Com curadoria de Tomoe Moriyama, a mostra que vem para para celebrar os 130 anos do Tratado de Amizade Brasil-Japão, destaca a produção de jovens artistas japoneses, que integraram duas exposições exibidas no Museu de Arte Contemporânea de Tóquio.O termo “antípodas” designa lugares e pessoas situados em lados opostos da Terra, mas também sugere encontros e conexões possíveis, mesmo a longas distâncias, em que afastamento e proximidade revelam o que há de comum entre culturas aparentemente distantes: Brasil e Japão, São Paulo e Tóquio.

A exposição propõe um museu em movimento dedicado ao pensamento do poeta, filósofo e ensaísta martinicano Édouard Glissant (1928–2011). A mostra, com curadoria de Paulo Miyada e Ana Roman, integra a Temporada França-Brasil 2025 como um de seus principais destaques.É nesse horizonte que se apresenta, pela primeira vez no Brasil, parte da coleção pessoal reunida por Glissant e atualmente preservada no Mémorial ACTe, em Guadalupe. À coleção de obras somam-se documentos, cadernos, vídeos e fragmentos de textos e entrevistas de Glissant e um diálogo com trabalhos de mais de 30 artistas contemporâneos das Américas, Caribe, África, Europa e Ásia

A galeria é um espaço de estudo e formação resultante de uma parceria entre a Terra Foundation for American Art e o MAC USP, para que um conjunto da coleção da fundação viesse a São Paulo. São 36 obras selecionadas em diálogo com a pesquisa e as disciplinas de graduação e pós-graduação do MAC USP e sua atuação no Programa Interunidades em Estética e História da Arte (PGEHA USP), a linha de pesquisa em História da Arte e da Cultura do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas da Unicamp, e o Departamento de História da Arte da Unifesp. Além disso, nos próximos dois anos, elas também permitirão criar pontes de interpretação com obras do acervo do MAC USP.A Terra Collection for American Art é uma associação sem fins lucrativos, com sede em Chicago, nos Estados Unidos que, desde os anos 1980, coleciona obras de arte do país e fomenta a pesquisa sobre sua arte. Através de seu Programa Collection- in-Residence, o MAC USP se insere em uma rede de 12 museus universitários internacionais de arte em uma visada crítica sobre a história da arte dos Estados Unidos e suas possíveis articulações com outros países. No caso do Brasil e da proposta feita pelo MAC USP, a seleção de obras partiu das questões já colocadas em outras parcerias da instituição estadunidense com o país.

Conhecido por ser pioneiro ao combinar gêneros de maneira extrema e incrivelmente coesa, o Mr. Bungle une elementos de death metal, hardcore punk, rock progressivo, ska e até trilhas sonoras de desenho animado com técnica refinada e uma criatividade fora do comum.

O projeto Segue o Baile tem como objetivos levar música, lazer e entretenimento, para idosos acima de 60 anos, seus familiares e acompanhantes na Comedoria do Sesc Pompeia. As atividades são gratuitas e abertas ao público em geral.

Numa fusão das linguagens de circo e teatro, o solo KING KONG FRAN, protagonizado pela personagem-título Fran, criação da atriz e palhaça Rafaela Azevedo, convida o público a conhecer o avesso dos estereótipos do feminino disseminados na sociedade. Partindo de referências como a atração circense "Monga, A Mulher Gorila", e King Kong, o gorila gigante do cinema, Rafaela questiona a sexualidade e a distinção de gênero na construção social.

Depois de duas noites inesquecíveis em 2024 e 2025 a Heels of Love retorna ao topo do Edifício Martinelli para sua primeira edição de 2026.

O Cine Concerto Central do Brasil é um projeto pioneiro no país que homenageia um dos principais filmes da história do cinema nacional.

Um show inteiro com os maiores clássicos italianos em um palco com três tenores acompanhados de uma orquestra. É o que promete o espetáculo Bravo Tenores In Concert com a regência do maestro Renato Misiuk.O Crossover de estilos é presente sempre com os “Bravos”. Juntar numa mesma canção o protagonista do musical O Rei Leão com o Turandot da Ópera de Manaus é possível? Sim, é o que veremos e ouviremos ao vivo.

A DAN Galeria apresenta, O Brasil dos modernistas, com curadoria de Maria Alice Milliet. Reunindo cerca de 50 obras de emblemáticas de nomes fundamentais como Tarsila do Amaral, Di Cavalcanti, Cícero Dias, Victor Brecheret, Cândido Portinari, Guignard, Alfredo Volpi, Anita Malfatti e outros, a coletiva traça um panorama da arte moderna no país e destaca o papel do movimento que, a partir da década de 1920, redefiniu a linguagem artística nacional e acrescentou ao imaginário coletivo visões atualizadas do imaginário popular brasileiro.O percurso curatorial retrata como os primeiros modernistas, em busca de formação e reconhecimento, voltaram-se aos grandes centros artísticos da Europa. Foi a partir dessa experiência que muitos passaram a perceber a força e a originalidade da diversidade cultural brasileira para construção de suas próprias identidades artísticas. A coletiva reforça o papel dessa geração de artistas na construção de uma identidade visual e reafirma a atualidade de seu legado na formação do que se entende por brasilidade.

A Aura inaugura a exposição “Entre terra e memória”, primeira individual do artista Leandro Júnior na galeria. Com texto crítico do curador ganense-americano Larry Ossei-Mensah, a mostra apresenta um panorama abrangente da pesquisa pictórica do artista mineiro, reunindo séries marcantes como Viúvas de Maridos Vivos, Vale e Lágrimas, além de obras inéditas e uma escultura.Natural da Chapada do Norte (MG), Leandro traz para São Paulo a força e a poética do Vale do Jequitinhonha, onde sua prática se enraíza, tanto na escolha dos materiais, como o barro extraído das encostas, quanto nas histórias e experiências que inspiram seu trabalho.

BRAZA é formado por Danilo Cutrim (guitarra e voz), Nícolas Christ (bateria), Pedro Lobo (baixo e voz) e Vitor Isensee (teclado e voz). Sua sonoridade única mistura reggae, soul, rap, beats de funk e hip hop, riffs de rock e influências da música brasileira, criando um universo próprio. BRAZA retorna em 2025 com o lançamento do novo álbum: Baile Cítrico Utrópico Solar.

A exposição temporária no Museu Catavento propõe às crianças uma viagem ao mundo dos astronautas. O destaque da mostra é o traje de treinamento original de Charles Duke, 10ª pessoa a pisar na Lua, na missão Apollo 16. O astronauta também compôs a equipe da missão Apollo 11, a primeira viagem espacial a chegar na Lua. Ele foi o responsável pelo contato por rádio com Neil Armstrong nesta histórica missão. Cedido pela NASA e pelo Museu Cosmosphere (Kansas, EUA), o equipamento chega de forma inédita ao Brasil para a exposição.

O Instituto Capobianco estreia o espetáculo inédito “A PALMA”. Escrita a quatro mãos a partir do argumento proposto por Mariano Mattos Martins, ator e produtor que lança sua primeira direção no teatro, Claudia Barral e Marcos Barbosa (indicado ao Prêmio Jabuti 2025) propõem ao público uma viagem vertiginosa, pontuada por momentos de êxtase e desilusões, ao ofício do ator. Vânia Souto (interpretada por Gilda Nomacce) sofre por não atingir o estrelato e, após um grave episódio de violência, recebe a visita dos amigos Marta Mourano e Sérgio Capanema (Verónica Valentino e Donizeti Mazonas respectivamente) para se livrar de uma situação delicada que envolve sua reputação.Misturando comicidade a momentos de extrema tristeza e desolação, os personagens passeiam por diferentes universos, espaços e situações que nascem do mesmo lugar: o apartamento de Vânia.

Um dos maiores sucessos da recente temporada teatral no Brasil e em Portugal, a peça “Dois de Nós”, volta em cartaz em São Paulo. A peça reúne um dos casais mais icônicos da televisão e do cinema brasileiros, Antonio Fagundes e Christiane Torloni, que se encontram pela primeira vez no teatro, ao lado dos atores Thiago Fragoso e Alexandra Martins. O texto inédito é de Gustavo Pinheiro, sob direção de José Possi Neto. A peça celebra a amizade e a parceria profissional de Fagundes e Torloni, que completa 45 anos. Na comédia “Dois de Nós”, dois casais de gerações diferentes, se encontram num quarto de hotel. Segredos e mentiras começam a ser revelados trazendo à tona um divertido turbilhão de sentimentos, com muita emoção e desafios, que mudarão a vida deles para sempre.

