Em um movimento que reposiciona sua atuação no mercado de arte brasileiro, a Danielian inaugura uma nova sede em São Paulo e lança um programa estruturado de representação de artistas contemporâneos.Com curadoria de Dereck Marouço e Livia Benedetti — que assumem a direção artística do programa contemporâneo —, ’SITUAÇÃO’ reúne obras do acervo da galeria em diálogo com os artistas representados. ‘SITUAÇÃO’ traz trabalhos, que vão desde a década de 1970 até a atualidade, de 14 artistas — incluindo Glauco Rodrigues, Jorge Guinle, Odoteres Ricardo de Ozias e Paulo Pedro Leal, além de Alvaro Seixas, Ana Neves, Anna Bella Geiger, Darks Miranda, Emilio Azevedo, Florencia Rodríguez Giles, Mariana Tassinari, Nicholas Grafia, Ottavia Delfanti e Thales Pomb.

Para celebrar a abertura de seu novo espaço expositivo, a galeria apresenta a mostra “ Zerbini in Conversation with Frank Walter”, que estabelece um diálogo inédito entre pinturas de paisagem em pequeno formato dos dois artistas . Com curadoria de Barbara Paca, a exposição aproxima Brasil e Caribe ao destacar a habilidade de ambos em captar atmosferas, luz e memória em composições de grande sensibilidade.

A GROU.BASE apresenta DOBRA, mostra inaugural dos ciclos expositivos, sob direção artística de Diego Castro, que reúne cinco artistas de diferentes gerações para pensar o tempo, a cidade e a matéria como campos em constante torção. A ideia de “dobra” atravessa a mostra como imagem de fricção e continuidade. Albano Afonso investiga luz, imagem e memória, compondo camadas temporais que se atravessam e se reativam. André Komatsu tenciona sistemas construtivos e dinâmicas urbanas, revelando estruturas em constante reorganização. Azeite De Leos, presente na exposição anterior, retorna com um trabalho que prolonga e reinterpreta a memória daquele gesto inicial. Erica Ferrari reconfigura arquiteturas e paisagens simbólicas, evidenciando relações de poder inscritas em espaços marcados por sedimentações históricas. Leka Mendes, em seus trabalhos atuais, faz uso de vestígios da cidade ao coletar fragmentos produzidos pela atividade humana nesta era, o lixo urbano-industrial-tecnológico, em sua maioria destroços de construção civil, descartes têxteis e plásticos.

Olhar a Floresta, Ver a Floresta parte do deslocamento entre a experiência sensível e a imagem fabricada para reunir cerca de 40 trabalhos de 25 artistas, históricos e contemporâneos, por vezes exibidos justapostos em elipses de tempo, em um arco que vai do século XIX aos dias de hoje.A curadoria de Ivo Mesquita organiza a exposição em três movimentos discretos, mas contínuos. O primeiro corresponde à chegada dos viajantes-naturalistas europeus ao Brasil, quando a pintura e o desenho registram a floresta como território sublime, exuberante, quase impenetrável. O segundo eixo revela o momento em que essa natureza, antes monumental, passa a ser convertida em paisagem produtiva. Olhar a floresta, ver a floresta não formula diagnósticos. Para Ivo Mesquita, propõe outra coisa, mais rara em tempos acelerados: um intervalo de silêncio.

Ecos e miragens tem curadoria de Carlos Quijon, Jr. e Yudi Rafael e aborda a obra de arte como um aparato capaz de ativar, poética e criticamente, o reconhecimento para investigar a relação entre práticas e histórias artísticas através dos oceanos Atlântico e Pacífico e das questões ecológicas em um mundo interconectado.A mostra é a terceira do programa Perspectivas Transoceânicas, concebido e coordenado pelo curador Yudi Rafael e realizado pela Almeida & Dale desde 2023. Em Ecos e miragens são apresentadas obras de artistas que produziram no Brasil e em diferentes países do Sudeste Asiático para investigar afinidades que se manifestam como reverberações — não necessariamente formais ou temáticas — entre a produção artística contemporânea dessas regiões.

A exposição individual de Sonia Gomes chega a São Paulo depois de itinerar por Ouro Preto (Museu da Inconfidência) e Salvador (MAC-BA), cidades fundamentais para o barroco brasileiro, onde o projeto iniciou sua trajetória em diálogo com as camadas de memória e história que permeiam esse legado.O projeto parte de uma reflexão sobre o barroco brasileiro como testemunho do trabalho, da técnica e da arte de pessoas africanas e afro-brasileiras, destacando como a obra da artista condensa e atualiza essa herança no contexto contemporâneo. Acompanhada pelo curador Paulo Miyada, Sonia percorreu as cidades de Ouro Preto e Salvador para aprofundar sua pesquisa sobre os territórios e as comunidades que moldaram essa tradição estética e cultural.

Clássico do Tropicalismo e uma das composições mais significativas na carreira de Gilberto Gil, a canção premiada Domingo no Parque vira musical negro, sob a direção de Alexandre Reinecke, um dos diretores mais atuantes do país, e direção musical de Bem Gil. O espetáculo tem sua temporada de estreia no Teatro Claro.Apresentada pela primeira vez no 3º Festival da Música Popular da TV Record, em 1967, Domingo no Parque é considerada um dos marcos da Tropicália ao misturar elementos brasileiros - como o violão e o berimbau - com a guitarra elétrica e levou o segundo lugar no prêmio. A canção tinha arranjo de Rogério Duprat e participação da banda Os Mutantes.Com elenco e equipe majoritariamente formado por artistas e profissionais negros, o musical, que teve aprovação do próprio Gil, destaca importantes influências negras na cultura e sociedade, em elementos como os costumes, danças, a religiosidade, os arranjos musicais, as vestimentas, a alimentação e a capoeira.

Sucesso da dramaturgia nacional, a peça de Bosco Brasil ganha nova montagem dirigida por Eric Lenate, em codireção com Vitor Julian. Lenate também está em cena ao lado de Fernando Billi. O espetáculo, que tem direção de produção de Maurício Inafre, coloca em cena o encontro entre dois homens atravessados pela história: um imigrante que traz no corpo e na memória as marcas da Segunda Guerra Mundial e um ex-torturador do Estado Novo brasileiro. Ao expor esse choque de experiências, a obra convida o público a refletir sobre a violência política, a memória do horror e os limites da humanidade.

Ao longo de sua trajetória, a artista Juliana dos Santos vem explorando o azul da flor Clitoria ternatea como forma de investigar a cor enquanto experiência sensível no processo de ampliação da percepção. Sua pesquisa situa-se na interseção entre arte, história e educação, com interesse nas maneiras como artistas negros desenvolvem práticas que desafiam os limites da representação. Partindo do azul da flor, a artista ancora seu trabalho na impermanência: o pigmento natural oxida com o tempo, transformando-se diante dos olhos do público.

