Cantora, compositora, produtora musical e artista visual, Lido Pimienta é uma das vozes mais originais da música contemporânea. Coproduzido com Owen Pallett, La Belleza (2025) propõe-se a desenvolver estéticas latino-americanas em diálogo com a música de concerto europeia, numa fusão que amplia ainda mais sua linguagem experimental. No repertório, além das novas faixas, Lido revisita canções de seus discos anteriores, em uma mistura de cúmbia, bullerengue, synthpop e música eletrônica.

Em 1965, dois álbuns fundamentais do jazz mundial foram lançados: Coisas, do maestro pernambucano Moacir Santos, e A Love Supreme, do saxofonista estadunidense John Coltrane. Ambos os trabalhos são considerados os ápices criativos dos compositores e são marcados por um forte caráter espiritual. Enquanto Coltrane homenageou Deus em uma estética que se tornaria referência do “spiritual jazz”, Moacir uniu ritmos de terreiro com jazz e música sinfônica, apontando para o que ficou conhecido como samba-jazz. O projeto Coisas supremas, idealizado pelo trombonista e compositor Allan Abbadia, explora os diálogos entre esses dois discos, com arranjos que cruzam jazz e percussão afro-brasileira. Com uma carreira que inclui colaborações com Beth Carvalho, Dona Ivone Lara, Jards Macalé, Luiz Melodia, Nei Lopes, Mano Brown e Zeca Pagodinho, além dos álbuns autorais Malungos (2019) e Ifé (2023), Abbadia homenageia suas principais referências acompanhado por músicos de destaque da cena brasileira.

Um dos maiores fenômenos do teatro brasileiro contemporâneo, o solo “A Descoberta das Américas”, estrelado por Julio Adrião e dirigido por Alessandra Vannucci, comemora duas décadas em cartaz com sua temporada de despedida.Baseado no texto original de Dario Fo (“Johan Padan a la descoverta de le Americhe”), o solo narrativo estreou em 2005. A montagem narra a saga de Johan Padan, um anti-herói rústico e carismático que escapa da Inquisição espanhola e embarca em uma das caravelas de Cristóvão Colombo. No “Novo Mundo”, sobrevive a naufrágios, massacres e escravização até ser reverenciado como líder por povos indígenas, conduzindo-os em uma batalha contra os invasores.

Um dos maiores sucessos da primeira década do século XXI, o solo narrativo “A Descoberta das Américas” completa, em 2025, seu vigésimo ano de itinerância.

Encerrando a temporada 2025, este concerto marca um momento especial: a conclusão do ciclo integral das quatro sinfonias de Brahms, projeto iniciado pela orquestra no início do ano. Ao longo da temporada, a SP Chamber Orchestra percorreu a trajetória do compositor, revelando diferentes facetas de sua linguagem — da serenidade pastoral à paixão contida, da contemplação lírica ao drama interior. Agora, a Primeira Sinfonia surge como um ápice, um marco de ambição e conquista criativa que Brahms levou mais de 20 anos para concluir.

ONHEAMA conta a jornada de um jovem guerreiro indígena para salvar a floresta acompanhado por seres encantados da mitologia amazônica e apresenta, de forma lúdica, acessível e encantadora a ópera para crianças através da magia das marionetes.ONHEAMA significa “eclipse” em língua tupi. Este espetáculo une marionetes de fio à música. Nele, acompanhamos a jornada épica de Iporangaba, um jovem guerreiro indígena que precisa resgatar o sol, devorado pela terrível onça Xivi. Nesta aventura, ele apresenta suas tradições, lendas e origens e conta com a ajuda do Boto-cor-de-rosa e de Iara, seres encantados da mitologia amazônica.

"Os Três Porquinhos", a adaptação tradicional traz à vida as casinhas de palha, madeira e tijolos, o sopro do lobo e a entrada pela chaminé. No ritmo vertiginoso da manipulação dos bonecos. A primeira parte da apresentação é marcada por canções e histórias musicais tradicionais. Na segunda parte do espetáculo, o Lobo Mau trará sustos e adrenalina.

Chegou o mês das crianças e a Domingueira dos Bonecos conta com um show de rock com bonecos com a banda King Rock Shorts, um show com dinossauros, legos gigantes e muito rock. todos os domingos do mês, às 11h.

Bruna Longo acaba de morrer e procura elaborar o luto de si mesma – a única coisa que não podemos fazer empiricamente – enquanto reflete sobre a relação humana com a finitude, o tabu da morte na vida cotidiana e o processo de eliminação do rito fúnebre nas sociedades capitalistas ocidentais. O espetáculo é inspirado na morte recente do pai da atriz.

Uma câmera encara a atriz contra um fundo branco. Nervosa com a possibilidade de um novo trabalho, ela sorri com um sorriso falso e se apresenta: “meu nome é Laura Paro”. Em seguida, interpreta uma famosa passagem de A Gaivota, de Anton Tchekhov. Ambientada em um estúdio de testes para atrizes, a peça tem dramaturgismo de Ines Bushatsky e João Mostazo, e se vale de um texto bem-humorado para levantar questões sobre a precarização do trabalho no campo das artes cênica: do questionamento sobre o sotaque dito “neutro” à padronização das normas de atuação, passando pelas incertezas e dúvidas sobre a carreira que perpassam a vida da maioria dos profissionais das artes e espetáculos.

A partir do encontro com personagens “pássaros”, eles se lançam na busca de uma cidade ideal, suspensa entre céu e a terra, onde seria possível experimentar novas formas de convivência e liberdade. Inspirado livremente no livro As Aves, de Aristófanes, o enredo acompanha Evel e Pister em sua fuga do excesso de conexões digitais rumo a um território sonhado, onde as aves assumem protagonismo e questionam a vida urbana e suas lógicas de controle. Ao propor a criação de uma cidade nas nuvens, a encenação convoca não apenas crianças e jovens, mas todos os que ainda se permitem imaginar outros mundos possíveis, a refletirem sobre os caminhos da liberdade em meio às redes que cercam o cotidiano.

