Chay Suede vai fazer sua estreia no teatro, e com o encenador Felipe Hirsch na direção, e ainda com o escritor Caetano W. Galindo que divide com Hirsch a dramaturgia do espetáculo. PEÇA INFANTIL - A VIDA E AS OPINIÕES DO CAVALHEIRO ROOBERTCHAY, trata-se de um espetáculo adulto humorístico-filosófico , um passeio pela formação e pelas histórias inacreditáveis de uma personagem apresentada como Cavalheiro Roobertchay. A peça provoca sua audiência com o formato de um pseudo-documentário, onde o que é verdade e o que não é se entrelaçam. E é com essa curiosidade que nos deparamos com o relato, por vezes incrível e ao mesmo tempo fidelíssimo das venturas e desventuras que cercaram nosso herói desde antes de sua concepção até o brilho de suas estrelas nos dias de hoje. As agruras e doçuras que geraram o menino Cavalheiro Roobertchay.

O que leva um homem pacífico, que sente repulsa por qualquer tipo de violência, que aprendeu a viver evitando conflitos – para não ser alvo da agressividade de outras pessoas – o que leva esse homem a cometer um ato extremamente violento? É a partir dessa pergunta que nasce a escrita de O Motociclista no Globo da Morte. O texto apresenta a história de Antonio, um matemático, um homem racional e sensato que, numa tarde de um dia qualquer, se vê̂ envolvido numa espiral de violência quando almoçava em um bar. É a partir deste fato, que muda a sua vida para sempre, e enquanto conta ao público com riqueza de detalhes o que aconteceu, que Eduardo vai tecendo considerações sobre as diversas formas de violência que resultam da vida em sociedade. E se é possível, aos seres humanos como indivíduos, combater essa violência ou se é inevitável render-se a ela.

Com humor afiado e olhar crítico, em atuação solo de Danielle Winits dirigida por Gerald Thomas, a obra se estabelece como uma reflexão sobre as irracionais contradições humanas, o papel da mulher na sociedade e os dilemas da vida contemporânea. O título sugere uma busca extraterrestre, mas é, na verdade, uma metáfora para a busca de empatia, conexão e sentido no meio da confusão cotidiana da humanidade.Estruturada como um monólogo múltiplo, uma só atriz (Danielle Winits) interpreta diversos personagens e por meio dessas vozes constrói uma narrativa fluida e cômica que atravessa diferentes contextos sociais e históricos. Mais do que uma peça feminista ou de crítica social, é uma reflexão espirituosa e comovente sobre o que nos torna humanos, e sobre os sinais de inteligência (afeto e empatia) que ainda podem ser encontrados entre nós.

Quarenta anos após o início pulsante do Hip-Hop nas ruas de São Paulo, sua batida original ressurge no Sesc 24 de Maio como memória viva e afirmação cultural. A exposição convida o público para uma jornada que devolve à cidade gestos, sons e imagens de uma geração que criou com poucos recursos e máxima potência. Sob curadoria coletiva e com mais de 3 mil peças reunidas de forma inédita, a mostra reconstrói a revolução urbana que transformou inúmeros pontos da cidade em palcos de resistência.A mostra tem idealização e curadoria compartilhada por vozes e testemunhas da cena, como OSGEMEOS, Rooneyoyo O Guardião, KL Jay (DJ histórico dos Racionais MC’s), Thaíde, as pioneiras Sharylaine e Rose MC e o b-boy ALAM Beat.

Apontado como um dos melhores shows de Mônica Salmaso, ‘Minha Casa’ está percorrendo o Brasil com grande sucesso, com apresentações lotadas em todas as cidades. As casas de Mônica Salmaso são múltiplas, espalham-se pelos diferentes Brasis que a artista canta em sua obra. Passada a pandemia, ela lançou dois cds gravados em 2021 e 2022, respectivamente ‘Canto Sedutor’, com Dori Caymmi, e ‘Milton’, em duo com André Mehmari e participação especial de Teco Cardoso. Além disso, a artista foi a convidada da turnê ‘Que tal um samba?’, de Chico Buarque, percorrendo o Brasil e Portugal por 10 meses, em 2022 e 2023. O show faz um passeio pela trajetória da artista, mas traz músicas nunca gravadas por ela, reafirmando a cantora como uma dedicada desbravadora do vasto cancioneiro brasileiro.

O Monsters of Rock 2026 ganha mais uma atração de peso: Halestorm, uma das bandas mais aclamadas do rock moderno, se junta ao poderoso lineup que já conta com Guns N’ Roses, como headliner, e Lynyrd Skynyrd. A nona edição do festival promete reunir diferentes gerações de fãs em uma verdadeira celebração com o melhor do rock.Com produção da Mercury Concerts, o Monsters of Rock reafirma a tradição de apresentar um lineup de peso, reunindo alguns dos maiores nomes do rock mundial em uma experiência única. E as novidades não param por aí — mais atrações serão anunciadas em breve. Fiquem ligados!

Durante as celebrações do 250º aniversário da morte de Bach, no ano 2000, a Internationale Bachakademie Stuttgart convidou Wolfgang Rihm, Sofia Gubaidulina, Tan Dun e Osvaldo Golijov a escrever sua própria versão da Paixão de Jesus Cristo a partir das versões de Bach. Autor de grandes obras vocais, óperas e trilhas sonoras, Golijov trouxe ao texto de São Marcos traços das culturas sul-americana, cubana e judaica, além de elementos naturalmente herdados de tradições da música erudita ocidental. Em sua Paixão Segundo São Marcos, Jesus não é um europeu de pele branca, mas sim um homem de pele escura. A obra projeta a ação nas ruas de algum lugar da América do Sul do presente.

A Suíte orquestral nº 3 provavelmente foi concebida para o Collegium Musicum, sociedade de amantes de música dirigida por Bach. A suíte segue o modelo consolidado na França de Luís XIV, em que uma abertura majestosa é seguida por quatro danças estilizadas, às quais Bach incluiu uma “ária na corda Sol” inspirada no estilo vocal italiano.Bach apresentou o Oratório de Páscoa aos membros de sua congregação no Domingo de Páscoa de 1725. Dois dias antes, na Sexta-feira Santa, eles haviam ido para casa com o trágico retrato musical da crucificação que encerra a Paixão segundo São João. O tom alegre da abertura do Oratório dissipa essas nuvens, anunciando o milagre e, ao final, a celebração ainda mais gloriosa do triunfo da vida sobre a morte. Para este programa dedicado a Bach, a Osesp conta com a regência de Richard Egarr, maestro britânico especializado no repertório barroco.

Reunindo 60 obras — entre pinturas, gravuras, desenhos, aquarelas e documentos inéditos —, a exposição "Lasar Segall: sempre a mesma lua" apresenta um panorama amplo da produção do artista. A curadoria de Patricia Wagner adota um olhar poético para explorar suas múltiplas linguagens e a construção de uma identidade que, embora enraizada na tradição judaica, dialoga com temas universais como deslocamento, espiritualidade e a condição humana.O ponto de partida é a associação entre a imagem da lua e o profundo sentimento humano que Segall atribuía à própria identidade judaica. A partir desse símbolo, a mostra evidencia como, em cada fase, o artista equilibra tensões pessoais, heranças culturais e observações sobre o mundo. A mostra destaca também a maneira como Segall absorveu os reflexos de seu tempo.

TINA – TINA TURNER O MUSICAL é a história da lendária artista Tina Turner, a Rainha do Rock ‘n’ Roll, 12 vezes vencedora do Grammy Awards. Com trilha sonora de tirar o fôlego, com seus sucessos icônicos, incluindo ‘The Best, What’s Love Got To Do With It?’, ‘Private Dancer’ e ‘River Deep, Mountain High’, o musical é uma história real e inspiradora de uma mulher que ousou sonhar intensamente, quebrar barreiras e desafiar os limites de idade, gênero e raça para conquistar o mundo contra todas as probabilidades. Na versão brasileira, quem terá a honra de interpretar a lendária Tina Turner será Analu Pimenta, enquanto César Mello interpreta Ike Turner, parceiro criativo e amoroso de Tina nos primeiros anos. Demais nomes do elenco serão divulgados em breve.

O MASP exibe a exposição André Taniki Yanomami: ser imagem / në utupë / image being, que reúne 121 desenhos produzidos entre 1976 e 1978 por André Taniki Yanomami (n. ca. 1945, Terra Indígena Yanomami, Roraima, Brasil). Taniki é xamã, guardião político e espiritual de sua comunidade, sendo responsável por “segurar o céu”, garantindo o equilíbrio cósmico, além de curar doenças e mediar relações. A expressão yanomami në utupë significa “ser imagem” e designa a essência vital de todos os seres, visível apenas aos líderes espirituais em visões xamânicas. Com curadoria de Adriano Pedrosa, diretor artístico, MASP, e Mateus Nunes, curador assistente, MASP, a mostra apresenta obras raramente exibidas ao público — 78 delas nunca exibidas antes —, que retratam a cosmologia yanomami, na qual humanos, animais, espíritos, floresta e céu coexistem em uma mesma ecologia espiritual.

Com realização da Vento Leste e produção da equipe MIS, a mostra apresenta um testemunho visual impactante a partir de ampla documentação sobre a escassez hídrica que afeta milhões de pessoas em diferentes países, incluindo o Brasil. O trabalho de Hiller desmistifica a ideia de abundância hídrica em regiões como a Amazônia e o Pantanal, revelando que mesmo no país detentor do maior volume de água doce do planeta, milhões de brasileiros vivem sem acesso à água limpa.

