GASTRONOMIA

A mostra imersiva “Exposição – O Pequeno Príncipe – 80 Anos” – e inédita – celebra o aniversário da primeira edição francesa da obra-prima de Antoine de Saint-Exupéry. A megaexposição, que tem curadoria da pesquisadora Mônica Cristina Corrêa, conduz o público por uma jornada cronológica, sensorial e poética, começando pela França dos anos 1920, cenário que moldou a juventude e as inspirações de Saint-Exupéry. Os visitantes conhecem momentos marcantes da vida e obra do autor — suas invenções, sua genialidade artística, sua paixão pela escrita e, principalmente, seu profundo amor pela aviação. Como piloto do correio aéreo, Saint-Exupéry viveu aventuras que influenciaram diretamente sua produção literária e sua visão de mundo. Ao longo do percurso, a vida pessoal do autor também é apresentada de forma rica e detalhada: família, viagens, projetos, conflitos, curiosidades e o legado de um dos escritores mais influentes da literatura moderna.

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A trama acompanha Antônio, um mercador que contrai uma dívida com o agiota Shylock para ajudar seu amigo Bassânio. Como garantia, Antônio aceita dar libra de sua própria carne. Com o não pagamento da dívida, o contrato desencadeia um julgamento dramático, colocando em pauta temas como justiça e preconceito.

A exposição Uma Viagem ao Mundo dos Brinquedos rememora a infância brasileira com peças que marcaram gerações e continuam despertando encantamento. Entre bonecas, carrinhos, jogos, robôs e personagens icônicos, o público é convidado a reencontrar memórias afetivas e descobrir novas histórias. Das cores vibrantes aos clássicos da cultura pop, cada brinquedo revela maneiras de brincar e de imaginar o mundo.A mostra transforma lembranças em experiência, um passeio nostálgico, divertido e imperdível para todas as idades.

A exposição apresenta 38 obras de 34 estudantes do Centro Universitário, nas mais variadas linguagens, meios e suportes artísticos. Esta edição conta ainda com obras dos artistas convidados Gabriel Torggler e Marina Hachem, que participaram do programa da Residência Artística FAAP - Paris. O Programa premia, a cada semestre - dentre os inscritos que podem ser estudantes-, artistas formados pela instituição ou professores, para ocupar o estúdio 1422, que a instituição mantém desde 1997 na Cité Internationale des Arts, uma residência internacional localizada às margens do Rio Sena.

Gordon Parks (1912-2006) é autor de uma vasta produção autoral, na qual documentou a vida cotidiana de pessoas negras em estados segregados nos EUA, a luta organizada do movimento negro pelos direitos civis e as manifestações culturais e religiosas da população afro-americana, entre outros temas. A exposição é a primeira retrospectiva de Parks no Brasil e a maior na América Latina. Entre as obras exibidas, estão retratos de nomes centrais do movimento negro americano, como Malcolm X, Martin Luther King e Muhammad Ali, e séries consagradas, como De volta a Fort Scott (1950) e Histórias da segregação no sul (1956). O título da exposição — A América sou eu — foi tirado de um texto que Parks escreveu para a revista Life, em 1968, no qual aborda numa questão crucial para o movimento negro nos EUA: o fato da democracia americana ter se consolidado sob um regime de segregação racial, excluindo a população negra.

“Cabaré, Teatro e Samba — Chico Buarque por Rodrigo Vellozo”, uma experiência cênico-musical que revisita a obra de Chico Buarque a partir de uma abordagem híbrida, teatral e profundamente enraizada no samba. A direção artística e musical é assinada por Fernanda Maia, uma das criadoras mais prestigiadas da cena musical e teatral contemporânea.No palco, o cantor, ator, pianista e compositor Rodrigo Vellozo conduz o espetáculo como intérprete e eixo narrativo, apresentando um recorte dramatúrgico construído a partir de narrativas musicais, nas quais cada canção se transforma em um microconto teatral. A proposta funde teatro musical, cabaré e a força popular do samba, criando uma atmosfera cênica que reinventa repertórios consagrados e convida o público a uma escuta renovada.

Show celebra mais de quatro décadas de carreira da icônica dupla britânica com um espetáculo que reúne os maiores sucessos do pop mundial.A icônica dupla britânica Pet Shop Boys, formada por Neil Tennant e Chris Lowe, confirma uma apresentação única no Brasil com a turnê Dreamworld: The Greatest Hits Live.

Dez anos após sua última passagem pelo continente, Jason Mraz confirma seu retorno ao Brasil com a Return to South America Tour, uma série de apresentações que celebra a trajetória de um dos artistas mais carismáticos e positivos da música internacional.Conhecido pela mistura de pop, folk e good vibes, Mraz sobe ao palco acompanhado de sua banda completa.

Do reggae Roots ao dub, passando por elementos do rap e da soul Music, Núbia é uma das grandes revelações do reggae brasileiro da última década. Com timbre e sonoridade única, a artista entoa músicas que abordam a influência sociocultural do reggae jamaicano no Maranhão, sob a sua perspectiva enquanto mulher negra, LGBTQIAP+, mesclando na sua sonoridade influências da música negra. Cantora, compositora e multi-instrumentista, Célia Sampaio iniciou sua trajetória nos anos 1980 no Bloco Afro Akomabu e foi a primeira mulher a gravar um álbum de reggae no Brasil. Com forte ligação à ancestralidade afro-brasileira, sua obra mistura reggae, espiritualidade e ritmos afro, com letras de empoderamento e identidade negra. Já dividiu projetos com nomes como Alcione, Chico César e Zeca Baleiro e segue como uma das vozes mais importantes e simbólicas do reggae nacional.

Inspirada em fatos reais, a trama acompanha Nádia (Fernanda de Freitas), jornalista e influencer engajada em causas sociais; Adailton (Rafael Primot), trabalhador de origem humilde; e Tite (Rogério Brito) executivo de uma rede de supermercados. O encontro entre eles acontece após um crime cometido em uma rede de supermercados e é mediado pela exposição midiática e pelas redes sociais, revelando camadas profundas de hipocrisia, desigualdade e desumanização. A peça discute o ódio virtual, o linchamento moral e a tênue fronteira entre a empatia e o ego.

A francesa Zaz volta ao Brasil para apresentar sua nova turnê, iniciada em 2025. A cantora é um dos nomes de maiores sucesso da música francesa contemporânea, e traz um show animado e cheio de hits, como "Je Veux".

A cantora Claudya celebra seis décadas de trajetória artística com a estreia, em São Paulo, da turnê “Deixa eu dizer”. O espetáculo marca um momento simbólico de celebração, memória e renovação, reunindo no palco convidados especiais que dialogam diretamente com a história, a elegância e a força interpretativa da artista: Alaíde Costa, Ayrton Montarroyos e Patricia Marx. O repertório revisita canções emblemáticas de sua discografia, clássicos que marcaram época e interpretações que ajudaram a consolidar seu nome, ao mesmo tempo em que abre espaço para releituras e diálogos com artistas convidados que representam distintas gerações da MPB.

A partir de fevereiro de 2026, o Big Time Rush retornará à América do Sul pela primeira vez desde a temporada esgotada de 2023. A banda tocará todas as músicas de todos os episódios de sua série de sucesso da Nickelodeon, muitas das quais nunca foram tocadas ao vivo. Katelyn Tarver e Stephen Kramer Glickman, também conhecidos como Jo e Gustavo no programa, se juntarão à banda como banda de apoio em todas as datas da turnê.