Comemorando os 115 anos do nascimento da cantora e atriz Carmen Miranda em 2024, a atriz Renata Ricci protagoniza o musical Carmen Miranda – Pra Você Gostar de Mim. O espetáculo tem direção de Celso Correia Lopes, direção musical de Reinaldo Sanches e texto de Guilherme Gonzalez. A peça narra um recorte na vida de Carmen Miranda, quando, já consagrada como uma das principais personalidades brasileiras nos Estados Unidos, retornou para um show no Brasil, no Cassino da Urca. Ao ser recebida pela elite carioca, ligada ao movimento integralista, ultranacionalista, a cantora foi vaiada por ter supostamente "se vendido ao governo americano."Sem saber deste contexto, a artista entrou numa tristeza profunda. É esse diálogo interior travado pela artista consigo mesma que surge no espetáculo, que mostra como teria sido a reação de Carmen no camarim do Cassino da Urca.

Experimentos do Invisível é um espetáculo de Teatro e Mágica que apresenta números impressionantes de leitura de mente, baralhos, dados e probabilidades. Na trama, um homem relembra o primeiro espetáculo de ilusionismo que assistiu, onde um mágico estranho e misterioso fazia números de tirar o fôlego.

Com a abundância dos registros das redes sociais, podemos ter esquecido esta experiência: a escolha de um cartão-postal de um lugar distante, a redação de uma mensagem, o envio. Os participantes vão ser convidados a confeccionar cartões-postais lúdicos, experimentando com materiais diversos. Poderão criar a partir de lembranças de passeios ou viagens e documentar memórias, ideias ou desejos ligados aos lugares que habitam ou têm visitado.Sobre o tema da memória, confira também conteúdos do nosso canal no YouTube. Destacamos a playlist da exposição A arte da lembrança, realizada em 2015, com falas sobre fotografia, e o vídeo “Memória: resgate, registro e resistência”.

Na exposição idealizada e produzida pela Elo3, os visitantes poderão conhecer obras site-specific de seis artistas de diferentes localidades do Brasil e que, em comum, tratam do universo híbrido e metamórfico. Ana Carolina Ralston, curadora do evento e pesquisadora de artes visuais, convidou neste ano Ayrson Heráclito, Leandra Espírito Santo, Luiz Zerbini e Rafa Bqueer. Pelo edital foram selecionados Licida Vidal e Leandro Lima. A mistura entre os universos sintético e orgânico — e todas as possibilidades de vida expandida que eles nos propiciam — será discutida nesta edição da Mostra 3M de Arte. Segundo Ralston, o biomorfismo, tema proposto aos artistas, revela-se como uma ferramenta potente para pensar essa reinvenção.

O ator-empresário Frazão convida Laudelina Pires, uma jovem atriz amadora, para ser a primeira-dama de sua companhia itinerante. Ao saírem em turnê pelo interior do país, os artistas se deparam com o Brasil dos coronéis, e passam a depender da boa vontade dos poderes locais para o sucesso de sua viagem. Com a alegria e a agilidade de uma comédia sobre rodas, os Mambembes convidam a todos para uma viagem ao mundo do teatro, um mundo em que jogo, trabalho e divertimento podem significar uma coisa só.

Criada pela ilustradora Suppa e Miguel Falabella, o musical infantojuvenil conta a história de uma menina que, ao ganhar um par de óculos mágicos da Fada do Dente.Na trama, Charlotte perde um dente de leite e, em troca, ganha da Fada do Dente um par de óculos mágicos. A partir daí, ela passa a enxergar o mundo como ele poderia — e deveria — ser. Ao lado de seus amigos e do seu cão Pelusso, Charlotte embarca em aventuras, revelando como atitudes simples têm o poder de transformar a realidade.Com uma linguagem acessível e cheia de camadas, Os Óculos Mágicos de Charlotte convida crianças e adultos a refletirem juntos sobre como olhar para o mundo com mais curiosidade, atenção e carinho.

Após a divulgação do compacto "NOVA ERA/OHAYO SARAVÁ", os compositores Sophia Chablau e Felipe Vaqueiro anunciaram um novo disco com lançamento marcado ainda em 2025. Nomes fortes da cena underground nacional, os dois artistas debutaram em bandas independentes que são sucesso de crítica e público. Em seu novo disco, Handycam, Sophia e Felipe se unem para criar um repertório inédito de canções ao lado do baixista Marcelo Cabral (Metá Metá, Elza Soares, Criolo) e do baterista Biel Basile (O Terno). Gravado e co-produzido no Estúdio Canoa por Gui Jesus Toledo.O nome Handycam não é à toa. A volta do uso desse tipo de câmera é lida pelos artistas como uma imagem que não é tratada ou pré-fabricada, mas autêntica, crua e cruel. Sophia Chablau e Felipe Vaqueiro vêm na contramão do que é produzido atualmente no mainstream e negam a invenção de uma nova realidade em high definition. Em vez disso, buscam registrar a realidade do mundo com a poesia e sinceridade necessárias para enfrentar momentos sombrios da humanidade.

Em Esquadrão Bombelhaço, espetáculo do grupo Circo Teatro Palombar, um batalhão de Bombeiros, composto por palhaços, conduz o resgate de um gatinho preso em cima de um muro. Esquadrão Bombelhaço é um espetáculo de circo baseado em desenhos animados, e que não possui falas. Com uma estrutura pensada para ocupação de espaços públicos, a montagem mistura clássicos do circo, como acrobacias aéreas, malabarismos, manipulação de objetos e elementos cômicos, em um espetáculo pensado para toda família.

Após curta temporada no Cemitério de Automóveis, o espetáculo Não Tem Meu Nome, monólogo escrito, dirigido e interpretado por Adelino Costa criado a partir da leitura do romance O Avesso da Pele, de Jeferson Tenório e Pertencimento: Uma Cultura do Lugar, de bell hooks faz temporada no Teatro Arthur Azevedo. Na peça, ator e personagem se fundem em uma narrativa que propõe reflexões urgentes a respeito das relações sociais e, sobretudo, humanas. Ao longo do processo criativo, o artista resgatou memórias de sua infância e observou os desafios enfrentados pela população local, como barreiras sociais, econômicas e geográficas. Essa imersão resultou em personagens inspirados em amigos de infância e no próprio autor, que exploram como as comunidades subalternizadas se adaptam para se encaixar em uma sociedade predominantemente burguesa e branca. A dramaturgia questiona a suposta universalidade dessa visão de mundo e revela suas camadas de opressão.