Com cerca de 67% de seu território coberto por florestas, o Japão é reconhecido como um dos países mais arborizados do mundo, segundo dados da Embaixada do Japão no Brasil. A partir deste cenário, o carpinteiro, mestre da madeira, pede a permissão das divindades das montanhas e florestas para cuidar das árvores, analisando cuidadosamente suas características e o seu crescimento para utilizar a madeira certa para o propósito certo. Tendo como base esse respeito e admiração pela natureza, junto com a responsabilidade e o comprometimento de construir algo duradouro, os carpinteiros japoneses desenvolveram uma técnica altamente refinada, que não depende de pregos ou peças metálicas. Este é um pouco do espírito que a exposição “Imbuídos das forças das florestas do Japão – Mestres da carpintaria: habilidade e espírito”, com curadoria de Marcelo Nishiyama, diretor associado e curador-chefe do museu Takenaka Carpentry Tools (Kobe, Japão). Em São Paulo, a mostra ainda ganhará uma segunda parte, prevista para março de 2026, dedicada ao kigumi, técnica arquitetônica que consiste em entalhar as peças de madeira para que se encaixem perfeitamente.

A exposição “Olhar Negro, Negro Olhar — Antologia da Fotografia Negra da Bahia”, traz um panorama sensível da fotografia produzida no estado. Com curadoria de Bené Fonteles e pesquisa e organização de Marcelo Reis, a mostra propõe um aprofundamento nas múltiplas camadas de significados sobre a negritude baiana.A exposição reúne obras de artistas que construíram, ao longo das últimas décadas, um repertório visual sobre o povo e a cultura da Bahia, entre eles: Adenor Gondim, Ayrson Heráclito, Bauer Sá, Christian Cravo, Mário Cravo Neto, Miguel Rio Branco, Pierre Verger, Zélia Gattai e Voltaire Fraga, entre outros.

A nova exposição temporária, ¡Cancha Brava! Futebol sudamericano en disputa, convida o público a vivenciar não apenas as conquistas e confrontos dentro de campo, mas também a paixão arrebatadora que move os sul-americanos, seus conflitos e contradições, tornando o futebol uma das manifestações culturais mais marcantes do continente. A curadoria de Luiza Romão, Matias Pinto e Gisele de Paula propõe um percurso histórico, político e poético, pelo subcontinente a partir do futebol, explorando instalações audiovisuais, paisagens sonoras, experiências interativas, fotografias e obras de arte – muitas produzidas com exclusividade para a exposição. Como o próprio título anuncia, a exposição é bilíngue, explorando os cruzamentos entre português e castelhano. !Cancha Brava! é uma síntese da história do nosso futebol, feita de muita paixão, particularidades e bolas divididas.

A exposição celebra o universo vibrante e multicolorido das letras pintadas à mão dos cartazes de mercado, das carrocerias de caminhões e das embarcações ornamentadas. Idealizada pelo artista Filipe Grimaldi em parceria com o artista e pesquisador Thiago Nevs e a produtora Carolina Herszenhut, a mostra, que reúne trabalhos de cerca de 60 artistas, propõe um mergulho na cultura visual popular do Brasil e de países como Argentina, Chile, Colômbia, México e Peru, valorizando saberes que atravessam gerações.Exaltando personagens que atuam no anonimato, a exposição é organizada em núcleos temáticos e retrata sobretudo, a diversidade de estilos da letra popular brasileira e latino-americana.

Redômara é um espetáculo de dança e música experimental. Seu principal objetivo é ocupar o espaço (seja ele urbano, natural ou cênico) através da conexão entre música, dança e paisagem. Criado pelos artistas Herika RK e O., o espetáculo é resultado da pesquisa de ambas, no qual investiga a retroalimentação entre som e movimento. Herika trabalha corporalmente sobre a transmutação, formações, deformações e vibrações, a observação do movimento das plantas e a interação com os objetos em cena, orientada por sua pesquisa de corpo, integrando investigações em Dança Contemporânea, Butô e Performance. O. trabalha com modulações de sinal elétrico, utilizando pedais de efeito, guitarra, difusão acusmática, sintetizador e diversos objetos e materialidades, como chapas de metal. A apresentação proporciona uma experiência sensorial imersiva de dilatação do tempo, de modulações sonoras e corpos vibrantes. E convidam o público a se entregar à contemplação de uma paisagem fantástica.

Combinando a música ocidental com as tradições orientais, a compositora japonesa Misato Mochizuki possui um catálogo com cerca de 70 obras, entre as quais estão 17 composições sinfônicas. Nesta apresentação, regida pelo maestro titular Roberto Minczuk, Nirai serve como uma espécie de abertura para o Concerto para Piano nº 4 de Beethoven.A segunda parte do programa é dedicada a autores russos. Escrita em Moscou em 1876, Francesca da Rimini, de Tchaikovsky, é uma fantasia orquestral baseada no canto V do Inferno da Divina Comédia de Dante. Segue-se a esta obra Der Zorn Gottes (A Ira de Deus), de uma das mais importantes compositoras da música contemporânea, Sofia Gubaidulina, falecida em março de 2025. E aqui, voltamos a Beethoven: a peça é dedicada ao “grande Beethoven” e abre com poderosas sonoridades extraídas das cordas e dos sopros, evocando um Deus irado.

Rafael Pereira: A Cabeça de Zumbi inaugura a programação de 2026 da Galeria Estação, reafirmando a força poética e a crescente complexidade do trabalho do artista paulistano de 39 anos. Composta por dois núcleos expositivos, a mostra reúne 22 pinturas — sendo 20 retratos e duas naturezas-mortas — e apresenta, no mezanino, a série Nbimda, formada por 16 pinturas de cabeças de dimensões variáveis. Cada obra representa uma divindade (nkisi) cultuada no candomblé de Angola de matriz Bantu. A exposição evidencia, ainda, a ampliação de técnicas experimentadas durante o período formativo de Pereira, como o uso de bastão de giz pastel óleo sobre papel, revelando processos investigativos de um trabalho em transformação.

Em sua primeira passagem pela América Latina, o regente francês Fabien Gabel apresenta excertos de três óperas unidas por uma mesma atmosfera onírica. Nelas, Wagner, Debussy e Richard Strauss retornam a um passado mítico à procura de novos rumos para a música. No “Prelúdio” de Tristão e Isolda, o amor é um anseio infinito, sugerido por tensões harmônicas em suspenso. Já com Debussy, o silêncio insinua a paixão secreta e proibida entre Pelléas e Mélisande. Por fim, Richard Strauss aborda a maternidade e o amor conjugal na figura de uma rainha imortal que, por não poder engravidar, viaja desesperada ao reino dos mortais em busca de realizar seu desejo. Lozakovich completa o programa interpretando o Concerto para violino de Tchaikovsky, obra inspirada pela companhia do jovem violinista Iossik Kotek, por quem o compositor estava apaixonado e a quem pretendia dedicar o concerto.

A última exposição de 2025 da Pinacoteca, “Trabalho de Carnaval”, é uma coletiva com obras de 70 artistas de diferentes gerações e origens, como Alberto Pitta, Bajado, Bárbara Wagner, Ilu Obá de Min, Heitor dos Prazeres, Juarez Paraíso, Lita Cerqueira, Maria Apparecida Urbano, Rafa Bqueer e Rosa Magalhães.A mostra no edifício Pina Contemporânea expõe 200 obras dentre adereços, projetos de decoração e documentação histórica em fotografia e vídeo, além de comissionamentos de projetos inéditos dos artistas Adonai, Ana Lira e Ray Vianna.Dividida em quatro temas – Fantasia, Trabalho, Poder e Cidade, “Trabalho de Carnaval” apresenta a maior festa popular do país como uma cadeia produtiva que envolve o trabalho das muitas mãos desde antes mesmo da festa acontecer, ao mesmo tempo em que alude à precariedade e invisibilidade desses profissionais.

Uma noite inesquecível com o Coral Paulistano, sob a regência da talentosa Maíra Ferreira, celebrando 90 anos de história.

O espetáculo biográfico narra como a pequena Maria da Graça Costa Penna Burgos, nascida no dia 26 de setembro de 1945, em Salvador (BA), tornaria-se não apenas a “musa da Tropicália”, como dizia seu apelido, mas uma das figuras mais importantes desse movimento da cultura popular brasileira, um símbolo feminista e uma das maiores cantoras do mundo (tendo, inclusive, sido eleita uma das 10 maiores vozes femininas do mundo pela revista estadunidense Time).A trama acompanha diversos episódios da vida de Gal, como sua infância e a relação com sua mãe-solo Mariah; sua amizade com Caetano Veloso, Maria Bethânia, GIlberto Gil e Tom Zé, que começaram sua trajetória artística juntos no Teatro Vila Velha; o início da carreira na música e seu primeiro empresário, Guilherme Araújo; até a adoção de seu filho Gabriel, em 2008.

