TEATRO

A atriz Gisele Petty apresenta Agda, espetáculo que leva ao palco o conto homônimo de Hilda Hilst. Este, publicado em 1973 no livro Kadosh, narra a via crucis de um corpo feminino livre, potente e integrado com a natureza, trazendo marcas da obra hilstiana – o erotismo religioso, a busca incessante por Deus e o corpo em sacrifício, aqui manifestado por meio de uma mulher encarnada em seu destino, espírito e desejo.Agda mora em um vilarejo, fala com Deus, tem três namorados amantes – Orto, Kalau e Celônio – e é uma mulher que exala e exalta seus desejos e seu corpo livre. Ela quer a experiência mística, mas sucumbe em função de uma construção patriarcal e misógina de religião e assimilação do feminino.

A vida e obra de Torquato Neto ganham uma nova dimensão ao migrarem do universo literário para o palco teatral. Este projeto surge a partir da leitura de “Torquatália”, uma antologia de obras de Torquato Neto, conduzida por Paulo Roberto Pires.Nesse espetáculo sem quarta parede e com duração de 80 minutos, o ator apresenta as impressões e marcas que teve ao se envolver com o poeta e convoca o público a interagir; perguntando, fazendo críticas e tirando dúvidas, o que torna o espetáculo sempre renovado a cada noite, sempre uma reconstrução em si mesmo.

Na cozinha de uma casa senhorial sueca no fim do século XIX, durante uma festa, uma representante da aristocracia se envolve com seu criado. A partir deste evento escandaloso, o que antes era uma clara e bem estruturada relação de patrão e empregado se torna uma batalha incessante pelo domínio dadinâmica de poder. Ao explorar a potência poética e surrealista deste choque, a Cia. Bípede traz ao palco uma desconstrução estética desta obra tradicionalmente naturalista, carregando a trama com um cenário desmembrado e solitário, uma luz poético-narradora e atores mascarados.

Dirigida por Fabiano Lodi, a montagem cênico-musical é uma criação coletiva inspirada no livro de Leo Cunha e André Neves (ilustrações), que aborda com lirismo e contundência o desastre ambiental que destruiu a Bacia do Rio Doce (MG), em 2015. Bruno Gavranic assina a dramaturgia junto com o Grupo 59, e Felipe Gomes Moreira e Thomas Huszar são responsáveis pela direção musical.A montagem é resultado de um processo continuado de pesquisa do Grupo 59 de Teatro (O Gato Malhado e a Andorinha Sinhá e Histórias de Alexandre) sobre a transposição da literatura para o palco, na fricção entre literatura e teatro, e a musicalidade na cena, em interlocução com o público infantojuvenil.Conduzido essencialmente pela música, Um Dia, Um Rio narra a vida de um rio, desde o seu nascimento como um riacho até a exuberância de suas águas que desenham lindas paisagens. Ao longo do percurso, o rio encontra um grande desafio para preservar suas águas, as formas de vida que abriga e as que surgem ao redor. O enredo traz um lamento, um grito de socorro tardio de um rio indefeso que não tem como reagir ao ser invadido pela lama da mineração.A variedade de ritmos da cultura musical brasileira e o canto coral, acompanhado de instrumentos de percussão tocados ao vivo pelo próprio elenco, marcam a experiência sonora do espetáculo, retomando a marca do Grupo 59 de “contar cantando” e “cantar contando”. As canções foram criadas pelo elenco junto aos diretores musicais, a partir de trechos do livro, além de algumas citações ao cancioneiro das festas populares brasileiras.

O livro de contos “Dentes Guardados”, primeira obra publicada por Daniel Galera, tem sua adaptação focada em histórias de jovens com dificuldades em estabelecer vínculos, mas que mesmo assim continuam fazendo tentativas.A peça foi montada pela primeira vez em 2002, depois teve outras montagens em 2005 e 2014, e agora, 10 anos depois, o diretor Mário Bortolotto retoma o projeto com um novo elenco.

Mário Negreiro, que o ator Anderson Negreiro apresenta nos dias 11 e 12 (sábado, às 19h, e domingo, às 18h), faz o personagem central da peça voltar ao passado, por meio de suas lembranças, para entregar o livro Macunaíma, de Mário de Andrade, a um amigo de infância. O personagem faz uma viagem contrária à do anti-herói da publicação, saindo do centro em direção ao bairro da Casa Verde Alta, na periferia da Zona Norte de São Paulo. Nessa viagem de volta, a realidade, ficção e trechos do livro se confundem em uma São Paulo que tem seus problemas agravados pela modernidade, que, supostamente, deveria ter superado os traumas da colonização.

Composição cênica inspirada nas tradições da cultura yoruba difundidas no Brasil, que perpassa pelas diversas facetas de Oxóssi, seus arquétipos e rituais, ressignificando-os para os tempos atuais de uma sociedade contemporânea onde questões sociais, ecológicas e políticas são temas que entrelaçam a trama da composição cênica inédita de criação coletiva da Cia Treme Terra.

Esqueça a cartola, o fraque e roupas monocromáticas. Oisensa passa longe de ser um mágico tradicional, aliás, ele nem se considera mágico. Trajando um terno laranja e com um sotaque estranho, Oisensa adora contar histórias e durante elas, ilusões acontecem. Para envolver o público, nada como um show cheio de maluquices e diversão.

Força Estranha evoca as ficções e mistérios da dança para mover corpo, espaço, luz, som, objetos e tudo aquilo que não sabemos nomear. Aprofunda a pesquisa sobre o espaço como matéria coreográfica que atravessa sensações, afetos e imaginação. Persegue o movimento de forma dinâmica e vigorosa através de um corpo implicado na produção e manutenção de uma força estranha que faz tudo dançar.Depois de 10 anos da estréia do dueto Intérprete em Crise, Clarice Lima e Aline Bonamin voltam em cena nesse novo dueto que radicaliza a noção de empatia cinestésica para a criação de um lugar utópico que faz alianças com tempos e matérias, celebrando a própria dança enquanto ritual e produção de vitalidade.

Uma das peças mais longevas na cidade, a comédia comemora 9 anos em cartaz.O espetáculo reúne elenco de comediantes, em texto nacional: O que pode acontecer quando um respeitável pai de família leva para casa uma amante absolutamente inusitada? Ou quando, pior ainda, um ladrão aparece na hora errada e a ambos prende no banheiro da residência? E se, para completar a confusão, no desenrolar da história descobre-se que a amante é nada menos do que uma parente bastante próxima da mulher traída, um parente a quem ela sempre escondeu do marido justamente pelo inusitado do seu jeito de ser? Hilariante e cheia de suspense, a surpreendente e movimentada comédia apresenta uma sequência de cenas onde, quanto mais parece que tudo vai se resolver, mais tudo se complica. Trata-se de um espetáculo ágil, dinâmico e surpreendente, que se propõe àquilo que sempre deve nortear a verdadeira comédia: incentivar a reflexão através do riso.

O espetáculo musical "Bertoleza" é uma adaptação do livro “O Cortiço” de Aluísio Azevedo, romance clássico da literatura naturalista brasileira, em que o protagonismo é trocado. Dessa vez, Bertoleza é a personagem que conduz a trama cujo enredo retrata as dificuldades de existência naquela época (final do século XIX). Mas a partir desta nova ótica, a protagonista coloca em diálogo as histórias soterradas para que, uma vez identificadas, façam florescer a possibilidade de sonhar com horizontes onde o respeito seja possível. Para enriquecer a montagem, é feita uma alusão à contribuição e pioneirismo de algumas personalidades negras que permanecem às escondidas e que, buscando mesclar vivências, propõe-se provocar a reflexão sobre a sistematização do apagamento de mulheres pretas, suas falas e espaços sociais. A primeira Deputada Federal negra do país, Antonieta de Barros; a primeira escritora publicada na América Latina, Maria Firmino dos Reis; a catadora de papel que se tornou poetisa e teve sua obra traduzida em diversas línguas, Carolina Maria de Jesus; a vereadora brutalmente assassinada por pautar e defender os Direitos Humanos, Mariele Franco.

