PROGRAMAÇÃO EM DESTAQUE

Nestes concertos, Rollo Dilworth é o regente convidado do Coral Paulistano, em um programa dedicado a spirituals tradicionais e arranjos e composições do próprio Dilworth. Nascido em St. Louis, nos Estados Unidos, Rollo Dilworth (1970) é regente coral, compositor, arranjador e educador. É professor associado da Choral Music Education e docente do Departamento de Educação Musical do Boyer College of Music and Dance da Temple University, na Filadélfia, onde também é vice-reitor. Integra diversas organizações em seu país natal, entre elas a National Association of Negro Musicians (NANM), National Association of Music Educators (NafME), além de ser membro vitalício da American Choral Directors Association (ACDA). Dilworth busca evidenciar sua ancestralidade africana em suas composições. Para isso, incorpora em sua obra elementos da música folclórica afro-estadunidense, da música gospel e dos spirituals. O artista também se inspira na tradição literária afroestadunidense, musicando poemas de autores como Langston Hughes e Paul Laurence Dunbar. Outro aspecto central de sua atividade como compositor é a diversidade e a inclusão: para ele, uma das missões da música coral é reunir pessoas, propiciando uma chance de fazê-las aprender mais sobre o próximo e sobre elas mesmas.

Com uma edição por mês, a programação do Belas conta com a exibição de um filme do streaming À LA CARTE, selecionado pelo jornalista e crítico de cinema Luiz Carlos Merten, e seguida de uma conversa com o público com um dos críticos mais respeitados do Brasil. Em Agosto, o filme escolhido é Interlúdio do Mestre do Suspense. Agentes americanos pedem à filha de um espião alemão condenado que reúna informações sobre uma rede de cientistas alemães na América do Sul. Até onde ela terá que ir para cair nas boas graças deles?

Com repertório baseado no disco recém-lançado Time of Grace, a apresentação inclui também músicas dos dois primeiros álbuns do artista, além de releituras de clássicos do jazz e do pop. A proposta sonora combina groove, improvisação e arranjos envolventes, marcados pela alta performance e entrosamento do grupo.

Criada em 1987, a Concertgebouw Chamber Orchestra é integrada por músicos da célebre Orquestra Real do Concertgebouw de Amsterdã. Ao longo de sua história, o grupo tem trabalhado em colaboração com renomados solistas, e nestas apresentações recebe a alemã Antje Weithass, aclamada como uma das grandes violinistas de nossos tempos.

Francisco Mignone (1897-1986) e Clorinda Rosato (1913-1985) foram ambos alunos do Conservatório Dramático e Musical de São Paulo. No período, apresentaram-se ao piano na mesma Sala do Conservatório que hoje abriga o Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo. Compuseram pouco para quarteto de cordas: ele, apenas duas obras; ela, somente uma, que poderemos ouvir neste programa. Mignone foi um dos compositores mais próximos de Mário de Andrade em seu projeto nacionalista, inspirando-se em muitas de suas ideias para criar sua música. Essa proximidade, contudo, foi um processo construído: depois de sua formação inicial, Mignone recebeu uma bolsa do Governo do Estado de São Paulo para se aperfeiçoar na Europa e, em 1920, partiu para a Itália, país de origem de seu pai. Permaneceu no Velho Mundo por nove anos, alheio à efervescência do movimento modernista em São Paulo, sua cidade natal, e aos eventos da Semana de Arte Moderna, em 1922. No retorno ao Brasil, trouxe na bagagem suas óperas de sucesso ao estilo italiano e uma porção de outras obras que, a despeito de sua qualidade, não conversavam com a busca de uma identidade musical nacional que ocorria em terras tupiniquins.Mignone foi duramente criticado por Mário de Andrade, que acabara de publicar seu Ensaio sobre a Música Brasileira, livro que sintetiza as diretrizes modernistas para a composição inspirada na cultura popular, e absorveu a represália: passou a compor com base em repertórios de tradição oral e tornou-se um dos principais colaboradores de Mário de Andrade. A obra Quarteto de Cordas no 2, de 1958 e dedicada ao Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo, ilustra a devoção de Mignone ao projeto nacionalista, além da maturação estilística do compositor. Um pouco mais jovem que Mignone, a pianista do interior paulista Clorinda Rosato chegou a ser sua aluna, além de ter estudado com Camargo Guarnieri e Mário de Andrade. Este último foi quem a incentivou a se dedicar à composição, apoiando-a até o fim da vida. Fiel ao projeto nacionalista, incorporando os ideais da época em estilo pessoal, Clorinda compôs principalmente para piano, mas também criou peças corais que estiveram por cerca de três décadas no repertório do Coral Paulistano, além de obras de câmara – como o Quarteto que integra este programa, dedicado ao Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo. Esta é uma oportunidade rara de ouvir uma peça dessa compositora brasileira, que merece ter sua obra mais pesquisada e divulgada.

Em show exclusivo para o Sesc Belenzinho, a banda paraibana Papangu executará pela primeira vez duas músicas inéditas de seu terceiro disco, que será gravado em setembro.Além de material novo, a banda tocará na íntegra o aclamado disco Lampião Rei, contendo os singles Oferenda no Alguidar, Maracutaia, a suíte progressiva Ruínas e a pesadíssima Boitatá, para citar algumas. O show também contará com várias faixas do disco de estreia Holoceno, incluindo sucessos como São Francisco e a faixa-título. A banda inova show após show, trazendo novas fusões entre canções do repertório, diferentes trechos de improviso e rearranjado peso, dinâmica e silêncio após cada apresentação. Papangu é uma banda de rock progressivo e metal de vanguarda formada em 2012 em João Pessoa, Brasil. Vindo do ponto mais oriental das Américas, o grupo mistura a textura do metal com ritmos sincopados brasileiros, as harmonias tradicionais do Nordeste brasileiros e os experimentos do jazz fusion e do metal de vanguarda.

O repertório transita entre composições originais dos integrantes, standards do jazz americano e brasileiro e versões contemporâneas de boleros, refletindo o diálogo musical entre as tradições sul-americanas e a linguagem do jazz. Em sua primeira apresentação no Brasil, Gustavo San Martin se junta a Adolfo Mendonça para explorar os pontos de interseção entre a percussão chilena, o folclore e a improvisação contemporânea.

Com o show “Canções Praieiras (e outras estórias do mar)”, BNegão homenageia o repertório de Dorival Caymmi.A apresentação, com o violonista Bernardo Bosisio, traz clássicos como “É Doce Morrer no Mar” e “A Lenda do Abaeté”. BNegão, conhecido por sua trajetória no Planet Hemp e Seletores de Frequência, encontrou em Caymmi uma conexão profunda, descrevendo a experiência de ouvir o disco “Caymmi e Seu Violão” como uma imersão em histórias do mar.

A plataforma de música Toca UOL apresenta a primeira edição de 2025 do Toca Sessions. A noite será uma celebração da música brasileira, com shows de Arnaldo Antunes e Nina Maia e dj set da DJ LEDAH.

A exposição apresenta obras em grande escala da artista visual, arte-educadora, curadora e contadora de histórias Stela Barbieri.Construídas com o uso de materiais diversos, como bambu e miçangas, as instalações reunidas em Pausa convidam o público a permanecer em seu interior e, dentro delas, descansar, relaxar, conversar e refletir sobre a importância do descanso e do ócio na construção das subjetividades humanas. Definida pela artista como uma “obra-oficina”, a exposição propõe um espaço para o desacelerar em meio à velocidade da vida moderna, criando atmosferas que estimulam o devaneio, a introspecção e a escuta.

Pela primeira vez em São Paulo, o Teatro dos Sentidos, criado pela atriz e diretora Paula Wenke, apresenta o espetáculo Feliz Ano Novo. Com elenco formado por cinco atores e participantes da Imersão Criativa ao Teatro dos Sentidos (realizada no mesmo local pela companhia), o espetáculo Feliz Ano Novo foi concebido por Paula Wenke, que também assina dramaturgia e direção, além de atuar na montagem. O enredo traz a história do jovem Gabriel, um grito silencioso de resistência, beleza e esperança. Gabriel, um adolescente apaixonado, filho de Roberto, um viúvo e Comandante da Marinha. O rapaz está na biblioteca de seu pai vasculhando em seus livros de poesia uma explicação para os sentimentos que o deixam tão aéreo. Descobre, então, a dedicatória de uma mulher misteriosa na Antologia Poética de Vinícius de Moraes. Vai até seu pai para saber sobre esta tal ''Dama do Mar". Roberto relembra o romance que se iniciou numa passagem de ano, um baile de carnaval com máscaras. Gabriel provoca reflexões em Roberto, levando esta história ao um novo e surpreendente desfecho. No final da apresentação, ao retirarem as vendas, o público é surpreendido por uma exposição tátil e visual, formada por 20 obras criadas por artistas que traduziram em formas, cores e texturas as emoções da narrativa de Feliz Ano Novo.