A exposição apresenta uma seleção de obras de Augusto de Campos derivadas do livro pós poemas (2025), publicado às vésperas de o poeta completar 95 anos. Reunindo trabalhos produzidos ao longo das últimas duas décadas, a mostra propõe uma síntese de sua pesquisa poética e ocupa a Sala Modernista da galeria, em diálogo com a arquitetura de Rino Levi.No espaço expositivo, os poemas se afirmam como experiências visuais e espaciais, em que palavra, cor, som e forma se articulam de maneira indissociável. A leitura deixa de ser linear e passa a exigir uma percepção ativa do público, característica da tradição verbivocovisual do Concretismo. Obras como Vertade (2021) e Esquecer (2017) exploram jogos gráficos, apagamentos e deslocamentos semânticos, convidando à reflexão sobre linguagem, memória e tempo — tema central também do título pós poemas, que evoca tanto o “depois” quanto o resíduo do que permanece.

Em cartaz desde agosto de 1987 a peça foi inspirada no conto dos irmãos Grimm “Os Músicos de Bremen” e narra a história do encontro de quatro animais (um jumento, um cachorro, uma galinha e uma gata), que devido a maus tratos, fugiram de seus patrões. Juntos decidem formar um grupo musical e rumam à cidade para começar a carreira artística. No caminho encontram seus antigos donos e temendo serem novamente escravizados, resolvem enfrentá-los. Os bichos vencem e chegam à conclusão de que unidos conseguirão superar todas as dificuldades.

Guilherme Arantes se prepara para a turnê “50 Anos-Luz”, que marcará os seus 50 anos de carreira, em 2026. Dono de uma trajetória que atravessa gerações, o cantor e compositor revisitará seus maiores clássicos.Em 2026, a turnê “50 Anos-Luz” promete ser um marco: celebrando meio século de história de um artista que é patrimônio da música brasileira.

A Galatea apresenta Entre a pintura e a pintura, exposição individual que marca o início da representação de Guilherme Gallé pela galeria. Com introdução escrita por Rodrigo Naves e texto crítico assinado por Tadeu Chiarelli, a mostra reúne trabalhos inéditos em pinturas e trabalhos em papel que evidenciam a investigação contínua do artista sobre os limites, as potencialidades e a permanência da pintura na contemporaneidade. A pintura de Gallé se desenvolve a partir de um processo contínuo de depuração, no qual cada quadro dá origem ao seguinte, em um encadeamento no qual cor, forma e espaço se reorganizam em resposta mútua.

A ópera de Prokofiev tem uma trama cômica e de origem complexa: um conto de fadas do século XVII escrito por Giambattista Basile, adaptado para teatro por Carlo Gozzi no século seguinte. O enredo narra a saga de um rei para curar a melancolia de seu filho. Para isso, ele convoca uma série de entretenimentos, não sem o antagonismo de personagens típicos dos contos de fadas. A musicalidade, espirituosa e inventiva, transita entre os limites da música russa e a tradição romântica. Essa combinação de elementos faz desta ópera um espetáculo único.

Inconformadas apresenta na Claraboia obras de 24 artistas mulheres do período moderno e contemporâneo que encontraram na abstração um espaço de criação. A mostra parte de uma hipótese central: formas moles e fluidas, quando realizadas por mulheres, foram historicamente interpretadas como sinais de uma feminilidade negativa, associadas à fragilidade, à intuição e à falta de rigor, e, por isso, desvalorizadas. Já quando esses mesmos recursos aparecem na obra de artistas homens, costumam ser celebrados como poéticos, ousados ou inovadores. Essa assimetria crítica revela um sistema simbólico de exclusão que posicionou as mulheres entre dois polos opostos — o do sexo e o da arte — raramente reconhecendo-as como sujeitos plenos da criação artística. As obras aqui reunidas enfrentam justamente esse impasse.

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A mostra “Duplo” tem texto crítico assinado pela curadora e pesquisadora Pollyana Quintella. Com colagens e fotografias impressas sobre a seda, a mostra reúne 14 trabalhos inéditos da artista, dos quais seis resultam da pesquisa realizada durante sua residência artística na “Cité Internationale des Arts” (Paris, 2025). Em sua prática, a artista investiga a relação entre a paisagem, a cor e a superfície. Ela transita pela fotografia e pela colagem, concentrando-se na construção da imagem por meio do recorte e da justaposição. Na individual “Duplo”, Julia Kater apresenta trabalhos recentes, desenvolvidos a partir da pesquisa realizada durante sua residência artística em Paris.

A Central Galeria apresenta a individual da artista Sofia Borges, “O cristalino, o rasgo e mistério“, primeira exposição da artista no Brasil desde o seu retorno de Nova Iorque.A poética do trabalho de Borges se desenvolve em torno da formação da imagem em suas diversas formas dentro do imaginário histórico-social geral e pessoal da artista. Seu trabalho retraça frequentemente linhas de resgate de ancestralidades por meio de materiais, como metais, rochas e minerais, assim como à figura da paleontologia, da mitologia, do teatro e da análise da figura humana, especialmente do rosto. O museu ocupa um espaço igualmente importante em sua pesquisa uma vez que ele se apresenta como um agente de reconfiguração eterno de imagens dentro da sociedade.

A cantora protagoniza um movimento ousado e inédito na música brasileira: o lançamento de dois álbuns completos em sequência. Na turnê Um Mar Pra Cada Um, Antes Que A Terra Acabe, Luedji apresenta ambos os discos, com um repertório que une as canções mais recentes a sucessos que marcaram sua carreira.O show é conduzido pela combinação de sonoridades que atravessam o neo soul, jazz, MPB e hip hop, e pela entrega emocional de Luedji, que coloca em suas canções uma reflexão sincera sobre amor, espiritualidade e identidade.

A exposição Germinações reúne obras de Vera Martins e Armarinhos Teixeira, com curadoria de Marcus de Lontra Costa. A mostra propõe um diálogo entre duas produções que investigam a natureza não como tema ou representação, mas como processo material e estrutural da obra. Organizada como um percurso que alterna 18 obras entre pinturas, esculturas, instalações e objetos, a exposição evidencia que o que conecta os dois artistas não é a afinidade formal, mas o modo como ambos submetem a matéria a operações de desgaste, repetição, recomposição e transformação, colocando em crise a ideia de suporte estável e de forma definitiva.No conjunto apresentado por Vera Martins, a pintura é tratada como corpo físico. Já Armarinhos Teixeira apresenta um conjunto de esculturas e instalações recentes que aprofundam sua pesquisa em torno de formas híbridas e organismos instáveis. Enquanto Vera Martins opera a partir do confronto direto com o suporte e sua degradação, Armarinhos Teixeira constrói sistemas que simulam processos naturais, reprodução, seriação, transformação contínua. Em ambos os casos, a matéria não é passiva: reage, impõe limites e redefine o resultado formal da obra.

Abandonada por Jasão, que decide se casar com Creúsa, filha do rei Creonte, a feiticeira Medea vê ruir não apenas o seu matrimônio, como também sua identidade. Movida pela fúria e pela vingança, ela envia presentes envenenados para sua rival, o que culmina na morte da família real. Para atingir o marido no que ele tem de mais precioso, Medea assassina os próprios filhos.

O musical acompanha a trajetória de Victor, um menino de imaginação fértil, hipnotizado pelo cotidiano limitante das telas que o impedem de enxergar o mundo como ele realmente é. Mergulhado em um sonho Victor embarca em uma jornada fantástica na qual se defronta com seus medos e descobre novas perspectivas ao lado de Susi e de um grupo de personagens marcantes. Entre amigos e antagonistas, ele atravessa um verdadeiro rito de passagem, aprendendo a lidar com as transformações e contradições da infância rumo à adolescência.Um menino apaixonado por moda, ganha de sua mãe a boneca Susi, que foi ícone fashion dos anos 60 e pioneira em muitas questões que hoje em dia estão em alta. O mundo disparou, vieram as redes sociais, imposições de novos padrões estéticos, comportamentais e Susi dá início a sua jornada, com o objetivo não só resgatar sua história, mas também trazer questionamentos sobre como manter a própria identidade num mundo tal padronizado.

