GASTRONOMIA

No show "Nas Curvas da Estrada de Erasmo", Miranda oferece uma releitura feminina das canções de Erasmo, destacando sua habilidade como intérprete ao conectar gerações e estilos. Sua relação afetiva com a obra de Erasmo, desde a infância, reflete seu compromisso em perpetuar o legado de grandes compositores brasileiros, sempre trazendo sua marca pessoal. Versátil e autêntica, Miranda é uma figura importante na cena musical paulistana, conhecida por reinventar clássicos e transitar por diversos estilos.

Um dos nomes mais celebrados da nova geração do jazz brasileiro, Jonathan Ferr apresenta-se no Sesc Belenzinho com o show Liberdade, título de seu terceiro álbum. O artista desafia as fronteiras de ritmos, estilos e gêneros como jazz, hip hop, neo soul e música eletrônica neste espetáculo em que cria camadas em sua sonoridade urbana.

Com passagens por elencos de espetáculos como A Gota d’Água, Aurora da Minha Vida e Mulheres de Hollanda, Virginia construiu também uma trajetória musical admirada por crítica e público. Neste show, ela se debruça sobre o lado poético, filosófico e romântico de Raul, trazendo à tona novas camadas de sentido com sua voz expressiva e presença cênica marcante.

Celebraremos os 200 anos do compositor Johann Strauss II, o célebre “rei da valsa”. Faremos isso com uma de suas obras-primas: a opereta ‘O Morcego’. O enredo fala de vingança, mas as risadas estão garantidas com muitos can-cans, valsas e polcas!

Último concerto para piano de Beethoven, o nº 5 foi escrito entre 1808 e 1811, um momento riquíssimo no qual o compositor trabalhava em outras obras seminais como a sexta e a sétima sinfonias, a Fantasia coral e a Sonata les adieux. Apelidada “Imperador”, a obra é grandiosa e imponente, embora com passagens idílicas e de grande delicadeza. Com o Concerto nº 5, Tom Borrow conclui o ciclo de concertos para piano de Beethoven junto à Osesp.A outra parte do programa, que tem regência do maestro japonês Masaaki Suzuki, é dedicada a Pulcinella, que marca um novo momento na carreira de Stravinsky. A obra foi mais uma encomenda dos Balés Russos mas, depois da trilogia revolucionária que culminou na Sagração da primavera, de 1913, Stravinsky voltou os olhos ao passado e escreveu Pulcinella a partir de composições do século XVIII, inaugurando aquela que ficaria conhecida como sua fase neoclássica. Ouviremos a versão original da partitura, com as partes cantadas, e não apenas a suíte orquestral, que acabou se tornando a versão mais conhecida.

Nesta apresentação, o trio formado por Carol Bahiense, Cimara Fróis e Talita del Collado apresenta um repertório de forró e baião com arranjos originais. Na lista, a versão do trio para o clássico “Xote das meninas” e outras canções consagradas são apresentadas numa composição de sanfona, zabumba, triângulo, pandeiro e asalato, além das três vozes.

O cantor e compositor Tagua Tagua apresenta o seu novo álbum de estúdio. Gravado, produzido e composto em seu apartamento, localizado no centro da cidade de São Paulo, o álbum apresenta novas nuances ao projeto que outrora apresentou o neo soul e a psicodelia como suas principais características. Sem esquecer de seus ídolos do passado, artistas como Tim Maia, Cassiano e BillWithers, marcas registradas em sua obra, Tagua Tagua traz agora uma energia dançante renovadora menos presente em seus trabalhos anteriores com novas influências, como Daft Punk e os contemporâneos franceses L’Impératrice.O show conta com a participação especial do músico e cantor alagoano Bruno Berle.

Roberto Carlos apresenta os seus grandes sucessos que marcam a música brasileira desde a década de sessenta. No show, o Rei é acompanhado por uma orquestra de 42 músicos.

A mostra coletiva na Galeria Marilia Razuk considera a prática da escultura na sua relação com o corpo e em suas possibilidades com os materiais e espaço. Na exposição, cerca de 20 obras dos artistas Claudio Cretti, Manuel Brandazza e Raphaela Melsohn se apresentam como forças coexistentes com o espectador, em constante negociação.Reunindo três artistas que exploram as interseções entre escultura, material e o corpo, de formas diversas, a exposição examina como a forma pode ser ‘moldada’ seja por meio da manipulação de materiais rígidos ou maleáveis, na reconfiguração de objetos cotidianos e pela invocação da memória corporal. As obras reunidas sugerem que criar uma forma é também questionar seus limites e reimaginar suas possibilidades de relação com o espaço.

Primeira exposição individual do artista libanês Pascal Hachem em São Paulo.A exposição é um desdobramento de “FEITO NO CÉU”, realizada em Brasília após residência artística de mais de 60 dias na galeria Karla Osorio, na mesma cidade. Com prática profundamente enraizada na relação com a cidade e com temas sócio-politicos, Hachem traduz as incertezas e tensões do ambiente urbano em instalações e esculturas potentes, muito poéticas, que instigam o olhar e o pensamento. Inspirado pela imprevisibilidade da vida em Beirute, onde o futuro é incerto, a obra de Hachem possui natureza transitória. Na mostra, Hachem apresenta mais de 40 obras, todas de séries criadas em sua residência artística em Brasília entre setembro e novembro de 2024. São obras que dialogam com a paisagem cultural e urbana do país, criando intercâmbio poético e reflexivo entre as realidades do Oriente Médio e da América Latina, sobretudo considerando o período de guerras no mundo. Resgata também tradições locais como bordado, miçangas, pipas, entre outras.

A exposição coletiva reúne mais de 20 artistas cearenses sob a curadoria de David Almeida. Com nomes como Leonilson, Efrain Almeida, Arivanio e Darks Miranda, a mostra apresenta trabalhos de diferentes gerações. Ao construir uma narrativa que ecoa o sertão em suas múltiplas dimensões – arqueológica, mística, política e poética –, a exposição mergulha no imaginário cearense de diversas regiões do estado e explora as fronteiras entre o sagrado e o profano, o real popular e o místico redentor.Motivado por uma investigação familiar e pela preservação da memória das paisagens de seus pais, David Almeida, nascido em Guará, DF, aproximou-se profundamente do sertão e seus artistas, encontrando reverberações de suas pesquisas nas imagens criadas por eles. Em seu ateliê, David nota que seu gesto revisita frequentemente as paisagens do sertão de Inhamuns, do Cariri. Vaquejada da Meia-Noite reúne obras em xilogravura, pintura, escultura, instalação e vídeo, com forte presença de artistas ligados à tradição gráfica do Cariri, como José Lourenço, Stênio Diniz e Francisco de Almeida, além de nomes consagrados da arte contemporânea brasileira, como Leonilson. Em comum, os trabalhos evocam fabulações sertanejas atravessadas por tensões sociais, figuras lendárias, manifestações religiosas e signos populares, compondo um painel onírico e crítico de um Brasil subterrâneo e imagético.

A Mendes Wood DM tem o prazer de apresentar a exposição coletiva Remanso com trabalhos de Eleonore Koch, Linda Kohen, Anna Livia Monahan, Rayana Rayo e Paula Siebra. Suas pinturas expõem o que lhes é intrínseco, conduzindo o olhar a territórios silenciosos, densos e simbólicos. Suas obras iluminam espaços domésticos, corpos, objetos e representações da psique e do feminino, criando uma constelação de símbolos que traduzem um cotidiano particular e ao mesmo tempo compartilhável. Remanso reúne uma constelação intergeracional de artistas de diferentes regiões geográficas e trajetórias únicas, que se encontram no ofício da pintura em pequena escala. Telas a princípio discretas, carregam uma profundidade que transporta o espectador para dentro de si: evocam lembranças, sonhos, medos e incertezas. Este diálogo sensível se torna ainda mais potente ao ocupar a Casa Iramaia, originalmente uma residência familiar, que com sua atmosfera introspectiva acolhe e amplifica essas narrativas visuais, como se fosse extensão das próprias obras.

A cantora e compositora Ana Gabriela apresenta na Casa Natura Musical sua nova turnê.No palco, Ana será acompanhada por banda completa, formada por Hygor (guitarra), Thiago Leal (baixo) e Fernando Chocô (bateria). O show combina músicas inéditas do novo álbum com sucessos que marcaram sua trajetória, como “deixa”, “não te largo não te troco”, “mais de nós” e “no escuro”.A proposta da turnê é transportar para o palco a sensibilidade dos videoclipes e da produção do álbum.Ana Gabriela é uma cantora, compositora e musicista de São José dos Campos (SP), que começou sua carreira em 2015, no YouTube, interpretando covers de grandes sucessos. Desde então, lançou os álbuns de estúdio “Ana” (2020) e “Degradê” (2022), além do ao vivo “Acústico Ana Gabriela” (2023), um EP e vários singles. Ao longo de sua trajetória, colaborou com artistas de destaque, como Lulu Santos, Armandinho, Saulo Fernandes, Lagum, Melim, Capital Inicial, Maneva, Francisco Gil e Anavitoria. Sua parceria com Lagum, “Deixa”, ultrapassou 485 milhões de streams, marcando sua relevância no cenário musical digital.

