parte da trama é centrada em Judas que parece instastisfeito com a direção que Jesus está conduzindo seus discípulos.

“Karaokê Palombar” é um espetáculo popular onde cada um pode mostrar o seu talento. Com a voz preparada e a roupa ajeitada, cada figura desfila sua arte sob o pretexto de cantar músicas que já empolgaram multidões de pessoas. Nesse ambiente de bar, desdobram-se performances cômicas e acrobáticas, acompanhadas pelo jukebox e músicas ao vivo, recuperando o ambiente musical e descontraído dos karaokês.

A busca e o resgate da herança cultural afro-brasileira como bússola para a diáspora negra, “Herança”, novo espetáculo cênico-musical da Cia. Burlantins, comemora 50 anos de carreira do ícone da cultura afro-mineira Maurício Tizumba. Em cena, estão três multiartistas: Júlia Tizumba, Sérgio Pererê e o próprio Tizumba. Dirigidos pela premiada Grace Passô, escavam histórias íntimas enquanto miram a África como se olhassem num espelho.

No bonde da ladeira tem criança que sonha em ser DJ, menino curioso para saber o que há dentro do pote, menina de cabelo de nuvem; tem criança igual a todo mundo que foi criança um dia e morou na periferia. As histórias de crianças periféricas ganham a cena e revelam seus desejos e sonhos, embalados pelo ritmo do funk.

Um homem chamado José apresenta uma leitura original da figura bíblica de José, que se mostra inesperadamente contemporânea ao se revelar não-alinhada aos padrões de seu tempo, abrindo caminhos para uma nova masculinidade.Criação cênica centrada no tema da paternidade, ela nasce do interesse do artista-investigador Otacílio Alacran – também agente cultural do TUSP – por um teatro no qual a ação do ator esteja no centro da construção de significados da cena. Através de uma cena sintética, a peça aponta aspectos da dimensão simbólica do imaginário transcultural humano, em especial as ressonâncias do patriarcalismo (“a regra do pai”) junto à sociedade contemporânea.

No centro desse drama estão duas figuras que simbolizam o que se esperaria de uma das mais fortes relações humanas de amor e afeto: Mãe e Filho.Seria um drama familiar se Jon Fosse não se utilizasse de sua habilidade de fazer o que é próximo se tornar estranho e o que é estranho se tornar próximo, e se não nos apresentasse uma família desajustada, onde as personagens são apenas identificadas por seus papéis e não se relacionam por afeto.

Com um currículo impecável, família constituída e reconhecido em seu trabalho, o professor Nicolai Stiepánovitch poderia facilmente ser tomado como um exemplo de vida, um “homem feliz”. Mas, gradativamente, no desenrolar do espetáculo, esse “homem de bem” é submetido a um doloroso processo de falência interior. Refém das próprias escolhas e dos modelos exemplares que perseguiu ao longo da sua caminhada, somente agora onde pouco ou nada há de ser feito, o professor começa a adquirir clareza sobre o lado patético da sociedade e suas instituições, incluindo seu trabalho e a própria família. Aos préstimos deste olhar enfadonho do personagem Nicolai Stepianovitch, os atores incidem, sem concessões, sobre o presente e a geografia – não livrando nem a si mesmos desse crivo, com doses generosas de acidez e humor. Nesse espetáculo, o que importa não é a glória, mas a capacidade de suportar.”

O restaurante La Paloma, especializado em sopas, já viveu seus dias de glória no passado, mas agora enfrenta um longo período de decadência e ostracismo, o que preocupa seus funcionários. A situação está prestes a mudar com o anúncio da visita de um grande crítico gastronômico que pode finalmente conceder-lhes a primeira estrela e tirá-los do marasmo do anonimato.Diante da possibilidade de uma avaliação que pode transformar o destino de todos, os funcionários do La Paloma se desdobram para entregar a melhor noite de suas vidas. No entanto, a tensão da espera faz emergir tudo o que estava “preso no ralo” do cotidiano, levando os personagens a refletirem sobre suas trajetórias, sonhos e fracassos.Esta é a trama da comédia “O Ralo da Fossa” que estreia na unidade Roosevelt da SP Escola de Teatro no dia 23 de julho. Baseado em um argumento do ator Miguel Ribeiro, que se inspirou em sua experiência trabalhando como garçom em restaurantes — uma vivência também compartilhada por grande parte do elenco —, o espetáculo explora temas como a busca por reconhecimento, a ideia de sucesso e fracasso e a dinâmica de exploração trabalhista, obstáculos recorrentes tanto no mercado da cozinha profissional quanto no mundo artístico.