Minerva Cuevas (Cidade do México, 1975) é uma artista conceitual mexicana que desenvolve projetos que dialogam com antropologia, história e ciências naturais. Sua obra abrange diversos suportes e mídias, como instalação, muralismo, pintura, vídeo e performance.No ano de Histórias da ecologia no MASP, Cuevas abordará pelo menos três aspectos de seu trabalho. O primeiro diz respeito às suas investigações sobre os impactos do mundo corporativo na vida cotidiana. Cuevas se apropria de logomarcas, campanhas de marketing, slogans e símbolos de grandes empresas para discutir temas como consumo, valor e propriedade. O segundo aspecto a ser explorado na exposição está relacionado ao subtítulo, inspirado no conceito de “ecologia social”, desenvolvido pelo filósofo estadunidense Murray Bookchin (1921-2006

Game+ arte, cultura e comunidade é a última grande exposição de 2025, que ocupará os três pisos do espaço expositivo. A mostra busca revelar o universo amplo e variado dos videogames, tratando-o como um campo decisivo da cultura e não apenas como entretenimento. O universo dos games, com seus personagens e mundos que marcam o imaginário coletivo, atravessa gerações e forma comunidades, manifestando-se no audiovisual, na moda, no comportamento, na educação e com papel central na indústria criativa.Esta é a terceira exposição realizada pelo Itaú Cultural dentro deste tema. Em 2003 foi realizada Game o quê e, em 2009, GamePlay, tratando o game como forma artística. Game+ se articula em três eixos curatoriais: Sociedade e economia criativa; Educação; e Arte e inovação.

De nome de batismo Sebastião Bernardes de Souza Prata, nascido em Uberlândia (MG) em 1915 (ou 1917, de acordo com alguns registros), ele adotou primeiro o nome Pequeno Otelo e depois Grande Othelo – ele mesmo acrescentou o “h” no nome e assim está registrado em sua lápide. Morreu aos 78 anos no aeroporto Charles de Gaulle, em Paris, França, em 1993, vítima de um ataque cardíaco fulminante quando se preparava para seguir para o Festival de Nantes, onde receberia uma homenagem. A Ocupação Grande Othelo se propõe em revelar percursos pouco conhecidos do público sobre Othelo, como, por exemplo, suas contribuições à classe artística brasileira, tendo sido vice-presidente da Associação Brasileira de Atores Cinematográficos.

A mostra nasce do encontro simbólico entre o rio Charente, que atravessa a região da Nova-Aquitânia, e o sistema Tietê-Pinheiros, eixo fluvial que estrutura a metrópole paulista. Entre as duas margens, a exposição se transforma a cada etapa, incorporando novas obras, montagens e relações. A curadoria parte da ideia de “confluência” formulada pelo pensador quilombola Antônio Bispo dos Santos — encontro que soma sem subtrair — para propor a mostra como um campo de escuta e coexistência, em que as águas são entendidas como seres vivos, portadores de direitos e memórias, mas também como testemunhas de passados coloniais e agentes de transformação.As obras abordam questões ligadas à escassez, à contaminação, às infraestruturas e às possibilidades de reparação. Barbara Kairos, artista de Angoulême, na França, reelabora criticamente a história do “jacaré do Tietê”, transformando um episódio da memória urbana em alerta sobre a política das águas. A também francesa Capucine Vever, que pesquisa a paisagem fluvial e suas camadas coloniais, parte de arquivos e da escuta do rio Garona para aproximar imagem e história.

O Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo recebe a exposição internacional Joaquín Torres García - 150 anos, inédita no país. A mostra celebra a trajetória de um dos pilares da arte moderna na América Latina, com cerca de 500 itens, entres obras e documentos, incluindo pinturas, manuscritos inéditos, maquetes, desenhos e os célebres brinquedos de madeira produzidos pela família do artista uruguaio. Com curadoria de Saulo di Tarso em colaboração com o Museo Torres García e organização da Cy Museum, é a primeira vez que esse conjunto tão amplo e diversificado do artista é apresentado no Brasil, com peças que deixarão pela primeira vez as reservas técnicas do museu uruguaio, revelando ao público aspectos pouco conhecidos da produção do artista.

Getúlio Abelha traz o universo de seu álbum Autópsia, em que amplia radicalmente sua pesquisa musical, misturando cumbia, funk, seresta, dubstep, bolero, emo e pop rock em uma obra que nasce do caos, da reinvenção e da busca por conexão. O disco explora temas como solidão, amadurecimento e transformação, traduzidos em sonoridades que oscilam entre o brega futurista, o eletrônico distorcido e melodias de seresta. Nascido em Teresina e marcado também pela vivência artística em Fortaleza, Getúlio constrói um trabalho profundamente conectado às culturas do Norte e Nordeste. Suas criações revisitam tradições sob um olhar contemporâneo, explorando o cotidiano, as relações de poder e os comportamentos sociais com ironia e inventividade.

Vanessa começou a estudar violão aos 15 anos e uma das primeiras canções que aprendeu a tocar foi “Azul”, de Djavan. Desde então, sua admiração por essa música e pela obra do artista só cresceu, tornando Djavan um dos seus compositores favoritos.Nesse show intimista, acompanhada por Felipe Roseno na percussão e Tarcísio Santos na guitarra, Vanessa revisita canções de diferentes momentos da trajetória do cantor, como “Seduzir”, “Esquinas”, “Luz e Capim”, além de clássicos inesquecíveis como “Nem Um Dia”, “Sina” e “Oceano”.

Luan Santana é um dos maiores fenômenos da música brasileira contemporânea. O cantor começou cedo, conquistando o país a partir do sucesso de “Falando Sério” e explodindo nacionalmente com hits como “Meteoro”, “Te Esperando” e “Acordando o Prédio”. Com uma carreira marcada por recordes de público, prêmios importantes e DVDs históricos gravados em grandes palcos, Luan construiu uma trajetória que une talento, carisma e inovação no sertanejo. O show Registro Histórico celebra essa caminhada de sucesso, reunindo momentos marcantes e canções que atravessaram gerações e consolidaram o artista como referência no cenário musical.

TRANSCLANDESTINA 3020, de Manauara Clandestina, dá continuidade à pesquisa apresentada pela artista na 36ª Bienal de São Paulo. Com curadoria de Aldones Nino, a exposição reúne têxteis, vídeo, fotografia e objetos em torno da migração entendida como prática de atravessamento, transmutação e construção de redes de cuidado.Tendo o filme TRANSCLANDESTINA 3020 como eixo conceitual, a mostra propõe um exercício de imaginação coletiva que ultrapassa fronteiras geográficas, corporais e simbólicas. A noção de transmutação se materializa em trabalhos que incorporam materiais descartados por meio do upcycling, entendido como gesto político e ferramenta de reorientação de valores. Ao transformar o espaço expositivo em um “Ministério Trans de Imigração”, a artista cria um território simbólico de acolhimento, onde alianças, afetos e práticas coletivas apontam para outras formas possíveis de existência.

Alcione, a Marrom, retorna a São Paulo com o espetáculo de uma carreira que ultrapassa cinco décadas. No repertório, o público viverá um encontro com clássicos que se tornaram parte do imaginário nacional. Alcione também apresenta faixas do seu 47º álbum, obra com músicas inéditas assinadas por nomes como Zeca Pagodinho, Arlindo Cruz e Xande de Pilares, incluindo os singles “Marra de Feroz” e “Não Mexe Comigo”, celebrados pelo público e por grandes artistas brasileiras . Destaque ainda para a releitura de “Evidências”, que ganhou repercussão nacional e viralizou nas redes.