Terceira exposição individual da artista portuguesa na galeria, reunindo obras inéditas no Brasil de uma das mais influentes vozes da arte contemporânea internacional. Numa colaboração inédita com a Maison Dior, Vasconcelos criou para o desfile da coleção Outono-Inverno 2023/2024 uma escultura têxtil monumental intitulada Valquíria Miss Dior, a partir de vinte tecidos fornecidos pela marca. As obras agora apresentadas na Casa Triângulo - Valkyrie Leonie, na sala principal, e a instalação Gotas, na sala 2 - são um desenvolvimento desse projeto, utilizando os mesmos materiais transformados por meio de técnicas artesanais em esculturas imersivas e altamente sensoriais.

Celebrada como uma das novas vozes do reggae brasileiro, Núbia apresenta o show de seu primeiro álbum autoral Sabores (2024), um espetáculo sensível, potente e cheio de identidade, que mistura o tradicional reggae maranhense com nuances da música jamaicana e influências da música negra. As letras de Núbia refletem temas como ancestralidade, negritude, sexualidade, resistência e feminilidade negra. Após uma emocionante estreia no Sesc Pompeia em 2024, a cantora e compositora maranhense Núbia retorna a São Paulo com o show Sabores, em circulação especial do seu primeiro álbum visual e de estúdio, lançado em dezembro de 2024.

Com uma carreira de 60 anos no jazz, Tito Martino construiu uma trajetória internacional, tocando com grandes nomes como Oscar Peterson, Teddy Wilson (pianista de Benny Goodman), John Pizzarelli, entre outros. Seu talento foi reconhecido no Washington Post e no New York Times, com elogios e críticas muito favoráveis.

Em 2023, Masaaki Suzuki fez grandes concertos com a Osesp, interpretando uma de suas especialidades, Bach – ele é o fundador do Bach Collegium Japan. Desta vez, o maestro retorna para duas semanas nas quais aborda o repertório clássico, romântico e moderno, começando pela Abertura da ópera Don Giovanni, de Mozart.Em 2024, o jovem pianista Tom Borrow, artista em residência da Osesp, interpretou os três primeiros concertos para piano de Beethoven. Neste ano, retorna para tocar os dois últimos. No Concerto nº 4, Beethoven dá um passo adiante em relação aos anteriores, mergulhando de vez na estética romântica.A Missa in Angustiis, também conhecida como Missa para tempos difíceis ou Missa de Nelson, é uma das seis peças do gênero escritas perto do fim da vida de Haydn e é considerada um dos pontos altos de sua produção litúrgica.

O Festival de Música Criativa realiza sua sexta edição em agosto. Dedicado à música experimental e às práticas sonoras contemporâneas, o festival propõe encontros inéditos entre artistas do Brasil, Suíça, Argentina, Quebec, Alemanha e França, em uma programação marcada por colaborações entre diferentes gerações e linguagens.Nesta edição, o CHIII parte do conceito da escuta como prática radical de convivência. A curadoria investiga como diferenças culturais, linguísticas e estéticas se tensionam e se entrelaçam em tempo real por meio do som, promovendo novas formas de diálogo.

Exposição individual do artista português radicado em São Paulo Tiago Mestre. A mostra consiste em uma grande instalação site-specific, composta por diferentes conjuntos escultóricos, que ocupa todo o espaço expositivo. Apresentando grupos inéditos de esculturas em cerâmica, a mostra funciona como uma síntese de aspectos fundamentais da produção do artista, além de aprofundar investigações que têm estado bastante presentes em seu trabalho há alguns anos.Para receber a proposta instalativa de Tiago Mestre, a galeria passou por uma alteração importante em seu espaço expositivo, removendo a parede da fachada que bloqueava a visão entre interior e exterior. Com essa mudança, a exposição passa a funcionar como uma espécie de vitrine na qual as peças em exibição estabelecem um diálogo com a própria cidade.Para Fogo Fumo, Mestre parte de uma reflexão sobre a tradição da cerâmica portuguesa, com particular atenção para a longa tradição da olaria do Alentejo, onde nasceu e cresceu, propondo uma reelaboração que coloca em perspectiva aspectos históricos, sociais e culturais dos objetos.

A Orquestra Sinfônica Municipal tem uma história que se mistura com a da música orquestral em São Paulo. Neste concerto, regido por Alejandro Aldana, o conjunto apresenta peças de Mozart e Schubert.

Tendo como ponto de partida a pintura Fartura (2024), de Marepe, a exposição coletiva homônima reunirá mais de vinte artistas de diferentes gerações e origens, cujas obras dialogam com aspectos formais, poéticos ou conceituais da obra do artista baiano.Participam da mostra: Adriano Costa, Allan Gandhi, Alexandre da Cunha, Alfredo Jaar, Ana Clara Tito, Anna Livia Taborda Monahan, Ana Mazzei, Arorá, Cildo Meireles, Cipriano, Dan Coopey, Darks Miranda, Felipe Seixas, Gabriel Branco, Hiram Latorre, Iagor Peres, Juliana dos Santos, Juliana Frontin, Marepe, Marina Borges, Palma, Paulo Nazareth, Pedro Wirz, Rodolpho Parigi e Tonico Lemos Auad.

A máscara—e o que se vê através dela—informa a a nova exposição de Jorge Macchi. Para Las fases lunáticas, o artista criou um conjunto de obras que relaciona objetos encontrados com a materialidade da pintura e a imaterialidade da luz. A mostra está estruturada em dípticos que colocam em diálogo peças de papelão com pinturas a óleo sobre papel.

Mariana Aydar e Mário Manga, filha e pai, reúnem-se na Casa Natura Musica m comemoração ao Dia dos Pais. Ganhadora do Grammy Latino 2024 e 2020 na categoria de Melhor Álbum de Música de Raízes em Língua Portuguesa, Mariana Aydar tem seis discos e dois documentários lançados. A cantora e compositora paulistana é reconhecida por unir o novo e o tradicional, aliando sonoridades e pautas contemporâneas com as raízes do forró. Ela ainda está presente na trilha sonora das novelas Renascer, Volta Por Cima e Travessia, da Rede Globo. Compositor, arranjador, multi-instrumentista e produtor musical, Mário Manga é conhecido por suas letras irreverentes e músicas cujos arranjos misturam Rock, MPB, Choro e Música Erudita. Fundador da banda Premeditando o Breque e do trio Música Ligeira, já produziu diversos artistas da MPB e compôs trilhas para cinema, teatro, TV e circo. Atualmente, toca com Arrigo Barnabé, Black Tie, Ná Ozzetti, Carlos Careqa, Luiz Tatit, Hélio Ziskind, Premê e Ana Deriggi, com quem apresenta o programa O Bom e Velho no YouTube.

Nova turnê solo do cantor e dançarino Junior. No show, dividido em cinco atos, o artista apresenta sucessos de diferentes momentos de sua carreira.

A mostra coletiva "Ponto de Mutação" reúne trabalhos de Anna Paes, Guilherme Gallé, Maria Luiza Toral, Marina Rodrigues, Rafael Kamada e Thales Pomb, sob curadoria de Antonio Gonçalves Filho. A exposição é um recorte da produção desses artistas que atravessam linguagens, materiais e campos de pesquisa para investigar as tensões do presente e para refletir sobre possíveis caminhos de transformação. A exposição tem o título inspirado no livro “O Ponto de Mutação”, do físico e ambientalista austríaco Fritjof Capra, publicado em 1982, que à época foi capaz de convergir o pensamento científico, a espiritualidade e a filosofia, anunciando uma era de novas possibilidades para o planeta em crise. Agora, Ponto de Mutação, ao aproximar linguagens e investigações distintas que respondem à crise civilizatória atual, faz uma homenagem ao visionário que, há 40 anos, já discutia a intersecção de disciplinas para manter viva a cultura humanista em um cenário de distópico transumanismo.

A exposição “Ilusão Real” investiga como percebemos a realidade através da forma e da sugestão visual, a partir doencontro entre a obra do artista Felipe Cohen e do designer Percival Lafer, e curadoria de Guilherme Wisnik.Partindo dos princípios da Gestalt e da Psicologia da Forma, os trabalhos de Felipe Cohen desdobram as virtualidades do espaço geométrico com volumes sugeridos, sombras e reflexos que instigam a mente a completar o que não está inteiramente dado. Já o mobiliário de Lafer opera com geometrias evidentes – como retas e curvas – em materiais rígidos e maleáveis, em uma lógica na qual o conjunto transcende a simples soma das partes. Entre ambiguidades perceptivas e estruturas poéticas, “Ilusão Real” constrói um campo de tensão entre o mundo físico e o imaginado.

Exposição individual do artista espanhol Raúl Díaz Reyes na Travessa Dona Paula, em Higienópolis, em São Paulo. Com texto crítico de Camila Bechelany, a mostra revela a nova produção de pinturas realizada em solo brasileiro neste ano. O evento celebra o primeiro ano de funcionamento da galeria no Brasil.