Ser feliz o tempo todo, todos os dias, também há de ter seu preço e seus conflitos. É o que pretende mostrar a protagonista vivida por Martha Nowill na peça Felicidade, escrita por Caco Galhardo e dirigida por Dani Angelotti. Na direção musical e também no palco, o espetáculo conta ainda com a participação do cantor e compositor Zeca Baleiro, dos atores Eduardo Estrela, Luisa Micheletti, Nilton Bicudo e Willians Mezzacapa e da percussionista Layla Silva. Com cara de quadrinhos e ambiente de show musical, o espetáculo narra a inesperada virada na vida de uma jornalista e influenciadora de sucesso, que sem nenhuma razão aparente acorda com uma felicidade radiante e inexplicável. O que poderia ser apenas um bom dia se transforma em uma desconhecida forma de existir, já que essa alegria simplesmente não vai embora. Agora, ela precisa aprender a lidar com sua nova personalidade transformada. Mas será que o mundo ao seu redor está preparado para conviver com tanta felicidade?

No Japão, a água é compreendida como fonte de vida e nutrição essencial para a natureza, mas é também indispensável para a formação da sociedade e da espiritualidade do país. Na exposição “Fluxos – o Japão e a água” o elemento é apresentado a partir de diferentes perspectivas: seu desenvolvimento junto com a economia e infraestrutura das cidades e do meio ambiente; seus avanços tecnológicos e aprimoramento de sua qualidade e abastecimento; sua importância para a espiritualidade e tradições japonesas; sua influência por meio da arte. Com curadoria de Natasha Barzaghi Geenen, também Diretora Cultural da instituição, a exposição traz o movimento centrífugo das águas para a expografia, que convida o público a explorar um ambiente de formas arredondadas com texturas e iluminação que parecem deixar o segundo andar da JHSP submerso.

“O que nos une” tem como ponto de partida a teoria Brain Net, criada pelo médico e neurocientista brasileiro Miguel Nicolelis, professor emérito da Duke University (EUA). Cérebros humanos podem sincronizar suas atividades elétricas e formar redes de cérebros que permitem a organização de grupos sociais coesos, que operam conjuntamente e trabalham de forma cooperativa para resolver tarefas cognitivas complexas ou para compartilhar ideias, sons, palavras e sentimentos, numa interface cérebro-cérebro, como define o autor.Ao unir ciência, tecnologia e arte contemporânea, a exposição materializa esse conceito por meio de três instalações artísticas interativas, criadas especialmente para a mostra pelo Aya Studio. A exposição propõem um debate sobre os efeitos das novas tecnologias no comportamento humano e na consciência coletiva.

O monólogo de Gregório Duvivier volta a São Paulo para dois dias de apresentações. A peça é uma comédia sobre a presença quase invisível da poesia no cotidiano. Quem tem medo de poesia? Gregório Duvivier não faz parte deste grupo e, como um apaixonado, faz de tudo para persuadir os outros das qualidades do seu objeto de encanto – até mesmo criar um espetáculo sobre o assunto. No monólogo cômico “O Céu da Língua”, o artista usa o seu discurso para convencer o público de que tropeçamos diariamente na poesia e o assunto é prazeroso e divertido.

Tema do ciclo curatorial de 2025, Histórias da ecologia será uma coletiva internacional que ocupará cinco andares do edifício Pietro Maria Bardi, novo espaço do MASP. Em um contexto marcado pela intensificação de crises climáticas, políticas, territoriais e sociais, Histórias da ecologia investiga como artistas, coletivos e ativistas de diversas partes do mundo respondem ao tempo presente e compreendem as relações entre os seres vivos, suas criações e o meio em que vivem. O termo “ecologia” foi escolhido em detrimento do termo “natureza”, compreendendo o humano como parte de um ecossistema complexo e não separado ou hierarquicamente superior a ele. A exposição parte do entendimento de que a ecologia é um sistema de relações. Organizada em cinco núcleos, a mostra abordará as diferentes ideias de tempo como um elemento organizador da vida; bem como os efeitos dos deslocamentos forçados e dos processos migratórios causados tanto por modelos extrativistas de produção quanto por efeitos das mudanças climáticas.

A Pinacoteca apresenta a instalação Dominique Gonzalez-Foerster: Meteorium, no Octógono do edifício Pina Luz. A estrutura foi concebida especialmente para o espaço central do museu, projetando um panorama tridimensional dividido em oito câmaras, com paredes e pisos pintados em referência a elementos da natureza. Com curadoria de Jochen Volz, a artista convida o público a entrar na instalação e reimaginar o entrelaçamento com o meio ambiente.Dominique Gonzalez-Foerster dedica sua prática artística a projetos experimentais, partindo de uma investigação contínua sobre as formas como habitamos o tempo, o espaço e a memória.

A Pinacoteca de São Paulo inaugura a exposição Beatriz González: a imagem em trânsito, nas sete salas do edifício Pinacoteca Luz. Com curadoria de Pollyana Quintella e Natalia Gutiérrez, a mostra revisita os mais de 60 anos de carreira da artista, conhecida pelos trabalhos que tecem críticas à história de violência em seu país e reinterpretam obras da História da Arte ocidental. São mais de 100 trabalhos produzidos desde a década de 1960, incluindo peças fundamentais como Decoración de interiores (1981) e Los suicidas del Sisga II y III (1965).

Exposição panorâmica da obra de Flávio Império. A mostra reúne quase 300 obras, abrangendo a produção do artista entre os anos 1960 e 1985, e tem curadoria assinada por Yuri Quevedo, curador do museu e pesquisador da obra de Flávio Império (1935–1985) há 16 anos. Flávio Império foi um artista brasileiro em que a atuação transdisciplinar marcou profundamente a cena cultural do Brasil nas décadas de 1960 e 1970. Sua importância se dá não apenas pela multiplicidade de linguagens que dominava (como pintura, arquitetura, cenografia, teatro, design gráfico e do ativismo político), mas também pela maneira como ele as articulava em uma prática artística crítica, engajada e transformadora. Império trabalhou com uma diversidade de materiais, produzindo serigrafias, pinturas, colagens, fotografia e documentários em super-8. A exposição propõe ao público uma imersão em diferentes momentos e manifestações da produção do artista, ressaltando a coerência e a liberdade que orientam sua prática tão diversa. Entre os destaques estão o projeto de figurino "fogo”, desenvolvido especialmente para a cantora Maria Bethânia para a peça Rosa do Ventos (1971), além dos estudos para capa do disco Doces Bárbaros (1976), que poderão ser vistos na segunda sala da mostra. Uma maquete descreve o projeto que o artista fez para o show Pássaro da Manhã (1977) de Maria Bethânia. Em um momento em que a ditadura militar começa a enfraquecer e surgem os movimentos de abertura, Império concebe um cenário em que a cantora surge de uma noite escura no fundo e vai gradualmente se aproximando da plateia ladeada por tecidos que representam a alvorada. No show Bethânia canta lembrando os amigos que foram exilados.

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Abel Rodríguez (Cahuinarí, Colômbia, 1944) nasceu às margens do Rio Cahuinarí, na Amazônia colombiana, e seu nome indígena é Mogaji Guihu, sendo originário das comunidades Nonuya e Muinane. Foi treinado desde a infância para ser um sabedor, isto é, um depositário dos conhecimentos sobre as espécies botânicas da floresta, seus usos práticos e simbólicos. Nos anos 1990, fugindo dos conflitos armados em sua região natal, mudou-se para Bogotá, onde, em contato com a ONG holandesa Tropenbos, foi incentivado a desenhar para registrar e compartilhar suas memórias. Ao contrário da tradição do desenho botânico ocidental, que isola os elementos representados, os desenhos de Rodríguez em grafite e aquarela mostram ciclos, interações entre diversas espécies e a ação do tempo na floresta. Feitos a partir de memórias, têm inscrições em espanhol e Nonuya, descrevem os sabores das frutas, os usos medicinais das plantas e quais animais se alimentam delas. A “árvore da vida” é outro tema recorrente em sua produção e narra o principal mito de origem dos Nonuya.