“PRISMA – eu sou assim” é uma aventura cheia de graça que se passa dentro e fora da cabeça de uma menina autista. A peça é o ponto de vista bem-humorado e inusitado desta criança e a plateia acompanha sua história: o nascimento, a infância, as relações familiares, a escola, as interações com os amigos e as primeiras descobertas de vida.

A artista autodidata Rafael Chavez inaugura “Jardim Flamejante”, sua primeira individual na Casa Triângulo. Com curadoria crítica de Walter Arcela, a mostra reúne pinturas e esculturas que exploram o sertão nordestino como território sensorial, espiritual e político, articulando matéria, memória, cosmologia e corpo.Na mostra, o sertão surge não como cenário, mas como corpo vivo e múltiplo, atravessado por espiritualidade, ancestralidade e pela presença de corpos queer e desviantes, que desafiam estereótipos e normas identitárias. A exposição afirma a relevância de Rafael Chavez na arte contemporânea brasileira, apresentando um “jardim ardente” onde arte, território e cosmologia se unem.

Reconhecida por sua voz sensível e destaque na cena latino-americana contemporânea, Silvana apresenta neste trabalho um olhar profundo sobre perda, cura e renascimento. Produzido de forma independente pela própria artista, o disco nasceu de um período intenso de transformação pessoal e marca uma expansão sonora em relação ao seu trabalho Marchita (2022), álbum que a levou a conquistar o Latin Grammy de Artista Revelação.No palco, a artista conduz o público por canções que transitam entre o indie-folk, jazz e sonoridades latino-americanas, criando uma experiência íntima e emocional.

Os acordes que abrem o concerto com Prelúdio e Fuga, de Bach, ganham peso na orquestração de Villa-Lobos que, sem pretender fidelidade ao original, explora na década de 1930 os recursos da orquestra moderna. O programa avança com Hera Hyesang Park que, em sua estreia com a Osesp, interpreta as Quatro canções de Strauss, verdadeiras melodias de amor dedicadas à soprano Pauline de Ahna. Por fim, continuando o ciclo de sinfonias de Mahler, Thierry Fischer apresenta sua leitura da Quarta. Entoando uma canção folclórica, a obra narra a visão do paraíso de uma criança pobre, um final tocante que aborda o universo infantil, associado à pureza do estilo clássico.

Com coordenação de Lissa Carmona, curadoria de Francesco Perrotta-Bosch apoiado pela Fundação Oscar Niemeyer, a exposição propõe um reencontro entre a dimensão internacional da obra do arquiteto e o contexto brasileiro, convidando o visitante a revisitar seu olhar e reconhecer a potência criativa que articula o Brasil ao cenário global.

A Galeria Frente exibe uma exposição totalmente dedicada a Amadeo Luciano Lorenzato (1900 – 1995) e com um número tão expressivo de obras do artista. “O mundo misterioso inventado por Lorenzato” reúne 118 obras deste que é considerado um dos maiores nomes das artes visuais brasileira, mas, principalmente de Minas Gerais. Trata-se de um conjunto excepcional de pinturas cujos traços perpetuaram, em obras icônicas, cenas cotidianas, favelas, paisagens e agricultura mineiras. Destaque para “Lenhador”, de 1933: um trabalho de Lorenzato considerado como o mais antigo no mundo de que se tem conhecimento até hoje. A exposição pontua um encontro de obras provenientes de coleções privadas cuja seleção revela a potência lírica do artista na observação do mundo à sua volta, explica o diretor da Galeria, Acacio Lisboa.

A cia Navega Jangada traz atividades investigativas, imaginativas e lúdicas através do diálogo entre o Espaço e o público, trazendo os adultos para brincar junto às crianças.

Ópera do Malandro - Musical, um espetáculo de Chico Buarque, na visão de Jorge Farjalla, com direção musical de Gui Leal.Max Overseas Navalha é um contrabandista bem-sucedido, que se casa às escondidas com Teresinha, filha de Duran e Vitória Régia, donos de uma rede de bordéis e aspirantes à alta sociedade que, enfurecidos com o casamento, planejam um golpe contra o malandro. Duran e Max têm em comum um sócio, o delegado Chaves, que protege as atividades ilegais de ambos. Querendo prejudicar Max, Duran decide fazer ruir a torre de babel da corrupção que todos desfrutam. Cada um sai então em busca de seus próprios benefícios às custas da extorsão dos outros, de mentiras e traições. Numa festa à brasilidade, à cultura popular e ao folclore, o musical celebrará a umbanda e o povo da rua para contar a história de um texto que marcou uma geração e que se consagra até os dias atuais como um marco no Teatro Musical Brasileiro.

A investigação da luz natural e seus efeitos teatrais, que transmutam a percepção do cotidiano, é o ponto de partida da pesquisa poética do fotógrafo Fabio Mattos em suas andanças pelo mundo. Essa pesquisa culmina agora na publicação do fotolivro “Solaris” (Fotô Editorial), que será lançado na abertura de sua exposição individual . A mostra, tem curadoria assinada por Eder Chiodetto, responsável também pela edição do fotolivro.Com mais de 12 anos de carreira, Fábio Mattos construiu uma poética profunda enraizada nas sombras e luzes que coreografam destinos, criam miragens e desvelam paisagens. Ao todo a exposição reúne 27 fotografias, entre inéditas e produções realizadas ao longo da trajetória do artista.

Inspirada na Música Popular Brasileira, Mari Froes carrega uma identidade única ao se mover através dos ritmos brasileiros com autenticidade e percepção. Artista revelação do selo 777 Music Group, Mari Froes traz composições que passam pela MPB, Bossa Nova, Samba e Jazz com sensibilidade e encanto. Froes começou a trilhar seu caminho na música compartilhando versões de suas canções favoritas no YouTube. Em julho de 2024, ela foi convidada pelo Colors Studio para gravar a música “Gabriela”. No mesmo ano, a artista fez um vídeo cantando um trecho de “Figa de Guiné”, de Nei Lopes e Reginaldo Bessa, que se tornou viral no TikTok.

A soprano Hera Hyesang Park e a pianista Olga Kopylova levam o público a uma volta ao mundo. O recital começa e termina com árias escritas na Itália — país com tradição na música vocal. Pelo caminho, o repertório passa pelos compositores coreanos como Dunam Cho e Unyoung. Na sequência, ouvimos uma seleção de obras do alemão Richard Strauss, e os americanos Luíz Eduardo Corbani e Florence Price — a primeira mulher negra a obter sucesso como compositora de música de concerto. De Price, serão tocadas três pequenas peças para piano. De Corbani, uma peça para piano solo e uma canção. Os demais compositores do programas são espanhóis, catalães e bascos. Enrique Granados, Fernando Obradors e Jesús Guridi pertencem à geração da segunda metade do século XIX responsável pela consolidação do nacionalismo musical. Já Xavier Montsalvatge, Antón García Abril e Ernesto Halffter estão entre os nomes mais representativos da música espanhola recente.

O Centro MariAntonia inaugura a exposição Nossa estranheza e a vergonha, da pintora Gilda Vogt, com curadoria de Khadyg Fares, doutoranda em História da Arte na Universidade Federal de São Paulo (Unifesp). A mostra reúne um conjunto de pinturas em tinta acrílica sobre tela, abrangendo o período de 1989 a 2024, que reitera em sua linguagem poética a noção de afecção, ou seja, da experiência de ser afetado por algo ou alguém. Também é notório o predomínio do fundo branco da tela, a translucidez da tinta diluída e a fluidez dos contornos.

