O concerto do Quarteto de Cordas da Cidade, com participação especial do pianista Nelson Ayres, apresenta uma programação que transita entre a música brasileira e internacional, unindo composições autorais de Ayres a obras de Milton Nascimento, Tom Jobim, Villa-Lobos, Nazareth, Debussy e Piazzolla. Os arranjos de Nelson Ayres dãrão unidade e identidade própria às peças.

O samba foi criado em 2019 na região central de São Paulo com objetivo de resgatar a história do samba e através dela promover o orgulho da ancestralidade. Descendentes de negros africanos músicos e amigos de longa data.

Nyron Higor busca em seu trabalho uma musicalidade experimental e onírica que projeta a MPB do Nordeste para o cenário global. Multi-instrumentista e compositor alagoano, Nyron construiu uma carreira notável ao fundir as raízes da música nordestina e da MPB de época com toques contemporâneos de jazz, soul e eletrônica. Seu trabalho mais recente, como o álbum autointitulado (lançado pelo selo inglês Far Out Recordings), é uma visão de resiliência e triunfo, marcada por composições líricas e arranjos delicadamente construídos.

Após o lançamento do álbum Cachorro Sincero, o artista da nova geração do trap inicia um capítulo inédito na carreira com a turnê Melhor Que Ontem, mostrando maturidade artística, identidade própria e uma presença de palco cada vez mais sólida.Com um show autoral, CJOTA leva ao público uma experiência construída a partir de sua trajetória, das origens ao momento atual. No palco, o artista revisita diferentes fases da carreira, conectando hits que marcaram suas eras e apresentando faixas que apontam para o futuro do mano C.A apresentação é dividida em três atos: O Menino do Cabelo Rosa — sua introdução ao cenário, estética marcante e primeiros sucessos —; Traumas e Vícios — fase de amadurecimento, reflexões e vivências profundas —; Ato Final — capítulos inéditos, com os lançamentos de 2025 e a sonoridade atual que vem moldando sua nova fase.

Na trama, um pintor de reconhecimento internacional e seu companheiro mais jovem, juntos há 43 anos, preparam-se para viajar ao Porto, em Portugal — cidade onde se conheceram. A princípio, seria apenas mais uma das muitas viagens que o casal realizou ao redor do mundo, não fosse esse o último destino antes da decisão definitiva do pintor: recorrer ao suicídio assistido após o agravamento dos sintomas do Alzheimer. Na noite que antecede a partida, o companheiro mais jovem faz e recebe ligações de amigos próximos. Essas conversas constroem diferentes pontos de vista sobre a escolha extrema, ampliando o debate e revelando, sobretudo, a força dos vínculos afetivos. Em meio à despedida, o espetáculo destaca a importância do amor, da amizade e do respeito à decisão do outro, mesmo quando ela exige a maior das renúncias.

A peça desconstrói e reconstrói conceitos milenares da história da civilização – corpo e alma, certo e errado, traidor e traído, obediência e desobediência.Sozinha no palco, Clarice Niskier conta histórias e parábolas da tradição judaica, valendo-se somente de uma cadeira e um grande pano preto que, concebido pela figurinista Kika Lopes, transforma-se em oito diferentes vestes – mantos, vestidos, burcas. O espaço cênico concebido por Luis Martins é limpo e remete a um longo corredor em perspectiva.

A banda paranaense Jovens Ateus apresenta o show de seu álbum de estreia, intitulado "Vol. 1". O trabalho, lançado em 2025, conta com 11 faixas e apresenta uma nítida evolução na sonoridade pós punk oitentista do grupo, formado por Guto Becchi (voz), João Manoel Oliveira (guitarra), Fernando Vallim (guitarra), Bruno Deffune (baixo) e Antônio Bresolin (sintetizadores e bateria eletrônica).

Juçara Marçal e Kiko Dinucci apresentam o repertório do cantor e compositor Itamar Assumpçao ao lado de Suzana Salles, que dividiu o palco com ele nos 80, na banda Isca de Polícia. Este trabalho busca apresentar celebrar a originalidade e inventividade de Itamar Assumpção pela originalidade passando pelo universo de seu repertório.

No espetáculo Fitti Canta Ney, o cantor e compositor Fitti apresenta um show dedicado ao repertório de Ney Matogrosso, destacando a força autoral e interpretativa de um dos nomes mais emblemáticos da música brasileira. Com direção de Marcus Preto, o espetáculo propõe uma leitura contemporânea do repertório, valorizando a expressividade vocal, a presença cênica e o diálogo entre música, corpo e identidade. Fitti constrói sua interpretação a partir de uma trajetória que transita entre música, teatro e audiovisual, resultando em um trabalho sensível, potente e alinhado às discussões estéticas e culturais do presente.

Cynthia Luz apresenta Ponto Panorâmico, seu novo álbum que marca uma fase mais madura e espiritual da artista. Misturando reggae, pop, rap e R&B com frescor e leveza, o disco traz canções solares, feitas para ouvir pela manhã, na praia e em momentos de conexão com a natureza e com a família. Com arranjos orgânicos, guitarras envolventes e uma interpretação emocional, Cynthia revisita suas raízes enquanto renova sua estética musical.

O trio de música eletrônica ao vivo, vencedor do Grammy, RÜFÜS DU SOL, anuncia hoje sua maior turnê sul-americana até o momento, marcada para o início de 2026.

"Pagu – Do Outro Lado do Muro", texto de Tereza Freire, trata da vida de Patrícia Galvão materializada neste monólogo por Thais Aguiar. A peça dá voz a Pagu, militante das grandes causas da humanidade, amante da vida, inquieta, lúcida, mãe, filha, poeta, jornalista...No texto, a "personagem Pagu" apresenta sua história com a generosidade que sempre a acompanhou e relembra tudo o que viveu, desde a infância até o final de sua vida. Passa por sua relação com Tarsila do Amaral e os modernistas, fala de seus filhos, amores, amigos, da família, das viagens, das descobertas, da menina irreverente que foi e da mulher guerreira em que se transformou.

"O rio no qual se nada com os olhos" é a primeira exposição individual de Genor Sales. Ânforas, filtros de barro e hidrantes, assim como peixes e objetos relacionados à pesca, orbitam o conjunto inédito de aquarelas que tem a água como matéria central. A curadoria de Divino Sobral evidencia a obra de Sales como leitura sensível e crítica das dinâmicas que atravessam os rios, os corpos e os sistemas de vida que deles dependem.

Formado por Elis Menezes, Lan Lopes e Raíssa Spada, o grupo construiu seu primeiro álbum, "Origem" (2020), ao longo de quatro anos de ensaios, encontros e mais de 200 apresentações por todo o Brasil. Agora, neste reencontro, o Obinrin Trio apresenta um show acústico em celebração a sua essência original: apenas um violão, alguns tambores e três vozes que se entrelaçam em harmonia.

Reconhecida nacionalmente pela diversidade nas referências rítmicas e por sua veia latina como cumbia, guaracha e merengue, o surf music, e estilos do norte e nordeste brasileiros, como o carimbó, o maracatu, a ciranda e o coco, a banda olindense Academia da Berlinda apresentará um show que explora as músicas de seus últimos trabalhos e músicas do novo disco que sairá em 2026.