Celebrando 25 anos de trajetória, esta é a primeira grande exposição individual de Sérgio Adriano H em São Paulo, um marco para o artista. CORpo MANIFESTO tem curadoria de Claudinei Roberto da Silva e Juliana Crispe e reafirma a força e a relevância da produção contemporânea afrodiaspórica no Brasil e convida o público paulista a uma experiência artística profunda, sensorial e politicamente engajada.A mostra reúne mais de 100 obras que dialogam com a história, a memória e a luta do povo negro no Brasil. O artista usa o corpo como uma plataforma de resistência e expressão política, abordando temas como racismo estrutural, decolonialidade e aconstrução de uma identidade negra empoderada. Além de obras inéditas, a exposição também conta com experiências imersivas, incluindo a performance “desCOLONIZAR CORpos”, numa proposta de arte que transborda o museu, se conecta com a rua e as pessoas que transitam por ela.

A galeria Luisa Strina apresenta Montañas bajo el mar [Montanhas sob o mar], a nova exposição de Federico Herrero. O artista costa-riquenho exibe uma sériede pinturas inéditas, acompanhadas de uma obra in situ realizada sobre o piso da galeria, que dão ao espaço uma dimensão imersiva. Reconhecido por seus trabalhos site-specific, murais e telas permeados por formas orgânicas e cores vibrantes, Herrero desenvolve uma prática expansiva que busca diluir as fronteiras entre arte e vida cotidiana. Suas obras captam vibrações, movimentos e sons das formas e das cores, infundindo musicalidade e novos significados aos espaços que ocupam.

A galeria Luisa Strina apresenta Contrato, individual de Ilê Sartuzi com uma série de trabalhos inéditos em vídeo, pintura e instalação que relacionam as estruturas do sistema da arte e sua burocracia a truques e movimentos da economia.Com uma prática de pesquisa conceitual, Sartuzi lida com aspectos estruturais, porém frequentemente pouco visíveis, dos ambientes culturais. A exposição se desenvolve a partir de um conjunto de cinco contratos que incorporam noçõeslegais e financeiras para suscitar reflexões sobre o sistema da arte, o papel de diferentes agentes desse circuito — incluindo o próprio artista — e as especificidades de um espaço comercial como a galeria.

São Paulo recebe um novo espaço multidisciplinar dedicado à arte contemporânea no circuito da capital: a galeria Pórtico. Fundada pelo curador e crítico Adolfo Caboclo, ao lado de seu sócio Alexandre Zákia, o espaço abre as portas em 16 de dezembro de 2025, com a exposição coletiva O desencaixar das coisas.

A Casa Natura recebe Sidney Magal com o espetáculo “Baile do Magal". Uma celebração musical que promete reviver grandes sucessos em um show repleto de nostalgia, energia e a atmosfera única dos bailes de outrora.Conhecido por sua versatilidade e estilo atemporal, Magal traz um espetáculo inédito, celebrando sua carreira e homenageando artistas que marcaram época nas paradas de sucesso. A playlist da noite passeia por ritmos contagiantes, como o embalo da lambada, a energia da Jovem Guarda e a alegria do samba rock.

Abre ao público a exposição “20 anos da Residência Artística FAAP - São Paulo: contribuições para uma coleção de arte contemporânea”, com 91 artistas de todos os lugares do mundo que já passaram pela residência artística da FAAP. A exposição celebra duas décadas deste que é um dos programas mais consistentes de residência artística do país. São cerca de 135 obras que hoje integram a coleção do MAB FAAP.

Bad Bunny, cantor que é um dos expoentes do reggaeton e símbolo da música porto-riquenha, se apresenta pela primeira vez no Brasil, com a turnê do álbum Debí Tirar Más Fotos.

A Galeria Lume apresenta Rios Falam, Rios Cantam, uma exposição individual com o corpo de trabalho mais recente do artista Caio Rosa. A exposição, que conta com a curadoria da Cindy Sissokho, inclui fotografia, escultura, têxteis, instrumentos musicais e som, articulando a exploração contínua do artista sobre ritmo e memória.Em todas as obras de Rosa há um fio condutor: o envolvimento com materiais e elementos naturais em seus processos, onde a imagem depende de uma relação com a materialidade. Chuva, sol e luz colaboram com reações químicas para formar as texturas de suas obras fotográficas e esculturais, onde a matéria se torna uma forma viva e ativa em sua criação. Aço, cobre, papel orgânico e emulsão fotográfica se transformam nas superfícies das obras, ao registrarem o eco da transmissão cultural da continuidade ancestral.

Após esgotar todos os ingressos de seu primeiro show, Bad Bunny apresenta uma data extra em São Paulo. O cantor, que é um dos expoentes do reggaeton e símbolo da música porto-riquenha, vem pela primeira vez no Brasil, com a turnê do álbum Debí Tirar Más Fotos.

Ònà Irin: caminho de ferro, é a exposição individual da artista baiana Nádia Taquary, com curadoria de Amanda Bonan, Ayrson Heráclito e Marcelo Campos. A mostra destaca a pesquisa de Taquary sobre o universo afro-brasileiro e a presença feminina nos mitos de criação de matrizes iorubás.Entre esculturas, objetos-esculturas, instalações e uma videoinstalação, a mostra reúne 22 obras produzidas em diferentes momentos da carreira da artista, que iniciou sua trajetória em 2010 pesquisando a joalheria afro-brasileira e, em especial, as pencas de balangandãs, conjuntos de pingentes metálicos usados por mulheres negras escravizadas e libertas na Bahia dos séculos XVIII e XIX, que reuniam símbolos de fé, proteção e prosperidade, funcionando também como formas de resistência e autonomia. Desde então, sua produção expandiu-se para instalações e esculturas de grande escala, em que o sagrado e o feminino se manifestam em formas híbridas, com materiais como búzios, miçangas, palhas e metais.

A CAIXA Cultural São Paulo recebe pela primeira vez a exposição “Amados – Zélia & Jorge”, uma homenagem sensorial e afetiva a Zélia Gattai e Jorge Amado, casal que marcou profundamente a literatura e a cultura brasileira. Com curadoria de Paloma Jorge Amado, direção geral de Elaine Hazin (Via Press Comunicação), projeto expográfico de Rose Lima e cenografia de Renata Mota.A exposição convida o público a percorrer os 56 anos de vida e amor compartilhados entre Zélia e Jorge, em uma jornada que mistura literatura, memória e emoção. O visitante encontrará um rico acervo de fotografias, cartas, vídeos, ilustrações e depoimentos, que revelam desde o primeiro encontro do casal, em 1945, até os últimos anos na Bahia, com amigos ilustres como como Dorival Caymmi, Mãe Menininha, Glauber Rocha, Vinicius de Moraes, Carybé, entre outros.