O Centro MariAntonia inaugura a exposição Neo-andina 15-25, do fotógrafo Tatewaki Nio, com mais de 60 trabalhos. A curadoria é do professor da USP, Ivo Giroto, e do pesquisador Diego Matos, com consultoria de Guilherme Wisnik, docente da USP. A mostra tem como eixo central a arquitetura “neo-andina”, fenômeno cultural e estético surgido na cidade de El Alto, Bolívia, que tem como um dos seus principais expoentes o arquiteto boliviano Freddy Mamani. A exposição parte do trabalho fotográfico de Tatewaki Nio das construções extravagantes e super-coloridas, realizadas entre 2015 e 2025, e que incluirá fotografias, maquetes, projeções e vídeos, captados pelos alunos de graduação da disciplina Cultura Urbana na Contemporaneidade da Faculdade de Arquitetura, Urbanismo e Design (FAU) da USP.

A exposição "José Antônio da Silva: Pintar o Brasil", com lançamento do livro da mostra, pela Editora Martins Fontes dá luz sobre a trajetória do muitas vezes considerado o Van Gogh brasileiro. A exposição tem curadoria do espanhol Gabriel Pérez-Barreiro e chega a São Paulo, com obras adicionais curadas por Fernanda Pitta, após ter passado pelo Musée de Grenoble (FR), como parte da Temporada Brasil-França 2025, em abril, e pela Fundação Iberê Camargo, em Porto Alegre (RS), em agosto. A mostra tem um total de 142 obras, sendo 23 acréscimos provenientes do rico acervo da instituição, o maior do artista no Brasil, formado com doações dos primeiros colecionadores de Silva, entre os quais estão Ciccillo Matarazzo e Theon Spanudis. Dentre as obras, o público poderá ver, de maneira inédita, o primeiro livro do artista exposto na íntegra, com 76 desenhos, chamado "Romance da minha vida".

A exposição é primeira panorâmica institucional da artista Marga Ledora e apresenta uma reunião significativa de séries até hoje raramente vistas em seu conjunto, além de um expressivo grupo de obras pouco conhecidas. A visita começa pela série Quadrus Negrus (1986), com mais de 20 trabalhos fundamentais de Ledora. Obras como Casa em amarelu (1986) marcam o início do trabalho de experimentação de linhas e cores, base para toda a sua produção artística. Nas obras, o giz pastel seco faz o traçado de triângulos, retângulos e fendas em linhas secas sobre o papel Carmen preto, item raro à época de produção da série.

Abrindo a noite, CAE traz as rimas afiadas e a força da periferia de São Paulo, celebrando a mixtape “ÚLTIMO ANO SENDO POBRE” e seu lugar entre as apostas do hip-hop nacional. Na sequência, Tevito chega com a autenticidade do Capão Redondo, conectando vivências, afetos e resistência em músicas que já somam milhões de plays.Encerrando, Nanda Tsunami sobe ao palco com sua mistura magnética de trap, funk, espiritualidade e energia crua. Em seu show, a artista apresenta o disco É disso que eu me alimento, uma obra que transforma autoconhecimento, força e intensidade em performance visceral.

Guitarricadelafuente é um músico suspenso entre mundos. Criado entre a pacata cidade costeira de Benicàssim e a vila de sua avó, Las Cuevas de Cañart, ele cresceu cercado pelos ecos evanescentes do folk rural e do flamenco - tradições que absorveu enquanto gradualmente descobria a vida além das fronteiras da Espanha, seu país de origem. A partir dessa criação, ele moldou uma voz que ressoa com o limbo emocional de uma geração presa entre o anseio genuíno e a sobrecarga digital.Suas músicas reinterpretam tradições folclóricas espanholas em paisagens indie-pop texturizadas, carregadas por tons lo-fi e sussurros flamencos.

A Gentil Carioca apresenta com alegria o Abre Alas 21 (2026), celebrando a 21ª edição do projeto. Desde 2005, o Abre Alas inaugura o calendário anual de exposições e reafirma, a cada edição, o desejo de abrir caminhos, criar encontros e acompanhar de perto o nascimento e o amadurecimento de novas trajetórias na arte contemporânea.Nesta edição, a curadoria — formada por Felipe Molitor, Lena Solano Guedes e Ramon Martins — escolheu 14 artistas - Curitiba (PR), Rio de Janeiro (RJ), Duque de Caxias (RJ), Cali (Colômbia), Caracas (VE), São Paulo (SP), Belo Horizonte (MG), Lages (SC), Salvador (BA) e Belém (PA), cujas pesquisas revelam a diversidade de contextos, linguagens e afetos que atravessam a produção artística atual: Ana Luiza Domicent, Ana V. Lopes, David Caicedo Alzate, Felipe Braga, Jean Deffense, Leticia Morgan, Lucas Emanuel, Lucas Speranza, Oriana Pérez, Sheila Kracochansky, Telma Gadelha, Thatiane Mendes, Vicente Baltar e Yara Ligiéro. Os artistas escolhidos apresentam obras nas duas galerias simultaneamente.

Ainda Bem, Atravessei as Nuvens é a segunda exposição individual de Gabriela Machado na galeria e reúne obras produzidas entre 2025 e 2026. A mostra marca uma inflexão importante na trajetória da artista, com a ampliação da linguagem figurativa para grandes formatos, sem abandonar a prática cotidiana da pintura como exercício contínuo de atenção e presença.Com uma paleta cromática intensa — marcada por cores neon, camadas de brilho, transparências e vestígios de glitter —, as obras evocam memórias, pequenos acontecimentos e imagens ligadas à luz, ao lúdico e ao encantamento. Referências ao universo do circo, a objetos cotidianos e a lembranças da infância atravessam a exposição, não como nostalgia, mas como uma condição de sensibilidade. A pintura de Gabriela Machado propõe uma pausa: um convite a sustentar o olhar, o gesto e o afeto em um tempo que insiste em desacelerar.

ANTONIO DIAS / IMAGE + MIRAGE é uma exposição individual de Antonio Dias (1944–2018), organizada pela Gomide&Co em parceria com a Sprovieri, Londres, a partir de obras preservadas por Gió Marconi. Com organização e texto crítico de Gustavo Motta e expografia de Deyson Gilbert, a mostra destaca sete pinturas realizadas entre 1968 e 1971, período inicial do artista em Milão e fundamental para sua trajetória.Reunindo obras históricas, documentação inédita do Fundo Antonio Dias (IAC) e uma equipe curatorial dedicada a revisitar esse momento de produção, a exposição propõe uma leitura contemporânea da obra de Dias, evidenciando a atualidade de suas investigações conceituais e sua relevância no contexto internacional.

Trama propõe um diálogo inédito entre bancos de madeira produzidos por etnias indígenas, majoritariamente do Alto Xingu, e obras da série Tecelares (1953–1960), de Lygia Pape. Com texto crítico de Camila Bechelany e expografia do escritório Acayaba _ Rosemberg Arquitetos, a exposição reúne mais de dez bancos provenientes da coleção Porangatu, evidenciando a sofisticação técnica, simbólica e estética dessa produção ancestral.Ao aproximar esses objetos de uso ritual e cotidiano das xilogravuras de Pape, a mostra revela paralelos entre gesto, matéria e conhecimento, em que a madeira deixa de ser suporte passivo para se afirmar como agente de sentido. Sem buscar sínteses fáceis, Trama cria uma fricção produtiva entre ancestralidade e modernidade, convidando o público a refletir sobre diferentes modos de compreender o mundo como entrelaçamento de forma, experiência e cultura.

Paulinho da Viola retorna ao Espaço Unimed com seu espetáculo “Quando o Samba Chama”. A apresentação promete uma viagem pelos grandes sucessos que marcaram sua carreira. Com mais de 60 anos dedicados ao samba e com trabalhando o recente álbum comemorativo pelos seus 80 anos, Paulinho é referência no cenário musical brasileiro, conhecido por sua especificidade e sofisticação tanto nas composições quanto nas interpretações.

