Na mostra, a artista exibe pinturas que exploram as forças que movem o fazer artístico — como o amor, o desejo, o luto e os vazios — e os vestígios que permanecem após essas experiências atravessarem o corpo. Enquanto pulsão representa o impulso inicial, a necessidade sem nome que move o gesto, rastro é a marca deixada no mundo, quando a tinta registra, como um sismógrafo, intensidades entre o que pode e o que não pode ser dito.Em todas as obras, a artista trabalha a partir do chão, em escala diretamente relacionada ao corpo, permitindo que o pincel opere como extensão do corpo.Entre delicadeza e vigor, erotismo e agonia, suspensão e dinamismo, as pinturas devolvem ao espectador superfícies-espelho, capazes de fazer emergir imagens e afetos latentes, não como ilustração do vivido, mas como transfiguração contínua da experiência no presente da pintura.

O Concerto para violino nº 1 de Max Bruch é de longe a obra mais conhecida do compositor, regente e professor Francisco Braga na atualidade. O músico alemão, no entanto, deixou mais de 200 peças, que incluem sinfonias, óperas e outros dois concertos para violino. O nº 1 mantém seu prestígio como peça central do repertório dos violinistas por sua virtuosidade aliada à rica invenção melódica. Para interpretá-lo, a Osesp convida Augustin Hadelich, um dos grandes violinistas do nosso tempo. E, encerrando-se mais uma temporada, encerra-se também o ciclo dedicado às sinfonias de Tchaikovsky.

O coletivo Jardim Miriam Arte Clube – JAMAC, fundado por Mônica Nador, que completa 20 anos de atividade exibirá e comercializará peças de dois projetos: Inventários e Aprender algo novo. Ao longo de duas décadas, o JAMAC se dedica a integrar a arte ao cotidiano da comunidade, instrumentalizando o público a utilizar o estêncil como meio de expressão visual e, em muitos casos, como uma fonte de renda.Inventários é uma investigação aberta do acervo de estampas produzidas ao longo de 20 anos de oficinas de estêncil do JAMAC. Aprender Algo Novo é um projeto que nasce da colaboração entre o JAMAC, o Projeto Descartes e o grupo Colo de Vó/Instituto Nova União da Arte, que resulta em uma coleção de porcelanas e uma publicação que reúnem estampas e histórias.

Àkùko, Eiyéle e Ekodidé – Uma revoada de Alberto Pitta, é a primeira individual do artista baiano e figura central no carnaval de Salvador, Alberto Pitta. Ele foi o autor das estamparias de importantes blocos como o Olodum e os Filhos de Gandhy, tendo criado em 1998 o seu próprio bloco, o Cortejo Afro. A mostra, com curadoria e texto crítico de Galciani, conta com 24 trabalhos inéditos e outros resultantes de sua produção ao longo dos últimos anos, incluindo pinturas e serigrafias sobre tela e um carrinho de cafezinho, em madeira – uma referência aos coloridos carrinhos usados por ambulantes para vender cafezinho em Salvador, e também ao trabalho mostrado na coletiva

Pela primeira vez, a banda sobe ao palco de São Paulo com a Loserville Tour, acompanhados dos artistas Yungblud, 311, Ecca Vandal, Jody Husky e Slay Squad.

O consagrado dramaturgo irlandês Brian Friel (1929–2015) criou em Afterplay (2002) um encontro entre duas personagens de Tchekhov: Sônia Serebryakova (Tio Vânia) e Andrey Prozorov (As Três Irmãs). A peça de um único ato chega em São Paulo, no dia 31 de outubro, sob direção de Luiz Eduardo Frin, que também atua ao lado de Bia Bologna. Com atmosfera intimista e texto ágil, o espetáculo mergulha nas memórias e fragilidades de Sônia e Andrey, que se encontram em um café decadente da Moscou dos anos 1920. Ambos carregam passados desfeitos e buscam, de formas distintas, algum ponto de reconexão. Nas palavras de Luiz Eduardo Frin, a obra sugere que, em tempos de mudanças rápidas e de permanente desconstrução, apenas os que aceitam sua condição de deslocados conseguem de fato se encontrar.

Criado pela Esquadrilha Marginália, o espetáculo insere o público no cotidiano de uma favela litorânea, explorando ancestralidade, apagamentos históricos e a relação com o território. A encenação combina barro, água e palafitas, enquanto música e performance revelam tensões sociais e estéticas que atravessam essas comunidades.

Baseado na obra de Maria Valéria Rezende, o espetáculo musical Carta à Rainha Louca é idealizado por Lilian de Lima, com direção de Patrícia Gifford e direção musical de Fernanda Maia, do Núcleo Toada. A montagem traz a força de um coro de vozes femininas e não binárias, que narra a trajetória de Isabel das Santas Virgens.Isolada em um convento de Olinda, Isabel escreve à Rainha Maria I, conhecida como Rainha Louca, denunciando abusos e violências cometidas contra mulheres no Brasil colônia. Acusada injustamente ao tentar formar uma comunidade de acolhimento para mulheres pobres e sem destino — as chamadas “sobrantes” — Isabel revela, em sua carta, um país marcado por opressões, silenciamentos e resistências femininas.

"MATILDE" apresenta a história de uma mulher de 60 anos (Malu Valle), aposentada, que vê sua rotina pacata em Copacabana ser transformada ao alugar um quarto para Jonas (Ivan Mendes), um ator de 36 anos em busca de sua grande oportunidade. Com humor e sensibilidade, o texto de Julia Spadaccini aborda temas como envelhecimento, solidão, relações intergeracionais e os desafios da sociedade patriarcal. O espetáculo, dirigido por Gilberto Gawronski, investe na comédia para explorar os medos e anseios de Matilde e Jonas, personagens que se provocam, se desafiam e se transformam ao longo da narrativa, em reflexões sobre a discriminação etária e os estigmas sociais impostos às mulheres mais velhas, questionando tabus sobre sexualidade e identidade na terceira idade.

Os Parlapatões e a Trupe de Festim recebem convidados especiais para comemorar as “Farsas de Natal” e relembrar o ano com muito humor, crítica social, palhaçaria, performance, música e irreverência. A reunião é uma oportunidade imperdível de assistir aos últimos espetáculos e stand-ups do ano e, também, entrar no clima da festa da firma, com muita diversão e gargalhada garantida. Sete atrações se alternam no palco do Espaço Parlapatões, na Praça Franklin Roosevelt, em São Paulo.

O cantor André Frateschi faz show solo de tributo a David Bowie.O repertório da banda passa por toda a obra do artista. Desde “Space Oddity” do começo da carreira, passando por “Changes”, ’The Man Who Sold the World”, “Under Pressure”, “Lets Dance” , “China Girl” entre tantos outros clássicos até chegar ao seu último disco, “Black Star”.

"Bichos do Mundo em Concerto" é um show musical que explora de maneira divertida o fascínio das crianças pelo universo animal, a capacidade mágica de observar o mundo e inventar histórias. Seu diferencial é ter a sonoridade de um show de vanguarda, capaz de fisgar os pequenos e os adultos pelo som e pelas narrativas criativas. A presença enérgica do quarteto da Strombólica, os diálogos bem humorados e a sensibilidade musical criam um ambiente lúdico, permitindo a interação da platéia.

Um ator-palestrante propõe um jogo imaginativo: como países distantes podem compartilhar a mesma fronteira simbólica? A partir de uma distopia inspirada em fatos reais, ele mistura ficção e autobiografia para denunciar a homofobia institucional e afirmar a alegria como ato revolucionário de resistência e reinvenção. No caso, a da violência engendrada pela homofobia institucional. Para isso, o ator-palestrante parte das notícias reais sobre a existência de prisões para homossexuais na República da Chechênia em pleno século XXI, para criar uma ficção distópica que é atravessada, a todo tempo, por sua própria história, revelando os meandros violentos por onde essa homofobia institucional se insinua na vida de pessoas dissidentes de gênero. Mas, em algum momento, a ficção precisa ser recusada para que a própria história do ator-palestrante seja reinventada e, assim, o ciclo da violência se torne obsoleto e não mais se perpetue. Afirmar a alegria e a viabilidade da vida é o caminho mais revolucionário para se falar, hoje, sobre a dissidência.