Esta é a primeira exposição individual da artista Clarissa Tossin (Porto Alegre, 1973) em uma instituição de arte no Brasil. A mostra abrange peças de 2008 até o presente, incluindo instalações, esculturas, tecelagens, imagens em movimento e um conjunto de novas obras encomendadas pelo MASP especificamente para esta mostra. A artista gaúcha radicada em Los Angeles aborda em seu trabalho questões relacionadas ao aquecimento global a partir de diversos materiais, em geral, resíduos industriais da sociedade de consumo, como plástico reciclado, látex derivado do extrativismo na Amazônia e caixas de entrega da loja online Amazon, entre outros. Na obra de Tossin, réplicas de objetos descartados e partes do corpo humano e de plantas aparecem como fósseis, traços de um tempo e lugar perdidos que ecoam na forma de sedimentos arqueológicos.

O encontro entre fotografia e mobiliário define CorpoFala, última exposição do ano da galeria MaPaFoto, e apresenta fotografias vintage em diálogo com o mobiliário de Ricardo van Steen.Fotografias vintage de diferentes décadas e procedências: os nus monumentais de Helmut Newton, as cenas coreografadas por Vânia Toledo, os rituais de Orlando Brito, as composições surrealistas de Francisco Aszman, os registros anônimos dos anos 1950–70 e as manipulações tramadas de Juvenal Pereira. Nesse encontro, surge algo que ultrapassa a mera soma das partes. A fotografia, quando olhada ao lado de um móvel que solicita o corpo, deixa de ser objeto para se tornar acontecimento. E o móvel, ao ser acionado pelo visitante que acabou de atravessar a experiência do olhar fotográfico, também fala — não com palavras, mas com o modo como faz o corpo existir no espaço.

“ABBA ALIVE – Tributo”, revive e relembra a história de uma das maiores bandas da música pop dos anos 70 e 80, com seus grandes sucessos. O espetáculo é composto por Tom de Camargo (Benny Andersson), Cid Lima (Bjorn), Lissandra Lima (Agneta), Marley Grace (Frida - Anni Frid) e ainda pelo baterista Álan e pelo baixista Bosco.

A turnê Ma Vie World Tour, promovida pela Live Nation, acompanha o aguardado quinto álbum de estúdio de Doja Cat, Vie, lançado em 26 de setembro de 2025 pela Kemosabe Records / RCA Records.

Dezessete anos após sua última visita, o My Chemical Romance retorna ao Brasil em 2026 durante uma turnê pela América do Sul com abertura do The Hives. O impacto do My Chemical Romance continua a ressoar através de gerações e esta influência não mostra sinais de diminuição. Exemplo disto é a série de sold-outs da turnê de 2025, Long Live: The Black Parade, que começa em julho.

Em um movimento que reposiciona sua atuação no mercado de arte brasileiro, a Danielian inaugura uma nova sede em São Paulo e lança um programa estruturado de representação de artistas contemporâneos.Com curadoria de Dereck Marouço e Livia Benedetti — que assumem a direção artística do programa contemporâneo —, ’SITUAÇÃO’ reúne obras do acervo da galeria em diálogo com os artistas representados. ‘SITUAÇÃO’ traz trabalhos, que vão desde a década de 1970 até a atualidade, de 14 artistas — incluindo Glauco Rodrigues, Jorge Guinle, Odoteres Ricardo de Ozias e Paulo Pedro Leal, além de Alvaro Seixas, Ana Neves, Anna Bella Geiger, Darks Miranda, Emilio Azevedo, Florencia Rodríguez Giles, Mariana Tassinari, Nicholas Grafia, Ottavia Delfanti e Thales Pomb.

Para celebrar a abertura de seu novo espaço expositivo, a galeria apresenta a mostra “ Zerbini in Conversation with Frank Walter”, que estabelece um diálogo inédito entre pinturas de paisagem em pequeno formato dos dois artistas . Com curadoria de Barbara Paca, a exposição aproxima Brasil e Caribe ao destacar a habilidade de ambos em captar atmosferas, luz e memória em composições de grande sensibilidade.

A GROU.BASE apresenta DOBRA, mostra inaugural dos ciclos expositivos, sob direção artística de Diego Castro, que reúne cinco artistas de diferentes gerações para pensar o tempo, a cidade e a matéria como campos em constante torção. A ideia de “dobra” atravessa a mostra como imagem de fricção e continuidade. Albano Afonso investiga luz, imagem e memória, compondo camadas temporais que se atravessam e se reativam. André Komatsu tenciona sistemas construtivos e dinâmicas urbanas, revelando estruturas em constante reorganização. Azeite De Leos, presente na exposição anterior, retorna com um trabalho que prolonga e reinterpreta a memória daquele gesto inicial. Erica Ferrari reconfigura arquiteturas e paisagens simbólicas, evidenciando relações de poder inscritas em espaços marcados por sedimentações históricas. Leka Mendes, em seus trabalhos atuais, faz uso de vestígios da cidade ao coletar fragmentos produzidos pela atividade humana nesta era, o lixo urbano-industrial-tecnológico, em sua maioria destroços de construção civil, descartes têxteis e plásticos.

Olhar a Floresta, Ver a Floresta parte do deslocamento entre a experiência sensível e a imagem fabricada para reunir cerca de 40 trabalhos de 25 artistas, históricos e contemporâneos, por vezes exibidos justapostos em elipses de tempo, em um arco que vai do século XIX aos dias de hoje.A curadoria de Ivo Mesquita organiza a exposição em três movimentos discretos, mas contínuos. O primeiro corresponde à chegada dos viajantes-naturalistas europeus ao Brasil, quando a pintura e o desenho registram a floresta como território sublime, exuberante, quase impenetrável. O segundo eixo revela o momento em que essa natureza, antes monumental, passa a ser convertida em paisagem produtiva. Olhar a floresta, ver a floresta não formula diagnósticos. Para Ivo Mesquita, propõe outra coisa, mais rara em tempos acelerados: um intervalo de silêncio.

Ecos e miragens tem curadoria de Carlos Quijon, Jr. e Yudi Rafael e aborda a obra de arte como um aparato capaz de ativar, poética e criticamente, o reconhecimento para investigar a relação entre práticas e histórias artísticas através dos oceanos Atlântico e Pacífico e das questões ecológicas em um mundo interconectado.A mostra é a terceira do programa Perspectivas Transoceânicas, concebido e coordenado pelo curador Yudi Rafael e realizado pela Almeida & Dale desde 2023. Em Ecos e miragens são apresentadas obras de artistas que produziram no Brasil e em diferentes países do Sudeste Asiático para investigar afinidades que se manifestam como reverberações — não necessariamente formais ou temáticas — entre a produção artística contemporânea dessas regiões.

Com direção original de Munir Kanaan, Dois Papas leva aos palcos o encontro entre dois líderes da Igreja Católica com visões de mundo opostas: o conservador Papa Bento XVI, interpretado por Zécarlos Machado, e o progressista cardeal argentino Jorge Bergoglio (futuro Papa Francisco), vivido por Celso Frateschi.A peça marca a primeira montagem internacional do texto de Anthony McCarten. No palco, a encenação brasileira propõe uma imersão na intimidade e nos dilemas desses dois homens públicos, revelando o lado humano por trás das vestes papais.A história parte do momento em que Bergoglio viaja a Roma decidido a pedir sua aposentadoria. Para sua surpresa, é convocado a uma conversa pessoal com Bento XVI, que considera renunciar ao cargo diante das pressões enfrentadas pela Igreja. O que se segue é um diálogo carregado de tensão, respeito e humor, no qual visões antagônicas encontram espaço para escuta, conflito e transformação.