Hercules Gomes é um dos mais destacados pianistas brasileiros do nosso tempo. Em sua atuação como intérprete, compositor e arranjador, ele transita com naturalidade do clássico ao jazz, sem nunca perder de vista o choro. Seu estilo recupera e atualiza a linguagem dos pianistas meio eruditos, meio populares que encheram o país de polcas, tangos e maxixes no início do século passado. Por meio de seus recitais e gravações, Gomes também ajuda a manter vivo o legado de compositoras fundamentais para a música brasileira, como Chiquinha Gonzaga e Tia Amélia.Gomes se apresentou na Sala São Paulo pela primeira vez em 2021. Para a Temporada 2026, o pianista traz uma seleção deobras que reúne diferentes gerações de chorões. O recital se encerra com composições do próprio Gomes, mostrando quea linhagem do piano brasileiro da qual ele é herdeiro continua sendo uma força expressiva no cenário contemporâneo.

Nome central da história do cinema, com filmes que marcaram gerações, Agnès Varda (1928–2019) também é autora de uma extensa produção fotográfica, tendo inclusive começado sua carreira como fotógrafa. Ao longo dos anos, consolidou-se como cineasta, mas a fotografia continuou presente em sua trajetória, seja em seus filmes, seja nas instalações artísticas que produziu no século 21.A exposição reúne cerca de 200 fotografias tiradas por Varda, principalmente entre as décadas de 1950 e 1960. O conjunto traz imagens clicadas em viagens, incluindo registros inéditos na China, em 1957, fotos em Cuba, no contexto pós-revolução, e nos EUA, onde a artista documentou os Panteras Negras. Há ainda fotos feitas em Paris, como as de uma peça encenada pelos Griôs, primeira companhia de teatro negro na cidade. Em diálogo, a mostra apresenta trechos de filmes da autora, enfatizando como o comprometimento social, o olhar afetuoso e o humor caracterizam a sua produção.

Em 2021, o disco Canções de Apartamento, de Cícero, completava 10 anos. Mas, em meio à pandemia, não foi possível comemorar como a ocasião merecia. Agora, em 2026, o artista carioca sobe ao palco para celebrar os 15 anos de seu álbum de estreia – um marco da música independente brasileira, que abriu caminhos e conquistou público e crítica com sua poesia intimista e sonoridade singular. O show revisita as faixas que marcaram gerações de ouvintes, como “Tempo de Pipa”, “Vagalumes Cegos” e “Açúcar ou Adoçante”, apresentadas em arranjos que unem a essência do disco ao amadurecimento musical do artista e sua banda. Além da execução integral de Canções de Apartamento, o repertório traz diálogos com momentos posteriores da carreira de Cícero, costurando um retrato afetivo de sua trajetória.

Conhecida por suas interpretações empolgantes do repertório contemporâneo, Elena Schwarz traz Atmosphères, de Ligeti, para o palco da Sala São Paulo: um enxame de notas que se expande e se contrai em uma massa sonora de estranha beleza, utilizada por Stanley Kubrick na trilha-sonora de 2001: Uma odisseia no espaço. Na sequência, Had to be propõe um diálogo criativo entre sonoridades da diáspora africana: os hinos afro-americanos, a música fúnebre caribenha, o jazz de Nova Orleans e os ritmos da Costa Oeste africana. A obra da compositora haitiana-americana Nathalie Joachim foi escrita para Woods, que se junta à Osesp para a estreia latino-americana. O programa termina com a vitalidade rítmica inigualável da Sinfonia nº 7, na qual Beethoven toma variações de uma melodia extremamente simples como ponto de partida para construir um edifício sinfônico.

Em seu primeiro programa da Temporada 2026, o Coro da Osesp apresenta uma rica conversa musical entre o Brasil e a Alemanha. Os Salmos brasileiros são a obra mais conhecida de Jean Berger. Ouvimos ainda uma das mais importantes compositoras brasileiras em atividade, Denise Garcia. Em Dos Salmos, ela cria texturas vocais delicadamente dissonantes a partir de textos bíblicos, cantados em português. Os Seis motetos de Mendelssohn, por sua vez, combinam uma sensibilidade harmônica romântica com o contraponto barroco e renascentista. O diálogo continua com os intrincados jogos rítmicos de Belo belo, criados por Ronaldo Miranda a partir do poema de Manuel Bandeira. Os Três coros mistos de Clara Schumann nos levam de volta à Alemanha. Em O eremita, Marx Reger acrescenta harmonias cromáticas aos versos evocativos do poeta alemão Joseph von Eichendorff. Cantada em nheengatu, idioma indígena da família do tupi-guarani, O iurupari e o menino é a primeira das Duas lendas ameríndias de Villa-Lobos. O programa se encerra com o enérgico Psalmus CL, de Ernani Aguiar.

“Mudança de Hábito” com direção de Tadeu Aguiar, direção musical de Laura Visconti e versões brasileiras de Bianca Tadini e Lucianno Andrey, a nova montagem do clássico da Broadway promete encantar o público com cenários e figurinos especialmente criados para a produção, novos arranjos musicais e uma equipe criativa premiada.Inspirado no filme homônimo de 1992, estrelado por Whoopi Goldberg, o musical acompanha a jornada de Deloris Van Cartier, uma cantora que, após testemunhar um crime, é forçada a se esconder em um convento. Com seu jeito irreverente e sua paixão pela música, ela transforma a rotina do local, provocando encontros inesperados e mudanças profundas em todos ao seu redor - inclusive nela mesma.

A Orquestra Sinfônica Municipal apresenta um programa dedicado a grandes compositores do século XX, com regência de Ricardo Bologna e participação do pianista Paulo Álvares.

O aguardado TINA – TINA TURNER O MUSICAL chega ao Brasil. Na versão brasileira, quem terá a honra de interpretar a lendária Tina Turner será Analu Pimenta, enquanto César Mello interpreta Ike Turner, parceiro criativo e amoroso de Tina nos primeiros anos. O Musical é a história da lendária artista Tina Turner, a Rainha do Rock ‘n’ Roll, 12 vezes vencedora do Grammy Awards. Com trilha sonora de tirar o fôlego, com seus sucessos icônicos, incluindo ‘The Best, What’s Love Got To Do With It?’, ‘Private Dancer’ e ‘River Deep, Mountain High’, o musical é uma história real e inspiradora de uma mulher que ousou sonhar intensamente, quebrar barreiras e desafiar os limites de idade, gênero e raça para conquistar o mundo contra todas as probabilidades.

Brahms e o casal Schumann formam o triângulo amoroso mais famoso do Romantismo musical. A história começa com a inesperada visita de Brahms, então um jovem desconhecido, à casa dos Schumann em Düsseldorf. O casal ficou tão impressionado com as composições do rapaz que decidiu convidá-lo a passar as próximas semanas com eles. Pouco depois, uma tragédia se abateu sobre a família: Robert tentou se suicidar pulando no rio Reno. Após o resgate, foi internado em um sanatório. Diante disso, Brahms decidiu se mudar de vez para junto de Clara, para dar a ela o apoio necessário — à época, grávida de seu oitavo filho. Além disso, o casal passou a depender dele para poder se comunicar. Como os médicos haviam proibido Robert de ver a esposa, Brahms passou a levar e trazer cartas deles toda vez que ia visitar o amigo. Ao mesmo tempo, ele se apaixonou por Clara. Um amor impossível, ora dito em meias-palavras, ora afirmado na linguagem inefável da música.

Nesta jornada emocionante, Masha, o Urso e os amigos da floresta vivem uma história de lealdade e coragem. A trama se desenrola quando o Urso é levado por Igor, um misterioso caçador de estrelas. Masha, então, precisa resgatar o Urso dos verdadeiros planos de Igor, contando com a ajuda de seus amigos e do público.

O concerto Diálogos: Pärt, Mozart e Haydn reúne o Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo em um programa que atravessa o silêncio meditativo, o humor clássico e o lirismo vienense. A obra Summa, de Arvo Pärt, abre o programa com sua escrita contemplativa baseada na técnica tintinnabuli. Em seguida, o espírito lúdico de Haydn se manifesta no Quarteto “A Piada”. O concerto se completa com o Quarteto em Mi bemol maior de Mozart.

O astro global The Weeknd, anunciou a extensão de sua turnê After Hours Til Dawn Stadium. Anitta se juntará a The Weeknd nas datas no México e no Brasil. A turnê celebra a aclamada trilogia de álbuns de The Weeknd — After Hours (2020), Dawn FM (2022) e Hurry Up Tomorrow (2025) — e apresenta sucessos de seu catálogo no topo das paradas. After Hours Til Dawn foi lançada originalmente em 2022 e se tornou a maior turnê de R&B da história. A turnê viajou para países do mundo todo nos últimos três anos, com apresentações em estádios na América do Norte, Europa, Reino Unido, América do Sul e Austrália.

Mendelssohn foi um dos maiores prodígios da história da música, e na sua Sinfonia nº 1, escrita quando tinha apenas 15 anos, demonstra um domínio formal raro mesmo entre compositores experientes. Com o enérgico tema em dó menor do primeiro movimento, Fischer e a Osesp dão início ao seu percurso pela música do compositor judeu alemão. Damos um salto de dois séculos para o Concerto para trombone do norte-americano Andrew Norman, escrito para o trombonista holandês Jörgen van Rijen — artista que atua como um verdadeiro embaixador de seu instrumento. O desfecho se dá com O Pássaro de Fogo, primeiro fruto do encontro entre Stravinsky e o Ballets Russes, de Sergei Diaghilev. Nela vemos um momento de transição entre feitos orquestrais à Rimsky-Korsakov, mas com ritmos ferozes que prenunciam Petrushka e Sagração da primavera.