Exposição coletiva com curadoria de Luis Pérez- Oramas e o Núcleo Curatorial Nara Roesler. O ponto de partida da curadoria foi a “música das estrelas”, ouvida, identificada e registrada pela primeira vez em 16 de setembro de 1932, às 19h10, nos campos de Nova Jersey por Karl Jansky (1905-1950), físico e engenheiro especializado em ondas de rádio. Empregado pelos Laboratórios Bell Telephone, ele tinha a tarefa de estudar as fontes de interferência “estática” nas comunicações rádio telefônicas transatlânticas. O ruído das estrelas é o leve chiado de um passado sideral. A partir das obras de Laura Vinci, Abraham Palatnik, Tomás Saraceno, Tomie Ohtake, Bruno Dunley, Monica Ventura, Artur Lescher, Cao Guimarães, Paulo Bruscky, Rodolpho Parigi e Julio Le Parc, a exposição busca sugerir uma cena análoga em que as obras de arte seriam objetos que, como as antenas de Jansky, capturam ressonâncias de fundo de seus próprios campos figurais.

A exposição individual de Marcos Chaves apresenta trabalhos inéditos em tapeçaria do artista carioca, além de três objetos, dos quais duas obras são da década de 90. A mostra toma partido de uma intervenção realizada pelo artista em 2013 na Fundação Eva Klabin, no Rio de Janeiro, na qual Chaves apresentou tapetes que eram réplicas fotográficas de detalhes de tecidos da coleção da Fundação. Em Sangue Azul, Marcos Chaves posiciona nas paredes as tapeçarias inéditas em tons de vermelho que reproduzem fotografias feitas pelo artista do chão de carpetes de locais históricos europeus, como o Palazzo Doria Pamphili, construído em Roma, no século 16; a escadaria que leva ao único trono existente de Napoleão Bonaparte (1769-1821), no Castelo de Fontainebleau, na França, que data dos primórdios do século XII, e era residência dos reis franceses; e a Ópera Garnier, projetada durante o reinado de Napoleão III (1808-1873), o décimo-terceiro palácio a abrigar a Ópera de Paris, fundada por Luís XIV. No piso de uma das salas da galeria, o artista cobrirá toda a superfície do chão com uma versão em grande escala do tapete que originou a pesquisa em 2013.

Leticia Ramos apresenta Silver, um conjunto de trabalhos que ocupa uma sala da Casa Iramaia e investiga a trajetória da luz em relação às superfícies materiais, às paisagens e aospanoramas cósmicos. Neles, Ramos recorre aos recursos do laboratório fotográfico e da cameraless para encenar um encontro entre aparelhos técnicos e o contingente, produzindo imagens que operam entre a presença espectral e a inscrição material. Composiçõesluminosas tensionam visibilidade e escuridão, funcionando como esquemas que desafiam paradigmas de representação e refletem a preocupação da artista pelas possibilidades ainda pouco exploradas na intersecção entre arte e ciência. Sua prática se desenvolve por meio deprojetos extensos, com forte afinidade com o cinema experimental, tanto no uso do suporte material, nas qualidades ópticas, quanto na atenção à duração, à encenação e à organização dos eventos. Essas investigações, expressas como séries interconectadas, se desdobram por meio de experimentação meticulosa e resultam de pesquisas contínuas realizadas em seu ateliê em São Paulo

A galeria apresenta a primeira exposição de Guglielmo Castelli no Brasil. Pintor de Turim, Castelli aprimorou seu ofício durante sua formação acadêmica em cenografia – disciplina que moldou sua prática pictórica, especialmente na forma como representa espaços e interiores arquitetônicos. Embora sua estética esteja enraizada nesse contexto, uma crítica à cultura burguesa marca seu horizonte intelectual. A superfície pictórica não é expressão de mera virtuosidade técnica, mas um campo de batalha no qual Castelli compreende a cultura ao seu redor: o peso do legado, a relação entre a alta cultura e o conservadorismo em contraposição ao popular, e a possibilidade de uma ruptura total.A exposição toma seu título de um verso do poeta brasileiro João Cabral de Melo Neto: Um galo sozinho não tece uma manhã. O verso aparece em A educação pela pedra, coletânea publicada em 1966, quando o Brasil era governado por uma ditadura militar que reprimia artistas e intelectuais com violência crescente nos anos subsequentes. A metáfora do galo, que só consegue anunciar a claridade da manhã se acompanhado de vários outros, mostra-se perene – um tributo à coletividade e à colaboração, que ressoa também com um princípio da abstração geométrica brasileira: o todo é mais do que a soma das partes.

Maior festival drag da América Latina, o The Realness Festival realiza sua quarta edição, com participação confirmada de drag queens que fizeram parte do aclamado reality RuPaul´s Drag Race, como Shea Coulée, Sasha Colby, Sasha Velour, Roxxxy Andrews e Jewels Sparkles. Além disso, o festival também conta com performances de nomes da cena drag brasileira, como Grag Queen, Betina Polaroid, Silvetty Montilla e Ikaro Kadoshi.

A Casa Mágica da Gabby, é uma casa brinquedo que tem muita arte e magia colorida, a personagem Gabby se aventura com o seu amigo Pandy gato, junto com a sua turminha, Sereiata, Gatuno, Dj Risonho, Kitty Fada e Bebê Caixa. Gabby dá vida aos seus brinquedos e os personagens vão interagindo com a platéia em uma história recheada de aventuras incríveis. A Casa Mágica da Gabby é um espetáculo colorido, com muita música, dança e interação com o público.

No espetáculo, o público acompanha Masha, o Urso e os amigos da floresta em uma história emocionante. Nesta jornada, um personagem especial entra em cena: Igor, um misterioso caçador de estrelas que está em busca de novos talentos para o seu circo – e decide levar o Urso com ele! Trata-se de uma montagem repleta de músicas animadas, cenários deslumbrantes e uma história emocionante para encantar toda a família. Em meio a abraços e despedidas, o Urso embarca em um novo mundo cheio de aplausos e desafios. Mas as coisas não são o que parecem… e Masha, junto com seus amigos – e com a sua ajuda! – vai precisar resgatar o Urso dos verdadeiros planos de Igor.

A quarta edição da Mostra 50 Anos Depois reafirma o compromisso da Cinemateca Brasileira com a preservação e difusão do patrimônio audiovisual nacional, além de também exibir filmes internacionais. Com curadoria de Paulo Sacramento, o projeto é resultado de um trabalho coletivo que mobiliza os diversos setores da Cinemateca, engajados desde as etapas iniciais de pesquisa, identificação e prospecção de filmes e documentos, até o processamento técnico e a difusão pública das obras.

Artista transmasculino, natural de Recife, começou a cantar aos 14 anos, explorando os palcos locais e desenvolvendo uma voz artística que atravessa gêneros e linguagens. Ao longo dos anos, expandiu suas habilidades compondo, atuando e produzindo, participando de projetos aclamados como o espetáculo “Dominguinhos - Isso Aqui Tá Bom Demais” e a série “Só Se For Por Amor”, da Netflix. Agora, Fitti nos convida a embarcar na mais ambiciosa jornada de sua carreira com o lançamento de seu primeiro álbum, TRANSESPACIAL, que promete levar o público a novos horizontes musicais. O álbum (com produção de Zé Nigro) explora temas de autoconhecimento e pertencimento, trazendo uma sonoridade que reflete a complexidade e a intensidade da vivência de Fitti. Essa pluralidade de sons e sentimentos agora ganha vida no palco, com um show que promete transportar o público para o universo criativo do artista, onde cada canção é uma peça fundamental dessa narrativa espacial. Além disso, Fitti foi convidado no Prêmio da Música Brasileira 2025 em homenagem a Chitãozinho e Xororó, onde se apresentou ao lado de grandes nomes da música brasileira.