Luana Piovani decidiu dividir o palco com o público português de Lisboa, onde mora, unindo música e teatro. Aqui, põe a peça na íntegra no palco em formato italiano, combinando histórias pessoais com números musicais, oferecendo ao espectador peculiaridades de sua trajetória como atriz.CANTOS DA LUA teve inspiração no stand-up, e nesse sentido, apresenta-se ao público uma Luana que também canta, e que vai expondo nos setenta minutos em cena, partes do seu eu, sob um texto escrito por ela sob direção do ator e diretor Ando Camargo.Inspirado no stand up, mix de teatro e música combinando histórias pessoais com números musicais sob um texto autoral, a atriz Luana Piovani revela momentos intimistas de sua carreira ao longo desses trinta e cinco anos.

Clássico do Tropicalismo e uma das composições mais significativas na carreira de Gilberto Gil, a canção premiada Domingo no Parque vira musical negro, sob a direção de Alexandre Reinecke, um dos diretores mais atuantes do país, e direção musical de Bem Gil. O espetáculo tem sua temporada de estreia no Teatro Claro.Apresentada pela primeira vez no 3º Festival da Música Popular da TV Record, em 1967, Domingo no Parque é considerada um dos marcos da Tropicália ao misturar elementos brasileiros - como o violão e o berimbau - com a guitarra elétrica e levou o segundo lugar no prêmio. A canção tinha arranjo de Rogério Duprat e participação da banda Os Mutantes.Com elenco e equipe majoritariamente formado por artistas e profissionais negros, o musical, que teve aprovação do próprio Gil, destaca importantes influências negras na cultura e sociedade, em elementos como os costumes, danças, a religiosidade, os arranjos musicais, as vestimentas, a alimentação e a capoeira.

A exposição individual de Sonia Gomes chega a São Paulo depois de itinerar por Ouro Preto (Museu da Inconfidência) e Salvador (MAC-BA), cidades fundamentais para o barroco brasileiro, onde o projeto iniciou sua trajetória em diálogo com as camadas de memória e história que permeiam esse legado.O projeto parte de uma reflexão sobre o barroco brasileiro como testemunho do trabalho, da técnica e da arte de pessoas africanas e afro-brasileiras, destacando como a obra da artista condensa e atualiza essa herança no contexto contemporâneo. Acompanhada pelo curador Paulo Miyada, Sonia percorreu as cidades de Ouro Preto e Salvador para aprofundar sua pesquisa sobre os territórios e as comunidades que moldaram essa tradição estética e cultural.

Sucesso da dramaturgia nacional, a peça de Bosco Brasil ganha nova montagem dirigida por Eric Lenate, em codireção com Vitor Julian. Lenate também está em cena ao lado de Fernando Billi. O espetáculo, que tem direção de produção de Maurício Inafre, coloca em cena o encontro entre dois homens atravessados pela história: um imigrante que traz no corpo e na memória as marcas da Segunda Guerra Mundial e um ex-torturador do Estado Novo brasileiro. Ao expor esse choque de experiências, a obra convida o público a refletir sobre a violência política, a memória do horror e os limites da humanidade.

Ao longo de sua trajetória, a artista Juliana dos Santos vem explorando o azul da flor Clitoria ternatea como forma de investigar a cor enquanto experiência sensível no processo de ampliação da percepção. Sua pesquisa situa-se na interseção entre arte, história e educação, com interesse nas maneiras como artistas negros desenvolvem práticas que desafiam os limites da representação. Partindo do azul da flor, a artista ancora seu trabalho na impermanência: o pigmento natural oxida com o tempo, transformando-se diante dos olhos do público.

Celebrando 25 anos de trajetória, esta é a primeira grande exposição individual de Sérgio Adriano H em São Paulo, um marco para o artista. CORpo MANIFESTO tem curadoria de Claudinei Roberto da Silva e Juliana Crispe e reafirma a força e a relevância da produção contemporânea afrodiaspórica no Brasil e convida o público paulista a uma experiência artística profunda, sensorial e politicamente engajada.A mostra reúne mais de 100 obras que dialogam com a história, a memória e a luta do povo negro no Brasil. O artista usa o corpo como uma plataforma de resistência e expressão política, abordando temas como racismo estrutural, decolonialidade e aconstrução de uma identidade negra empoderada. Além de obras inéditas, a exposição também conta com experiências imersivas, incluindo a performance “desCOLONIZAR CORpos”, numa proposta de arte que transborda o museu, se conecta com a rua e as pessoas que transitam por ela.

A galeria Luisa Strina apresenta Montañas bajo el mar [Montanhas sob o mar], a nova exposição de Federico Herrero. O artista costa-riquenho exibe uma sériede pinturas inéditas, acompanhadas de uma obra in situ realizada sobre o piso da galeria, que dão ao espaço uma dimensão imersiva. Reconhecido por seus trabalhos site-specific, murais e telas permeados por formas orgânicas e cores vibrantes, Herrero desenvolve uma prática expansiva que busca diluir as fronteiras entre arte e vida cotidiana. Suas obras captam vibrações, movimentos e sons das formas e das cores, infundindo musicalidade e novos significados aos espaços que ocupam.

A galeria Luisa Strina apresenta Contrato, individual de Ilê Sartuzi com uma série de trabalhos inéditos em vídeo, pintura e instalação que relacionam as estruturas do sistema da arte e sua burocracia a truques e movimentos da economia.Com uma prática de pesquisa conceitual, Sartuzi lida com aspectos estruturais, porém frequentemente pouco visíveis, dos ambientes culturais. A exposição se desenvolve a partir de um conjunto de cinco contratos que incorporam noçõeslegais e financeiras para suscitar reflexões sobre o sistema da arte, o papel de diferentes agentes desse circuito — incluindo o próprio artista — e as especificidades de um espaço comercial como a galeria.

São Paulo recebe um novo espaço multidisciplinar dedicado à arte contemporânea no circuito da capital: a galeria Pórtico. Fundada pelo curador e crítico Adolfo Caboclo, ao lado de seu sócio Alexandre Zákia, o espaço abre as portas em 16 de dezembro de 2025, com a exposição coletiva O desencaixar das coisas.

A Casa Natura recebe Sidney Magal com o espetáculo “Baile do Magal". Uma celebração musical que promete reviver grandes sucessos em um show repleto de nostalgia, energia e a atmosfera única dos bailes de outrora.Conhecido por sua versatilidade e estilo atemporal, Magal traz um espetáculo inédito, celebrando sua carreira e homenageando artistas que marcaram época nas paradas de sucesso. A playlist da noite passeia por ritmos contagiantes, como o embalo da lambada, a energia da Jovem Guarda e a alegria do samba rock.

Abre ao público a exposição “20 anos da Residência Artística FAAP - São Paulo: contribuições para uma coleção de arte contemporânea”, com 91 artistas de todos os lugares do mundo que já passaram pela residência artística da FAAP. A exposição celebra duas décadas deste que é um dos programas mais consistentes de residência artística do país. São cerca de 135 obras que hoje integram a coleção do MAB FAAP.

Bad Bunny, cantor que é um dos expoentes do reggaeton e símbolo da música porto-riquenha, se apresenta pela primeira vez no Brasil, com a turnê do álbum Debí Tirar Más Fotos.

A Galeria Lume apresenta Rios Falam, Rios Cantam, uma exposição individual com o corpo de trabalho mais recente do artista Caio Rosa. A exposição, que conta com a curadoria da Cindy Sissokho, inclui fotografia, escultura, têxteis, instrumentos musicais e som, articulando a exploração contínua do artista sobre ritmo e memória.Em todas as obras de Rosa há um fio condutor: o envolvimento com materiais e elementos naturais em seus processos, onde a imagem depende de uma relação com a materialidade. Chuva, sol e luz colaboram com reações químicas para formar as texturas de suas obras fotográficas e esculturais, onde a matéria se torna uma forma viva e ativa em sua criação. Aço, cobre, papel orgânico e emulsão fotográfica se transformam nas superfícies das obras, ao registrarem o eco da transmissão cultural da continuidade ancestral.

Após esgotar todos os ingressos de seu primeiro show, Bad Bunny apresenta uma data extra em São Paulo. O cantor, que é um dos expoentes do reggaeton e símbolo da música porto-riquenha, vem pela primeira vez no Brasil, com a turnê do álbum Debí Tirar Más Fotos.