Enraizada em danças populares brasileiras e em vocabulários de movimento muitas vezes marginalizados pelos discursos culturais hegemônicos, a obra coreográfica celebra o encontro e o conflito, misturando danças populares brasileiras, música ao vivo e uma abordagem coletiva e política da dança. É nessa encruzilhada de mundos que a tradição se relaciona ao urbano, o popular ao institucional, o conflito ao aprendizado mútuo.Em tempos marcados pela fragmentação, pela competição e pela privatização da felicidade, mover-se em grupo torna-se tanto um desafio criativo quanto um posicionamento político. A trilha é criada ao vivo, em tempo real, como parte desse trabalho coletivo. Os bailarinos também são músicos – tocam percussões, manipulam texturas eletrônicas e utilizam a voz como instrumento.

Conhecido por sua energia contagiante no palco, o artista americano Cory Wong vem ao Brasil pela primeira vez e vai se apresentar com sua banda completa, formada por nove integrantes, que inclui uma seção de metais, com cinco músicos.Com um som vibrante que mistura funk, jazz e groove, Cory transforma cada show em uma celebração da música e da criatividade. Mais do que um músico virtuoso, Cory é um verdadeiro criador de experiências. Além de seus projetos musicais, ele se destaca como apresentador, produtor e criador de conteúdo, colaborando com grandes marcas como Apple, onde lançou seu próprio Producer Pack.

Autobiografia do Vermelho parte do mito grego de Gerião, recriado pela poeta Anne Carson em uma obra que mistura poesia, narrativa e reflexão. A figura do monstro vermelho dá lugar a um menino alado que vive no final do século XX, atravessando questões de identidade, desejo e criação artística. Ao reinventar o mito, Carson constrói um retrato sensível e intenso sobre crescer, amar e aceitar o caráter singular — e fantástico — de ser quem se é.

Recortes, de Cristiano Mascaro apresenta um conjunto de fotografias analógicas e digitais ampliadas, realizadas ao longo de diferentes momentos da trajetória do artista, cuja obra contribuiu de forma decisiva para a construção da memória visual da metrópole e de seus espaços arquitetônicos.

Os shows serão uma celebração dos grandes clássicos do Genesis, com apresentações que abrangem diferentes momentos da banda, incluindo hinos como Supper’s Ready, Firth of Fifth, Carpet Crawlers e The Cinema Show, entre muitos outros e algumas pérolas do repertório da carreira solo de Steve.Em Março de 2026, três anos após a apoteótica Tournée que apresentou a releitura do Show Seconds Out, desta vez, os apaixonados fãs poderão assistir ao artista, em apenas duas apresentações, acompanhado da fantástica banda Genetics, que juntos virão ao Brasil para celebrar o melhor do repertório do Genesis.

Uma contadora aposentada, exímia na arte de “ajustar” números, mas incapaz de organizar a própria vida, entra em desespero ao ver a filha prestes a sair de casa em busca de independência. Enquanto tenta, a qualquer custo, impedir essa partida, ela passa a receber ligações misteriosas de sua mãe já falecida, vindas diretamente de um “além” peculiar.Asas de Pano apresenta uma história sobre mães, filhas e a descoberta de que um ninho vazio pode ser um caminho para que o amor possa transbordar. Escrito com humor enquanto mergulha nas complexidades da adoção, identidade e o amor incondicional.

O Farol Santander apresenta As Aventuras de Pinóquio (2025), uma imersão na obra clássica de Carlo Collodi. Criado no final do século XIX, o boneco de madeira atravessa gerações como metáfora de amadurecimento, identidade e transformação. A exposição combina história, arte e entretenimento em um percurso sensorial e educativo. Dividida em núcleos temáticos inspirados nos capítulos do livro, a mostra reúne ilustrações históricas, obras contemporâneas, instalações interativas e referências do cinema.

Ianni explora a relação entre história e política, abordando as contradições da modernização e as mitologias do progresso, especialmente em relação ao Brasil.

Em 2026, o Lollapalooza Brasil traz um line-up diversificado, que reúne artistas como Tyler, The Creator, Lorde e Deftones, além de Sabrina Carpenter e Chappell Roan, garantindo atrações para todos os gostos. O evento promete três dias de shows de peso e um encontro de gerações e gêneros, reafirmando sua posição como um dos pontos altos do calendário musical nacional.

Exposição Reúne cerca de 80 obras nacionais e internacionais do acervo do MAC USP, um dos mais importantes acervos de arte abstrata nacional e internacional do Brasil.

O Brasil recebe, pela primeira vez, a aclamada sitarista e compositora Anoushka Shankar, um dos nomes mais influentes da música contemporânea global. A turnê brasileira de Anoushka marca um momento simbólico da carreira da artista, que celebra três décadas de apresentações desde sua estreia aos 13 anos. Discípula de seu pai, Pandit Ravi Shankar, ela cresceu aprendendo não apenas a tradição transmitida por gerações, mas também a liberdade de improvisação que marcaria sua identidade artística.

O concerto Diálogos: Shaw, Mozart e Haydn reúne o Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo em um programa que aproxima diferentes épocas e linguagens da música de câmara. No repertório, a contemporaneidade de Caroline Shaw dialoga com o classicismo de Haydn e Mozart. Reconhecido por sua excelência artística, o grupo atua como um dos principais intérpretes de música de câmara do país. O programa propõe escutas cruzadas entre tradição, inovação e sensibilidade contemporânea.

Leda é uma professora de meia idade, divorciada e bem-sucedida que viaja sozinha de férias para a praia em busca de descanso. Na areia, ao observar a serenidade de uma jovem mãe que brinca com sua criança, se vê assombrada por um dilema que parecia soterrado no passado: o abandono do marido e das duas filhas em busca de uma vida mais livre. Adaptação para o palco do romance de Elena Ferrante.

Leda é uma professora de meia idade, divorciada e bem-sucedida que viaja sozinha de férias para a praia em busca de descanso. Na areia, ao observar a serenidade de uma jovem mãe que brinca com sua criança, se vê assombrada por um dilema que parecia soterrado no passado: o abandono do marido e das duas filhas em busca de uma vida mais livre. Adaptação para o palco do romance de Elena Ferrante.

O Segredo de Brokeback Mountain é uma história de amor entre dois cowboys no interior dos Estados Unidos na década de 60. Jack Twist e Ennis del Mar são jovens que se conhecem ao serem contratados para cuidar das ovelhas de Joe Aguirre em Brokeback Mountain. Os dois cowboys, pobres, ao passarem semanas isolados, no frio e em más condições de trabalho, começam a criar uma intimidade que se transforma em um romance intenso e conflituado. Com o fim do trabalho, voltam às suas vidas, deixando um enorme pedaço de quem são em Brokeback Mountain – e que passam o resto de suas vidas tentando recuperar. A peça é de Ashley Robinson, adaptada do conto de Annie Proulx, que teve uma notória e premiada versão de Ang Lee para o cinema. A história atravessa personagens profundamente humanos e faz pensar sobre a intolerância, os medos, as fragilidades, os interditos e o poder do amor.

O rapper Baco Exu do Blues apresenta a sua nova turnê, do disco "HASOS". O espetáculo celebra o álbum, que reúne 18 faixas entre canções e textos profundos, em um mergulho nas falhas, sentimentos e contradições do artista.

O filme francês O Fabuloso Destino de Amélie Poulain ganha uma trilha sonora executada ao vivo em uma apresentação única e imersiva.Idealizado e produzido pelo compositor e pianista Anselmo Mancini, o Cine Concerto apresenta uma execução musical fiel à trilha original do filme, com sistema de sincronização próprio e uma formação instrumental desenhada especialmente para cada obra. Neste espetáculo, a trilha sonora composta por Yann Tiersen é interpretada ao vivo por um quinteto: Anselmo Mancini (piano), Dicinho Areias (acordeom), Amauri Lopes (violino), Thiago Righi (bandolim) e Everton Barba (bateria e percussão).Dirigido por Jean-Pierre Jeunet, o longa acompanha Amélie, interpretada por Audrey Tautou, em sua missão de transformar a vida das pessoas à sua volta — uma jornada marcada pela fantasia, sensibilidade e esperança.