O show Três Moças marca o encontro de três gerações de artistas nordestinas que celebram a música, a cultura e a força feminina da região. No palco, Cátia de França, Josyara e Juliana Linhares compartilham repertórios, trajetórias e sensibilidades, revelando continuidades e reinvenções da canção nordestina no contexto da música brasileira contemporânea. Cátia de França, referência fundamental da música produzida no Nordeste desde os anos 1970, construiu uma obra singular marcada pela poesia, pelo experimentalismo e pelo diálogo entre tradição popular e invenção. Josyara representa uma geração que transita entre o cancioneiro popular, a pesquisa de violões e as sonoridades contemporâneas, afirmando-se como uma das compositoras mais relevantes de sua geração. Juliana Linhares, por sua vez, traz ao espetáculo a força de sua interpretação e a presença cênica que dialoga com a música, o teatro e as artes visuais, ampliando os sentidos da canção nordestina no presente.

A artista Luiza Sigulem inaugura sua segunda exposição individual, Manual para percorrer a menor distância de um ponto a outro. Reunindo um conjunto inédito de trabalhos, a mostra, com curadoria de Juliana Caffé, tensiona a relação entre corpo, arquitetura e o tempo, propondo o deslocamento como uma operação de ajuste e reflexão crítica. O projeto toma a instabilidade como condição que reorganiza a relação entre corpo e arquitetura, produzindo um tempo que não coincide com a lógica da eficiência. Em sintonia com a teoria Crip (termo reapropriado de cripple que nomeia práticas que deslocam o "corpo padrão") e o conceito de crip time — uma temporalidade que acolhe pausas, ritmos variáveis e o não-alinhamento com o relógio produtivista —, o trabalho de Sigulem afirma a diferença não como exceção, mas como método.

Com mais de duas décadas de trajetória e uma história perpassada por hits, o Fat Family reinterpreta sua caminhada em um novo momento artístico. “Pensar numa nova turnê é sempre um recomeço. É revisitar nossa história com um olhar atualizado, cheio de aprendizado e vontade de celebrar. O Baile Charme vem justamente do que a gente gosta de fazer: se reunir para dançar, cantar e compartilhar alegria com o público”, afirmam as integrantes.Com banda ao vivo, DJ e momentos coreografados, o show convida o público a dançar, celebrando os passinhos que fazem parte da cultura do charme. Já a formação da turnê reforça a potência do espetáculo: teclado, guitarra, baixo, bateria, DJ, três vozes e coreografias que contribuem para uma apresentação que valoriza a musicalidade e a presença de palco do grupo.

A Zipper Galeria abre seu calendário expositivo de 2026 com a individual Cuidado com a Pintura, do artista plástico mineiro Célio Braga. Com curadoria de Celso Fioravante, a exposição reúne 21 obras em pequenos formatos. Neste conjunto inédito, o artista desloca a pintura de uma lógica centrada na imagem para um campo de construção material, no qual superfície, costura, camadas e volumes passam a integrar um mesmo sistema. Braga trabalha com feltro e seda, acolchoados e costurados à mão, além de tinta e cera, instaurando relevos que aproximam a pintura de procedimentos do bordado, da colagem e da escultura. A exposição se organiza em torno de um eixo recorrente na produção do artista: a pele como metáfora e como campo de pensamento.

Nesta edição do Salão dos Artistas Sem Galeria, o Salão registrou 371 artistas inscritos. O projeto que há 17 anos aposta em alternativas democráticas para a exibição, divulgação, documentação e comercialização da arte contemporânea. O Salão é voltado a artistas de diferentes idades e localidades que, por diversas razões, ainda não integram o circuito de galerias em São Paulo.Os artistas selecionados para a 17ª edição do Salão dos Artistas Sem Galeria são: Bernardo Liu (RJ), Dani Shirozono (MG/SP), Demir (DF), Isabela Vatavuk (SP), Mariana Riera (RS), Paulo Valeriano (DF), Romildo Rocha (MA), Santacosta (SP), Shay Marias (RJ/SP) e Timóteo Lopes (BA). O Prêmio Estímulo Fora do Eixo foi concedido a Pedro Kubitschek (MG).

A Nara Roesler São Paulo apresenta Língua d’Água, primeira exposição individual de Maria Klabin (1978, Rio de Janeiro) na cidade. Com curadoria de Galciani Neves, a mostra reúne obras inéditas e recentes, incluindo pinturas em óleo sobre tela, linho e papel vegetal, além de desenhos em nanquim, carvão, guache e bastão a óleo. O conjunto apresenta escalas variadas, de pequenos trabalhos de cerca de vinte centímetros até telas que chegam a três metros de comprimento, além de desenhos extraídos de seus cadernos, oferecendo ao público um amplo panorama de seu processo de criação.

Pela primeira vez ocupando todo o galpão da galeria, a mostra Nascimento de Antonio Obá apresentará trabalhos inéditos e consagrados do artista, dentre eles instalações, pinturas, desenhos e filme. O título Nascimento surge do marco milagroso de uma nova existência sobre a Terra, que também carrega a contrapartida da fortuna e da sorte, que nos acompanha desde a concepção.Uma instalação inédita, localizada em um espaço fechado, no fundo da galeria, se refere diretamente a ideia de jogo e de sorte. Destaca-se também um conjunto de 22 pinturas de pequeno formato apresenta a leitura de Obá sobre o Tarô.

A mostra imersiva “Exposição – O Pequeno Príncipe – 80 Anos” – e inédita – celebra o aniversário da primeira edição francesa da obra-prima de Antoine de Saint-Exupéry. A megaexposição, que tem curadoria da pesquisadora Mônica Cristina Corrêa, conduz o público por uma jornada cronológica, sensorial e poética, começando pela França dos anos 1920, cenário que moldou a juventude e as inspirações de Saint-Exupéry. Os visitantes conhecem momentos marcantes da vida e obra do autor — suas invenções, sua genialidade artística, sua paixão pela escrita e, principalmente, seu profundo amor pela aviação. Como piloto do correio aéreo, Saint-Exupéry viveu aventuras que influenciaram diretamente sua produção literária e sua visão de mundo. Ao longo do percurso, a vida pessoal do autor também é apresentada de forma rica e detalhada: família, viagens, projetos, conflitos, curiosidades e o legado de um dos escritores mais influentes da literatura moderna.

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A exposição Uma Viagem ao Mundo dos Brinquedos rememora a infância brasileira com peças que marcaram gerações e continuam despertando encantamento. Entre bonecas, carrinhos, jogos, robôs e personagens icônicos, o público é convidado a reencontrar memórias afetivas e descobrir novas histórias. Das cores vibrantes aos clássicos da cultura pop, cada brinquedo revela maneiras de brincar e de imaginar o mundo.A mostra transforma lembranças em experiência, um passeio nostálgico, divertido e imperdível para todas as idades.

Gordon Parks (1912-2006) é autor de uma vasta produção autoral, na qual documentou a vida cotidiana de pessoas negras em estados segregados nos EUA, a luta organizada do movimento negro pelos direitos civis e as manifestações culturais e religiosas da população afro-americana, entre outros temas. A exposição é a primeira retrospectiva de Parks no Brasil e a maior na América Latina. Entre as obras exibidas, estão retratos de nomes centrais do movimento negro americano, como Malcolm X, Martin Luther King e Muhammad Ali, e séries consagradas, como De volta a Fort Scott (1950) e Histórias da segregação no sul (1956). O título da exposição — A América sou eu — foi tirado de um texto que Parks escreveu para a revista Life, em 1968, no qual aborda numa questão crucial para o movimento negro nos EUA: o fato da democracia americana ter se consolidado sob um regime de segregação racial, excluindo a população negra.