O Projeto 280x1020 recebe a mostra "Corpo-a-corpo", explorando a presença do corpo na produção contemporânea, onde suas vivências são atravessadas por contextos socioculturais. Com texto crítico de Giovanna Bragaglia, a exposição reúne trabalhos de Acelino Sales - MAHKU (Rio Jordão, 1975), Alex Cerveny (São Paulo, 1963), Bárbara Wagner (Brasília, 1980), Hudinilson Jr. (1957–2013), Regina Parra (São Paulo, 1984), entre outros. A série fotográfica Brasília Teimosa (2008), de Wagner, por exemplo, apresenta o resultado de uma documentação, levada pela artista ao cabo de dois anos, da periferia do Recife, onde moradores se reuniam aos domingos com amigos e familiares para tomar banho, comer, beber e aproveitar o dia à beira-mar. A obra capta gestos de celebração e prazer como forma de afirmação da coletividade, além de investigar as dinâmicas sociais de uma comunidade constantemente marginalizada.

A mostra “Som e Fúria” (Galeria), com texto de Tetê Lian, utiliza recursos como automação, som e movimento para discutir uma fúria relativa às experiências humanas. O título é emprestado de um dos mais importantes romances de William Faulkner (1897-1962), publicado em 1929 e marcado pelo emprego do fluxo de consciência e da narrativa não-linear. A expressão deriva também de uma fala de Macbeth (1623), na peça homônima de William Shakespeare (1565-1616), que descreve uma situação de grande tumulto, barulho e raiva sem sentido ou propósito útil. Entre os artistas estão André Komatsu (São Paulo, 1978), Chelpa Ferro, Emmanuel Nassar (Capanema, 1949), Nuno Ramos (São Paulo, 1960) e Mariana Manhães (Niterói, 1977). Destaca-se uma obra da série Ato de… (2013), de André Komatsu, que utiliza itens de segurança de obras emolduradas para fundamentar a imagem e o sistema de fixação na parede, e o trabalho do paulista Nuno Ramos, que sublima a dimensão física de processos semânticos, lidando com a sobreposição de materiais.

O Gabinete é ocupado por caixas e livros na exposição “Balada para um espectro”, com texto crítico de Ella Pacheco. A mostra dialoga com o conceito de coleção, exibindo obras que extrapolam o estatuto do plano bidimensional.O múltiplo histórico Boîte-en-Valise, 1935-41 (fac-símile), de Marcel Duchamp, compõe a coleção e reúne 68 trabalhos do pintor e escultor francês em um objeto desdobrável, que revela a reprodução em escala de esculturas e pinturas anteriores, na qual constituiu o conceito do ready-made. Cildo Meireles completa a seleção com Camelô (1998), uma lembrança de infância das viagens com sua família ao Rio de Janeiro. Observando camelôs no centro da cidade que comercializam objetos aparentemente insignificantes, como alfinetes e barbatanas, o artista reflete sobre as dinâmicas de sobrevivência dessas pessoas e sobre a extensa cadeia de trabalho envolvida na produção dos itens.

A Casa de Cultura do Parque hasteia novas bandeiras na fachada, com a exposição "Para-luz", de Aline Ricci, como parte do projeto Dando Bandeira.Os curadores Claudio Cretti e Tetê Lian destacam a relevância da coleção, composta de mais de 500 obras, que conta com trabalhos sonoros, objetos-caixas, esculturas motorizadas, publicações experimentais e livros de artista, que exigem outro tempo de atenção no espaço expositivo.

O trio de música eletrônica ao vivo, vencedor do Grammy, RÜFÜS DU SOL, anuncia hoje sua maior turnê sul-americana até o momento, marcada para o início de 2026.

A Nara Roesler São Paulo apresenta Língua d’Água, primeira exposição individual de Maria Klabin (1978, Rio de Janeiro) na cidade. Com curadoria de Galciani Neves, a mostra reúne obras inéditas e recentes, incluindo pinturas em óleo sobre tela, linho e papel vegetal, além de desenhos em nanquim, carvão, guache e bastão a óleo. O conjunto apresenta escalas variadas, de pequenos trabalhos de cerca de vinte centímetros até telas que chegam a três metros de comprimento, além de desenhos extraídos de seus cadernos, oferecendo ao público um amplo panorama de seu processo de criação.

Pela primeira vez ocupando todo o galpão da galeria, a mostra Nascimento de Antonio Obá apresentará trabalhos inéditos e consagrados do artista, dentre eles instalações, pinturas, desenhos e filme. O título Nascimento surge do marco milagroso de uma nova existência sobre a Terra, que também carrega a contrapartida da fortuna e da sorte, que nos acompanha desde a concepção.Uma instalação inédita, localizada em um espaço fechado, no fundo da galeria, se refere diretamente a ideia de jogo e de sorte. Destaca-se também um conjunto de 22 pinturas de pequeno formato apresenta a leitura de Obá sobre o Tarô.

A exposição Uma Viagem ao Mundo dos Brinquedos rememora a infância brasileira com peças que marcaram gerações e continuam despertando encantamento. Entre bonecas, carrinhos, jogos, robôs e personagens icônicos, o público é convidado a reencontrar memórias afetivas e descobrir novas histórias. Das cores vibrantes aos clássicos da cultura pop, cada brinquedo revela maneiras de brincar e de imaginar o mundo.A mostra transforma lembranças em experiência, um passeio nostálgico, divertido e imperdível para todas as idades.

Gordon Parks (1912-2006) é autor de uma vasta produção autoral, na qual documentou a vida cotidiana de pessoas negras em estados segregados nos EUA, a luta organizada do movimento negro pelos direitos civis e as manifestações culturais e religiosas da população afro-americana, entre outros temas. A exposição é a primeira retrospectiva de Parks no Brasil e a maior na América Latina. Entre as obras exibidas, estão retratos de nomes centrais do movimento negro americano, como Malcolm X, Martin Luther King e Muhammad Ali, e séries consagradas, como De volta a Fort Scott (1950) e Histórias da segregação no sul (1956). O título da exposição — A América sou eu — foi tirado de um texto que Parks escreveu para a revista Life, em 1968, no qual aborda numa questão crucial para o movimento negro nos EUA: o fato da democracia americana ter se consolidado sob um regime de segregação racial, excluindo a população negra.

A exposição apresenta 38 obras de 34 estudantes do Centro Universitário, nas mais variadas linguagens, meios e suportes artísticos. Esta edição conta ainda com obras dos artistas convidados Gabriel Torggler e Marina Hachem, que participaram do programa da Residência Artística FAAP - Paris. O Programa premia, a cada semestre - dentre os inscritos que podem ser estudantes-, artistas formados pela instituição ou professores, para ocupar o estúdio 1422, que a instituição mantém desde 1997 na Cité Internationale des Arts, uma residência internacional localizada às margens do Rio Sena.