A naturalização e banalização da violência na sociedade em nome da manutenção dos privilégios de uma elite ultraconservadora é tema de Bash, texto do dramaturgo e cineasta estadunidense Neil LaBute que acaba de ganhar uma montagem dirigida por Fernando Vilela. O termo Bash, em inglês, pode ser traduzido tanto como o ato de se bater com força, esmagar e criticar quanto como uma festa, celebração, acontecimento. E o texto explora justamente o ponto de intersecção entre essas antíteses, expondo que essas forças binárias – o bem e o mal, a festa e a tragédia – coabitam dentro de nós. “É só apertar os botões certos”, como define LaBute.A obra se divide em três cenas delineadas, sendo que duas delas dialogam diretamente com as tragédias gregas de Eurípedes, Ifigênia em Áulis e Medeia. Com isso, o autor destaca a continuidade da natureza humana ao longo dos séculos e sua potencialidade para a violência. LaBute, grande cineasta que é, constrói uma miríade de imagens vibrantes, furiosas para ancorar e corporificar a tragédia em uma realidade identificável, mostrando que ainda hoje estamos na iminência de um rompante.

Em um tom bem-humorado e reflexivo, Eduardo Wotzik leva ao palco ideias, pensamentos, experiências e filosofias de uma das mais importantes pensadoras do século 20.No espetáculo, como em uma sala de aula, o público assiste Hannah Arendt voltar ao nosso tempo, convidada a falar sobre temas relevantes e necessários como a ética, a escola, a massa silenciosa, a noção de civilidade e cidadania, e as atrocidades de Adolf Eichmann (1906-1962), conhecido como 'arquiteto do Holocausto', que comandava o transporte ferroviário para o extermínio. A atmosfera é de uma aula magna sobre educação e a importância do pensamento para o mundo contemporâneo.A peça é de autoria de Eduardo Wotzik, artista com mais de 40 anos dedicados à investigação do teatro, que está em cena, e também assina a direção.

Devido ao grande sucesso das primeiras edições, o Teatro Oficina volta a apresentar Dorival e a Mar, um rito-espetáculo em homenagem a Dorival Caymmi. Assim como Itamar Assumpção, João Gilberto e Torquato Neto, Caymmi é também um dos artistas-fundamento do trabalho do Teatro Oficina. A música, a voz e o universo cantado por este compositor baiano foram referência, inspiração e trilha sonora para diversas peças da companhia. No dia 30, são comemorados 110 anos desse artista inesquecível.Foram criadas cenas a partir das atmosferas propostas por cada canção, criando uma conexão entre elas, uma dramaturgia. Neste dia, o teatro feito carro-naval vai atravessar o mar de imagens criadas por Dorival em clássicos como O Mar, O Bem do Mar, Saudade de Itapoã, Dora, O Vento e Canção da Partida.No elenco, Cyro Morais, que também dirige o espetáculo, Kelly Campello, Danielle Rosa, Zé Ed, Marília Piraju, Ayomi Domenica. Na direção musical, Guina Santos, que está na banda com Moita Mattos, Beto Sporleder, Julio Dreads Oliveira e Beatriz da Matta. A ficha técnica é extensa, repleta de talentos da companhia.

Quatro irmãos idosos que sofreram um despejo quando crianças recebem a restituição do terreno após quase 60 anos e se encontram para decidir o que fazer. O tempo se embaralha em um jogo de cortinas e um mosaico de histórias reais e ficcionais é costurado no quintal da antiga casa acompanhado de um bom café e de um velho samba. Em cena, uma banda de quatro músicos, cada qual com mais de sessenta anos, em um jogo friccional com as narrativas dos atores/atriz d`O Bonde. Um espetáculo que descortina a realidade do passado olhando para o presente.

Espetáculo teatral que aposta na escrita contemporânea e poética, acompanhada de outras ferramentas tecnológicas no teatro, como o mapping, projeções e vídeos. O amor entre duas mulheres negras é o centro da cena. O tema pouco abordado nos palcos brasileiros expõe camadas de afetos do que é se amar uma mulher negra sendo outra mulher negra nos dias de hoje. A fim de entender a importância de contribuição para o imaginário e a humanização da relação afetiva entre esses corpos pretos que tanto é estereotipada pela sociedade, “Amor e outras Revoluções” vem exacerbar o discurso do amor entre mulheres negras, entendendo a importância dessa revolução em todas as camadas da sociedade.

O monólogo, adaptação do livro de poemas homônimo, faz uma releitura da Ilíada, de Homero, do ponto de vista feminista. Através do Spoken Word, Luiza Romão desmonta Tróia, pedra após pedra, herói após herói, para jogar luz à violência fundante da literatura ocidental, em especial, contra a mulher.

O monólogo, adaptação do livro de poemas homônimo, faz uma releitura da Ilíada, de Homero, do ponto de vista feminista. Através do Spoken Word, Luiza Romão desmonta Tróia, pedra após pedra, herói após herói, para jogar luz à violência fundante da literatura ocidental, em especial, contra a mulher.

Libra é uma peça de circo-teatro de vanguarda, que utiliza uma estrutura circense criada com bambu inspirada nos móbiles de Alexander Calder e um palco circular exterior no qual a natureza e o material cênico se fundem. Um casal adulto equilibra seus pensamentos, emoções e memórias, utilizando uma estrutura de bambu que representa o movimento da vida e que lhes permite utilizar habilidades circenses como equilíbrio, acrobacias, manipulação de objetos e suspensão capilar. Comédia familiar que mistura circo e teatro, tendo como gatilho inicial o texto “Night ” de Harold Pinter, bem como os arquétipos do Tarô como metáfora, entre quais se destacam, a justiça, a roda da fortuna, o enforcado e o mundo, sendo assim fiel ao mundo onírico e espiritual da Cia Viento Circo.

A trama acompanha a trajetória de uma professora de língua portuguesa do ensino médio que, distante da sua vocação literária, encontra-se no leito de um quarto de hospital, acometida por uma doença desconhecida. Sua relação com o marido mantém padrões de afetos desgastados pelo tempo, com arquétipos e símbolos do casamento convencional, força motriz de uma vida comprometida com as aparências e os ganhos materiais. Ao receber no hospital a visita de uma aluna apaixonada pelo universo da literatura, a professora, questionada em sua visão de mundo, passa a rever a sua relação com o seu marido e a forma de tocar a sua própria existência. O espetáculo traz discussões sobre vida e morte, e mais precisamente, sobre o que nos mantém vivos, o que nos impulsiona a ter sonhos e querer realizá-los. O universo da educação e da literatura também estão presentes no trabalho, tanto na relação entre professora e aluna, quanto no âmbito familiar e no embate geracional.

Escrito pelo austríaco Thomas Bernhard (1931-1989), em 1984, O Fazedor de Teatro tem no próprio teatro o paradigma do absurdo da existência humana. Um teatro - leia-se a vida - que falha não só perante as condições exteriores de um mundo adverso, mas também perante os fantasmas, a prepotência e as fraquezas dos protagonistas e da própria sociedade. Na trama, Bruscon, ator do teatro nacional alemão, depois de sua aposentadoria, faz turnês pelo interior da Áustria e da Alemanha. Bruscon aglutina e carrega consigo todas as funções relativas ao fazer teatral: foi ele quem escreveu e dirigiu a peça. Além disso, Bruscon se preocupa com as funções administrativas e financeiras da companhia, que é de ordem familiar: os componentes do grupo são sua esposa, sua filha e seu filho. A peça começa quando a companhia chega à hospedaria onde fará sua apresentação numa pequena cidade do interior da Áustria.

Cia. Coisas Nossas de Teatro apresenta mini temporada do espetáculo O Samba da Pauliceia e Sua Gente, que fica em cartaz de 9 a 19 de maio (sempre de quinta-feira a sábado, às 20h, e domingo às 19h). A peça mergulha na história do samba paulistano e nas transformações urbanas que afetaram locais emblemáticos dessa manifestação artística na cidade.Com direção geral de Cristiano Tomiossi, dramaturgia de Paulo Rogério Lopes e colaboração da companhia, a trama se passa nos momentos finais da Vila Primavera, uma fictícia comunidade paulistana do samba que está prestes a ser despejada para dar lugar a uma suposta ação de progresso na cidade. Para essa despedida cheia de emoção, os moradores decidem celebrar sua cultura e identidade em uma última noite de samba. Nesse momento entra em cena Madrinha, a moradora mais antiga da comunidade e guardiã das memórias do lugar. A personagem, vivida pela atriz Carlota Joaquina, passa a compartilhar suas experiências e memórias, conduzindo personagens e público para o passado, e pontuando fatos que fazem parte da história do samba em São Paulo. Assim, ela leva o público a visitar desde as raízes do samba até a sua consolidação como uma expressão cultural de resistência.Além de abordar essa história, O Samba da Pauliceia e Sua Gente propõe um olhar mais profundo sobre as mudanças urbanas que impactaram os territórios pretos da cidade, os bairros históricos do samba e as consequências dessas transformações para a comunidade. É um convite para refletir sobre a importância de preservar raízes culturais e valorizar a memória coletiva do povo.