O espetáculo conta a história do compositor pernambucano Lourenço da Fonseca Barbosa (1933-1997), o Capiba, um dos grandes nomes do gênero musical. Criado a muitas mãos com o objetivo de valorizar a rica e plural cultura pernambucana, o espetáculo estreou em 2022, na comemoração de 30 anos do Aria Social, que atende mais de 450 crianças e jovens em situação de vulnerabilidade social, transformando vidas por meio da arteDurante cerca de uma hora, o musical apresenta a trajetória do menino nascido em Surubim, no Agreste pernambucano, em 28 de outubro de 1904. Filho de um mestre de banda, Capiba já lia partituras mesmo antes de aprender a ler. Morou na Paraíba e aos 26 anos foi para o Recife, onde trabalhou como funcionário do Banco do Brasil e cursou a Faculdade de Direito do Recife, tudo isso sem nunca deixar a música de lado. A primeira composição de Capiba, “Valsa Verde”, é de 1931, e é apenas uma das que, entre frevos dos anos 30, valsas apaixonadas, sambas, maracatus, ciranda, marchas e ópera, servem de trilha para CAPIBA, pelas ruas eu vou..., que conta também com uma orquestra de câmara e projeções de cinema e fotografias que fazem o público mergulhar no espetáculo.

Como no Carnaval de Olinda, no momento da saída do Homem da Meia-noite que inaugura o Carnaval, como nas saídas de santo ou nas procissões católicas, nos juntaremos aos nossos bonecos gigantes Patativa do Assaré, Federico Garcia Lorca, Ivone Gebara, Dom Helder Câmara, num coro para reabertura dos trabalhos depois de um longo inverno. Junto de nós, nosso personagem principal, Paulo Freire.

Pudesse ser apenas um enigma. Mas, não. O corpo faz problema. O corpo dá trabalho. Pode ser muitos. Pode ser, inclusive, o que não queremos. O corpo será sempre o que ele quiser? É social. É político. É tecnológico. É inconsciente. Pensamento. Desejo. Invisível. Invasor. O corpo se despedaça. É estrutura. É movimento. Mas, sobretudo, é estranho. Eu sou o outro e a outra. Teimo e re-existo. Ele se degenera e E . L . A se faz impossível.

Uma viagem musical pelo mapa-múndi guiada por canções da infância dos cinco continentes. Acompanhados por banda ao vivo, os atores cantam e brincam com canções populares de 7 países, numa atmosfera de sonho e poesia. O espetáculo apresenta 7 atmosferas distintas criadas a partir de cenas visuais e brincantes com grandes objetos (tangram, traca-traca, talheres, copos, pratos, panela e um grande tecido que se ressignifica produzindo variadas imagens). A linguagem da palhaçaria, forte frente de pesquisa da companhia, está presente mais explicitamente na penúltima cena (quando os atores usam o nariz), mas é a principal fonte de abordagem relacional com o público durante todo o espetáculo.

No enredo, duas irmãs – donas de um novo espaço cultural – tentam enterrar uma cabeça, após seu cão ter mordido acidentalmente uma criança. Por meio da ironia e do humor sarcástico, a peça é um retrato metafórico da desestabilização relacional e da violência psicológica e social generalizada e instaurada nos últimos tempos.

Em meio ao desafio de salvar sua comunidade de uma doença desconhecida, Sami, um guerreiro da etnia Tariano, é surpreendido por uma sábia Sucuri. E apesar da fama ruim que as Sucuris tem, é neste encontro que o menino se surpreende, aprende mais sobre os segredos dos pássaros e o que eles dizem enquanto cantam. A partir da sabedoria ancestral da Sucuri, Sami consegue salvar sua comunidade e acaba sendo responsável por espalhar este conhcecimento para toda sua etnia.