"Tráfico" estreia em São Paulo, trazendo Robson Torinni no papel de garoto de programa e matador de aluguel. Seguindo a linha da autoficção, Tráfico relata a vida de Alex, um jovem periférico em busca do seu sonho latino-americano, fruto das desigualdades do mundo. Os problemas familiares, o relacionamento conturbado com a namorada e a vontade de vencer na vida, representada pelo sonho de comprar uma moto de alto luxo, o leva a caminhos sedutores e violentos. No desenrolar de sua trajetória e a partir de uma paixão, a história acessará as áreas mais sombrias da vida desse personagem.

A exposição “Demonstra: pela poética def” reúne obras de Lua Cavalcante, Nara Rosetto, Guto Oca, Daniel Moraes, Jeff Barbato e João Paulo Racy, propondo um encontro entre arte, corpo e reexistência e reafirmando a deficiência como campo de conhecimento e invenção. A mostra nasce do desejo de construir um território coletivo, no qual artistas, educadores e pesquisadores com deficiência criam a partir de suas próprias vivências, deslocando o olhar do público sobre o que se entende por corpo, normalidade e estética.Com curadoria de Daniel Moraes, fundador da Demonstra, em colaboração com a pesquisadora Júlia Ayerbe, e assistência de curadoria de Maíra Freitas, a mostra articula diferentes linguagens - como desenho, fotografia, objetos-instalativos, vídeo-performance e publicações - em torno da ideia de acessibilidade estética e propõe uma constelação de corpos e poéticas def que questionam modelos hegemônicos de representação e pertencimento.

A mostra se debruça sobre a política da memória na diáspora asiática a partir do contexto das Américas e de seus entrelaçamentos transpacíficos. A exposição percorre tempos e geografias ao mesmo tempo distantes e interconectados, que se estendem da Segunda Guerra Mundial até o presente, reunindo trabalhos de 29 artistas de diferentes países do continente americano, do Caribe, e do Leste e Sudeste da Ásia. Com trabalhos em desenho, pintura, pôster, fotografia e vídeo, assim como revistas e jornais, Cartas à memória propõe uma constelação de imagens que funcionam como uma lente multifacetada para o trabalho da imaginação e da memória na diáspora.

Nepomuceno foi um dos grandes modernizadores da nossa música de concerto, pioneiro na incorporação de ritmos populares brasileiros. É o que se pode ouvir em sua ópera inacabada O Garatuja (1904), baseada no romance de José de Alencar. A próxima obra, de Almeida Prado, é da década de 1980, quando, já tendo passado por fases nacionalistas e vanguardistas, o compositor desenvolveu uma linguagem singular para a Sinfonia dos Orixás, com pontos cantados em rituais do candomblé e 21 instrumentos de percussão, entre atabaques, agogôs, reco-recos e afoxés. Dando continuidade ao ciclo dedicado a Mendelssohn, o programa termina com a Sinfonia nº 2. Contando com solistas e coro, a obra foi concebida à maneira de uma cantata. O próprio compositor regeu a obra em sua estreia, como parte da celebração dos 400 anos da prensa de Gutenberg — e da publicação da tradução da Bíblia feita por Lutero.

Em 1976, Djavan iniciou sua trajetória com o lançamento de “A Voz, o Violão, a Música de Djavan” sem imaginar que se tornaria um dos maiores ícones da música popular brasileira. A partir do dia 9 de maio de 2026, o cantor alagoano celebra a carreira de cinco décadas com a turnê “Djavanear 50 anos. Só Sucessos”, que se iniciará em São Paulo, no Allianz Parque, em um espetáculo formado exclusivamente por seus maiores hits.

A história acompanha Shrek e seu inseparável amigo Burro Falante em uma jornada repleta de música, gargalhadas e aventura. Ao longo do caminho, eles desafiam estereótipos e provam que todos merecem um final feliz, mesmo quando estão fora dos padrões dos contos de fadas. Baseado no filme de animação da DreamWorks e no roteiro de William Steig, o musical tem texto e letra de David Lindsay-Abaire e músicas de Jeanine Tesori. O ator e cantor Tiago Abravanel interpreta Shrek. Com cenários grandiosos, figurinos premiados e efeitos especiais impressionantes, o espetáculo recria com humor e imaginação o universo irreverente do ogro mais amado do planeta.

Olivier Messiaen escreveu Um sorriso em homenagem ao bicentenário da morte de Mozart, explicando seu apreço a este nos seguintes termos: “Ele só conheceu a tragédia [...] Ainda assim, Mozart continuou a sorrir, em sua música e em sua vida”. Não por acaso, o programa coloca ao lado de Messiaen o último e maismozartiano concerto de Haydn, inspirado em melodias ciganas e repleto de deliciosas appoggiaturas. O francês Pierre Laurent-Aimard é o solista, conhecido pela maneira iluminadora como articula o repertório tradicional ao contemporâneo. A seguir voltamos a Messiaen, ouvindo o canto de aves da Ásia e das Américas, entremeados com ritmos hindus. O programa culmina com a Sinfonia nº 5 de Mendelssohn, celebração do tricentenário do Protestantismo, este simbolizado pelo hino “Deus é nosso refúgio e fortaleza”, composto por Lutero em 1529, contraposto à deliberada citação de Palestrina, compositor maior da tradição católica.

Poucas bandas moldaram o som de uma geração como o KoЯn. Pioneiros do alt-metal na década de 1990, o grupo levou o gênero a uma escala global misturando guitarras pesadas, grooves sombrios e letras cruas, que exploram vulnerabilidade. A banda canadense Spiritbox e o Seven Hours After Violet, grupo de metal dos Estados Unidos, farão os shows de abertura. O KoЯn chega ao país embalado por um dos melhores momentos da carreira. Ao ocupar o posto de headliner de importantes festivais globais e esgotando os ingressos em estádios, o grupo demonstrou a atemporalidade de sua obra e ainda angariou novos fãs. O KoЯn é formado atualmente por Jonathan Davis (vocais), James “Munky” Shaffer (guitarra), Brian “Head” Welch (guitarra), e Ray Luzier (bateria).

O Museu do Ipiranga inaugura a exposição Debret em questão –olhares contemporâneos, que propõe um diálogo entre a iconografia do Brasil Império estabelecida pelo artista francês Jean-Baptiste Debret (1768–1848) e sua releitura, quasesempre crítica ou irônica, por parte de 20 artistas contemporâneos. A exposição é um desdobramento do livro Rever Debret (Editora 34, 2023), do pesquisador Jacques Leenhardt, que assina a curadoria ao lado de Gabriela Longman. Além de apresentar uma seleção de 35 trabalhos de Jean-Baptiste Debret, a mostra conta com obras de artistas contemporâneos que partem das referências visuais do artista francês.

O título Um réquiem alemão se deve ao fato de Brahms ter utilizado passagens da Bíblia de Lutero, optando pelo vernáculo em vez do Latim. Sem se concentrar no Juízo Final, Brahms enfatiza a busca pela consolação diante da inevitabilidade da morte. A obra, completada em 1868, será interpretada pelo maestro português Dinis Sousa, tendo como solistas o brasileiro Leonardo Neiva e a belga Louise Foor. Entre os movimentos do Réquiem, ouviremos as quatro pequenas peças de Das Lesen der Schrift. Nelas, Rihm procura ler a música de Brahms de maneira criativa, produzindo outro retrato musical do processo de luto, uma música sóbria e contemplativa que se encaixa perfeitamente no universo brahmsiano. A maneira como Rihm dialoga com o Réquiem espelha como o próprio Brahms dialoga com as cantatas sacras de Bach: a obra de Rihm, composta em 2001, situa-se no desfecho de uma conversa de quase 300 anos a respeito da perda e de sua elaboração.

A nova exposição do Museu das Favelas tem como fio condutor a potência do legado de Frantz Fanon, médico psiquiatra, pensador, crítico e revolucionário martinicano que marcou os séculos XX e XXI.Com mais de 130 obras de pessoas artistas de 8 países, Imaginação Radical: 100 anos de Frantz Fanon propõe um diálogo entre as ideias de Fanon e a arte contemporânea, evidenciando como sua obra permanece atual, influenciando a história da arte no Brasil e no mundo, além de gerações de ativistas, artistas e intelectuais.Dividida em quatro eixos temáticos, ela apresenta criações que dialogam com identidade, corpo, território e o sonho, convidando o público a refletir sobre a imaginação como uma prática radical de transformação da realidade.

De nomes que marcaram gerações a artistas que apontam novos rumos para a música, o C6 Fest chega à sua quarta edição. O line-up de 28 atrações tem entre seus destaques Robert Plant, The xx, Matt Berninger (vocalista do The National), Beirut, Branford Marsalis, Lykke Li e Paralamas do Sucesso com participação de Nação Zumbi, além de fenômenos recentes, como Dijon, Oklou, Cameron Winter e Wolf Alice puxam a programação.O Auditório Ibirapuera sediará as apresentações de jazz e suas vertentes nas primeiras duas noites do evento (21 e 22). Já no sábado e no domingo, às 23h, o mesmo palco dará lugar a uma nova experiência dentro do festival, o inédito C6 Lab. Com uma atração por noite, logo após os shows nos palcos externos, sua programação propõe uma experiência de escuta profunda no universo esteticamente desafiador de cada um dos artistas.