Retirantes conta a história da chegada de um casal de retirantes nordestinos a uma nova terra que agora será chamada de lar. Da arrumação do solo para firmar a casa, até a organização dos objetos que são cheios de histórias, o espetáculo se presta a mostrar a felicidade e a esperança dos retirantes com a nova terra. Retirantes é um espetáculo de circo que também traz à cena elementos de dança e de música, tendo o retirante como tema principal.

A história de uma aranha que faz teias sem se preocupar com o propósito específico delas. Ela não faz teias nem para caçar, nem para nada que seja útil, ela as faz pela sua beleza, faz teias infinitas pela arte e com isso não se encaixa nos padrões do mundo.

Espaço popular e democrático onde cada um pode mostrar o seu talento. Com a voz preparada e a roupa ajeitada, cada figura desfila sua arte sob o pretexto de cantar as músicas que empolgam a multidão. Entretanto, o público vai se surpreender com as performances criadas e acompanhadas de música ao vivo.

Luxo pesado, segurança máxima, lazer absoluto – o paraíso do Éden aos pés da serpente: Bem vindos ao “Condominium Ilha Tropical”, um arranha céus onde o inferno é o limite. Entre os muros de um labirinto vertiginoso, personagens desfilam como alegorias delirantes num reflexo violento de uma sociedade privilegiada, territorialista e selvagem.

"Eu, Marina" é uma peça-show concebida por Sofia Botelho e Ernani Sanchez, que coloca em cena o legado musical de Marina Lima a partir de 12 composições selecionadas do repertório da artista, rearranjadas e interpretadas ao vivo por Ernani e Sofia. O espetáculo mergulha na essência das canções e traz esquetes ligadas à biografia de Marina e às vivências dos próprios artistas. Poemas de autores como Eduardo Galeano, Ana Cristina César e Angélica Freitas adicionam uma camada poética à experiência. Mais do que uma adaptação artística, "Eu, Marina" é uma oportunidade de explorar o universo das músicas, trazendo à tona novas interpretações e possíveis conexões com o público contemporâneo. O título "Eu, Marina" surge como uma referência ao que incorporam do espírito de Marina Lima os dois artistas que a interpretam, além de envolver uma brincadeira onde ambos disputam ser "escolhidos" pela artista no jogo "Eu, Marina!!".

O Núcleo de Criação do Pequeno Ato aniversaria 10 anos em 2024. Nessa década, foram 6 montagens criadas em processo colaborativo unindo jovens artistas, milhares de pessoas conectadas, parcerias com diversos países e 3 dramaturgias publicadas.Em 2024, o Núcleo pesquisa as origens do Carnaval: as procissões religiosas e as Saturnálias, o nascimento e a repressão do samba, e como a colonização foi deixando marcas e cerceando espaços para manifestação popular, sobretudo de povos escravizados, tornando o carnaval uma espécie de válvula de escape, de condensação de tantas culturas e impulsos reprimidos. Enquanto as classes mais baixas conquistam novos espaços, as classes mais altas se apropriam, com o objetivo de torná-los exclusivos, ou seja, restritos.

Inédito no Brasil, o espetáculo dirigido por Odilon Wagner é uma comédia ágil, de humor insólito e cheio de surpresas. Foi escrito pelos uruguaios Fernando Schmidt e Christian Ibarzabal e encenado em 12 países.Neste insólito texto, Glória e Lúcia são cuidadoras que trabalham em turnos diferentes para cuidar de Radojka, uma idosa sérvia que vive longe da família. Tudo funciona maravilhosamente bem até que, em uma manhã, Glória descobre que Radojka, após um fatídico acidente doméstico, faleceu. É uma comédia inteligente, baseada nos planos delirantes que tanto Glória quanto Lúcia estão tramando para não perder o emprego.

A peça se passa no período final dos ensaios, quando prestes a estrear seu primeiro monólogo, o ator se deixa levar pelo medo. O que o leva a um embate com seus questionamentos e fantasmas internos, vendo-se obsediado por Hamlixo que o incita numa escavação pelos labirintos da hipocrisia social e do coração do Príncipe Hamlet, levando-o a uma questão jamais abordada nas inúmeras montagens teatrais da obra - Quem o príncipe amou afinal?

Baseado numa história real, o espetáculo conta as aventuras de Abou, um menino africano que foi encontrado dentro de uma mala tentando entrar no continente europeu. Ao som de tambores e violão, quatro atores-narradores contam a história deste refugiado que, junto com sua mala Ilê companheira, abrigo e animal de estimação, enfrentou dificuldades com criatividade, imaginação e coragem.

Peça-filme concentra sua ação na história dos personagens 12, 13, 23 e 40, pessoas pretas que quando crianças foram salvas da guerra por um padre branco, e vivem numa fazenda, cuidando das tarefas diárias, supervisionadas por Zero. O padre nunca sai da capela, a guerra nunca atingiu a Fazenda, e sempre que os porquês são questionados, o sino soa e tudo volta a ser como antes (quase sempre).

Atores invadem o espaço cênico, repaginando cenas clássicas de William Shakespeare e do cinema retrô como um apetitoso “milkshakespeare”, tendo como ingredientes o ofício do Ator em ações de humor.

O espetáculo é uma homenagem ao escritor Caio Fernando Abreu.O ator Roberto Camargo, um dos fundadores da Terça Insana, será porta voz de Caio em textos pessoais, falados em primeira pessoa, crônicas que foram publicadas em revistas, como a Around e AZ, sucessos editoriais de Joyce Pascowitch, que retratavam os anos 80 com as suas questões sexuais, sociais e a efervescente cena cultural de São Paulo.O espetáculo mostra um Caio humorista e cronista, cheio de graça e de luz. O roteiro aborda a relação de Caio com a cidade de São Paulo, suas memórias da infância e da juventude, sua visão crítica da sociedade e dos tipos urbanos que a compõem, como o bar Ritz, a novela Vale Tudo, a boite Madame Satã e as músicas de Rita Lee, Madonna e Chet Baker. Tudo isso temperado com a ironia fina, o humor cáustico e requintado que caracterizaram a vida e a obra do escritor, uma pessoa à frente do seu tempo, ligado em questões que só muito mais tarde viriam a ser discutidas.

A Noviça Mais Rebelde está comemorando 15 anos de sucesso com apresentações em São Paulo, no Teatro Itália Bandeirantes. O espetáculo já circulou pelo Brasil fazendo mais de 700 apresentações e foi visto por mais de 600 mil pessoas. Só na cidade de São Paulo foram mais de dez temporadas, nos teatros Renaissance, Raul Cortez e Santo Agostinho.Na peça, o ator Wilson de Santos dá vida à Irmã Maria José, uma freira que canta, dança e conta histórias do seu passado picante para interagir com o público enquanto aguarda a chegada da Madre Superiora, que lhe prometeu um número de destaque num espetáculo beneficente.A Irmã Maria José é uma das personagens originais do musical “Noviças Rebeldes”, sucesso Off-Broadway chamado “Nunsense”, de Dan Goggin, dirigido por Wolf Maia com a Cia Baiana de Patifaria. A Noviça Mais Rebelde é uma criação do próprio Wilson. Na peça, a hilária freira que era renegada ao papel de contrarregra por não possuir talento – e por ter uma personalidade irreverente demais – volta tentando provar mais uma vez que sua fé pode conviver com as luzes dos holofotes e com os aplausos do público.

Imagine Lucinha Lins, Tânia Alves e Virgínia Rosa, grandes estrelas, num mesmo palco, interpretando personagens femininas da obra de Chico Buarque. Assim é o espetáculo “Palavra de Mulher”, um misto de show e teatro, que há 16 anos revisita o universo das canções de um dos maiores compositores do Brasil. Num clima de cabaré, com adereços e objetos cênicos, iluminação e figurino, as atrizes/cantoras se revezam em apresentações em trio, duo e solo, encantando o púbico com suas vozes e atuações.

Baseada em um episódio conhecido como um dos mais trágicos da psiquiatria, a peça conta a história de Brian. Depois de uma operação mal sucedida logo após o nascimento, em que seu pênis é cauterizado, ele é submetido a uma redesignação sexual e passa a ser educado como menina: Brenda. A imposição de crescer em um corpo que não é seu, no entanto, afeta a sua própria vida e a de todos ao seu redor.