Pequeno Monstro, peça estrelada por Silvero Pereira e dirigida por Andreia Pires chega para sua primeira temporada em São Paulo, após a estreia em maio, no Rio de Janeiro. Dando continuidade ao seu teatro de questionamento social, o ator leva ao palco o tema da homofobia e do bullying sofridos desde cedo por pessoas LGBTQIA+, identificando semelhanças ao que viveu na sua própria infância no Ceará.Com título inspirado em conto do escritor Caio Fernando Abreu, Pequeno Monstro mergulha no campo das violências reais e simbólicas existentes na vida de pessoas homossexuais, indicando o estranhamento e as misérias cotidianas. No entanto, também aponta caminhos de liberdade, superação e amor.Para tanto, Silvero Pereira, que também assina a dramaturgia do espetáculo, utilizou suas referências literárias, musicais, matérias jornalísticas e memórias suas e de pessoas diversas, além de ter revisitado sua infância e a turbulenta juventude. Em cena, ele aborda, ainda, as vivências voltadas à questão da sexualidade e de gênero e denuncia o machismo estrutural e a homofobia, que são práticas normalizadas socialmente, mas agridem, traumatizam e condenam destinos. Pequeno Monstro também traz a característica de multiartista do ator. No espetáculo, ele faz intervenções musicais, entre elas a interpretação da Fera Ferida, de Roberto e Erasmo Carlos. A proposta é provocar reflexões por meio da potência artística da montagem.

REENCARNAÇÃO é o lado do avesso do espetáculo APARIÇÃO, no formato de palestra performance. Um trabalho de arte que reflete sobre as nossas possibilidades de reencarnar (rearranjar) sem morrer, a partir de nossas experiências estéticas.A artista Larissa Siqueira exibe e comenta seu catálogo de aparições, onde aparecem obras de Janaína Leite e Grace Passô e estranhos hábitos de sua mãe.

Todo mundo tem um vizinho e sua forma de se relacionar com ele. Dona Genoveva é uma senhora que segue diariamente sua rotina e Bigodinho do Trombone, um tik toker, aspirante a músico. Ambos tem personalidades bem diferentes, o que faz com que essa convivência seja bem peculiar., ainda mais quando um trombone entra em cena. Sr. Dirço é o sanfoneiro artista de rua que compartilha dessa relação.Como conviver, como entender essas diferenças de gerações?

O Sesc 14 Bis será palco de um clássico do teatro, “A Casa de Bernarda Alba", espetáculo escolhido pelo grupo Os Satyros para celebrar seus 35 anos de existência. A peça escrita pelo renomado dramaturgo espanhol Federico García Lorca, concluída em 1936, poucos meses antes de sua morte, trata da obra e vida de Bernarda Alba, uma mulher autoritária e controladora que vive com suas cinco filhas em uma casa na Espanha rural após a morte de seu segundo marido, fato que desencadeia um período de luto de oito anos.Durante este tempo, as mulheres são proibidas de sair de casa ou se relacionar com homens, tornando o ambiente opressivo. Esta série de tensões é o pano de fundo para rivalidades e conflitos que surgem entre as irmãs que anseiam por liberdade e amor.O espetáculo conta com três formações, com as personagens sendo interpretadas por elenco somente feminino, somente masculino e misto, que se revezam ao longo da temporada, oferecendo uma perspectiva única sobre os temas abordados.Este posicionamento sobre gêneros possibilita uma reinterpretação dos papéis das personagens, abrindo espaço para novas leituras sobre o enraizamento do patriarcado em nossa sociedade, proporcionando uma reflexão mais aprofundada sobre o conservadorismo, o machismo estrutural e o lugar imposto ao feminino.“A Casa de Bernarda Alba” mergulha nas complexidades das relações familiares e sociais, abordando assuntos como poder, repressão, desejo e liberdade. A peça tem direção de Rodolfo García Vázquez, co-fundador da companhia criada em 1989.

Primeiro espetáculo em que Tony Ramos e Denise Fraga se encontram nos palcos. A peça busca ser um chamado ao encontro e à comunhão em meio ao mundo em que estamos cada vez mais isolados. Sinopse: Um encontro de dois atores, um homem e uma mulher, com uma multidão de pessoas na plateia. Suas memórias. Suas próprias histórias e outras tantas que ouviram por aí. E o que só saberão, juntos? Esses dois atores e esse público?Uma sala cheia de gente que escolheu estar ali na companhia umas das outras. Há algo a celebrar, juntos? “Eu gosto de contar as pessoas quando tem muita gente porque eu gosto sempre de imaginar que, sei lá, quando se trata de gente, cem não é cem, são cem unidades, cem uns, cem cada um, cem pessoas com vidas, histórias e experiências muito diferentes umas das outras”, diz a atriz numa cena inicial da peça.