Lançado em 1965, Elizete Sobe o Morro é mais do que um disco importante, é um registro histórico. Nele, uma das maiores cantoras brasileiras, Elizeth Cardoso, apresenta composições de autores ligados a escolas de samba, como Cartola, Zé Keti, Elton Medeiros, Candeia, Jair do Cavaquinho, Anescarzinho do Salgueiro e Nelson Sargento.No show que comemora os 60 anos de Elizete Sobe o Morro, Juçara Marçal (voz), Kiko Dinucci (guitarra e violão), Rodrigo Campos (cavaquinho e guitarra), Marcelo Cabral (baixo), Xeina Barros (percussão) e Fumaça (percussão) revisitam parte do repertório do álbum e interpretam composições próprias e de outros autores, como Dona Ivone Lara, Noel Rosa e Manacéa.

Melly retorna à Casa com o show de encerramento da turnê Amaríssima. Lançado via Natura Musical, Amaríssima marcou a estreia de Melly. Agora, a artista anuncia os shows de encerramento dessa era: uma celebração de um ciclo que reposicionou sua trajetória no cenário nacional e internacional.Amaríssima (2024) nasce do encontro entre o R&B, o pop contemporâneo e a musicalidade afro-baiana, costurando identidade, afeto, sensualidade e força política em canções que ecoaram muito além da Bahia. O álbum, que conta com participações de Liniker e Russo Passapusso, rendeu a Melly indicação ao Grammy Latino 2024 na categoria “Melhor Álbum Pop Contemporâneo em Língua Portuguesa”. Esses marcos consolidaram seu nome entre os principais da nova geração da música brasileira.

Em 2026, um dos álbuns mais icônicos e provocadores da música brasileira completa 40 anos. Cabeça Dinossauro, lançado pelos Titãs em 1986, transformou a banda e o próprio rock nacional ao romper padrões, desafiar o conservadorismo e traduzir, em som e fúria, o espírito de um país em transição. O Brasil tentava reaprender o significado de liberdade depois de duas décadas de censura e autoritarismo, e o álbum virou o retrato cru de uma geração inconformada.

Amor e outros estranhos é a primeira individual no Brasil de Jesse Wine, artista inglês radicado em Nova York. A exposição reúne obras recentes em cerâmica e composições em bronze. Wine apresenta três peças de argila em grande escala além de composições em bronze feitas a partir de elementos botânicos moldados, coletados ao longo de viagens realizadas nos últimos quatro anos. Essas obras constituem uma espécie de diário, no qual a experiência pessoal é registrada por meio do material, da forma e da acumulação.Membros, folhas, casas e edifícios surgem como ícones de uma memória suspensa. A matéria orgânica é preservada para além do tempo; a arquitetura permanece em um estado de interrupção.

A exposição “Angular”, reune trabalhos inéditos de Alan Oju e Guilherme Callegari, com o texto curatorial de Lorraine Mendes. A mostra propõe uma reflexão sobre o ângulo não apenas como medida geométrica, mas como gesto de vontade, ponto de inflexão e escolha, uma quebra que projeta novas direções e inaugura outras formas de ver e ocupar o espaço.Partindo de trajetórias distintas, mas atravessadas por experiências comuns no contexto urbano da Grande São Paulo, os artistas constroem um campo de diálogo marcado por tensões sutis entre desvio e permanência, controle eabertura, rigor e sensibilidade.

A exposição coletiva “... toda palavra sã”, tem meio da curadoria de Galciani Neves, reune trabalhos que tomam a palavra, o texto e os signos gráficos como elementos centrais de investigação artística. A mostra apresenta obras de Almandrade, Antonio Manuel, Arnaldo Antunes, Carla Chaim, Carlos Nunes, Carlos Zilio, Carmela Gross, Geórgia Kyriakakis, Fabio Morais, Iole de Freitas, Mira Schendel, Natalie Salazar, Shirley Paes Leme, Vitor Cesar e Waltercio Caldas, propondo um amplo panorama de experimentações que atravessam diferentes tempos, linguagens e contextos poéticos.

Até um carvalho enlouqueceu, exposição coletiva com obras de Bruno Dunley (Brasil), Lais Amaral (Brasil), Marina Rheingantz (Brasil) e Richard Aldrich (Estados Unidos) reúne artistas de contextos distintos cujas práticas compartilham um engajamento com a abstração enquanto processo material, perceptivo e temporal.O título da exposição faz referência ao mito de Orfeu, cuja música era capaz de comover animais, pedras e até árvores, suspendendo distinções entre matéria animada e inanimada. Ali, a força da música não reside na narrativa ou no significado, mas no próprio som, que atua diretamente sobre corpos e substâncias. Nesse contexto, as pinturas de Bruno Dunley testam a instabilidade da forma por meio de tensões cromáticas e hesitações compositivas. Lais Amaral trabalha com acumulação e apagamento, permitindo que as superfícies registrem tempo, pressão e resíduos. Marina Rheingantz constrói campos espaciais que oscilam entre paisagem, memória e abstração. Richard Aldrich aborda a pintura como um lugar de transferência, onde marcas, referências e decisões materiais permanecem provisórias e móveis.

Em 2026, um dos álbuns mais icônicos e provocadores da música brasileira completa 40 anos. Os Titãs Branco Mello, Sérgio Britto e Tony Bellotto sobem ao palco do Espaço Unimed para celebrar esta data histórica com a turnê Titãs – Cabeça Dinossauro 40 anos.

A maestra Mei-Ann Chen é diretora musical da Sinfonietta de Chicago e regente laureada da Orquestra Sinfônica de Memphis. Cabe a ela conduzir a OSM num programa que começa com a Dança de Saibei, do compositor chinês An-Lun Huang. Dois russos que estão entre os nomes mais importantes da composição no século XX também integram o programa. O Concerto para Violino nº 1 de Prokofiev foi escrito poucos anos após a conclusão de seus estudos. Sua estreia aconteceria em 1923 em Paris, com Stravinsky como regente. Desse último, o programa traz a suíte do balé O Pássaro de Fogo.Entre os dois autores, a música refinada da finlandesa Kaija Saariaho. Nymphéa Reflection surgiu a partir da ideia de arranjar um quarteto de cordas para orquestra. Dividida em seis seções, ela simula parte do processamento eletrônico por meio de orquestração, e inclui, na última parte, um poema de Arseny Tarkovsky que é sussurrado pelos músicos.

"Vetores" sob curadoria de Antonio Gonçalves Filho, a mostra coletiva tece relações entre os períodos moderno e contemporâneo da arte brasileira e internacional. Escultura, pintura, fotografia e gravura formam os três núcleos que retomam o modernismo como uma força em movimento, capaz de reverberar encontros, desdobramentos e novas possibilidades no presente.A mostra reúne obras de nomes como Eleonore Koch, Lucio Fontana, Tunga e Willys de Castro, em diálogo com artistas como Dudi Maia Rosa, Nelson Félix e Paulo Pasta.

