Um show de música jamaicana dedicado aos compositores mais célebres da história do cinema, Ennio Morricone, John Williams, Nino Rota, Henry Mancini pra citar alguns. No repertório Star Wars, Game of Thrones, Poderoso Chefão e muitas outras músicas que marcaram as nossas vidas, tocadas com todo o balanço da música jamaicana pela OBMJ.

O show celebra os 85 anos de vida da cantora e compositora Anastácia, considerada a “Rainha do Forró” e uma das maiores representantes da música nordestina no Brasil.Mais do que uma comemoração, o show marca também o lançamento de seu novo álbum Planeta Sanfona, trabalho inédito que reafirma sua força criativa e seu compromisso com a cultura popular brasileira. No repertório, canções do novo disco vão se misturar aos clássicos que marcaram gerações, como “Eu Só Quero um Xodó” (parceria com Dominguinhos), em uma noite que promete emoção, potência e homenagens.

“DIFÍCIL NÃO DANÇAR” é um solo de dança que apresenta um diálogo improvisacional entre a bailarina Jussara Miller com as provocações musicais de Christian Laszlo. Há mais de trinta Jussara Miller pesquisa a improvisação em dança a partir da escuta do corpo e, nesta apresentação, pauta-se em um dos procedimentos de sua pesquisa: a improvisação cênica a partir dos estados de atenção e presença que é priorizado durante toda a dança, afirmando a processualidade do corpo que dança no mo(vi)mento presente.As provocações musicais de Christian Laszlo parte de um ecletismo musical com variadas vertentes de gêneros, texturas e vibrações musicais para provocar a expressividade dançante da bailarina, preenchendo a cena com uma paisagem sonora coerente com o diálogo construído na cena ao vivo.Jussara Miller é bailarina, coreógrafa, e professora de dança com atuação artística em processos colaborativos de criação entre linguagens: dança, teatro, performance, literatura, fotografia e vídeo.

Helena Black, a drag queen contadora de histórias, personagem criada pelo ator e educador Paulo Reis, apresenta uma nova história para o público infantil. Inspirada no livro de Cláudia Naoum, a drag Queen apresenta "Meu Avô Samantha"Sinopse: Era uma vez um avô, sua neta Helena e um gato. O avô e a menina tinham algo em comum, a procura por um objeto perdido: a peruca do avô Samantha. Em uma casa mágica os três descobrem durante a busca o significado de palavras como ‘ajuda’, ‘respeito’ e ‘afeto’. Será que é possível encontrar algo que talvez nem tenhamos perdido, apenas não sabemos aonde está?

Uma noite antes de se apresentarem no festival Popload no Parque do Ibirapuera, o duo The Lemon Twigs sobe ao palco com o seu pop psicodélico inspirado nos anos 70. O show ainda vai contar com um dj set de abertura 100% em vinil comandado por Tim Bernardes.

A turma do Mundo Bita se apresenta em São Paulo num show musical com seus grandes sucessos e músicas inéditas. O show enfatiza a importância da educação inclusiva e democrática, mostrando às crianças que a educação é uma etapa essencial para seu crescimento e desenvolvimento social.

A FourplusOne traz de volta o espetáculo “Divas Strong Women”, com arranjos próprios ambientados sob a influência dos mestres produtores de cada fase da carreira das divas homenageadas. A banda canta o que foi a vida de Nina Simone, Tina Turner, Whitney Houston, Celine Dion, Mariah Carey, Madonna, Cyndi Lauper, Dolly Parton, Shania Twain, Amy Winehouse e muitas outras, encantando o público que teve sua vida marcada por essas artistas.

FourplusOne apresenta o espetáculo Aretha Franklin Tribute, que mistura a cronologia da discografia da artista com fatos relevantes de sua carreira, diferentes momentos de sua história, além de parcerias memoráveis, singles e grandes sucessos.

A Galeria Espaço Arte MM apresenta a exposição coletiva Intensidade, que reúne cerca de 22 obras de artistas brasileiros - Carlos Eduardo Zornoff, Cássio Lázaro, Fernando Cardoso, João Carlos Galvão, Kenji Fukuda, Luiz Carlos Ferracioli, Marli Takeda, Martins de Porangaba, Sou Kit Gom, Yugo Mabe e Yuli Geszti. A mostra propõe uma reflexão sobre a utilização da cor, especialmente matizes vibrantes e luminosas, como elemento essencial na criação artística.A cor, enquanto ferramenta de expressão, se apresenta não apenas como um recurso estético, mas como um veículo significativo de comunicação.

Poucos nomes na fotografia brasileira carregam o peso histórico e a relevância de Lázaro Roberto. Aos quase 70 anos, o fotógrafo que dedicou sua vida a documentar a história do povo negro no Brasil inaugura, enfim, sua primeira exposição individual assinada com seu próprio nome. Apesar de ser amplamente reconhecido por sua produção, essa é a primeira vez que apresenta seu trabalho autoral de forma independente. Até então, sua presença em exposições sempre se deu através do Zumvi Arquivo Fotográfico, coletivo que ajudou a fundar e que se tornou referência na documentação e preservação da memória negra no Brasil. A mostra revela uma produção autoral até então pouco acessível ao grande público, mas cuja importância já atravessa fronteiras.Desde os anos 1990, Lázaro Roberto se consolidou como um dos grandes protagonistas da fotografia afro-brasileira. Como fundador do Zumvi Arquivo Fotográfico, ele não apenas registrou, mas ressignificou a trajetória e a resistência da população negra na Bahia, criando um acervo essencial para a memória do país. Com um olhar que une fotografia documental e experimental, seu trabalho se transforma em ato político, preservando histórias e expandindo narrativas que o Brasil não pode esquecer.

A noite conta com a apresentação de dois espetáculos: "Vórtex" no primeiro ato, seguido de "Ser" no segundo ato. Vortex: Utilizando o conhecimento técnico e a agilidade dos bailarinos, Vortex leva o virtuosismo do treinamento do ballet clássico para reorganizar estruturas tradicionais, alternando e misturando códigos do vocabulário da dança. Com música original composta por Fernando Dalla Nora, que serve como fio condutor para criar um contraponto entre disciplina e tradição numa paisagem sonora eletrônica, Vortex é uma obra que coloca no centro os bailarinos e suasexperiências, permitindo uma recomposição corporal e rítmica.Ser: “Ser”, de Danielle Rodrigues para a Cia de Ballet Paraisópolis, convoca o espectador a mergulhar nos complexos processos e caminhos que os seres humanos se propõem diariamente, transformando sentimentos e experiências em uma obra que resgata a essência do viver. Inspirada por um período de desânimo em relação à vida, à dança e à arte, a coreógrafa encontra na criação o caminho para se redescobrir, a partir do limbo, da inércia e do vazio, rumo a um processo de cura e transformação.

A peça reúne cinco textos do livro “I Must Collect Myself ”, da dramaturga, cineasta e roteirista inglesa Maureen Lipman, todos adaptados por Ester Laccava, Elzemann Neves e João Wady Cury, além de inspirações trazidas das obras de Wislawa Szymborska e Laurie Anderson, e tem dramaturgia assinada por Ester. Os textos trazem situações cotidianas de cinco mulheres: um pai em coma, o casamento de um filho, uma entrevista para a TV, os abusos familiares e um cigarro que nunca acende.

A primeira individual de Thiago Hattnher no Brasil, é resultado de uma relação persistente e meticulosa com a pintura.O artista propõe uma construção vagarosa, atenta. Tem por hábito trabalhar muitas telas simultaneamente, sem saber de antemão como o trabalho vai ser. Utilizando tinta a óleo, cuja secagem é lenta, ele sobrepõe camadas, criando campos de cor e de forma que oscilam entre harmonias e desequilíbrios, articulando-se em um jogo provocativo entre zonas neutras, áreas que sugerem jogos abstratos ou paisagens imaginárias, linhas que simulam horizontes, citações que remetem à paisagem ou ao gênero da natureza morta, evocando assim a história da pintura.

Proposta lúdica e interativa que celebra a musicalidade brasileira, promovendo experiências sensoriais e culturais. Pensado para o público infantil no SESC, o ambiente contará com um painel sensorial que estimula o tato e a curiosidade, além de instrumentos de percussão acessíveis para exploração musical.Nesta vivência sonora, as crianças acompanhadas por seus responsáveis, também poderão produzir seu próprio tambor feito com bexiga. A experiência é mediada por canções e convites feitos pelas artistas educadoras responsáveis pela atividade.

Primeira exposição individual no Brasil de Cecília Costa, artista portuguesa, que já apresentou seus trabalhos na Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa) e na Bienal de Sidney. Acompanhada de texto assinado pela curadora Cristiana Tejo, a mostra apresenta ao público uma pesquisa que investiga conceitos de espaço, objeto e transmutações — usando o que resta como impulso para uma outra forma, outro corpo, outro traço.“Os finais, ah, esses eu os fumo”, comenta Cecília sobre o título da mostra, citando o “fumo” como gesto simbólico — uma alquimia para processos de transformação. Em seu corpo de trabalho, o que poderia ser entendido como um fim — a fragmentação ou a queima de um objeto — torna-se ponto de partida para algo novo. A artista reconfigura o que já foi, usando o que resta como impulso para uma outra forma, outro corpo, outro traço. A palavra “fumo”, aqui, também é análoga ao carvão — material presente em muitos de seus desenhos e que reflete parte do conceito abordado em sua própria formação: é resíduo e, ao mesmo tempo, ferramenta criadora.