“Morte e Vida Severina”, obra-prima de João Cabral de Melo Neto encenada pela Companhia Ensaio Aberto, com direção de Luiz Fernando Lobo, músicas de Chico Buarque e direção musical de Itamar Assiere, dá voz aos severinos filhos de tantas marias. A peça não é mais um poema regional brasileiro, pois os que vivem e morrem de morte severina agora estão em todas as serras magras e ossudas do mundo. A sombra da fome se espalha pelo planeta impulsionada pela crescente desigualdade.

Inspirado no livro “Quarto de despejo” de Carolina Maria de Jesus e no clássico de Joseph Conrad “Heart of Darkness” (em português “Coração das Trevas”) o autor e diretor Gerald Thomas constrói em “SABIUS, Os Moleques” uma dramaturgia autoral que faz reverberar sua visão atenta e crítica para o mundo atual. O elenco da Cia. de Ópera Seca é composto por Apollo Faria, Fabiana Gugli , Jefferson Schroeder, Nilson Muniz e Pedro Inoue. Na trama, um planeta Terra que sucumbiu à humanidade comete suicídio e cai de sua órbita em uma cratera de outro mundo. Ali, cinco sábios, historicamente de eras distintas (caracterizados pelos seus respectivos períodos históricos), depõem a respeito dos momentos que antecederam ao “acidente” sofrido pela Terra e discutem entre si.

Divertido, musical e cheio de improviso, o espetáculo O Macaco Simão, Outras Histórias e Outras Canções encanta crianças e adultos com humor, música e teatro de bonecos.Na história, o travesso macaco Simão vive aprontando com a velha Firinfinfelha, roubando suas bananas e provocando uma divertida disputa entre natureza e cultura, verdade e mentira, discórdia e conciliação. A montagem é dividida em duas partes: na primeira, o público participa de canções e brincadeiras ao vivo, com flauta, violão e pandeiro; na segunda, a trama ganha vida no teatro de bonecos, em uma adaptação envolvente da clássica história O Macaco e a Velha.

Há dois anos em turnê pelo Brasil, a peça ‘A Luta’ estreia dia 21 de novembro, no Teatro BDO Jaraguá, trazendo um dos mais reverenciados atores da nova geração, Amaury Lorenzo, que trouxe para a TV personagens como Ramiro, de ‘Terra e Paixão’, e Gilmar, da novela ‘Três Graças’.‘A Luta’ é uma guerra arquetípica, mitológica, portanto, será sempre atual para entender a formação do Brasil. É uma peça para nos questionar enquanto sociedade. O retumbante fracasso dos dois lados, com a violência sem sentido de ambos, é o resultado da nossa triste ignorância que infelizmente perdura”, resume a diretora da montagem.

Iriri, que em iorubá significa vivência, é o novo espetáculo de Graça Braga, cantora e compositora com mais de 40 anos dedicados à música brasileira. O show celebra sua trajetória e reafirma a força de uma artista que faz do samba um espelho de ancestralidade, afeto e resistência.Mais que uma retrospectiva, Iriri é a celebração de uma vida inteira de caminhos, encontros e sons — uma vivência que segue pulsando, contemporânea e atemporal.

Você já brincou na mata? Já desvendou os segredos e encantamentos que vivem sob as copas e galhos, atravessando rios e trilhas? Nesta história-brincante, crianças e adultos são convidados a uma aventura de faz de conta, interagindo com os elementos dispersos no espaço e despertando a imaginação.O Ateliê Afro Cultural conduz o percurso por meio de uma história com ações para as crianças seguirem, mesclando comandos, música, sons da mata e natureza, elementos sensoriais e brincadeiras. Uma vivência destinada a (re)descobrir os brincares coletivos de imaginação ligados à natureza e aos quintais, explorando as sensações e ambiente ao redor. Um projeto educativo de criação, reflexão e valorização da cultura e memória afrobrasileira.

Antônio, um pobre sapateiro, tem de terminar às pressas, em uma fria véspera de Natal, as botas encomendadas por um cliente misterioso. Insatisfeito com a vida que leva, ele reclama que enquanto os ricos passeiam, comem e se divertem, ele tem de trabalhar e ainda se conformar com as precárias condições em que se encontra. É neste momento que ele adormece de cansaço e sonha com a oportunidade de ter uma vida rica e abundante. Porém, para isso irá enfrentar as condições propostas por uma criatura mágica e assustadora, que o fazem questionar a existência de pobres e ricos.Livremente inspirada no conto “O sapateiro e a força maligna” de Anton Tchekhov, a peça nasce da parceria entre Carlos Escher e Cássio Brasil e aborda temáticas contemporâneas como a desigualdade social, os privilégios e o mundo do trabalho.

O MAB FAAP apresenta “Entre o desenho e a pintura”, exposição individual e inédita da artista Caru Duprat, dentro do projeto Mezanino Aberto. Com curadoria de Nancy Betts.A mostra reúne três séries, “Águas que falam de águas”, “Águas que querem ser montanhas” e “Passagens”, que exploram a potência expressiva da aquarela. Entre transparências e densidades, Caru aproxima o gesto do desenho ao da pintura, evocando a lição dos mestres japoneses do “ukiyo-e” como Katsushika Hokusai e Utagawa Hiroshige, pintores de paisagens neste gênero que, na tradução para o português, significa “imagens do mundo flutuante”.A partir de distintos locais como Ilha Bela, no litoral paulista, em Santorini, na Grécia, e Paraty, no litoral carioca, a artista propõe um olhar renovado sobre a paisagem.

Nas profundezas dos sete mares, habitam histórias que nem os mais experientes marujos poderiam sonhar, como a maravilhosa cidade subaquática de Atlântida, governada pelo lendário Rei Tritão. Pai devotado de sete filhas, sendo a mais jovem a princesa Ariel, que é dona da mais bela das vozes e do mais curioso dos corações.A pequena sereia é fascinada pelo mundo dos humanos, enfrentando assim grandes conflitos com seu pai. Regida por seus instintos, Ariel salva um rapaz de um afogamento e, ao apaixonar-se por ele, dá-se conta de que sua vida está prestes a mudar completamente.

Hannah Arendt - Uma Aula Magna é o mais novo espetáculo de Eduardo Wotzik, onde o ator e diretor, - em surpreendente, e reflexivo espetáculo, traz à cena de maneira bem-humorada, uma das mais importantes pensadoras do século ΧΧ.O premiado ator, diretor e autor de teatro Eduardo Wotzik, de barba e salto alto, dá vida a importante cientista política do Século XX em Hannah Arendt Uma Aula Magna.

Com Amanda Acosta no papel principal de Norma, a montagem recria momentos da vida dessa multiartista em um diálogo imaginário. Dirigida por Aimar Labaki, com direção musical de Gustavo Kurlat e idealização de Alexandre Brazil, a peça apresenta não só a trajetória pessoal e artística de Norma, mas também o vigor cultural do Brasil nos anos 1950 e 60.

Após o sucesso da cinebiografia Homem Com H, Ney Matogrosso retorna ao Allianz Parque para um show especial da turnê Bloco Na Rua, que celebra os sucessos de sua carreira e também traz novas adições ao seu repertório.

Nova temporada de Tim Maia - Vale Tudo - o musical, espetáculo com roteiro de Nelson Motta e baseado no livro "Vale Tudo – O Som e a Fúria de Tim Maia".A primeira montagem da peça, de 2012, conquistou público e crítica, tornando-se um dos maiores sucessos do teatro musical brasileiro. Com linguagem moderna e dinâmica, a nova versão promete emocionar e transformar o palco em uma grande festa permeada por 20 hits de Tim Maia.O musical percorre a trajetória de Tim Maia, desde a juventude no Rio de Janeiro até a consagração como um dos maiores nomes da música brasileira. Baseada no livro homônimo de Nelson Motta e com curadoria de Carmelo Maia, a peça percorre a trajetória de Tim Maia desde a juventude no Rio de Janeiro, às amizades com artistas do calibre de Roberto Carlos, Erasmo Carlos, Elis Regina, Jorge Ben etc, até a consagração como um dos maiores nomes da música brasileira. Além do texto de Nelson Motta, a nova montagem conta com direção musical de Carlos Bauzys e Diego Salles, direção geral de Pedro Brício e produção geral de Adriana Del Claro.