A próxima edição do programa Aprendiz de Maestro, nos dias 16 e 17 de agosto, será uma verdadeira Festa à Fantasia! Em clima de celebração pelos 200 anos do compositor Johann Strauss II, e dos 25 anos do Música Pela Cura, a TUCCA — Associação para Crianças e Adolescentes com Câncer — convida o público a embarcar em uma divertida e inusitada missão inspirada na opereta O Morcego.Com texto e direção de Paulo Rogério Lopes e regência do maestro João Maurício Galindo, o espetáculo reúne música ao vivo, humor e muita confusão, em uma trama cheia de personagens hilários: uma esposa disfarçada, uma estagiária metida a artista, um amigo espião, um Príncipe de mentira e até um misterioso Vingador Mascarado!No elenco, Daniel Warren volta a dar vida ao Príncipe Tuquinha em mais uma aventura da série, ao lado dos solistas Cleyton Pulzi (tenor), Laura Duarte (soprano), Thayana Roverso (soprano) e Vinícius Atique (barítono).

Letícia Sabatella apresenta um show intimista, de voz e piano. Com uma sólida carreira nas artes cênicas e no audiovisual, ela se revela em outro registro: o musical. No repertório, canções que refletem sua trajetória interior e dialogam com temas como natureza, amor, ancestralidade e liberdade.

A próxima edição do Belas Sonoriza, projeto do Reag Belas Artes que mensalmente exibe um filme musicado ao vivo por uma banda, exibe Pink Floyd – The Wall com trilha sonora ao vivo da banda Pink Floyd Dream. Escrito por Roger Waters, dirigido por Alan Parker e com belíssimas animações de Gerald Scarfe, a história gira em torno das fantasias delirantes do superstar do rock Pink, um homem que enlouquece lentamente em um quarto de hotel em Los Angeles. O filme acompanha o cantor desde sua juventude, mostrando como ele se escondeu do mundo exterior.

Da Janela é um espetáculo infantil acessível que transforma acessibilidade em jogo de cena e instiga os pequenos a experimentarem novas formas de se comunicar.Malu, única criança que mora na vila, percebe a chegada de novos moradores: Cadu e Nina. Certa da missão de conhecer seus novos melhores amigos, Malu, do alto de sua janela, observa e narra o nascimento da amizade entre Nina e Cadu. As crianças criam laços e afinidades ao descobrirem, de forma divertida, como podemos “falar” sem usar as palavras. Do alto de sua janela e com o auxílio de um binóculo, a menina Malu (Elizândra Souza) descreve toda a ação da cena, fazendo uma descrição poética e, com isso, possibilitando que pessoas com baixa visão e cegas possam assistir ao espetáculo sem auxílio de equipamentos específicos.

Seis artistas de diferentes estilos e trajetórias se unem em um espetáculo que celebra o ilusionismo em suas diversas expressões. A proposta é conduzir o público por um percurso sensorial em que mistério, surpresa e beleza se entrelaçam. Em cada ato, a mágica assume novas formas: ora lúdica e vibrante, ora enigmática e desafiadora, ora poética e surreal.

No ano em que o disco Gil e Jorge: Ogum, Xangô completa 50 anos, o show reúne Mahmundi, Iara Rennó e Letícia Fialho para reviver a essência desta obra-prima da música brasileira. Trazida ao público em formato de instalação, a apresentação celebra a evolução da música ao longo dos anos e pureza sonora das canções, permanecendo fiel ao vigor original do disco.

Brincadeiras tradicionais, como pique-esconde, amarelinha e pular corda, aos poucos têm ficado em segundo plano, trocadas pela luz hipnótica dos aparelhos eletrônicos. É nesse cenário que surge o Espetáculo Teatral Brincado de Colorir, uma sátira infantil a revistinha Bobbie Goods.A história do espetáculo é simples, mas carregada de significado, os amiguinhos da Terra da Imaginação, percebem que as crianças ao seu redor têm se afastado das brincadeiras criativas e das expressões artísticas. Preocupados, eles descobrem a existência do temido Monstro das Telas, que mantém as crianças hipnotizadas e conectadas apenas aos seus aparelhos eletrônicos.Nesta aventura os amigos Lápis Gigante, a Borracha Saltitante, a Fada das Cores e os ursinhos coloridos se unem para cumprir uma missão: libertar as crianças desse domínio tecnológico e resgatar a alegria de brincar, desenhar e criar.

Inspirado em Rei Lear, de William Shakespeare, o espetáculo ORioLEAR, com direção de Newton Moreno, estreia no Itaú Cultural (IC), em São Paulo. A montagem marca uma nova fase da Heroica Companhia Cênica, em parceria com o Escritório das Artes, e reinterpreta a obra para refletir sobre a crise climática e a disputa territorial no Brasil contemporâneo.Na trama, um latifundiário no Pará, ex-grileiro que construiu sua fortuna sobre a posse da terra, decide dividir suas propriedades entre as filhas e os genros. A mais jovem, ao se recusar a bajulá-lo publicamente, é deserdada e acolhida por um povo indígena que propõe a devolução do nome do rio (Lear) à natureza, como um gesto simbólico de reparação diante da destruição provocada pela exploração predatória. ORioLEAR atravessa temas urgentes, como a devastação ambiental e a luta pela demarcação de terras. O elenco reúne Jorge de Paula, Leopoldo Pacheco, Michelle Boesche, Roberto Jardim, Ronny Abreu, Sandra Corveloni e Simone Evaristo. Haverá bate-papo com o elenco após as sessões dos dias 10 e 17 de agosto.

Com direção e dramaturgia de Luiz Felipe Reis e atuação de Renato Livera, DESERTO estreou em maio de 2024 no Teatro Futuros (RJ) e rapidamente se destacou como um dos espetáculos mais reconhecidos da cena teatral brasileira. Foi indicado ao Prêmio APTR (direção, dramaturgia e atuação) e ao 35º Prêmio Shell de Teatro (Melhor Ator). Pela primeira vez no Brasil, a obra de Roberto Bolaño (1953-2003) ganha vida nos palcos, a partir de fragmentos de livros, entrevistas e memórias do autor chileno, considerado um dos maiores escritores latino-americanos do século XXI. Livera incorpora Bolaño, emprestando corpo e voz a trechos de obras como A universidade desconhecida, 2666, O gaúcho insofrível, Entre parêntesis e Bolaño por si mesmo.

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O centenário dos Diários Associados, um dos maiores conglomerados de comunicação da América Latina, vem sendo celebrado com o musical "Chatô & os Diários Associados – 100 Anos de Paixão".A peça aborda a trajetória profissional de Assis Chateaubriand, fundador do império midiático que transformou a imprensa brasileira. O musical transita entre passado e presente para contar a trajetória de Assis Chateaubriand e seu impacto na comunicação brasileira, enquanto acompanha Fabiano, um jornalista desempregado que, ao encontrar a estátua de Chatô em Recife, é levado por ele a revisitar momentos icônicos da mídia nacional, como a criação de O Cruzeiro e a inauguração da TV Tupi, a primeira emissora de televisão do Brasil. Em paralelo, o relacionamento de Fabiano com Juliana, uma colega jornalista, se desenrola, explorando conflitos pessoais e profissionais que refletem os desafios do jornalismo contemporâneo. A trama mescla história, romance e música para destacar o legado cultural do comunicador.

Apresentação única da peça do dramaturgo Charles Lewinsky (com tradução de Sylvia Lohn) e estrelada por Ricardo Ripa. O solo conta a história do jornalista Emanuel Goldfarb, que recebe o singelo convite de um professor para compareça pessoalmente a uma aula e explique aos seus alunos o que é ser judeu. Emanuel passa então a refletir sobre atender ou não a esse chamado. Com legítimo "humor judaico", ele irá revisitar sua ancestralidade e acessar lembranças que há muito tempo estavam adormecidas. Suas memórias e reflexões passam pela origem familiar, pela diáspora do povo judeu desde a antiguidade até os dias atuais, pelas tradições e por sua própria hereditariedade, temas que são abordados por ele alternando emoção, razão e muito humor.