A francesa Zaz volta ao Brasil para apresentar sua nova turnê, iniciada em 2025. A cantora é um dos nomes de maiores sucesso da música francesa contemporânea, e traz um show animado e cheio de hits, como "Je Veux".

A Central Galeria apresenta a individual da artista Sofia Borges, “O cristalino, o rasgo e mistério“, primeira exposição da artista no Brasil desde o seu retorno de Nova Iorque.A poética do trabalho de Borges se desenvolve em torno da formação da imagem em suas diversas formas dentro do imaginário histórico-social geral e pessoal da artista. Seu trabalho retraça frequentemente linhas de resgate de ancestralidades por meio de materiais, como metais, rochas e minerais, assim como à figura da paleontologia, da mitologia, do teatro e da análise da figura humana, especialmente do rosto. O museu ocupa um espaço igualmente importante em sua pesquisa uma vez que ele se apresenta como um agente de reconfiguração eterno de imagens dentro da sociedade.

De nome de batismo Sebastião Bernardes de Souza Prata, nascido em Uberlândia (MG) em 1915 (ou 1917, de acordo com alguns registros), ele adotou primeiro o nome Pequeno Otelo e depois Grande Othelo – ele mesmo acrescentou o “h” no nome e assim está registrado em sua lápide. Morreu aos 78 anos no aeroporto Charles de Gaulle, em Paris, França, em 1993, vítima de um ataque cardíaco fulminante quando se preparava para seguir para o Festival de Nantes, onde receberia uma homenagem. A Ocupação Grande Othelo se propõe em revelar percursos pouco conhecidos do público sobre Othelo, como, por exemplo, suas contribuições à classe artística brasileira, tendo sido vice-presidente da Associação Brasileira de Atores Cinematográficos.

A mostra nasce do encontro simbólico entre o rio Charente, que atravessa a região da Nova-Aquitânia, e o sistema Tietê-Pinheiros, eixo fluvial que estrutura a metrópole paulista. Entre as duas margens, a exposição se transforma a cada etapa, incorporando novas obras, montagens e relações. A curadoria parte da ideia de “confluência” formulada pelo pensador quilombola Antônio Bispo dos Santos — encontro que soma sem subtrair — para propor a mostra como um campo de escuta e coexistência, em que as águas são entendidas como seres vivos, portadores de direitos e memórias, mas também como testemunhas de passados coloniais e agentes de transformação.As obras abordam questões ligadas à escassez, à contaminação, às infraestruturas e às possibilidades de reparação. Barbara Kairos, artista de Angoulême, na França, reelabora criticamente a história do “jacaré do Tietê”, transformando um episódio da memória urbana em alerta sobre a política das águas. A também francesa Capucine Vever, que pesquisa a paisagem fluvial e suas camadas coloniais, parte de arquivos e da escuta do rio Garona para aproximar imagem e história.

Minerva Cuevas (Cidade do México, 1975) é uma artista conceitual mexicana que desenvolve projetos que dialogam com antropologia, história e ciências naturais. Sua obra abrange diversos suportes e mídias, como instalação, muralismo, pintura, vídeo e performance.No ano de Histórias da ecologia no MASP, Cuevas abordará pelo menos três aspectos de seu trabalho. O primeiro diz respeito às suas investigações sobre os impactos do mundo corporativo na vida cotidiana. Cuevas se apropria de logomarcas, campanhas de marketing, slogans e símbolos de grandes empresas para discutir temas como consumo, valor e propriedade. O segundo aspecto a ser explorado na exposição está relacionado ao subtítulo, inspirado no conceito de “ecologia social”, desenvolvido pelo filósofo estadunidense Murray Bookchin (1921-2006

O Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo recebe a exposição internacional Joaquín Torres García - 150 anos, inédita no país. A mostra celebra a trajetória de um dos pilares da arte moderna na América Latina, com cerca de 500 itens, entres obras e documentos, incluindo pinturas, manuscritos inéditos, maquetes, desenhos e os célebres brinquedos de madeira produzidos pela família do artista uruguaio. Com curadoria de Saulo di Tarso em colaboração com o Museo Torres García e organização da Cy Museum, é a primeira vez que esse conjunto tão amplo e diversificado do artista é apresentado no Brasil, com peças que deixarão pela primeira vez as reservas técnicas do museu uruguaio, revelando ao público aspectos pouco conhecidos da produção do artista.

A Galeria Frente exibe uma exposição totalmente dedicada a Amadeo Luciano Lorenzato (1900 – 1995) e com um número tão expressivo de obras do artista. “O mundo misterioso inventado por Lorenzato” reúne 118 obras deste que é considerado um dos maiores nomes das artes visuais brasileira, mas, principalmente de Minas Gerais. Trata-se de um conjunto excepcional de pinturas cujos traços perpetuaram, em obras icônicas, cenas cotidianas, favelas, paisagens e agricultura mineiras. Destaque para “Lenhador”, de 1933: um trabalho de Lorenzato considerado como o mais antigo no mundo de que se tem conhecimento até hoje. A exposição pontua um encontro de obras provenientes de coleções privadas cuja seleção revela a potência lírica do artista na observação do mundo à sua volta, explica o diretor da Galeria, Acacio Lisboa.

O Centro MariAntonia inaugura a exposição Nossa estranheza e a vergonha, da pintora Gilda Vogt, com curadoria de Khadyg Fares, doutoranda em História da Arte na Universidade Federal de São Paulo (Unifesp). A mostra reúne um conjunto de pinturas em tinta acrílica sobre tela, abrangendo o período de 1989 a 2024, que reitera em sua linguagem poética a noção de afecção, ou seja, da experiência de ser afetado por algo ou alguém. Também é notório o predomínio do fundo branco da tela, a translucidez da tinta diluída e a fluidez dos contornos.

O Centro MariAntonia inaugura a exposição Neo-andina 15-25, do fotógrafo Tatewaki Nio, com mais de 60 trabalhos. A curadoria é do professor da USP, Ivo Giroto, e do pesquisador Diego Matos, com consultoria de Guilherme Wisnik, docente da USP. A mostra tem como eixo central a arquitetura “neo-andina”, fenômeno cultural e estético surgido na cidade de El Alto, Bolívia, que tem como um dos seus principais expoentes o arquiteto boliviano Freddy Mamani. A exposição parte do trabalho fotográfico de Tatewaki Nio das construções extravagantes e super-coloridas, realizadas entre 2015 e 2025, e que incluirá fotografias, maquetes, projeções e vídeos, captados pelos alunos de graduação da disciplina Cultura Urbana na Contemporaneidade da Faculdade de Arquitetura, Urbanismo e Design (FAU) da USP.