O espetáculo O Avesso da Pele é a montagem teatral do premiado romance escrito por Jeferson Tenório. A história é contada por Pedro, que tem na morte do seu pai – um professor de escola pública assassinado voltando para casa depois da aula, numa desastrosa abordagem policial – o ponto de partida para uma investigação do passado.Em cena, os quatro atores se alternam entre os personagens, em um movimento em que todos serão pai e filho em algum momento. O cenário é o apartamento de Henrique, no qual Pedro, após o assassinato, observa os objetos ali presentes e os utiliza como ponto de partida na recuperação da história de seu pai.

"Matéria e Memória" é o novo álbum do artista pernambucano Lello Bezerra, uma experiência sonora autoral que entrelaça o cancioneiro tradicional do Nordeste com recursos da música eletrônica, timbres contemporâneos e reflexões sobre identidade, urbanidade e território. O disco traz 10 faixas inéditas, todas autorais, e reafirma o Nordeste como centro de inovação cultural.

Acompanhada de dois músicos que compartilham esta jornada musical com Alzira há muitos anos, Marcelo Dworecki no baixo e Chicão Montorfano no piano, o show “Senhora do Tempo” devolve as inéditas ao ambiente musical onde foi gerado, propondo a ampla divulgação desse conjunto de músicas, numa execução que valoriza a dimensão do violão como instrumento da compositora.

Compositor, cantor, poeta, pensador e professor, Tiganá Santana apresenta seu novo concerto, num gesto que passa pela sua poética singular, a qual, entre outros aspectos e ações, inaugurou, na música gravada no Brasil, uma autoria de canções em línguas africanas. Sua criação artística assenta-se, também, numa dimensão de reflexão filosófica, que está na sua própria formação. Neste espetáculo, Tiganá passará pelos seus 7 álbuns gravados – com composições em, pelo menos, cinco idiomas diferentes – e promoverá um reencontro com o bloco afro pioneiro, tão esperado por ambos.

Estrelado por Suzy Rêgo, Cristiana Oliveira e Eduardo Martini, que também assina a direção, um grupo de amigos recebe a notícia de que Lola, aquela do grupo que fazia a faxina e se livrava dos fantasmas, deixa este plano. Os 3 amigos restantes decidem se encontrar e, sem saber, caem numa última armadilha deixada por Lola para que enfrentem esses fantasmas e reencontrem uma amizade que estava varrida debaixo de um tapete repleto de histórias. Um espetáculo que utiliza do humor e de referências sociais pungentes como crises de idade, cobranças, a pressão estética, masculina e enraizada em adultos que encontram, no diálogo e no amor, o caminho da cura.

Vencedor do Prêmio Bibi Ferreira de Melhor Ator de 2022 pelo monólogo “Simplesmente Clô”, Eduardo Martini faz o espetáculo que revisita a vida e a obra do estilista e apresentador de televisão Clodovil Hernandes (1937–2009). Figura tão admirada quanto controversa, Clodovil é retratado em toda a sua complexidade. No monólogo, Clodovil expõe pensamentos e episódios marcantes de sua trajetória, revelando as origens de suas inspirações criativas e revisitando mais de 40 anos de vida pública. Moda, televisão, amizades, família, seu único amor e a experiência como deputado federal se entrelaçam ao relato íntimo de uma infância e adolescência difíceis, marcadas pela solidão.

A Baleia tem direção e tradução de Luís Artur Nunes e tem no elenco Emílio de Mello como Charlie, ao lado de Luisa Thiré, Gabriela Freire, Eduardo Speroni e participação especial de Alice Borges.A obra, que aborda temas como isolamento e reconexão, ganhou ainda mais notoriedade com sua adaptação para o cinema em 2022. A versão teatral brasileira promete trazer ao palco a mesma intensidade dramática que consagrou a história no teatro e no cinema.

A trama do espetáculo apresenta uma narrativa ao mesmo tempo inquietante e absurda: uma mãe e um pai lamentam a morte de seu único filho – até que, inesperadamente, a campainha toca e lá está ele, sujo, faminto e incapaz de explicar o que aconteceu. A rotina familiar é retomada, mas o menino desaparece novamente, repetidas vezes, com os pais reagindo de maneiras que se transformam a cada retorno. Esse ciclo revela gradualmente os contornos de uma família disfuncional, incapaz de reconhecer a realidade que a cerca.“O Retorno” propõe ao público não apenas uma reflexão sobre as dinâmicas familiares, mas também um mergulho profundo em uma construção dramatúrgica que questiona e transforma as convenções do teatro contemporâneo.

A comédia TOC TOC, do autor francês Laurent Baffie, adaptada e dirigida por Alexandre Reinecke, se desenrola quando seis pacientes com diferentes Transtornos Obsessivos Compulsivos (TOCs) se encontram na sala de espera do Dr. Stern. Com o atraso do médico, eles precisam aprender a lidar uns com os outros, resultando em situações hilárias e inesperadas.Iara Jamra, Daniel Dantas, Ricardo Tozzi, Giselle Itié, Miguel Menezzes, Sara Freitas e Jade Mascarenhas integram o elenco da peça.

O MIS inaugura a exposição “A alma humana, você e o universo de Jung”, um contundente convite ao autoconhecimento e um mergulho no universo dos conceitos criados por Carl Gustav Jung, que, em 2025, comemoraria os 150 anos de seu nascimento.Nos 550 m2 do primeiro andar do MIS, o visitante vai percorrer a psique humana de forma simbólica e imagética, por meio de instalações criadas para dialogar em três diferentes dimensões: a pedagógica, já que os conceitos criados ou trabalhados por Jung serão explicados de forma acessível; a sensorial, tendo em vista que cada instalação artística pode provocar sensações no visitante; e ainda a provocativa, já que sempre haverá uma pergunta convidando o público à introspecção, movimento necessário para o autoconhecimento. Todos os conteúdos foram inspirados na cosmovisão de Carl Gustav Jung (1875 – 1961), psiquiatra suíço fundador da Psicologia Analítica.

Um garoto à beira de um abismo. Curvado sobre o parapeito de sua varanda, ele não salta, mas também não recua. Nesse instante suspenso, sua história explode como um quebra-cabeça lançado ao ar, cujas peças caem em desordem. A partir desse limite entre o fim e a possibilidade de continuar, o espetáculo convida o público a mergulhar na mente de um homem em reconstrução. Entre memórias que surgem fora de ordem, como quem tenta remontar um passado que já não se encaixa, acompanhamos a jornada de uma criança gay sensível que atravessa a vida adulta marcada por afetos intensos, silêncios dolorosos, heranças familiares tortas e a solidão de existir em um corpo dissidente.

Na trama de Era Uma Vez – Uma Viagem Musical pelos Contos de Fada, Malévola e Capitão Gancho lançam um feitiço no vale encantado, fazendo com que todas as histórias das princesas comecem a desaparecer. Para salvar o lugar, Sininho e Peter Pan precisam da ajuda da plateia, que participa ativamente para que a magia volte a existir.A produção reúne vários personagens icônicos do imaginário infantil, como Cinderela, Branca de Neve, Ariel, Bela, Fera, Elsa, Moana, Sininho, Peter Pan, Capitão Gancho e Malévola, juntos em uma aventura única.

Baseado no livro homônimo de Alexandre Mortágua, o espetáculo marca o primeiro solo de Felipe Barros, que também assina texto e dramaturgia ao lado do diretor Heitor Garcia. Um garoto permanece sobre o parapeito de uma varanda sem saltar e sem recuar. A partir desse instante suspenso, sua trajetória se reorganiza como peças de um quebra-cabeça em desordem. O público acompanha a tentativa de reconstrução de um homem que revisita memórias fragmentadas da infância e da vida adulta, atravessadas por afetos, silêncios, heranças familiares e experiências de um corpo dissidente.