A CAIXA Cultural São Paulo recebe pela primeira vez a exposição “Amados – Zélia & Jorge”, uma homenagem sensorial e afetiva a Zélia Gattai e Jorge Amado, casal que marcou profundamente a literatura e a cultura brasileira. Com curadoria de Paloma Jorge Amado, direção geral de Elaine Hazin (Via Press Comunicação), projeto expográfico de Rose Lima e cenografia de Renata Mota.A exposição convida o público a percorrer os 56 anos de vida e amor compartilhados entre Zélia e Jorge, em uma jornada que mistura literatura, memória e emoção. O visitante encontrará um rico acervo de fotografias, cartas, vídeos, ilustrações e depoimentos, que revelam desde o primeiro encontro do casal, em 1945, até os últimos anos na Bahia, com amigos ilustres como como Dorival Caymmi, Mãe Menininha, Glauber Rocha, Vinicius de Moraes, Carybé, entre outros.

O Projeto 280x1020 recebe a mostra "Corpo-a-corpo", explorando a presença do corpo na produção contemporânea, onde suas vivências são atravessadas por contextos socioculturais. Com texto crítico de Giovanna Bragaglia, a exposição reúne trabalhos de Acelino Sales - MAHKU (Rio Jordão, 1975), Alex Cerveny (São Paulo, 1963), Bárbara Wagner (Brasília, 1980), Hudinilson Jr. (1957–2013), Regina Parra (São Paulo, 1984), entre outros. A série fotográfica Brasília Teimosa (2008), de Wagner, por exemplo, apresenta o resultado de uma documentação, levada pela artista ao cabo de dois anos, da periferia do Recife, onde moradores se reuniam aos domingos com amigos e familiares para tomar banho, comer, beber e aproveitar o dia à beira-mar. A obra capta gestos de celebração e prazer como forma de afirmação da coletividade, além de investigar as dinâmicas sociais de uma comunidade constantemente marginalizada.

A mostra “Som e Fúria” (Galeria), com texto de Tetê Lian, utiliza recursos como automação, som e movimento para discutir uma fúria relativa às experiências humanas. O título é emprestado de um dos mais importantes romances de William Faulkner (1897-1962), publicado em 1929 e marcado pelo emprego do fluxo de consciência e da narrativa não-linear. A expressão deriva também de uma fala de Macbeth (1623), na peça homônima de William Shakespeare (1565-1616), que descreve uma situação de grande tumulto, barulho e raiva sem sentido ou propósito útil. Entre os artistas estão André Komatsu (São Paulo, 1978), Chelpa Ferro, Emmanuel Nassar (Capanema, 1949), Nuno Ramos (São Paulo, 1960) e Mariana Manhães (Niterói, 1977). Destaca-se uma obra da série Ato de… (2013), de André Komatsu, que utiliza itens de segurança de obras emolduradas para fundamentar a imagem e o sistema de fixação na parede, e o trabalho do paulista Nuno Ramos, que sublima a dimensão física de processos semânticos, lidando com a sobreposição de materiais.

O Gabinete é ocupado por caixas e livros na exposição “Balada para um espectro”, com texto crítico de Ella Pacheco. A mostra dialoga com o conceito de coleção, exibindo obras que extrapolam o estatuto do plano bidimensional.O múltiplo histórico Boîte-en-Valise, 1935-41 (fac-símile), de Marcel Duchamp, compõe a coleção e reúne 68 trabalhos do pintor e escultor francês em um objeto desdobrável, que revela a reprodução em escala de esculturas e pinturas anteriores, na qual constituiu o conceito do ready-made. Cildo Meireles completa a seleção com Camelô (1998), uma lembrança de infância das viagens com sua família ao Rio de Janeiro. Observando camelôs no centro da cidade que comercializam objetos aparentemente insignificantes, como alfinetes e barbatanas, o artista reflete sobre as dinâmicas de sobrevivência dessas pessoas e sobre a extensa cadeia de trabalho envolvida na produção dos itens.

A Casa de Cultura do Parque hasteia novas bandeiras na fachada, com a exposição "Para-luz", de Aline Ricci, como parte do projeto Dando Bandeira.Os curadores Claudio Cretti e Tetê Lian destacam a relevância da coleção, composta de mais de 500 obras, que conta com trabalhos sonoros, objetos-caixas, esculturas motorizadas, publicações experimentais e livros de artista, que exigem outro tempo de atenção no espaço expositivo.

Ònà Irin: caminho de ferro, é a exposição individual da artista baiana Nádia Taquary, com curadoria de Amanda Bonan, Ayrson Heráclito e Marcelo Campos. A mostra destaca a pesquisa de Taquary sobre o universo afro-brasileiro e a presença feminina nos mitos de criação de matrizes iorubás.Entre esculturas, objetos-esculturas, instalações e uma videoinstalação, a mostra reúne 22 obras produzidas em diferentes momentos da carreira da artista, que iniciou sua trajetória em 2010 pesquisando a joalheria afro-brasileira e, em especial, as pencas de balangandãs, conjuntos de pingentes metálicos usados por mulheres negras escravizadas e libertas na Bahia dos séculos XVIII e XIX, que reuniam símbolos de fé, proteção e prosperidade, funcionando também como formas de resistência e autonomia. Desde então, sua produção expandiu-se para instalações e esculturas de grande escala, em que o sagrado e o feminino se manifestam em formas híbridas, com materiais como búzios, miçangas, palhas e metais.

A peça desconstrói e reconstrói conceitos milenares da história da civilização – corpo e alma, certo e errado, traidor e traído, obediência e desobediência.Sozinha no palco, Clarice Niskier conta histórias e parábolas da tradição judaica, valendo-se somente de uma cadeira e um grande pano preto que, concebido pela figurinista Kika Lopes, transforma-se em oito diferentes vestes – mantos, vestidos, burcas. O espaço cênico concebido por Luis Martins é limpo e remete a um longo corredor em perspectiva.

O trio de música eletrônica ao vivo, vencedor do Grammy, RÜFÜS DU SOL, anuncia hoje sua maior turnê sul-americana até o momento, marcada para o início de 2026.

A Nara Roesler São Paulo apresenta Língua d’Água, primeira exposição individual de Maria Klabin (1978, Rio de Janeiro) na cidade. Com curadoria de Galciani Neves, a mostra reúne obras inéditas e recentes, incluindo pinturas em óleo sobre tela, linho e papel vegetal, além de desenhos em nanquim, carvão, guache e bastão a óleo. O conjunto apresenta escalas variadas, de pequenos trabalhos de cerca de vinte centímetros até telas que chegam a três metros de comprimento, além de desenhos extraídos de seus cadernos, oferecendo ao público um amplo panorama de seu processo de criação.

Pela primeira vez ocupando todo o galpão da galeria, a mostra Nascimento de Antonio Obá apresentará trabalhos inéditos e consagrados do artista, dentre eles instalações, pinturas, desenhos e filme. O título Nascimento surge do marco milagroso de uma nova existência sobre a Terra, que também carrega a contrapartida da fortuna e da sorte, que nos acompanha desde a concepção.Uma instalação inédita, localizada em um espaço fechado, no fundo da galeria, se refere diretamente a ideia de jogo e de sorte. Destaca-se também um conjunto de 22 pinturas de pequeno formato apresenta a leitura de Obá sobre o Tarô.

A trama acompanha Antônio, um mercador que contrai uma dívida com o agiota Shylock para ajudar seu amigo Bassânio. Como garantia, Antônio aceita dar libra de sua própria carne. Com o não pagamento da dívida, o contrato desencadeia um julgamento dramático, colocando em pauta temas como justiça e preconceito.

A exposição Uma Viagem ao Mundo dos Brinquedos rememora a infância brasileira com peças que marcaram gerações e continuam despertando encantamento. Entre bonecas, carrinhos, jogos, robôs e personagens icônicos, o público é convidado a reencontrar memórias afetivas e descobrir novas histórias. Das cores vibrantes aos clássicos da cultura pop, cada brinquedo revela maneiras de brincar e de imaginar o mundo.A mostra transforma lembranças em experiência, um passeio nostálgico, divertido e imperdível para todas as idades.