Em um ano crucial de reflexão e escolhas para o país, o MPB4 sobe ao palco com "ESPERANÇA BRASIL". Mais do que um show, é uma declaração de amor ao futuro, um convite para renovar o otimismo sem jamais esquecer a história.Com a excelência vocal que atravessa gerações, o quarteto propõe um equilíbrio perfeito entre a canção como instrumento de crônica social e a música como celebração da vida. O espetáculo costura a urgência do debate político com a leveza da alegria e a busca por "novos ares" na cultura brasileira."ESPERANÇA BRASIL" é a prova da resiliência do povo contada através da harmonia. É a voz inconfundível do MPB4 servindo como trilha sonora para a transformação, provando que, mesmo nos tempos mais desafiadores, a utopia de um país mais justo e feliz ainda é a nossa melhor melodia.

O Trio Amadeus, referência em inovação e excelência na música brasileira, apresenta seu mais novo espetáculo: "Jornada Épica do Clássico ao Rock". Com sua formação consagrada – Fábio Amadeus (violão de 7 cordas e voz), Rafael Marcenes (violino) e Marcelle Chagas (harpa e voz) –, o Trio explora os limites entre o erudito e o popular com arranjos autorais e interpretações marcantes. No repertório, o público poderá se emocionar com as maiores obras de Mozart, navegar por melodias medievais, sentir o ritmo da música brasileira e reviver sucessos de gigantes como Queen e Led Zeppelin, além de se encantar com trilhas inesquecíveis de filmes e musicais de todos os tempos.

Marc Albrecht, parceiro frequente da Osesp, retorna para reger Richard Wagner, uma especialidade do maestro, que passou uma década à frente da Ópera Nacional da Holanda. A primeira parte do programa conta com as aberturas orquestrais de três óperas compostas em períodos diferentes: Os mestres cantores de Nuremberg, Lohengrin e Tannhäuser. Ao invés de seguir estruturas formais convencionais, Wagner transforma as aberturas em poemas sinfônicos em miniatura que, além de introduzirem os principais temas das óperas, condensam seu conteúdo psicológico.A soprano estoniana Aile Asszonyi apresenta uma seleção de trechos de Crepúsculo dos deuses.

Em 1907, Gustav Mahler sofreu três duros golpes do destino. Em maio, foi obrigado a renunciar ao posto de diretor da Ópera de Viena, após uma feroz campanha antissemita conduzida pela imprensa conservadora. Dois meses depois, sua filha Maria morreu de escarlatina, aos quatro anos de idade. Por fim, nas semanas seguintes, ele mesmo foi diagnosticado com uma doença cardíaca incurável. Das Lied von der Erde, uma das últimas partituras completadas pelo compositor, responde à crise com uma visão trágica da natureza. Para criar as seis canções que formam essa sinfonia para tenor, contralto e orquestra, Mahler recorreu a traduções para o alemão de poemas chineses do século VIII. Os textos o fascinaram justamente por mostrarem como a beleza do mundo é transformada pela consciência da finitude.

A artista paulistana Marcia Pastore inaugura, a instalação inédita Cabodá. A obra foi selecionada pelo 1º Edital de Artes Visuais do Museu da Cidade de São Paulo, instituição vinculada à Secretaria de Cultura e Economia Criativa da Prefeitura de São Paulo, e tem origem na observação dos furos deixados pelas travessas de madeira utilizadas na construção em taipa de pilão, conhecidas como cabodás.O projeto parte da estrutura da edificação, feita em taipa de pilão, para construir uma obra que conecta interior e exterior do edifício. A partir dos vazios deixados no processo construtivo, Pastore transforma elementos arquitetônicos em escultura e propõe uma reflexão sobre equilíbrio, corpo e espaço.

O Coro da Osesp, com seu regente titular Thomas Blunt, encerra a Semana do Meio Ambiente com a estreia mundial de Oirande, encomenda feita a Jocy de Oliveira em homenagem aos seus 90 anos. A obra reflete valores de antigas culturas matriarcais, nas quais havia uma profunda integração do ser humano à natureza. O programa segue com Clemens non Papa, compositor renascentista da escola franco-flamenga. Seu moteto Ego flos campi, escrito a sete vozes, utiliza versos do Cântico de Salomão que evocam a figura de Virgem Maria através de alegorias com a natureza. Ecce beatam lucem, do inglês Jonathan Dove, parte de uma ode de Alessandro Striggio à luz e suas fontes — o sol, a lua, as estrelas e, sobretudo, Deus. A luz é também o tema de Iridescence, da lituana Juste Janulyté. A peça busca traduzir musicalmente o fenômeno da iridescência, que faz com que certas superfícies — como as asas dos beija-flores, por exemplo — mudem de cor conforme o ângulo de observação.

Dono de uma das vozes mais marcantes e emocionantes da música brasileira contemporânea, Johnny Hooker retorna aos palcos com um formato especial: Johnny Hooker - Acústico. Neste espetáculo, o artista revisita os principais sucessos de sua carreira em versões inéditas, intimistas e surpreendentes, acompanhado por uma banda completa que dá novos contornos à sua sonoridade.Com uma trajetória que mistura poesia, intensidade e teatralidade, Hooker conquistou o público com hits como Amor Marginal, Flutua e Alma Sebosa, canções que se tornaram verdadeiros hinos de uma geração. Agora, pela primeira vez, o público terá a chance de ouvir essas músicas em um formato acústico, que valoriza a interpretação visceral do cantor e a riqueza de seus arranjos.

Para celebrar o Dia Mundial do Meio Ambiente, a Osesp e o maestro alemão Marc Albrecht apresentam dois retratos musicais da primavera: o oratório As estações, composto por Haydn em 1801, e a Sinfonia nº 1, “Primavera”, de Schumann. O mundo natural, que serviu de inspiração a compositores de todos os períodos, são um modelo para nosso tempo de crise climática. Em meio às duas obras, temos o Concerto para piano de Schumann, escrito em 1841, período feliz em que havia acabado de se casar e concebeu a obra como uma declaração de amor a Clara: o tema principal se baseia nas notas Dó, Si, Lá, Lá – na notação musical germânica, C, H, A, A. Assim, a melodia alude ao apelido carinhoso de sua amada: Chiara. A obra será interpretada pelo pianista argentino Nelson Goerner.

Este recital lança luz sobre o virtuosismo do celebrado pianista argentino Nelson Goerner. O programa se inicia com a Toccata em dó menor, BWV 911, de Bach. Trata-se de uma obra de juventude, marcada pelo contraste entre passagens de caráter mais livre, escritas a uma só voz, e passagens polifônicas, nas quais diferentes vozes se combinam de modo engenhoso. A Sonata nº 19 em dó menor, D 958, por sua vez, é uma obra tardia de Schubert. O quarto dos Dez prelúdios de Rachmaninov é uma canção sem palavras. Afastando-se da concisão dos prelúdios de Chopin e Scriabins, o compositor russo opta aqui por uma forma de maior fôlego. Isso lhe dá o tempo necessário para desfiar suas longas melodias melancólicas. Para encerrar o programa, Goerner interpreta Islamey, a “fantasia oriental” de Mily Balakirev. Os temas da peça se inspiram em cantigas folclóricas do Cáucaso, região que une a Europa à Ásia.

A primeira exposição panorâmica da artista peruana Sandra Gamarra Heshiki reúne cerca de 80 obras dos últimos 25 anos de sua produção. Desde o final dos anos 1990, o trabalho de Gamarra adota uma perspectiva de crítica institucional, evidenciada pela criação do museu fictício LiMAC. A artista questiona a neutralidade das representações artísticas ao utilizar a apropriação crítica de pinturas e esculturas, sobretudo do período colonial, estabelecendo a “réplica” como forma de resposta a narrativas estabelecidas. A própria organização da mostra imita e critica a cronologia clássica de um museu latino-americano.

O singapurense Kahchun Wong, conhecido por performances eletrizantes em que relaciona tradições orientais e ocidentais, faz sua estreia junto à Osesp com um programa de alta voltagem política. O Concerto para violino é descrito por Tan Dun como um “ritual musical em homenagem às vítimas da guerra”. Como nas orquestras da China antiga, os músicos são divididos em dois conjuntos: um deles sobre o palco, representando a natureza; o outro, em pé em meio ao público, representando a humanidade. A violinista norueguesa Eldbjorg Hemsing faz a ponte entre os dois mundos. O programa segue com a Sinfonia nº 5, composta no auge da repressão política na União Soviética. Recebida com entusiasmo, tirou Shostakovich do radar dos censores, porém sua ambiguidade deliberada abre margem para interpretações que escutam ironia e frustração por trás do otimismo triunfal.

O Quarteto Arandu, formado por membros do Coro da Osesp, traz um repertório variado para vozes e instrumentos de sopro. Cantus firmus, da norte-americana Sarah Rimkus, mistura o canto gregoriano com uma sensibilidade contemporânea. Em Penas, da cubana Beatriz Corona, escutamos um tocante poema de José Martí. O primeiro bloco, concentrado na música das Américas, se completa com a estreia do Diário interrompido, de Antonio Ribeiro. Depois, obras do Romantismo e do Renascimento se encontram: em Schumann, Brahms e Mendelssohn, a música procura exprimir a realidade psicológica sugerida nos textos; já em Clément Janequin e Josquin de Prez, temos um retrato do mundo exterior. O programa se encerra com peças brasileiras: o Quinteto em forma de choros, o mais experimental da produção de Villa-Lobos; a Suíte popular brasileira de Júlio Medaglia, que passeia por ritmos como o frevo e o baião; as Variações sérias de Ronaldo Miranda, que partem de um tema de Anacleto de Medeiros, importante compositor de polcas e marchas.