A Festa Literária Pirata das Editoras independentes realiza mais uma edição. O evento, que nasceu como uma programação paralela à FLIP acontece novamente em São Paulo este ano. A programação contará com debates literários, shows e uma feira de livros a preços promocionais. Entre os nomes confirmados na feira estão: Rincon Sapiência, Dead Fish, Silvia Cusicanqui, Ilan Pappe, Luiza Romão e Vladimir Safatle.

Em celebração ao Dia dos Pais, o JazzB recebe o Carlos Ceiro Sexteto, um grupo dedicado à recriação da música tradicional cubana, desde os anos 1920 até os dias de hoje. Formado por músicos cubanos e brasileiros, o sexteto apresenta um repertório de clássicos como "Chan Chan", "Guantanamera", "Echale salsita" e outros, em arranjos acústicos que resgatam a sonoridade das antigas agrupações de son, bolero, cha cha cha e guaracha.

Um menino negro, nascido e criado em Guaianases, zona leste de São Paulo, vai à padaria a pedido da mãe, no primeiro dia do ano, e leva um “enquadro” de um policial. A partir daí, começa-se uma saga pela sobrevivência, o que o leva a uma maratona pelo mundo, passando por países da América Latina e da África.Pelo caminho, ele encontra vários personagens – arquétipos sociais – que costuram os acontecimentos da história. Ao longo do percurso, o menino é atingido por 111 tiros de arma de fogo do policial que o persegue. Buraquinhos que se abrem sem pudor e o vento que espanta o picumã. Uma denúncia ao genocídio da população negra com fortes tintas de realismo fantástico.

Jane (Bianca Bin) é especialista em filtrar conteúdo impróprio na internet, funcionária exemplar de uma grande empresa de tecnologia. Após acumular anos e anos sendo testemunha do ambiente tóxico das redes, ela tem um colapso na firma em que trabalha, acaba sendo afastada de seu cargo e obrigada a frequentar o consultório de um terapeuta (Edson Fieschi). A partir deste encontro, a trama de ‘Job’ se desenrola em um thriller psicológico que arrebatou a Broadway desde a sua estreia em 2023 e chega agora ao Brasil.

Mestre na manipulação de bolhas de sabão, Patty Pantaleão une arte circense e performance em um espetáculo interativo que convida o público a entrar em um estado de sonho e leveza. Quero aguçar o ser sensível de cada um na busca por novas possibilidades de criação da sua própria realidade. Em um mundo tão corrido, é preciso ter calma, fluir, estar presente, afirma a artista.Combinando mágica, música, textos poéticos em off, iluminação cênica vibrante e outros efeitos especiais, Patty transforma simples bolhas de sabão em criaturas dançantes. Mais do que um espetáculo, ela propõe uma experiência sensorial: Quebro regras da mágica tradicional. Não sigo coreografia fixa, deixo a música e as bolhas me guiarem. Elas mudam com o clima, o espaço e a plateia. Cada apresentação é única, conta.

O espetáculo O Tubarão Martelo e os Habitantes do Fundo do Mar acompanha a jornada do Capitão Jack, um navegador que mergulha em um mundo submarino em busca de um tesouro perdido. Ao lado das sereias Luna e Maya e do Tubarão Martelo, ele atravessa cenários marcados pela poluição e pela pesca predatória. Durante a viagem, aprende sobre a importância da vida marinha e da preservação dos oceanos. Com músicas originais e personagens inspirados no fundo do mar, a peça propõe uma reflexão ambiental para crianças e suas famílias.

Jill e Ollie querem contar para vocês sobre a casa dos sonhos – ou melhor, sobre como eles conseguiram a casa dos sonhos. Algumas coisas que eles fizeram para isso talvez não tenham sido legais. Tem gente que vai dizer que foram até mesmo chocantes. Mas eles vão explicar. Vocês vão entender. Vocês PRECISAM entender. Escutem a história e me digam: Vocês não fariam o mesmo?

Wicked é o prelúdio da famosa história de Dorothy e do Mágico de Oz, onde conhecemos a história não contada da Bruxa Boa e da Bruxa Má do Oeste. Na trama, Elphaba (Myra Ruiz) é uma jovem do Reino de Oz incompreendida por causa de sua pele verde incomum e por ainda não ter descoberto seu verdadeiro poder. Sua rotina é tranquila e pouco interessante, mas ao iniciar os estudos na Universidade, seu destino encontra Glinda (Fabi Bang), uma jovem popular e ambiciosa, nascida em berço de ouro, que só quer garantir seus privilégios e ainda não conhece sua verdadeira alma. As duas iniciam uma inesperada amizade; no entanto, suas diferenças, como o desejo de Glinda pela popularidade e poder, e a determinação de Elphaba em permanecer fiel a si mesma, entram no caminho, o que pode perpetuar no futuro de cada uma e em como as pessoas de Oz as enxergam.

Baseado em contos das escritoras Mariana Enriquez (Argentina), María Fernanda Ampuero (Equador) e Layla Martinez (Espanha), o espetáculo Estratagemas Desesperados, que faz sua temporada de estreia no Sesc 24 de Maio, apresenta quatro mulheres dentro de uma casa contando histórias que atravessam o horror, a violência, o amor e a obsessão. Em vez de abrigo seguro para compartilhar essas histórias, a casa se transforma num reflexo distorcido do que um dia já foi lar.

Em ARGILA, uma atriz, uma musicista e uma cidade em miniatura em cena contam histórias de ancestralidade e uma sociedade adoecidas pelo sistema, com direção, dramaturgia e performance de Áurea Maranhão. O espetáculo, trazido de São Luís do Maranhão, é atração do projeto Teatro Mínimo do Sesc Ipiranga.A peça é protagonizada por uma equipe diversa de artistas residentes em São Luís do Maranhão. O trabalho é uma espécie de ritual cênico, no qual palavra, barro e música respiram juntos. Essa travessia sensorial começa na penumbra de um símbolo de justiça e termina num grito coletivo por reinvenção. Cada gesto sobre o barro questiona a herança violenta que carregamos, e propõe uma ética radical do cuidado.

Em uma grande produção, com 30 personagens e corpo de baile, a montagem apresenta um dos contos de fadas mais conhecidos do público infantil.Romance originalmente escrito para adultos por Gabrielle-Suzanne Barbot, em 1740, A Bela e a Fera recebeu versão mais curta para crianças, em 1956, por Jeanne-Marie LePrince de Beaumont. O clássico conto de fadas foi eternizado no cinema pela animação de Walt Disney. Para salvar seu pai, a bondosa Bela vai morar no castelo da assustadora Fera. Mas, com o passar do tempo, a jovem descobre que a Fera não é tão má assim.

Vídeo nas Aldeias é um projeto audiovisual criado em 1986 com o propósito de fortalecer o cinema indígena brasileiro. Idealizado por Vincent Carelli (Paris, França, 1953), o Vídeo nas Aldeias se dedicou, inicialmente, a registrar a cultura de diferentes povos indígenas brasileiros, apresentando as filmagens para as próprias comunidades. A partir de 1997, o projeto expandiu suas atividades para incluir oficinas audiovisuais realizadas junto a esses povos e passou a distribuir equipamentos de filmagem para que os participantes tivessem autonomia na representação de sua própria cultura. Desde então, a formação de cineastas indígenas e o suporte técnico para a produção de filmes se tornaram pilares fundamentais da atuação do projeto. Os filmes produzidos formam um acervo plural que reflete a diversidade dos povos indígenas brasileiros. A sala de vídeo dedicada ao Vídeo nas Aldeias pretende destacar filmes produzidos pelo projeto em parceria com comunidades indígenas, os quais abordam formas distintas de lidar com a terra e com o meio ambiente, retratando aspectos de suas culturas e cosmologias, além da urgente luta pela demarcação territorial.

Antoni Muntadas (Barcelona, 1942), artista conhecido por desafiar convenções socioculturais por meio da sua arte e trabalhar as relações de poder dos signos gráficos e textuais, realiza mostra inédita no Sesc Pompeia.A exposição instalativa Lugar Público - Muntadas convida o público a uma reflexão sobre os limites e as transformações dos espaços compartilhados. Em um cenário de crescente privatização e vigilância, Antoni ocupa a Área de Convivência do Sesc Pompeia para questionar as mudanças urbanas e o Com curadoria de Diego Matos, o projeto para o Sesc Pompeia traz uma ocupação da Área de Convivência da unidade, de caráter site-specific: são intervenções audiovisuais, textuais e dispositivos arquitetônicos projetados para explorar os significados de "público" – audiência e espaço público - e provocar reflexões a respeito do espaço urbano contemporâneo e das noções de lazer e esfera pública.

Festival cuja proposta é exibir filmes autorais e instigantes que raramente chegam ao circuito comercial brasileiro. Entre os destaques da programação estão longas que passaram por importantes festivais internacionais, como o Festival de Berlim (Berlinale) e o Festival de Cinema de Cannes deste ano. Com curadoria voltada à diversidade cultural e à excelência artística, o festival é uma oportunidade para o público conhecer obras contemporâneas de diferentes regiões do mundo — histórias marcantes que provocam, emocionam e ampliam horizontes.