A trama acompanha Antônio, um mercador que contrai uma dívida com o agiota Shylock para ajudar seu amigo Bassânio. Como garantia, Antônio aceita dar libra de sua própria carne. Com o não pagamento da dívida, o contrato desencadeia um julgamento dramático, colocando em pauta temas como justiça e preconceito.

A exposição apresenta 38 obras de 34 estudantes do Centro Universitário, nas mais variadas linguagens, meios e suportes artísticos. Esta edição conta ainda com obras dos artistas convidados Gabriel Torggler e Marina Hachem, que participaram do programa da Residência Artística FAAP - Paris. O Programa premia, a cada semestre - dentre os inscritos que podem ser estudantes-, artistas formados pela instituição ou professores, para ocupar o estúdio 1422, que a instituição mantém desde 1997 na Cité Internationale des Arts, uma residência internacional localizada às margens do Rio Sena.

Show celebra mais de quatro décadas de carreira da icônica dupla britânica com um espetáculo que reúne os maiores sucessos do pop mundial.A icônica dupla britânica Pet Shop Boys, formada por Neil Tennant e Chris Lowe, confirma uma apresentação única no Brasil com a turnê Dreamworld: The Greatest Hits Live.

Do reggae Roots ao dub, passando por elementos do rap e da soul Music, Núbia é uma das grandes revelações do reggae brasileiro da última década. Com timbre e sonoridade única, a artista entoa músicas que abordam a influência sociocultural do reggae jamaicano no Maranhão, sob a sua perspectiva enquanto mulher negra, LGBTQIAP+, mesclando na sua sonoridade influências da música negra. Cantora, compositora e multi-instrumentista, Célia Sampaio iniciou sua trajetória nos anos 1980 no Bloco Afro Akomabu e foi a primeira mulher a gravar um álbum de reggae no Brasil. Com forte ligação à ancestralidade afro-brasileira, sua obra mistura reggae, espiritualidade e ritmos afro, com letras de empoderamento e identidade negra. Já dividiu projetos com nomes como Alcione, Chico César e Zeca Baleiro e segue como uma das vozes mais importantes e simbólicas do reggae nacional.

Inspirada em fatos reais, a trama acompanha Nádia (Fernanda de Freitas), jornalista e influencer engajada em causas sociais; Adailton (Rafael Primot), trabalhador de origem humilde; e Tite (Rogério Brito) executivo de uma rede de supermercados. O encontro entre eles acontece após um crime cometido em uma rede de supermercados e é mediado pela exposição midiática e pelas redes sociais, revelando camadas profundas de hipocrisia, desigualdade e desumanização. A peça discute o ódio virtual, o linchamento moral e a tênue fronteira entre a empatia e o ego.

A francesa Zaz volta ao Brasil para apresentar sua nova turnê, iniciada em 2025. A cantora é um dos nomes de maiores sucesso da música francesa contemporânea, e traz um show animado e cheio de hits, como "Je Veux".

Inconformadas apresenta na Claraboia obras de 24 artistas mulheres do período moderno e contemporâneo que encontraram na abstração um espaço de criação. A mostra parte de uma hipótese central: formas moles e fluidas, quando realizadas por mulheres, foram historicamente interpretadas como sinais de uma feminilidade negativa, associadas à fragilidade, à intuição e à falta de rigor, e, por isso, desvalorizadas. Já quando esses mesmos recursos aparecem na obra de artistas homens, costumam ser celebrados como poéticos, ousados ou inovadores. Essa assimetria crítica revela um sistema simbólico de exclusão que posicionou as mulheres entre dois polos opostos — o do sexo e o da arte — raramente reconhecendo-as como sujeitos plenos da criação artística. As obras aqui reunidas enfrentam justamente esse impasse.

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A Galatea apresenta Entre a pintura e a pintura, exposição individual que marca o início da representação de Guilherme Gallé pela galeria. Com introdução escrita por Rodrigo Naves e texto crítico assinado por Tadeu Chiarelli, a mostra reúne trabalhos inéditos em pinturas e trabalhos em papel que evidenciam a investigação contínua do artista sobre os limites, as potencialidades e a permanência da pintura na contemporaneidade. A pintura de Gallé se desenvolve a partir de um processo contínuo de depuração, no qual cada quadro dá origem ao seguinte, em um encadeamento no qual cor, forma e espaço se reorganizam em resposta mútua.

A ópera de Prokofiev tem uma trama cômica e de origem complexa: um conto de fadas do século XVII escrito por Giambattista Basile, adaptado para teatro por Carlo Gozzi no século seguinte. O enredo narra a saga de um rei para curar a melancolia de seu filho. Para isso, ele convoca uma série de entretenimentos, não sem o antagonismo de personagens típicos dos contos de fadas. A musicalidade, espirituosa e inventiva, transita entre os limites da música russa e a tradição romântica. Essa combinação de elementos faz desta ópera um espetáculo único.

A mostra “Duplo” tem texto crítico assinado pela curadora e pesquisadora Pollyana Quintella. Com colagens e fotografias impressas sobre a seda, a mostra reúne 14 trabalhos inéditos da artista, dos quais seis resultam da pesquisa realizada durante sua residência artística na “Cité Internationale des Arts” (Paris, 2025). Em sua prática, a artista investiga a relação entre a paisagem, a cor e a superfície. Ela transita pela fotografia e pela colagem, concentrando-se na construção da imagem por meio do recorte e da justaposição. Na individual “Duplo”, Julia Kater apresenta trabalhos recentes, desenvolvidos a partir da pesquisa realizada durante sua residência artística em Paris.

A Central Galeria apresenta a individual da artista Sofia Borges, “O cristalino, o rasgo e mistério“, primeira exposição da artista no Brasil desde o seu retorno de Nova Iorque.A poética do trabalho de Borges se desenvolve em torno da formação da imagem em suas diversas formas dentro do imaginário histórico-social geral e pessoal da artista. Seu trabalho retraça frequentemente linhas de resgate de ancestralidades por meio de materiais, como metais, rochas e minerais, assim como à figura da paleontologia, da mitologia, do teatro e da análise da figura humana, especialmente do rosto. O museu ocupa um espaço igualmente importante em sua pesquisa uma vez que ele se apresenta como um agente de reconfiguração eterno de imagens dentro da sociedade.

Abandonada por Jasão, que decide se casar com Creúsa, filha do rei Creonte, a feiticeira Medea vê ruir não apenas o seu matrimônio, como também sua identidade. Movida pela fúria e pela vingança, ela envia presentes envenenados para sua rival, o que culmina na morte da família real. Para atingir o marido no que ele tem de mais precioso, Medea assassina os próprios filhos.

O musical acompanha a trajetória de Victor, um menino de imaginação fértil, hipnotizado pelo cotidiano limitante das telas que o impedem de enxergar o mundo como ele realmente é. Mergulhado em um sonho Victor embarca em uma jornada fantástica na qual se defronta com seus medos e descobre novas perspectivas ao lado de Susi e de um grupo de personagens marcantes. Entre amigos e antagonistas, ele atravessa um verdadeiro rito de passagem, aprendendo a lidar com as transformações e contradições da infância rumo à adolescência.Um menino apaixonado por moda, ganha de sua mãe a boneca Susi, que foi ícone fashion dos anos 60 e pioneira em muitas questões que hoje em dia estão em alta. O mundo disparou, vieram as redes sociais, imposições de novos padrões estéticos, comportamentais e Susi dá início a sua jornada, com o objetivo não só resgatar sua história, mas também trazer questionamentos sobre como manter a própria identidade num mundo tal padronizado.