Muñoz investiga as relações entre identidade, memória e imagem por meio de experimentações com suportes fotográficos e audiovisuais.

A regente norte-americana Karen Kamensek inicia seu primeiro programa junto à Osesp com os ritmos vibrantes de Antrópolis. Escrita por Gabriela Ortiz em 2018, a peça evoca a vida noturna da Cidade do México, mesclando elementos da cúmbia, do mambo e do rock. Na sequência, a sul-coreana Yeol Eum Son traz o Concerto nº 2, que se afasta do sarcasmo sombrio que permeia a música de Shostakovich. A obra foi concebida como presente de aniversário para seu filho Maxim, que a estreou em seu recital de formatura do Conservatório de Moscou. A noite se conclui com o aparentemente contraditório Concerto para orquestra: Bartók faz com que diferentes instrumentos se alternem no papel de solista. Encomendada por Serge Koussevitzky, durante visita ao compositor em um hospital em Nova York, aliviou sua difícil situação econômica. A potência das melodias folclóricas contrasta com a fragilidade da saúde de Bartók, que morreu pouco depois da estreia e não chegou a vivenciar seu próprio sucesso.

Este instigante recital de Yeol Eum Son lança luz sobre a obra composicional de grandes virtuoses do piano. Com algumas variações, o repertório é o mesmo da sua estreia no Carnegie Hall, em dezembro de 2025. O programa começa com um arranjo para piano de Bach, feito pela pianista inglesa Myra Hess nos anos 1920. Em seguida, uma seleção das Humoresques escritas pelo pianista polonês Ignacy Jan Paderewski no fim do século XIX. Em sua Sonata antigua, de 1941, Alicia de Larrocha evoca o brilhantismo de Domenico Scarlatti. Já em Feu follet e Valse, de Wanda Landowska, encontramos uma abordagem surpreendentemente romântica. A Elegy delicadamente dissonante de Tatiana Nikolayeva encerra o primeiro bloco do programa, concentrado em obras femininas. O restante do recital contrasta o piano clássico e o jazz. Por meio de arranjos de canções de Charles Trenet, temas do filme Branca de Neve feitos por Alexis Weissenberg e Earl Wild, assim como composições de Friedrich Gulda, Yeol Eum Son revela como a música popular enriqueceu a linguagem de seu instrumento.

E. Balbo, renomado como um dos maiores intérpretes de Freddie Mercury do mundo, une-se à banda QUEEN Legend para uma homenagem emocionante à icônica banda britânica Queen. Reconhecido pela sua notável semelhança vocal e presença de palco arrebatadora, E. Balbo guia o público por uma jornada musical inesquecível, capturando a energia única de Freddie Mercury em cada nota.Acompanhado pela talentosa e dedicada banda QUEEN Legend, que conta com Cauê Brisolla na guitarra representando Brian May, o espetáculo promete uma experiência autêntica e eletrizante para os fãs de Queen e admiradores de música de alto calibre. A banda é conhecida por sua precisão musical e respeito à obra original, recriando com maestria os maiores sucessos e clássicos atemporais, como "Bohemian Rhapsody", "We Will Rock You" e "Somebody to Love".

Continuando o ciclo dedicado a Mendelssohn, a Sinfonia nº 4 — Italiana registra as impressões de sua viagem pelo país. De fato, poucas passagens do repertório são tão eufóricas quanto a melodia tocada pelos violinos logo no início do primeiro movimento, pairando sobre uma rajada de notas repetidas pelas madeiras.No Concerto para viola de William Walton, por outro lado, predominam os tons melancólicos. Grande parte da expressividade dessa peça, composta em 1929, se deve à exploração do registro grave do instrumento solista, caracterizado por uma sonoridade escura e contida, e aqui assumido pelo carismático Antoine Tamestit, considerado o maior violista da atualidade. O programa termina com um retorno à Itália: Elgar escreveu In the South em 1903, durante temporada em Alassio, alternando passagens apoteóticas inspiradas no Império Romano e trechos de caráter pastoral.

O cantor, compositor e ator britânico Harry Styles se consolidou como um artista solo de destaque, misturando pop, rock e soul com uma estética visual nostálgica e um estilo de performance cheio de energia. Styles lançou três álbuns de estúdio e realizou diversas turnê. O quarto álbum de estúdio de Styles, intitulado Kiss All the Time. Disco, Occasionally., tem lançamento previsto para 6 de março de 2026.

A fumaça invadia o cenário, a música começava e um veículo espacial chegava à Terra. Dele, descia uma figura de sorriso aberto, pronta para convidar todo mundo — baixinhos e altinhos — a embarcar numa viagem na qual a alegria, a música, a fantasia e a amizade se encontravam. Agora, esse símbolo tão marcante da cultura pop brasileira será celebrado com a grandeza e o “adeus” que merece: Xuxa apresentará “O Último Voo da Nave” O espetáculo percorrerá diferentes fases da carreira da artista, da estreia no lendário “Xou da Xuxa” aos programas Xuxa Park e Planeta Xuxa, passando pelos sucessos do cinema, como Lua de Cristal, até chegar à era do Xuxa Só Para Baixinhos, que encantou uma nova geração. “O Último Voo da Nave” é uma celebração especial que reafirma a carreira sem precedentes e com o intuito de valorizar o que Xuxa sempre se dedicou a fazer: emocionar famílias, tocar diferentes gerações e lembrar que a infância mora para sempre dentro da gente.

Neste programa, que recupera a memória de duas figuras marginalizadas na história da música, a Osesp conta com a colaboração do maestro espanhol Roberto Gonzalez-Monjas. Korngold se mudou para os EUA nos anos 1930, devido à perseguição nazista aos judeus. Um dos pais da sonoridade orquestral hollywoodiana, seu sucesso no cinema, contudo, prejudicou sua reputação como compositor sério, apenas recentemente sendo amplamente reconhecido. Em Tema e variações, Korngold cria rápidas mudanças de atmosfera através da orquestração, fundamentais no universo das trilhas. Isso também se dá no Concerto para violino, interpretada pelo violinista sul-coreano Inmo Yang. A segunda parte do concerto traz a Sinfonia nº 4, última obra do gênero escrita por uma das maiores sinfonistas do século XX: Grazyna Bacewicz. Nome central da música polonesa durante sua vida, a compositora foi esquecida nas décadas seguintes. Felizmente, sua música tem sido cada vez mais tocada nos últimos anos.

FUNK: Um grito de ousadia e liberdade, a nova exposição temporária com curadoria de Taísa Machado, Dom Filó, Amanda Bonan, Marcelo Campos e Renata Prado, a exposição apresenta e articula a história do funk para além da sua sonoridade, evidenciando sua origem na matriz cultural urbana, periférica, a sua dimensão coreográfica, as comunidades, e os seus desdobramentos estéticos, políticos e econômicos no imaginário constituído em torno dele. Na versão apresentada no Museu da Língua Portuguesa, o projeto tem conteúdos exclusivos sobre o funk paulista. Entre eles, o acervo da memória da FUNK TV, produtora do bairro da Cidade Tiradentes, berço do movimento na capital. Trabalhos de artistas contemporâneos como Panmela Castro, Rafa Bqueer, Marcela Cantuária, Maxwell Alexandre, Rafa Black, Brenda Nicole, Tiago Furtado e Markus CZA, entre outros, também estarão em exibição.

La Chola Poblete produz performances, desenhos, fotografias e vídeos em que parte de seu corpo e biografia para discutir as complexidades da identidade chola — termo usado para designar mulheres mestiças de ascendência indígena na América Latina — e os legados coloniais na região Andina, incluindo a violência contra a população LGBTQIA+ e grupos racialmente marcados, dos quais ela faz parte. A mostra é composta por muitas obras inéditas e em diferentes mídias, como aquarelas de grandes dimensões que funcionam como mapas mentais, fotografias encenadas e trabalhos que misturam a iconografia pop com o imaginário pré-colombiano. O projeto, baseado em um manifesto da artista, questiona as categorias de enquadramento de seu corpo e obra, afirmando identidades híbridas e a possibilidade de transformação e fluidez contínuas.

Claudia Alarcón e o coletivo de tecedeiras Silät, formado em 2023 por mulheres de comunidades wichí do norte da província de Salta, na Argentina, criam obras têxteis a partir de técnicas ancestrais de seu povo. A exposição apresenta cerca de 30 obras, algumas delas inéditas, elaboradas com fios de chaguar (uma bromélia nativa do território em que vivem as artistas), que resgatam padrões e técnicas tradicionais usadas na confecção das yicas (bolsas típicas da região). Para o povo wichí, tecer é um ato ligado à memória, à mitologia e ao território. Alarcón & Silät preservam e atualizam esses saberes, experimentando sofisticadas composições a partir dos padrões tradicionais. Ao reivindicar o protagonismo feminino, as artistas usam a produção têxtil como linguagem viva e instrumento de afirmação cultural e política, expressando sua história e identidade.