Neste espetáculo especial, Guinga apresenta um apanhado de suas obras com interpretações intimistas ao lado de Nailor Proveta, clarinetista e saxofonista com extensa atuação na música instrumental brasileira. O encontro ressalta o diálogo entre violão e sopros, com arranjos que valorizam a melodia e o lirismo presentes nas composições.

Em única apresentação no Brasil a Congregação Israelita Paulista realiza Concerto Beneficente, iniciando às comemorações dos seus 90 anos.

Pélico estreia seu show “Pélico Acústico”. Levando em conta o clima intimista do espaço, ele abriu mão dos instrumentos eletrônicos e vai se apresentar acompanhado do violonista Régis Damasceno. O formato “voz e violão” sempre privilegia a essência das canções, revelando a riqueza das melodias e letras compostas por Pélico. No repertório, sucessos como “Não Vou Te Deixar Por Enquanto”, “Amanheci”, “Machucado” e outras surpresas.Na mesma Noite Nitai apresenta um show intimista das suas canções autorais e algumas releituras do cancioneiro brasileiro e do jazz. A estética de suas canções traz temas pautados na poesia, filosofia, ecologia, no amor, nas perdas e nas vivências pelas cidades em que passou. O show também abarca releituras de canções e músicas instrumentais de artistas como Guinga, Villa Lobos, Vitor Ramil, Nat King Cole e Chet Baker.

Alice Caymmi apresenta uma homenagem emocionante a Nana Caymmi.Após o falecimento de sua tia, Alice decidiu dedicar um espetáculo ao legado de Nana com o show “Para minha Tia Nana”, no qual revisita alguns de seus maiores sucessos.Para enriquecer ainda mais o tributo, Alice conta com a participação do pianista Francisco Eiras, que a acompanha com sensibilidade e técnica apurada. Juntos, eles selecionaram clássicos como “Resposta ao Tempo”, “Só Louco”, “Suave Veneno”, “Oração ao Tempo”, além dos boleros “Sabe de Mim” e “Se Queres Saber”. Cada música revela a profundidade e a beleza das composições, além de refletir a trajetória artística de Nana Caymmi.

Exposição individual do artista espanhol José Manuel Ballester, com curadoria de Luiz Armando Bagolin. A mostra reúne uma seleção de obras que retomam a longa pesquisa do artista sobre o apagamento de figuras humanas em obras-primas da história da arte ocidental, propondo uma revisão crítica e sensorial do modo como vemos, recordamos e projetamos sentido nas imagens.Ballester, vencedor do Prêmio Nacional de Gravura (1999), o Goya de Pintura da cidade de Madri (2006) e o Prêmio Nacional de Fotografia da Espanha (2010), apropria-se de pinturas canônicas como A Última Ceia, de Leonardo da Vinci, O Nascimento de Vênus, de Botticelli, e os afrescos de Giotto, eliminando digitalmente seus personagens centrais. O que resta são cenários vazios, espaços desabitados, prontos a serem repovoados pela memória do espectador.Ao esvaziar o campo narrativo das obras e deixar à vista apenas seus planos de fundo — a mesa posta, os bosques, as arquiteturas — Ballester inscreve sua poética num território próximo ao que Aristóteles e Borges descreveram como o intervalo entre percepção e linguagem. A exposição se constrói, assim, como um jogo entre presença e ausência, onde a contemplação se desloca do motivo alegórico para a superfície, para o que antes era apenas suporte ou bastidor.

Exposição dedicada à produção do artista Zélio Alves Pinto produzidas entre os anos 1980 e 2000. A mostra,com curadoria de Agnaldo Farias, reúne cerca de 20 obras em técnicas diversas, como pintura, desenho, xilogravura e colagem, e lança foco sobre um período de inflexão em sua trajetória, em que o artista desloca a prática gráfica cotidiana para uma pesquisa mais contínua e autoral no campo dasartes visuais. As obras selecionadas pertencem a uma fase em que Zélio amplia o uso da figura como estrutura narrativa e simbólica, ao mesmo tempo em que incorpora elementos da abstração, do gesto gráfico e da composição livre.

Acompanhado por Márcio Roldan (piano), Nilton Leonarde (contrabaixo) e Percio Sapia (bateria), o show revela a trajetória madura de um músico com mais de 30 anos de carreira, que transita entre o lirismo melódico e a energia dos grooves modernos. A presença de dois dos principais solistas da cena instrumental brasileira enriquece ainda mais essa noite, marcada por entrosamento, improvisação e sofisticação musical.

Tetê Espíndola apresenta o show Da raiz ao contemporâneo. A apresentação vai acontecer no formato Sala da Casa, um jeito aconchegante de aproveitar a noite num ambiente especial: sem lugares marcados, com sofás, mesas e pista livre. Assim você escolhe como viver o som, seja sentado ou em pé. Também preparamos um cardápio especial com drinks e petiscos para completar sua experiência. Se quiser garantir seu lugar sentado com antecedência, nossos camarotes no mezanino também estão disponíveis.A artista, que tem 45 anos de carreira, percorre os caminhos da música pantaneira, indo da tradição à renovação, celebrando a potência de sua voz como instrumento natural e elemento poético. Conhecida por carregar “pássaros na garganta” — como definiu o poeta concretista Augusto de Campos — Tetê mergulha em um repertório que entrelaça suas experimentações com sons da natureza, recriando paisagens sonoras. Entre guarânias e polcas de raiz que remetem à fronteira entre Mato Grosso do Sul e Paraguai, e composições contemporâneas que refletem a força criativa da sua fase de vanguarda. O repertório traz canções dos seus conterrâneos Geraldo Espíndola (Quiquiô), Paulo Simões (Trem do Pantanal), Mário Zan (Chalana) e Zacaria Mourão (Pé de Cedro), além de parcerias com Arrigo Barnabé e Iara Rennó. O show tem uma abordagem que valoriza tanto as raízes quanto os novos horizontes da canção regional.

Kylie Minogue apresenta sua aguardada "TENSION TOUR" para 2025,programada para ser a maior turnê de Kylie desde 2011. Começando no país natal de Kylie, Austrália, em fevereiro, a turnê mundial visitará a Ásia, Estados Unidos, Canadá, Reino Unido e Europa antes de parar na América Latina em agosto de 2025. “Tension II” - uma nova coleção de 13 músicas - foi lançada em 18 de outubro de 2024 pela BMG. A sequência de alta energia e alta octanagem do álbum número 1 e sucesso global “Tension”, vê Kylie se aprofundar ainda mais no espaço eletrônico e está repleta de hinos de pista de dança. O disco inclui nove novas faixas de estúdio de Kylie, além do mais recente hit de dança “Edge of Saturday Night” com The Blessed Madonna, bem como suas recentes colaborações com Orville Peck, Bebe Rexha e Tove Lo, e Sia.

Celebraremos os 200 anos do compositor Johann Strauss II, o célebre “rei da valsa”. Faremos isso com uma de suas obras-primas: a opereta ‘O Morcego’. O enredo fala de vingança, mas as risadas estão garantidas com muitos can-cans, valsas e polcas!

Último concerto para piano de Beethoven, o nº 5 foi escrito entre 1808 e 1811, um momento riquíssimo no qual o compositor trabalhava em outras obras seminais como a sexta e a sétima sinfonias, a Fantasia coral e a Sonata les adieux. Apelidada “Imperador”, a obra é grandiosa e imponente, embora com passagens idílicas e de grande delicadeza. Com o Concerto nº 5, Tom Borrow conclui o ciclo de concertos para piano de Beethoven junto à Osesp.A outra parte do programa, que tem regência do maestro japonês Masaaki Suzuki, é dedicada a Pulcinella, que marca um novo momento na carreira de Stravinsky. A obra foi mais uma encomenda dos Balés Russos mas, depois da trilogia revolucionária que culminou na Sagração da primavera, de 1913, Stravinsky voltou os olhos ao passado e escreveu Pulcinella a partir de composições do século XVIII, inaugurando aquela que ficaria conhecida como sua fase neoclássica. Ouviremos a versão original da partitura, com as partes cantadas, e não apenas a suíte orquestral, que acabou se tornando a versão mais conhecida.

Nesta apresentação, o trio formado por Carol Bahiense, Cimara Fróis e Talita del Collado apresenta um repertório de forró e baião com arranjos originais. Na lista, a versão do trio para o clássico “Xote das meninas” e outras canções consagradas são apresentadas numa composição de sanfona, zabumba, triângulo, pandeiro e asalato, além das três vozes.

O cantor e compositor Tagua Tagua apresenta o seu novo álbum de estúdio. Gravado, produzido e composto em seu apartamento, localizado no centro da cidade de São Paulo, o álbum apresenta novas nuances ao projeto que outrora apresentou o neo soul e a psicodelia como suas principais características. Sem esquecer de seus ídolos do passado, artistas como Tim Maia, Cassiano e BillWithers, marcas registradas em sua obra, Tagua Tagua traz agora uma energia dançante renovadora menos presente em seus trabalhos anteriores com novas influências, como Daft Punk e os contemporâneos franceses L’Impératrice.O show conta com a participação especial do músico e cantor alagoano Bruno Berle.