Em 2025, BIOGLOMERATA será reencenada com a participação da Orquestra Sinfônica Municipal e São Paulo (OSM), sob a direção do maestro Alessandro Sangiorgi, com adaptações musicais de Tom Monteiro e Carlos Bauzys. A obra ressignifica e adapta o conceito original de Biomashup, que estreou em 2014 durante uma residência de Duarte no Lote, na Casa do Povo. Esta recriação para o Balé da Cidade de São Paulo (BCSP), cuja estreia ocorreu em 2024, oferece uma nova perspectiva ao repertório da companhia. Nessa versão, o elenco utiliza memórias de danças, gestos e referências para interagir com a música e com um ambiente em constante transformação, ampliando a compreensão dos tempos históricos. Os corpos dos bailarinos funcionam como forças dinâmicas, criando configurações transitórias que envolvem a percepção contínua do público. O músico Tom Monteiro, utiliza o theremin – um instrumento eletrônico que permite a produção de sons sem contato físico –, introduz uma dimensão ética à performance em que o invisível se torna um elemento essencial para a experiência artística. Com formação inicial no Estúdio e Cia Nova Dança (SP), um renomado centro de improvisação e pesquisa, o coreógrafo paulistano Cristian Duartecontinuou seus estudos na P.A.R.T.S. (Performing Arts Research and Training Studios) em Bruxelas, onde se graduou em 2002. Em sua carreira, destaca-se pela criação de espaços inovadores para experimentação e formação em dança, tendo desenvolvido projetos como APT?, DESABA e LOTE/Z0NA, em colaboração com artistas de destaque. Mantém, desde 2011, uma presença significativa como residente na Casa do Povo, em São Paulo. Sua trajetória inclui convites de instituições como DDSKS em Copenhage, P.A.R.T.S. em Bruxelas, UFRN e DOCH/SKH em Estocolmo. Atuou como coreógrafo para a Transitions Dance Company no Laban Center em Londres, para o Cullberg Ballet em Estocolmo e para o BCSP com BIOGLOMERATA criada com o elenco em 2024.Fôlego (2022) é a primeira criação de Rafaela Sahyoun para o Balé da Cidade de São Paulo (BCSP), desenvolvida para a Sala Adoniran Barbosa em comemoração aos 40 anos do Centro Cultural São Paulo. A obra foi indicada ao Prêmio APCA Dança 2022 na categoria Espetáculo – Estreia. Em janeiro de 2023, Fôlego foi revisitada para uma temporada no Theatro Municipal, marcando o 55º aniversário do BCSP. A proposta dramatúrgica de Fôlego incentiva a exploração da condição dos indivíduos como sujeitos sociais. A coreografia reúne elementos como aglomerações, insistências e ciclos repetitivos, configurando-se como uma corrente elétrica que atravessa os corpos e reflete as mudanças contínuas no ambiente.Durante a performance, os gestos são mantidos até o ponto de esgotamento, permitindo que pequenas variações surjam como pistas interpretativas adicionais. A obra apresenta um corpo em fluxo constante, engajado em eventos que capturam a atenção do espectador por meio de nuances distintas. Fôlego oferece uma experiência relacional que alterna entre proximidade e distância, ressoando, transformando-se, falhando, desintegrando-se e renovando-se.Configura-se, assim, como um processo de contágio, caracterizado por um ntercâmbio contínuo de desejos e assimilação.Artista da dança e das matérias do corpo, a paulistana Rafaela Sahyoun se aprofunda no fazer coreográfico, na educação e na pesquisa continuada, atuando como bailarina colaboradora em contextos nacionais e internacionais. Formada pela SEAD – Salzburg Experimental Academy of Dance (Áustria, 2013) e pelo Trinity Laban Centre for Movement and Dance (Reino Unido, 2009), desenvolveu práticas pedagógicas com impacto internacional na formação de novos artistas. Rafaela colabora com instituições como a PERA School of Performing Arts (Chipre do Norte), EBB Elephant in the Black Box (França e Espanha) e o Programa de Pós-Graduação Corpo: Dança, Teatro e Performance do Célia Helena Centro de Artes e Educação (Brasil). Ela também foi curadora artísticopedagógica do Festival DansPunt (2025) e está em processo de criação para a Companhia de Dança EBB, com estreia prevista para 2025 em Madri, Espanha. Principais obras coreográficas: C R U S H (2024), Fôlego (2022), NINGUÉMMESOLTA [Don’t Lose Me] (2018), Yeah, I’ve Been Watching You Lately (2023), Something to Phase Us: Who Goes There (2022), Wheel of Radical Affection (2021) e VAWM (2020).

Ney Matogrosso apresenta sua turnê “Bloco na Rua”. Na turnê, Nem apresenta um repertório diverso, com canções que fizeram sucesso em sua voz e novidades. “Eu quero é botar meu bloco na rua” (Sergio Sampaio), de onde saiu o título da turnê, “A Maçã” (Raul Seixas), “Jardins da Babilônia (Rita Lee / Lee Marcucci)", “O Beco”, gravada por Ney nos final dos anos 80 (Herbert Vianna/Bi Ribeiro) e "Sangue Latino (Paulo Mendonça / João Ricardo)", do primeiro álbum dos Secos e Molhados, de 1973, são algumas das músicas escolhidas por Ney.

Primeiro prêmio no 27º Concurso Sphinx e Grande Prêmio das agências Concert Artist Guild, de New York e Young Concert Artist Trust, de Londres para representação internacional, o violinista brasileiro NATHAN AMARAL vem construindo sua reputação na América do Sul, EUA e Europa por ser um “violinista versátil, carismático e com uma compreensão musical instintivamente natural” (Liza Ferschtman). Foi laureado ainda com o 1o lugar e prêmios especiais em vários concursos nacionais e internacionais, sendo incluído na lista de jovens mais promissores da Classic FM de Londres.Nathan já se apresentou como solista e camerista em salas como o Wigmore Hall, KKL no Festival de Lucerna, Sala São Paulo, Mozarteum Großer Saal e Filarmônica de Berlim. Pianista indicada ao Grammy Latino, ERIKA RIBEIRO é considerada uma das artistas mais expressivas de sua geração. Sua musicalidade e grande versatilidade fazem com que seja conhecida pelos diversos estilos pianísticos que aborda, tanto em sua maneira de tocar, quanto nos repertórios que interpreta. Iniciou seus estudos musicais com sua mãe, aos quatro anos.

Um dos diretores mais prestigiados da nova geração, Gabriel Mascaro ganha uma retrospectiva completa de seus longas e curtas no Espaço Petrobras de Cinema entre os dias 13 e 19 de agosto, contando com a pré-estreia, no dia 19, de seu premiado O ÚLTIMO AZUL, ganhador do Urso de Prata no Festival de Berlim deste ano.Nascido em Recife, em 1983, Mascaro tem se destacado com seu cinema instigante e, visualmente, inventivo. Seus filmes, premiados em festivais no Brasil e exterior, são marcados pela crítica social e política, destacando um olhar que subverte o sistema e questiona as possibilidades de transformação.

Uma experiência sonora pensada para encontros e conexões afetivas. Com repertório que vai do flerte ao silêncio depois do amor, Mahmundi conduz o público por uma narrativa emocional. Canções autorais e releituras ganham nova vida em um clima intimista.

Bruna Mendez apresenta o show acústico do seu mais recente álbum, "Nem Tudo é Amor" (2024), um trabalho confessional e delicado que mergulha nas complexidades do amor entre mulheres. Acompanhada de arranjos minimalistas e atmosferas intimistas, a artista transforma o repertório do disco em um encontro sensível entre palavra e silêncio. Nesta noite especial, Bruna recebe Catto para um encontro inédito. As duas artistas, que se conhecem há mais de uma década, vão dividir o palco pela primeira vez.

Mauro Diniz, integrante da Velha Guarda da Portela, convida Xande de Pilares e seus filhos João e Juliana Diniz para o show de seu projeto "o samba pede passagem". Nesta apresentação, Mauro convida Xande de Pilares, artista nascido no Morro da Chacrinha, criado entre rodas de samba. Um dos grandes nomes do gênero, Xande traz influências que vão de Martinho da Vila e Clara Nunes a Ray Charles e James Brown, transitando com naturalidade entre o samba e outras expressões musicais.A noite também conta com a participação especial de seus filhos, mergulhando em histórias curiosas por trás de sambas consagrados, com músicas que fazem parte do imaginário popular, mas cujas origens muitos desconhecem. O repertório traz composições históricas de nomes como Cartola, Nelson Cavaquinho, Monarco, Candeia, Silas de Oliveira, entre outros, costurando memória, tradição e vivência familiar em torno do samba.

A companhia do Teatro Oficina apresenta uma montagem de Os Sete Gatinhos, texto clássico de Nelson Rodrigues. A peça se passa em um ambiente tenso, onde os membros da família revelam suas verdadeiras faces.Nelson Rodrigues sintoniza a hipocrisia das relações no núcleo colonial originário: A Família, Instituição patriarcal secular herdada de geração em geração, e nos convida a olhar pras suas entranhas.O teatro se transforma em um cenário de traições e revelações terríveis que culminam em um crime brutal.

O festival é o primeiro dedicado ao gênero de música japonesa Visual Kei no Brasil. Line-up confirmado: Közi, Hizaki & Kaya, Schwarz Stein, Mayohk

A filósofa e psicanalista Viviane Mosé retorna ao Bona com a aula-show "O Amor Segundo Viviane Mosé" na qual explora as múltiplas dimensões do sentimento que move a humanidade.A pensadora conhecida por tornar a filosofia acessível promete uma experiência que transcende o formato tradicional de palestra.