Elisa, uma princesa que é expulsa de seu reino, vê seus onze irmãos serem transformados em cisnes. Na peça, o Grupo Teatro Por Um Triz faz uma adaptação do conto “Os Cisnes Selvagens”, de Hans Christian Andersen, utilizando diversas possibilidades do Teatro de Papel – do clássico Toy Theatre até a pesquisa de técnicas como origami, kirigami, livros pop up, objetos e arquitetura em papel.

A peça conta a história de uma profunda e sólida amizade entre uma mulher e um homem de estratos sociais diferentes – Sílvia, professora e artista plástica, que viveu grande parte da vida às voltas com as crises em seu casamento e Floriano, “boy” e faxineiro, de hábitos simples que sempre levou sua vida com leveza e bom humor.Depois de quase meia década de convivência, Sílvia é uma mulher solitária, que se recupera de um AVC, e Floriano, o único amigo ainda presente. Aos poucos, ele contagia Sílvia, com sua alegria de viver e senso de humor, que acabam devolvendo a saúde e os movimentos à amiga.

Após a morte do companheiro, um homem entra em contato com um acervo de cartas e diários guardados por este. No material encontrado, o homem descobre fatos e acontecimentos até então desconhecidos, que ocorreram há quarenta anos e que foram determinantes para que ele pudesse encontrar seu companheiro. O material encontrado foi escrito e deixado por Eduardo, seu sobrinho Oliver e o amigo deste, Bernardo. Os fatos descritos narram a relação destes três homens, onde cada um expõe seu ponto de vista sobre os acontecimentos. A amizade de Oliver e Bernardo, a amizade de Bernardo e Eduardo e a relação amorosa entre Oliver e Eduardo são descortinadas e possibilitam ao homem, depois de quarenta anos, descobrir os meandros da sua própria história e os acontecimentos que possibilitaram a ele ser o homem que se tornou. Uma criação de Fábio Ferretti a partir da obra Les Faux-monnayeurs de André Gide.

Baseado no conto As Coisas que Perdemos no Fogo, da escritora argentina Mariana Enriquez, a peça traz uma realidade distópica na qual mulheres passam a se atirar em fogueiras voluntariamente, como forma de protesto às violências a que são submetidas. Atear fogo no próprio corpo – e não morrer – se torna um contra ataque às sociedade, que entra em colapso diante da necessidade de promover novas leituras ao dito feminino. Queimadas e desfiguradas, elas se tornam perigosas, sádicas, monstruosas. Simbolicamente indestrutíveis.

Ao ver São Paulo, o público descobre histórias encantadoras, garimpadas ao longo de anos, sobre uma cidade que assusta, desafia, acolhe, estimula e sempre surpreende. Dividindo o palco com Regina Braga, um grupo músicos e atores formado por Xeina Barros (voz e percussão), Alfredo Castro (voz e percussão), Vitor Casagrande (voz, cavaquinho e bandolim) e Gustavo de Medeiros (voz e violão) traz à tona versos, contos e melodias que mostram uma cidade única, contraditória, misteriosa e muito divertida. Desde a sua fundação, em 25 de janeiro de 1554, na área conhecida como Campos de Piratininga, entre os rios Anhangabaú e Tamanduateí, onde já existia o Pateo do Colégio, a cidade de São Paulo tem vivido contínuas transformações, sempre acolhendo quem chega, multiplicando sua diversidade e acelerando sua evolução. Esta cidade ocupa o papel de personagem principal do espetáculo, que reúne histórias deliciosas como o relato do Padre José de Anchieta sobre subir a serra do mar (a pé!), a visão poética de Itamar Assumpção sobre o Rio Tietê, a reflexão de Drauzio Varella sobre os passarinhos (bem-te-vis, tico-ticos, sanhaços, sabiás…) que, teimosos, ainda insistem em morar na cidade, e outras preciosidades escritas por ninguém menos que José Miguel Wisnik, Mario de Andrade, Oswald de Andrade, Paulo Prado, Castro Alves, Paulo Caruso, Guilherme de Almeida, Plínio Marcos, José Ramos Tinhorão, Alcântara Machado, German Lorca, Frei Gaspar da Madre de Deus, Carlos Augusto Calil, Paulo Bonfim e Pedro Corrêa do Lago. A ideia do espetáculo começou a tomar forma há dez anos, estimulada pela leitura do livro A Capital da Solidão, de Roberto Pompeu de Toledo. Ao longo da peça, (re)descobrimos a transformação da pacata vila com o ciclo do café, que fomentou estradas de ferro e estimulou a imigração; a fundação da Faculdade de Direito no largo de São Francisco, que impactou definitivamente em sua vida cultural e de lazer; o crescimento da cidade para além dos rios Tietê e Pinheiros; o surgimento das periferias a partir dos anos 30 e sua imensa força braçal e cultural; o carnaval do jeito bem paulistano e suas primeiras escolas de samba…

Em meio a tantos problemas, desejos e inquietações, a personagem se depara com um mistério, bem cabeludo, quase insolúvel, em seu acanhado e modesto espaço privado… e agora, o que fazer?

O musical Os Boêmios de Adoniran é um espetáculo que visa o resgate e a difusão da história do samba paulistano para o público em geral. Através das composições de Adoniran Barbosa e de uma história emocionante, jovens, adultos e idosos tem a oportunidade de conhecer um pouco mais da cidade de São Paulo.

O musical retrata a vida de Tarsila do Amaral, que com sua paleta de cores e inovação, mostrou a verdadeira face do Brasil, traduzindo a complexidade e a riqueza da cultura nacional para o mundo todo. A montagem, com texto e letras de Anna Toledo e José Possi Neto, também diretor geral, e direção musical de Guilherme Terra, traz ainda Jarbas Homem de Mello, dando vida a Oswald de Andrade. Além deles, completam o elenco de 23 atores cantores: Carol Costa (Dulce/ Pagu), Liane Maia (Dona Olívia Guedes Penteado), Reiner Tenente (Luís Martins /Blaise Cendras), Estela Ribeiro (ensemble/ Tarsila do Amaral alternante), e também André Luiz Odin (ensemble), John Seabra (ensemble/ Mário de Andrade cover), Fernanda Godoy (ensemble/ swing), Fernanda Salla (ensemble), Guilherme Terra (Ígor Stravinsky/ Maestro condutor), Marcos Lanza (ensemble), Marilice Cosenza (ensemble/ Anita Malfatti cover), Matheus Paiva (ensemble), Mirella Guida (ensemble), Carol Botelho (ensemble / Dulce/Pagu cover), Rafael Leal (ensemble), Renato Bellini (ensemble), Vanessa Costa (ensemble / Dona Olívia Guedes Penteado cover), Guilherme Pereira (ensemble / dance captain). A história começa com a chegada de Tarsila a São Paulo, em 1922, vinda da Escola de Artes de Paris, e seu encontro com os modernistas, que daria origem ao famoso Grupo dos Cinco (Tarsila, Anita Malfatti, Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Menotti del Picchia) e seria o início de um tórrido romance entre ela e Oswald. A ação então passa pela efervescência e excessos dos modernistas, a vida entre São Paulo e Paris, o atribulado e concorrido atelier de Tarsila em Paris, frequentado pela nata artística da época (Pablo Picasso, Igor Stravinsky, Eric Satie, Jean Cocteau, entre outros), o “redescobrimento do Brasil” e as revoluções estéticas que culminaram no movimento Antropofágico e na criação do Abaporu, ponto máximo da colaboração artística entre Tarsila e Oswald.

O monólogo parte do encontro da atriz Fernanda Viacava com a vida e a obra de Gabriela Leite, principal referência na luta em defesa dos direitos das prostitutas no Brasil. A atriz narra em primeira pessoa o encontro com Gabriela se reconhecendo com ‘elas’, as mulheres da vida, a partir das suas inquietações como mulher e como atriz. Uma busca que parte do corpo da prostituta e transborda para o corpo de qualquer mulher que deseja.