A Unibes Cultural apresenta ao público a exposição Exteriores, do consagrado fotógrafo brasileiro Bob Wolfenson. Composta por um conjunto de 53 fotografias, de média e grandes dimensões, a mostra apresenta uma crônica visual da diversidade humana, revelando corpos em movimento, expressões passageiras e instantes únicos capturados nas ruas de diferentes cidades ao redor do mundo.Ao longo de cinco décadas de carreira, Wolfenson consolidou-se como um dos maiores nomes da fotografia brasileira, conhecido por seus retratos de personalidades, imagens de moda e produções em estúdio. Em Exteriores, ele percorre o caminho oposto ao controle do ambiente fechado e mergulha na imprevisibilidade do espaço público, de tudo que lhe é “exterior”. O olhar do fotógrafo se volta para o acaso, para o fluxo das cidades e seus habitantes anônimos – pessoas atravessando faixas, distraídas em pensamentos ou em contato breve com a câmera.

O Museu A CASA do Objeto Brasileiro recebe a exposição Xingu: Reflexos Indígenas no Design Contemporâneo, resultado de um processo colaborativo entre a designer Maria Fernanda Paes de Barros, do escritório de design Yankatu, e os artesãos do povo Mehinaku, do Alto Xingu (MT), em uma potente confluência entre o design e os saberes indígenas. A exposição propõe uma imersão do visitante pelo território artístico dos Mehinaku, reunindo objetos tradicionais - como bancos zoomorfos, cestarias e esteiras - e peças inéditas desenvolvidas em conjunto com a designer.

Em uma Atenas tomada pela tensão entre tradição e pensamento livre, Sócrates — o filósofo que desafiava certezas e incitava a juventude a questionar — é arrastado ao tribunal. Acusado por 3 cidadãos atenienses de corromper os jovens e de profanar os deuses da cidade, ele enfrenta seu destino com ironia sagaz e lógica implacável. A trama aprofunda-se na prisão. Ali, Críton, seu amigo leal, oferece-lhe a fuga, uma chance de escapar de uma sentença injusta. . No derradeiro amanhecer, Sócrates recebe Xantipa, sua esposa, para um adeus. Depois, cercado por discípulos fiéis, ele conduz seu último diálogo: uma meditação sublime sobre a imortalidade da alma, a coragem perante o desconhecido e a beleza de uma vida vivida sem mentiras. Em vez de suplicar por clemência, defende a vida filosófica como um dever sagrado, transformando sua apologia num manifesto eterno sobre liberdade e integridade. Com texto de Regis de Oliveira, direção de Bruno Perillo e Luiz Amorim como protagonista, O Julgamento de Sócrates é um mergulho na essência humana: o conflito entre convicção e conveniência, o preço da verdade e o legado de quem escolhe morrer de pé para que suas ideias vivam para sempre.

A exposição Laboratório da Cor, idealizada pelo Grupo de Pesquisa Estudos Cromáticos, reúne obras dedicadas à reflexão sobre a cor como elemento fundamental para os novos entendimentos da produção contemporânea em artes. São trabalhos em diversas linguagens e em variados materiais e suportes, onde a cor se manifesta mediante práticas distintas. A curadoria é dos professores Marco Giannotti (USP), Paloma Carvalho (UERJ) e da mestranda pela USP, Julia Hallal.O grupo, criado na Escola de Comunicações e Artes (ECA) da USP, e hoje multiinstitucional, dedica-se ao fomento e à divulgação de pesquisas sobre produções artísticas contemporâneas, resultado de investigações pessoais, de orientações em salas de aula nas instituições envolvidas e na formação de alunos de pós-graduação.

A mostra Flexões de Espaço e da Cor de Marcus Vinícius apresenta três séries que mostram a pesquisa do artista sobre como a cor pode potencializar suas relações e propriedades e encontrar unidade e sentido com a estrutura física da obra.Além da cor, o espaço também é estudado pelo artista que, na feitura das obras, se debruçou sobre os problemas construtivos e suas possibilidades de solução, com novos desdobramentos. Suas obras dialogam com o universo da indústria, sem, no entanto, estarem de todo entregues a ele.

A exposição "Mundo Zira" chega ao Anexo do CCBB trazendo uma jornada interativa e imersiva pelas criações mais celebradas de Ziraldo, com áreas temáticas dedicadas a clássicos como 'Flicts', 'O Menino Quadradinho' e 'A Turma do Pererê'. O percurso da exposição incentiva a criatividade e a imaginação, com um design que mescla painéis projetados e artes gráficas, criando uma imersão total no “Mundo Zira”. Adultos e crianças poderão interagir com o universo fascinante dos personagens, vivenciando de perto histórias inspiradoras da literatura infanto-juvenil brasileira. Além disso, os visitantes são convidados a cocriar e personalizar a arte de Ziraldo, adicionando seu toque individual às composições digitais.

Uma aula aberta de teatro infantil e palhaçaria, onde os alunos exploram o universo do improviso, da escuta e da criatividade. O público é convidado a participar de jogos, brincadeiras e exercícios que estimulam o riso, a atenção e a interação. Um encontro lúdico que transforma pequenas experiências teatrais em descobertas coletivas.

O Madrigal Cantar Brasileiro apresenta um programa de Música Popular Brasileira consagrada, de raiz e de disseminação cultural tradicional. Tendo já promovido três encontros de coros, a proposta é trazer mais dois corais convidados, ambos da Etec de Artes de São Paulo, interpretando arranjos conhecidos de MPB de renomados autores.

A banda goiana de rock psicodélico de Goiânia, Boogarins celebra o aniversário de 10 anos do álbum “Manual, ou guia livre de dissolução dos sonhos”. No show comemorativo ao primeiro decano no disco “Manual”, os integrantes prometem tocar o disco na íntegra, mas também trazer de volta arranjos e improvisos das clássicas versões ao vivo.