Ópera do Malandro - Musical, um espetáculo de Chico Buarque, na visão de Jorge Farjalla, com direção musical de Gui Leal.Max Overseas Navalha é um contrabandista bem-sucedido, que se casa às escondidas com Teresinha, filha de Duran e Vitória Régia, donos de uma rede de bordéis e aspirantes à alta sociedade que, enfurecidos com o casamento, planejam um golpe contra o malandro. Duran e Max têm em comum um sócio, o delegado Chaves, que protege as atividades ilegais de ambos. Querendo prejudicar Max, Duran decide fazer ruir a torre de babel da corrupção que todos desfrutam. Cada um sai então em busca de seus próprios benefícios às custas da extorsão dos outros, de mentiras e traições. Numa festa à brasilidade, à cultura popular e ao folclore, o musical celebrará a umbanda e o povo da rua para contar a história de um texto que marcou uma geração e que se consagra até os dias atuais como um marco no Teatro Musical Brasileiro.

A exposição "José Antônio da Silva: Pintar o Brasil", com lançamento do livro da mostra, pela Editora Martins Fontes dá luz sobre a trajetória do muitas vezes considerado o Van Gogh brasileiro. A exposição tem curadoria do espanhol Gabriel Pérez-Barreiro e chega a São Paulo, com obras adicionais curadas por Fernanda Pitta, após ter passado pelo Musée de Grenoble (FR), como parte da Temporada Brasil-França 2025, em abril, e pela Fundação Iberê Camargo, em Porto Alegre (RS), em agosto. A mostra tem um total de 142 obras, sendo 23 acréscimos provenientes do rico acervo da instituição, o maior do artista no Brasil, formado com doações dos primeiros colecionadores de Silva, entre os quais estão Ciccillo Matarazzo e Theon Spanudis. Dentre as obras, o público poderá ver, de maneira inédita, o primeiro livro do artista exposto na íntegra, com 76 desenhos, chamado "Romance da minha vida".

A exposição é primeira panorâmica institucional da artista Marga Ledora e apresenta uma reunião significativa de séries até hoje raramente vistas em seu conjunto, além de um expressivo grupo de obras pouco conhecidas. A visita começa pela série Quadrus Negrus (1986), com mais de 20 trabalhos fundamentais de Ledora. Obras como Casa em amarelu (1986) marcam o início do trabalho de experimentação de linhas e cores, base para toda a sua produção artística. Nas obras, o giz pastel seco faz o traçado de triângulos, retângulos e fendas em linhas secas sobre o papel Carmen preto, item raro à época de produção da série.

Guitarricadelafuente é um músico suspenso entre mundos. Criado entre a pacata cidade costeira de Benicàssim e a vila de sua avó, Las Cuevas de Cañart, ele cresceu cercado pelos ecos evanescentes do folk rural e do flamenco - tradições que absorveu enquanto gradualmente descobria a vida além das fronteiras da Espanha, seu país de origem. A partir dessa criação, ele moldou uma voz que ressoa com o limbo emocional de uma geração presa entre o anseio genuíno e a sobrecarga digital.Suas músicas reinterpretam tradições folclóricas espanholas em paisagens indie-pop texturizadas, carregadas por tons lo-fi e sussurros flamencos.

Conhecido por sua energia contagiante no palco, o artista americano Cory Wong vem ao Brasil pela primeira vez e vai se apresentar com sua banda completa, formada por nove integrantes, que inclui uma seção de metais, com cinco músicos.Com um som vibrante que mistura funk, jazz e groove, Cory transforma cada show em uma celebração da música e da criatividade. Mais do que um músico virtuoso, Cory é um verdadeiro criador de experiências. Além de seus projetos musicais, ele se destaca como apresentador, produtor e criador de conteúdo, colaborando com grandes marcas como Apple, onde lançou seu próprio Producer Pack.

Em 2026, o Lollapalooza Brasil traz um line-up diversificado, que reúne artistas como Tyler, The Creator, Lorde e Deftones, além de Sabrina Carpenter e Chappell Roan, garantindo atrações para todos os gostos. O evento promete três dias de shows de peso e um encontro de gerações e gêneros, reafirmando sua posição como um dos pontos altos do calendário musical nacional.

Exposição Reúne cerca de 80 obras nacionais e internacionais do acervo do MAC USP, um dos mais importantes acervos de arte abstrata nacional e internacional do Brasil.

O Segredo de Brokeback Mountain é uma história de amor entre dois cowboys no interior dos Estados Unidos na década de 60. Jack Twist e Ennis del Mar são jovens que se conhecem ao serem contratados para cuidar das ovelhas de Joe Aguirre em Brokeback Mountain. Os dois cowboys, pobres, ao passarem semanas isolados, no frio e em más condições de trabalho, começam a criar uma intimidade que se transforma em um romance intenso e conflituado. Com o fim do trabalho, voltam às suas vidas, deixando um enorme pedaço de quem são em Brokeback Mountain – e que passam o resto de suas vidas tentando recuperar. A peça é de Ashley Robinson, adaptada do conto de Annie Proulx, que teve uma notória e premiada versão de Ang Lee para o cinema. A história atravessa personagens profundamente humanos e faz pensar sobre a intolerância, os medos, as fragilidades, os interditos e o poder do amor.

Em 2026, o Cidade Negra retorna aos palcos com a turnê exclusiva “De Agora em Diante”, apresentando shows especiais nas principais cidades do Brasil. A nova turnê marca o início de um novo ciclo da parceria entre Toni Garrido e Bino Farias, celebrando três décadas de uma trajetória repleta de sucessos que atravessaram gerações e consolidaram o Cidade Negra como um verdadeiro símbolo do reggae brasileiro.

O caráter agregador é um dos aspectos que chamam a atenção na última turnê de Gilberto Gil. É algo possível de notar nos bastidores, em cima do palco e, claro, na plateia, onde gerações diversas cantam afinadamente, numa só voz, as canções do repertório irretocável do artista. É o momento de Gilberto Gil mandar “aquele abraço” de cima do palco – muito bem acompanhado. É a última oportunidade de vê-lo em uma turnê dessa dimensão.TEMPO REI é um espetáculo que conversa com o passado, o presente e o futuro. Trata-se de um show que, mesmo diante de multidões, fica íntimo em momentos como quando Gil empunha o violão em “Se eu quiser falar com Deus”; e explode em festa na sequência que emenda “Toda menina baiana", “Esperando na janela” e “Aquele abraço”.