Roberto Carlos apresenta os seus grandes sucessos que marcam a música brasileira desde a década de sessenta. No show, o Rei é acompanhado por uma orquestra de 42 músicos.

A mostra coletiva na Galeria Marilia Razuk considera a prática da escultura na sua relação com o corpo e em suas possibilidades com os materiais e espaço. Na exposição, cerca de 20 obras dos artistas Claudio Cretti, Manuel Brandazza e Raphaela Melsohn se apresentam como forças coexistentes com o espectador, em constante negociação.Reunindo três artistas que exploram as interseções entre escultura, material e o corpo, de formas diversas, a exposição examina como a forma pode ser ‘moldada’ seja por meio da manipulação de materiais rígidos ou maleáveis, na reconfiguração de objetos cotidianos e pela invocação da memória corporal. As obras reunidas sugerem que criar uma forma é também questionar seus limites e reimaginar suas possibilidades de relação com o espaço.

Primeira exposição individual do artista libanês Pascal Hachem em São Paulo.A exposição é um desdobramento de “FEITO NO CÉU”, realizada em Brasília após residência artística de mais de 60 dias na galeria Karla Osorio, na mesma cidade. Com prática profundamente enraizada na relação com a cidade e com temas sócio-politicos, Hachem traduz as incertezas e tensões do ambiente urbano em instalações e esculturas potentes, muito poéticas, que instigam o olhar e o pensamento. Inspirado pela imprevisibilidade da vida em Beirute, onde o futuro é incerto, a obra de Hachem possui natureza transitória. Na mostra, Hachem apresenta mais de 40 obras, todas de séries criadas em sua residência artística em Brasília entre setembro e novembro de 2024. São obras que dialogam com a paisagem cultural e urbana do país, criando intercâmbio poético e reflexivo entre as realidades do Oriente Médio e da América Latina, sobretudo considerando o período de guerras no mundo. Resgata também tradições locais como bordado, miçangas, pipas, entre outras.

A exposição coletiva reúne mais de 20 artistas cearenses sob a curadoria de David Almeida. Com nomes como Leonilson, Efrain Almeida, Arivanio e Darks Miranda, a mostra apresenta trabalhos de diferentes gerações. Ao construir uma narrativa que ecoa o sertão em suas múltiplas dimensões – arqueológica, mística, política e poética –, a exposição mergulha no imaginário cearense de diversas regiões do estado e explora as fronteiras entre o sagrado e o profano, o real popular e o místico redentor.Motivado por uma investigação familiar e pela preservação da memória das paisagens de seus pais, David Almeida, nascido em Guará, DF, aproximou-se profundamente do sertão e seus artistas, encontrando reverberações de suas pesquisas nas imagens criadas por eles. Em seu ateliê, David nota que seu gesto revisita frequentemente as paisagens do sertão de Inhamuns, do Cariri. Vaquejada da Meia-Noite reúne obras em xilogravura, pintura, escultura, instalação e vídeo, com forte presença de artistas ligados à tradição gráfica do Cariri, como José Lourenço, Stênio Diniz e Francisco de Almeida, além de nomes consagrados da arte contemporânea brasileira, como Leonilson. Em comum, os trabalhos evocam fabulações sertanejas atravessadas por tensões sociais, figuras lendárias, manifestações religiosas e signos populares, compondo um painel onírico e crítico de um Brasil subterrâneo e imagético.

A Mendes Wood DM tem o prazer de apresentar a exposição coletiva Remanso com trabalhos de Eleonore Koch, Linda Kohen, Anna Livia Monahan, Rayana Rayo e Paula Siebra. Suas pinturas expõem o que lhes é intrínseco, conduzindo o olhar a territórios silenciosos, densos e simbólicos. Suas obras iluminam espaços domésticos, corpos, objetos e representações da psique e do feminino, criando uma constelação de símbolos que traduzem um cotidiano particular e ao mesmo tempo compartilhável. Remanso reúne uma constelação intergeracional de artistas de diferentes regiões geográficas e trajetórias únicas, que se encontram no ofício da pintura em pequena escala. Telas a princípio discretas, carregam uma profundidade que transporta o espectador para dentro de si: evocam lembranças, sonhos, medos e incertezas. Este diálogo sensível se torna ainda mais potente ao ocupar a Casa Iramaia, originalmente uma residência familiar, que com sua atmosfera introspectiva acolhe e amplifica essas narrativas visuais, como se fosse extensão das próprias obras.

A cantora e compositora Ana Gabriela apresenta na Casa Natura Musical sua nova turnê.No palco, Ana será acompanhada por banda completa, formada por Hygor (guitarra), Thiago Leal (baixo) e Fernando Chocô (bateria). O show combina músicas inéditas do novo álbum com sucessos que marcaram sua trajetória, como “deixa”, “não te largo não te troco”, “mais de nós” e “no escuro”.A proposta da turnê é transportar para o palco a sensibilidade dos videoclipes e da produção do álbum.Ana Gabriela é uma cantora, compositora e musicista de São José dos Campos (SP), que começou sua carreira em 2015, no YouTube, interpretando covers de grandes sucessos. Desde então, lançou os álbuns de estúdio “Ana” (2020) e “Degradê” (2022), além do ao vivo “Acústico Ana Gabriela” (2023), um EP e vários singles. Ao longo de sua trajetória, colaborou com artistas de destaque, como Lulu Santos, Armandinho, Saulo Fernandes, Lagum, Melim, Capital Inicial, Maneva, Francisco Gil e Anavitoria. Sua parceria com Lagum, “Deixa”, ultrapassou 485 milhões de streams, marcando sua relevância no cenário musical digital.

Exposição coletiva com curadoria de Luis Pérez- Oramas e o Núcleo Curatorial Nara Roesler. O ponto de partida da curadoria foi a “música das estrelas”, ouvida, identificada e registrada pela primeira vez em 16 de setembro de 1932, às 19h10, nos campos de Nova Jersey por Karl Jansky (1905-1950), físico e engenheiro especializado em ondas de rádio. Empregado pelos Laboratórios Bell Telephone, ele tinha a tarefa de estudar as fontes de interferência “estática” nas comunicações rádio telefônicas transatlânticas. O ruído das estrelas é o leve chiado de um passado sideral. A partir das obras de Laura Vinci, Abraham Palatnik, Tomás Saraceno, Tomie Ohtake, Bruno Dunley, Monica Ventura, Artur Lescher, Cao Guimarães, Paulo Bruscky, Rodolpho Parigi e Julio Le Parc, a exposição busca sugerir uma cena análoga em que as obras de arte seriam objetos que, como as antenas de Jansky, capturam ressonâncias de fundo de seus próprios campos figurais.

A exposição individual de Marcos Chaves apresenta trabalhos inéditos em tapeçaria do artista carioca, além de três objetos, dos quais duas obras são da década de 90. A mostra toma partido de uma intervenção realizada pelo artista em 2013 na Fundação Eva Klabin, no Rio de Janeiro, na qual Chaves apresentou tapetes que eram réplicas fotográficas de detalhes de tecidos da coleção da Fundação. Em Sangue Azul, Marcos Chaves posiciona nas paredes as tapeçarias inéditas em tons de vermelho que reproduzem fotografias feitas pelo artista do chão de carpetes de locais históricos europeus, como o Palazzo Doria Pamphili, construído em Roma, no século 16; a escadaria que leva ao único trono existente de Napoleão Bonaparte (1769-1821), no Castelo de Fontainebleau, na França, que data dos primórdios do século XII, e era residência dos reis franceses; e a Ópera Garnier, projetada durante o reinado de Napoleão III (1808-1873), o décimo-terceiro palácio a abrigar a Ópera de Paris, fundada por Luís XIV. No piso de uma das salas da galeria, o artista cobrirá toda a superfície do chão com uma versão em grande escala do tapete que originou a pesquisa em 2013.