A partir do best-seller Sapiens, de Yuval Harari, o premiado espetáculo FICÇÕES fala da capacidade humana de criar e acreditar em ficções: deuses, dinheiro, nações…o que foi ou não inventado? Vera Holtz se desdobra em personagens da obra literária e em outras criadas por Rodrigo Portella, canta, improvisa, “conversa” com Harari, brinca e instiga a plateia, interage com o músico Federico Puppi – autor e performer da trilha sonora original, com quem divide o palco. Em outros momentos, encarna a narradora, às vezes é a própria atriz falando.

No início da década de 1970, motivado pela encomenda de uma obra – cujo gênero, instrumentação e duração eram livres –, Leonard Bernstein, uma das figuras mais importantes da música no século XX, criou uma obra ousada e surpreendente.A obra foi uma encomenda da família Kennedy para ser apresentada na inauguração do Centro John F. kennedy de Artes Performáticas, em 1971. Ao saber que o compositor estava escrevendo uma missa, houve grande alegria por parte dos organizadores do evento, pois John Kennedy foi o primeiro presidente católico dos Estados Unidos. Embora baseada na missa católica tridentina (pré 1962), a Missa de Bernstein se configura como um teatro musical, ao unir passagens litúrgicas cantadas em latim a textos adicionais em inglês escritos por Bernstein, Stephen Schwartz e Paul Simon. Ainda incorpora uma variedade de estilos musicais, além de um coral de “manifestantes de rua”, para apresentar uma nova visão de fé e liturgia ao mundo moderno.A obra foi concebida para ser encenada teatralmente, mas também já foi apresentada em ambientes de concerto. A Missa estreou em 8 de setembro de 1971, conduzida por Maurice Peress e coreografada por Alvin Ailey, com figurinos de Frank Thompson. Na Europa, ela teve sua primeira audição em 1973, com John Mauceri conduzindo a Orquestra Sinfônica de Yale em Viena. A recepção inicial da crítica foi bastante negativa. A gravação da obra pela Columbia Records, no entanto, teve excelentes vendas. A Missa foi inicialmente criticada por autoridades da Igreja Católica, mas, no ano 2000, o Papa João Paulo II promoveu a apresentação da peça no Vaticano.Certos aspectos da obra refletem o tempo no qual ela foi criada: desde alguns dos slogans de protesto até a busca liberal cristã dos anos 1970 em prol da valorização de uma religião mais pura e autêntica, em detrimento de questões eclesiásticas e sacramentais da Igreja institucional.Muito de sua mensagem ainda é relevante nos dias atuais. Não se trata propriamente de uma crítica à Igreja Católica, mas de transformar sua liturgia num espaço para a discussão e mesmo denúncia das opressões do mundo contemporâneo. Essa obra grandiosa e surpreendente unirá os esforços da Orquestra Sinfônica Municipal, dos coros Paulistano e Lírico, e de Paulo Szot, um dos barítonos mais aclamados e versáteis do mundo. A regência e direção musical é de Roberto Minczuk.

A exposição Harmony Hammond & Ivens Machado propõe um diálogo inédito entre a obra de Ivens Machado (1942–2015), figura central da arte brasileira dos anos 1970, 80 e 90, e Harmony Hammond (1944), artista estadunidense pioneira do movimento feminista queer nos Estados Unidos. A mostra articula as fronteiras entre corpo, materialidade e política.As obras reunidas – esculturas, pinturas, relevos e fotografias produzidas entre 1973 e 2020 – desafiam categorias formais e empregam elementos “precários”, como concreto, ferro, cordas, gaze e cera.

“O Sonho de Clara” é uma suíte inspirada no balé clássico “O Quebra-Nozes”, apresentando uma narrativa em que o sonho se torna portal para um universo encantado. A história se inicia quando Clara recebe de seus pais, no Natal, um delicado boneco Quebra-Nozes. À primeira vista, ele parece apenas um brinquedo, mas logo desperta nela um encantamento especial.Ao adormecer, Clara vê o Quebra-Nozes ganhar vida e se transformar em um guia que a conduz para além da realidade cotidiana. Juntos, eles entram no reino mágico da Fada Açucarada, um lugar marcado pela delicadeza e pela fantasia. Nesse espaço encantado, Clara é acolhida por flocos de neve que dançam em leveza e por flores que celebram sua chegada, revelando um mundo onde tudo é possível.

A galeria Estação abre a exposição Eu sou o Silva, com curadoria de Paulo Pasta, festejando o artista José Antônio da Silva num momento de grande destaque das suas obras, que tiveram a primeira mostra monográfica europeia no Museu de Grenoble, na França, de abril a julho, como parte da Temporada Brasil-França 2025. A exposição Eu sou o Silva – a segunda do artista organizada pela galeria Estação – reúne 26 obras das décadas de 1940 a 1980, que pertencem ao acervo próprio e às coleções de Andre Mastrobuono, Breno Krasilchik, Gustavo Rebello, Ladi Biezus, Marcelo Noschese, Mauricio Buck e Orandi Momesso. Para Vilma Eid, fundadora da galeria Estação, é um momento de celebrar o artista nessa itinerância iniciada em março, na França, passando depois, por Porto Alegre, com a exposição José Antônio da Silva: Pintar o Brasil, que teve curadoria do espanhol Gabriel Pérez-Barreiro, na Fundação Iberê Camargo, em agosto.

“O NATAL DOS 3 PORQUINHOS” é um espetáculo infantil Inédito para toda a família, escrita por Carminha Sanches e dirigida por Márcio Marinello. Nesta divertida releitura de um dos contos mais amados do universo infantil, o Lobo Mau está determinado a participar – ou atrapalhar – a ceia de Natal dos três porquinhos. Para isso, ele cria diferentes disfarces e situações mirabolantes, culminando em sua mais audaciosa transformação: a de Papai Noel. O espetáculo conduz o público por uma jornada leve, cômica e repleta de reviravoltas, celebrando o espírito natalino com humor e imaginação. Com Miguel Ferrari, Diego Olimpio, kaike Doretto e Mirella Queiroz

Após grande sucesso, a pista do Teatro Oficina recebe de volta Senhora dos Afogados, de Nelson Rodrigues, com direção de Monique Gardenberg. Escrita em 1947, é um mergulhono inconsciente familiar — uma tragédia brasileira. Nesta encenação, o espaço cênico é atravessado por elementos audiovisuais, trilha original e ambientações sensoriais. Ambientada em uma casa à beira-mar, a peça propõe um mergulho nos limites entre realidade e delírio. A casa, torna-se um organismo vivo. No centro da trama está Misael (Marcelo Drummond), juiz assombrado por segredos. Ao seu redor, giram personagens tomados por impulsos inconfessáveis: Moema (Lara Tremouroux), a filha intensa e intuitiva, e Eduarda (Leona Cavalli), esposa e figura central de uma dinâmica familiar.

Dona Aracy, a Gorda, e Seu Noronha, contínuo da Câmara dos Deputados, vivem num cortiço do Bixiga com suas cinco filhas. Entre silêncios, risos forçados e pequenas barganhas, o pai fecha os olhos para os rumos que cada uma toma, contanto que a engrenagem da casa continue girando.Mas é a caçula — guardada em um colégio interno como promessa de pureza e futuro — que desmancha o equilíbrio frágil da família. Seu retorno inesperado desencadeia tensões que transbordam os limites do lar, trazendo à tona segredos, desejos e violências que até então se escondiam nas frestas do cortiço.A encenação percorre o fio entre farsa e tragédia, atravessada pela carpintaria do ator e pela revanche do feminino, que explode em força bruta e lirismo. No coração do Bixiga, uma família em ruína se transforma em retrato distorcido de uma sociedade inteira.

Como assim 2010 foi há 15 anos e 2000 há 25? Pois é, o tempo voou, e a nostalgia bate forte! Então prepara o batom Snob, a calça de cintura baixa e a Cyber-shot, porque a gente vai reviver o melhor dessa época juntos!O que toca?Pop, Summer EletroHits, Rock, Emo, Hip-Hop, Furacão 2000 e Nacionais.

As Yabas - deusas africanas Yorubas, que estão impregnadas no imaginário da cultura afro-brasileira. Nesta contação, a história da mãe Yemanjá, de Oxum que defende o poder das mulheres perante os homens, a história da tempestade de Yansã, e da mãe protetora Euá.

as músicas mais dançantes do Indie Pop e somada a muito Pop, Disco e House. Tudo isso em formato Boiler Room.