Chay Suede vai fazer sua estreia no teatro, e com o encenador Felipe Hirsch na direção, e ainda com o escritor Caetano W. Galindo que divide com Hirsch a dramaturgia do espetáculo. PEÇA INFANTIL - A VIDA E AS OPINIÕES DO CAVALHEIRO ROOBERTCHAY, trata-se de um espetáculo adulto humorístico-filosófico , um passeio pela formação e pelas histórias inacreditáveis de uma personagem apresentada como Cavalheiro Roobertchay. A peça provoca sua audiência com o formato de um pseudo-documentário, onde o que é verdade e o que não é se entrelaçam. E é com essa curiosidade que nos deparamos com o relato, por vezes incrível e ao mesmo tempo fidelíssimo das venturas e desventuras que cercaram nosso herói desde antes de sua concepção até o brilho de suas estrelas nos dias de hoje. As agruras e doçuras que geraram o menino Cavalheiro Roobertchay.

O que leva um homem pacífico, que sente repulsa por qualquer tipo de violência, que aprendeu a viver evitando conflitos – para não ser alvo da agressividade de outras pessoas – o que leva esse homem a cometer um ato extremamente violento? É a partir dessa pergunta que nasce a escrita de O Motociclista no Globo da Morte. O texto apresenta a história de Antonio, um matemático, um homem racional e sensato que, numa tarde de um dia qualquer, se vê̂ envolvido numa espiral de violência quando almoçava em um bar. É a partir deste fato, que muda a sua vida para sempre, e enquanto conta ao público com riqueza de detalhes o que aconteceu, que Eduardo vai tecendo considerações sobre as diversas formas de violência que resultam da vida em sociedade. E se é possível, aos seres humanos como indivíduos, combater essa violência ou se é inevitável render-se a ela.

Com humor afiado e olhar crítico, em atuação solo de Danielle Winits dirigida por Gerald Thomas, a obra se estabelece como uma reflexão sobre as irracionais contradições humanas, o papel da mulher na sociedade e os dilemas da vida contemporânea. O título sugere uma busca extraterrestre, mas é, na verdade, uma metáfora para a busca de empatia, conexão e sentido no meio da confusão cotidiana da humanidade.Estruturada como um monólogo múltiplo, uma só atriz (Danielle Winits) interpreta diversos personagens e por meio dessas vozes constrói uma narrativa fluida e cômica que atravessa diferentes contextos sociais e históricos. Mais do que uma peça feminista ou de crítica social, é uma reflexão espirituosa e comovente sobre o que nos torna humanos, e sobre os sinais de inteligência (afeto e empatia) que ainda podem ser encontrados entre nós.

Quarenta anos após o início pulsante do Hip-Hop nas ruas de São Paulo, sua batida original ressurge no Sesc 24 de Maio como memória viva e afirmação cultural. A exposição convida o público para uma jornada que devolve à cidade gestos, sons e imagens de uma geração que criou com poucos recursos e máxima potência. Sob curadoria coletiva e com mais de 3 mil peças reunidas de forma inédita, a mostra reconstrói a revolução urbana que transformou inúmeros pontos da cidade em palcos de resistência.A mostra tem idealização e curadoria compartilhada por vozes e testemunhas da cena, como OSGEMEOS, Rooneyoyo O Guardião, KL Jay (DJ histórico dos Racionais MC’s), Thaíde, as pioneiras Sharylaine e Rose MC e o b-boy ALAM Beat.

O MASP exibe a exposição André Taniki Yanomami: ser imagem / në utupë / image being, que reúne 121 desenhos produzidos entre 1976 e 1978 por André Taniki Yanomami (n. ca. 1945, Terra Indígena Yanomami, Roraima, Brasil). Taniki é xamã, guardião político e espiritual de sua comunidade, sendo responsável por “segurar o céu”, garantindo o equilíbrio cósmico, além de curar doenças e mediar relações. A expressão yanomami në utupë significa “ser imagem” e designa a essência vital de todos os seres, visível apenas aos líderes espirituais em visões xamânicas. Com curadoria de Adriano Pedrosa, diretor artístico, MASP, e Mateus Nunes, curador assistente, MASP, a mostra apresenta obras raramente exibidas ao público — 78 delas nunca exibidas antes —, que retratam a cosmologia yanomami, na qual humanos, animais, espíritos, floresta e céu coexistem em uma mesma ecologia espiritual.

Reunindo 60 obras — entre pinturas, gravuras, desenhos, aquarelas e documentos inéditos —, a exposição "Lasar Segall: sempre a mesma lua" apresenta um panorama amplo da produção do artista. A curadoria de Patricia Wagner adota um olhar poético para explorar suas múltiplas linguagens e a construção de uma identidade que, embora enraizada na tradição judaica, dialoga com temas universais como deslocamento, espiritualidade e a condição humana.O ponto de partida é a associação entre a imagem da lua e o profundo sentimento humano que Segall atribuía à própria identidade judaica. A partir desse símbolo, a mostra evidencia como, em cada fase, o artista equilibra tensões pessoais, heranças culturais e observações sobre o mundo. A mostra destaca também a maneira como Segall absorveu os reflexos de seu tempo.

Com realização da Vento Leste e produção da equipe MIS, a mostra apresenta um testemunho visual impactante a partir de ampla documentação sobre a escassez hídrica que afeta milhões de pessoas em diferentes países, incluindo o Brasil. O trabalho de Hiller desmistifica a ideia de abundância hídrica em regiões como a Amazônia e o Pantanal, revelando que mesmo no país detentor do maior volume de água doce do planeta, milhões de brasileiros vivem sem acesso à água limpa.

Com cerca de 67% de seu território coberto por florestas, o Japão é reconhecido como um dos países mais arborizados do mundo, segundo dados da Embaixada do Japão no Brasil. A partir deste cenário, o carpinteiro, mestre da madeira, pede a permissão das divindades das montanhas e florestas para cuidar das árvores, analisando cuidadosamente suas características e o seu crescimento para utilizar a madeira certa para o propósito certo. Tendo como base esse respeito e admiração pela natureza, junto com a responsabilidade e o comprometimento de construir algo duradouro, os carpinteiros japoneses desenvolveram uma técnica altamente refinada, que não depende de pregos ou peças metálicas. Este é um pouco do espírito que a exposição “Imbuídos das forças das florestas do Japão – Mestres da carpintaria: habilidade e espírito”, com curadoria de Marcelo Nishiyama, diretor associado e curador-chefe do museu Takenaka Carpentry Tools (Kobe, Japão). Em São Paulo, a mostra ainda ganhará uma segunda parte, prevista para março de 2026, dedicada ao kigumi, técnica arquitetônica que consiste em entalhar as peças de madeira para que se encaixem perfeitamente.