A exposição apresenta 38 obras de 34 estudantes do Centro Universitário, nas mais variadas linguagens, meios e suportes artísticos. Esta edição conta ainda com obras dos artistas convidados Gabriel Torggler e Marina Hachem, que participaram do programa da Residência Artística FAAP - Paris. O Programa premia, a cada semestre - dentre os inscritos que podem ser estudantes-, artistas formados pela instituição ou professores, para ocupar o estúdio 1422, que a instituição mantém desde 1997 na Cité Internationale des Arts, uma residência internacional localizada às margens do Rio Sena.

Gordon Parks (1912-2006) é autor de uma vasta produção autoral, na qual documentou a vida cotidiana de pessoas negras em estados segregados nos EUA, a luta organizada do movimento negro pelos direitos civis e as manifestações culturais e religiosas da população afro-americana, entre outros temas. A exposição é a primeira retrospectiva de Parks no Brasil e a maior na América Latina. Entre as obras exibidas, estão retratos de nomes centrais do movimento negro americano, como Malcolm X, Martin Luther King e Muhammad Ali, e séries consagradas, como De volta a Fort Scott (1950) e Histórias da segregação no sul (1956). O título da exposição — A América sou eu — foi tirado de um texto que Parks escreveu para a revista Life, em 1968, no qual aborda numa questão crucial para o movimento negro nos EUA: o fato da democracia americana ter se consolidado sob um regime de segregação racial, excluindo a população negra.

A francesa Zaz volta ao Brasil para apresentar sua nova turnê, iniciada em 2025. A cantora é um dos nomes de maiores sucesso da música francesa contemporânea, e traz um show animado e cheio de hits, como "Je Veux".

A Central Galeria apresenta a individual da artista Sofia Borges, “O cristalino, o rasgo e mistério“, primeira exposição da artista no Brasil desde o seu retorno de Nova Iorque.A poética do trabalho de Borges se desenvolve em torno da formação da imagem em suas diversas formas dentro do imaginário histórico-social geral e pessoal da artista. Seu trabalho retraça frequentemente linhas de resgate de ancestralidades por meio de materiais, como metais, rochas e minerais, assim como à figura da paleontologia, da mitologia, do teatro e da análise da figura humana, especialmente do rosto. O museu ocupa um espaço igualmente importante em sua pesquisa uma vez que ele se apresenta como um agente de reconfiguração eterno de imagens dentro da sociedade.

Game+ arte, cultura e comunidade é a última grande exposição de 2025, que ocupará os três pisos do espaço expositivo. A mostra busca revelar o universo amplo e variado dos videogames, tratando-o como um campo decisivo da cultura e não apenas como entretenimento. O universo dos games, com seus personagens e mundos que marcam o imaginário coletivo, atravessa gerações e forma comunidades, manifestando-se no audiovisual, na moda, no comportamento, na educação e com papel central na indústria criativa.Esta é a terceira exposição realizada pelo Itaú Cultural dentro deste tema. Em 2003 foi realizada Game o quê e, em 2009, GamePlay, tratando o game como forma artística. Game+ se articula em três eixos curatoriais: Sociedade e economia criativa; Educação; e Arte e inovação.

De nome de batismo Sebastião Bernardes de Souza Prata, nascido em Uberlândia (MG) em 1915 (ou 1917, de acordo com alguns registros), ele adotou primeiro o nome Pequeno Otelo e depois Grande Othelo – ele mesmo acrescentou o “h” no nome e assim está registrado em sua lápide. Morreu aos 78 anos no aeroporto Charles de Gaulle, em Paris, França, em 1993, vítima de um ataque cardíaco fulminante quando se preparava para seguir para o Festival de Nantes, onde receberia uma homenagem. A Ocupação Grande Othelo se propõe em revelar percursos pouco conhecidos do público sobre Othelo, como, por exemplo, suas contribuições à classe artística brasileira, tendo sido vice-presidente da Associação Brasileira de Atores Cinematográficos.

A mostra nasce do encontro simbólico entre o rio Charente, que atravessa a região da Nova-Aquitânia, e o sistema Tietê-Pinheiros, eixo fluvial que estrutura a metrópole paulista. Entre as duas margens, a exposição se transforma a cada etapa, incorporando novas obras, montagens e relações. A curadoria parte da ideia de “confluência” formulada pelo pensador quilombola Antônio Bispo dos Santos — encontro que soma sem subtrair — para propor a mostra como um campo de escuta e coexistência, em que as águas são entendidas como seres vivos, portadores de direitos e memórias, mas também como testemunhas de passados coloniais e agentes de transformação.As obras abordam questões ligadas à escassez, à contaminação, às infraestruturas e às possibilidades de reparação. Barbara Kairos, artista de Angoulême, na França, reelabora criticamente a história do “jacaré do Tietê”, transformando um episódio da memória urbana em alerta sobre a política das águas. A também francesa Capucine Vever, que pesquisa a paisagem fluvial e suas camadas coloniais, parte de arquivos e da escuta do rio Garona para aproximar imagem e história.

Minerva Cuevas (Cidade do México, 1975) é uma artista conceitual mexicana que desenvolve projetos que dialogam com antropologia, história e ciências naturais. Sua obra abrange diversos suportes e mídias, como instalação, muralismo, pintura, vídeo e performance.No ano de Histórias da ecologia no MASP, Cuevas abordará pelo menos três aspectos de seu trabalho. O primeiro diz respeito às suas investigações sobre os impactos do mundo corporativo na vida cotidiana. Cuevas se apropria de logomarcas, campanhas de marketing, slogans e símbolos de grandes empresas para discutir temas como consumo, valor e propriedade. O segundo aspecto a ser explorado na exposição está relacionado ao subtítulo, inspirado no conceito de “ecologia social”, desenvolvido pelo filósofo estadunidense Murray Bookchin (1921-2006

O Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo recebe a exposição internacional Joaquín Torres García - 150 anos, inédita no país. A mostra celebra a trajetória de um dos pilares da arte moderna na América Latina, com cerca de 500 itens, entres obras e documentos, incluindo pinturas, manuscritos inéditos, maquetes, desenhos e os célebres brinquedos de madeira produzidos pela família do artista uruguaio. Com curadoria de Saulo di Tarso em colaboração com o Museo Torres García e organização da Cy Museum, é a primeira vez que esse conjunto tão amplo e diversificado do artista é apresentado no Brasil, com peças que deixarão pela primeira vez as reservas técnicas do museu uruguaio, revelando ao público aspectos pouco conhecidos da produção do artista.

Com coordenação de Lissa Carmona, curadoria de Francesco Perrotta-Bosch apoiado pela Fundação Oscar Niemeyer, a exposição propõe um reencontro entre a dimensão internacional da obra do arquiteto e o contexto brasileiro, convidando o visitante a revisitar seu olhar e reconhecer a potência criativa que articula o Brasil ao cenário global.

A Galeria Frente exibe uma exposição totalmente dedicada a Amadeo Luciano Lorenzato (1900 – 1995) e com um número tão expressivo de obras do artista. “O mundo misterioso inventado por Lorenzato” reúne 118 obras deste que é considerado um dos maiores nomes das artes visuais brasileira, mas, principalmente de Minas Gerais. Trata-se de um conjunto excepcional de pinturas cujos traços perpetuaram, em obras icônicas, cenas cotidianas, favelas, paisagens e agricultura mineiras. Destaque para “Lenhador”, de 1933: um trabalho de Lorenzato considerado como o mais antigo no mundo de que se tem conhecimento até hoje. A exposição pontua um encontro de obras provenientes de coleções privadas cuja seleção revela a potência lírica do artista na observação do mundo à sua volta, explica o diretor da Galeria, Acacio Lisboa.

O Centro MariAntonia inaugura a exposição Nossa estranheza e a vergonha, da pintora Gilda Vogt, com curadoria de Khadyg Fares, doutoranda em História da Arte na Universidade Federal de São Paulo (Unifesp). A mostra reúne um conjunto de pinturas em tinta acrílica sobre tela, abrangendo o período de 1989 a 2024, que reitera em sua linguagem poética a noção de afecção, ou seja, da experiência de ser afetado por algo ou alguém. Também é notório o predomínio do fundo branco da tela, a translucidez da tinta diluída e a fluidez dos contornos.