A Mostra Solo Mulheres tem como objetivo enaltecer o protagonismo das mulheres nas artes, apresentando produções independentes de artistas mulheres que estão aí trazendo para a cena suas corpas, suas identidades, suas vivências, suas representatividades, suas narrativas de forma autoral.Entre as artistas se apresentam na mostra, estão Dani Nega, Fernanda Stefanski, Silvana Farias, Maíra Maciel, Aysha Nascimento, Lýryca, Cris Rocha, Priscila Magella, Letícia Rodrigues, Paula Aviles, Aline Alves, Nicole D´Fiori, Jéssica Barbosa, Lila, Jocarla, Gabi Costa e Marina Mathey.

Clássico do teatro brasileiro, que passou quase duas décadas interditado pela polícia, o texto teve papel decisivo para consolidar a reputação de “autor maldito” frequentemente associada a Nelson Rodrigues (1912-1980). Oitenta anos após sua turbulenta criação, a tragédia Álbum de Família ganha nova montagem na visão de Jorge Farjalla. O espetáculo inaugura o Teatro Estúdio, localizado nos Campos Elíseos, zona central da cidade de São Paulo.O elenco é formado por Agmar Beirigo, Alexandre Galindo, Daniel Marano, Fernanda Gidali, Helena Cury, Iuri Saraiva, Jullia Leite, Lakís Farias, Lara Paulauskas, Lídia Engelberg, Mariana Barioni e Roberto Borenstein.A história desvenda os segredos e as tensões de uma família aparentemente tradicional brasileira, no interior de Minas Gerais, na década de 1920. A trama gira em torno do patriarca Jonas (Alexandre Galindo) - um fazendeiro de convicções religiosas fervorosas -, sua esposa, Senhorinha (Mariana Barioni) e seus quatro filhos: Guilherme (Daniel Marano), Edmundo (Iuri Saraiva), Nonô (Agmar Beirigo) e Glória (Fernanda Gidali). Com o tumultuado retorno à casa dos pais, tem início uma série de revelações chocantes sobre a moralidade distorcida dos membros da família, conduzindo a um desfecho trágico e perturbador. A obra é um retrato visceral das disfunções familiares e das hipocrisias sociais, característica do provocador universo rodriguiano.

O espetáculo “Maria Firmina dos Reis, uma voz além do tempo” faz uma releitura sobre a vida e obra da primeira mulher a escrever um romance no Brasil, Maria Firmina dos Reis. Em paralelo a vida de Maria Firmina, a atriz Júlia Martins, traz a sua história de vida e de outras mulheres e homens pretos que se intercalam com a história de vida de Maria Firmina dos Reis. Maria Firmina é símbolo de resistência e luta contra a escravidão, seu discurso é o nosso passado, presente e futuro.

O ator e dramaturgo João Paulo Lorenzon e o diretor Elcio Nogueira Seixas se reencontram para montar mais uma peça inspirada no universo do renomado escritor argentino Jorge Luis Borges (1899-1986). A primeira parceria entre os dois criadores aconteceu em 2008, quando eles montaram “Memória do Mundo”, peça fundação de uma amizade lírica animada pelo sopro poético de Borges. A cegueira do gênio argentino guiou a dupla por labirintos da experiência teatral que iluminaram a trajetória de ambos os artistas. Escrita em cinco atos, Quase Infinito nasceu das inquietações vividas pela humanidade – e pelos próprios alunos de teatro de Lorenzon – em meio ao isolamento social e à impiedosa quantidade de vidas perdidas nesse período. A peça representa alguns dos grandes enfrentamentos da condição humana inspirados pelo universo de Borges. São eles: os confrontos com a tentação do ódio; com o nada e o esquecimento, como ameaças de esvaziamento de si próprio e do mundo; com a incomunicabilidade; e com as chances de renascimento disponíveis para agarrarmos a cada novo dia. Em cada ato humano – e do próprio solo – há um corpo em luta, lançado à busca de realizar a própria existência, e ao mesmo tempo, à beira de se entregar ao gozo da própria miséria. E, sob essa perspectiva, um corpo pode ser condição de partida, mas não garante que existimos.

A peça “Os Seminaristas”, do autor pernambucano Flávio Alves, apresenta uma nova temporada na cidade de São Paulo. No elenco estão Lucas Ronconi e Rodrigo Brich que fazem os personagens Franklin e Têned, respectivamente. A direção fica por conta de Isabela Dias.A história se passa em um ato e tem sua ambientação em uma sala de orações do seminário. Durante um domingo, Têned e Franklin estão fazendo suas tarefas habituais quando começam um tórrido diálogo sobre seus sentimentos, o que sentem um pelo outro, os caminhos da vida eclesiástica e como irão lidar com o fato de se amarem tendo ao mesmo tempo o sonho de se tornarem padres.