A exposição “Olhar Negro, Negro Olhar — Antologia da Fotografia Negra da Bahia”, traz um panorama sensível da fotografia produzida no estado. Com curadoria de Bené Fonteles e pesquisa e organização de Marcelo Reis, a mostra propõe um aprofundamento nas múltiplas camadas de significados sobre a negritude baiana.A exposição reúne obras de artistas que construíram, ao longo das últimas décadas, um repertório visual sobre o povo e a cultura da Bahia, entre eles: Adenor Gondim, Ayrson Heráclito, Bauer Sá, Christian Cravo, Mário Cravo Neto, Miguel Rio Branco, Pierre Verger, Zélia Gattai e Voltaire Fraga, entre outros.

A nova exposição temporária, ¡Cancha Brava! Futebol sudamericano en disputa, convida o público a vivenciar não apenas as conquistas e confrontos dentro de campo, mas também a paixão arrebatadora que move os sul-americanos, seus conflitos e contradições, tornando o futebol uma das manifestações culturais mais marcantes do continente. A curadoria de Luiza Romão, Matias Pinto e Gisele de Paula propõe um percurso histórico, político e poético, pelo subcontinente a partir do futebol, explorando instalações audiovisuais, paisagens sonoras, experiências interativas, fotografias e obras de arte – muitas produzidas com exclusividade para a exposição. Como o próprio título anuncia, a exposição é bilíngue, explorando os cruzamentos entre português e castelhano. !Cancha Brava! é uma síntese da história do nosso futebol, feita de muita paixão, particularidades e bolas divididas.

A exposição celebra o universo vibrante e multicolorido das letras pintadas à mão dos cartazes de mercado, das carrocerias de caminhões e das embarcações ornamentadas. Idealizada pelo artista Filipe Grimaldi em parceria com o artista e pesquisador Thiago Nevs e a produtora Carolina Herszenhut, a mostra, que reúne trabalhos de cerca de 60 artistas, propõe um mergulho na cultura visual popular do Brasil e de países como Argentina, Chile, Colômbia, México e Peru, valorizando saberes que atravessam gerações.Exaltando personagens que atuam no anonimato, a exposição é organizada em núcleos temáticos e retrata sobretudo, a diversidade de estilos da letra popular brasileira e latino-americana.

A última exposição de 2025 da Pinacoteca, “Trabalho de Carnaval”, é uma coletiva com obras de 70 artistas de diferentes gerações e origens, como Alberto Pitta, Bajado, Bárbara Wagner, Ilu Obá de Min, Heitor dos Prazeres, Juarez Paraíso, Lita Cerqueira, Maria Apparecida Urbano, Rafa Bqueer e Rosa Magalhães.A mostra no edifício Pina Contemporânea expõe 200 obras dentre adereços, projetos de decoração e documentação histórica em fotografia e vídeo, além de comissionamentos de projetos inéditos dos artistas Adonai, Ana Lira e Ray Vianna.Dividida em quatro temas – Fantasia, Trabalho, Poder e Cidade, “Trabalho de Carnaval” apresenta a maior festa popular do país como uma cadeia produtiva que envolve o trabalho das muitas mãos desde antes mesmo da festa acontecer, ao mesmo tempo em que alude à precariedade e invisibilidade desses profissionais.

Nome central da história do cinema, com filmes que marcaram gerações, Agnès Varda (1928–2019) também é autora de uma extensa produção fotográfica, tendo inclusive começado sua carreira como fotógrafa. Ao longo dos anos, consolidou-se como cineasta, mas a fotografia continuou presente em sua trajetória, seja em seus filmes, seja nas instalações artísticas que produziu no século 21.A exposição reúne cerca de 200 fotografias tiradas por Varda, principalmente entre as décadas de 1950 e 1960. O conjunto traz imagens clicadas em viagens, incluindo registros inéditos na China, em 1957, fotos em Cuba, no contexto pós-revolução, e nos EUA, onde a artista documentou os Panteras Negras. Há ainda fotos feitas em Paris, como as de uma peça encenada pelos Griôs, primeira companhia de teatro negro na cidade. Em diálogo, a mostra apresenta trechos de filmes da autora, enfatizando como o comprometimento social, o olhar afetuoso e o humor caracterizam a sua produção.

“Mudança de Hábito” com direção de Tadeu Aguiar, direção musical de Laura Visconti e versões brasileiras de Bianca Tadini e Lucianno Andrey, a nova montagem do clássico da Broadway promete encantar o público com cenários e figurinos especialmente criados para a produção, novos arranjos musicais e uma equipe criativa premiada.Inspirado no filme homônimo de 1992, estrelado por Whoopi Goldberg, o musical acompanha a jornada de Deloris Van Cartier, uma cantora que, após testemunhar um crime, é forçada a se esconder em um convento. Com seu jeito irreverente e sua paixão pela música, ela transforma a rotina do local, provocando encontros inesperados e mudanças profundas em todos ao seu redor - inclusive nela mesma.

O aguardado TINA – TINA TURNER O MUSICAL chega ao Brasil. Na versão brasileira, quem terá a honra de interpretar a lendária Tina Turner será Analu Pimenta, enquanto César Mello interpreta Ike Turner, parceiro criativo e amoroso de Tina nos primeiros anos. O Musical é a história da lendária artista Tina Turner, a Rainha do Rock ‘n’ Roll, 12 vezes vencedora do Grammy Awards. Com trilha sonora de tirar o fôlego, com seus sucessos icônicos, incluindo ‘The Best, What’s Love Got To Do With It?’, ‘Private Dancer’ e ‘River Deep, Mountain High’, o musical é uma história real e inspiradora de uma mulher que ousou sonhar intensamente, quebrar barreiras e desafiar os limites de idade, gênero e raça para conquistar o mundo contra todas as probabilidades.

Nesta jornada emocionante, Masha, o Urso e os amigos da floresta vivem uma história de lealdade e coragem. A trama se desenrola quando o Urso é levado por Igor, um misterioso caçador de estrelas. Masha, então, precisa resgatar o Urso dos verdadeiros planos de Igor, contando com a ajuda de seus amigos e do público.

O astro global The Weeknd, anunciou a extensão de sua turnê After Hours Til Dawn Stadium. Anitta se juntará a The Weeknd nas datas no México e no Brasil. A turnê celebra a aclamada trilogia de álbuns de The Weeknd — After Hours (2020), Dawn FM (2022) e Hurry Up Tomorrow (2025) — e apresenta sucessos de seu catálogo no topo das paradas. After Hours Til Dawn foi lançada originalmente em 2022 e se tornou a maior turnê de R&B da história. A turnê viajou para países do mundo todo nos últimos três anos, com apresentações em estádios na América do Norte, Europa, Reino Unido, América do Sul e Austrália.

A mostra se debruça sobre a política da memória na diáspora asiática a partir do contexto das Américas e de seus entrelaçamentos transpacíficos. A exposição percorre tempos e geografias ao mesmo tempo distantes e interconectados, que se estendem da Segunda Guerra Mundial até o presente, reunindo trabalhos de 29 artistas de diferentes países do continente americano, do Caribe, e do Leste e Sudeste da Ásia. Com trabalhos em desenho, pintura, pôster, fotografia e vídeo, assim como revistas e jornais, Cartas à memória propõe uma constelação de imagens que funcionam como uma lente multifacetada para o trabalho da imaginação e da memória na diáspora.