No ano em que se completam 20 anos da morte de Hilda Hilst (1930 - 2004), a Mário apresenta o espetáculo solo "Agda", em que a atriz Giselle Petty transpõe para os palcos o conto homônimo da escritora publicado em 1973, dentro do livro "Kadosh".Refletindo sobre alguns dos temas centrais da poética hilstiana, como a busca incessante por Deus e o erotismo religioso, a peça narra a via-crúcis de um corpo feminino livre, potente e integrado com a natureza.A personagem-título fala com Deus e tem três namorados amantes: Orto, Kalau e Celônio. Busca a experiência mística, mas sucumbe em razão de uma construção patriarcal e misógina de religião e assimilação do feminino.Para adaptar a narrativa, a atriz e diretora Giselle Penett alterna no palco entre as personagens, acompanhando o fluxo da escrita poética de Hilda.

Luís Felipe faz escolhas guiadas pela angústia de não se sentir completo, desesperado pela apatia dos dias e das pessoas comuns. Pra ele, a felicidade, a sensação de satisfação é externa e, até agora, parece inalcançável.Em distintas janelas de tempo, a perturbação de Luís Felipe é narrada num jogo que experimenta todas as tensões entre o que é real e o que é ficção.

Genézio de Barros celebra 50 anos de carreira e protagoniza Irineu, espetáculo que reabre programação de novo teatro O elenco também conta com Tiago Luchi, que criou a dramaturgia, e Maria do Carmo Soares. Na trama, João Macena (Tiago Luchi) é internado e passa a dividir o quarto com Seu Irineu (Genézio de Barros), um senhor muito simpático, mas que esconde alguns mistérios. Os dias no hospital parecem intermináveis para João Macena, porém seu companheiro de quarto os fazem ficar mais divertidos quando relata algumas das aventuras que já viveu. Entre elas está o dia em que pegou um navio para a América, ou então quando esteve nos campos de batalha japoneses, ou ainda quando foi taxista em uma grande cidade. Impressionado com as histórias de Irineu, João se sente motivado para enfrentar a doença que o levou até o hospital, sem saber que a maior lição de todas ainda estaria por vir.

Monólogo escrito pelo jornalista Guilherme Fiuza e com interpretação de Reynaldo Gonzaga. Num futuro não muito distante, um homem está numa cela de um manicômio judiciário sem saber por que o prenderam lá. Ele se considerava um cidadão exemplar. Cumpridor abnegado de todas as medidas governamentais garantidoras da ética coletiva. Tinha orgulho da sua elevada pontuação no esquema de crédito social – e estava quase alcançando uma faixa de pontuação cidadã que lhe permitiria morar numa área mais nobre.Justamente nesse momento ele é preso, sem saber o motivo. E uma vez separado do seu iPhone, não tem mais acesso à sua posição social – ou seja, não consegue saber nem quanto tempo vai ficar preso. Vai dividindo sua perplexidade com o companheiro de cela (oculto), que se mantém em silêncio. O companheiro de cela morre, e o protagonista encontrará em seus pertences pistas do motivo da sua prisão.

A peça mostra a comunidade judaica incomodada com o pensamento de Baruch de Spinoza, filho de imigrantes ibéricos acolhidos em Amsterdã, que afronta os costumes e preceitos de sua religião. Na tentativa de convencê-lo a ser um bom cidadão, os Rabinos do Conselho Judaico apresentam formas de conversão. Se Spinoza não aceitar, será julgado, condenado e exilado. Ele expõe todo o seu pensamento a seu amigo, Jan Rieuwertsz, editor de livros, com quem pode desabafar e contar de seus planos futuros. Um convite à reflexão e à liberdade de pensamento. O espetáculo é pontuado por músicas sefarditas do século XVII, em língua ladina, executadas ao vivo.

Coronel Mostarda com a Chave Inglesa na Cozinha é um espetáculo jogo de investigação inspirado no jogo de tabuleiro detetive, em que o público é convidado a desvendar o caso da noite a partir das cenas totalmente improvisadas.

Com dramaturgia centrada em duas personagens, Filho e Mãe, interpretados pelo ator Aury Porto, e dinâmica de troca de “máscaras”, espetáculo transita entre a memória do portador da Doença de Alzheimer e o surrealismo na qual as imagens e situações se expressam diretamente do inconsciente.A convivência de Aury Porto com sua mãe, que vive com Mal de Alzheimer há 15 anos, bem como a relação familiar com o lento processo de degeneração cognitiva e de memória acarretado pela doença, foram pontos centrais para a criação do espetáculo solo do artista, que marca sua primeira incursão no universo da autoficção, sob a direção de Janaina Leite

Uma funcionária de uma big tech narra as violências que seu corpo sofre após ter perdido seu emprego e ter um vídeo seu viralizado na internet. Esta situação faz com que ela entre em uma espiral de situações extremas que a fazem perder suas sensações físicas. Um sonho-epifania em que ela se torna uma baleia a impulsiona a buscar outras experiências corpóreas e possibilidades de existência.

Com uma ampla pesquisa sobre a mulher negra como protagonista da cena e o corpo como vetor artístico, a atriz mineira Danielle Anatólio desenvolveu, em 2016, o solo Lótus. Na trama, a partir da pergunta-chave “O que você vê quando olha para uma mulher negra?”, o público encontra histórias tradicionalmente invisibilizadas. Em cena, ao longo de 60 minutos, os espectadores são confrontados com três figuras femininas: a ancestral, a erê (criança) e uma mulher preta contemporânea. Para a preparação física, a artista-criadora utilizou a dança afro contemporânea. Ao mesmo tempo, a trilha sonora mescla a musicalidade afro-mineira, com os tambores do Congado Mineiro, e uma percussão ao vivo que toca o barravento de Iansã e o ijexá de Oxum.

O texto de Hilda Hilst de parte da história real do padre franciscano Maximilian Kolbe que, em um campo de concentração nazista de Auschwitz, apresentou-se voluntariamente para ocupar o lugar de um judeu sorteado para morrer no chamado “porão da fome” em represália à fuga de um prisioneiro. No porão da fome, a autora coloca em conflito os prisioneiros condenados a morrer na cela: o Padre, o Carcereiro, o Poeta, o Estudante e o Joalheiro, que são visitados pelo Oficial da SS, pela Mulher que limpa os fornos e por Hans, o ajudante da SS. Na montagem, eles aparecem isolados, confinados em gaiolas como um signo, uma alusão à prisão onde a história se passa. Segundo o diretor Hugo Coelho, “esta é uma versão contemporânea do texto de Hilda. Não é uma reconstituição de Auschwitz, partimos de Auschwitz. O espetáculo é um grito contra a barbárie, contra o fascismo que usa a violência como instrumento de ação política”.

“Ainda Dá Tempo” traz uma reflexão divertida e instigante sobre a passagem do tempo e a importância do cuidado que os casais devem ter com o relacionamento, nas suas diferentes fases. A comédia começa com casal de meia idade e seu filho adolescente, que arrumam sua casa que está à venda, para receber compradores. Dois casais, em fases e objetivos distintos, chegam para a visitação e começam a compartilhar as experiências e os desafios que enfrentam em seus relacionamentos. As afinidades entre os gêneros vão se tornando evidentes até que sinais estranhos e misteriosos surgem, o que os leva a uma descoberta surpreendente. Tal situação desperta os casais a questionarem sobre como, no presente, lidam com o seu passado e o que desejam fazer pelo seu futuro.

Para o Coletivo Comum, os deslocamentos forçados de pessoas por conta de guerras, violações de direitos humanos, condições climáticas e perseguições de qualquer tipo são um dos principais temas da atualidade, envolvendo questões individuais e coletivas, políticas e subjetivas. O grupo decidiu, então, fazer desses deslocamentos o seu material de pesquisa para construir o espetáculo “eXílio”. Mantendo a tradição de fazer teatro documental, o Coletivo Comum estruturou cerca de 30 cenas para dar conta da multiplicidade de abordagens referentes ao tema do exílio. São quadros independentes, nos quais o elenco formado por Fernanda Azevedo, Maria Carolina Dressler, Renan Rovida, Renata Soul e Roberto Moura narra as diferentes dimensões envolvidas nas questões envolvendo migração, refúgio e exílio.

Fernanda Torres interpreta uma libertina baiana de 68 anos em “A casa dos budas ditosos”, adaptação para o teatro do livro de João Ubaldo Ribeiro com direção de domingos de oliveira.O espetáculo já rendeu à atriz a vitória do Prêmio Shell em São Paulo e prêmio qualidade brasil de melhor atriz, melhor diretor e melhor comédia em 2004.