Mediadores de leitura apresentam histórias e poesias através dos livros. O trabalho tem o objetivo de apresentar o acervo ao público gerando gosto pela leitura de forma prazerosa e livre de obrigações, rompendo paradigmas sobre o ato da leitura de literatura. Neste trabalho podemos levar nosso acervo e todo o material necessário para montar o espaço de leitura. Tanto a duração quanto o número de mediadores deve ser negociado diante das necessidades do contratante.Neste mês, em comemoração aos 10 anos da editora Boitatá.

O ateliê para família parte da ideia de utilizar materiais simples, preferencialmente recicláveis e de fácil acesso para criar brinquedos, jogos e etc que possam ser reproduzidos outras vezes em casa, sempre tendo como objetivo de exercitar a criatividade.

Em uma estrutura aconchegante de bambus com diversos livros, as crianças e seus acompanhantes escolherão, de forma lúdica, livros que os agradam. Os livros poderão ser escolhidos de diversas formas: pelas ilustrações, pelos temas e títulos, entre outras razões, para que desfrutem, de forma autônoma, o gosto pela leitura.

A exposição apresenta um conjunto de 57 obras pertencentes ao Acervo Sesc de Arte, reunindo produções de artistas autodidatas de diferentes regiões do Brasil. Produzida a partir de uma seleção criteriosa do curador Renan Quevedo, a mostra, que evidencia a relevância da coleção de artes visuais do Sesc São Paulo, inclui pinturas, esculturas, xilogravuras e objetos que revelam a pluralidade e a potência simbólica da chamada arte popular, força criativa marcada pela ancestralidade, pela memória coletiva e pela resistência.

Dopamine Land chega a São Paulo, numa experiência imersiva que combina mídia, tecnologia e diversão. O evento apresenta 9 salas lúdicas, sensoriais que induzem a liberação de dopamina.

Alguém anotou a placa de 2025? Foi rápido, foi intenso e 2026 já tá logo ali!Bora virar o ano no Reveião Tropicaos e começar 2026 nas melhores vibrações da música brasileira!! NO SOM: PITA UCHÔACAROL MALIBECCA INCENDIÁRIABRUNO CAVEIRAWÂNDALO

Para celebrar as cinco décadas de memórias e vivências no Sesc Interlagos, a exposição Presença Espiral será inaugurada no dia 30 de outubro, exatamente na data que marca os 50 anos de inauguração da unidade, ocorrida em 30 de outubro de 1975. A curadoria, da Lentes Malungas, coletivo de pesquisa, documentação e produção audiovisual, é fundamentada em uma ampla pesquisa que inclui: relatos, acervo iconográfico e escuta de frequentadores, funcionários e artistas participantes dessa história. A proposta coloca em diálogo 10 vídeos-depoimentos e uma mostra dos acervos fotográficos e gráficos do Sesc São Paulo. O percurso é materializado em cinco ilhas, estruturadas por vídeos-depoimentos que narram a diversidade de modos de lembrar, viver e ocupar o Sesc Interlagos ao longo do tempo.

A Mitre Galeria apresenta a primeira exposição individual de Pedro Neves em seus espaços em São Paulo. Com texto curatorial de Nathalia Grilo, em Zuilla – Bandeiras Verdes o artista maranhense traça um mapa de vestígios e memórias ao seguir os rastros migratórios de sua família, revisitando narrativas e territórios que se estendem entre o sertão nordestino e outras geografias simbólicas. Nessa travessia, o artista busca mundos onde o Encantamento se manifesta como força viva e princípio de transformação. Entrelaçando referências ao catolicismo popular, às tradições afro-atlânticas e aos saberes indígenas, Neves propõe o que chama de uma “ética Encante”, uma tecnologia de resistência e cuidado que emerge do encontro entre espiritualidade, corpo e território.

Em 25 de outubro, Elena Damiani inaugura As formas interiores na Almeida & Dale, sua primeira individual no Brasil. A exposição investiga a passagem do tempo e as transformações na paisagem a partir do encontro sinérgico entre materiais de naturezas calcária e industrial, apresentando obras inéditas de séries expostas recentemente em Estocolmo, Nova York, Cidade do México, Lima, Buenos Aires e Japão.Damiani compreende geologia não como mera ciência de medição, mas como uma linguagem das formas. Cada rocha, sedimento ou mineral carrega sua própria lógica de organização, que pode ser lida como sinais de como a natureza se estrutura.

À sombra do pó das estrelas é a primeira exposição individual de Amilcar de Castro na Almeida & Dale. Sob curadoria de Cristiano Raimondi, a mostra apresenta uma seleção de obras do artista mineiro falecido em 2002, um dos pilares da escultura contemporânea brasileira.Reconhecido como um dos principais expoentes do concretismo, Amilcar de Castro revolucionou a arte tridimensional brasileira, empregando operações de corte e dobra sobre chapas metálicas. A partir desses movimentos aparentemente simples, suas esculturas adquirem formas diversas, apontando para a complexidade que resulta de um pensamento sintético.

Material Affinities and Tropical Dreams, apresenta um conjunto inédito no país ao reunir artistas de ascendência sul-asiática sob curadoria de Mario D’Souza, diretor de programação e exposições na Kochi Biennale Foundation, Índia.Com obras de Anwar Jalal Shemza (1928, Índia-1985, Inglaterra), Ayesha Sultana (1984, Bangladesh), Balraj Khanna (1940, Índia-2024, Inglaterra) e Lubna Chowdhary (1964, Tanzânia), a exposição reflete sobre as afinidades que emergem a partir da experiência pós-colonial —que mobiliza vertentes do modernismo e de tradições locais— entre o Sul da Ásia e o Brasil.

Carlos Garaicoa inaugura Double Exposure. A mostra, composta por trabalhos que transitam entre pintura, escultura e instalação, aborda temas centrais na produção do artista: a arquitetura, a matemática, a geometria e o tecido social das cidades. Entre eles, está um novo grupo de trabalhos em que imagens fotográficas passam por intervenções com tinta óleo e materiais diversos para criar cenas nas quais formas orgânicas irrompem da paisagem urbana. Já nas obras da série π=3,1416, Garaicoa retoma, de certo modo, sua origem como pintor, com peças que recaem no limiar da bi e tridimensionalidade, enquanto examinam a geometria e dialogam com vertentes do construtivismo e concretismo. Outro destaque, Toda utopia passa pela barriga, é uma instalação concebida entre 2008 e 2024, que toca em temas como isolamento e alimentação — em sua dimensão histórica na formação das sociedades e diante dos atuais conflitos que levam à escassez e à fome.

A 36ª Bienal de São Paulo apresenta uma edição conduzida pelo curador geral Prof. Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung com sua equipe de cocuradores composta por Alya Sebti, Anna Roberta Goetz e Thiago de Paula Souza, além da cocuradora at large Keyna Eleison e da consultora de comunicação e estratégia Henriette Gallus. A mostra se inspira no poema enigmático da poeta afro-brasileira Conceição Evaristo, “Da calma e do silêncio”.A proposta central dessa Bienal é repensar a humanidade como verbo, uma prática viva, em um mundo que exige reimaginar as relações, as assimetrias e a escuta como bases de convivência a partir de três fragmentos/eixos curatoriais. A metáfora do estuário – local onde diferentes correntes de água se encontram e criam um espaço de coexistência – guia o projeto curatorial, inspirado nas filosofias, paisagens e mitologias brasileiras. Tal conceito reflete a multiplicidade de encontros que marcaram a história do Brasil e propõe que a humanidade se una e se transforme por meio de uma escuta atenta e da negociação entre seres e mundos distintos.A exposição vem acompanhada, ainda, de uma mudança histórica na organização do evento, que tradicionalmente é realizado de setembro a dezembro. A mostra se estenderá por quatro semanas adicionais, sendo apresentada gratuitamente ao público entre setembro de 2025 e janeiro de 2026.

A exposição “Rendando Histórias” é uma celebração da trajetória dos quase 20 anos do coletivo Rendeiras da Aldeia, grupo de mães e mulheres de Carapicuíba (SP) que, desde 2006, se encontram para exercitar, produzir, preservar e difundir as tradições de um ofício que trouxeram das suas regiões de origem, em especial os estados nordestinos de Pernambuco e Paraíba: a Renda Renascença.As Rendeiras da Aldeia celebram essa trajetória por meio de obras que unem o fazer manual à expressão cultural da comunidade. A mostra apresenta dois eixos principais: o trabalho coletivo das mulheres e a relação com a festa do Cavalo-Marinho, trazida por migrantes pernambucanos e incorporada em Carapicuíba como o “Boizinho da Aldeia”. Essa celebração inspira a criação de máscaras de renda que representam personagens da cultura popular, como Mestre Ambrósio, Empata-Samba e Catirina.