Acontece na Sala São Paulo a sexta edição da temporada de encontros entre o popular e o erudito. A cada edição, dois artistas da MPB se apresentam juntos da São Paulo Big Band.

Uma peça teatral para dois atores. Uma narrativa em espiral sobre dois amantes cujo amor está terminando e dois homens que contam esta história. Em In On It, existem três diferentes realidades, que se alternam e se relacionam: a peça; o espetáculo, e o passado.O espetáculo IN ON IT, com Emílio de Mello e Enrique Diaz e direção de Enrique Diaz, estreou no dia 26 de março de 2009, no Teatro OI Futuro no Rio de Janeiro e se tornou uma referência de sucesso e prestígio no teatro brasileiro.

O Funk Como Le Gusta, originado em 1993, é caracterizado por sua fusão única de gêneros musicais, incluindo funk, samba, jazz e ritmos latinos. Sua relevância se reflete em colaborações com ícones da música brasileira e por sua capacidade de criar uma experiência musical única em suas performances ao vivo.A banda distingue se pela sua contribuição para a música brasileira e por ser fonte de inspiração de muitos artistas da nova geração que em seus discos e shows convidam os arranjadores do Funk como Le Gusta para compor suas obras.

Um dos álbuns mais inovadores da música brasileira, "Clara Crocodilo" ganha uma apresentação especial na Casa Natura Musical com Arrigo Barnabé e a banda Sabor de Veneno. No show, o artista executa na íntegra as músicas do LP lançado em 1980, trazendo ao palco os músicos e cantoras que participaram das lendárias gravações realizadas no bairro de Perdizes, em São Paulo.Com sua fusão única de música erudita, experimentalismo e elementos do rock, "Clara Crocodilo" marcou a cena da Vanguarda Paulistana e segue influenciando gerações. A apresentação conta com os vocais de Vânia Bastos, Suzana Salles, Tetê Espíndola e Ana Amélia, além da sessão de metais formada por Chico Guedes no sax tenor, Roney Stela no trombone, Mané Silveira no sax alto e Claudio Faria no trompete. A base instrumental traz Mário Manga na guitarra, Paulo Barnabé na bateria, Paulo Braga no teclado e Gustavo Boni no baixo, recriando a sonoridade intensa e marcante do disco.

O espetáculo traz o balé ‘A Filha mal guardada’ escrito no século XVIII. Ele conta a história de uma senhora que quer que sua filha única, Lise, faça um bom casamento. Mas a jovem ama outro rapaz, e o final da história é surpreendente!

A banda canta os seus maiores sucessos e os clássicos que marcaram estes 40 anos em atividade.

Claude Debussy é um autor-chave para a música moderna e sua obra se caracteriza pela exploração dos timbres. Para o compositor francês, o som era um elemento estrutural da criação musical, da mesma forma que a melodia, o ritmo e a harmonia – característica que as músicas deste programa ajudam a ilustrar.Os Noturnos são três peças para orquestra finalizadas em 1899. Enquanto “Nuages” descreve a flutuação serena e imutável das nuvens no céu, “Fêtes” é uma celebração com ritmos dançantes. Finalmente, “Sirènes” é uma paisagem marinha e requer um coro feminino que, cantando sem palavras, retrata as sereias. Em seguida, a música de Debussy torna-se espaço de encontro de diferentes gerações. A Rapsódia para clarinete, escrita para os exames do Conservatório de Paris, é interpretada por Sérgio Burgani, solista experiente, músico da Osesp e professor de várias gerações do instrumento. Na sequência, a Rapsódia para saxofone é performada por Samuel Alves, vencedor do Concurso Jovens Solistas da Osesp em 2022. O programa, dirigido por Thierry Fischer, termina com a alegre Sinfonia nº 2 de Tchaikovsky, construída a partir de temas e danças populares da Ucrânia.

A exposição Racionais MC’s: O Quinto Elemento celebra os 35 anos de carreira da icônica banda de rap formada por Mano Brown, Edi Rock, KL Jay e Ice Blue, em uma jornada imersiva celebrando uma relação de irmandade e a conexão do grupo com seus fãs.Dividida em eixos temáticos, possui um percurso expográfico que reflete a força das palavras e energia transformadora em uma experiência imersiva, convidando o público a mergulhar na trajetória do grupo e de cada integrante.

A exposição Racionais MC’s: O Quinto Elemento celebra os 35 anos de carreira da icônica banda de rap formada por Mano Brown, Edi Rock, KL Jay e Ice Blue, em uma jornada imersiva celebrando uma relação de irmandade e a conexão do grupo com seus fãs.Dividida em eixos temáticos, possui um percurso expográfico que reflete a força das palavras e energia transformadora em uma experiência imersiva, convidando o público a mergulhar na trajetória do grupo e de cada integrante.

O tradicional festival de música Indie Popload apresenta sua edição de 2025. Idealizado por Lúcio Ribeiro e Paola Wescher, o festival apresenta uma curadoria que presa a diversidade, com artistas consagrados, como Kim Gordon e Norah Jones, nomes em ascensão, como Laufey e The Lemon Twigs e claro, nomes da música brasileira, recebendo, entre outros shows, uma apresentação em conjunto da banda Terno Rei com o cantor Samuel Rosa. Line up completo: Norah Jones, St. Vincent, Laufey, Kim Gordon, The Lemon Twigs, Terno Rei & Samuel Rosa, Tássia Reis e Exclusive Os Cabides

A exposição Eu mesmo, Carnaval, que ficará aberta até 31 de maio de 2025, nos convida a conhecer a profunda relação de Mário de Andrade com o carnaval paulistano, principalmente na região da Barra Funda e em outros lugares do país. O título escolhido reproduz um verso do poema “Carnaval carioca”, escrito por Mário de Andrade em 1923, inspirado na experiência do autor no festejo carioca neste mesmo ano.A exposição, com curadoria de Arthur Major, pesquisador da Casa Mário de Andrade, e Fábio Parra, do departamento de comunicação e cultural do G.R.C.E.S. Mocidade Alegre, traz uma interface entre a pesquisa de Mário de Andrade sobre o Carnaval e o enredo de 2024 da escola paulistana Mocidade Alegre “Brasileia Desvairada: A busca de Mário de Andrade por um país”, tecendo o fio condutor do discurso curatorial, tendo como guia o personagem do Arlequim, que pela visão do escritor, representa tanto a cidade de São Paulo, quanto a personificação do próprio poeta.

O Sesc Pinheiros recebe o espetáculo Pra Você, Ilza, do compositor e multi-instrumentista Hermeto Pascoal. O show rememora o álbum homônimo lançado em 2024, uma homenagem à esposa Ilza da Silva, reunindo 13 faixas inéditas compostas entre 1999 e 2000. Aos 88 anos, Hermeto mantém uma trajetória marcada pela constante renovação e pelo diálogo entre a música e os sons do mundo. A performance traz à cena a essência experimental de Hermeto, reconhecido por integrar elementos inusitados às suas composições, como sons da natureza e objetos cotidianos.

O show “Canções Juninas” reúne diversas canções autorais e clássicos juninos, com ritmos de xote, baião, rastapé e Boi do Maranhão; e o quarteto musical e brincante convida a plateia a dançar, adivinhar instrumentos e elementos da festa junina, a dançar o Pau-de-Fita e conhecer a história do Boi, que simboliza diversas festas populares brasileiras. O Boi também aparecerá para dançar com as crianças!

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O que começa como uma fuga solitária de veleiro torna-se uma viagem involuntária ao passado quando a protagonista se vê obrigada a levar consigo sua mãe, que sofre de Alzheimer. Enquanto lida com os esquecimentos repetitivos da mãe, ela é confrontada com suas próprias memórias soterradas: a morte do pai, um amor perdido e o medo de viver plenamente. Em um barco que é ao mesmo tempo abrigo e prisão, mãe e filha reencenam gestos cotidianos, revelando como o passado insiste em habitar o presente.

“Teddy Boys – Plataforma 9 ¾” é uma performance dirigida por Raul Fernandes e apresentada pela Cia Círculo, que transforma a rotina de uma estação de trem em espetáculo. Com humor, música, acrobacias e figurinos de Alana Design, os artistas encantam o público ao misturar elegância e desajeito em uma sequência de trocas de roupas e jogos físicos.Embalada pela trilha original de Gustavo Fildzz, a intervenção conta com a coreografia assinada por Paula Miessa, que dá ritmo e precisão aos movimentos dos Teddy Boys. O número termina com o trem partindo sem eles, deixando risadas e uma mensagem de diversão e improviso, transformando o cotidiano em uma aventura cheia de charme e humor.