Pela segunda vez, a Cia. De Teatro PimentArdida vai encenar na cidade de São Paulo o clássico “Ubu Rei”, escrita em 1888 por Alfred Jarry (estreada em 1896).Sinopse: Mãe Ubu tenta convencer Pai Ubu a assassinar o rei da Polônia, Venceslau, para usurpar-lhe a coroa com a finalidade de tornar-se rainha. No início, Pai Ubu é contra, mas acaba cedendo. O plano é colocado em prática e nosso anti-herói conquista a simpatia do povo, no entanto, logo ela se transforma em tirania.Rei Ubu condena todos que não concordam com seus ideais ao alçapão e, com isso, ele trai seus apoiadores. O trono será retomado pelo filho do rei morto, Bugrelau. O casal Ubu, depois de deposto, faz planos de fuga para outro país com o objetivo de enriquecer e tomar o poder por meios imorais e antiéticos.Ridícula e divertida, a história é um espelho grotesco e absurdo da iniquidade humana, e desse modo torna-se uma das principais representações do significado da patafísica, "o absurdo tentando explicar o inexplicável", desde as características peculiares dos personagens até as situações inusitadas vividas por eles.

Áurea, uma professora solitária e hipocondríaca que coleciona fotos três por quatro de desconhecidos, formando assim uma família imaginária para acalentar a vacuidade de seus dias, vê seu cotidiano transformado quando o vizinho do apartamento de baixo, Manuel, aparece atrás de ração para o seu gato. Depois de ser despedida do emprego numa escola particular, com o tempo e a solidão cada vez mais esmagadora, o aspirador de pó, herança de sua avó, ganha o status de interlocutor indispensável.

Gustavo Blind apresenta de forma surpreendente e dinâmica a arte do ilusionismo com os olhos vendados o tempo todo. O show proporciona momentos mágicos e divertidos em interação com o público.

Um batalhão de bombeiros composto por palhaços corre para o salvamento de um gatinho que ficou preso em cima de um muro. Um carro entra em alta velocidade com o esquadrão e seus equipamentos de combate ao fogo. A tropa atrapalhada inicia seus procedimentos de salvamento entre trombadas, tropeços, saltos na pizza e bofetões.

Depois de um tempo em suspensão, um grupo se encontra para remontar uma peça teatral. O local é constantemente invadido por sons de destruição, trazendo à tona pensamentos, revelando o horror e o individualismo de cada pessoa, à medida em que percebem que o único lugar possível é aquele onde estão.

APARIÇÃO é um espetáculo que persegue a trajetória de pequenos delírios na vida de uma personagem, que apesar de real, dispensa a realidade dos fatos. Larissa Siqueira não guarda mais nomes, porém não esquece daquilo que a comove ou comoveu um dia. O espetáculo faz parte de um projeto de temporada dupla: REENCARNAÇÃO e APARIÇÃO, sendo um o avesso do outro.

“Por entre espaços”, trabalho que resulta da dramaturgia experimentada durante as vivências cênicas e pesquisas corporais entre Marcos Sobrinho e as performers Jussara Miller, Luciana Hoppe e Simone Mello, dentro do projeto Dramaturgias Paralelas, é exibido em um circuito de teatros da cidade durante o mês de agosto. Com pensamentos diversos sobre o corpo e a cena, mas tendo em comum transitarem num território estético onde as artes visuais se instauram como gesto criativo predominante e as complexidades do ato da criação acontecem na solidão de um artista-solista, os quatro experenciaram um intenso processo de compartilhamento de suas práticas, que se deu num largo período nos laboratórios de investigação, nos vários workshops e na mostra Arrastão dos Solos, realizada na Oficina Cultural Oswald de Andrade e indicada ao prêmio APCA na categoria Programa/Memória.A estrutura da performance teve a improvisação como base para a coleta de novos vocabulários corporais e se chegar à questão do exílio e seus desdobramentos – tema bastante discutido durante o processo -, não limitado às conotações existenciais e religiosas do termo, mas como um desafio à criatividade, trazendo rastros do que pode ser o exílio pra cada um, a partir de suas experiências pessoais e da relação com seu fazer artístico. Como inspiração natural, surgiu a obra do filósofo tcheco-brasileiro Vilem Flusser, que tem o exílio como um marco importante em sua vida. Nascido em 1920, na cidade de Praga, Flusser teve que deixar sua terra natal em função da Segunda Guerra Mundial e do avanço do regime nazista. Após passar por países da Europa, se estabeleceu no Brasil em 1941, onde encontrou um ambiente intelectualmente estimulante, influenciado pela cultura brasileira e latino-americana.