Show de comemoração de 1 ano do álbum Nhe’etimbó, dirigido por Jhow Flor, com participações especiais do Coletivo Estopô Balaio e dos artistas indígenas Clara Potiguara e Válber Félix. O álbum foi indicado à categoria “Melhor Álbum do Ano” pelo Prêmio Hangar de Música 2025, principal premiação da linguagem musical do estado do Rio Grande do Norte.

Em islandês, eyja significa “ilha” — tema do primeiro espetáculo de uma trilogia concebida pela Multifoco Companhia de Teatro, inspirada na erupção do vulcão Eyjafjallajökull, ocorrida em 2010. A obra utiliza a linguagem do circo-teatro e tem como protagonista uma artista circense cega, promovendo uma reflexão poética e simbólica sobre a relação do ser humano com o desconhecido, a solidão e a natureza.A encenação se desenvolve em uma grande jangada — metáfora de um território instável — onde as personagens, por meio de acrobacias, portagens, suspensões e colapsos, buscam reaprender a convivência, a partilha dos equilíbrios e a construção de coletividades. A dramaturgia incorpora, ainda, elementos da audiodescrição como linguagem cênica.

Na palestra-performance Por um Fio, o artista paraibano Diocélio Barbosa apresenta uma obra autobiográfica e documental desenvolvida entre 2020 e 2024, durante residências artísticas no Brasil, no Chile e na França. Criado a partir da prática de site-specific, o espetáculo elege espaços não convencionais como ponto de partida para investigar relações entre corpo, matéria, memória e território.A performance original, interativa, foi concebida no quintal da casa do artista com base em suas memórias e documentos pessoais e familiares durante a pandemia de Covid-19. Conta com depoimentos e apoio audiovisual, com destaque à voz em off da mãe do artista, Maria da Penha Barbosa, conferindo à cena uma camada de afeto e autenticidade.

Rô Rosa apresenta o EP Estações na Casa Natura Musical. No novo projeto, Rô transforma sua vivência em crônica sonora por meio de uma viagem de seis faixas que percorre as fases do amor e da vida com lirismo, groove e uma sensibilidade quase cinematográfica. O disco nasce do cotidiano e é urbano e sentimental ao mesmo tempo, como se a cidade, o coração e o tempo estivessem sempre em diálogo.

Josyara, cantora e compositora baiana, apresenta o show AVIA Acústico em formato voz, violão, com repertório do seu novo disco AVIA, lançado em 2025 e também por músicas de toda a sua carreira como os discos: ÀdeusdarÁ (2022) e Mansa Fúria (2018). Nascida em Juazeiro no interior da Bahia, Josyara traz em suas composições um olhar sensível sobre seu cotidiano e sua história, embaladas por um violão percussivo e potente.

O coletivo queer Briefs Factory convida o público para uma festa-cabaré em uma noite de acrobacias ousadas, giros suspensos, malabarismo com bolas, performances com espumas de sabão, bambolê em chamas e até um número de striptease.Liderados pelo coreógrafo e performer Fez Faanana (também conhecido como Shivanana), os Briefs Boys mesclam elementos do circo, da dança, do burlesco e da cultura drag queen com muito virtuosismo.

Neste show, a cantora e compositora Bixarte apresenta seu primeiro álbum de estúdio, TRAVIARCADO. Apesar da forte presença do rap em faixas de parceria com Bia Ferreira e Drik Barbosa, o álbum traz uma nova versão da artista que aposta em ritmos latinos, etnopop, trap, batidas do Kettu e influências de R&B.

Daniel Furlan apresenta Tropical Nada, um projeto musical que mistura tropicalismo, synthpop e ironia existencial. Com letras afiadas e arranjos dançantes, o show navega por paisagens sonoras psicodélicas e bem-humoradas. A apresentação, que traz faixas do disco homônimo, é uma experiência tropical e nada convencional.

A trajetória e as enormes contribuições da alagoana Nise da Silveira (1905-1999) para o campo da psiquiatria são revisitadas no espetáculo Nise em Nós - Uma Ode ao Delírio, dirigido e escrito por Duda Rios.Em uma espécie de gesto de escuta dos artistas, a peça propõe uma travessia entre o passado e o presente, entre a ciência e a arte, entre a lucidez e o delírio que nos cura. Em cena, estão Lucas Gonzaga, Rafaele Breves, Gabriela Carriel, Victor Mota e Hugo Muneratto. A direção musical é assinada por Dessa Ferreira.Inspirada na trajetória da médica psiquiatra, uma mulher nordestina, revolucionária e profundamente humana, a peça propõe uma reflexão sensível sobre o afeto como metodologia e o cuidado como revolução.

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Nova exposição da artista Rizza, com curadoria de Marc Pottier. A mostra reúne obras inéditas que dão continuidade à sua pesquisa em torno da manipulação de fenômenos ópticos, articulando arte, ciência e tecnologia.Nesta individual, a artista aprofunda sua investigação sobre modelagem paramétrica e apresenta esculturas tridimensionais que transformam variáveis numéricas em formas físicas. Utilizando algoritmos, equações e dados físicos como ponto de partida, Rizza revela um processo criativo que une intuição e lógica, orientado por princípios matemáticos como dimensão, proporção e curvatura.

A galeria apresenta primeira individual de Ian Salamente em São Paulo. Com curadoria de Rayssa Veríssimo, a mostra reúne um conjunto de pinturas que exploram os atravessamentos do cotidiano urbano a partir das margens da cidade. Entre as obras, estão incluídos trabalhos inéditos e uma pintura premiada no 16° Salão dos Artistas Sem Galeria.Nascido em Cabo Frio e atualmente vivendo no Rio de Janeiro, Ian tem como ponto de partida os símbolos do cotidiano urbano. Casas protegidas por grades e muros, bueiros, toldos, antenas parabólicas e camisas de futebol de várzea ganham destaque em suas telas. Em sua obra, o que seria considerado insignificante ou irrelevante assume protagonismo e revela as contradições sociais da vida na cidade.

Em um mundo pautado pela velocidade, extração e distanciamento da natureza, o artista Saulo Szabó propõe um gesto inverso: escutar o chão. A exposição “Tudo que Fica sem Ser Visto” apresenta uma série de obras e instalações que emergem da fricção entre corpo, paisagem e arquitetura, acionando a terra — e seus vestígios — como matéria viva e agente de memória.Coletando matérias vegetais e minerais em um incessante percurso pela natureza — fragmentos de solo, pedras, resíduos, galhos -- Szabó reconfigura o gesto artístico como prática de escuta e cuidado. Em suas frotagens feitas em cachoeiras, o atrito entre rocha, papel e, no caso da cachoeira de Boiçucanga, lixo urbano, compõem uma cartografia da erosão — tanto física quanto ética — de um território em exaustão. A instalação ocupa os 15 metros da sala expositiva da Galeria Lume como um fluxo suspenso, um rio de lembrança e alerta.

Primeira exposição individual de Miguel Afa em São Paulo. O texto que acompanha a mostra é assinado por Lorraine Mendes — crítica, curadora e pesquisadora que já acompanhou a trajetória do artista na exposição coletiva Dos Brasis (Sesc Belenzinho, 2024), marco de sua estreia na cidade. Nesta nova exposição, Afa exibe um conjunto inédito de pinturas que exploram os limites e as expansões do afeto como experiência estética e política. O céu, aqui, surge como metáfora de amplitude e possibilidade: lugar de acolhimento, respiro e entrega.

Marina Lima encerra a turnê Rota 69 na Casa Natura Musical.De olho no retrovisor, mas com as antenas ligadas ao mundo de hoje, ela percorre, na apresentação, os caminhos modernistas que segue há 45 anos.Idealizado e dirigido por Candé Salles, o espetáculo atravessa um roteiro retrospectivo montado por Fernando Muniz e Renato Gonçalves. O título faz uma alusão tanto à rodovia norte-americana Rota 66 — imortalizada como símbolo de liberdade da juventude dos EUA, país onde Marina viveu a infância —, quanto aos 69 anos da artista.Rota 69 é um show de letra, música, dança e, sobretudo, para quem se afina com a ideologia da cantora e compositora que inseriu na pauta dos anos 1980 e 1990 temas como a celebração do amor entre mulheres e do prazer sexual.