Montada em mais de 20 países, O FILHO ganha sua montagem inédita no Brasil.Nicolas é um jovem de 16 anos, apresentando sinais de depressão. Filho de pais separados sente-se perdido, troca a casa da mãe (Maria Ribeiro) pela do pai (Gabriel Braga Nunes). Quem poderá compreendê-lo? Os pais, os médicos? Na peça O FILHO, o dramaturgo francês Florian Zeller mergulha na teia complexa das relações familiares para refletir sobre os mistérios da mente e a dificuldade em encontrar um sentido para a vida.

Reconhecida por transitar entre o jazz e o avant-garde, a cantora e compositora sul-africana Gabi Motuba traz a estreia no Brasil de The Sabbath (2024), seu mais recente álbum. Resultado de um processo criativo de anos, a obra evidencia o gosto musical singular da artista, ao fundir referências clássicas, africanas, orientais e jazzísticas em uma sonoridade ao mesmo tempo suave e intensa. Sua pesquisa dialoga, também no palco, com temas como política global, estudos negros, religião e gênero.

Em 1997, a estreia de Virgínia Rodrigues com o álbum Sol Negro, dirigido artisticamente por Caetano Veloso e com participações de Gilberto Gil, Djavan e Milton Nascimento, projetou a cantora baiana para o mundo. 28 anos depois, ela revisita esse repertório, que evoca ancestralidade e lirismo, revelando a fusão que sempre marcou sua voz: a herança afro-brasileira em diálogo com o samba, a bossa, o jazz e a música de concerto. Descoberta por Caetano Veloso em ensaio do Bando de Teatro Olodum, Virgínia construiu desde então uma trajetória internacional celebrada pela crítica estrangeira e consagrada por sete discos. Em Sol Negro, ela retorna ao ponto de partida, reafirmando sua voz como uma das mais poderosas da música brasileira.

A peça é baseada no romance homônimo que fascina e atordoa ao mostrar como um amor perdido pode nos tirar do prumo. Aqui, o amor entre dois homens, com um retrato sobre o universo LGBTQAP+ destes tempos. O fim de um relacionamento e a não aceitação deste fato são o ponto de partida do premiado romance de Flavio Cafiero, vencedor do prêmio APCA de Literatura de 2021, que originou o espetáculo adaptado e dirigido por Ester Laccava, protagonizado por Vinicius Aguiar.

Sob a influência do cínico Lorde Henry, Dorian faz um pacto para manter sua juventude e beleza, enquanto seu retrato, pintado pelo dedicado Basílio, envelhece e acumula as marcas de seus atos questionáveis.Esta adaptação objetiva trazer uma nova luz à obra de Wilde, enfatizando as relações homoafetivas e questionando os padrões de beleza que afetam de maneira homens gays, homenageando a ousadia de Wilde, mas também provocando uma reflexão crítica sobre a influência da superficialidade na vida moderna.

Zé Ibarra chega à Casa Natura Musical com o show “Afim”, o artista apresenta o repertório de seu segundo álbum solo, lançado via Coala Records. O trabalho marca uma virada estética e emocional na trajetória do cantor, compositor e multi-instrumentista carioca.No novo show, Zé traz composições próprias e releituras de nomes da nova geração da música brasileira, como Dora Morelenbaum, Sophia Chablau, Maria Beraldo, Tom Veloso e Ítallo França.

Cálculo para beijar o magma é a exposição inédita da artista mineira Luana Vitra, em São Paulo, na Mitre Galeria. Com texto crítico da pesquisadora Ariana Nuala, a mostra reúne esculturas, desenhos e colagens que observam os limites entre corpo e materialidade. A abertura acontece em plena semana da SP-Arte Rotas, um dos momentos mais pulsantes do calendário das artes na capital paulista.O ferro é o eixo central da pesquisa de Vitra – elemento vital presente no corpo humano, responsável por transportar oxigênio via hemoglobina, e também nas estrelas, que o geram até seu colapso em supernovas ou buracos negros. Em suas mãos, o ferro deixa de ser apenas matéria-prima: torna-se elo entre vida, natureza, ciência e cosmos.Ao mesmo tempo, o material carrega o peso histórico de Minas Gerais, terra natal da artista, onde a mineração, desde o período colonial, estrutura economias e territórios por meio da extração e da violência.

No século XIX, muitos países realizavam esforços no sentido de constituir uma identidade nacional e os compositores procuravam na cultura popular elementos que pudessem servir de base para uma música nacionalista. Um desses compositores foi o tcheco Bedrich Smetana.

Cantora e compositora de Montreal, Dominique Fils-Aimé coloca a história da música afro-americana no centro de sua obra, refletindo sobre as realidades sociais que moldaram o blues, o jazz e o soul. Neste show, Dominique convida o público a mergulhar em suas raízes sonoras e afetivas, em um repertório que equilibra potência vocal, delicadeza e uma mensagem de empatia. Sua carreira tem sido marcada por reconhecimento internacional: venceu também o Félix de Melhor Álbum de Jazz (2019), além de duas indicações ao Polaris Music Prize. Já se apresentou ao lado de nomes como Diana Krall e Melody Gardot, consolidando-se como uma das vozes de destaque do jazz atualmente.

Julio Ernesto Estrada, conhecido como Fruko, é um dos nomes mais influentes da música latino-americana. Ao longo de mais de 40 discos, foi um dos pilares da salsa colombiana à frente do grupo Fruko y Sus Tesos, além de criador de projetos como Afrosound e Wganda Kenya, que fundiram cumbia, funk, soul, afrobeat, psicodelia e música tropical. Em 2024, Fruko uniu forças com a La Bonita, banda formada por jovens expoentes da cena de jazz de Londres, para revisitar repertórios menos conhecidos do mestre colombiano. O espetáculo, que celebra a colaboração intergeracional, é uma viagem musical que documenta e celebra o legado de uma lenda viva. O repertório inédito transita entre salsa, psicodelia tropical, cumbia e outros ritmos afrolatinos.