O Colectivo Acciones de Arte foi fundado em Santiago do Chile em 1979, durante a ditadura militar, pelos artistas Lotty Rosenfeld (1943–2020) e Juan Castillo (1952–2025), a escritora Diamela Eltit, o poeta Raúl Zurita e o sociólogo Fernando Balcells. O grupo realizou, de forma rápida e anônima, intervenções em espaços públicos para repensar as relações entre arte e política em um contexto de violência e precariedade. A exposição reúne fotografias, filmes e documentos que registram as oito ações do coletivo entre 1979 e 1985. A intervenção mais conhecida, “NO+” (1983), espalhou o slogan aberto “NO+” (Não mais) pelos muros da cidade, sendo livremente completado por cidadãos e movimentossociais (“NO+ dictadura”, “NO+ hambre”). Essa participação popular transformou a ação em uma poderosa forma de denúncia expressão coletiva, fundamental para compreender as articulações entre arte e política na América Latina.

A mostra dedicada a Santiago Yahuarcani reúne cerca de 30 pinturas, incluindo obras inéditas, e dá continuidade à projeção internacional do artista após sua participação na 60a Bienal de Veneza (2024), onde seu trabalho chamou a atenção do público e da crítica. A obra do artista indígena do povo Uitoto, radicado na Amazônia peruana, está profundamente enraizada nas tradições orais, na cosmologia e na cultura visual de sua comunidade, articulando memória familiar, história e imaginação. Por meio da pintura, Yahuarcani desenvolve uma prática que combina investigação artística e retomada de narrativas. A história de deslocamento, violência e sobrevivência de sua família, descendente de sobreviventes da exploração do ciclo da borracha, é um fio condutor central em sua obra.

Abrindo a programação de 2026, a Pinacoteca apresenta Nocaute, primeira exposição institucional do artista camaronês Pascale Marthine Tayou no Brasil, um dos mais importantes nomes da arte contemporânea. A mostra apresenta diferentes momentos da carreira do artista, além de obras concebidas especialmente para a exposição. Tayou é conhecido por abordar temas como mobilidade, identidade, trocas culturais e relações entre humanidade e natureza, com trabalhos que cruzam linguagens e materiais diversos, incluindo escultura, pintura e grandes instalações.

O Octógono fica a cargo de Cristina Salgado, que desde os anos 1980 apresenta o corpo e a psique como temas centrais do seu trabalho. Em 2026, a artista realizará a maior instalação de sua carreira, intitulada A mãe contempla o mar.

O concerto tem início com a pianista sul-coreana Joyce Yang, interpretando o Concerto em Fá de Gershwin. Composta em 1925, a obra representa um passo à frente em relação à icônica Rhapsody in blue. Nela, o maior compositor da história do teatro musical americano combina seu talento para criar melodias memoráveis com um impecável domínio da forma. O programa se encerra com a Sinfonia nº 2 de Rachmaninov, outro melodista excepcional. A popularidade que essa peça conquistou desde sua estreia em 1908 não é nenhum mistério. Em todos os seus quatro movimentos, o compositor russo trabalha com temas de grande força expressiva, que são desenvolvidos de maneira engenhosa até culminarem em arrasadores crescendi orquestrais. A regente búlgara Delyana Lazarova conduz o programa, em retorno à Osesp.

Manoel Dias de Oliveira, um dos grandes compositores do período colonial, passou a maior parte de sua vida na cidade de Tiradentes, então conhecida como Vila de São José del Rei. Pouco se sabe sobre ele, mas documentos da época o descrevem como um “pardo forro” — isto é, um ex-escravizado. Sua Missa de oitavo tom contém somente o “Kyrie”, o que sugere que ela foi criada para datas penitenciais. Além disso, a obra se distingue pela sua tonalidade menor e pelo seu estilo solene e arcaizante — outros traços que a vinculam a esse contexto litúrgico de constrição. A antífona Salve Regina, escrita por José Joaquim Emerico Lobo de Mesquita em 1787, é uma das obras mais conhecidas do repertório colonial brasileiro, tanto por conta de sua qualidade como pelo impacto causado por sua descoberta, na década de 1940. O programa se encerra com obra de Dietrich Buxtehude, em que cada uma das partes se concentra em uma parte do corpo crucificado de Cristo, combinando o contraponto da tradição protestante germânica com a dramaticidade da escola italiana.

Quando Rossini faleceu, em novembro de 1868, Verdi decidiu homenageá-lo com um réquiem coletivo. Com apoio de seu editor, Ricordi, convocou doze compositores para a tarefa, que tinha um claro sentido político. A Itália havia se unificado há poucos anos, de modo que exaltar Rossini equivalia a afirmar uma identidade nacional. Todos cumpriram com sua parte no projeto; no entanto, problemas financeiros o impediram de ir adiante. Em 1873, a Itália perdeu outro herói cultural, Manzoni, escritor que cumpriu um papel crucial na criação de uma língua nacional comum. Verdi então retomou seu réquiem italiano: desta vez, ele mesmo compôs toda a música, e a Missa de Réquiem estreou conforme o previsto na Igreja de São Marcos, em Milão, e no palco do La Scala. A Missa de Réquiem será interpretada pela Osesp e pelo Coro com a presença do regente alemão Jun Märkl e de solistas do Brasil, da Espanha e da China.

Galindo é uma artista e poeta que utiliza seu próprio corpo para expor as violências impostas pelas estruturas de poder nas sociedades contemporâneas.

O maestro Jun Märkl começa seu próximo programa junto à Osesp com uma obra da compositora cubano-americana Tania León. Composta em 2017 por encomenda da Filarmônica de Los Angeles, Ser é uma delicada evocação do canto dos pássaros. Em seguida, Lozakovich apresenta sua interpretação do Concerto para violino de Sibelius. O compositor finlandês era um ótimo violinista, e se valeu de sua intimidade com o instrumento para criar passagens em que o virtuosismo é posto a serviço de uma linguagem musical introspectiva e melancólica.Petrushka é o segundo balé baseado em temas tradicionais russos composto por Stravinsky para a companhia de Sergei Diaghilev, situando-se entre O Pássaro de Fogo e A sagração da primavera. Essa obra acompanha a história de um fantoche que é trazido à vida por um mago, mas que logo tem seu coração partido e morre. Para retratar os choques vividos pela personagem, o compositor utiliza técnicas de montagem inspiradas na pintura moderna e no cinema, em um vibrante mosaico de fragmentos melódicos, ritmos irregulares e brilhantes efeitos orquestrais.

Daniel Lozakovich, Artista em Residência da Temporada 2026, apresenta neste recital uma seleção das “Sonatas e partitas para violino solo” de Bach. Completada em 1720, essa coleção de obras representa um marco no repertório do instrumento. A Partita nº 3 começa com um dos movimentos instrumentais mais conhecidos do compositor: um “Prelúdio” construído a partir de um fluxo incessante de notas. Nos quatro movimentos da Sonata nº 1, a leveza das danças dá lugar a uma expressão mais austera — seja no lento e ricamente ornamentado “Adagio”, seja na engenhosa “Fuga”. À primeira vista, a Partita nº 2 parece seguir os moldes de uma suíte barroca, com danças convencionais como a “Allemande”, a “Courante”, a “Sarabande” e a “Gigue”. Após esses movimentos, porém, temos algo fora do comum: uma imensa “Chaconne”, tida como uma de suas maiores conquistas da arte da composição.

Xian Zhang vem conquistando cada vez mais a cena internacional. Na presente temporada, a regente sino-americana estará à frente de orquestras prestigiosas, como as Filarmônicas de Nova York e da Filadélfia — além, é claro, da Osesp. Em 2020, Zhang regeu a estreia de Primal message, da compositora americana Nokuthula Ngwenyama. A peça se inspira nas ondas de rádio lançadas ao espaço por astrônomos na década de 1970, como uma maneira de introduzir nossa espécie a eventuais vizinhos intergaláticos. Em seguida, ouvimos Prokofiev, cujo Concerto para violino nº 2 foi iniciado em Paris, completada na Rússia, orquestrada no Azerbaijão e estreada na Espanha — o que explica a presença das castanholas no terceiro movimento. Neste programa, a obra terá como solista a americana Tai Murray.

Com os Estados Unidos em foco, a Osesp recebe sua antiga Diretora Musical e Regente Titular, Marin Alsop, referência na interpretação do repertório moderno e contemporâneo. John Adams, um dos mais celebrados compositores do nosso tempo, dedicou a ela The rock you stand on — uma pulsante rajada de ritmos jazzísticos. Ouvimos, então, o Concerto para violino de Barber, que se distingue pelo lirismo de seus temas e pela opulência de suas texturas orquestrais: a obra será interpretada por Randall Goosby.Na sequência, temos o célebre Adagio para cordas, de 1936. Com seu tom ao mesmo tempo elegíaco e esperançoso, a peça se tornou a expressão semioficial do luto nos Estados Unidos, tendo sido tocada nas rádios durante anúncios das mortes de Roosevelt e Kennedy. O desfecho vem com Da transmigração de almas, lamento igualmente pungente, dedicado às vítimas dos atentados de 11 de setembro de 2001.