Espetáculo evoca e invoca lembranças, histórias, canções e construções na travessia de um filho diante do adoecimento da mãe.Com dramaturgia centrada em duas personagens, Filho e Mãe, interpretados pelo ator Aury Porto, e dinâmica de troca de “máscaras”, espetáculo transita entre a memória do portador da Doença de Alzheimer e o surrealismo na qual as imagens e situações se expressam diretamente do inconsciente.A convivência de Aury Porto com sua mãe, que vive com Mal de Alzheimer há 15 anos, bem como a relação familiar com o lento processo de degeneração cognitiva e de memória acarretado pela doença, foram pontos centrais para a criação de MEU NOME: MAMÃE, espetáculo solo do artista, que marca sua primeira incursão no universo da autoficção, sob a direção de Janaina Leite. A montagem marca a volta do Instituto Capobianco nas artes da cena da cidade de São Paulo.A dramaturgia de Claudia Barral surge a partir de relatos, sempre bem-humorados de Aury Porto para os amigos mais próximos sobre as situações vividas por ele e sua família, que além dos cuidados da medicina, se vale da força de resistência característica da cultura sertaneja dos cearenses.

Zum Zum – Um Ensaio Sobre Abelhas é um documentário ficcional que acompanha o deslocamento das abelhas, espelho das mudanças climáticas que afetam nosso planeta. À medida que suas colônias se fragmentam, elas enfrentam a devastação ambiental e buscam novos lares. A peça revela a fragilidade de um mundo em colapso e nos desafia a refletir sobre o futuro que estamos abandonando. O que nos resta quando a natureza se torna um lugar estranho e distante?

A feira de arte ArPa realiza sua quarta edição em São Paulo, reunindo 100 artistas e cerca de 60 galerias, somando 14 países representados. Os estandes das galerias são marcados por um processo de curadoria, em que destacam obras de artistas específicos dos seus programas. Entre os participantes, estão desde nomes estabelecidos no mercado, como Almeida e Dale e Galeria Luisa Strina, a estreantes, tal como a Yehudi Hollander-Pappi.

Inuk Silis Høegh (Qaqortoq, Groenlândia, 1972) é um artista e cineasta cujo trabalho elabora questões sobre as mudanças climáticas e os processos coloniais na Groenlândia. Filho de artistas, cresceu imerso em exposições e se inseriu profissionalmente no meio artístico a partir da produção audiovisual e escultórica, principalmente com documentários e instalações de grandes dimensões. Høegh se interessa pela relação entre humanidade e natureza, focando nos processos políticos e culturais do seu país e em como eles afetam os povos originários inuítes e o meio ambiente.The Green Land [A terra verde] (2021) apresenta registros das intervenções visuais realizadas pelo artista na paisagem de sua terra natal, que enfrenta grandes mudanças devido ao aumento da temperatura média global. Com um ritmo lento e meditativo, o vídeo tematiza os quatro elementos naturais, todos representados por diferentes materialidades da cor verde.

No dia seguinte ao Popload Festival, Kim Gordon, ícone do rock experimental e fundadora do Sonic Youth, sobe ao palco do Cine Joia. A noite também contará com o ato de abertura de Moor Mother.

“Peter Pan – Crescer é preciso” é uma adaptação teatral que mergulha na jornada emocional de Peter e seus amigos, não apenas ao enfrentarem a transição para a vida adulta, mas também ao se depararem com a responsabilidade de cuidar do planeta e do futuro. Enquanto lidam com seus dilemas pessoais, os personagens confrontam a resistência de Peter em crescer, mas também se deparam com a urgência de preservar a Terra do Nunca, representando um reflexo do nosso próprio mundo, através dos sonhos e da imaginação.

Uma entrevista com a plateia dá origem ao inteiramente improvisado espetáculo Portátil. Com os poucos dados que a pessoa escolhida fornece aos atores, além de uma trilha sonora composta no momento, o elenco cria uma narrativa própria que percorre as memórias do entrevistado. No final, o resultado é uma apresentação orgânica, diversificada, que passeia por diversos personagens, épocas e lugares, a fim de contar a história de uma pessoa.

O Papel de Parede Amarelo e Eu é uma adaptação contemporânea de uma obra pioneira de 1892, que até hoje ressoa profundamente ao confrontar as complexas relações de poder entre homens e mulheres. A história se desenrola através dos olhos de uma mulher diagnosticada com depressão e histeria, forçada por seu marido, um médico, a se isolar em uma casa para evitar qualquer esforço físico ou mental. Durante esse isolamento, ela desenvolve uma obsessão com o papel de parede amarelo de seu quarto, um símbolo de sua crescente confusão mental e angústia.A obra revela não apenas as tensões psicológicas da protagonista, mas também o contexto social que limita sua liberdade e identidade, desafiando as normas da época sobre o papel da mulher. Ao mesmo tempo, a peça expõe, com uma linguagem poética moderna e realista, a luta interna dessa mulher, refletindo sobre as questões de gênero e o poder nas relações maritais.A História mantém uma profunda atualidade ao refletir sobre os desafios enfrentados pelas mulheres e o avanço de suas lutas. Um espetáculo de forte simbolismo, que ilumina os dramas pessoais e o triunfo artístico sobre as adversidades.

A comédia conta a história de Alex, um fanfarrão convicto e incorrigível, casado com Bruna, uma dona de casa bonita e inteligente, que vive solitária. Numa de suas farras, Alex acaba sofrendo um acidente deixando viúva a bela esposa. Após a morte dele, a jovem viúva será disputada por Nico, um mauricinho convicto, e por Paulo , melhor amigo de Alex. Para impedir que ela se case com seu desafeto, o morto volta à Terra e pede ajuda a seu melhor amigo. Assim se desenrola uma trama de confusões hilariantes, cheia de surpresas.

A nova coreografia explorará um campo relacional sustentado nas potencialidades emergentes das relações estabelecidas entre os corpos com e no espaço. O que move a criação de um campo comum gestado pelas diferenças, em que cada interação e cada movimento surgem a partir das oportunidades oferecidas por essas relações. A coreografia busca explorar como os sentidos operam de forma constante, transformando questões abstratas em experiências sensoriais tangíveis. A composição é concebida para que a plateia não apenas observe, mas para que todos os sentidos sejam envolvidos na experiência. A “afetabilidade” é entendida, por Rafaela, como um campo cognitivo-relacional, em que os afetos e as interações entre os corpos configuram sistemas complexos de emoção e percepção. A criação parte do potencial inerente dos corpos do elenco e da descoberta de novas possibilidades a partir desses potenciais. Artista da dança e das matérias do corpo, a paulistana Rafaela Sahyoun se aprofunda no fazer coreográfico, na educação e na pesquisa continuada, atuando como bailarina colaboradora em contextos nacionais e internacionais. Formada pela SEAD – Salzburg Experimental Academy of Dance (Áustria, 2013) e pelo Trinity Laban Centre for Movement and Dance (Reino Unido, 2009), desenvolveu práticas pedagógicas com impacto internacional na formação de novos artistas. Rafaela colabora com instituições como a PERA School of Performing Arts (Chipre do Norte), EBB Elephant in the Black Box (França e Espanha) e o Programa de Pós-Graduação Corpo: Dança, Teatro e Performance do Célia Helena Centro de Artes e Educação (Brasil). Ela também foi curadora artísticopedagógica do Festival DansPunt (2025) e está em processo de criação para a Companhia de Dança EBB, com estreia prevista para 2025 em Madri, Espanha. Principais obras coreográficas: C R U S H (2024), Fôlego (2022), NINGUÉMMESOLTA [Don’t Lose Me] (2018), Yeah, I’ve Been Watching You Lately (2023), Something to Phase Us: Who Goes There (2022), Wheel of Radical Affection (2021) e VAWM (2020).Em suas obras, Michelle Moura provoca uma sensação que oscila entre o cômico e o inquietante. Pensando a matéria do corpo humano e de outros corpos não humanos, a partir de uma escala mínima de movimento e de sua possibilidade de amplificação, ções banais e comuns, por vezes inconscientes, são o sumo que a coreógrafa vasculha até o limite. Ao fazer isso, evidencia algumas questões: o que no corpo é natural ou construído?Manipulamos ou somos manipulados pelos sentidos? O que posso me tornar ao reagir de outras formas? Em suas pesquisas, movimentos se cruzam e descruzam, palavras explicam e confundem, expressões faciais tentam evocar emoções e múltiplas vozes ecoam de uma única fonte – corpos. Bailarina e coreógrafa brasileira radicada em Berlim, Michelle Moura em seus trabalhos dos últimos 12 anos tem explorado mudanças psicofísicas propondo experiências particulares para o corpo, como: não piscar (BLINK), falar sem mover a boca (Overtongue), hiperventilar (FOLE).Em Overtongue (2021) e Lessons for Cadavers (2023), ela se debruçou sobre a artificialidade e a dissociação de elementos, manipulando movimento, expressão, som e linguagem. Seu trabalho foi apresentado em espaços e festivais de dança como Tanz im August (Alemanha), Sophiensaele (Alemanha), Bienal de Veneza (Itália), Panorama (Brasil), entre outros. Michelle Moura começou sua formação em dança na Universidade Estadual do Paraná (Unespar), continuou no CNDC d’Angers (França) e Das Choreography (Holanda). Juntamente com sete artistas curitibanos, foi cofundadora e membro da Minicomunidade Artística Mundial Couve-Flor (2005-2012). Seu solo Overtongue foi uma das 13 produções convidadas para o Tanzplattform Deutschland 2022.