Eduardo vive um relacionamento abusivo com seu namorado Michel, agravando-se ainda mais quando decidem morar juntos. Eduardo, por muito tempo, sofreu calado violência física e psicológica provocadas por seu parceiro até que um dia decide denunciar, levando o caso às autoridades, mas o descaso e o preconceito, vindo de quem deveria protegê-lo, cria uma barreira, ainda maior, entre o grito de socorro e o medo de se expor. A violência, então, persiste fazendo com que Eduardo sobreviva a uma estatística, normalmente, atribuída apenas as mulheres.

Primeiro encontro nos palcos do ator Tony Ramos e da atriz Denise Fraga, O que Só Sabemos Juntos é um chamado urgente. Uma convocação para que cada pessoa saia de sua bolha de isolamento e seja capaz de, genuinamente, se colocar no lugar do outro, sentir suas dores e compreender suas angústias, mas também suas alegrias, transformações e conquistas. Denise e Tony são mais do que dois dos mais célebres e reconhecidos atores do Brasil: ambos são conhecidos por sua consciência cidadã e sua necessidade de estarem sempre em diálogo artístico com temas urgentes da vida do país e do mundo.Valendo-se de dispositivos de interação direta e delicada com a plateia (alguns dos quais já foram experimentados com sucesso em Eu de você), O Que Só Sabemos Juntos se pretende um espetáculo-festa-despertador, uma mola propulsora que tira o espectador da apatia, de sua tela e o convoca a experimentar no aqui e agora, emoções, ações e, principalmente, entender que todos dependemos uns dos outros nessa peça, como na vida. Imaginar mundos possíveis juntos, e construir com o público, daquele dia, o espetáculo.Uma coisa é ler a notícia de que dezenas de milhares de pessoas abandonaram suas casas às pressas, que milhares foram massacradas em um único dia, que centenas buscam refúgio ou foram violentadas naquela tarde. Tudo isso são só números, abstratos, distantes. São? Mas, se ao contrário, ouvimos histórias das pessoas envolvidas, sabemos de suas circunstâncias íntimas, seus desejos e emoções, talvez possamos nos identificar com elas e saber que poderíamos ser nós que estaríamos em seu lugar. Ou ainda, que precisamos agir coletivamente, agora. Sair da frieza dos números e alcançar o calor das histórias. Sensibilizar, sem sentimentalismo, com uma linguagem refinada, muito humor e senso crítico.

Após uma temporada de sucesso em 2023, o musical retorna aos palcos paulistanos. A história se passa em 1595, na Inglaterra, antes de Shakespeare escrever Hamlet, considerada sua obra de maior destaque. Na época em que acontecem os fatos, o dramaturgo já fazia enorme sucesso com Romeu e Julieta, entre outros trabalhos. Concorrentes do Bardo, Nick e Nigel do Rêgo Soutto precisam montar uma nova peça, mas a falta de criatividade para lançar algo que faça mais sucesso que os trabalhos de Shakespeare os deixa em apuros. Nick, o mais velho dos irmãos, resolve, então, consultar um vidente para saber qual será o maior sucesso dos palcos no futuro. É aí que Nostradamus – o sobrinho – prevê que o público vai adorar peças em que a história é apresentada por meio de canções, além de muita dança. O até então desconhecido musical.Além de satirizar o gênero, a peça fala sobre a crise criativa de autores, sobre o machismo que impedia mulheres de trabalharem, a religião usada como instrumento para repressão, além, claro, de homenagear a obra de Shakespeare. Tudo isso de maneira inteligente e engraçada. O espetáculo ainda traz muitas referências a outros musicais famosos e às obras do Bardo, inclusive o próprio Shakespeare como personagem, carinhosamente chamado de Will; a destemida e feminista Bea, esposa de Nick; o sobrinho de Nostradamus; além do religioso Irmão Jeremias, que não aprova os desejos de Portia, sua filha.

A quem é dado o direito de inventar mundos? Quais origens de mundo conhecemos? Que mitos constituem nosso inconsciente colonial? Que outros mundos já existem entre nós? Imaginar um mundo é desejo ou privilégio? A imaginação de tudo importa. Sistemas políticos de dominação foram imaginados, desejados e ficcionados ao longo de séculos por modos de vida supremacistas e seguiram retroalimentados por eles. O teatro é uma tecnologia de invenção de mundos. Nós acreditamos na fabulação como prática de vitalidade, friccionando mundos dentro e fora de nós na produção de imagens, corpos, narrativas, forjando nova imaginação coletiva. Este é um projeto que coloca o teatro no epicentro da engrenagem de invenção de modos de vida que reexistem às inúmeras formas de massacre colonial, desse e de outros tempos.

Adaptação da primeira versão do texto de William Shakespeare, mais enxuta e dinâmica. Hamlet, príncipe da Dinamarca, deseja vingar a morte do rei, seu pai, executado pelo próprio irmão, Cláudio, que se casou com a rainha e se tornou rei daquele país. Hamlet se encontra cada vez mais determinado a vingar a morte do pai, mas acaba se deparando em diversas dúvidas, morais e filosóficas.

O público brasileiro terá a oportunidade de se encantar novamente com a montagem do clássico Cantando na Chuva, que ganha nova versão em 2024A peça traz ao palco os ares nostálgicos da Hollywood do final dos anos 1920, época de efervescência da sétima arte, quando os filmes mudos foram dando espaço ao cinema falado. Visto por milhões de pessoas em todo o mundo e aclamado por público e crítica, o filme é um clássico que une gerações tanto por sua história divertida e inteligente quanto por seus números excepcionais de dança e sapateado que marcaram para sempre a história dos musicais.Por esta razão, os produtores da nova montagem tiveram um cuidado mais que especial para que a magia do cinema ficasse ainda mais encantadora quando transposta para os palcos. E, obviamente, os atributos inerentes ao teatro como o contato próximo com o público, a cadência entre cenas e a euforia que só uma apresentação ao vivo com orquestra, elenco, luz, cenário e figurino grandiosos podem oferecer, foi harmonicamente inserida na produção.Baseado no clássico filme de 1952, o musical Cantando na Chuva se passa em Hollywood no final da década de 1920. As estrelas do cinema mudo Don Lockwood e Lina Lamont vivenciam a impossível transição para o cinema falado, por conta da voz estridente de Lina, que arranca risadas da plateia. Enaltecida por doses certeiras de comédia, romance, dança e sapateado, a trama se aquece com a paixão inesperada de Don com a corista contratada para dublar a superestrela Lina. O musical é divertidíssimo e indicado para toda a família, com coreografias inesquecíveis, além do memorável número da canção “Singin’ in the Rain”, levado aos palcos com o desafio técnico de fazer chover em cena.

O musical mais bem sucedido do mundo, está celebrando 25 anos de sucesso e volta ao Brasil depois de 10 anos.Com direção de Julie Taymor, produção de Thomas Schumacher, presidente da Disney Theatrical Productions, O REI LEÃO, o maior espetáculo da Broadway, reina absoluto desde sua estreia há 25 anos. A adaptação visionária da animação do Walt Disney Studios redefiniu nossas expectativas sobre produções teatrais e tornou-se recorde de público (cem milhões de pessoas ao redor do mundo, sendo mais de 850 mil no Brasil).A concepção artística ousada e inovadora é um dos destaques da produção, como por exemplo, a criatividade com a qual figurinos, máscaras e objetos manipuláveis se unem para permitir ao elenco atuações que representem cada animal ao invés de imitá-lo. A performance de canções em 6 línguas africanas originárias (Swahili, Zulu, Xhosa, Sotho, Tswana, Congolês) também marca o espírito que caracteriza o show.