Pioneiro no país, o PIANOVERO é um coletivo artístico de pianistas que se caracteriza pela diversidade de seus integrantes e pela abordagem singular em suas apresentações, construindo pontes entre o repertório erudito contemporâneo, principalmente dos séculos XX e XXI, e novos públicos.O Coletivo PIANOVERO é um grupo independente que reúne pianistas profissionais e estudantes, realizando desde 2018 projetos especiais e multimídia com grande atração de público. O concerto “ZODÍACO - de Sons e Constelações” reúne 16 pianistas em uma interpretação de repertório diversificado e inovador, incluindo obras de compositores dos séculos XX e XXI, como Karlheinz Stockhausen (Alemanha), Luciano Berio (Itália), Almeida Prado (Brasil) e Alberto Heller (Argentina/Brasil). Cada compositor recriou este tema de forma única, produzindo peças que brilham como estrelas tocadas pelos dedos dos pianistas.

Espírito punk, guitarras arranhadas e vestidos floridos. Otoboke Beaver, quarteto feminino formado em Kyoto (Japão), foi responsável por iniciar performances de Jack White (ex-White Stripes), Green Day e Red Hot Chili Peppers. Realizada pela 30e, maior companhia brasileira de entretenimento ao vivo, a apresentação integra as ações de ÍNDIGO, label curatorial da empresa com foco em sons indie;

Ao longo de mais de 10 anos de pesquisa, o LABTD - Laboratório de Técnica Dramática - buscou entender os motivos pelos quais a ditadura ainda define a sociedade brasileira. Mural da Memória, novo trabalho da companhia, olha para o futuro e busca os efeitos da ditadura nos nossos corpos e nossa percepção de mundo. Em Mural da Memória, a Lei da Anistia é revogada e os desaparecimentos ocorridos durante a ditadura começam a ser julgados. Acusado de sumir com o corpo de três vítimas, um General 4 Estrelas é o primeiro a responder diante do tribunal. Embora a peça seja ficcional, ela foi construída a partir de muitas histórias reais.

Na exposição “Alberto Teixeira – 100 anos”, sob curadoria de João J. Spinelli, a mostra apresenta uma seleção de trabalhos que percorre diferentes momentos da produção do artista, permitindo ao públicoredescobrir aspectos centrais de sua trajetória e a evolução de sua linguagem pictórica ao longo de seis décadas.A exposição inclui trabalhos que cobrem diferentes fases do artista e o diálogo constante entre tradição e inovação em sua produção.

Em seu show de 1 ano do álbum Colinho, segundo trabalho de estúdio de Maria Beraldo, a artista convida para a celebração duas importantes participações do trabalho: Zélia Duncan e Negro Leo, que gravaram respectivamente “Matagal” e “Quem eu sou” no álbum, além de Juçara Marçal, parceira de Maria em “Baleia”, também registrada no disco.A programação também conta com DJ set de Thalin, artista principalmente reconhecido pelo lançamento do projeto Maria Esmeralda.

Nome de grande destaque no pop e no rock, a banda Imagine Dragons volta ao Brasil para apresentar a turnê mundial LOOM. O setlist conta com os grandes sucessos do grupo, como "Thunder", "Demons" e "Believer".

São Paulo recebe o início da turnê brasileira de Jorja Smith, que retorna ao país quase sete anos após sua estreia no Lollapalooza Brasil, em 2019. Desta vez, o público paulistano poderá vivenciar uma performance mais intimista e centrada no repertório de seu mais recente álbum, falling or flying (2023), no qual a artista mescla soul, R&B, UK garage e jazz com sua já conhecida força lírica e vocal.

No século XIX, muitos países realizavam esforços no sentido de constituir uma identidade nacional e os compositores procuravam na cultura popular elementos que pudessem servir de base para uma música nacionalista. Um desses compositores foi o tcheco Bedrich Smetana.

O espetáculo reúne grandes nomes do frevo de rua em uma celebração que reafirma a vitalidade do gênero como expressão musical dinâmica e próxima do jazz, devido à sua improvisação e à sua energia coletiva. No palco, estarão: a maestrina Lourdinha Nóbrega, saxofonista, educadora e fundadora da Orquestra Só Mulheres; o Maestro Oséas Leão de Souza, ícone do Carnaval de Olinda à frente de blocos como Clube Elefante e Cariri Olindense; o Maestro Carlos Rodrigues da Silva, regente de cortejos icônicos como Homem da Meia-Noite e Vassourinhas; e o Maestro Lúcio Henrique Vieira da Silva, da Orquestra Henrique Dias, que também conduz um projeto comunitário de formação musical em Olinda. O show presta ainda homenagem ao Maestro Lessa, cuja contribuição foi fundamental para a difusão e preservação do frevo. Acompanhados pelo encontro de músicos de suas orquestras, os regentes conduzem o público por um repertório que alia tradição, técnica, improvisação e o espírito vibrante do carnaval pernambucano.

Com trabalhos que fazem do cotidiano, contraste e vibração parte essencial de suas pesquisas, o artista Caio Borges inaugura a exposição “Decoro”. Nesta série de trabalhos, Caio explora intervenções no centro da cena cotidiana das famílias, onde o decoro se coloca vivamente como questão e afetação que convive nos álbuns com todas as camadas de memórias e afetos. Seja adicionando elementos inusitados ou nas bricolagens digitais convertidas em enormes pinturas de cores saturadas e pinceladas urgentes, os cenários parecem recuar como plano de fundo em palco italiano, ou recortes de cartolinas coloridas de uma apresentação escolar com marionetes.

A exposição do Coletivo GRAO, intitulada Antes que Seja Depois tem curadoria de Allan Yzumizawa, faz intervenções que aproximam a arte do cotidiano da cidade.Formado por oito artistas diversos (Mariana Tescarollo, Pitanga, Daniel Chang, Hanna Kilsztajn, Nat Rocha, Lu Martins, Vinicius Almeida, Brunnin R), o coletivo explora diferentes linguagens e materiais. Os visitantes encontrarão instalações, lambe-lambes, obras sonoras, pinturas, esculturas e performances. Muitas delas são interativas e se relacionam diretamente com o centro de São Paulo. Ao mesmo tempo, essa ocupação também se propõe a revitalizar o espaço, contribuindo para fortalecer a presença das artes visuais nesse importante patrimônio da cidade.