Dois ícones da dramaturgia. De um lado, a lendária Lady Macbeth, personagem imortal de William Shakespeare. Do outro, uma das mais importantes atrizes brasileiras, Susana Vieira. “Lady” promove indiretamente esse encontro, mas não para reencenar a tragédia do autor inglês. Ao contrário, o monólogo inédito de Vana Medeiros é uma viagem bem-humorada, feminina, leve e contemporânea. Um texto moderno escrito especialmente para o humor e o talento de Susana, que desejava retornaraos palcos com uma comédia inteligente e de grande comunicação com o público.

Uma das mais ativas e respeitadas sopranos de sua geração, MARÍLIA VARGAS divide seu tempo entre o ensino, a preparação vocal de coros e concertos. Sua intensa atividade musical nas últimas temporadas, incluiu recitais com diferentes orquestras, a Paixão Segundo São João na série da Cultura Artística na Sala São Paulo, o papel título da ópera Alcina de Händel no Theatro São Pedro, e as Vésperas de Monteverdi no Theatro Municipal de São Paulo.ANDRÉ MEHMARI, pianista, compositor e multi-instrumentista é considerado um dos maiores expoentes da música criativa brasileira contemporânea. É dono de uma vasta e singular produção que vai do piano solo ao jazz, à ópera, ao choro, passando pela música orquestral e de câmara até canções populares em mais de cinquenta e cinco álbuns lançados desde 1998, muitos deles produzidos em seu próprio Estúdio Monteverdi, localizado no coração da Mata Atlântica.

Mari Jasca sobe ao palco do Estúdio Pulso para um show intimista.

Tatiana Parra se une aos compositores e multi-instrumentistas Antonio Loureiro, Bruno Migotto e Louise Woolley, artistas com os quais já trabalhou em diversos projetos, para uma apresentação com temas instrumentais e canções de autoria de cada um dos músicos que se misturam a versões de obras icônicas da música brasileira.A intérprete e compositora paulistana é conhecida no meio musical por participações em shows e discos de artistas como Ivan Lins, Chico Pinheiro, Dave Grusin, Lee Ritenour, Léa Freire, Benjamim Taubkin, Joana Queiroz, Alexandre Andrés, Omara Portuondo, Rita Lee, André Mehmari, entre tantos outros. Possui seis discos lançados como solista - "Inteira" (2010); "Aqui" (2011); "Lighthouse" (2013); "Hand in Hand "(2015) e "Triptych" (2019), os três últimos gravados em Los Angeles em parceria com o pianista armênio Vardan Ovsepian. Com este projeto recebeu o primeiro prêmio Achava Jazz Festival, (Alemanha), em 2017, além de ter realizado turnês pelo Japão, Europa e Estados Unidos.

MC Luanna apresenta o show do seu último álbum, Sexto Sentido. Cantora e compositora, Luanna transforma suas vivências em arte, fazendo da música um caminho de resistência. Mulher, preta e favelada, traz a importância do empoderamento sem abrir mão de sua essência, expressando tudo isso em letras que transitam com força e autenticidade entre o rap, o trap e o funk.Em “Sexto Sentido”, MC Luanna revela um lado mais maduro e introspectivo, explorando novas sonoridades que traduzem sua visão de mundo. O álbum é uma mistura de ritmos, rompendo as fronteiras do rap tradicional ao incorporar elementos de trap, bounce e dancehall.

Dois irmãos se reencontram no velório do pai, depois de vinte e cinco anos sem se ver.Enquanto o mais velho foi obrigado a ceder suas paixões e ambições para cuidar da família, o irmão mais novo desbravou o mundo e hoje é um premiado fotojornalista.O reencontro é tenso, carregado de ressentimentos e mágoas. Enquanto o irmão mais velho acusa o mais novo de fugir de suas responsabilidades, o irmão mais novo o acusa de ser cúmplice dos erros cometidos pelo pai. Momentos de descontração surgem durante o reencontro, através das lembranças de histórias passadas, entre risadas e olhares cúmplices a conexão fraterna surge durante o acerto de contas.Uma revelação do passado muda totalmente o ponto de vista dos irmãos, que precisam revisitar suas intimidades para dialogar.

GLÓRIA tornou‑se nosso rito. Um grito, um canto.Um espetáculo que apresenta uma dramaturgia desafiadora pelo tema escolhido — as religiões judaico‑cristãs — e também pela sua linguagem, já que mistura teatro, performance, dança e audiovisual. GLÓRIA é um espetáculo fruto do seu tempo, de teor crítico em relação às instituições cristãs. Provoca o espectador a refletir sobre o papel das igrejas católica e evangélica na construção da nossa sociedade: suas imposições, seus vetos, suas intervenções (no âmbito individual e público) e seus projetos sociopolíticos. Aqui — ou melhor, aí — ícones serão desmontados; representações e símbolos, ressignificados.Não se trata de ultraje. Nós também temos fé. GLÓRIA é um trabalho sobre a liberdade.

Comandado pelos produtores musicais Adrian Younge e Ali Shaheed Muhammad (A Tribe Called Quest), selo e gravadora de Los Angeles Jazz Is Dead convida o público a explorar a evolução da trajetória musical desses artistas, desde os arranjos pioneiros de trompa de Taylor até a entrada de Thomas na lendária banda de highlife The Blue Monks.Essa noite celebrará o legado dos dois artistas e suas contribuições para o cenário musical global, prometendo uma fusão inesquecível de sons e culturas.Nascido em 1936, o guitarrista, compositor, arranjador, líder de banda e produtor ganense Ebo Taylor tem sido uma presença vital na música africana por mais de meio século. Ele é um dos principais nomes da história do highlife, gênero musical ganense que combina a música local da região com ritmos ocidentais, como jazz, blues, soul e música latinaPat Thomas é um renomado vocalista e compositor ganense, conhecido por seu trabalho com as bandas de highlife de Ebo Taylor e por suas próprias gravações de Afrobeat e Afro-pop. Na década de 1970, ele se juntou à lendária banda The Blue Monks, de Ebo Taylor, marcando sua presença no icônico Tip Toe Night Club, um ponto importante na história cultural moderna de Gana. Nos últimos anos, Pat Thomas se mudou para a Costa do Marfim, onde produziu vários discos que misturam afrobeat, sons afro-latinos, reggae e funky disco africano.

A Casa Natura recebe o show Jazz Is Dead com Ebo Taylor e Pat Thomas. O guitarrista, compositor e produtor ganense Ebo Taylor se une ao vocalista e compositor Pat Thomas para uma apresentação especial.Comandado pelos produtores musicais Adrian Younge e Ali Shaheed Muhammad (A Tribe Called Quest), o icônico selo e gravadora de Los Angeles Jazz Is Dead convida você a explorar a evolução da trajetória musical desses artistas, desde os arranjos pioneiros de trompa de Taylor até a entrada de Thomas na lendária banda de highlife The Blue Monks.Ebo Taylor - Nascido em 1936, o guitarrista, compositor, arranjador, líder de banda e produtor ganense Ebo Taylor tem sido uma presença vital na música africana por mais de meio século. Ele é um dos principais nomes da história do highlife, gênero musical ganense que combina a música local da região com ritmos ocidentais, como jazz, blues, soul e música latina.Pat Thomas - Pat Thomas é um renomado vocalista e compositor ganense, conhecido por seu trabalho com as bandas de highlife de Ebo Taylor e por suas próprias gravações de Afrobeat e Afro-pop. Na década de 1970, ele se juntou à lendária banda The Blue Monks, de Ebo Taylor, marcando sua presença no icônico Tip Toe Night Club, um ponto importante na história cultural moderna de Gana. Nos últimos anos, Pat Thomas se mudou para a Costa do Marfim, onde produziu vários discos que misturam afrobeat, sons afro-latinos, reggae e funky disco africano.

A galeria Zielinsky apresenta a primeira exposição individual em São Paulo do artista uruguaio Yamandú Canosa. Nascido em 1954 em Montevidéu e radicado em Barcelona desde os anos 1970, Canosa é um dos artistas mais destacados de seu país, com uma trajetória amplamente reconhecida na Espanha e internacionalmente. Em 2019, representou o Uruguai na 58ª Bienal de Veneza com o projeto "A casa empática".

Sain e Febem apresentam "HIGHBOYZ", a mixtape colaborativa que vem movimentando a cena do rap nacional. Com produção de JXNV$ e feats de peso como Leall, Jonas e Akilla, o projeto ganha vida no nosso palco. Os artistas também apresentam faixas marcantes de suas carreiras solo.

A galeria apresenta uma retrospectiva dedicada ao artista Marco Tulio Resende, que celebra 75 anos de vida e mais de cinco décadas de trajetória artística.A mostra reúne cerca de 40 trabalhos, com curadoria inspirada em conversas no ateliê do artista, e propõe uma viagem pela construção de sua obra marcada pela memória, pela coleção de fragmentos e pela experiência do tempo.Nascido em Belo Horizonte (MG), em 1950, Marco Tulio Resende desenvolve desde os anos 1970 uma prática artística que atravessa o desenho, a pintura, a gravura, a escultura, o objeto e a instalação. Seus trabalhos — compostos por elementos recorrentes como facas, escadas, livros, ossos, asas, gaiolas, pontes, bustos, pedras, entre outros — reencenam a memória em um processo contínuo de reconhecimento do eu no mundo. Utilizando pigmentos de terra e barro, o artista amalgama essas imagens-objetos em um universo onde nascer, viver, morrer e renascer se entrelaçam em um grande organismo feito de “caquinhos de tempo”.A exposição oferece uma ampla retrospectiva da carreira de Resende, partindo dos objetos pintados da série Urbanália (1980) até a série de Desenhos Diários (2015). Também estarão em destaque obras de séries importantes como Ex-Votos (1997), Ilhas (2000), Carros (2001), Recortes de Parede (2004) e Ecce Homo – Tijolos e Cabeças (2013).