Em 1976, Djavan iniciou sua trajetória com o lançamento de “A Voz, o Violão, a Música de Djavan” sem imaginar que se tornaria um dos maiores ícones da música popular brasileira. A partir do dia 9 de maio de 2026, o cantor alagoano celebra a carreira de cinco décadas com a turnê “Djavanear 50 anos. Só Sucessos”, que se iniciará em São Paulo, no Allianz Parque, em um espetáculo formado exclusivamente por seus maiores hits.

Poucas bandas moldaram o som de uma geração como o KoЯn. Pioneiros do alt-metal na década de 1990, o grupo levou o gênero a uma escala global misturando guitarras pesadas, grooves sombrios e letras cruas, que exploram vulnerabilidade. A banda canadense Spiritbox e o Seven Hours After Violet, grupo de metal dos Estados Unidos, farão os shows de abertura. O KoЯn chega ao país embalado por um dos melhores momentos da carreira. Ao ocupar o posto de headliner de importantes festivais globais e esgotando os ingressos em estádios, o grupo demonstrou a atemporalidade de sua obra e ainda angariou novos fãs. O KoЯn é formado atualmente por Jonathan Davis (vocais), James “Munky” Shaffer (guitarra), Brian “Head” Welch (guitarra), e Ray Luzier (bateria).

O Museu do Ipiranga inaugura a exposição Debret em questão –olhares contemporâneos, que propõe um diálogo entre a iconografia do Brasil Império estabelecida pelo artista francês Jean-Baptiste Debret (1768–1848) e sua releitura, quasesempre crítica ou irônica, por parte de 20 artistas contemporâneos. A exposição é um desdobramento do livro Rever Debret (Editora 34, 2023), do pesquisador Jacques Leenhardt, que assina a curadoria ao lado de Gabriela Longman. Além de apresentar uma seleção de 35 trabalhos de Jean-Baptiste Debret, a mostra conta com obras de artistas contemporâneos que partem das referências visuais do artista francês.

A nova exposição do Museu das Favelas tem como fio condutor a potência do legado de Frantz Fanon, médico psiquiatra, pensador, crítico e revolucionário martinicano que marcou os séculos XX e XXI.Com mais de 130 obras de pessoas artistas de 8 países, Imaginação Radical: 100 anos de Frantz Fanon propõe um diálogo entre as ideias de Fanon e a arte contemporânea, evidenciando como sua obra permanece atual, influenciando a história da arte no Brasil e no mundo, além de gerações de ativistas, artistas e intelectuais.Dividida em quatro eixos temáticos, ela apresenta criações que dialogam com identidade, corpo, território e o sonho, convidando o público a refletir sobre a imaginação como uma prática radical de transformação da realidade.

De nomes que marcaram gerações a artistas que apontam novos rumos para a música, o C6 Fest chega à sua quarta edição. O line-up de 28 atrações tem entre seus destaques Robert Plant, The xx, Matt Berninger (vocalista do The National), Beirut, Branford Marsalis, Lykke Li e Paralamas do Sucesso com participação de Nação Zumbi, além de fenômenos recentes, como Dijon, Oklou, Cameron Winter e Wolf Alice puxam a programação.O Auditório Ibirapuera sediará as apresentações de jazz e suas vertentes nas primeiras duas noites do evento (21 e 22). Já no sábado e no domingo, às 23h, o mesmo palco dará lugar a uma nova experiência dentro do festival, o inédito C6 Lab. Com uma atração por noite, logo após os shows nos palcos externos, sua programação propõe uma experiência de escuta profunda no universo esteticamente desafiador de cada um dos artistas.

A artista paulistana Marcia Pastore inaugura, a instalação inédita Cabodá. A obra foi selecionada pelo 1º Edital de Artes Visuais do Museu da Cidade de São Paulo, instituição vinculada à Secretaria de Cultura e Economia Criativa da Prefeitura de São Paulo, e tem origem na observação dos furos deixados pelas travessas de madeira utilizadas na construção em taipa de pilão, conhecidas como cabodás.O projeto parte da estrutura da edificação, feita em taipa de pilão, para construir uma obra que conecta interior e exterior do edifício. A partir dos vazios deixados no processo construtivo, Pastore transforma elementos arquitetônicos em escultura e propõe uma reflexão sobre equilíbrio, corpo e espaço.

FUNK: Um grito de ousadia e liberdade, a nova exposição temporária com curadoria de Taísa Machado, Dom Filó, Amanda Bonan, Marcelo Campos e Renata Prado, a exposição apresenta e articula a história do funk para além da sua sonoridade, evidenciando sua origem na matriz cultural urbana, periférica, a sua dimensão coreográfica, as comunidades, e os seus desdobramentos estéticos, políticos e econômicos no imaginário constituído em torno dele. Na versão apresentada no Museu da Língua Portuguesa, o projeto tem conteúdos exclusivos sobre o funk paulista. Entre eles, o acervo da memória da FUNK TV, produtora do bairro da Cidade Tiradentes, berço do movimento na capital. Trabalhos de artistas contemporâneos como Panmela Castro, Rafa Bqueer, Marcela Cantuária, Maxwell Alexandre, Rafa Black, Brenda Nicole, Tiago Furtado e Markus CZA, entre outros, também estarão em exibição.

A mostra de Caio Pacela explora campos como o da espiritualidade e da transcendência em diálogo com corpo, fé e identidade, reúne pinturas em óleo sobre tela; desenhos em grafite sobre papel; cadernos do artista e textos autorais intitulados ‘notas de culto’, abarcando as diferentes nuances e fases do artista, que opta pelo olhar fenomenológico e convoca o espectador a atribuir sentido às obras, a partir de suas próprias referências.O artista convida o espectador a observar e completar suas obras, acessando espaços interiores e individuais, a priori etéreos e impalpáveis, mas que acabam por reverberar em comportamentos coletivos mediados ora pela corporeidade humana (ou não), ora por paisagens da natureza em movimento e fúria. A arte de Pacela convida o público ao exercício do sentir, mas, também, ao de decodificar, sob o entendimento particular, o mistério, o não dito e o não aparente.

Laura Pausini anuncia a maior Turnê de sua carreira e fará o seu primeiro show em estádio no BrasilA cantora italiana mais influente e popular do mundo sobe ao palco da Mercado Livre Arena Pacaembu, em São Paulo, no dia 27 de fevereiro de 2027. o show faz parte da turnê mundial Io Canto/Yo Canto World Tour 2026/2027.