O Centro MariAntonia inaugura a exposição Neo-andina 15-25, do fotógrafo Tatewaki Nio, com mais de 60 trabalhos. A curadoria é do professor da USP, Ivo Giroto, e do pesquisador Diego Matos, com consultoria de Guilherme Wisnik, docente da USP. A mostra tem como eixo central a arquitetura “neo-andina”, fenômeno cultural e estético surgido na cidade de El Alto, Bolívia, que tem como um dos seus principais expoentes o arquiteto boliviano Freddy Mamani. A exposição parte do trabalho fotográfico de Tatewaki Nio das construções extravagantes e super-coloridas, realizadas entre 2015 e 2025, e que incluirá fotografias, maquetes, projeções e vídeos, captados pelos alunos de graduação da disciplina Cultura Urbana na Contemporaneidade da Faculdade de Arquitetura, Urbanismo e Design (FAU) da USP.

Ópera do Malandro - Musical, um espetáculo de Chico Buarque, na visão de Jorge Farjalla, com direção musical de Gui Leal.Max Overseas Navalha é um contrabandista bem-sucedido, que se casa às escondidas com Teresinha, filha de Duran e Vitória Régia, donos de uma rede de bordéis e aspirantes à alta sociedade que, enfurecidos com o casamento, planejam um golpe contra o malandro. Duran e Max têm em comum um sócio, o delegado Chaves, que protege as atividades ilegais de ambos. Querendo prejudicar Max, Duran decide fazer ruir a torre de babel da corrupção que todos desfrutam. Cada um sai então em busca de seus próprios benefícios às custas da extorsão dos outros, de mentiras e traições. Numa festa à brasilidade, à cultura popular e ao folclore, o musical celebrará a umbanda e o povo da rua para contar a história de um texto que marcou uma geração e que se consagra até os dias atuais como um marco no Teatro Musical Brasileiro.

A exposição "José Antônio da Silva: Pintar o Brasil", com lançamento do livro da mostra, pela Editora Martins Fontes dá luz sobre a trajetória do muitas vezes considerado o Van Gogh brasileiro. A exposição tem curadoria do espanhol Gabriel Pérez-Barreiro e chega a São Paulo, com obras adicionais curadas por Fernanda Pitta, após ter passado pelo Musée de Grenoble (FR), como parte da Temporada Brasil-França 2025, em abril, e pela Fundação Iberê Camargo, em Porto Alegre (RS), em agosto. A mostra tem um total de 142 obras, sendo 23 acréscimos provenientes do rico acervo da instituição, o maior do artista no Brasil, formado com doações dos primeiros colecionadores de Silva, entre os quais estão Ciccillo Matarazzo e Theon Spanudis. Dentre as obras, o público poderá ver, de maneira inédita, o primeiro livro do artista exposto na íntegra, com 76 desenhos, chamado "Romance da minha vida".

A exposição é primeira panorâmica institucional da artista Marga Ledora e apresenta uma reunião significativa de séries até hoje raramente vistas em seu conjunto, além de um expressivo grupo de obras pouco conhecidas. A visita começa pela série Quadrus Negrus (1986), com mais de 20 trabalhos fundamentais de Ledora. Obras como Casa em amarelu (1986) marcam o início do trabalho de experimentação de linhas e cores, base para toda a sua produção artística. Nas obras, o giz pastel seco faz o traçado de triângulos, retângulos e fendas em linhas secas sobre o papel Carmen preto, item raro à época de produção da série.

Guitarricadelafuente é um músico suspenso entre mundos. Criado entre a pacata cidade costeira de Benicàssim e a vila de sua avó, Las Cuevas de Cañart, ele cresceu cercado pelos ecos evanescentes do folk rural e do flamenco - tradições que absorveu enquanto gradualmente descobria a vida além das fronteiras da Espanha, seu país de origem. A partir dessa criação, ele moldou uma voz que ressoa com o limbo emocional de uma geração presa entre o anseio genuíno e a sobrecarga digital.Suas músicas reinterpretam tradições folclóricas espanholas em paisagens indie-pop texturizadas, carregadas por tons lo-fi e sussurros flamencos.

Conhecido por sua energia contagiante no palco, o artista americano Cory Wong vem ao Brasil pela primeira vez e vai se apresentar com sua banda completa, formada por nove integrantes, que inclui uma seção de metais, com cinco músicos.Com um som vibrante que mistura funk, jazz e groove, Cory transforma cada show em uma celebração da música e da criatividade. Mais do que um músico virtuoso, Cory é um verdadeiro criador de experiências. Além de seus projetos musicais, ele se destaca como apresentador, produtor e criador de conteúdo, colaborando com grandes marcas como Apple, onde lançou seu próprio Producer Pack.

Em 2026, o Lollapalooza Brasil traz um line-up diversificado, que reúne artistas como Tyler, The Creator, Lorde e Deftones, além de Sabrina Carpenter e Chappell Roan, garantindo atrações para todos os gostos. O evento promete três dias de shows de peso e um encontro de gerações e gêneros, reafirmando sua posição como um dos pontos altos do calendário musical nacional.

Exposição Reúne cerca de 80 obras nacionais e internacionais do acervo do MAC USP, um dos mais importantes acervos de arte abstrata nacional e internacional do Brasil.

O Segredo de Brokeback Mountain é uma história de amor entre dois cowboys no interior dos Estados Unidos na década de 60. Jack Twist e Ennis del Mar são jovens que se conhecem ao serem contratados para cuidar das ovelhas de Joe Aguirre em Brokeback Mountain. Os dois cowboys, pobres, ao passarem semanas isolados, no frio e em más condições de trabalho, começam a criar uma intimidade que se transforma em um romance intenso e conflituado. Com o fim do trabalho, voltam às suas vidas, deixando um enorme pedaço de quem são em Brokeback Mountain – e que passam o resto de suas vidas tentando recuperar. A peça é de Ashley Robinson, adaptada do conto de Annie Proulx, que teve uma notória e premiada versão de Ang Lee para o cinema. A história atravessa personagens profundamente humanos e faz pensar sobre a intolerância, os medos, as fragilidades, os interditos e o poder do amor.

Em 2026, o Cidade Negra retorna aos palcos com a turnê exclusiva “De Agora em Diante”, apresentando shows especiais nas principais cidades do Brasil. A nova turnê marca o início de um novo ciclo da parceria entre Toni Garrido e Bino Farias, celebrando três décadas de uma trajetória repleta de sucessos que atravessaram gerações e consolidaram o Cidade Negra como um verdadeiro símbolo do reggae brasileiro.

O caráter agregador é um dos aspectos que chamam a atenção na última turnê de Gilberto Gil. É algo possível de notar nos bastidores, em cima do palco e, claro, na plateia, onde gerações diversas cantam afinadamente, numa só voz, as canções do repertório irretocável do artista. É o momento de Gilberto Gil mandar “aquele abraço” de cima do palco – muito bem acompanhado. É a última oportunidade de vê-lo em uma turnê dessa dimensão.TEMPO REI é um espetáculo que conversa com o passado, o presente e o futuro. Trata-se de um show que, mesmo diante de multidões, fica íntimo em momentos como quando Gil empunha o violão em “Se eu quiser falar com Deus”; e explode em festa na sequência que emenda “Toda menina baiana", “Esperando na janela” e “Aquele abraço”.

O Teatro Santos Augusta traz de volta a comédia Meu Remédio, estrelada por Mouhamed Harfouch, com direção de João Fonseca. Em curtíssima temporada, o espetáculo explora, de forma leve e bem humorada, questões sobre origens, ancestralidade, identidade e o poder transformador da aceitação pessoal. Depois de uma temporada de sucesso no Rio de Janeiro, Meu Remédio estreia em São Paulo, trazendo uma narrativa profundamente pessoal e emotiva, em que Harfouch mergulha na sua história de vida, em um processo criativo íntimo que levou o artista a revisitar sua trajetória, seu nome e sua herança cultural. Assim, o ator, também responsável pelo texto e pela produção, transforma um projeto essencialmente pessoal em uma expressão artística para o grande público, com quem compartilha seus questionamentos e provocações.