Leticia Ramos apresenta Silver, um conjunto de trabalhos que ocupa uma sala da Casa Iramaia e investiga a trajetória da luz em relação às superfícies materiais, às paisagens e aospanoramas cósmicos. Neles, Ramos recorre aos recursos do laboratório fotográfico e da cameraless para encenar um encontro entre aparelhos técnicos e o contingente, produzindo imagens que operam entre a presença espectral e a inscrição material. Composiçõesluminosas tensionam visibilidade e escuridão, funcionando como esquemas que desafiam paradigmas de representação e refletem a preocupação da artista pelas possibilidades ainda pouco exploradas na intersecção entre arte e ciência. Sua prática se desenvolve por meio deprojetos extensos, com forte afinidade com o cinema experimental, tanto no uso do suporte material, nas qualidades ópticas, quanto na atenção à duração, à encenação e à organização dos eventos. Essas investigações, expressas como séries interconectadas, se desdobram por meio de experimentação meticulosa e resultam de pesquisas contínuas realizadas em seu ateliê em São Paulo

A galeria apresenta a primeira exposição de Guglielmo Castelli no Brasil. Pintor de Turim, Castelli aprimorou seu ofício durante sua formação acadêmica em cenografia – disciplina que moldou sua prática pictórica, especialmente na forma como representa espaços e interiores arquitetônicos. Embora sua estética esteja enraizada nesse contexto, uma crítica à cultura burguesa marca seu horizonte intelectual. A superfície pictórica não é expressão de mera virtuosidade técnica, mas um campo de batalha no qual Castelli compreende a cultura ao seu redor: o peso do legado, a relação entre a alta cultura e o conservadorismo em contraposição ao popular, e a possibilidade de uma ruptura total.A exposição toma seu título de um verso do poeta brasileiro João Cabral de Melo Neto: Um galo sozinho não tece uma manhã. O verso aparece em A educação pela pedra, coletânea publicada em 1966, quando o Brasil era governado por uma ditadura militar que reprimia artistas e intelectuais com violência crescente nos anos subsequentes. A metáfora do galo, que só consegue anunciar a claridade da manhã se acompanhado de vários outros, mostra-se perene – um tributo à coletividade e à colaboração, que ressoa também com um princípio da abstração geométrica brasileira: o todo é mais do que a soma das partes.

Maior festival drag da América Latina, o The Realness Festival realiza sua quarta edição, com participação confirmada de drag queens que fizeram parte do aclamado reality RuPaul´s Drag Race, como Shea Coulée, Sasha Colby, Sasha Velour, Roxxxy Andrews e Jewels Sparkles. Além disso, o festival também conta com performances de nomes da cena drag brasileira, como Grag Queen, Betina Polaroid, Silvetty Montilla e Ikaro Kadoshi.

A próxima edição do Belas Sonoriza, projeto do Reag Belas Artes que mensalmente exibe um filme musicado ao vivo por uma banda, exibe Pink Floyd – The Wall com trilha sonora ao vivo da banda Pink Floyd Dream. Escrito por Roger Waters, dirigido por Alan Parker e com belíssimas animações de Gerald Scarfe, a história gira em torno das fantasias delirantes do superstar do rock Pink, um homem que enlouquece lentamente em um quarto de hotel em Los Angeles. O filme acompanha o cantor desde sua juventude, mostrando como ele se escondeu do mundo exterior.

Da Janela é um espetáculo infantil acessível que transforma acessibilidade em jogo de cena e instiga os pequenos a experimentarem novas formas de se comunicar.Malu, única criança que mora na vila, percebe a chegada de novos moradores: Cadu e Nina. Certa da missão de conhecer seus novos melhores amigos, Malu, do alto de sua janela, observa e narra o nascimento da amizade entre Nina e Cadu. As crianças criam laços e afinidades ao descobrirem, de forma divertida, como podemos “falar” sem usar as palavras. Do alto de sua janela e com o auxílio de um binóculo, a menina Malu (Elizândra Souza) descreve toda a ação da cena, fazendo uma descrição poética e, com isso, possibilitando que pessoas com baixa visão e cegas possam assistir ao espetáculo sem auxílio de equipamentos específicos.

Seis artistas de diferentes estilos e trajetórias se unem em um espetáculo que celebra o ilusionismo em suas diversas expressões. A proposta é conduzir o público por um percurso sensorial em que mistério, surpresa e beleza se entrelaçam. Em cada ato, a mágica assume novas formas: ora lúdica e vibrante, ora enigmática e desafiadora, ora poética e surreal.

No ano em que o disco Gil e Jorge: Ogum, Xangô completa 50 anos, o show reúne Mahmundi, Iara Rennó e Letícia Fialho para reviver a essência desta obra-prima da música brasileira. Trazida ao público em formato de instalação, a apresentação celebra a evolução da música ao longo dos anos e pureza sonora das canções, permanecendo fiel ao vigor original do disco.

Pelo quarto ano consecutivo, a Cinemateca Brasileira apresenta a Mostra 50 Anos Depois, que exibe longas lançados meio século atrás, e permite que sejam vistos e redescobertos na tela grande. Com curadoria de Paulo Sacramento, o evento acontece entre 07 e 17 de agosto, e os ingressos são gratuitos e devem ser retirados uma hora antes de cada sessão nas salas Grande Otelo e Oscarito. Os 44 filmes selecionados – 15 longas e 9 curtas brasileiros, e 20 longas estrangeiros - exaltam a diversidade de temas e formatos. A mostra apresenta uma variedade de produções lançadas em 1975, que, lado a lado, formam um painel abrangente da cinematografia daquele momento. Transitando entre gêneros distintos, a mostra permite ao público da Cinemateca Brasileira acesso a filmes como Lilian M (Relatório Confidencial), de Carlos Reichenbach; O Direito do Mais Forte é a Liberdade, de Rainer Werner Fassbinder; Dersu Uzala, de Akira Kurosawa; Adoção, de Márta Mészáros; A Batalha do Chile, de Patricio Guzmán; e O Desejo, de Walter Hugo Khouri.

Brincadeiras tradicionais, como pique-esconde, amarelinha e pular corda, aos poucos têm ficado em segundo plano, trocadas pela luz hipnótica dos aparelhos eletrônicos. É nesse cenário que surge o Espetáculo Teatral Brincado de Colorir, uma sátira infantil a revistinha Bobbie Goods.A história do espetáculo é simples, mas carregada de significado, os amiguinhos da Terra da Imaginação, percebem que as crianças ao seu redor têm se afastado das brincadeiras criativas e das expressões artísticas. Preocupados, eles descobrem a existência do temido Monstro das Telas, que mantém as crianças hipnotizadas e conectadas apenas aos seus aparelhos eletrônicos.Nesta aventura os amigos Lápis Gigante, a Borracha Saltitante, a Fada das Cores e os ursinhos coloridos se unem para cumprir uma missão: libertar as crianças desse domínio tecnológico e resgatar a alegria de brincar, desenhar e criar.

Inspirado em Rei Lear, de William Shakespeare, o espetáculo ORioLEAR, com direção de Newton Moreno, estreia no Itaú Cultural (IC), em São Paulo. A montagem marca uma nova fase da Heroica Companhia Cênica, em parceria com o Escritório das Artes, e reinterpreta a obra para refletir sobre a crise climática e a disputa territorial no Brasil contemporâneo.Na trama, um latifundiário no Pará, ex-grileiro que construiu sua fortuna sobre a posse da terra, decide dividir suas propriedades entre as filhas e os genros. A mais jovem, ao se recusar a bajulá-lo publicamente, é deserdada e acolhida por um povo indígena que propõe a devolução do nome do rio (Lear) à natureza, como um gesto simbólico de reparação diante da destruição provocada pela exploração predatória. ORioLEAR atravessa temas urgentes, como a devastação ambiental e a luta pela demarcação de terras. O elenco reúne Jorge de Paula, Leopoldo Pacheco, Michelle Boesche, Roberto Jardim, Ronny Abreu, Sandra Corveloni e Simone Evaristo. Haverá bate-papo com o elenco após as sessões dos dias 10 e 17 de agosto.

Com direção e dramaturgia de Luiz Felipe Reis e atuação de Renato Livera, DESERTO estreou em maio de 2024 no Teatro Futuros (RJ) e rapidamente se destacou como um dos espetáculos mais reconhecidos da cena teatral brasileira. Foi indicado ao Prêmio APTR (direção, dramaturgia e atuação) e ao 35º Prêmio Shell de Teatro (Melhor Ator). Pela primeira vez no Brasil, a obra de Roberto Bolaño (1953-2003) ganha vida nos palcos, a partir de fragmentos de livros, entrevistas e memórias do autor chileno, considerado um dos maiores escritores latino-americanos do século XXI. Livera incorpora Bolaño, emprestando corpo e voz a trechos de obras como A universidade desconhecida, 2666, O gaúcho insofrível, Entre parêntesis e Bolaño por si mesmo.

‍

O centenário dos Diários Associados, um dos maiores conglomerados de comunicação da América Latina, vem sendo celebrado com o musical "Chatô & os Diários Associados – 100 Anos de Paixão".A peça aborda a trajetória profissional de Assis Chateaubriand, fundador do império midiático que transformou a imprensa brasileira. O musical transita entre passado e presente para contar a trajetória de Assis Chateaubriand e seu impacto na comunicação brasileira, enquanto acompanha Fabiano, um jornalista desempregado que, ao encontrar a estátua de Chatô em Recife, é levado por ele a revisitar momentos icônicos da mídia nacional, como a criação de O Cruzeiro e a inauguração da TV Tupi, a primeira emissora de televisão do Brasil. Em paralelo, o relacionamento de Fabiano com Juliana, uma colega jornalista, se desenrola, explorando conflitos pessoais e profissionais que refletem os desafios do jornalismo contemporâneo. A trama mescla história, romance e música para destacar o legado cultural do comunicador.