Os Capitão Fausto regressam ao Brasil, no último trimestre de 2025, para uma série de concertos em várias cidades, com convidados muito especiais, que prometem tornar cada Espetáculo num momento único. Esta Digressão não é apenas um reencontro com um país que tem marcado a composição da Banda, mas também uma oportunidade para consolidar a sua presença junto dos fãs brasileiros e para conquistar um novo público que queira descobrir a Banda de Lisboa.

O artista Yan Copelli inaugura Oh,holihole, aonde Copelli apresenta um novo conjunto de esculturas e pinturas em que explora materialidades, improviso e narrativas visuais que transitam entre o sagrado, o lúdico e o cotidiano. A mostra concentra-se principalmente em esculturas em bronze e cerâmica —algumas mesclam os dois materiais— e entre pinturas que funcionam como pontos de respiro ao longo do percurso expositivo.

Uma festa temática de The Rocky Horror Picture Show, repleta de muita música boa, performances drag e um espetáculo único que mistura projeções, teatro e diversão ao som de DJs e performances ao vivo.

Baseado na série de animação que conquistou crianças e adultos em todo o mundo, “Bluey Ao Vivo – Diversão em Família!” oferece uma experiência imersiva que transporta o público diretamente para o coração da família Heeler. Na história, Bluey e seus familiares transformam cada cômodo da casa em um palco de brincadeiras e descobertas.Com 14 atores em cena, painel de LED em alta definição, músicas e coreografias vibrantes, o espetáculo reúne humor, imaginação e afeto, características que fizeram de Bluey um sucesso global.

A pianista, organista, vocalista, compositora, atriz e educadora Amina Claudine Myers é um nome histórico do jazz. Ela é reconhecida por transitar entre jazz, blues, gospel, spirituals e música experimental. Sobe ao palco com Jerome Harris (baixo elétrico, guitarra, voz) e Reggie Nicholson (bateria), em um repertório que combina técnica, espiritualidade e improvisação, reafirmando sua relevância como referência da tradição afro-americana.

Referência da música brasileira desde os anos 1970, o Trio Mocotó apresenta uma releitura de Força bruta, álbum histórico gravado ao lado de Jorge Benjor em 1970. O trabalho é considerado um marco da música afro-brasileira e ganhou, para esta ocasião, novos arranjos – assinados pelo trombonista Allan Abbadia –, que trouxeram frescor sem perder a essência do original. Ao lado de sua banda base e de uma seção de sopros, o trio executa um repertório que reúne clássicos como “Oba, lá vem ela”, “O telefone” e “Apareceu Aparecida”. A apresentação conta ainda com a participação de Ellen Oléria, cantora e compositora que une em sua trajetória samba, soul, funk, jazz e ritmos afro-brasileiros. Reconhecida pela potência vocal e pelo ativismo, a artista amplia o diálogo do Trio com as novas gerações da música preta brasileira. Esta será, provavelmente, a primeira vez que o álbum é apresentado integralmente no palco – feito que nem Jorge Benjor nem o Trio realizaram à época do lançamento.

Conhecida como “La Sonera del Mundo”, a cantora, pianista, compositora e atriz cubana Aymée Nuviola é uma das vozes mais marcantes da música latina contemporânea. Nessa época, surgia o filin, gênero da canção romântica cubana que mistura jazz vocal e bolero. O espetáculo apresenta clássicos de compositores como José Antonio Méndez, César Portillo de la Luz, Marta Valdés e Meme Solís e conta com direção musical de Paulo Simeón e participação do pianista Kemuel Roig. A partir de canções como Obsesión, Perfidia e Vete de Mí, o repertório evoca histórias pessoais e lembranças de Havana, cidade natal da artista, e reafirma sua ligação íntima com o gênero que herdou de referências como Omara Portuondo e Elena Burke.

Diretamente do coração do deserto do Níger, o Etran de L’Aïr, cujo nome pode ser traduzido como “estrelas da região do Aïr”, chega tem mais de 25 anos de estrada. Nascidos nas celebrações de casamento de Agadez, cidade reconhecida como capital do rock do Saara, os músicos se tornaram presenças constantes em festas locais. Enquanto muitos guitarristas tuaregues se inspiram no rock ocidental, o Etran de L’Aïr aposta em uma sonoridade pan-africana, que reflete a riqueza cultural de Agadez. Em suas músicas, convivem influências do blues malinês do norte, das bandas hausa de bar e do soukous congolês. Essa abertura, aliada ao espírito comunitário, moldam uma música que é, acima de tudo, celebração. No palco, o público pode esperar uma profusão de guitarras que se entrelaçam em solos simultâneos, precisos e arrebatadores, transmitindo a energia inconfundível de um casamento em Agadez: força, alegria e um convite para dançar.

Um espetáculo que mergulha na delicadeza do teatro para a primeiríssima Infância. Nessa jornada os pequenos espectadores são convidados a explorar a natureza e as diferenças, acompanhando dois seres indefinidos em sua descoberta mútua.

Na montagem brasileira, sob a direção e adaptação de Pedro Neschling, o público decide o final da trama. No elenco, estão Carmo Della Vecchia*, Douglas Silva, Fernando Caruso, Hylka Maria, Paulo Mathias Jr e Fafy Siqueira.A história se desenrola em um salão de beleza em Santa Cecília. Uma trama que começa com risos termina em assassinato de uma famosa cantora reclusa. O crime acontece a poucos metros dos clientes e funcionários do salão, todos com motivos ocultos e atitudes suspeitas. O público é convidado a participar da investigação, escolhendo coletivamente quem acredita ser o culpado. O resultado é um desfecho diferente a cada sessão, sempre fruto das decisões da plateia, em uma dinâmica leve e divertida.

Era uma vez, governando um longínquo reino, uma rainha conhecida por sua beleza e também por sua maldade. Entre seus segredos e feitiços, havia um antigo espelho mágico, que todos os dias, revelava se a malvada continuava sendo a mais bela de todas as mulheres. Certa vez, o espelho confessou a sua senhora que ela havia perdido o patamar que tanto amava, afinal, uma outra moça crescia em graça e beleza: Branca de Neve; que para sua infelicidade, era enteada da cruel rainha. Inicia-se então uma história envolvendo uma linda princesa, uma mulher invejosa, uma maçã envenenada e um beijo de amor verdadeiro.