Exposição individual da artista argentina Liliana Porter, com uma seleção de obras da sua produção dos últimos cinco anos. A produção da artista nos coloca diante de pequenas fábulas visuais, ou crônicas atemporais da nossa própria condição de ser humano. Uma de suas grandes habilidades recai no poder de síntese das suas representações, que paradoxalmente (ou ironicamente) acontece a partir do colecionismo. Bibelôs, brinquedos, ornamentos e outros pequenos objetos garimpados ganham vida pelas mãos da artista. Eles permanecem armazenados até serem “licenciados” pela sua poética, por vezes ácida, por vezes bem humorada.

A exposição GRAPHOS, de Regina Silveira, apresenta a obra concebida inicialmente em 1991, alguns anos antes da sua primeira exposição na Luciana Brito Galeria, em 1998. Esse resgate histórico de uma obra não realizada representa os quase 30 anos de parceria e reflete a evolução da pesquisa de Regina Silveira, que sempre esteve à frente nos estudos sobrepercepção e representação visual, acompanhando os novos recursos da tecnologia na arte.A instalação site specific “GRAPH” foi inicialmente pensada segundo parâmetros d as regras gráficas analógicas para corrigir as perspectivas do espaço arquitetônico da Storefront for Art and Architecture, em Nova York (EUA), durante residência da artista pela bolsa John Simon Guggenheim Foundation (1991). Embora contemplada, as regras de preservação do prédio da Storefront não permitiram que o projeto fosse executado, já que naquela época a artista pintava as obras diretamente na parede.Trinta e quatro anos mais tarde, a artista revisita a mesma instalação para o espaço similar do pavilhão da Luciana Brito Galeria, caracterizado por uma planta triangular. Para tanto, “GRAPH” foi transposta para os recursos gráficos digitais, que permitem a produção e aplicação de vinil adesivo nas paredes do pavilhão, corrigindo virtualmente seus ângulos irregulares sob a ótica do espectador.

Este concerto é uma oportunidade de ouvir uma das obras mais marcantes do século XX. Concluído em janeiro de 1962, o Réquiem de Guerra, de Benjamin Britten, foi escrito para a consagração da nova catedral de Coventry, no condado inglês de Warwickshire, construída após a estrutura original do século XIV ter sido destruída em um bombardeio da Segunda Guerra Mundial. Composto para soprano, tenor e barítono, coro adulto e infantil, órgão e duas orquestras (uma completa e uma de câmara), esta é uma obra de larga escala que incorpora as crenças pacifistas e humanitárias de Benjamin Britten.Britten intercala a configuração tradicional da missa de réquiem com poemas de Wilfred Owen, um dos maiores poetas da Primeira Guerra Mundial. Owen foi morto em combate sete dias antes do armistício, e isso enfatizou ainda mais o tema central do compositor – o desperdício criminoso de vidas humanas em conflitos fúteis. Britten usa nove poemas de Owen que formam uma espécie de ciclo de canções, que entra e sai das seções formais da missa latina, resultando em contrastes e ironias sutis e poderosos. A orquestra de câmara acompanha os cenários íntimos da poesia inglesa, enquanto soprano, coros e orquestra são usados para as seções da missa. O resultado é uma das obras mais comoventes e pessoais dos tempos modernos, considerada por muitos a obra-prima de Britten na esfera não operística.Uma série de forças se une para interpretar a obra: além da Sinfônica Municipal, os corais Lírico e Paulistano serão regidos pelo maestro Roberto Minczuk.

A loucura desenhada como extrema lucidez é a chave poética de ESBOÇO, espetáculo com foco na atuação e no caráter transformador das criações antimanicomiais. Fruto das investigações sobre a potência dramatúrgica presente nas obras ‘Esboço’ e ‘Com os meus olhos de cão’, de Hilda Hilst, o solo apresenta Riolo, um professor de matemática pura que, após expelir a constatação de que tudo em sua vida é apenas um esboço, passa a conviver diariamente com esta condição. Diante de tudo e todos, a única palavra possível é “esboço”.

Maior exposição realizada pelo Museu Judaico de São Paulo desde sua inauguração em 2021, Judeus na Amazônia reúne mais de 220 itens entre obras de arte, vídeos, documentos históricos e fotográficos, a mostra propõe dar conta de um capítulo pouco conhecido da história brasileira: a imigração judaico-marroquina para a Amazônia, que aconteceu entre 1810 e 1930, trazendo centenas de famílias que viviam em cidades como Tânger, Tetuan, Fez e Marrakesh. Na região se estabeleceram como regatões, os mascates dos rios, e atuavam no período do auge da economia da borracha levando e trazendo mercadoria das cidades para os seringais. Com curadoria conjunta de Aldrin Moura de Figueiredo, Ilana Feldman, Mariana Lorenzi e Renato Athias, a panorâmica é fruto de uma pesquisa de dois anos realizada pelo Museu e ocupa três andares de sua sede. A mostra conta com obras de artistas como Claudia Andujar, Donna Benchimol, Thomaz Farkas, Arieh Wagner, Sergio Zalis, Abrão Bemerguy e Mady Benzecry – além de três obras comissionadas. O projeto propõe um olhar ampliado sobre como a cultura judaica se ambientou em diferentes localidades amazônicas, influenciando e sendo influenciada, sem perder suas raízes.

Após uma temporada de sucesso de crítica e de público, o espetáculo “Ana Marginal - Um navio ancorado no espaço”, com texto de Michelle Ferreira e direção de Nelson Baskerville, volta em cartaz para apresentações gratuitas. O espetáculo é um metateatro que transita pela obra e vida da poeta Ana Cristina Cesar, ícone da poesia marginal da década de 70 a partir do conflito de três atrizes envoltas pela complexidade e identificação das angústias de suas personagens, que representam diferentes facetas da poeta: a Ana, a Cristina e a César.

Nesta exposição, soluções criativas, novos materiais e propostas para minimizar os desperdícios dos meios e materiais ganham destaque, ressaltando a valorização dos recursos e técnicas tradicionais japonesas.

Lusco-fusco na mata. O Jacaré toca seu piano, acompanhado do casal de Araras com sanfona e zabumba. Três animais-xapiris, guardiães da floresta, se juntam para saudar o dia. Mas os Acionistas aparecem e a terrível Máquina do Progresso invade o lugar, ateando fogo em tudo. Velejando o Barco Mundo, eles enfrentam secas, inundações e sujeira para conseguirem refundar seu território sagrado.

Filha da sambista Jovelina Pérola Negra, Cassiana compartilha da sua herança musical comemorando o que seriam os 80 anos de sua mãe. Desde cedo, seguiu os passos de Jovelina, se mostrando uma partideira de mão cheia, conhecida por sua simplicidade e autenticidade. Destaca-se nas rodas de samba do Rio de Janeiro, São Paulo e outros estados.

Shakespeare é ainda uma criança quando assiste, pela primeira vez, a uma peça de teatro que desperta nele o desejo de ser ator e seguir com um grupo de atores mambembes que passa por sua cidade. Depois de várias tentativas, ele é finalmente aceito pela companhia e segue em direção a Londres, onde acaba por se tornar uma espécie de “flanelinha” da época, tomando conta dos cavalos e carruagens dos espectadores de um teatro londrino.Um dia, quando a trupe formada pelos divertidos Juca e Pinduca está ensaiando uma nova peça, percebe que falta um ator para um dos personagens e, por falta de um profissional colocam o “flanelinha” Shakespeare para atuar. Shakespeare não perde a chance de se tornar ator e, como é o único que sabe escrever, acaba por se tornar também o autor da Companhia. Suas peças fazem grande sucesso e a Companhia vive grandes aventuras, inclusive o roubo de um teatro inteirinho.Shakespeare guarda consigo um par de luvas que recebeu de sua avó e só consegue escrever suas peças quando as usa. Em uma ocasião em que Shakespeare perde suas luvas, sua inspiração desaparece e ele não consegue fazer seu trabalho até reencontrá-las.

O espetáculo comemora os 500 anos de Camões e da Língua Portuguesa, celebrando também os 10 anos da Cia Teatral As Tias. A dramaturgia costura textos de Camões, Pessoa, Bocage, Florbela Espanca e outros nomes da literatura lusófona.Alguns poemas foram musicados passando por ritmos do fado ao rap, outros interpretados e declamados pelas quatro atrizes da melhor idade, que tiveram a maior parte de suas vidas dedicadas ao ofício do teatro, acompanhadas ao vivo por um músico ao piano.

Inspirado na obra do Nobel de Literatura Luigi Pirandello, e em relatos de “fatos reais”, o espetáculo traz à cena uma atriz que não consegue chorar. Ajudada por outra atriz mais experiente, ela se prepara para atuar em uma peça sobre a conflituosa relação entre uma filha e o seu pai. Uma peça dentro de outra (uma dramática, a outra cômica) em que, como em nossos dias, são constantemente embaralhadas as noções entre o que é real e o que é inventado, entre o que é verdade e o que é mentira, entre o que é e o que parece, mas não é.