As oposições de cores e de pedaços de melodias que escutamos em Fragmentos sintetizam o estilo de Marisa Rezende, que mostra que é possível retomar o impulso melódico sem renunciar à inventividade formal, em uma música que se desdobra à medida que é traçada. Em seguida, a Osesp recebe Roberto Minczuk e Sonia Rubinsky — renomados intérpretes de Villa-Lobos, cujo Concerto nº 4 só estreou no Brasil após a sua morte e no qual a sonoridade do piano é integrada com grande efeito à massa orquestral. A jornada musical se cumpre com Romeu e Julieta, na qual Prokofiev musica a essência do drama de Shakespeare, retratando o ódio das famílias com ritmos agitados e a paixão dos amantes com saltos melódicos

Em 2026, o Cidade Negra retorna aos palcos com a turnê exclusiva “De Agora em Diante”, apresentando shows especiais nas principais cidades do Brasil. A nova turnê marca o início de um novo ciclo da parceria entre Toni Garrido e Bino Farias, celebrando três décadas de uma trajetória repleta de sucessos que atravessaram gerações e consolidaram o Cidade Negra como um verdadeiro símbolo do reggae brasileiro.

O caráter agregador é um dos aspectos que chamam a atenção na última turnê de Gilberto Gil. É algo possível de notar nos bastidores, em cima do palco e, claro, na plateia, onde gerações diversas cantam afinadamente, numa só voz, as canções do repertório irretocável do artista. É o momento de Gilberto Gil mandar “aquele abraço” de cima do palco – muito bem acompanhado. É a última oportunidade de vê-lo em uma turnê dessa dimensão.TEMPO REI é um espetáculo que conversa com o passado, o presente e o futuro. Trata-se de um show que, mesmo diante de multidões, fica íntimo em momentos como quando Gil empunha o violão em “Se eu quiser falar com Deus”; e explode em festa na sequência que emenda “Toda menina baiana", “Esperando na janela” e “Aquele abraço”.

A história retrata João, que, já velho e inválido, recorda sua intensa e tumultuada relação com Teresa, um amor quase extremista e doentio, marcado pela impossibilidade de alcançar a perfeição e por um suicídio simulado de Teresa que João só descobre anos depois.

Ciranda das Flores convida o público para um encontro dentro de um jardim encantado. A peça acompanha uma Florista (Helena Ritto) e um Lenhador (Jonathan Faria), colegas que nutrem um amor silencioso um pelo outro — um sentimento que ambos têm dificuldade de expressar. Com canções tradicionais, o espetáculo costura narrativas populares: a do Alecrim e o Botão de Rosa e a divertida briga entre o Cravo e a Rosa.

“Meu Remédio” escrita, produzida e estrelada por Mouhamed Harfouch, com direção de João Fonseca, a montagem chega à segunda temporada paulista fortalecida por um ano praticamente inteiro em cartaz e pelo reconhecimento da crítica, do público e de premiações importantes. Com personagens que simbolizam figuras marcantes das duas primeiras décadas de sua vida, costurada a uma trilha cantada e tocada ao vivo, “Meu Remédio” convida o público a refletir sobre a relação com as próprias origens, partindo do íntimo para alcançar o coletivo. O espetáculo, que se consolidou como um dos solos mais bem-sucedidos do ciclo recente, evidencia como cada história pessoal é atravessada por escolhas, afetos e camadas que moldam quem somos, emocionando plateias ao tratar de identidade, pertencimento e autoconhecimento. A nova temporada aprofunda esse percurso, ressaltando que, muitas vezes, o maior remédio é aceitar quem se é.

Inspirado nos elementos da natureza, o espetáculo conduzido por Fabiana Godoy e Luan Carbonari convida o público a criar imagens singulares e a mergulhar em um universo de sensações. Voltado à imaginação dos bebês e das crianças, o projeto apresenta de forma lúdica e sensorial temas que fazem parte do seu cotidiano.Mais do que um espetáculo, é uma experiência de aprendizagem, partilha e encontro entre bebês, crianças e famílias — uma delicada porta de entrada para o mundo da arte. Este não é um projeto para ser apenas assistido, mas vivenciado: uma experiência divertida, sensorial e profundamente respeitosa às necessidades do público infantil.

Para celebrar seus 80 anos de vida e 60 de carreira, a atriz Ana Lúcia Torre divide com o público memórias e reflexões em um espetáculo que fala letras de diversas músicas de Chico Buarque, com participação do pianista Diógenes Junior. Quem assiste se identifica totalmente com os temas que compõem a narrativa, como arte, amores, separações, maternidade, resistência, sociedade e o tempo. Letras de clássicos como Meu Guri, Beatriz, Geni e o Zepelim, Valsinha, Atrás da Porta e Olhos nos Olhos, entre muitas outras, compõem o roteiro.

Orquestra Experimental de Repertório e Coro Lírico Municipal se unem em um grande programa dedicado a Richard Wagner.Sob a regência de Wagner Polistchuk e preparação coral de Hernán Sánchez Arteaga, o concerto percorre momentos marcantes da obra wagneriana.No repertório, trechos de Lohengrin, Tristão e Isolda, Navio Fantasma, Crepúsculo dos Deuses, As Valquírias e Tannhäuser.

O que leva um homem pacífico, que sente repulsa por qualquer tipo de violência, que aprendeu a viver evitando conflitos – para não ser alvo da agressividade de outras pessoas – o que leva esse homem a cometer um ato extremamente violento? É a partir dessa pergunta que nasce a escrita de O Motociclista no Globo da Morte. O texto apresenta a história de Antonio, um matemático, um homem racional e sensato que, numa tarde de um dia qualquer, se vê̂ envolvido numa espiral de violência quando almoçava em um bar. É a partir deste fato, que muda a sua vida para sempre, e enquanto conta ao público com riqueza de detalhes o que aconteceu, que Eduardo vai tecendo considerações sobre as diversas formas de violência que resultam da vida em sociedade. E se é possível, aos seres humanos como indivíduos, combater essa violência ou se é inevitável render-se a ela.

Dois performers cruzam experiências pessoais sobre o impacto das ações afirmativas em diversos âmbitos da educação formal no Brasil. Usando elementos de sala de aula e explorando a linguagem da contação de histórias, trazem de forma épica um diálogo entre os alunos que foram e os professores e artistas que são, refletindo sobre os impactos do racismo estrutural na formação escolar. Em uma breve retrospectiva, investigam temas como a implementação da política de cotas, a resistência de diversos setores às ações afirmativas e a necessidade de reformas no ambiente escolar. Colocando uma lupa sobre as vivências, somando ao diferentes movimentos de mudança na educação, dividem os questionamentos com o público e como resultado os impactos dessas experiências são dissecados.

Dois performers cruzam experiências pessoais sobre o impacto das ações afirmativas em diversos âmbitos da educação formal no Brasil. Usando elementos de sala de aula e explorando a linguagem da contação de histórias, trazem de forma épica um diálogo entre os alunos que foram e os professores e artistas que são, refletindo sobre os impactos do racismo estrutural na formação escolar. Em uma breve retrospectiva, investigam temas como a implementação da política de cotas, a resistência de diversos setores às ações afirmativas e a necessidade de reformas no ambiente escolar. Colocando uma lupa sobre as vivências, somando ao diferentes movimentos de mudança na educação, dividem os questionamentos com o público e como resultado os impactos dessas experiências são dissecados.

O Teatro Santos Augusta traz de volta a comédia Meu Remédio, estrelada por Mouhamed Harfouch, com direção de João Fonseca. Em curtíssima temporada, o espetáculo explora, de forma leve e bem humorada, questões sobre origens, ancestralidade, identidade e o poder transformador da aceitação pessoal. Depois de uma temporada de sucesso no Rio de Janeiro, Meu Remédio estreia em São Paulo, trazendo uma narrativa profundamente pessoal e emotiva, em que Harfouch mergulha na sua história de vida, em um processo criativo íntimo que levou o artista a revisitar sua trajetória, seu nome e sua herança cultural. Assim, o ator, também responsável pelo texto e pela produção, transforma um projeto essencialmente pessoal em uma expressão artística para o grande público, com quem compartilha seus questionamentos e provocações.