Bela, uma jovem inteligente e sonhadora, troca sua liberdade pela de seu pai (Maurice) que fica preso no castelo após se perder em uma viagem. Ao se tornar prisioneira da Fera, em seu castelo encantado, Bela descobre aos poucos que, por trás da aparência assustadora da Fera, existe um coração sensível e generoso. Com a ajuda dos criados encantados do castelo — que também foram vítimas do feitiço — nasce entre os dois um sentimento puro e verdadeiro, capaz de transformar tudo ao redor.

O casal, Sofía (Sophia Abrahão) e Pablo (Leandro Luna) estão morando juntos há quatro meses. Mas o que é um paraíso para ela é um inferno para ele. Pablo quer romper o relacionamento, não aguenta mais. Um desejo repentino e urgente que ele não sabe como resolver. Para isso, ele obriga Martin (Beto Schultz), seu melhor amigo, a morar com ele e sua namorada, para que ela, cansada de viver com um intruso, decida terminar o relacionamento. Uma semana, nada mais. É o tempo estipulado entre os amigos para concluírem o grande plano.Todos enfrentarão situações inesperadas e surpreendentes que revelarão facetas completamente ocultas de suas personalidades.

A mostra “Palavra e gesto” reúne trabalhos que surgem da intersecção entre pintura e escrita, com curadoria de Claudio Cretti.Os artistas Fabio Miguez, Marcelo Cipis, Maíra Dietrich, Marilá Dardot, Monica Barki e Rafael Alonso se debruçam sobre a potência gráfica da palavra, tensionando imagem e texto. “Palavra e gesto” explora a relação entre palavra e imagem tendo o gesto do artista como foco de interesse. A aproximação de obras de diferentes gerações e em diferentes mídias oferece um olhar ampliado de como a palavra escrita aparece como significante de interesse na arte contemporânea, criando sentido e deslocando significados.

No II Ciclo Expositivo de 2025, sob direção artística de Claudio Cretti, com abertura no sábado, a exposição “Substrato” apresenta a pesquisa de Carolina Colichio (Ribeirão Preto, 1977).A artista utiliza fragmentos e imagens de paisagens em cerâmica e pintura, buscando dar visibilidade a existências e propor uma mediação da matéria. Suas peças, que remetem a fósseis e minerais, convidam à percepção do potencial ilimitado das coisas, fomentando uma natureza comum e interconectada.

O Projeto 280X1020 recebe “É de SANTO, é de BARRO“, de Antônio Pulquério. A intervenção, que tem performance às 14h30 do artista no dia da abertura, subverte a lógica modular minimalista ao usar módulos artesanais de barro queimado. As peças, que remetem a Espadas de São Jorge ou Santa Bárbara, entrelaçam o terreno e o divino, refletindo o sincretismo cultural brasileiro onde santos católicos e divindades africanas se confundem. O texto de apresentação da mostra é de autoria de Tadeu Chiarelli.A intervenção “É de SANTO, é de BARRO”, inscreve-se nessa espécie de tradição que se consolida nas últimas décadas.

Com centenas de itens originais (incluindo roupas, instrumentos musicais, letras e manuscritos, entre outros), a exposição é dividida em mais de 15 salas, com uma cenografia exclusiva que proporciona ao público uma verdadeira imersão na vida e obra de Raul Seixas. A curadoria delineou a mostra a partir de 13 das mais aclamadas músicas do artista, com salas que promovem uma profunda experiência sensorial aos visitantes. O acervo da exposição é uma cortesia de Kika e Vivian Seixas, respectivamente, ex-companheira e filha de Raul.

Inspirado no pensamento do escritor e poeta francês Édouard Glissant, o trabalho foi desenvolvido com a ideia de que identidades e culturas não estão presas em único espaço, podendo se espalhar de forma simultânea em diversos locais. Interligando assim, o “aqui” e “lá”.A curadoria da exposição foi feita por equipes do MAM e do Instituto Tomie Ohtake e reúne obras de 18 artistas. Além de marcar o início de uma parceria entre os dois institutos, também é uma forma de manter de forma gratuita o acesso à arte, já que o MAM está fechado temporariamente, enquanto passa por reformas.

O sucesso off-Broadway Mães, o Musical (Motherhood, the Musical), com texto, letra e música de Sue Fabisch, desembarca no Brasil para temporada especial com versão brasileira de Anna Toledo e direção de Jarbas Homem de Mello. A narrativa se passa durante um chá de bebê, onde amigas compartilham suas experiências e desafios como mães. Dani, grávida do primeiro filho, recebe as amigas Júlia, mãe e advogada workaholic; Márcia, mãe de cinco filhos; e Tina, uma mãe separada que tenta equilibrar trabalho, família e divórcio. A comédia aborda temas universais sobre a maternidade, trazendo reflexões sobre os desafios e as alegrias dessa jornada.

Guiada pela proposta de contemplar públicos curiosos e diferentes formatos de eventos onde a música é a protagonista, a 30e criou o ÍNDIGO, um projeto que tem como objetivo (re)unir comunidades a partir de uma label curatorial com foco em sons indie, do underground ao mainstream. Um exemplo onipresente quando se trata de propostas musicais que conectam identidades, estilos e memórias é a banda californiana Weezer, característica que a tornou um nome emblemático do rock alternativo dos anos 1990 e que segue como referência até hoje.

A exposição mescla obras inéditas, releituras e trabalhos consagrados da artista Rivane Neuenschwander. Com curadoria da pesquisadora (Universidade Federal de Pernambuco/UFPE) e jornalista Fabiana Moraes e realização da equipe do IC, a exposição traz trabalhos de diferentes caminhos artísticos e em diferentes mídias, realizados ao longo dos últimos 30 anos. A inspiração trafega entre registros de manifestações diversas captadas por ela em solo firme, no espaço das redes sociais, em sonhos de crianças, em festas folclóricas e em observações subjetivas capturadas em suas andanças pelo país.