A CAIXA Cultural São Paulo apresenta a exposição “Loli World” com 25 obras imersivas e sensoriais do artista urbano Michael Devis, que mistura arte urbana com experiências lúdicas e interativas. Inspirado por suas vivências nas ruas e viagens pelo mundo, Devis cria um universo mágico com personagens como As Lolitas, capivaras rainhas, teclados gigantes, sons, luzes e colagens. A proposta é estimular o imaginário e os sentidos do público, indo além do visual.As obras refletem a brasilidade por meio de cores vibrantes, ícones culturais e sonoridades regionais. A exposição promove inclusão, com experiências personalizadas para pessoas com deficiência e em situação de vulnerabilidade. A curadoria destaca o caráter multissensorial da mostra, que convida o público a tocar, ouvir e até cheirar os elementos das obras, transformando a observação em uma jornada interativa e poética.

Após quase quinze anos sem realizar exposições individuais em São Paulo, o artista Antonio Manuel retorna à Galeria Raquel Arnaud, com curadoria de Tiago Mesquita, para apresentar a mostra “Corte Circuito”, que reúne 33 obras inéditas, entre elas, uma série feita com grades e novos trabalhos Incontornáveis. O conjunto marca uma nova fase em sua produção, de intensa experimentação poética, e reafirma a vitalidade de uma trajetória que atravessa mais de cinco décadas de arte contemporânea brasileira.

A exposição PLAY – FITE - Bienal Têxtil de Clermont-Ferrand edição 2024-2025 convida o público para desvendar as tramas de um instigante conjunto de obras e criações que propõe um diálogo entre as técnicas da produção têxtil e o universo lúdico dos jogos e das brincadeiras. A exposição chega ao Brasil após estreia, em 2024, no Museu Bargoin, em Clermont-Ferrand, na França, integrando a mais recente edição da FITE – Bienal Têxtil de Clermont-Ferrand, evento realizado desde 2012 com o objetivo de celebrar o inesperado e o extraordinário na criação têxtil e sua cadeia produtiva, promovendo encontros entre tradições, saberes e inovações. A realização da mostra no Brasil é resultado de uma parceria entre o Sesc São Paulo, a cidade de Clermont-Ferrand, na França, e a produtora HS_Projects, e integra a programação da Temporada França-Brasil 2025, iniciativa bilateral que celebra o intercâmbio cultural, o diálogo social e a cooperação entre os dois países.

A performance precede um álbum de mesmo título que ainda será lançado pela artista. Seu intuito é revisitar e homenagear a obra de Zeca Pagodinho, nascido Jessé Gomes Filho. Profunda conhecedora da obra do grande bamba, Teresa reverencia a carreira de um dos maiores nomes da música brasileira com um repertório que mistura sucessos e pérolas não tão conhecidas pelo público.

“Anísio O Couto” apresenta uma seleção potente de obras que transitam entre o gesto e o sagrado, entre o improviso e o rigor. A mostra inclui uma nova série inédita criada especialmente para 2025, além de trabalhos que marcaram sua passagem pelo Tropigalpão.A montagem busca criar um espaço imersivo, que convida o público a entrar no universo do artista — um portal simbólico, ou, como define Denise Milfont, “a porta do céu”.

A exposição Leo Battistelli: água viva, que conta com texto crítico de Leonel Kaz, reúne cerca de 29 obras, incluindo inéditas, que exploram a profunda conexão entre o homem e a natureza por meio da luz, da matéria e da espiritualidade.Coincidindo com a realização da COP, a exposição reforça a urgência das discussões ambientais contemporâneas ao propor um olhar poético e científico sobre o planeta. Para o artista, “nós todos somos líquens” — seres biológica e planetariamente feitos da mesma estrutura da Terra.

A Galeria Marcelo Guarnieri apresenta a primeira parte da série de exposições “Galeria: 40 anos”.Esta primeira parte da exposição apresenta um recorte que se inicia em 1912, com pinturas de Eliseu Visconti, e se expande até o ano de 1966, com uma obra de Wesley Duke Lee. Esta última funciona como um marco histórico, mas não cronológico, já que a mostra inclui obras produzidas posteriormente a essa data.As obras presentes na mostra pertencem à coleção da galeria, aos artistas atualmente representados por ela ou àqueles que participaram de exposições ao longo dessas quatro décadas de atividade. Parte dessas obras retorna agora ao espaço expositivo da galeria após anos integrando coleções privadas.Agradecemos aos artistas, colecionadores, colaboradores, amigos e a todo o circuito de arte por esses anos de convivência, troca e construção conjunta.

A irmandade Vilanismo inaugura a mostra Guarda-Corpo realizada paralelamente à participação do coletivo na 36ª Bienal de São Paulo e é acompanhada de texto crítico da professora, historiadora africanista e curadora Vanicleia Silva-Santos.Guarda-Corpo propõe uma reflexão crítica sobre as formas de proteção, cuidado e vigilância que marcam os corpos negros favelizados nas cidades.

A 16ª edição da exposição CONTEMPORÂNEO traz uma proposta ousada e necessária: apresentar obras que têm o feminino como eixo central, abordando questões urgentes como feminicídio, exploração da força de trabalho das mulheres nas dinâmicas globais e reflexões que atravessam corpo, cotidiano e identidade feminina. A exposição vai reunir 25 obras que promovem diálogos sobre arte, cultura e pluralidade, assinadas por nomes consagrados da cena contemporânea internacional.Com curadoria de Zeca Medeiros e Otavio Avancini, a mostra valoriza a diversidade ao reunir artistas de diferentes etnias, gêneros e nacionalidades.

A mostra coletiva reúne obras de 25 mulheres artistas do Brasil, da França e de países do continente africano e da diáspora africana.Com curadoria de Odile Burluraux, do Museu de Arte Moderna de Paris, Suzana Sousa, curadora independente angolana, e de Aline Albuquerque, artista visual e curadora com atuação em Fortaleza (CE), a exposição se baseia em valores de autorrepresentação, resistência, memória e invenção de mundos, dando sequência à mostra apresentada no Musée d'Art Moderne de Paris dentro da Temporada África 2020, agora com a inserção de obras de artistas residentes no Brasil.A exposição reúne trabalhos de Aléxia Ferreira, Aline Motta, Ana Pi, Ana Silva, Buhlebezwe Siwani, Castiel Vitorino Brasileiro, Dhiovana Barroso, Eliana Amorim, Fabiana Ex-Souza, Gabrielle Goliath, Gê Viana, Grace Ndiritu, Kapwani Kiwanga, Jasi Pereira, Lebohang Kganye, Lerato Shadi, Lidia Lisbôa, Lucimélia Romão, Pedra Silva, Reinata Sadimba, Senzeni Marasela, soupixo, Stacey Gillian Abe, Terroristas del Amor e Wura-Natasha Ogunji.

A artista canadense, que possui uma relação especial com o nosso país, iniciou sua carreira no início de 2014 com os singles "Catch" e "Prime" e, na última década, consolidou-se como uma das artistas, produtoras e compositoras mais intensas, perspicazes e inovadoras da música, tendo colaborado e composto sucessos com nomes como Troye Sivan, Mitski, BTS e muitos outros. Agora, com o seu último lançamento, "Girl With No Face", Allie X continua a demonstrar uma paleta visual e sonora ousada e marcante, além de um domínio de estilo que parece anos-luz à frente de seus concorrentes. Seu show em São Paulo em 2026, onde irá apresentar o disco pela primeira vez (junto de todos os seus sucessos), marca um reencontro muito aguardado pelos seus fãs após longos 7 anos.

A Fortes D’Aloia & Gabriel apresenta Vagarosa Luminescência Voadora, nova exposição de Luiz Zerbini em São Paulo. Neste corpo de trabalho, a imagem de cupinzeiros do cerrado brasileiro, com larvas em estado de bioluminescência, desencadeia uma nova investigação sobre cor, luz e ritmo, a partir dos fenômenos do mundo natural.No espaço expositivo, uma grande instalação de esculturas dialoga com pinturas de larga escala, configurando um ambiente onde rastros da presença humana coexistem com a reprodução e transformação da própria imagem da natureza. Nesse meio interconectado e de atmosfera hipnótica, superfícies e volumes se tornam portais para uma percepção expandida. As propriedades pictóricas e esculturais se deslocam de uma obra a outra, instaurando um sistema de trocas visuais. O cupinzeiro, por sua vez, surge ora na pintura, ora como corpo escultórico de textura lisérgica.