Em uma homenagem à arte drag queen, a Cia. Extemporânea estreia uma adaptação da tragédia Rei Lear, de William Shakespeare (1564-1616). O espetáculo traz os elementos da dramaturgia shakespeariana clássica para a linguagem drag contemporânea, sem que nem uma nem outra se desfigurem no processo – isso é, sem que Shakespeare perca em poesia e tragicidade, e sem que a drag se descaracterize naquilo que ela tem de mais autêntico: a dissolução das fronteiras estéticas e o desafio aos papéis tradicionais de gênero.Sinopse: Lear, rei da Bretanha, decide dividir o reino entre as suas três filhas, Cordelia, Regan e Goneril. Porém, Cordelia se recusa a participar do ritual de passagem da coroa e o rei, furioso, a condena ao exílio. O exílio de Cordelia põe em marcha a completa desagregação do reino. Sem coroa, traído pelas filhas e vendo seu reino à beira da guerra, Lear afunda em uma espiral de loucura.

Monólogo em que solidão e desamparo são considerados. Numa modalidade conhecida nas artes cênicas como ‘palestra performance’, o espetáculo se compõe de 19 cenas curtas: rascunhos teóricos, montagens da memória, vinhetas de ficção, confissões

Idealizado e criado por Laerte Késsimos, o espetáculo é uma costura poética entre a vida e obra do artista plástico José Leonilson (1957-1993) morto pela pandemia de AIDS, e a biografia do ator Laerte Késsimos. Um bordado ou um diário em que frente e verso são compartilhados publicamente – suas amarras, cortes, sobras de linha, correções, imperfeições, pontos e nós.

A tragicomédia foi escrita em 1890 e traz uma das personagens femininas mais enigmáticas e desconcertantes do autor. Hedda encarna o profundo mal-estar existencial da mulher do final do século XIX e de sua busca por um lugar dentro da opressiva sociedade patriarcal. A montagem contará com trilha sonora ao vivo de Greg Slivar e é a terceira incursão de Clara Carvalho em Ibsen pelos palcos, a primeira como diretora.O dramaturgo norueguês Henrik Ibsen (1828-1906) foi criador de uma galeria marcante de personagens femininas que exprimiam o profundo mal-estar e a opressão das mulheres na sociedade de seu tempo.A tragicomédia foi escrita em 1890 e conta a história da enigmática, voluntariosa e fascinante Hedda Gabler, que na volta de sua lua-de-mel, descobre que não vai suportar viver o que considera uma vida medíocre junto a seu marido, Jorge Tesman. De acordo com Clara, a personagem interpretada por Karen Coelho não consegue descobrir sua vocação e não exerce uma profissão que lhe dê alguma autonomia econômica.

A Cia Odara, reconhecida por sua luta pela preservação da cultura afrodescendente, promove no Icônico Teatro Oficina a reestréia do espetáculo ATOTÔ – SILÊNCIO , O REI ESTÁ NA TERRAEm “Atotô – Silêncio, O Rei Está na Terra", Exu, o mensageiro entre os dois mundos com seu gingado embalado pela capoeira, convida o público a silenciar os pensamentos, em uma alusão ao significado da expressão ‘Atotô’, que significa silêncio. Em sua ginga, Exu conduz os convidados ao grande portal da floresta sagrada, onde a luz confronta a sombra, o amor confronta a dor, atabaques e xequerês buscam consonância com violinos e violoncelos e onde todos poderão acompanhar o nascimento do grande rei negro. Ele, coberto de palhas,se faz presente na terra por meio da dança dos corpos pretos, da música e da oralidade, para mostrar, por meio de seu elenco que a verdadeira cura vem de dentro, e que a transmutação é um processo contínuo de aceitação e mudança para todas as pessoas que buscam na celebração da vida, a força para resistir e transformar o luto em luta.O espetáculo é dirigido e produzido por Márcio Telles e conta com as participações da cantora Raquel Tobias ,das atrizes Lena Silva, Luzia Rosa, atores, atrizes e técnicos do teatro oficina e um grande elenco.