A comédia musical “O Adorável Trapalhão, O Musical” irá abordar a vida e carreira do renomado comediante brasileiro Renato Aragão e seu personagem Didi, desde Sobral, no Ceará, em 1943, onde nasceu, seguindo a jornada até seu sucesso na televisão, passando pela sua estreia na TV Ceará, sua mudança para o Rio de Janeiro, e seu eventual sucesso como membro do grupo "Os Trapalhões" na TV Globo.O espetáculo destaca os momentos importantes da carreira de Renato, como a formação do quarteto com Dedé Santana, Mussum e Zacarias, seus filmes de grande sucesso, e seu trabalho filantrópico com o "Criança Esperança". Também aborda os desafios e conflitos enfrentados pelo grupo, incluindo uma separação temporária. A história é contada com números musicais, coreografias e interações entre os personagens que marcaram a carreira do comediante

Era Natal de 2008 na Dinamarca. Guilherme e Vera conheceram juntos a versão da mais conhecida obra de Albert Camus adaptada pelo ator, diretor e amigo dinamarquês Morten Kirkskov. Guilherme já gostava do livro e ficou encantado com a possibilidade de levar O Estrangeiro aos palcos. Vera aceitou estrear na direção. Juntos, criaram a primeira montagem do clássico do escritor no Brasil.O processo levou dois anos de maturação com leituras dramatizadas realizadas para amigos, críticos literários, diretores e público, no Rio e em São Paulo. Após 15 anos da primeira e bem-sucedida montagem, sucesso de público e crítica, que circulou por quatro anos pelo Brasil e se encerrou no Festival de Edimburgo em 2012, Vera Holtz e Guilherme Leme Garcia, se juntam novamente para darem nova roupagem e emprestar novo olhar, remixado e recarregado de novos sentidos, à obra prima da literatura mundial.Meursault, o personagem central de O Estrangeiro, leva uma vida banal; recebe a notícia da morte da mãe, comete um crime, é preso, julgado, em meio à controversa relação entre o indivíduo e a lei, sendo assim mais um homem arrastado pela correnteza da vida e da história. Seu drama pode ser lido como o drama de qualquer pessoa, que se depara com o absurdo, ponto central da obra de Albert Camus.Na trama, Meursault não encontra explicação nem consolo para o que acontece em sua trajetória, tudo acontece à sua revelia e nada faz o menor sentido. Ele não acha explicação na fé, religião ou ideologia, não tem onde se amparar. O que pode ser visto como uma vantagem: esse homem é livre, pode se fazer a si mesmo, sua vida está em aberto. Ele se depara, e se angustia, diante da liberdade e do absurdo, e quando descobre que essas duas condições são intrínsecas, finalmente encontra a paz.

"Daqui Ninguém Me Tira" é uma comédia musical que traz uma mensagem poderosa através da história de Velvet (Alexia Twister), uma drag queen que se vê prestes a ser despejada de seu antigo barracão para dar lugar a novos empreendimentos. Escrita por Noemi Marinho, a peça aborda de forma humorada e reflexiva o conflito entre o progresso representado por Herculano (Giovani Tozi revezando com Anderson Müller), um funcionário de uma grande incorporadora, e a preservação da memória e identidade de Velvet.Na trama, Herculano se vê dividido entre apoiar Velvet e cumprir suas obrigações profissionais, criando um embate interessante que não se resume a mocinhos e bandidos. A comédia musical explora os dois lados da história, questionando como conciliar o avanço urbanístico com a manutenção das raízes e do patrimônio cultural. A encenação de Neyde Veneziano se inspira nos numerosos canteiros de obras da cidade de São Paulo, estabelecendo uma analogia entre a rica memória do Teatro de Revista, simbolizada pelas exuberantes vedetes, e o gradual desaparecimento da arquitetura urbana, junto com suas histórias entrelaçadas.

Em “Enquanto você voava, eu criava raízes” nenhuma palavra é dita, a dramaturgia é guiada pelos corpos em diálogo com as artes visuais, o cinema, a dança e o teatro. Nesse navegar por várias linguagens, os significados também se apresentam diversos e chegam ao público em camadas múltiplas e plurais. Assim, entre sonho e realidade, somos apenas um emaranhado de sombras e luzes, diante do imensurável, da imensidão e do mistério do abismo. Esse espetáculo é uma caminhada e, a um só tempo, perturba nossas percepções e revela a força do onírico. Um tempo-espaço em que o amor e a cura são manifestações de nossa consciência para além de nossos medos, angústias e feridas profundas, nem sempre possíveis de compreender a origem. E um universo cenográfico que nos transporta para um oráculo, um portal, o tempo suspenso de um sonho nos conduz aos nossos próprios sonhos, aos nossos próprios abismos. Uma experiência para ver com os ouvidos e ouvir com olhos. “As vozes serão silêncios e os olhares abissais”.

Após o rompimento de uma barragem com 150 vítimas, um jornalista confronta o CEO da empresa de mineração a MBS. Mineradora brasileira do Sudeste.O drama apresentado no texto busca entender o custo de uma vida no negócio das grandes corporações. Pela natureza de entreter e provocar uma reflexão o teatro se mostra um lugar de convívio cordial entre os envolvidos, mas ao mesmo tempo visceral como experiência de fruição da arte. O texto reflete o drama da Realpolitik no dia a dia do indivíduo.

Estrelado por Marília Gabriela e Theodoro Cochrane, o espetáculo discute temas como feminismo, conflito de gerações e homofobia abordando a relação entre mãe e filho com uma honestidade brutal.Sem a quarta parede, o espectador é convidado a participar ativamente da montagem, respondendo até ao famoso bate-bola, marca registrada de Marília Gabriela.

Entre Franciscos, O Santo e O Papa mostra o Papa Francisco preocupado e cansado dos problemas do cotidiano. Ele entra na lavanderia do Vaticano, local que mandou construir para a população de rua e encontra um homem. Inicialmente, ele não percebe, mas este homem é São Francisco de Assis e, aos poucos, o diálogo entre essas duas icônicas figuras vai revelando dores, incertezas, mas também amores, fé e reflexões sobre os grandes dilemas da humanidade.

Em "O Vazio na Mala", Samuel, renomado jornalista de guerra, retorna ao Brasil em 2005 para vender o apartamento dos pais, fechado desde a morte deles, há mais de 5 anos. Porém, ao mergulhar nas memórias familiares, ele se depara com conflitos e segredos. A avó, Esther, guarda numa mala fechada os relatos e documentos da fuga da Alemanha nazista Em meio a revelações sobre o passado violento de seu pai, Franz, a cuidadora Ruth surge como elo de afeto e uma força propulsora do encontro entre Samuel e Esther e das transformações necessárias a cada um. Baseada em eventos reais, "O Vazio na Mala" explora temas universais como família, ciclos e a busca por significado.

Bastian Balthasar Bux, um menino tímido que adora ler, e vê nos livros uma forma de escape para a sua vida tão triste. Um dia ele encontra um livro que o fascina de forma mágica. Ele lê sobre o reino de Fantasia, onde o Nada se propaga cada vez mais, de maneira assustadora fazendo um paralelo com sua vida, não consegue parar de ler até que o livro o chama para salvar a Fantasia que está sendo ameaçada. No mundo da fantasia, a imperatriz criança adoece misteriosamente e sua salvação seria ter um novo nome . Este nome só pode ser dado por uma criança humana. Seria Bastian a criança capaz de salvar o reino de Fantasia? E com isso salvar a si próprio? Junto com o jovem heroi, Atreiú, e o Dragão da Sorte, Fuchur, ele se entrega a uma viagem na qual cada minuto importa. Salvar Fantasia e com isso salvar o reino dos humanos.

Dez anos depois da estreia do sucesso Rita Lee Mora ao Lado, a atriz Mel Lisboa volta a interpretar a roqueira-mor em um musical inédito, desta vez inspirado na autobiografia da cantora. Mel conta a história de Rita com base no livro da cantora, lançado em 2016 e um dos maiores sucessos editoriais do Brasil. O livro narra os altos e baixos da carreira de Rita com uma honestidade escancarada, a ponto de ter sido apontado como “ensinamento à classe artística” pelo jornal O Estado de São Paulo. A ideia do novo musical surgiu quando Mel gravou a versão em audiolivro, como Rita, em 2022. O texto de Rita, numa narrativa envolvente e perfeita para um musical biográfico, conta do primeiro disco voador avistado por ela ao último porre. Sem se poupar, ela fala da infância e dos primeiros passos na vida artística; de Mutantes e de Tutti-Frutti; de sua prisão em 1976, na ditadura; do encontro de almas com Roberto de Carvalho; das músicas e dos discos clássicos; do ativismo pelos direitos dos animais; dos tropeços e das glórias.

Do mesmo autor da premiada Momo e o Senhor do Tempo, a nova criação teatral da diretora Carla Candiotto é A História Sem Fim, clássico da literatura alemã sobre o poder da fantasia, best-seller mundial traduzido para 44 idiomas, com mais de 9 milhões de livros vendidos. Tímido, Bastian Balthasar Bux adora ler, pois encontra nos livros uma forma de escape para sua vida tão triste. Com a morte de sua mãe, recebe um livro de presente e fascinado de forma mágica pelo mesmo, o menino mergulha em Fantasia tentando se afastar desse mundo real. Esse reino fantástico, está ameaçado pelo Nada, que se propaga cada vez mais de maneira assustadora. Mergulhado no livro, Bastian recebe o chamado das personagens da obra para salvar Fantasia. Nesse universo, a Imperatriz Criança, que adoece de forma misteriosa, só pode ser curada se receber um novo nome a ser dado por uma criança humana. Bastian se enche de coragem e junto, com o jovem herói Atreiú e o Dragão da Sorte Fuchur, atende o chamado de fantasia. O garoto se entrega a uma viagem na qual cada minuto importa. Seria Bastian a criança capaz de libertar o Reino de Fantasia?