Sucesso de público e crítica, o musical Ney Matogrosso – Homem com H, produção da Paris Cultural, retorna a São Paulo para mais uma temporada. O espetáculo tem texto de Emílio Boechat e Marilia Toledo, vencedores do Prêmio Bibi Ferreira por este trabalho. Marilia também divide a direção da peça com Fernanda Chamma, enquanto a direção musical é assinada por Daniel Rocha. No palco, o camaleônico Ney Matogrosso — grande homenageado do musical — é interpretado por Renan Mattos (que venceu os prêmios Bibi Ferreira e DID 2022, além de ter sido indicado ao APCA) – que é acompanhado por mais 16 atores e banda ao vivo composta por 6 músicos.

Chay Suede vai fazer sua estreia no teatro, e com o encenador Felipe Hirsch na direção, e ainda com o escritor Caetano W. Galindo que divide com Hirsch a dramaturgia do espetáculo. PEÇA INFANTIL - A VIDA E AS OPINIÕES DO CAVALHEIRO ROOBERTCHAY, trata-se de um espetáculo adulto humorístico-filosófico , um passeio pela formação e pelas histórias inacreditáveis de uma personagem apresentada como Cavalheiro Roobertchay. A peça provoca sua audiência com o formato de um pseudo-documentário, onde o que é verdade e o que não é se entrelaçam. E é com essa curiosidade que nos deparamos com o relato, por vezes incrível e ao mesmo tempo fidelíssimo das venturas e desventuras que cercaram nosso herói desde antes de sua concepção até o brilho de suas estrelas nos dias de hoje. As agruras e doçuras que geraram o menino Cavalheiro Roobertchay.

O que leva um homem pacífico, que sente repulsa por qualquer tipo de violência, que aprendeu a viver evitando conflitos – para não ser alvo da agressividade de outras pessoas – o que leva esse homem a cometer um ato extremamente violento? É a partir dessa pergunta que nasce a escrita de O Motociclista no Globo da Morte. O texto apresenta a história de Antonio, um matemático, um homem racional e sensato que, numa tarde de um dia qualquer, se vê̂ envolvido numa espiral de violência quando almoçava em um bar. É a partir deste fato, que muda a sua vida para sempre, e enquanto conta ao público com riqueza de detalhes o que aconteceu, que Eduardo vai tecendo considerações sobre as diversas formas de violência que resultam da vida em sociedade. E se é possível, aos seres humanos como indivíduos, combater essa violência ou se é inevitável render-se a ela.

Com humor afiado e olhar crítico, em atuação solo de Danielle Winits dirigida por Gerald Thomas, a obra se estabelece como uma reflexão sobre as irracionais contradições humanas, o papel da mulher na sociedade e os dilemas da vida contemporânea. O título sugere uma busca extraterrestre, mas é, na verdade, uma metáfora para a busca de empatia, conexão e sentido no meio da confusão cotidiana da humanidade.Estruturada como um monólogo múltiplo, uma só atriz (Danielle Winits) interpreta diversos personagens e por meio dessas vozes constrói uma narrativa fluida e cômica que atravessa diferentes contextos sociais e históricos. Mais do que uma peça feminista ou de crítica social, é uma reflexão espirituosa e comovente sobre o que nos torna humanos, e sobre os sinais de inteligência (afeto e empatia) que ainda podem ser encontrados entre nós.

Quarenta anos após o início pulsante do Hip-Hop nas ruas de São Paulo, sua batida original ressurge no Sesc 24 de Maio como memória viva e afirmação cultural. A exposição convida o público para uma jornada que devolve à cidade gestos, sons e imagens de uma geração que criou com poucos recursos e máxima potência. Sob curadoria coletiva e com mais de 3 mil peças reunidas de forma inédita, a mostra reconstrói a revolução urbana que transformou inúmeros pontos da cidade em palcos de resistência.A mostra tem idealização e curadoria compartilhada por vozes e testemunhas da cena, como OSGEMEOS, Rooneyoyo O Guardião, KL Jay (DJ histórico dos Racionais MC’s), Thaíde, as pioneiras Sharylaine e Rose MC e o b-boy ALAM Beat.

Apontado como um dos melhores shows de Mônica Salmaso, ‘Minha Casa’ está percorrendo o Brasil com grande sucesso, com apresentações lotadas em todas as cidades. As casas de Mônica Salmaso são múltiplas, espalham-se pelos diferentes Brasis que a artista canta em sua obra. Passada a pandemia, ela lançou dois cds gravados em 2021 e 2022, respectivamente ‘Canto Sedutor’, com Dori Caymmi, e ‘Milton’, em duo com André Mehmari e participação especial de Teco Cardoso. Além disso, a artista foi a convidada da turnê ‘Que tal um samba?’, de Chico Buarque, percorrendo o Brasil e Portugal por 10 meses, em 2022 e 2023. O show faz um passeio pela trajetória da artista, mas traz músicas nunca gravadas por ela, reafirmando a cantora como uma dedicada desbravadora do vasto cancioneiro brasileiro.

O MASP exibe a exposição André Taniki Yanomami: ser imagem / në utupë / image being, que reúne 121 desenhos produzidos entre 1976 e 1978 por André Taniki Yanomami (n. ca. 1945, Terra Indígena Yanomami, Roraima, Brasil). Taniki é xamã, guardião político e espiritual de sua comunidade, sendo responsável por “segurar o céu”, garantindo o equilíbrio cósmico, além de curar doenças e mediar relações. A expressão yanomami në utupë significa “ser imagem” e designa a essência vital de todos os seres, visível apenas aos líderes espirituais em visões xamânicas. Com curadoria de Adriano Pedrosa, diretor artístico, MASP, e Mateus Nunes, curador assistente, MASP, a mostra apresenta obras raramente exibidas ao público — 78 delas nunca exibidas antes —, que retratam a cosmologia yanomami, na qual humanos, animais, espíritos, floresta e céu coexistem em uma mesma ecologia espiritual.

Reunindo 60 obras — entre pinturas, gravuras, desenhos, aquarelas e documentos inéditos —, a exposição "Lasar Segall: sempre a mesma lua" apresenta um panorama amplo da produção do artista. A curadoria de Patricia Wagner adota um olhar poético para explorar suas múltiplas linguagens e a construção de uma identidade que, embora enraizada na tradição judaica, dialoga com temas universais como deslocamento, espiritualidade e a condição humana.O ponto de partida é a associação entre a imagem da lua e o profundo sentimento humano que Segall atribuía à própria identidade judaica. A partir desse símbolo, a mostra evidencia como, em cada fase, o artista equilibra tensões pessoais, heranças culturais e observações sobre o mundo. A mostra destaca também a maneira como Segall absorveu os reflexos de seu tempo.

Com realização da Vento Leste e produção da equipe MIS, a mostra apresenta um testemunho visual impactante a partir de ampla documentação sobre a escassez hídrica que afeta milhões de pessoas em diferentes países, incluindo o Brasil. O trabalho de Hiller desmistifica a ideia de abundância hídrica em regiões como a Amazônia e o Pantanal, revelando que mesmo no país detentor do maior volume de água doce do planeta, milhões de brasileiros vivem sem acesso à água limpa.

Com cerca de 67% de seu território coberto por florestas, o Japão é reconhecido como um dos países mais arborizados do mundo, segundo dados da Embaixada do Japão no Brasil. A partir deste cenário, o carpinteiro, mestre da madeira, pede a permissão das divindades das montanhas e florestas para cuidar das árvores, analisando cuidadosamente suas características e o seu crescimento para utilizar a madeira certa para o propósito certo. Tendo como base esse respeito e admiração pela natureza, junto com a responsabilidade e o comprometimento de construir algo duradouro, os carpinteiros japoneses desenvolveram uma técnica altamente refinada, que não depende de pregos ou peças metálicas. Este é um pouco do espírito que a exposição “Imbuídos das forças das florestas do Japão – Mestres da carpintaria: habilidade e espírito”, com curadoria de Marcelo Nishiyama, diretor associado e curador-chefe do museu Takenaka Carpentry Tools (Kobe, Japão). Em São Paulo, a mostra ainda ganhará uma segunda parte, prevista para março de 2026, dedicada ao kigumi, técnica arquitetônica que consiste em entalhar as peças de madeira para que se encaixem perfeitamente.