Minerva Cuevas (Cidade do México, 1975) é uma artista conceitual mexicana que desenvolve projetos que dialogam com antropologia, história e ciências naturais. Sua obra abrange diversos suportes e mídias, como instalação, muralismo, pintura, vídeo e performance.No ano de Histórias da ecologia no MASP, Cuevas abordará pelo menos três aspectos de seu trabalho. O primeiro diz respeito às suas investigações sobre os impactos do mundo corporativo na vida cotidiana. Cuevas se apropria de logomarcas, campanhas de marketing, slogans e símbolos de grandes empresas para discutir temas como consumo, valor e propriedade. O segundo aspecto a ser explorado na exposição está relacionado ao subtítulo, inspirado no conceito de “ecologia social”, desenvolvido pelo filósofo estadunidense Murray Bookchin (1921-2006

Game+ arte, cultura e comunidade é a última grande exposição de 2025, que ocupará os três pisos do espaço expositivo. A mostra busca revelar o universo amplo e variado dos videogames, tratando-o como um campo decisivo da cultura e não apenas como entretenimento. O universo dos games, com seus personagens e mundos que marcam o imaginário coletivo, atravessa gerações e forma comunidades, manifestando-se no audiovisual, na moda, no comportamento, na educação e com papel central na indústria criativa.Esta é a terceira exposição realizada pelo Itaú Cultural dentro deste tema. Em 2003 foi realizada Game o quê e, em 2009, GamePlay, tratando o game como forma artística. Game+ se articula em três eixos curatoriais: Sociedade e economia criativa; Educação; e Arte e inovação.

De nome de batismo Sebastião Bernardes de Souza Prata, nascido em Uberlândia (MG) em 1915 (ou 1917, de acordo com alguns registros), ele adotou primeiro o nome Pequeno Otelo e depois Grande Othelo – ele mesmo acrescentou o “h” no nome e assim está registrado em sua lápide. Morreu aos 78 anos no aeroporto Charles de Gaulle, em Paris, França, em 1993, vítima de um ataque cardíaco fulminante quando se preparava para seguir para o Festival de Nantes, onde receberia uma homenagem. A Ocupação Grande Othelo se propõe em revelar percursos pouco conhecidos do público sobre Othelo, como, por exemplo, suas contribuições à classe artística brasileira, tendo sido vice-presidente da Associação Brasileira de Atores Cinematográficos.

A mostra nasce do encontro simbólico entre o rio Charente, que atravessa a região da Nova-Aquitânia, e o sistema Tietê-Pinheiros, eixo fluvial que estrutura a metrópole paulista. Entre as duas margens, a exposição se transforma a cada etapa, incorporando novas obras, montagens e relações. A curadoria parte da ideia de “confluência” formulada pelo pensador quilombola Antônio Bispo dos Santos — encontro que soma sem subtrair — para propor a mostra como um campo de escuta e coexistência, em que as águas são entendidas como seres vivos, portadores de direitos e memórias, mas também como testemunhas de passados coloniais e agentes de transformação.As obras abordam questões ligadas à escassez, à contaminação, às infraestruturas e às possibilidades de reparação. Barbara Kairos, artista de Angoulême, na França, reelabora criticamente a história do “jacaré do Tietê”, transformando um episódio da memória urbana em alerta sobre a política das águas. A também francesa Capucine Vever, que pesquisa a paisagem fluvial e suas camadas coloniais, parte de arquivos e da escuta do rio Garona para aproximar imagem e história.

O Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo recebe a exposição internacional Joaquín Torres García - 150 anos, inédita no país. A mostra celebra a trajetória de um dos pilares da arte moderna na América Latina, com cerca de 500 itens, entres obras e documentos, incluindo pinturas, manuscritos inéditos, maquetes, desenhos e os célebres brinquedos de madeira produzidos pela família do artista uruguaio. Com curadoria de Saulo di Tarso em colaboração com o Museo Torres García e organização da Cy Museum, é a primeira vez que esse conjunto tão amplo e diversificado do artista é apresentado no Brasil, com peças que deixarão pela primeira vez as reservas técnicas do museu uruguaio, revelando ao público aspectos pouco conhecidos da produção do artista.

Getúlio Abelha traz o universo de seu álbum Autópsia, em que amplia radicalmente sua pesquisa musical, misturando cumbia, funk, seresta, dubstep, bolero, emo e pop rock em uma obra que nasce do caos, da reinvenção e da busca por conexão. O disco explora temas como solidão, amadurecimento e transformação, traduzidos em sonoridades que oscilam entre o brega futurista, o eletrônico distorcido e melodias de seresta. Nascido em Teresina e marcado também pela vivência artística em Fortaleza, Getúlio constrói um trabalho profundamente conectado às culturas do Norte e Nordeste. Suas criações revisitam tradições sob um olhar contemporâneo, explorando o cotidiano, as relações de poder e os comportamentos sociais com ironia e inventividade.

A artista autodidata Rafael Chavez inaugura “Jardim Flamejante”, sua primeira individual na Casa Triângulo. Com curadoria crítica de Walter Arcela, a mostra reúne pinturas e esculturas que exploram o sertão nordestino como território sensorial, espiritual e político, articulando matéria, memória, cosmologia e corpo.Na mostra, o sertão surge não como cenário, mas como corpo vivo e múltiplo, atravessado por espiritualidade, ancestralidade e pela presença de corpos queer e desviantes, que desafiam estereótipos e normas identitárias. A exposição afirma a relevância de Rafael Chavez na arte contemporânea brasileira, apresentando um “jardim ardente” onde arte, território e cosmologia se unem.

Reconhecida por sua voz sensível e destaque na cena latino-americana contemporânea, Silvana apresenta neste trabalho um olhar profundo sobre perda, cura e renascimento. Produzido de forma independente pela própria artista, o disco nasceu de um período intenso de transformação pessoal e marca uma expansão sonora em relação ao seu trabalho Marchita (2022), álbum que a levou a conquistar o Latin Grammy de Artista Revelação.No palco, a artista conduz o público por canções que transitam entre o indie-folk, jazz e sonoridades latino-americanas, criando uma experiência íntima e emocional.

“PRISMA – eu sou assim” é uma aventura cheia de graça que se passa dentro e fora da cabeça de uma menina autista. A peça é o ponto de vista bem-humorado e inusitado desta criança e a plateia acompanha sua história: o nascimento, a infância, as relações familiares, a escola, as interações com os amigos e as primeiras descobertas de vida.

Os acordes que abrem o concerto com Prelúdio e Fuga, de Bach, ganham peso na orquestração de Villa-Lobos que, sem pretender fidelidade ao original, explora na década de 1930 os recursos da orquestra moderna. O programa avança com Hera Hyesang Park que, em sua estreia com a Osesp, interpreta as Quatro canções de Strauss, verdadeiras melodias de amor dedicadas à soprano Pauline de Ahna. Por fim, continuando o ciclo de sinfonias de Mahler, Thierry Fischer apresenta sua leitura da Quarta. Entoando uma canção folclórica, a obra narra a visão do paraíso de uma criança pobre, um final tocante que aborda o universo infantil, associado à pureza do estilo clássico.