O espetáculo de ballet apresenta o conto da Bela Adormecida por meio de uma coreografia que se complementa com trajes iluminados por luzes.

Desde a sua estreia em Londres, em 2022, ‘Prima Facie’ seguiu uma trajetória meteórica. Escrito por Suzie Miller, o texto ganhou dezenas de montagens ao redor do mundo, conquistou a Broadway e o West End inglês, virou objeto de disputa entre produtores e inspirou debates e esforços para mudar algumas leis britânicas. Com Débora Falabella em seu primeiro solo teatral, sob direção de Yara de Novaes, a montagem estreou em abril de 2024 no Rio de Janeiro e se tornou em um fenômeno de público. Após uma temporada em São Paulo no Teatro Vivo, a peça segue em cartaz no palco do Teatro da Faap. Em cena, Débora vive a bem-sucedida advogada Tessa, que tem acusados de violência sexual entre seus clientes. Vinda de uma família pobre, ela batalhou e venceu no complexo mundo da advocacia. Ao mesmo tempo em que experimenta o sucesso, ela precisa encarar uma crise que a obriga a rever uma série de valores e princípios, além de refletir sobre o sistema judicial, a condição feminina e as relações conturbadas entre diversas esferas de poder.

A coleção do Museu de Arte Moderna de São Paulo, ao longo dos últimos 77 anos, foi se transformando e ampliando. O acervo inicial de arte moderna do MAM foi doado à Universidade de São Paulo e deu origem ao Museu de Arte Contemporânea. Desde a década de 1960, o MAM refez seu acervo e adquiriu mais de 5 mil obras, grande parte de artistas contemporâneos. Mas quais são as diferenças e semelhanças entre o moderno e o contemporâneo na coleção do MAM? Trata-se apenas de uma distinção de períodos ou estilos? Certamente há diferenças históricas e teóricas que merecem ampla discussão, mas, afinal, é possível traçar com precisão a fronteira visual e temporal entre a arte moderna e a arte contemporânea?A exposição MAM São Paulo: encontros entre o moderno e o contemporâneo, com curadoria de Cauê Alves e Gabriela Gotoda, tem como objetivo apontar para as aproximações e diálogos entre arte moderna e contemporânea, partindo das obras do acervo do museu.

O musical estrelado por Miguel Falabella é uma versão brasileira do espetáculo de sucesso da Broadway, que conta com músicas e letras de Stephen Sondheim. “Uma coisa engraçada aconteceu a caminho do Fórum” é um musical ambientado na Roma Antiga, inspirado nas comédias farsescas de Plauto. Combinando humor clássico e elementos de vaudeville, a história acompanha Pseudolus, um escravo astuto determinado a conquistar sua liberdade. Para isso, ele promete ajudar seu jovem amo, Hero, a conquistar Philia, uma virgem prometida ao arrogante soldado Miles Gloriosus.Philia vive sob a tutela do comerciante de escravos Marcus Lycus, que vendeu seus serviços a Miles Gloriosus, complicando o plano de Pseudolus. A trama também envolve os patrões de Pseudolus: Senex, um homem mais velho com tendências amorosas, e sua esposa dominadora, Domina. Além disso, o escravo-chefe da casa, Hysterium, é frequentemente arrastado para as confusões, geralmente contra sua vontade.O enredo é marcado por eventos cômicos, como trocadilhos, disfarces, identidades trocadas e mal-entendidos.

O espetáculo Disney on Ice volta para uma temporada em São Paulo com uma série de apresentações no gelo dos personagens clássicos e os sucessos recentes do universo da Disney. O evento apresenta acrobacias, música e dança comandados por Mickey, Minnie, Pateta e sua turma.

Celebrando a pré-estréia de seu primeiro álbum, Maurício Pazz nos convida para um passeio nos diversos universos sonoros das diásporas africanas no Brasil, conectando – com maestria e elegância – tradição e modernidade. O repertório apresenta composições autorais e releituras de artistas e compositores consagrados como Heraldo do Monte, John Coltrane e Moacir Santos.

O violonista Yamandu Costa se apresenta no palco da Casa Natura Musical. Aclamado pela crítica, o artista encanta plateias ao redor do mundo com performances que carregam a marca da música sul-americana. Solo, acompanhado de outros músicos ou com orquestra, ele transita por diferentes gêneros musicais, formando uma simbiose rara com seu violão de sete cordas. Yamandu iniciou a carreira ainda na infância. Nascido em uma família de músicos do sul do Brasil, ele subiu ao palco pela primeira vez aos 5 anos, cantando. Com 6 anos, seu pai o presenteou com o primeiro violão. Já com 21, Yamandu ganhou o Prêmio Visa Instrumental, importante reconhecimento que o ajudou a gravar seu álbum solo de estreia.

A pianista e compositora Silvia Goes (1947), musicista muito atuante na cena paulistana, abriu caminhos no universo ainda predominantemente masculino da música instrumental e do jazz. Colaborou com músicos como Dori Caymmi, Toninho Horta, Toquinho e Hermeto Pascoal e, em sua carreira, já fez um pouco de tudo: tocou violão, piano, compôs trilhas, gravou em estúdio, atuou como arranjadora de discos, festivais de música e programas de rádio e TV, além de se dedicar à docência e publicar livros sobre música. Em 2022, essa musicista múltipla homenageou outra mulher pioneira: Chiquinha Gonzaga (1847-1935).Chiquinha enfrentou todo tipo de obstáculos para se profissionalizar como compositora e maestra à sua época, tanto por ser mulher como por sua ascendência negra. Sua obra transita entre o clássico e o popular, com polcas, valsas e tangos brasileiros que contribuíram com a origem do choro. Na Suíte Chiquinha Gonzaga, escrita especialmente para o Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo em 2022, Silvia Goes propõe uma visita à obra dessa mulher inspiradora, com movimentos de títulos sugestivos que aludem à sua trajetória.Eunice Katunda (1915-1990) foi outra compositora à frente do seu tempo. Pianista concertista, atuou também na rádio (tocando, arranjando e sendo apresentadora) e n educação infantil, sempre promovendo a produção contemporânea brasileira. Estudou com Camargo Guarnieri, apoiador do projeto nacionalista de Mário de Andrade, que pregava a criação de uma arte inspirada em nossas raízes populares; e depois com Hans-Joachim Koellreutter, integrando o grupo Música Viva, liderado por ele, que propunha um alinhamento da produção musical brasileira às tendências vanguardistas internacionais, como o dodecafonismo e o atonalismo. Transitando entre esses dois polos e outros interesses particulares, a produção de Katunda é multifacetada e desafia classificações.A Seresta Piracicaba, de 1965, passeia por ritmos de gêneros tradicionais do interior paulista, que a compositora ouviu dos violeiros e estudou em visitas à cidade entre 1946-1949. Escrita originalmente para piano, a peça foi adaptada para quarteto de cordas (formação para a qual Katunda não compôs) por Matheus Bitondi em 2022, para as celebrações em torno dos cem anos da Semana de Arte Moderna.Outro aluno de Koellreutter foi o amazonense Claudio Santoro (1919-1989), sendo um dos membros mais ativos do movimento Música Viva. Laureado na juventude com uma bolsa da Fundação Guggenheim, foi impedido de entrar nos Estados Unidos por sua militância no Partido Comunista, indo então a Paris para estudar com ninguém menos que Nadia Boulanger, cobiçada professora que formou uma infinidade de grandes nomes da nova geração. Nesse período, participou do II Congresso de Compositores Progressistas, em Praga, onde teve contato com as doutrinas do Realismo Soviético.Voltou ao Brasil decidido a abandonar as tendências vanguardistas e se dedicar a uma arte nacionalista. O Quarteto no 3 (1954), estreado pelo Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo, é do início dessa nova fase estética, incorporando elementos de inspiração popular ora na rítmica, ora no caráter seresteiro.

Duas rainhas - opostas mas complementares - descobrem movimentos possíveis para além da norma. Se o espectador transcender o gesto, ele as vê. E elas dançam.'Para além do gesto' é a versão em Libras do espetáculo 'Só se fechar os olhos', do Coletivo Desvio Padrão. Se na obra original o espectador é convidado a co-criar deixando emergir sua própria produção imagética a partir de elementos sonoros, na versão em libras do espetáculo o espectador usuário de língua de sinais é igualmente convidado a imaginar e criar, a partir da narração cheia de expressividade de duas atrizes surdas em cena.Desvio Padrão é um coletivo composto por pessoas que transitam nas pontas da curva normal - cegos, videntes, surdos e ouvintes atuantes no campo da cultura como artistas, técnicos e/ou produtores.

Viagem ao redor do meu quarto, nova exposição de Paulo Pasta, apresenta um conjunto inédito de obras, entre pinturas a óleo sobre tela e papel. Concebida por André Millan, diretor artístico da galeria, a mostra abre oficialmente as portas do novo espaço expositivo da galeria, no edifício Fradique 1360. No processo de elaboração da mostra, Millan percebeu uma semelhança surpreendente entre o formato do novo espaço expositivo e o ateliê de Pasta. Essa coincidência acabou por influenciar a natureza introspectiva da exposição e inspirou Pasta a nomeá-la com o título do livro homônimo de Xavier de Maistre (1763–1852). Escrita durante o confinamento compulsório do autor francês em seu próprio quarto, a obra literária propõe uma viagem interior por meio da observação minuciosa dos objetos e das sensações provocadas pelo espaço íntimo — movimento que ecoa na produção pictórica do artista paulista. Aqui, no entanto, o ateliê é menos um lugar de reclusão do que de liberdade: espaço onde tempo e pintura se entrelaçam, onde a repetição se torna método, e o silêncio, matéria de trabalho.