A mostra apresenta mais de três décadas de trabalho do artista Damián Ortega, um dos principais expoentes de sua geração. Transitando entre fotografia, vídeo, escultura e instalação, Ortega convida o público a reexaminar materiais e objetos cotidianos para investigar narrativas sociais, econômicas e políticas. Em sua icônica prática escultórica, ele desmonta objetos, como carros, reorganizando suas partes e exibindo-as em novas configurações. O mesmo pensamento de rearranjo aparece em obras em que dispõe ferramentas, pedras ou tijolos em montagens suspensas. A reorganização desses objetos na forma de diagramas espaciais é frequentemente carregada de humor e comentários políticos e sociais. A exposição destaca obras importantes de sua trajetória e um conjunto de trabalhos que investigam aspectos da arquitetura brasileira.

Na Pina Estação, acontece a exposição Macunaíma é Duwid, com curadoria do artista e ativista indígena Gustavo Caboco. A mostra toma a aproximação do centenário de Macunaíma, de Mário de Andrade, como uma oportunidade para rever e contextualizar o personagem a partir de uma perspectiva indígena, confrontando o imaginário modernista com as cosmologias e narrativas dospovos originários.

Alice Yura apresenta uma mostra individual no edifício Pina Contemporânea, a partir do desdobramento de sua pesquisa que entremeia fotografia, arquivo e memória.

Complementando o ciclo de sinfonias de Mendelssohn conduzido por Thierry Fischer na Temporada, a série de Câmara apresenta um programa inteiramente dedicado ao compositor. O Trio nª 1 é de quando Mendelssohn regeu a Orquestra do Gewandhaus de Leipzig, onde ele valorizava o passado e dava abertura ao contemporâneo. O Octeto é uma de suas criações mais brilhantes: desde o início irradia vitalidade. No primeiro movimento, Mendelssohn alterna texturas musicais, realçando cada instrumento. O “Scherzo” é inspirado no casamento da realeza das fadas no Fausto de Goethe, repleto de passagens esvoaçantes, leves e rápidas. Anos mais tarde, o compositor orquestrou o movimento e substituiu o Minueto de sua Sinfonia nª 1 por ele.

Em sua primeira passagem pela Sala São Paulo, o maestro finlandês Dima Slobodeniouk dirige um programa audacioso, que se inicia com uma homenagem ao centenário do ícone da vanguarda musical Pierre Boulez. Em Tombeau II, Olga Neuwirth parte de uma miniatura para piano de Boulez, resultando em um eco expandido do original, que se transforma em uma procissão de sonoridades orquestrais. Na sequência, ouvimos o Concerto para violino nº 1 de Shostakovich, estreado dois anos após a morte de Stálin. Consciente de que essa partitura sombria e intensa seria taxada de individualista pela censura, o compositor esperou a maré repressiva baixar antes de apresentá-la ao público. A obra terá como solista Roman Simovic, o premiado violinista que acompanhou a Osesp em sua última turnê europeia. O programa termina com a Sinfonia nº 4 de Carl Nielsen.

Com trabalhos que incluem fotografia, instalação, vídeo, performance e desenho, a produção de Carolina Caycedo se constitui como um ponto de encontro entre saberes e práticas que vão da arte contemporânea aos saberes ancestrais ribeirinhos e às estratégias de resistência de movimentos sociais latino-americanos. A trajetória de Caycedo foi marcada por múltiplos processos migratórios que informam sua prática, refletindo as relações simbólicas e culturais que estabelecemos com o mundo. Trabalhando frequentemente de forma colaborativa, a artista busca reconstruir uma memória comunitária dos bens comuns, que englobam desde o espaço público urbano até rios e montanhas. A exposição apresenta um panorama abrangente de sua obra e conta com criações recentes desenvolvidas no contexto brasileiro em diálogo com outros contextos latino-americanos e suas diásporas. O título se refere tanto à convergência de cursos de água quanto ao encontro de pessoas, ideias e culturas.

Em To the edge of dream, orquestra e o violão solista se alternam em torno das mesmas ideias musicais, iluminadas por sonoridades diferentes. Já em Klartraum, Noriko Baba procura recriar o estado de confusão mental que caracteriza o limiar entre o sono e a vigília. Em seguida, voltamos a Takemitsu. Vers, l’arc en ciel, Palma, para violão, oboé d’amore e orquestra, foi escrita como uma homenagem ao pintor Joan Miró. Assim como as anteriores, a obra explora a lógica dos sonhos. Em ambas as obras de Takemitsu presentes no programa, a Osesp conta com Fabio Zanon como solista. Depois desse mergulho na música japonesa, o maestro holandês Jac van Steen interpreta a Sinfonia nº 6 de Dvorák, em uma obra que combina a vitalidade da cultura popular tcheca com a solidez da tradição sinfônica germânica.

Neste programa, o Coro da Osesp sobe ao palco junto a seu regente residente, Kaique Stumpf. Mestrando em Música pela Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ), iniciou sua formação musical no Coral dos Canarinhos de Petrópolis, participando de turnês e gravações. É formado em Regência Coral pela UFRJ e pelo curso livre em Regência Orquestral da Academia de Música da Osesp. Dirigiu a estreia mundial da ópera A Noiva do Mar, de Lycia de Biase Bidart, na Cúpula do Theatro Municipal de São Paulo. Como barítono, integrou a Academia de Ópera do Theatro São Pedro e colaborou com o Coro Sinfônico do Rio de Janeiro e com o próprio Coro da Osesp. Atuou ainda como preparador e educador musical em projetos sociais no Rio de Janeiro.

Laércio Resende integra o naipe dos barítonos do Coro da Osesp desde que o conjunto foi criado, em 1994. Em paralelo com a carreira de cantor, ele se dedica à composição de música para espetáculos de dança e teatro. Neste programa da Série Câmara, membros do Coro e da Orquestra homenageiam o colega interpretando uma seleção de sua autoria. Ouvimos ainda o dramático Quarteto de cordas nº 4, no qual Beethoven demonstra um domínio completo do estilo desenvolvido por Haydn e Mozart e, ao mesmo, introduz alguns elementos acentuadamente originais. O programa se completa com o Chorinho para Keith, de Roberto Sion, reconhecido há décadas como um dos grandes nomes da música instrumental brasileira.

Garay revisita narrativas coloniais latino-americanas, especialmente as relacionadas ao Peru, por meio de fabulações criadas a partir de artefatos museológicos e figuras históricas.

O projeto Para Crianças estreia na Grande Galeria do edifício. A iniciativa, concebida pela Haus der Kunst (Munique, Alemanha) e realizada em colaboração com a Pinacoteca, visa colocar a infância no centro da experiência artística. Mais do que uma exposição, trata-se de uma rede de trocas culturais que convida crianças a pensarem, viverem e intervirem no mundo por meio da arte.

Completando seu percurso pelas sinfonias de Mendelssohn, Thierry Fischer interpreta duas composições estreitamente relacionadas: a abertura As Hébridas e a Sinfonia nº 3. Ambas registram o fascínio do compositor pelas paisagens enevoadas da Escócia, que ele conheceu no curso de uma longa viagem. Com efeito, Mendelssohn estava diante da gruta de Fingal — uma misteriosa caverna marinha formada por lava solidificada — quando esboçou a melodia descendente que inicia a abertura, e para a Sinfonia nº 3 a inspiração veio das ruínas da Capela de Holyrood, em Edimburgo. Entre essas duas peças tempestuosas, ouvimos o ensolarado Concerto para violão de Daniel Freiberg, que será interpretado pelo espanhol Rafael Aguirre, trabalhando a intersecção entre música clássica, jazz e tradições latino-americanas.

A cantora britânica Jorja Smith apresenta os seus hits, que mesclam o pop com R&B

A Espanha é o foco deste programa, recriada a partir de fragmentos dispersos e de nostalgia. Iberia, originalmente para piano, combina flamenco, fandango e música cigana com uma linguagem orquestral harmônica e impressionista. Depois dessa obra-prima do nacionalismo musical, temos o Concerto para piano de Francisco Coll, escrito para o virtuosismo inteligente e sofisticado de Kirill Gerstein, um dos pianistas mais inovadores do nosso tempo. O concerto terá sua estreia mundial regida por Simon Rattle em março, na Alemanha. O programa se encerra com El sombrero de tres picos, criado por Manuel de Galla para os Ballets Russes de Sergei Diaghilev — mesma companhia responsável por obras como A sagração da primavera de Stravinsky e o Prelúdio à tarde de um fauno, de Debussy. O espetáculo, que contou com cenários e figurinos elaborados por Pablo Picasso, foi uma consagração do Modernismo espanhol.

Kirill Gerstein nasceu na antiga União Soviética, naturalizou-se cidadão norte-americano e hoje vive em Berlim. Tornou-se o aluno mais jovem a ingressar na Berklee College of Music, aos catorze anos. Para além de sua técnica impecável, Gerstein se distingue por sua curiosidade intelectual. Poucos pianistas são tão criativos quanto ele quando se trata da escolha do repertório.No recital que chega agora à Sala São Paulo, temos um diálogo fascinante entre composições já consagradas e obras contemporâneas. Assim, um movimento da Homenagem a Brahms do australiano Brett Dean será executado entre o Scherzo em mi bemol menor e a Sonata para piano nº 3 do mestre alemão. A segunda parte do programa gira em torno de Mussorgsky e se inicia com uma transcrição do prelúdio da ópera Khovanshchina. Em seguida, temos uma Homenagem a Mussorgsky, escrita na década de 1970 pelo compositor húngaro György Kurtág. Por fim, o pianista interpreta uma obra-prima do nacionalismo musical russo: a suíte Quadros de uma exposição.