A 11ª edição do CarnaUOL chega repleta de novidades. O Carnaval mais pop do universo desembarca no Allianz Parque, em São Paulo, com um line-up diverso que reúne grandes nomes nacionais e uma atração internacional de peso. Pabllo Vittar será a headliner nacional deste ano e o evento ainda terá a superestrela global Kesha em sua aguardada volta aos palcos brasileiros. O CarnaUOL também conta com shows de João Gomes, Marina Sena, Dilsinho, Dubdogz, Deekapz, Charanga do França e Cores de Aidê.

A Gentil Carioca São Paulo apresenta a vídeo-instalação “OJARDIM” (Trilogia das Plantas 2) do artista visual indígena Denilson Baniwa, com o cineasta Felipe M. Bragança na Travessa Dona Paula, em Higienópolis, em São Paulo. A vídeo-instalação se organiza em torno de uma escultura de madeira e 3 monitores de vídeo simultâneos: *A voz do filósofo (Coccia) + *Ritual de corpos-plantas” + *Natureza morta-viva"", e seguirá em exposição pública, gratuitamente. A mostra reúne artistas cujas trajetórias apresentam a similaridade do autodidatismo. Dentre símbolos afro-indígenas, escobros da cidade e pinturas, eles têm em comum pontos de partida em muros da cidade, ou no trabalho de montagem de exposições, restauro de obras de arte, ou na arte-educação.

Canção sublime, notas para o infinito, com curadoria de Ariana Nuala, propõe uma reflexão sobre a canção como forma de conhecimento, experiência espiritual e gesto político. Com cerca de 30 obras, a mostra parte da noção de “canção como imagem de acesso”, um portal para compreender o mundo em sua dimensão implicada, ativa e emaranhada, conforme define a curadora. A mostra estabelece pontos de reconexão com tradições e conhecimentos ancestrais. Nessa retomada, as práticas se tornam experiências ativas de aprendizado e liberdade, contrapondo-se à tendência contemporânea de reduzir a vida à sua dimensão utilitária.

A individual Men in Love, de Douglas de Souza (Blumenau, 1984), com curadoria de Domenico de Chirico, reúne 12 pinturas inéditas a óleo que evidenciam as tensões entre força e fragilidade, masculino e feminino, superfície e interioridade, com cores vibrantes e um imaginário que combina esplendor e fissura. O título da exposição, inspirado na canção homônima da banda norte-americana Gossip, investiga as complexidades das relações afetivas entre homens e estabelece a atmosfera poética que percorre o conjunto e a narrativa em torno do desejo, identidade, pertencimento e a representação.

A 11ª edição do CarnaUOL chega repleta de novidades. No dia 24 de janeiro, o Carnaval mais pop do universo desembarca no Allianz Parque, em São Paulo, com um line-up diverso que reúne grandes nomes nacionais e uma atração internacional de peso. Pabllo Vittar será a headliner nacional deste ano e o evento ainda terá a superestrela global Kesha em sua aguardada volta aos palcos brasileiros. O CarnaUOL também conta com shows de João Gomes, Marina Sena, Dilsinho, Dubdogz, Deekapz, Charanga do França e Cores de Aidê.

A WG galeria inaugura a exposição “Uma mulher sempre sorrindo”. A mostra convida o público a refletir a multiplicidade da experiência feminina e a importância da presença das mulheres na construção da sociedade, através das obras de duas artistas distintas, Carol Ambrósio e Elvira Freitas Lira. Nesta cena, criada em conjunto pela curadora Paula Borghi e os arquitetos - sócios da galeria - Mariana Weigand e André Weigand, as artistas dialogam por meio da plasticidade de assemblages, objetos de parede, jóias falsas, pedras brutas, pinturas e tapetes; e pela poética que transita pelos territórios do dramático, do cômico, do ousado e do absurdo. A mostra evidencia essa necessidade contínua de combater desigualdades e violências estruturais que atravessam as vivências do feminino, e reforça a posição política dos sócios que primam pela apresentação de trabalhos de artistas mulheres ao mercado, impactando diretamente a vida de todas elas e seus descendentes.

Desejo negativo é uma exposição coletiva que investiga a teoria queer para traçar uma crítica às lógicas da reprodutibilidade – entendida aqui não apenas como processo biológico de repetição, mas como princípio normativo que sustenta o mundo hegemônico, colonial, estabelecido.Ao lado de Hudinilson Jr., a exposição reúne duas artistas de gerações distintas da sua, cujos trabalhos se entrelaçam na mesma inquietação com o mundo e sua reprodução compulsória. Bruna Kury, artista carioca, transita por colaborações e coletividades, como o coletivo Coiote. Sua obra tensiona os regimes de autoria e de poder, criando alianças com corpos em dissidência. Zines, frases contestatórias e gestos táticos compõem um repertório de insurgência que faz da reprodutibilidade um campo de disputa estética e política. Tetê, artista paraense, opera entre a poesia visual e a fotografia. A curadoria de Jota Mombaça imagina-se como um ensaio visual sobre os limites do presente e as possibilidades de sua dissolução.

A exposição propõe um museu em movimento dedicado ao pensamento do poeta, filósofo e ensaísta martinicano Édouard Glissant (1928–2011). A mostra, com curadoria de Paulo Miyada e Ana Roman, integra a Temporada França-Brasil 2025 como um de seus principais destaques.É nesse horizonte que se apresenta, pela primeira vez no Brasil, parte da coleção pessoal reunida por Glissant e atualmente preservada no Mémorial ACTe, em Guadalupe. À coleção de obras somam-se documentos, cadernos, vídeos e fragmentos de textos e entrevistas de Glissant e um diálogo com trabalhos de mais de 30 artistas contemporâneos das Américas, Caribe, África, Europa e Ásia

O MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand apresenta a Sala de Vídeo: Maya Watanabe. Com curadoria de Glaucea Helena de Britto, curadora assistente, MASP, a mostra exibe a videoinstalação Bullet (2021) da artista peruana Maya Watanabe (Lima, 1983). Inédita no Brasil, a obra se debruça sobre os restos mortais de uma vítima não identificada de conflitos internos armados que assolaram o Peru entre 1980 e 2000, período violento no qual quase 70 mil pessoas morreram e que deixou marcas profundas na história do país.A mostra reflete sobre a ecologia não apenas como tema ambiental, mas como um campo que envolve relações de poder, desigualdades, violência de Estado e memória histórica, mostrando como paisagens, corpos e territórios são marcados por conflitos que ultrapassam gerações.

O artista multimídia Alexandre Orion e o Instituto Ar apresentam a mostra inédita AR-TE no Centro Cultural São Paulo (CCSP), entre os dias 18 de novembro e 25 de janeiro. O projeto contempla uma exposição com dez obras e um minidocumentário assinado pela produtora Big Bonsai, que transformam poluição em arte e denúncia. Reconhecido por utilizar a própria sujeira das cidades como matéria-prima de forma pioneira no universo artístico, Orion propõe uma reflexão contundente sobre as emissões atmosféricas e seus impactos na vida humana e no futuro do planeta. A mostra apresenta também uma versão tátil integral da exposição, na Biblioteca Louis Braille, no CCSP.

Limiar é a primeira exposição individual de Tarik Kiswanson em São Paulo. A instalação, originalmente concebida para a Sala de Vidro do MAM São Paulo, foi adaptada para ocupar uma sala inteira do Instituto Tomie Ohtake, criando uma intervenção arquitetônica que altera a percepção do espaço.Na obra, o artista reúne três elementos em suspensão: uma cadeira da fábrica Móveis Cimo, utilizada em repartições de imigração brasileiras na década de 1950; um cadeiralde igreja católica belga do século XIX, testemunho da circulação colonial de objetos sacros; e Cradle (Berço), uma escultura branca em formato de casulo que sugere origem, ausência e potência de futuro. Unidos na sala expositiva, esses elementos criam umespaço sensível que convida à reflexão sobre identidade, exílio e pertencimento.