Alexander Nevsky nasceu como uma trilha sonora composta por Sergei Prokofiev para o filme homônimo de Sergei Eisenstein, de 1938. O longa metragem narra um acontecimento histórico: a incursão da Liga dos Cavaleiros Teutônicos para conquistar a Rússia, no século XIII. Quem liderou a resistência e defesa foi o príncipe Alexander Nevsky – atraindo os guerreiros para o combate sobre a superfície de um lago gelado, ele os levou para o ponto onde a camada de gelo era mais fina e, não resistindo ao peso de suas armaduras e seus cavalos, rompeuse, afogando-os em suas águas geladas.Já no século XX, às vésperas do ataque das forças nazistas à então União Soviética, o governo stalinista, percebendo o potencial propagandístico do episódio, encomendou a Eisenstein um filme que rememorasse o ato de bravura, preparando o espírito da população para resistir à nova invasão que se aproximava. Ficou a cargo de Prokofiev a trilha sonora, e a maioria dos textos das canções foi escrita pelo poeta Vladimir Lugovskoy. A famosa cantata Alexander Nevsky de Prokofiev foi feita em 1939, a partir de partes desta incrível trilha sonora. O compositor reorganizou a música para o formato de concerto, reescrevendo-a como uma cantata para orquestra completa, coro e solista.A música do filme foi considerada uma obra-prima, e a Cantata Alexander Nevsky goza do mesmo prestígio, sendo uma das cantatas mais importantes do século XX (Eisenstein, Prokofiev e Lugovskoy voltariam a trabalhar juntos em outra empreitada cinematográfica: Ivan, o Terrível, partes 1, de 1944, e 2, de 1946, sendo este o último filme de Eisenstein).O espetáculo conta com Carla Camurati na direção de imagem. Cineasta, roteirista, produtora cultural e atriz, Camurati é dona de uma longa e premiada carreira. Em 1997, dirigiu La Serva Padrona, primeiro filme-ópera do Brasil, baseado na obra de Pergolesi.Desde então, tem se dedicado à direção de óperas pelo país. Foi presidente da Fundação Theatro Municipal do Rio de Janeiro entre 2007 e 2014.

Um festival que celebra ícones da música sertaneja, unindo gerações por meio de canções atemporais que marcaram vidas. Com: Chitãozinho e Xororó, Zezé di Camargo, Leonardo, Victor e Leo e Daniel

Durante a atividade, os pequenos poderão criar suas próprias marmitas japonesas (ou obentô, em japonês) usando massinha de modelar, como uma forma de entrar em contato com a alimentação das crianças japonesas por meio das formas e cores, enquanto aprendem sobre os diferentes ingredientes e preparam suas próprias marmitas.

As famílias que visitarem o CCBB SP a partir deste mês de agosto contarão com uma novidade: as Tardes Brincantes. Trata-se de um projeto desenvolvido pelos arte-educadores do programa CCBB Educativo – Arte e Cultura, que oferece ao público de diversas idades uma série de atividades lúdicas e interativas, sempre com entrada gratuita, inspiradas nas exposições em cartaz.Ao longo das tardes dos sábados e domingos, a programação do projeto contará com oficinas, brincadeiras, contação de histórias e mediação de leitura.

A peça aborda a velhice com bom humor, explorando suas particularidades e idiossincrasias. Ao colocar três mulheres em cena — cada uma com suas angústias, desejos, medos, vivências e afetos — buscamos não apenas gerar identificação com o público, mas também provocar reflexões e abrir espaço para novas conversas sobre o envelhecer.No texto estão três amigas de colégio que se encontram de tempos em tempos para dividir suas alegrias, medos, desejos e afetos. Próximas de completarem 60 anos, a questão do envelhecer nesse momento, parece mais latente. Com a liberdade que existe entre velhas amigas, elas discutem, se desculpam, relembram histórias e se divertem. Desta vez, o que o encontro propõe, é que todas se reinventem. Num universo autoficcional, “Não se Esqueça de Mim” apresenta situações e lugares que fazem parte do cotidiano de qualquer pessoa que se deixa atravessar por esse tema. Ampliar esse diálogo com diferentes públicos é essencial para que possamos seguir construindo uma velhice mais digna para todas as pessoas, independentemente de sua classe social, identi dade étnico-racial ou de gênero.

Humor, drama e tragédia se misturam na nova peça do Teatro Kaus Cia Experimental, “As Três Velhas”. A obra explora a linguagem do teatro do absurdo e faz uma temporada gratuita na cidade de São Paulo. Escrito em 2003 pelo escritor franco-chileno Alejandro Jodorowsky, dramaturgo, ator, poeta cineasta e quadrinista, o texto teatral conta a história das gêmeas octogenárias Meliza e Grazia, duas marquesas decadentes que vivem em uma mansão em ruínas e são vigiadas pela centenária criada Garga, a tradução desta versão do texto foi feita para o grupo pelo dramaturgo Aimar Labaki. Em uma noite incomum, devastadas pela fome e pelo abandono, as três mulheres desenterram segredos chocantes que conduzem a trama por caminhos inesperados. Ao longo da narrativa, temas como hipocrisia social, etarismo, patriarcado e violência vão se fazendo presentes.

No seu cinquentenário, o Grupo Corpo sobe a correnteza: o novo balé, Piracema, evoca o recomeço e a determinação de criar vida nova, no fenômeno da dura jornada dos peixes rio acima, rumo ao local da desova. A coreografia de Rodrigo Pederneiras e Cassi Abranches dá corpo à música de Clarice Assad, autora da trilha inédita, que produz a ambiência de uma natureza indomável e resiliente. O programa traz ainda Parabelo (1997), com música de Tom Zé e José Miguel Wisnik, um retrato em som, cor e movimento da vida sertaneja brasileira, com suas asperezas, sua fé e sua têmpera.

Espetáculo propõe reflexões sobre ciência, identidade, polarização e os limites entre o público e o privado em tempos de redes sociais. Quando a ciência e a fé colidem, quem deve decidir?Em um hospital de ponta, uma médica se vê no centro de uma tempestade ética e social após tomar uma decisão em meio a uma emergência delicada. O caso, inicialmente clínico, ganha dimensões públicas e pessoais, à medida que questões deidentidade, preconceito, religião e poder entram em cena.O espetáculo A Médica, do dramaturgo e diretor britânico Robert Icke, é uma livre adaptação da peça Professor Bernhardi (1912), de Arthur Schnitzler. A montagem traz à cena questões sobre ética profissional, valores religiosos e os limites da medicina em um mundo inundado pelas redes sociais.

A exposição é primeira panorâmica institucional da artista e apresenta uma reunião significativa de séries até hoje raramente vistas em seu conjunto, além de um expressivo grupo de obras pouco conhecidas. A visita começa pela série Quadrus Negrus (1986), com mais de 20 trabalhos fundamentais de Ledora. Obras como Casa em amarelu (1986) marcam o início do trabalho de experimentação de linhas e cores, base para toda a sua produção artística. Nas obras, o giz pastel seco faz o traçado de triângulos, retângulos e fendas em linhas secas sobre o papel Carmen preto, item raro à época de produção da série.Ao caminhar pela exposição, o público encontra diferentes núcleos que parecem irradiar da parede de Quadrus Negrus, norteadora da exposição. Podem ser vistos conjuntos de trabalhos mais orgânicos, com obras como Casa em Amarelu (1989) e Objeto colorido II (2020). Paisagens, arranjos, casas e jardins são motivos recorrentes na produção da artista, mas a delicadeza dos detalhes, das cores e composições leva a atenção do espectador para muito além da representação.

Alondra de la Parra é conhecida de quem frequenta a Sala São Paulo. Um dos nomes de destaque da regência atual, a mexicana já esteve várias vezes à frente da Osesp. Agora, ela vem para apresentar um espetáculo que há alguns anos encanta públicos mundo afora: The silence of sound.Durante anos, Alondra amadureceu a ideia de um concerto no qual ela se dirigiria ao público de uma forma diferente, ainda que tendo a música e a orquestra como elementos principais. O sonho começou a se tornar realidade quando conheceu a artista Gabriela Muñóz. Com experiência em teatro, circo e ópera, Gabriela é criadora da palhaça Chula.The silence of sound conta a história de uma protagonista silenciosa que gradualmente descobre, explora e desenvolve seu próprio potencial criativo com a ajuda da música. Seus companheiros são os instrumentos da orquestra: o fiel oboé, o dedicado violoncelo e o temerário e sedutor violino, que a acompanham até o final da aventura.

O recém-lançado álbum “Corpo Fechado, Mente Aberta”, do rapper Thaíde, é um projeto com 13 faixas que reafirma seu papel pioneiro no hip-hop nacional, ao mesmo tempo em que abre espaço para novas conexões e sonoridades. Antes da chegada do álbum, Thaíde apresentou o single “O Nosso Rap”, com participação de MV Bill, e lança ainda “Pega a Visão”, com Djonga. As duas músicas antecipam o tom do disco, que mescla reflexão, celebração e homenagem às raízes da cultura negra brasileira.

Inspirado na série homônima exibida no Disney+ e no YouTube, o musical infantojuvenil Os Óculos Mágicos de Charlotte conta a história de uma menina que, ao ganhar um par de óculos da Fada Belle, passa a enxergar o mundo como ele poderia ser: mais justo, colorido e gentil.