Apresentação única da peça do dramaturgo Charles Lewinsky (com tradução de Sylvia Lohn) e estrelada por Ricardo Ripa. O solo conta a história do jornalista Emanuel Goldfarb, que recebe o singelo convite de um professor para compareça pessoalmente a uma aula e explique aos seus alunos o que é ser judeu. Emanuel passa então a refletir sobre atender ou não a esse chamado. Com legítimo "humor judaico", ele irá revisitar sua ancestralidade e acessar lembranças que há muito tempo estavam adormecidas. Suas memórias e reflexões passam pela origem familiar, pela diáspora do povo judeu desde a antiguidade até os dias atuais, pelas tradições e por sua própria hereditariedade, temas que são abordados por ele alternando emoção, razão e muito humor.

Em 2025, BIOGLOMERATA será reencenada com a participação da Orquestra Sinfônica Municipal e São Paulo (OSM), sob a direção do maestro Alessandro Sangiorgi, com adaptações musicais de Tom Monteiro e Carlos Bauzys. A obra ressignifica e adapta o conceito original de Biomashup, que estreou em 2014 durante uma residência de Duarte no Lote, na Casa do Povo. Esta recriação para o Balé da Cidade de São Paulo (BCSP), cuja estreia ocorreu em 2024, oferece uma nova perspectiva ao repertório da companhia. Nessa versão, o elenco utiliza memórias de danças, gestos e referências para interagir com a música e com um ambiente em constante transformação, ampliando a compreensão dos tempos históricos. Os corpos dos bailarinos funcionam como forças dinâmicas, criando configurações transitórias que envolvem a percepção contínua do público. O músico Tom Monteiro, utiliza o theremin – um instrumento eletrônico que permite a produção de sons sem contato físico –, introduz uma dimensão ética à performance em que o invisível se torna um elemento essencial para a experiência artística. Com formação inicial no Estúdio e Cia Nova Dança (SP), um renomado centro de improvisação e pesquisa, o coreógrafo paulistano Cristian Duartecontinuou seus estudos na P.A.R.T.S. (Performing Arts Research and Training Studios) em Bruxelas, onde se graduou em 2002. Em sua carreira, destaca-se pela criação de espaços inovadores para experimentação e formação em dança, tendo desenvolvido projetos como APT?, DESABA e LOTE/Z0NA, em colaboração com artistas de destaque. Mantém, desde 2011, uma presença significativa como residente na Casa do Povo, em São Paulo. Sua trajetória inclui convites de instituições como DDSKS em Copenhage, P.A.R.T.S. em Bruxelas, UFRN e DOCH/SKH em Estocolmo. Atuou como coreógrafo para a Transitions Dance Company no Laban Center em Londres, para o Cullberg Ballet em Estocolmo e para o BCSP com BIOGLOMERATA criada com o elenco em 2024.Fôlego (2022) é a primeira criação de Rafaela Sahyoun para o Balé da Cidade de São Paulo (BCSP), desenvolvida para a Sala Adoniran Barbosa em comemoração aos 40 anos do Centro Cultural São Paulo. A obra foi indicada ao Prêmio APCA Dança 2022 na categoria Espetáculo – Estreia. Em janeiro de 2023, Fôlego foi revisitada para uma temporada no Theatro Municipal, marcando o 55º aniversário do BCSP. A proposta dramatúrgica de Fôlego incentiva a exploração da condição dos indivíduos como sujeitos sociais. A coreografia reúne elementos como aglomerações, insistências e ciclos repetitivos, configurando-se como uma corrente elétrica que atravessa os corpos e reflete as mudanças contínuas no ambiente.Durante a performance, os gestos são mantidos até o ponto de esgotamento, permitindo que pequenas variações surjam como pistas interpretativas adicionais. A obra apresenta um corpo em fluxo constante, engajado em eventos que capturam a atenção do espectador por meio de nuances distintas. Fôlego oferece uma experiência relacional que alterna entre proximidade e distância, ressoando, transformando-se, falhando, desintegrando-se e renovando-se.Configura-se, assim, como um processo de contágio, caracterizado por um ntercâmbio contínuo de desejos e assimilação.Artista da dança e das matérias do corpo, a paulistana Rafaela Sahyoun se aprofunda no fazer coreográfico, na educação e na pesquisa continuada, atuando como bailarina colaboradora em contextos nacionais e internacionais. Formada pela SEAD – Salzburg Experimental Academy of Dance (Áustria, 2013) e pelo Trinity Laban Centre for Movement and Dance (Reino Unido, 2009), desenvolveu práticas pedagógicas com impacto internacional na formação de novos artistas. Rafaela colabora com instituições como a PERA School of Performing Arts (Chipre do Norte), EBB Elephant in the Black Box (França e Espanha) e o Programa de Pós-Graduação Corpo: Dança, Teatro e Performance do Célia Helena Centro de Artes e Educação (Brasil). Ela também foi curadora artísticopedagógica do Festival DansPunt (2025) e está em processo de criação para a Companhia de Dança EBB, com estreia prevista para 2025 em Madri, Espanha. Principais obras coreográficas: C R U S H (2024), Fôlego (2022), NINGUÉMMESOLTA [Don’t Lose Me] (2018), Yeah, I’ve Been Watching You Lately (2023), Something to Phase Us: Who Goes There (2022), Wheel of Radical Affection (2021) e VAWM (2020).

Ney Matogrosso apresenta sua turnê “Bloco na Rua”. Na turnê, Nem apresenta um repertório diverso, com canções que fizeram sucesso em sua voz e novidades. “Eu quero é botar meu bloco na rua” (Sergio Sampaio), de onde saiu o título da turnê, “A Maçã” (Raul Seixas), “Jardins da Babilônia (Rita Lee / Lee Marcucci)", “O Beco”, gravada por Ney nos final dos anos 80 (Herbert Vianna/Bi Ribeiro) e "Sangue Latino (Paulo Mendonça / João Ricardo)", do primeiro álbum dos Secos e Molhados, de 1973, são algumas das músicas escolhidas por Ney.

Primeiro prêmio no 27º Concurso Sphinx e Grande Prêmio das agências Concert Artist Guild, de New York e Young Concert Artist Trust, de Londres para representação internacional, o violinista brasileiro NATHAN AMARAL vem construindo sua reputação na América do Sul, EUA e Europa por ser um “violinista versátil, carismático e com uma compreensão musical instintivamente natural” (Liza Ferschtman). Foi laureado ainda com o 1o lugar e prêmios especiais em vários concursos nacionais e internacionais, sendo incluído na lista de jovens mais promissores da Classic FM de Londres.Nathan já se apresentou como solista e camerista em salas como o Wigmore Hall, KKL no Festival de Lucerna, Sala São Paulo, Mozarteum Großer Saal e Filarmônica de Berlim. Pianista indicada ao Grammy Latino, ERIKA RIBEIRO é considerada uma das artistas mais expressivas de sua geração. Sua musicalidade e grande versatilidade fazem com que seja conhecida pelos diversos estilos pianísticos que aborda, tanto em sua maneira de tocar, quanto nos repertórios que interpreta. Iniciou seus estudos musicais com sua mãe, aos quatro anos.

Mauro Diniz, integrante da Velha Guarda da Portela, convida Xande de Pilares e seus filhos João e Juliana Diniz para o show de seu projeto "o samba pede passagem". Nesta apresentação, Mauro convida Xande de Pilares, artista nascido no Morro da Chacrinha, criado entre rodas de samba. Um dos grandes nomes do gênero, Xande traz influências que vão de Martinho da Vila e Clara Nunes a Ray Charles e James Brown, transitando com naturalidade entre o samba e outras expressões musicais.A noite também conta com a participação especial de seus filhos, mergulhando em histórias curiosas por trás de sambas consagrados, com músicas que fazem parte do imaginário popular, mas cujas origens muitos desconhecem. O repertório traz composições históricas de nomes como Cartola, Nelson Cavaquinho, Monarco, Candeia, Silas de Oliveira, entre outros, costurando memória, tradição e vivência familiar em torno do samba.

A companhia do Teatro Oficina apresenta uma montagem de Os Sete Gatinhos, texto clássico de Nelson Rodrigues. A peça se passa em um ambiente tenso, onde os membros da família revelam suas verdadeiras faces.Nelson Rodrigues sintoniza a hipocrisia das relações no núcleo colonial originário: A Família, Instituição patriarcal secular herdada de geração em geração, e nos convida a olhar pras suas entranhas.O teatro se transforma em um cenário de traições e revelações terríveis que culminam em um crime brutal.

O festival é o primeiro dedicado ao gênero de música japonesa Visual Kei no Brasil. Line-up confirmado: Közi, Hizaki & Kaya, Schwarz Stein, Mayohk

Show de comemoração de 1 ano do álbum Nhe’etimbó, dirigido por Jhow Flor, com participações especiais do Coletivo Estopô Balaio e dos artistas indígenas Clara Potiguara e Válber Félix. O álbum foi indicado à categoria “Melhor Álbum do Ano” pelo Prêmio Hangar de Música 2025, principal premiação da linguagem musical do estado do Rio Grande do Norte.