Com curadoria de Tomoe Moriyama, a mostra que vem para para celebrar os 130 anos do Tratado de Amizade Brasil-Japão, destaca a produção de jovens artistas japoneses, que integraram duas exposições exibidas no Museu de Arte Contemporânea de Tóquio.O termo “antípodas” designa lugares e pessoas situados em lados opostos da Terra, mas também sugere encontros e conexões possíveis, mesmo a longas distâncias, em que afastamento e proximidade revelam o que há de comum entre culturas aparentemente distantes: Brasil e Japão, São Paulo e Tóquio.

A galeria é um espaço de estudo e formação resultante de uma parceria entre a Terra Foundation for American Art e o MAC USP, para que um conjunto da coleção da fundação viesse a São Paulo. São 36 obras selecionadas em diálogo com a pesquisa e as disciplinas de graduação e pós-graduação do MAC USP e sua atuação no Programa Interunidades em Estética e História da Arte (PGEHA USP), a linha de pesquisa em História da Arte e da Cultura do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas da Unicamp, e o Departamento de História da Arte da Unifesp. Além disso, nos próximos dois anos, elas também permitirão criar pontes de interpretação com obras do acervo do MAC USP.A Terra Collection for American Art é uma associação sem fins lucrativos, com sede em Chicago, nos Estados Unidos que, desde os anos 1980, coleciona obras de arte do país e fomenta a pesquisa sobre sua arte. Através de seu Programa Collection- in-Residence, o MAC USP se insere em uma rede de 12 museus universitários internacionais de arte em uma visada crítica sobre a história da arte dos Estados Unidos e suas possíveis articulações com outros países. No caso do Brasil e da proposta feita pelo MAC USP, a seleção de obras partiu das questões já colocadas em outras parcerias da instituição estadunidense com o país.

O projeto Segue o Baile tem como objetivos levar música, lazer e entretenimento, para idosos acima de 60 anos, seus familiares e acompanhantes na Comedoria do Sesc Pompeia. As atividades são gratuitas e abertas ao público em geral.

A DAN Galeria apresenta, O Brasil dos modernistas, com curadoria de Maria Alice Milliet. Reunindo cerca de 50 obras de emblemáticas de nomes fundamentais como Tarsila do Amaral, Di Cavalcanti, Cícero Dias, Victor Brecheret, Cândido Portinari, Guignard, Alfredo Volpi, Anita Malfatti e outros, a coletiva traça um panorama da arte moderna no país e destaca o papel do movimento que, a partir da década de 1920, redefiniu a linguagem artística nacional e acrescentou ao imaginário coletivo visões atualizadas do imaginário popular brasileiro.O percurso curatorial retrata como os primeiros modernistas, em busca de formação e reconhecimento, voltaram-se aos grandes centros artísticos da Europa. Foi a partir dessa experiência que muitos passaram a perceber a força e a originalidade da diversidade cultural brasileira para construção de suas próprias identidades artísticas. A coletiva reforça o papel dessa geração de artistas na construção de uma identidade visual e reafirma a atualidade de seu legado na formação do que se entende por brasilidade.

A Aura inaugura a exposição “Entre terra e memória”, primeira individual do artista Leandro Júnior na galeria. Com texto crítico do curador ganense-americano Larry Ossei-Mensah, a mostra apresenta um panorama abrangente da pesquisa pictórica do artista mineiro, reunindo séries marcantes como Viúvas de Maridos Vivos, Vale e Lágrimas, além de obras inéditas e uma escultura.Natural da Chapada do Norte (MG), Leandro traz para São Paulo a força e a poética do Vale do Jequitinhonha, onde sua prática se enraíza, tanto na escolha dos materiais, como o barro extraído das encostas, quanto nas histórias e experiências que inspiram seu trabalho.

BRAZA é formado por Danilo Cutrim (guitarra e voz), Nícolas Christ (bateria), Pedro Lobo (baixo e voz) e Vitor Isensee (teclado e voz). Sua sonoridade única mistura reggae, soul, rap, beats de funk e hip hop, riffs de rock e influências da música brasileira, criando um universo próprio. BRAZA retorna em 2025 com o lançamento do novo álbum: Baile Cítrico Utrópico Solar.

A Pinacoteca apresenta a instalação Dominique Gonzalez-Foerster: Meteorium, no Octógono do edifício Pina Luz. A estrutura foi concebida especialmente para o espaço central do museu, projetando um panorama tridimensional dividido em oito câmaras, com paredes e pisos pintados em referência a elementos da natureza. Com curadoria de Jochen Volz, a artista convida o público a entrar na instalação e reimaginar o entrelaçamento com o meio ambiente.Dominique Gonzalez-Foerster dedica sua prática artística a projetos experimentais, partindo de uma investigação contínua sobre as formas como habitamos o tempo, o espaço e a memória.

Exposição panorâmica da obra de Flávio Império. A mostra reúne quase 300 obras, abrangendo a produção do artista entre os anos 1960 e 1985, e tem curadoria assinada por Yuri Quevedo, curador do museu e pesquisador da obra de Flávio Império (1935–1985) há 16 anos. Flávio Império foi um artista brasileiro em que a atuação transdisciplinar marcou profundamente a cena cultural do Brasil nas décadas de 1960 e 1970. Sua importância se dá não apenas pela multiplicidade de linguagens que dominava (como pintura, arquitetura, cenografia, teatro, design gráfico e do ativismo político), mas também pela maneira como ele as articulava em uma prática artística crítica, engajada e transformadora. Império trabalhou com uma diversidade de materiais, produzindo serigrafias, pinturas, colagens, fotografia e documentários em super-8. A exposição propõe ao público uma imersão em diferentes momentos e manifestações da produção do artista, ressaltando a coerência e a liberdade que orientam sua prática tão diversa. Entre os destaques estão o projeto de figurino "fogo”, desenvolvido especialmente para a cantora Maria Bethânia para a peça Rosa do Ventos (1971), além dos estudos para capa do disco Doces Bárbaros (1976), que poderão ser vistos na segunda sala da mostra. Uma maquete descreve o projeto que o artista fez para o show Pássaro da Manhã (1977) de Maria Bethânia. Em um momento em que a ditadura militar começa a enfraquecer e surgem os movimentos de abertura, Império concebe um cenário em que a cantora surge de uma noite escura no fundo e vai gradualmente se aproximando da plateia ladeada por tecidos que representam a alvorada. No show Bethânia canta lembrando os amigos que foram exilados.

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A exposição temporária no Museu Catavento propõe às crianças uma viagem ao mundo dos astronautas. O destaque da mostra é o traje de treinamento original de Charles Duke, 10ª pessoa a pisar na Lua, na missão Apollo 16. O astronauta também compôs a equipe da missão Apollo 11, a primeira viagem espacial a chegar na Lua. Ele foi o responsável pelo contato por rádio com Neil Armstrong nesta histórica missão. Cedido pela NASA e pelo Museu Cosmosphere (Kansas, EUA), o equipamento chega de forma inédita ao Brasil para a exposição.

O Instituto Capobianco estreia o espetáculo inédito “A PALMA”. Escrita a quatro mãos a partir do argumento proposto por Mariano Mattos Martins, ator e produtor que lança sua primeira direção no teatro, Claudia Barral e Marcos Barbosa (indicado ao Prêmio Jabuti 2025) propõem ao público uma viagem vertiginosa, pontuada por momentos de êxtase e desilusões, ao ofício do ator. Vânia Souto (interpretada por Gilda Nomacce) sofre por não atingir o estrelato e, após um grave episódio de violência, recebe a visita dos amigos Marta Mourano e Sérgio Capanema (Verónica Valentino e Donizeti Mazonas respectivamente) para se livrar de uma situação delicada que envolve sua reputação.Misturando comicidade a momentos de extrema tristeza e desolação, os personagens passeiam por diferentes universos, espaços e situações que nascem do mesmo lugar: o apartamento de Vânia.

Um dos maiores sucessos da recente temporada teatral no Brasil e em Portugal, a peça “Dois de Nós”, volta em cartaz em São Paulo. A peça reúne um dos casais mais icônicos da televisão e do cinema brasileiros, Antonio Fagundes e Christiane Torloni, que se encontram pela primeira vez no teatro, ao lado dos atores Thiago Fragoso e Alexandra Martins. O texto inédito é de Gustavo Pinheiro, sob direção de José Possi Neto. A peça celebra a amizade e a parceria profissional de Fagundes e Torloni, que completa 45 anos. Na comédia “Dois de Nós”, dois casais de gerações diferentes, se encontram num quarto de hotel. Segredos e mentiras começam a ser revelados trazendo à tona um divertido turbilhão de sentimentos, com muita emoção e desafios, que mudarão a vida deles para sempre.