Após 3 anos da sua última vinda, a dupla britânica SEAFRET, formada por Jack Sedman e Harry Draper, voltará ao Brasil para um show em São Paulo, no Cine Joia, no dia 24 de agosto (domingo), como parte da sua nova turnê de grandes hits. No repertório, eles irão cantar todos os sucessos dos seus três discos de estúdio, "Tell Me It's Real" (2016), "Most Of Us Are Strangers" (2020) e "Wonderland" (2023), incluindo os hinos "Atlantis", "Oceans", "Wildfire" e "Loving You", além de algumas músicas inéditas.

A exposição propõe um mergulho na trajetória da arte circense no Brasil, revelando sua arquitetura nômade, seus personagens emblemáticos e sua importância como patrimônio cultural e afetivo do paísDe forma lúdica e interativa, o público é conduzido por um percurso sensorial que combina fotografias, vídeos, objetos históricos, maquetes e instalação holográfica, destacando a força simbólica e estética do circo ao longo dos séculos.

A exposição A Ecologia de Monet explora o vínculo entre o icônico artista impressionista Claude Monet (Paris, França, 1840—1926, Giverny, França) e o meio ambiente, integrando o programa curatorial do museu para 2025 dedicado ao ciclo de Histórias da Ecologia.A relação do pintor impressionista com a natureza abrange toda a sua obra, tornando-se mais complexa ao longo dos anos. O artista se dedicou à pintura de paisagem desde sua produção inicial, das cenas marítimas na Normandia, ao norte da França, ou da Floresta de Fontainebleau, até suas pinturas em série realizadas a partir de seu jardim em Giverny durante suas últimas décadas de vida.

Hulda Guzmán (Santo Domingo, República Dominicana, 1984) é reconhecida por retratar, por meio da pintura, seus arredores tropicais e caribenhos enquanto explora planos, perspectivas e realidades, povoadas por um elenco tecnicolor de seres humanos, animais, plantas antropomórficas e criaturas imaginárias. A exposição aborda a relação de Guzmán com a paisagem impressionista, destacando sua contribuição ao gênero ao mesclar a paisagem com características arquitetônicas, realismo mágico e muralismo mexicano.As narrativas em suas telas ocupam realidades contraditórias e oníricas. Personagens descansam em praias paradisíacas ao lado de apartamentos abandonados, dançam em pistas que se estendem até a floresta tropical e perseguem demônios por interiores elegantes

Memórias Póstumas de Brás Cubas, clássico de Machado de Assis, ganha corpo, voz e música no palco da Biblioteca Mário de Andrade. A adaptação é assinada por Regina Galdino e interpretada por Marcos Damigo, indicado aos prêmios APCA e Aplauso Brasil.Com trilha original de Mário Manga e direção musical de Pedro Paulo Bogossian, o espetáculo apresenta a história de Brás Cubas, que narra sua vida com humor e crítica social, livre das convenções do mundo dos vivos. A montagem une teatro, música, dança e literatura.

Ju Santtos é uma cantora e compositora potiguar nascida em Natal (RN), cuja trajetória artística é marcada pela autenticidade, resistência e paixão profunda pela música. Hoje, Ju Santtos prepara seu primeiro trabalho autoral, ‘Sobre o Amor’, marcando uma nova fase, mais conceitual e autoral, com o objetivo de contar sua história, seu som e sua alma em forma de música.

A dupla australiana The Veronicas se apresenta no Cine Joia, como sideshow do festival I Wanna Be Tour.

O DJ Zé Pedro é um pesquisador profundo da MPB visto que aos sete anos de idade começou seu acervo de discos e vídeos que hoje são raridades que só ele possui. Agora, a convite do Bona Casa de Música, ele mostrará pela essas pérolas musicais além de contar histórias divertidas e emocionantes sobre a vida e obra da cantora Alaíde Costa.Nessa edição ele tem como convidada a própria Alaíde, que, assim como a plateia, será surpreendida pelos tesouros escondidos de Zé Pedro.

Em show raro, Ava Rocha e Negro Leo apresentam ao público um recorte dessa intensa trajetória, que entrecruza parcerias e colaborações artísticas desde canções até experiências estéticas da música e da performance que são a chave da radicalidade, autenticidade e beleza desses dois artistas.

A artista visual Cynthia Pimentel abre sua segunda exposição individual com a série “Mono" na Lacerdine Galeria de Arte, novo espaço cultural de São Paulo. A mostra reúne 31 telas entre médio e grande formato, marcadas por variações cromáticas sutis, sobreposições delicadas e uma presença silenciosamente intensa. A artista utiliza especialmente tinta acrílica para criar superfícies que sugerem atmosferas, memórias e sensações, conduzindo o olhar por uma experiência emocional.

Com a maestria da dramaturgia de João Sanches, a envolvente trilha sonora ao vivo de Adriano Salhab e o hipnotizante vídeo ao vivo de Igor Marotti, "Boca a Boca" é uma ode à resiliência da palavra. Desde sua estreia em 2015 no prestigiado Instituto Camões, em Lisboa, e suas dezenas de apresentações em São Paulo, Bahia e Berlim, o espetáculo evoluiu. A nova versão incorpora sugestões preciosas do especialista, músico e intelectual José Miguel Wisnik, e desvela poemas que, apesar de escritos há séculos, revelam-se perturbadoramente contemporâneos.A obra é um resgate apaixonado da importância de Gregório de Matos, o poeta baiano nascido em 1636, considerado o verdadeiro iniciador da literatura brasileira. Conhecido por suas críticas afiadas e debochadas à sociedade do século XVII, que lhe valeram os apelidos de “Boca do Inferno” e “Boca de Brasa”, Gregório foi exilado, banido de sua amada Bahia. "Queremos trazer Gregório de volta para a Bahia e mostrar o quanto ele é atual", comenta João Sanches, em um grito de justiça poética: "queremos dar um solo para Gregório".

Atividade livre de experimentação tátil e visual com massinhas de modelar (atóxica).Para crianças a partir de 2 anos de idade acompanhada de adulto responsável.

Como o trabalho molda nossas relações, nossa saúde e até nosso senso de identidade? É a partir dessa provocação que nasce a comédia dramática “Dá Trabalho!”, espetáculo quereúne os criadores Cris Wersom, Juliana Rosenthal e Paulo Azevedo. Eles usam o humor como ponto de partida para tratar de temas cada vez mais presentes na vida profissional: burnout, redes sociais, saúde mental e masculinidade tóxica.

Três mulheres, 40+, presas em um elevador. Dezessete minutos sem sinal, sem ventilação e sem filtro. Assim começa Mulheres em Chamas, espetáculo que estreia no Teatro UOL.Criado e protagonizado por Camila Raffanti, Juliana Araripe e Miá Mello, – nomes ligados a sucessos como Mãe Fora da Caixa e Confissões das Mulheres de 30 –, o espetáculo, com direção de Paula Cohen, traz à cena um tema urgente e ainda pouco representado: a menopausa. Com humor, franqueza e sensibilidade, a peça quebra o silêncio sobre uma fase que atravessa a vida de todas as mulheres, mas que ainda é cercada de tabu e desinformação.

Mais do que celebrar as relações entre Brasil e França, este programa oferece um panorama da música coral francesa ao longo de pouco mais de cem anos. Do ocaso do Romantismo à chegada do Modernismo, e da esperança no século XX, passando pelas incertezas e destruição das Grandes Guerras, as ilusões, tensões, frustrações e tentativas de ressignificação do mundo se refletem na produção musical desse período.Jean-Yves Daniel-Lesur (1908-2002) foi um dos fundadores, em 1936, do grupo La Jeune France, cujo objetivo principal era escrever uma música mais humana, próxima do público e menos abstrata. Le Jardin Clos integra Cantique des Cantiques (1952), principal obra do compositor.Embora tenha falecido muito jovem, Lili Boulanger (1893-1918) deixou importante contribuição como compositora. Sous Bois (1911), para coro misto e piano, sugere uma atmosfera naïf e nostálgica, que contrasta com as tensões políticas e sociais que se evidenciavam no período e que conduziriam o mundo à Primeira Guerra Mundial.Aluno de Nadia Boulanger, irmã de Lili, Jean Françaix (1912-1997) escreveu obras equilibradas, claras, bemhumoradas e, por vezes, satíricas. Em Trois Poèmes de Paul Valéry (1982), Françaix evidencia as aliterações, assonâncias e todos os ricos detalhes dos textos do poeta, ao mesmo tempo que mantém o seu estilo composicional.Em Choeur des Elfes (1899), Pauline Viardot (1821-1910) mostra sua faceta menos conhecida: a de compositora. Cantora e pianista de ascendência espanhola, Viardot nasceu em uma família de músicos – sua irmã, Maria Malibran, é uma das maiores divas da história da ópera. Viardot enfrentou corajosamente os ditames da época, mantendo sua atividade como musicista após o casamento.A obra de Claude Debussy (1862-1918), que inaugurou a música moderna nos últimos anos do século XIX, é apresentada em dois momentos: Trois Chansons de Charles d’Orléans (1898), sua única composição para coro a cappella, mostra o compositor já em sua fase modernista; e a versão para coro de Beau Soir (1891), canção contemplativa sobre poema de Paul Bourget, traz um Debussy que ainda caminhava em direção ao século XX.Francis Poulenc (1899-1963), integrante do Les Six – importante movimento da vanguarda francesa no entreguerras –, constitui em Sept Chansons (1936) sua maior obra para coro misto e uma das mais importantes de sua produção.Nessa série, o compositor resgata elementos da escrita de Léonin, Pérotin, Machaut, Josquin des Prez e Monteverdi combinados a técnicas de composição observadas em Debussy, Ravel e Stravinsky.Obra mais antiga do programa, Les Djinns (1876) é uma das poucas composições corais escritas por Gabriel Fauré (1845-1924) a partir de texto profano. Foi Fauré, aliás, quem realizou a transição do século XIX para o XX na música francesa, abrindo caminho para os modernistas Debussy, Ravel, Poulenc e todos aqueles que os sucederam.