Em islandês, eyja significa “ilha” — tema do primeiro espetáculo de uma trilogia concebida pela Multifoco Companhia de Teatro, inspirada na erupção do vulcão Eyjafjallajökull, ocorrida em 2010. A obra utiliza a linguagem do circo-teatro e tem como protagonista uma artista circense cega, promovendo uma reflexão poética e simbólica sobre a relação do ser humano com o desconhecido, a solidão e a natureza.A encenação se desenvolve em uma grande jangada — metáfora de um território instável — onde as personagens, por meio de acrobacias, portagens, suspensões e colapsos, buscam reaprender a convivência, a partilha dos equilíbrios e a construção de coletividades. A dramaturgia incorpora, ainda, elementos da audiodescrição como linguagem cênica.

Na palestra-performance Por um Fio, o artista paraibano Diocélio Barbosa apresenta uma obra autobiográfica e documental desenvolvida entre 2020 e 2024, durante residências artísticas no Brasil, no Chile e na França. Criado a partir da prática de site-specific, o espetáculo elege espaços não convencionais como ponto de partida para investigar relações entre corpo, matéria, memória e território.A performance original, interativa, foi concebida no quintal da casa do artista com base em suas memórias e documentos pessoais e familiares durante a pandemia de Covid-19. Conta com depoimentos e apoio audiovisual, com destaque à voz em off da mãe do artista, Maria da Penha Barbosa, conferindo à cena uma camada de afeto e autenticidade.

Rô Rosa apresenta o EP Estações na Casa Natura Musical. No novo projeto, Rô transforma sua vivência em crônica sonora por meio de uma viagem de seis faixas que percorre as fases do amor e da vida com lirismo, groove e uma sensibilidade quase cinematográfica. O disco nasce do cotidiano e é urbano e sentimental ao mesmo tempo, como se a cidade, o coração e o tempo estivessem sempre em diálogo.

O coletivo queer Briefs Factory convida o público para uma festa-cabaré em uma noite de acrobacias ousadas, giros suspensos, malabarismo com bolas, performances com espumas de sabão, bambolê em chamas e até um número de striptease.Liderados pelo coreógrafo e performer Fez Faanana (também conhecido como Shivanana), os Briefs Boys mesclam elementos do circo, da dança, do burlesco e da cultura drag queen com muito virtuosismo.

Neste show, a cantora e compositora Bixarte apresenta seu primeiro álbum de estúdio, TRAVIARCADO. Apesar da forte presença do rap em faixas de parceria com Bia Ferreira e Drik Barbosa, o álbum traz uma nova versão da artista que aposta em ritmos latinos, etnopop, trap, batidas do Kettu e influências de R&B.

Daniel Furlan apresenta Tropical Nada, um projeto musical que mistura tropicalismo, synthpop e ironia existencial. Com letras afiadas e arranjos dançantes, o show navega por paisagens sonoras psicodélicas e bem-humoradas. A apresentação, que traz faixas do disco homônimo, é uma experiência tropical e nada convencional.

Nova exposição da artista Rizza, com curadoria de Marc Pottier. A mostra reúne obras inéditas que dão continuidade à sua pesquisa em torno da manipulação de fenômenos ópticos, articulando arte, ciência e tecnologia.Nesta individual, a artista aprofunda sua investigação sobre modelagem paramétrica e apresenta esculturas tridimensionais que transformam variáveis numéricas em formas físicas. Utilizando algoritmos, equações e dados físicos como ponto de partida, Rizza revela um processo criativo que une intuição e lógica, orientado por princípios matemáticos como dimensão, proporção e curvatura.

A galeria apresenta primeira individual de Ian Salamente em São Paulo. Com curadoria de Rayssa Veríssimo, a mostra reúne um conjunto de pinturas que exploram os atravessamentos do cotidiano urbano a partir das margens da cidade. Entre as obras, estão incluídos trabalhos inéditos e uma pintura premiada no 16° Salão dos Artistas Sem Galeria.Nascido em Cabo Frio e atualmente vivendo no Rio de Janeiro, Ian tem como ponto de partida os símbolos do cotidiano urbano. Casas protegidas por grades e muros, bueiros, toldos, antenas parabólicas e camisas de futebol de várzea ganham destaque em suas telas. Em sua obra, o que seria considerado insignificante ou irrelevante assume protagonismo e revela as contradições sociais da vida na cidade.

Em um mundo pautado pela velocidade, extração e distanciamento da natureza, o artista Saulo Szabó propõe um gesto inverso: escutar o chão. A exposição “Tudo que Fica sem Ser Visto” apresenta uma série de obras e instalações que emergem da fricção entre corpo, paisagem e arquitetura, acionando a terra — e seus vestígios — como matéria viva e agente de memória.Coletando matérias vegetais e minerais em um incessante percurso pela natureza — fragmentos de solo, pedras, resíduos, galhos -- Szabó reconfigura o gesto artístico como prática de escuta e cuidado. Em suas frotagens feitas em cachoeiras, o atrito entre rocha, papel e, no caso da cachoeira de Boiçucanga, lixo urbano, compõem uma cartografia da erosão — tanto física quanto ética — de um território em exaustão. A instalação ocupa os 15 metros da sala expositiva da Galeria Lume como um fluxo suspenso, um rio de lembrança e alerta.

Primeira exposição individual de Miguel Afa em São Paulo. O texto que acompanha a mostra é assinado por Lorraine Mendes — crítica, curadora e pesquisadora que já acompanhou a trajetória do artista na exposição coletiva Dos Brasis (Sesc Belenzinho, 2024), marco de sua estreia na cidade. Nesta nova exposição, Afa exibe um conjunto inédito de pinturas que exploram os limites e as expansões do afeto como experiência estética e política. O céu, aqui, surge como metáfora de amplitude e possibilidade: lugar de acolhimento, respiro e entrega.

Marina Lima encerra a turnê Rota 69 na Casa Natura Musical.De olho no retrovisor, mas com as antenas ligadas ao mundo de hoje, ela percorre, na apresentação, os caminhos modernistas que segue há 45 anos.Idealizado e dirigido por Candé Salles, o espetáculo atravessa um roteiro retrospectivo montado por Fernando Muniz e Renato Gonçalves. O título faz uma alusão tanto à rodovia norte-americana Rota 66 — imortalizada como símbolo de liberdade da juventude dos EUA, país onde Marina viveu a infância —, quanto aos 69 anos da artista.Rota 69 é um show de letra, música, dança e, sobretudo, para quem se afina com a ideologia da cantora e compositora que inseriu na pauta dos anos 1980 e 1990 temas como a celebração do amor entre mulheres e do prazer sexual.

Alexander Nevsky nasceu como uma trilha sonora composta por Sergei Prokofiev para o filme homônimo de Sergei Eisenstein, de 1938. O longa metragem narra um acontecimento histórico: a incursão da Liga dos Cavaleiros Teutônicos para conquistar a Rússia, no século XIII. Quem liderou a resistência e defesa foi o príncipe Alexander Nevsky – atraindo os guerreiros para o combate sobre a superfície de um lago gelado, ele os levou para o ponto onde a camada de gelo era mais fina e, não resistindo ao peso de suas armaduras e seus cavalos, rompeuse, afogando-os em suas águas geladas.Já no século XX, às vésperas do ataque das forças nazistas à então União Soviética, o governo stalinista, percebendo o potencial propagandístico do episódio, encomendou a Eisenstein um filme que rememorasse o ato de bravura, preparando o espírito da população para resistir à nova invasão que se aproximava. Ficou a cargo de Prokofiev a trilha sonora, e a maioria dos textos das canções foi escrita pelo poeta Vladimir Lugovskoy. A famosa cantata Alexander Nevsky de Prokofiev foi feita em 1939, a partir de partes desta incrível trilha sonora. O compositor reorganizou a música para o formato de concerto, reescrevendo-a como uma cantata para orquestra completa, coro e solista.A música do filme foi considerada uma obra-prima, e a Cantata Alexander Nevsky goza do mesmo prestígio, sendo uma das cantatas mais importantes do século XX (Eisenstein, Prokofiev e Lugovskoy voltariam a trabalhar juntos em outra empreitada cinematográfica: Ivan, o Terrível, partes 1, de 1944, e 2, de 1946, sendo este o último filme de Eisenstein).O espetáculo conta com Carla Camurati na direção de imagem. Cineasta, roteirista, produtora cultural e atriz, Camurati é dona de uma longa e premiada carreira. Em 1997, dirigiu La Serva Padrona, primeiro filme-ópera do Brasil, baseado na obra de Pergolesi.Desde então, tem se dedicado à direção de óperas pelo país. Foi presidente da Fundação Theatro Municipal do Rio de Janeiro entre 2007 e 2014.

Um festival que celebra ícones da música sertaneja, unindo gerações por meio de canções atemporais que marcaram vidas. Com: Chitãozinho e Xororó, Zezé di Camargo, Leonardo, Victor e Leo e Daniel