Com coordenação de Lissa Carmona, curadoria de Francesco Perrotta-Bosch apoiado pela Fundação Oscar Niemeyer, a exposição propõe um reencontro entre a dimensão internacional da obra do arquiteto e o contexto brasileiro, convidando o visitante a revisitar seu olhar e reconhecer a potência criativa que articula o Brasil ao cenário global.

A Galeria Frente exibe uma exposição totalmente dedicada a Amadeo Luciano Lorenzato (1900 – 1995) e com um número tão expressivo de obras do artista. “O mundo misterioso inventado por Lorenzato” reúne 118 obras deste que é considerado um dos maiores nomes das artes visuais brasileira, mas, principalmente de Minas Gerais. Trata-se de um conjunto excepcional de pinturas cujos traços perpetuaram, em obras icônicas, cenas cotidianas, favelas, paisagens e agricultura mineiras. Destaque para “Lenhador”, de 1933: um trabalho de Lorenzato considerado como o mais antigo no mundo de que se tem conhecimento até hoje. A exposição pontua um encontro de obras provenientes de coleções privadas cuja seleção revela a potência lírica do artista na observação do mundo à sua volta, explica o diretor da Galeria, Acacio Lisboa.

Inspirada na Música Popular Brasileira, Mari Froes carrega uma identidade única ao se mover através dos ritmos brasileiros com autenticidade e percepção. Artista revelação do selo 777 Music Group, Mari Froes traz composições que passam pela MPB, Bossa Nova, Samba e Jazz com sensibilidade e encanto. Froes começou a trilhar seu caminho na música compartilhando versões de suas canções favoritas no YouTube. Em julho de 2024, ela foi convidada pelo Colors Studio para gravar a música “Gabriela”. No mesmo ano, a artista fez um vídeo cantando um trecho de “Figa de Guiné”, de Nei Lopes e Reginaldo Bessa, que se tornou viral no TikTok.

A soprano Hera Hyesang Park e a pianista Olga Kopylova levam o público a uma volta ao mundo. O recital começa e termina com árias escritas na Itália — país com tradição na música vocal. Pelo caminho, o repertório passa pelos compositores coreanos como Dunam Cho e Unyoung. Na sequência, ouvimos uma seleção de obras do alemão Richard Strauss, e os americanos Luíz Eduardo Corbani e Florence Price — a primeira mulher negra a obter sucesso como compositora de música de concerto. De Price, serão tocadas três pequenas peças para piano. De Corbani, uma peça para piano solo e uma canção. Os demais compositores do programas são espanhóis, catalães e bascos. Enrique Granados, Fernando Obradors e Jesús Guridi pertencem à geração da segunda metade do século XIX responsável pela consolidação do nacionalismo musical. Já Xavier Montsalvatge, Antón García Abril e Ernesto Halffter estão entre os nomes mais representativos da música espanhola recente.

O Centro MariAntonia inaugura a exposição Nossa estranheza e a vergonha, da pintora Gilda Vogt, com curadoria de Khadyg Fares, doutoranda em História da Arte na Universidade Federal de São Paulo (Unifesp). A mostra reúne um conjunto de pinturas em tinta acrílica sobre tela, abrangendo o período de 1989 a 2024, que reitera em sua linguagem poética a noção de afecção, ou seja, da experiência de ser afetado por algo ou alguém. Também é notório o predomínio do fundo branco da tela, a translucidez da tinta diluída e a fluidez dos contornos.

O Centro MariAntonia inaugura a exposição Neo-andina 15-25, do fotógrafo Tatewaki Nio, com mais de 60 trabalhos. A curadoria é do professor da USP, Ivo Giroto, e do pesquisador Diego Matos, com consultoria de Guilherme Wisnik, docente da USP. A mostra tem como eixo central a arquitetura “neo-andina”, fenômeno cultural e estético surgido na cidade de El Alto, Bolívia, que tem como um dos seus principais expoentes o arquiteto boliviano Freddy Mamani. A exposição parte do trabalho fotográfico de Tatewaki Nio das construções extravagantes e super-coloridas, realizadas entre 2015 e 2025, e que incluirá fotografias, maquetes, projeções e vídeos, captados pelos alunos de graduação da disciplina Cultura Urbana na Contemporaneidade da Faculdade de Arquitetura, Urbanismo e Design (FAU) da USP.

Ópera do Malandro - Musical, um espetáculo de Chico Buarque, na visão de Jorge Farjalla, com direção musical de Gui Leal.Max Overseas Navalha é um contrabandista bem-sucedido, que se casa às escondidas com Teresinha, filha de Duran e Vitória Régia, donos de uma rede de bordéis e aspirantes à alta sociedade que, enfurecidos com o casamento, planejam um golpe contra o malandro. Duran e Max têm em comum um sócio, o delegado Chaves, que protege as atividades ilegais de ambos. Querendo prejudicar Max, Duran decide fazer ruir a torre de babel da corrupção que todos desfrutam. Cada um sai então em busca de seus próprios benefícios às custas da extorsão dos outros, de mentiras e traições. Numa festa à brasilidade, à cultura popular e ao folclore, o musical celebrará a umbanda e o povo da rua para contar a história de um texto que marcou uma geração e que se consagra até os dias atuais como um marco no Teatro Musical Brasileiro.

A exposição "José Antônio da Silva: Pintar o Brasil", com lançamento do livro da mostra, pela Editora Martins Fontes dá luz sobre a trajetória do muitas vezes considerado o Van Gogh brasileiro. A exposição tem curadoria do espanhol Gabriel Pérez-Barreiro e chega a São Paulo, com obras adicionais curadas por Fernanda Pitta, após ter passado pelo Musée de Grenoble (FR), como parte da Temporada Brasil-França 2025, em abril, e pela Fundação Iberê Camargo, em Porto Alegre (RS), em agosto. A mostra tem um total de 142 obras, sendo 23 acréscimos provenientes do rico acervo da instituição, o maior do artista no Brasil, formado com doações dos primeiros colecionadores de Silva, entre os quais estão Ciccillo Matarazzo e Theon Spanudis. Dentre as obras, o público poderá ver, de maneira inédita, o primeiro livro do artista exposto na íntegra, com 76 desenhos, chamado "Romance da minha vida".

A exposição é primeira panorâmica institucional da artista Marga Ledora e apresenta uma reunião significativa de séries até hoje raramente vistas em seu conjunto, além de um expressivo grupo de obras pouco conhecidas. A visita começa pela série Quadrus Negrus (1986), com mais de 20 trabalhos fundamentais de Ledora. Obras como Casa em amarelu (1986) marcam o início do trabalho de experimentação de linhas e cores, base para toda a sua produção artística. Nas obras, o giz pastel seco faz o traçado de triângulos, retângulos e fendas em linhas secas sobre o papel Carmen preto, item raro à época de produção da série.

Abrindo a noite, CAE traz as rimas afiadas e a força da periferia de São Paulo, celebrando a mixtape “ÚLTIMO ANO SENDO POBRE” e seu lugar entre as apostas do hip-hop nacional. Na sequência, Tevito chega com a autenticidade do Capão Redondo, conectando vivências, afetos e resistência em músicas que já somam milhões de plays.Encerrando, Nanda Tsunami sobe ao palco com sua mistura magnética de trap, funk, espiritualidade e energia crua. Em seu show, a artista apresenta o disco É disso que eu me alimento, uma obra que transforma autoconhecimento, força e intensidade em performance visceral.