Após rodar por diversas casas da cidade, a festa Talco Bella volta para a pista do Cine Joia. Será uma noite de surrar os solados do sapato e acariciar os ouvidos com o melhor do Funk/Soul nos falantes.

Paulo Novaes é compositor, produtor musical, cantor e instrumentista nascido em São Paulo. Aos 32 anos, ele tem uma relevante trajetória na música e é vencedor do Grammy Latino 2021 na categoria melhor canção em língua portuguesa, com a canção 'Lisboa' em parceria com Ana Caetano. Com quatro discos solo já lançados Paulo têm diversas músicas gravadas e interpretadas por grandes nomes como Jorge Drexler, Lenine, Anavitória, Nando Reis, Flávio Venturini, Roberta Campos, 5 a seco, entre outros.

Reconhecido por seus múltiplos talentos, o artista icônico da Pop Art, Andy Warhol, também realizou dezenas de filmes ao longo da carreira. No entanto, sua produção cinematográfica foi majoritariamente experimental, tornando-se menos conhecida. “Andy Warhol Film Festival”, com estreia marcada para o próximo dia 11 de agosto, tem a proposta de exibir seus principais trabalhos autorais no cinema da Fundação Armando Alvares Penteado (Cine FAAP).A mostra, totalmente gratuita, exibirá 60 curtas, médias e longas metragens, distribuídos em 180 sessões. São filmes produzidos com câmeras 16mm nas décadas de 1960, 1970 e 1980.

Curta temporada de "Segundo G.H", espetáculo de dança teatral livremente inspirado em "A paixão segundo G.H." de Clarice Lispector.

Três figuras fundamentais para a arte e o pensamento do século XX se encontram em cena: Gertrude Stein (Bárbara Bruno), escritora, mentora e colecionadora de arte; Alice B. Toklas (Patrícia Vilela), sua companheira de vida e guardiã de seu legado; e Pablo Picasso (Joca Andreazza), o gênio que revolucionou a arte com o cubismo.A partir desse encontro, a peça revela não só os laços afetivos que uniam essas personalidades, mas também provoca uma reflexão sobre os movimentos artísticos que moldaram a modernidade — e seus ecos no mundo atual.

Zoe Zeniodi, destacada maestra da Grécia, dirige o El Sistema de seu país e tem conquistado prêmios e bolsas que apoiam a regência de mulheres pelo mundo. Em sua estreia com a Osesp, interpreta a música de uma das mais importantes compositoras brasileiras, Marisa Rezende. Sua obra Vereda foi encomendada e estreada pela Osesp em 2003, e desde então tem estado no programa de orquestras brasileiras.A francesa Louise Farrenc é outra compositora que, apesar do respeito que conquistou em vida, teve sua obra esquecida após a morte. Exímia pianista, foi a primeira mulher a ocupar uma vaga de professora no Conservatório de Paris, em meados do século XIX. Além de diversas peças para piano e música de câmara, Farrenc deixou três sinfonias. A segunda delas parece olhar o passado imediato, evocando Mozart e Beethoven. O concerto se encerra com Sheherazade, de Rimsky-Korsakov. Episódios das Mil e uma noites inspiraram essa suíte sinfônica, que é costurada por belas passagens ao violino solo, que representa a voz da narradora da obra árabe.

"CAMINHOS SELVAGENS" é o disco e espetáculo que comemora os 15 anos de carreira de CATTO. Com letras confessionais, arranjos intensos e uma performance vocal hipnotizante, a artista apresenta um show poderoso e visceral, onde o rock serve de fio condutor para emoções à flor da pele. No repertório, canções do seu mais novo álbum se misturam com faixas marcantes de trabalhos anteriores, incluindo seu aclamado tributo a Gal Costa.

Conhecida no cenário musical por seus grandes bailes, que tem como marca registrada um refinado repertório de música brasileira, a Banda Glória, que em 2026 completará 30 anos, apresenta o Baile da Glória. Um apanhado de pérolas musicais que vai de Dorival Caymmi a Caetano Veloso. Passando também pelos clássicos sambas de Chico Buarque e os xotes e baiões de Luiz Gonzaga e Vital Farias. O grande festejo dançante ainda conta com os hits de Rita Lee, Moraes Moreira e entre outros.

Zoe Zeniodi, destacada maestra da Grécia, dirige o El Sistema de seu país e tem conquistado prêmios e bolsas que apoiam a regência de mulheres pelo mundo. Em sua estreia com a Osesp, interpreta a música de uma das mais importantes compositoras brasileiras, Marisa Rezende. Sua obra Vereda foi encomendada e estreada pela Osesp em 2003, e desde então tem estado no programa de orquestras brasileiras.A francesa Louise Farrenc é outra compositora que, apesar do respeito que conquistou em vida, teve sua obra esquecida após a morte. Exímia pianista, foi a primeira mulher a ocupar uma vaga de professora no Conservatório de Paris, em meados do século XIX. Além de diversas peças para piano e música de câmara, Farrenc deixou três sinfonias. A segunda delas parece olhar o passado imediato, evocando Mozart e Beethoven. O concerto se encerra com Sheherazade, de Rimsky-Korsakov. Episódios das Mil e uma noites inspiraram essa suíte sinfônica, que é costurada por belas passagens ao violino solo, que representa a voz da narradora da obra árabe.

Playing For Change, coletivo musical global dedicado a inspirar e conectar o mundo por meio da música, apresenta-se na Casa Natura Musical,Reconhecida mundialmente por seu som que atravessa fronteiras e estilos, a Playing For Change Band reúne músicos de diferentes culturas e origens para celebrar a união, a paz e a transformação positiva através da música. Suas apresentações são marcadas por uma energia contagiante, diversidade sonora e mensagens que tocam o coração do público.A formação conta com artistas de destaque como Mermans Mosengo e Jason Tamba (República Democrática do Congo), Clarence Bekker (Holanda), Tula Ben Ari (Israel), Titi Tsira (África do Sul), Keiko Komaki (Japão), Paulo Heman (Brasil), Robin Moxey, Claire Finley e o convidado especial Franklin Vanderbilt (Estados Unidos).

Jurandir é um homem comum, íntegro, batalhador, que um dia vê sua vida mudar após recusar, e depois aceitar, uma proposta milionária para divulgar uma casa de apostasonline. A partir dessa escolha, ele mergulha numa espiral de lembranças, dilemas morais e questionamentos sobre sucesso, fama e dinheiro. Partindo da Teoria do Medalhão, deMachado de Assis, a história atualiza o conto para expor os bastidores de uma sociedade onde parecer vale mais do que ser, e onde a linha ética entre ganância e ambição é cadavez mais turva. Tudo isso costurado por música ao vivo, bom humor e uma linguagem que mistura stand-up, teatro e crítica social. BET BALANÇO é uma tragicomédia contemporânea sobre o preço das escolhas num mundo que transformou a influência em moeda e a vaidade em virtude.

É noite de lançamento da invenção farmacêutica mais ousada da década: a autoestima do homem hétero, sintetizada em pílulas. Carina, a criadora da fórmula, revela ao público os componentes do medicamento, reencenando situações hilárias e dando vida aos personagens masculinos que serviram de “matéria-prima” para sua criação que promete revolucionar o mundo. O problema é que ninguém estava preparado para as consequências… nem ela própria!