Novo espetáculo reúne obra clássica de Stravinsky e cosmogonias origináriasEm junho, a Companhia de Dança Deborah Colker estará pela primeira vez no Teatro Santander para comemorar seu trigésimo aniversário e apresentar o espetáculo inédito “Sagração”. Na versão dirigida por Deborah Colker, a música clássica de Stravinsky encontra ritmos brasileiros em um roteiro inspirado por visões ancestrais sobre a origem do mundo. O processo criativo de “Sagração” durou dois anos e meio. O espetáculo é uma livre adaptação de “A Sagração da Primavera”, obra composta pelo russo Igor Stravinsky, que ganhou projeção mundial pela montagem estreada em Paris em 1913, com coreografia de Vaslav Nijinsky e produção de Sergei Diaghilev para os Ballets Russes. A composição musical é considerada revolucionária por introduzir estruturas rítmicas e harmônicas nunca utilizadas em partituras. Foi em uma viagem para o Xingu, durante o Kuarup, e no encontro com as aldeias indígenas Kalapalo e Kuikuro, que Deborah conheceu Takumã Kuikuro. O cineasta contou a ela como o povo do chão recebeu o fogo do Urubu Rei. Essa história é dançada e acompanhada por narração do próprio Takumã e faz parte da coleção de cosmogonias que a diretora reuniu para montar a dramaturgia do espetáculo.Boi bumbá, coco, afoxé e samba foram introduzidos à criação de Stravinsky. Aos acordes de instrumentos de orquestra, o diretor musical adicionou flauta de madeira, maracá, caxixi e tambores. Os paus de chuva também entram em cena no arranjo executado ao vivo pelos bailarinos

Recorte de um único e intenso dia na primavera londrina de 1934, o espetáculo “Sra. Klein”, que teve ingressos esgotados em São Paulo, Brasília e no Rio, retorna à capital paulista para nova temporada no Teatro Bravos, a partir de 4 de maio. Embora ambientado há quase 90 anos, o texto do autor inglês Nicholas Wright — com adaptação brasileira de Thereza Falcão. As histórias familiares da psicanalista austríaca Melanie Klein (1882-1960) exercem fascínio no mundo todo e a peça já foi encenada no Brasil duas vezes — nos anos 1990, com Ana Lúcia Torre, e, em 2003, com Nathália Timberg à frente do elenco, ambas sob a direção de Eduardo Tolentino de Araújo. Foi ao assistir à segunda montagem de Tolentino que Ana Beatriz Nogueira desejou pela primeira vez viver a personagem-título.A atriz mergulhou numa longa pesquisa sobre a obra e a personalidade da psicanalista. “Essa peça é mais sobre lidar com a vida do que com a morte, e isso inclui, claro, questões cotidianas e os lutos das nossas certezas e crenças”, explica.Vivida agora por Fernanda Vasconcellos, a personagem Melitta, filha de Klein, expõe os conflitos entre mãe e filha, o fio condutor do espetáculo. Neste recorte, ambas as personagens precisam encarar a morte de Hans, o filho/irmão mais novo que acaba de morrer.

Em "O Vazio na Mala", Samuel, renomado jornalista de guerra, retorna ao Brasil em 2005 para vender o apartamento dos pais, fechado desde a morte deles, há mais de 5 anos. Porém, ao mergulhar nas memórias familiares, ele se depara com conflitos e segredos. A avó, Esther, guarda numa mala fechada os relatos e documentos da fuga da Alemanha nazista Em meio a revelações sobre o passado violento de seu pai, Franz, a cuidadora Ruth surge como elo de afeto e uma força propulsora do encontro entre Samuel e Esther e das transformações necessárias a cada um. Baseada em eventos reais, "O Vazio na Mala" explora temas universais como família, ciclos e a busca por significado

Depois de 10 anos afastado dos palcos, Osmar Prado está de volta em um texto clássico e contundente do espanhol Rodolf Sirera, um dos dramaturgos contemporâneos de maior renome na Europa. No palco divide a cena com o premiado ator Maurício Machado e direção de Eduardo Figueiredo. Uma obra reconhecida e premiada em vários países, uma espécie de thriller, que trata de temas importantes e atuais. O texto propõe uma reflexão pertinente sobre a ética, estética, as máscaras das convenções sociais, o jogo do poder, em suma, a necessidade de autoconhecimento tão latente em todos nós, dentro dos limites da realidade e da ficção.

Na Sociedade Literária do Velho Bardo Bêbado, seis atores e atrizes se encontram todas a noites para celebrar o bom e velho Will e a sua tragédia mais famosa, a escocesa, aquela que ninguém pode ousar pronunciar o nome. Infelizmente (ou felizmente) um deles, ou uma delas, irá tomar cinco doses de uma bebida antes de começar a peça. Agora, cabe aos outros manter a história nos trilhos. Aqui, cada apresentação é diferente, dependendo de quem beber - e do que essa pessoa bebeu!

Manhattan se passa na Nova York dos anos 50. Na corrida pelo Oscar de 1956, o famoso Sr. Williams está pressionado pelos seus produtores e pelo estúdio para entregar o mais breve possível o novo roteiro do longa-metragem. No mesmo prédio onde ele vive, mora o famoso ator John Puccini, grande amigo e parceiro de trabalhos de grande sucesso. Juntos, Sr. Williams e John Puccini curtem a vida badalada e glamourosa de Nova York. E o escritor precisa de muita paciência para receber diversos artistas que o aguardam na entrada do prédio, como as atrizes Deise e Cindy. Já a ciumenta Emily, ex-noiva de John Puccini, tenta arruinar qualquer pessoa que se aproxime de John, inclusive o próprio Sr. Williams.

Vera Holtz se desdobra em personagens da obra literária e em outras criadas por Rodrigo Portella, canta, improvisa, “conversa” com Harari, brinca e instiga a plateia, interage com o músico Federico Puppi – autor e performer da trilha sonora original, com quem divide o palco. Em outros momentos, encarna a narradora, às vezes é a própria atriz falando. A partir do best-seller Sapiens, de Yuval Harari, o premiado espetáculo FICÇÕES fala da capacidade humana de criar e acreditar em ficções: deuses, dinheiro, nações...o que foi ou não inventado? Mas, apesar dessa habilidade inédita e revolucionária que alçou nossa espécie à condição "donos" do planeta, seguimos inseguros e sem saber para onde ir. Você está satisfeito?

‘A Noviça Rebelde’ é um clássico incontestável: estreou na Broadway em 1959 e nunca mais foi esquecido. Em 2024, este fenômeno musical ganhará uma superprodução brasileira.

O musical é baseado no filme clássico de 1994, do diretor Stephan Elliott, e conta a história de duas drag queens e uma mulher transexual que são contratadas para fazer um show em pleno deserto australiano. Para chegar até lá, elas vão a bordo do ônibus intitulado Priscilla, e encaram diversos desafios e aventuras durante a viagem até o destino final.O público irá dançar, cantar, rir e se emocionar com: Reynaldo Gianecchini dará vida a Anthony “Tick” Belrose, performer e drag queen, que possui o nome artístico Mitzi Mitosis. Diego Martins será Adam Whiteley, também conhecido como Felicia. Já as atrizes Verónica Valenttino e Wallie Ruy irão se revezar para interpretar o poderoso papel de Bernadette Bassenger.

O que é viver uma aventura? Na peça Trilha para as estrelas, que estreia no Itaú Cultural, três amigas descobrem, em meio à Mata Atlântica, que deixar para trás os confortos da cidade podem levá-las ao inesperado e a descobertas. Com texto criado coletivamente e direção de Thaís Medeiros, Trilha para as estrelas tem três personagens – Kellen, Amanda e Cláudia –, que, interessadas em ciência, fotografia e poesia, acampam na floresta. Em um primeiro momento, tentam simular os confortos urbanos por meio de apetrechos tecnológicos, mas terminam notando que se aventurar, ali, significa estar aberto aos encontros com os animais, com as plantas e com as estrelas.