Pensando nas muitas possibilidades de encontros que as músicas brasileira e internacional nos permitem, a Casa Natura Musical criou o projeto Frequências, um show duplo com artistas de diferentes cenas e a mesma sintonia.Sobre Clara Lima - Cria da Zona Norte de Belo Horizonte (MG), Clara Lima começou no hip hop aos 14 anos e ganhou visibilidade após vencer uma série de batalhas no Duelo de MC‘s em 2014. Em 2017, a rapper lançou o primeiro EP da carreira, Transgressão, dando início a sua trajetória solo. Já em 2019, Clara Lima divulgou seu primeiro álbum, SELFIE, produzido por Go Dassisti e Gee Rocha, contabilizando mais de 4 milhões de streams só no Spotify. Além dos álbuns, a artista teve destaque com seu single “Sem medo de ser feliz”. Sobre Sodomita - Sodomita é cantora, MC e multiartista de destaque, cuja jornada musical se estabeleceu na Zona Leste de São Paulo, durante a pandemia. Como uma travesti preta e periférica, sua presença única e autenticidade a tornam uma figura notável na cena artística. Sua música tem influências do funk, grime, drill, trap e rap 90’s.

Após temporadas de sucesso de público e crítica, a montagem FRACASSADAS BR, da A Coletiva de Teatro e direção e dramaturgia de Ave Terrena e Ymoirá Micall – vencedora da primeira convocatória de projetos independentes do Instituto Brasileiro de Teatro (IBT) – chega ao Teatro de Contêiner Mungunzá.Idealizada pelos artistas Barbara Vitoria, Lucas Madureira e Rand Barbosa, FRACASSADAS BR tem com uma das inspirações o livro A Arte Queer do Fracasso, em que o teórico americano Jack Halberstam investiga alternativas e rotas de fuga em uma sociedade fascinada por uma ideia heteronormativa de sucesso. Em cena, além de Barbara Vitoria e Lucas Madureira, completam o elenco Jota Guerreiro Vilar, Kaiala e Wini Bueno Lippi.Sinopse: No país onde o sol não sai mais do céu, as habitantes da noite se tornam monstras privadas de casa e família e se refugiam numa boate antiga. Miradas pelos olhos de quem vive no dia, bixas, sapatonas e transviadas veem pelo avesso suas identidades e se reúnem numa luta que é revolta, baile e manifesto. Com referência no funk, na cultura ballroom, nas quebradas e bairros da infância, FRACASSADAS BR exalta os saberes da noite onde as LGBT+ foram esquecidas – ninguém que fracassa sai ileso.

A Concha utiliza uma linguagem cênica inovadora, combinando bonecos, música, teatro de objetos e projeção de vídeo ao vivo para contar a história de Tamikuã, uma menina indígena de sete anos que após a morte de sua querida avó se vê sozinha e sem lar. Acompanhada pelo seu cachorrinho, Capitão Nemo, Tamikuã embarca em uma jornada para encontrar seu lugar no mundo. Suas viagens a levam por paisagens estranhas onde o ambiente natural corre grande perigo.

Criado a partir do clássico “A Sagração da Primavera”, o espetáculo adiciona sons e ritmos brasileiros à partitura de Igor Stravinsky e conta com a energia, vigor e originalidade da linguagem que Deborah Colker desenvolve desde o início da companhia (1994). Em único ato, “Sagração” mergulha numa reflexão sobre nossa origem, evolução e continuidade no planeta Terra.

Em um palco iluminado a luz de velas, um quarteto de cordas apresenta os grandes sucessos das bandas Coldplay e Imagine Dragons em versões instrumentais.

Mostra individual que percorre a trajetória e o pensamento crítico do arquiteto, pintor e teórico cuja obra desafia as relações entre arte, arquitetura e sociedade.Com curadoria de Fabio Magalhães, Maristela Almeida e Pedro Fiori Arantes, a exposição investiga como Sérgio Ferro desenvolveu um pensamento único sobre o trabalho, a produção artística e a arquitetura, pautado na resistência à opressão e na busca por uma prática verdadeiramente emancipada. A intersecção entre arte e política permeia sua obra, revelando a construção de uma visão crítica que atravessa diferentes campos de atuação.Desde sua participação no movimento Arquitetura Nova, ao lado de Flávio Império e Rodrigo Lefèvre, Ferro reformulou as bases da crítica arquitetônica. Sua abordagem denuncia a exploração dos trabalhadores da construção civil e propõe uma revisão estrutural da disciplina, indo além da estética e das formas para analisar a materialidade e a organização do trabalho.

Exposição retrospectiva de Zanele Muholi (1972, Umlazi, África do Sul), um dos nomes mais aclamados da fotografia contemporânea. Desde o início dos anos 2000, Muholi, que se define como ativista visual, documenta a vida da comunidade negra LGBTQIAPN+ na África do Sul e no mundo. Com curadoria de Daniele Queiroz, Thyago Nogueira e Ana Vitório (curadora-adjunta), a exposição reunirá suas principais séries fotográficas, especialmente Faces and Phases (extenso mapeamento de pessoas lésbicas, bissexuais, não binárias e transmasculinas feito desde 2006, hoje com centenas de fotos), Somnyama Ngomyama (autorretratos que tratam de temas como racismo, trabalho, eurocentrismo e sexualidade), Brave Beauties e trabalhos inéditos produzidos no Brasil

Tom Jobim Musical é uma montagem emocionante que retrata a vida e o legado do maior artista popular do Brasil. Viajamos desde a icônica praia de Ipanema nos anos 1950 até suas conquistas internacionais em Nova York, onde ele difundiu a Bossa Nova para o mundo. O musical enaltece sua importância na cultura musical do país e desperta o orgulho de ser brasileiro. Amado por sua música, inteligência e humor, Tom Jobim mostrou ao mundo o melhor do Brasil.A superprodução conta com 27 atores e 13 músicos, texto de Nelson Motta e Pedro Brício, direção de João Fonseca e direção musical de Thiago Gimenes.

Hélio Flanders sobe ao palco do Estúdio Pulso para um show intimista.

A Casa Natura recebe o Mental Abstrato em um clima descontraído para uma apresentação que traduz a essência do jazz contemporâneo, mesclado ao hip hop e em sintonia com raridades da música brasileira.O grupo, formado pelos produtores beatmakers Omig One, Calmão e Guimas Santos, lançou seu primeiro álbum, Pure Essence, em 2010 no Japão, conquistando reconhecimento internacional. Suas músicas foram distribuídas por grandes gravadoras como BBE, Far Out Records, IRMA Records e Paris Djs.No palco, o Mental Abstrato se apresenta em uma formação expandida, com instrumentos de sopro e a harmonia do jazz, explorando influências que vão do Samba-Jazz e Neo Soul à musicalidade ancestral de matriz africana.

A partir de um olhar minucioso sobre livros e bibliotecas como estruturas de poder, memória e validação do saber, Lucas Dupin apresenta a exposição "Na infinita soma dos possíveis", com texto curatorial de Lorraine Mendes. Manipulando publicações consideradas obsoletas — como enciclopédias, almanaques médicos e jurídicos, dicionários e gramáticas — o artista reconfigura esses vestígios do conhecimento ocidental em obras que subvertem sentidos fixos e constroem um arquivo fluido, aberto ao tempo, à dúvida e à multiplicidade de leituras.No ateliê do artista, instalado num terraço luminoso de um edifício residencial em Belo Horizonte, convivem livros, plantas, objetos simbólicos e ferramentas de ofício. É desse espaço que emergem as obras, moldadas por uma prática artesanal rigorosa e sensível. Bronze, papel, tinta, aquarela, latão e douramento se encontram em composições que não apenas acumulam camadas de tempo, mas também tensionam a ideia de permanência. Como nas ideias de Derrida — que inspiram o título da mostra — o sentido escapa, se transforma e se reconfigura continuamente.O gesto de Dupin é também editorial: ao cortar, remontar e relacionar conteúdos distintos, o artista organiza suas próprias bibliotecas — móveis, sensíveis, instáveis.

Em sua primeira exposição individual, o artista autodidata Raphael Oboé apresenta obras que evocam uma relação ancestral entre corpo, barro e território. "Ferida Aberta" reúne peças moldadas a partir de argilas selvagens, chamote e areia coletadas nos arredores da Serra do Japi, região onde o artista vive e desenvolve sua prática. Mais do que matéria, para Oboé o solo é memória viva — um arquivo silencioso que pulsa através do gesto e do tempo.Cada etapa do processo é parte de um rito: a argila é lavada e transformada com paciência; a superfície, polida com cristais rolados até alcançar o brilho sutil da bruñida; a queima é feita em um forno a lenha construído por ele, no qual o fogo, em semi-redução, imprime marcas únicas nas peças. São obras que resultam de um diálogo íntimo com os elementos e revelam respeito pela natureza e seus ritmos.