Guitarricadelafuente é um músico suspenso entre mundos. Criado entre a pacata cidade costeira de Benicàssim e a vila de sua avó, Las Cuevas de Cañart, ele cresceu cercado pelos ecos evanescentes do folk rural e do flamenco - tradições que absorveu enquanto gradualmente descobria a vida além das fronteiras da Espanha, seu país de origem. A partir dessa criação, ele moldou uma voz que ressoa com o limbo emocional de uma geração presa entre o anseio genuíno e a sobrecarga digital.Suas músicas reinterpretam tradições folclóricas espanholas em paisagens indie-pop texturizadas, carregadas por tons lo-fi e sussurros flamencos.

Enraizada em danças populares brasileiras e em vocabulários de movimento muitas vezes marginalizados pelos discursos culturais hegemônicos, a obra coreográfica celebra o encontro e o conflito, misturando danças populares brasileiras, música ao vivo e uma abordagem coletiva e política da dança. É nessa encruzilhada de mundos que a tradição se relaciona ao urbano, o popular ao institucional, o conflito ao aprendizado mútuo.Em tempos marcados pela fragmentação, pela competição e pela privatização da felicidade, mover-se em grupo torna-se tanto um desafio criativo quanto um posicionamento político. A trilha é criada ao vivo, em tempo real, como parte desse trabalho coletivo. Os bailarinos também são músicos – tocam percussões, manipulam texturas eletrônicas e utilizam a voz como instrumento.

Conhecido por sua energia contagiante no palco, o artista americano Cory Wong vem ao Brasil pela primeira vez e vai se apresentar com sua banda completa, formada por nove integrantes, que inclui uma seção de metais, com cinco músicos.Com um som vibrante que mistura funk, jazz e groove, Cory transforma cada show em uma celebração da música e da criatividade. Mais do que um músico virtuoso, Cory é um verdadeiro criador de experiências. Além de seus projetos musicais, ele se destaca como apresentador, produtor e criador de conteúdo, colaborando com grandes marcas como Apple, onde lançou seu próprio Producer Pack.

Recortes, de Cristiano Mascaro apresenta um conjunto de fotografias analógicas e digitais ampliadas, realizadas ao longo de diferentes momentos da trajetória do artista, cuja obra contribuiu de forma decisiva para a construção da memória visual da metrópole e de seus espaços arquitetônicos.

O Farol Santander apresenta As Aventuras de Pinóquio (2025), uma imersão na obra clássica de Carlo Collodi. Criado no final do século XIX, o boneco de madeira atravessa gerações como metáfora de amadurecimento, identidade e transformação. A exposição combina história, arte e entretenimento em um percurso sensorial e educativo. Dividida em núcleos temáticos inspirados nos capítulos do livro, a mostra reúne ilustrações históricas, obras contemporâneas, instalações interativas e referências do cinema.

Ianni explora a relação entre história e política, abordando as contradições da modernização e as mitologias do progresso, especialmente em relação ao Brasil.

Em 2026, o Lollapalooza Brasil traz um line-up diversificado, que reúne artistas como Tyler, The Creator, Lorde e Deftones, além de Sabrina Carpenter e Chappell Roan, garantindo atrações para todos os gostos. O evento promete três dias de shows de peso e um encontro de gerações e gêneros, reafirmando sua posição como um dos pontos altos do calendário musical nacional.

Exposição Reúne cerca de 80 obras nacionais e internacionais do acervo do MAC USP, um dos mais importantes acervos de arte abstrata nacional e internacional do Brasil.

O Brasil recebe, pela primeira vez, a aclamada sitarista e compositora Anoushka Shankar, um dos nomes mais influentes da música contemporânea global. A turnê brasileira de Anoushka marca um momento simbólico da carreira da artista, que celebra três décadas de apresentações desde sua estreia aos 13 anos. Discípula de seu pai, Pandit Ravi Shankar, ela cresceu aprendendo não apenas a tradição transmitida por gerações, mas também a liberdade de improvisação que marcaria sua identidade artística.

O concerto Diálogos: Shaw, Mozart e Haydn reúne o Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo em um programa que aproxima diferentes épocas e linguagens da música de câmara. No repertório, a contemporaneidade de Caroline Shaw dialoga com o classicismo de Haydn e Mozart. Reconhecido por sua excelência artística, o grupo atua como um dos principais intérpretes de música de câmara do país. O programa propõe escutas cruzadas entre tradição, inovação e sensibilidade contemporânea.

Leda é uma professora de meia idade, divorciada e bem-sucedida que viaja sozinha de férias para a praia em busca de descanso. Na areia, ao observar a serenidade de uma jovem mãe que brinca com sua criança, se vê assombrada por um dilema que parecia soterrado no passado: o abandono do marido e das duas filhas em busca de uma vida mais livre. Adaptação para o palco do romance de Elena Ferrante.

Leda é uma professora de meia idade, divorciada e bem-sucedida que viaja sozinha de férias para a praia em busca de descanso. Na areia, ao observar a serenidade de uma jovem mãe que brinca com sua criança, se vê assombrada por um dilema que parecia soterrado no passado: o abandono do marido e das duas filhas em busca de uma vida mais livre. Adaptação para o palco do romance de Elena Ferrante.

O Segredo de Brokeback Mountain é uma história de amor entre dois cowboys no interior dos Estados Unidos na década de 60. Jack Twist e Ennis del Mar são jovens que se conhecem ao serem contratados para cuidar das ovelhas de Joe Aguirre em Brokeback Mountain. Os dois cowboys, pobres, ao passarem semanas isolados, no frio e em más condições de trabalho, começam a criar uma intimidade que se transforma em um romance intenso e conflituado. Com o fim do trabalho, voltam às suas vidas, deixando um enorme pedaço de quem são em Brokeback Mountain – e que passam o resto de suas vidas tentando recuperar. A peça é de Ashley Robinson, adaptada do conto de Annie Proulx, que teve uma notória e premiada versão de Ang Lee para o cinema. A história atravessa personagens profundamente humanos e faz pensar sobre a intolerância, os medos, as fragilidades, os interditos e o poder do amor.

Lançado em 1965, Elizete Sobe o Morro é mais do que um disco importante, é um registro histórico. Nele, uma das maiores cantoras brasileiras, Elizeth Cardoso, apresenta composições de autores ligados a escolas de samba, como Cartola, Zé Keti, Elton Medeiros, Candeia, Jair do Cavaquinho, Anescarzinho do Salgueiro e Nelson Sargento.No show que comemora os 60 anos de Elizete Sobe o Morro, Juçara Marçal (voz), Kiko Dinucci (guitarra e violão), Rodrigo Campos (cavaquinho e guitarra), Marcelo Cabral (baixo), Xeina Barros (percussão) e Fumaça (percussão) revisitam parte do repertório do álbum e interpretam composições próprias e de outros autores, como Dona Ivone Lara, Noel Rosa e Manacéa.

A maestra Mei-Ann Chen é diretora musical da Sinfonietta de Chicago e regente laureada da Orquestra Sinfônica de Memphis. Cabe a ela conduzir a OSM num programa que começa com a Dança de Saibei, do compositor chinês An-Lun Huang. Dois russos que estão entre os nomes mais importantes da composição no século XX também integram o programa. O Concerto para Violino nº 1 de Prokofiev foi escrito poucos anos após a conclusão de seus estudos. Sua estreia aconteceria em 1923 em Paris, com Stravinsky como regente. Desse último, o programa traz a suíte do balé O Pássaro de Fogo.Entre os dois autores, a música refinada da finlandesa Kaija Saariaho. Nymphéa Reflection surgiu a partir da ideia de arranjar um quarteto de cordas para orquestra. Dividida em seis seções, ela simula parte do processamento eletrônico por meio de orquestração, e inclui, na última parte, um poema de Arseny Tarkovsky que é sussurrado pelos músicos.