Ser feliz o tempo todo, todos os dias, também há de ter seu preço e seus conflitos. É o que pretende mostrar a protagonista vivida por Martha Nowill na peça Felicidade, escrita por Caco Galhardo e dirigida por Dani Angelotti. Na direção musical e também no palco, o espetáculo conta ainda com a participação do cantor e compositor Zeca Baleiro, dos atores Eduardo Estrela, Luisa Micheletti, Nilton Bicudo e Willians Mezzacapa e da percussionista Layla Silva. Com cara de quadrinhos e ambiente de show musical, o espetáculo narra a inesperada virada na vida de uma jornalista e influenciadora de sucesso, que sem nenhuma razão aparente acorda com uma felicidade radiante e inexplicável. O que poderia ser apenas um bom dia se transforma em uma desconhecida forma de existir, já que essa alegria simplesmente não vai embora. Agora, ela precisa aprender a lidar com sua nova personalidade transformada. Mas será que o mundo ao seu redor está preparado para conviver com tanta felicidade?

No Japão, a água é compreendida como fonte de vida e nutrição essencial para a natureza, mas é também indispensável para a formação da sociedade e da espiritualidade do país. Na exposição “Fluxos – o Japão e a água” o elemento é apresentado a partir de diferentes perspectivas: seu desenvolvimento junto com a economia e infraestrutura das cidades e do meio ambiente; seus avanços tecnológicos e aprimoramento de sua qualidade e abastecimento; sua importância para a espiritualidade e tradições japonesas; sua influência por meio da arte. Com curadoria de Natasha Barzaghi Geenen, também Diretora Cultural da instituição, a exposição traz o movimento centrífugo das águas para a expografia, que convida o público a explorar um ambiente de formas arredondadas com texturas e iluminação que parecem deixar o segundo andar da JHSP submerso.

“O que nos une” tem como ponto de partida a teoria Brain Net, criada pelo médico e neurocientista brasileiro Miguel Nicolelis, professor emérito da Duke University (EUA). Cérebros humanos podem sincronizar suas atividades elétricas e formar redes de cérebros que permitem a organização de grupos sociais coesos, que operam conjuntamente e trabalham de forma cooperativa para resolver tarefas cognitivas complexas ou para compartilhar ideias, sons, palavras e sentimentos, numa interface cérebro-cérebro, como define o autor.Ao unir ciência, tecnologia e arte contemporânea, a exposição materializa esse conceito por meio de três instalações artísticas interativas, criadas especialmente para a mostra pelo Aya Studio. A exposição propõem um debate sobre os efeitos das novas tecnologias no comportamento humano e na consciência coletiva.

O monólogo de Gregório Duvivier volta a São Paulo para dois dias de apresentações. A peça é uma comédia sobre a presença quase invisível da poesia no cotidiano. Quem tem medo de poesia? Gregório Duvivier não faz parte deste grupo e, como um apaixonado, faz de tudo para persuadir os outros das qualidades do seu objeto de encanto – até mesmo criar um espetáculo sobre o assunto. No monólogo cômico “O Céu da Língua”, o artista usa o seu discurso para convencer o público de que tropeçamos diariamente na poesia e o assunto é prazeroso e divertido.

Tema do ciclo curatorial de 2025, Histórias da ecologia será uma coletiva internacional que ocupará cinco andares do edifício Pietro Maria Bardi, novo espaço do MASP. Em um contexto marcado pela intensificação de crises climáticas, políticas, territoriais e sociais, Histórias da ecologia investiga como artistas, coletivos e ativistas de diversas partes do mundo respondem ao tempo presente e compreendem as relações entre os seres vivos, suas criações e o meio em que vivem. O termo “ecologia” foi escolhido em detrimento do termo “natureza”, compreendendo o humano como parte de um ecossistema complexo e não separado ou hierarquicamente superior a ele. A exposição parte do entendimento de que a ecologia é um sistema de relações. Organizada em cinco núcleos, a mostra abordará as diferentes ideias de tempo como um elemento organizador da vida; bem como os efeitos dos deslocamentos forçados e dos processos migratórios causados tanto por modelos extrativistas de produção quanto por efeitos das mudanças climáticas.

A Pinacoteca de São Paulo inaugura a exposição Beatriz González: a imagem em trânsito, nas sete salas do edifício Pinacoteca Luz. Com curadoria de Pollyana Quintella e Natalia Gutiérrez, a mostra revisita os mais de 60 anos de carreira da artista, conhecida pelos trabalhos que tecem críticas à história de violência em seu país e reinterpretam obras da História da Arte ocidental. São mais de 100 trabalhos produzidos desde a década de 1960, incluindo peças fundamentais como Decoración de interiores (1981) e Los suicidas del Sisga II y III (1965).

Abel Rodríguez (Cahuinarí, Colômbia, 1944) nasceu às margens do Rio Cahuinarí, na Amazônia colombiana, e seu nome indígena é Mogaji Guihu, sendo originário das comunidades Nonuya e Muinane. Foi treinado desde a infância para ser um sabedor, isto é, um depositário dos conhecimentos sobre as espécies botânicas da floresta, seus usos práticos e simbólicos. Nos anos 1990, fugindo dos conflitos armados em sua região natal, mudou-se para Bogotá, onde, em contato com a ONG holandesa Tropenbos, foi incentivado a desenhar para registrar e compartilhar suas memórias. Ao contrário da tradição do desenho botânico ocidental, que isola os elementos representados, os desenhos de Rodríguez em grafite e aquarela mostram ciclos, interações entre diversas espécies e a ação do tempo na floresta. Feitos a partir de memórias, têm inscrições em espanhol e Nonuya, descrevem os sabores das frutas, os usos medicinais das plantas e quais animais se alimentam delas. A “árvore da vida” é outro tema recorrente em sua produção e narra o principal mito de origem dos Nonuya.

Esta é a primeira exposição individual da artista Clarissa Tossin (Porto Alegre, 1973) em uma instituição de arte no Brasil. A mostra abrange peças de 2008 até o presente, incluindo instalações, esculturas, tecelagens, imagens em movimento e um conjunto de novas obras encomendadas pelo MASP especificamente para esta mostra. A artista gaúcha radicada em Los Angeles aborda em seu trabalho questões relacionadas ao aquecimento global a partir de diversos materiais, em geral, resíduos industriais da sociedade de consumo, como plástico reciclado, látex derivado do extrativismo na Amazônia e caixas de entrega da loja online Amazon, entre outros. Na obra de Tossin, réplicas de objetos descartados e partes do corpo humano e de plantas aparecem como fósseis, traços de um tempo e lugar perdidos que ecoam na forma de sedimentos arqueológicos.

O encontro entre fotografia e mobiliário define CorpoFala, última exposição do ano da galeria MaPaFoto, e apresenta fotografias vintage em diálogo com o mobiliário de Ricardo van Steen.Fotografias vintage de diferentes décadas e procedências: os nus monumentais de Helmut Newton, as cenas coreografadas por Vânia Toledo, os rituais de Orlando Brito, as composições surrealistas de Francisco Aszman, os registros anônimos dos anos 1950–70 e as manipulações tramadas de Juvenal Pereira. Nesse encontro, surge algo que ultrapassa a mera soma das partes. A fotografia, quando olhada ao lado de um móvel que solicita o corpo, deixa de ser objeto para se tornar acontecimento. E o móvel, ao ser acionado pelo visitante que acabou de atravessar a experiência do olhar fotográfico, também fala — não com palavras, mas com o modo como faz o corpo existir no espaço.

A turnê Ma Vie World Tour, promovida pela Live Nation, acompanha o aguardado quinto álbum de estúdio de Doja Cat, Vie, lançado em 26 de setembro de 2025 pela Kemosabe Records / RCA Records.

Dezessete anos após sua última visita, o My Chemical Romance retorna ao Brasil em 2026 durante uma turnê pela América do Sul com abertura do The Hives. O impacto do My Chemical Romance continua a ressoar através de gerações e esta influência não mostra sinais de diminuição. Exemplo disto é a série de sold-outs da turnê de 2025, Long Live: The Black Parade, que começa em julho.