“ÂNIMA” é uma história sobre mulheres que mudaram o curso da história da humanidade contada por uma tecelã. Ela entrelaça os fios da vida em busca de sua ancestralidade feminina dando voz a mulheres idealistas e pensadoras, como: Joana d'Arc, Hipátia de Alexandria, Marguerite Porete, Helena Blavatsky, Harrite Tubman e Simone Weil. Cada fio conta uma história, que escrito nas estrelas, ecoa através dos séculos.

Acontece na Sala São Paulo a sexta edição da temporada de encontros entre o popular e o erudito. A cada edição, dois artistas da MPB se apresentam juntos da São Paulo Big Band.

A exposição reúne obras de nove artistas tapeceiros distintos e únicos em suas criações, que, ao longo do tempo, estiveram em sintonia com a identidade brasileira. A mostra conta com curadoria conjunta de Alejandra Muñoz e de Graça Bueno. O nome da exposição remete à forte ligação de Jorge Cravo (1927-2015), que começou a criar tapeçarias em 1972, e também às composições dos artistas de forma extremamente melódica. Esta é a segunda vez que as obras do artista baiano participam de uma exposição coletiva realizada pela galeria.Além de Jorge Cravo, os homenageados nesta mostra são: Genaro de Carvalho, Jacques Douchez, Norberto Nicola, Jean Gillon, Rubem Dario, Sylvio Palma, Maria Helena Andrés e Gilda Azevedo. O conjunto de tapeçarias expostas – planas e escultóricas, bordadas à mão ou tecidas no tear – imprime uma cadência criativa à exposição e é acompanhado de cartões-modelo e pinturas produzidos entre 1960 e 1988. Os temas variam do figurativo, inspirado na fauna, flora, rochas minerais, mitologia e casarios baianos, ao abstrato e geométrico.

Organizada pela curadora e crítica de arte Lisette Lagnado, a mostra que homenageia Pedro Moraleida Bernardes ocupa os dois endereços da nova Almeida & Dale, como parte das celebrações pelos 25 anos da morte do artista mineiro, que partiu precocemente aos 22 anos de idade. Intitulada Nossa Senhora do Desejo, a exposição propõe diálogos entre sua obra, artistas que o influenciaram e uma nova geração que compartilha de sua inquietação e irreverência.A produção intensa de Moraleida, marcada pela desobediência, escatologia e crítica social, segue sendo revisitada e reinterpretada ao longo do tempo. Graças ao empenho de seus pais, Luiz Bernardes e Nilcéa Moraleida, junto a professores e artistas, seu acervo sempre esteve acessível a pesquisadores, estimulando novos estudos sobre a obra. Nossa Senhora do Desejo mergulha em temas recorrentes em sua produção, como capitalismo, patriarcado, saúde mental, guerra planetária, direito à vida e vida artificial.

De um autor pouco conhecido em sua época para um dos compositores mais executados na atualidade: em 25 anos de uma produtividade surpreendente, Gustav Mahler criou todo um universo de emoções na música. Em suas 45 canções e 10 sinfonias, mergulha nas profundezas da alma humana. Suas obras orquestrais são hoje presença obrigatória nas salas de concerto de todo o mundo.Atuando na maior parte da vida como um importante regente em Viena, Mahler aproveitava os verões para se ausentar da cidade e se dedicar à composição. A Sinfonia nº 3 foi iniciada em 1893 e concluída três anos depois. Com seis movimentos, é a obra mais longa de Mahler e a sinfonia mais longa do repertório, com cerca de 100 minutos de duração. O próprio compositor dividiu a obra em duas partes.O primeiro movimento, sozinho, com mais de meia hora de duração, forma a primeira parte. A segunda compreende os outros cinco. O grupo das quatro primeiras sinfonias de Mahler é marcado pela presença da literatura. O compositor redigiu programas para explicar a narrativa das três primeiras, antes de rejeitá-los. Mahler não chegou a divulgar esses textos para o público, mas compartilhou suas ideias com vários amigos ao longo do processo de escrita. Resumidamente, o programa da Sinfonia nº 3 consiste em um título evocativo para cada um dos seis movimentos: Chega o Verão, O que Me Dizem as Flores do Campo, O que Me Dizem os Animais da Floresta, O que Me Dizem os Homens, O que Me Dizem os Anjos e O que Me Diz o Amor.Mahler, que já havia utilizado a voz no movimento final de sua segunda sinfonia, o faz novamente nessa obra que pede, no quarto e quinto movimentos, um coro feminino e uma solista. Tais partes serão executadas, respectivamente, pelo Coral Paulistano e pela mezzo soprano Carolina Faria.

O Museu da Imagem e do Som homenageia a fotografia durante os meses de maio e junho, com uma exposição que traz o trabalho de artistas cujas obras exploram as diferentes possibilidades que a fotografia traz. Em 2025, o público confere as mostras: “A São Paulo de German Lorca”; “Can you feel it?”, de Bruce Talamon; “O Trabalho”, de Jean Manzon; “Seja o que Deus quiser”, de Dani Tranchesi; “Solaris” - Nova Fotografia; e “Suportes da Memória”, do Acervo MIS.

Tony Ramos e Denise Fraga retornam a São Paulo para apresentar um espetáculo dedicado aos encontros. Um encontro de dois atores, um homem e uma mulher, com uma multidão de pessoas na plateia. Suas memórias. Suas próprias histórias e outras tantas que ouviram por aí. E o que só saberão, juntos? Esses dois atores e esse público? Uma sala cheia de gente que escolheu estar ali na companhia umas das outras. Há algo a celebrar, juntos?

O museu apresenta a exposição 'Proteção', da artista visual e fotógrafa Rafaela Kennedy. A partir de uma série de retratos íntimos e simbólicos, o projeto apresenta um olhar sensível e potente sobre as relações de cuidado, afeto e acolhimento dentro da comunidade trans e da espiritualidade afro-brasileira. Através da fotografia, a série ressignifica a presença de corpos travestis em espaços de benção e proteção, destacando as diferentes formas pelas quais mães – biológicas, de criação ou espirituais – ancoram e legitimam a existência de suas filhas. A exposição, que acontece na Marquise do Museu Afro Brasil, um espaço aberto e acessível mesmo após o horário de funcionamento do museu, amplia esse diálogo ao levar a temática para um público diverso, fomentando o reconhecimento das múltiplas formas de maternidade e proteção dentro das comunidades afro-indígenas e LGBTQIA+. A série reforça a potência das relações que sustentam a existência trans no Brasil, promovendo um espaço de reflexão e visibilidade.

Para inaugurar o novo espaço do voltado à exibição de videoinstalações, filmes e obras em movimento, o museu exibe “Thinya”, da diretora Lia Letícia, que propõe um instigante jogo de narrativas e deslocamentos: a partir de álbuns de família encontrados num mercado de pulgas em Berlim, imagens de uma mulher chamada Inge passam a ilustrar relatos de viajantes europeus no Brasil entre os séculos XVI e XVIII — todos narrados em yathee, a língua do povo Fulni-ô. O resultado é uma obra que desmonta os regimes coloniais de representação, construindo novas camadas de leitura para o passado.

Formado em 2001 pela união do baterista Edu Ribeiro, do pianista Fabio Torres e do contrabaixista Paulo Paulelli, o Trio Corrente, consagrado como um dos grupos mais inventivos da cena de jazz brasileira da atualidade, une a tradição dos trios de samba-jazz dos anos 1960 à criatividade do jazz moderno para interpretar de forma única clássicos da música brasileira e seu crescente repertório autoral. Ganhadores do Grammy Award e do Latin Grammy em 2014, ambos na categoria Melhor Álbum de Jazz Latino, o Trio Corrente alia em suas performances um agradável equilíbrio entre solos virtuosísticos e momentos de rara sutileza.

Buscando novas maneiras de representar a negritude, que não passam pela violência e o sofrimento, a companhia Aquilombamento Ficha Preta estreia seu novo trabalho, com direção de Rodrigo França e Tainara Cerqueira. Falada em português e LIBRAS, a peça é sobre um casal que decide não se curvar às regras de um amor socialmente instituído. Eles passam a questionar os limites impostos aos seus corpos e aprendem a construir uma família a partir das suas próprias crenças. O texto é de Aline Mohamad.

Programa a ser anunciado

A galeria apresenta a exposição individual do artista Michel Zózimo que reúne um conjunto inédito de obras desenvolvidas ao longo dos últimos dois anos. É a primeira vez que o artista expõe uma pintura de grande formato, dando continuidade ao rigor persistente que atravessa sua pesquisa e produção — uma obra porosa ao tempo, à textura e à natureza.Zózimo apresenta trabalhos em múltiplos suportes — colagens, desenhos, pinturas, cerâmicas, bordados, bronze e madeira —, todos marcados pela mesma lógica formal e rítmica. A diversidade dos meios não compromete a unidade do conjunto, pelo contrário: a reforça. Os bordados, feitos em parceria com a artista Fernanda Gassen, são como pinturas feitas com agulha, em que a técnica se reinventa conforme as exigências da imagem. As cerâmicas, iniciadas há mais de uma década, trazem o peso do tempo maturado entre modelagem, padrão e matéria.