"Vetores" sob curadoria de Antonio Gonçalves Filho, a mostra coletiva tece relações entre os períodos moderno e contemporâneo da arte brasileira e internacional. Escultura, pintura, fotografia e gravura formam os três núcleos que retomam o modernismo como uma força em movimento, capaz de reverberar encontros, desdobramentos e novas possibilidades no presente.A mostra reúne obras de nomes como Eleonore Koch, Lucio Fontana, Tunga e Willys de Castro, em diálogo com artistas como Dudi Maia Rosa, Nelson Félix e Paulo Pasta.

As oposições de cores e de pedaços de melodias que escutamos em Fragmentos sintetizam o estilo de Marisa Rezende, que mostra que é possível retomar o impulso melódico sem renunciar à inventividade formal, em uma música que se desdobra à medida que é traçada. Em seguida, a Osesp recebe Roberto Minczuk e Sonia Rubinsky — renomados intérpretes de Villa-Lobos, cujo Concerto nº 4 só estreou no Brasil após a sua morte e no qual a sonoridade do piano é integrada com grande efeito à massa orquestral. A jornada musical se cumpre com Romeu e Julieta, na qual Prokofiev musica a essência do drama de Shakespeare, retratando o ódio das famílias com ritmos agitados e a paixão dos amantes com saltos melódicos

Em 2026, o Cidade Negra retorna aos palcos com a turnê exclusiva “De Agora em Diante”, apresentando shows especiais nas principais cidades do Brasil. A nova turnê marca o início de um novo ciclo da parceria entre Toni Garrido e Bino Farias, celebrando três décadas de uma trajetória repleta de sucessos que atravessaram gerações e consolidaram o Cidade Negra como um verdadeiro símbolo do reggae brasileiro.

O caráter agregador é um dos aspectos que chamam a atenção na última turnê de Gilberto Gil. É algo possível de notar nos bastidores, em cima do palco e, claro, na plateia, onde gerações diversas cantam afinadamente, numa só voz, as canções do repertório irretocável do artista. É o momento de Gilberto Gil mandar “aquele abraço” de cima do palco – muito bem acompanhado. É a última oportunidade de vê-lo em uma turnê dessa dimensão.TEMPO REI é um espetáculo que conversa com o passado, o presente e o futuro. Trata-se de um show que, mesmo diante de multidões, fica íntimo em momentos como quando Gil empunha o violão em “Se eu quiser falar com Deus”; e explode em festa na sequência que emenda “Toda menina baiana", “Esperando na janela” e “Aquele abraço”.

Para celebrar seus 80 anos de vida e 60 de carreira, a atriz Ana Lúcia Torre divide com o público memórias e reflexões em um espetáculo que fala letras de diversas músicas de Chico Buarque, com participação do pianista Diógenes Junior. Quem assiste se identifica totalmente com os temas que compõem a narrativa, como arte, amores, separações, maternidade, resistência, sociedade e o tempo. Letras de clássicos como Meu Guri, Beatriz, Geni e o Zepelim, Valsinha, Atrás da Porta e Olhos nos Olhos, entre muitas outras, compõem o roteiro.

Orquestra Experimental de Repertório e Coro Lírico Municipal se unem em um grande programa dedicado a Richard Wagner.Sob a regência de Wagner Polistchuk e preparação coral de Hernán Sánchez Arteaga, o concerto percorre momentos marcantes da obra wagneriana.No repertório, trechos de Lohengrin, Tristão e Isolda, Navio Fantasma, Crepúsculo dos Deuses, As Valquírias e Tannhäuser.

O que leva um homem pacífico, que sente repulsa por qualquer tipo de violência, que aprendeu a viver evitando conflitos – para não ser alvo da agressividade de outras pessoas – o que leva esse homem a cometer um ato extremamente violento? É a partir dessa pergunta que nasce a escrita de O Motociclista no Globo da Morte. O texto apresenta a história de Antonio, um matemático, um homem racional e sensato que, numa tarde de um dia qualquer, se vê̂ envolvido numa espiral de violência quando almoçava em um bar. É a partir deste fato, que muda a sua vida para sempre, e enquanto conta ao público com riqueza de detalhes o que aconteceu, que Eduardo vai tecendo considerações sobre as diversas formas de violência que resultam da vida em sociedade. E se é possível, aos seres humanos como indivíduos, combater essa violência ou se é inevitável render-se a ela.

Dois performers cruzam experiências pessoais sobre o impacto das ações afirmativas em diversos âmbitos da educação formal no Brasil. Usando elementos de sala de aula e explorando a linguagem da contação de histórias, trazem de forma épica um diálogo entre os alunos que foram e os professores e artistas que são, refletindo sobre os impactos do racismo estrutural na formação escolar. Em uma breve retrospectiva, investigam temas como a implementação da política de cotas, a resistência de diversos setores às ações afirmativas e a necessidade de reformas no ambiente escolar. Colocando uma lupa sobre as vivências, somando ao diferentes movimentos de mudança na educação, dividem os questionamentos com o público e como resultado os impactos dessas experiências são dissecados.

Dois performers cruzam experiências pessoais sobre o impacto das ações afirmativas em diversos âmbitos da educação formal no Brasil. Usando elementos de sala de aula e explorando a linguagem da contação de histórias, trazem de forma épica um diálogo entre os alunos que foram e os professores e artistas que são, refletindo sobre os impactos do racismo estrutural na formação escolar. Em uma breve retrospectiva, investigam temas como a implementação da política de cotas, a resistência de diversos setores às ações afirmativas e a necessidade de reformas no ambiente escolar. Colocando uma lupa sobre as vivências, somando ao diferentes movimentos de mudança na educação, dividem os questionamentos com o público e como resultado os impactos dessas experiências são dissecados.

O Teatro Santos Augusta traz de volta a comédia Meu Remédio, estrelada por Mouhamed Harfouch, com direção de João Fonseca. Em curtíssima temporada, o espetáculo explora, de forma leve e bem humorada, questões sobre origens, ancestralidade, identidade e o poder transformador da aceitação pessoal. Depois de uma temporada de sucesso no Rio de Janeiro, Meu Remédio estreia em São Paulo, trazendo uma narrativa profundamente pessoal e emotiva, em que Harfouch mergulha na sua história de vida, em um processo criativo íntimo que levou o artista a revisitar sua trajetória, seu nome e sua herança cultural. Assim, o ator, também responsável pelo texto e pela produção, transforma um projeto essencialmente pessoal em uma expressão artística para o grande público, com quem compartilha seus questionamentos e provocações.

Sucesso de público e crítica, o musical Ney Matogrosso – Homem com H, produção da Paris Cultural, retorna a São Paulo para mais uma temporada. O espetáculo tem texto de Emílio Boechat e Marilia Toledo, vencedores do Prêmio Bibi Ferreira por este trabalho. Marilia também divide a direção da peça com Fernanda Chamma, enquanto a direção musical é assinada por Daniel Rocha. No palco, o camaleônico Ney Matogrosso — grande homenageado do musical — é interpretado por Renan Mattos (que venceu os prêmios Bibi Ferreira e DID 2022, além de ter sido indicado ao APCA) – que é acompanhado por mais 16 atores e banda ao vivo composta por 6 músicos.