A exposição apresenta um acervo inédito de fotografias familiares tiradas majoritariamente pelo povo indigena Paiter Suruí, reunidas e digitalizadas pelo Coletivo Lakapoy. Esse acervo inclui cenas e retratos tirados desde a década de 1970, quando as câmeras chegaram ao território pelas mãos de missionários, mas passaram a ser utilizadas pela população local para registrar seu dia a dia. Além do acervo histórico, a exposição apresenta fotos e vídeos atuais, reforçando o papel da fotografia como importante ferramenta de afirmação dos direitos indígenas.As imagens do acervo histórico estavam armazenadas nas casas das famílias, guardadas em álbuns, caixas e estantes das diferentes aldeias do território indígena, localizado entre os estados de Rondônia e Mato Grosso. Para preservá-las, o Coletivo Lakapoy – grupo formado por comunicadores indígenas, com o apoio de não indígenas, com o objetivo de fortalecer a cultura Paiter Suruí – reuniu, catalogou e digitalizou as fotografias. Em 2021, o projeto foi publicado na revista ZUM e, em 2023, selecionado pela Bolsa ZUM/IMS, de fomento à produção artística. O resultado dessa pesquisa agora se desdobra nesta exposição.

A Companhia Teatro do Incêndio estreia a peça Dois Perdidos Numa Noite Suja, considerada uma das obras primas do autor e dramaturgo paulista Plínio Marcos.A trama mostra a convivência forçada entre dois homens em um quarto de pensão, o que gera uma tensão, levando-os a atitudes e decisões radicais para se livrarem de seus destinos traçados pela condição social.Tonho, que veio do interior e conta com instrução, viu-se perdido na cidade enquanto seu calçado estragou. Paco, semianalfabeto e a um passo da marginalidade, um músico que teve sua flauta roubada em uma bebedeira, ostenta um sapato novo que ganhou, exasperando o companheiro.

O Brasil é um dos maiores produtores e consumidores de memes do mundo — e agora também é o primeiro país a conceber uma exposição de grandes proporções dedicada a esse fenômeno. “MEME: no Br@sil da memeficação” explora arte contemporânea, cultura digital e crítica social em uma experiência curatorial inédita.A curadoria de Clarissa Diniz e Ismael Monticelli, com a colaboração do perfil de Instagram @newmemeseum, convida o público a explorar a memeficação como um dos modos mais potentes — e irônicos — de narrar o Brasil contemporâneo.A proposta curatorial rompe barreiras entre diferentes linguagens e repertórios culturais, reunindo nomes consagrados da arte contemporânea brasileira, como Anna Maria Maiolino, Gretta Sarfaty, Nelson Leirner e Claudio Tozzi, ao lado de criadores de conteúdo como Porta dos Fundos, Alessandra Araújo, Melted Vídeos, John Drops e Greengo Dictionary.

Os franceses da banda L’Impératrice carregam elementos de nu-disco, pop retrô e funk eletrônico na essência de suas composições. Apesar de suas raízes no Velho Mundo, os integrantes possuem um visual futurista, entregando performances enérgicas e dançantes para seu público. Atualmente, o grupo roda o globo com a Pulsar Tour — título do último trabalho de estúdio, de 2024 — e incluiu o Brasil, pela primeira vez, na rota de seus shows.

O Coro da Osesp, sob regência de Thomas Blunt, toca obras de Thomas Tallis, Cecilia McDowall, Dobrinka Tabakova e Frank Martin.

A cantora e compositora norte-americana BANKS desembarca em São Paulo com a turnê de seu mais recente álbum Off With Her Head (2024) que mistura R&B alternativo, eletrônica e pop experimental.

A mostra do artista Ubirajara Ribeiro (1930-2002) reúne cinquenta obras realizadas entre as décadas de 1970 e de 2000, formalizadas em uma diversidade de linguagens tais como aquarela, desenho, pintura e colagem, marca um momento de retorno da obra de Ubirajara Ribeiro após vinte anos fora do circuito.

Refletindo sobre suas vivências e aprendizados a partir do Hip-Hop, Novo Testamento reúne 11 faixas que reafirmam o rap em sua forma mais pura, com lírica afiada e crítica social, transitando entre o boombap clássico dos anos 80 e a contemporaneidade do trap.Com participações de nomes como Alt Niss, KL Jay e Mu540, o álbum mescla sonoridades tradicionais às inovações de flow e escrita da artista, transmitindo a ideia de que muitas vezes a verdadeira revolução começa de dentro para fora.Empoderamento, liberdade e inovação marcam essa nova fase da carreira de AJULIACOSTA. Esse processo de autoconhecimento da artista foi uma verdadeira revolução em sua vida, o que abriu alas para um álbum, acima de tudo, honesto em sua completude e rebelde em sua intenção.

A música francesa e a sua orquestração marcam presença mais uma vez na Temporada, agora na companhia de Pierre Bleuse. O violinista e maestro francês que é diretor musical da Sinfônica de Odense, na Dinamarca, e do Ensemble Intercontemporain nos traz leituras de peças do início do século XX.

No ano em que foi indicado ao Prêmio PIPA, Arivanio inaugura sua segunda individual sob curadoria de Theo Monteiro. “O Bestiário de Kixelô” reúne cerca de 20 obras do artista, incluindo três inéditas, que destacam figurações animalescas para abordar temas fundamentais à humanidade, como nascimento, morte, desejo, violência e sobrevivência.O título da mostra remete à tradição dos bestiários medievais, sob uma leitura contemporânea e fabulada do cotidiano sertanejo do artista. Arivanio cria, a partir de sua vivência em Quixelô, no sertão do Ceará, um bestiário povoado por animais de corpos longilíneos, tratamentos expressivos e dimensões míticas.

Peixe das Nuvens, a primeira exposição individual de Zé Carlos Garcia na galeria, com ensaio crítico de Daniela Labra.O caso, ocorrido há alguns anos e testemunhado por moradores, diz respeito ao fenômeno chamado de Chuva - ou Nuvem - de peixes que acontece quando um tornado, em tempestades fortes, suga um cardume do oceano ou lago e o transporta para a terra pelos céus. Quando os ventos arrefecem, os animais em suspensão no ar caem como a água das nuvens e parecem “chover”. O Peixe das Nuvens que dá título à mostra, por sua vez, não cai do alto mas brota do solo. Ele é uma espécie pequena e colorida da família Rivulidae que vive em poças e possui ovos que resistem em charcos secos por meses. Quando as temporadas de chuvas retornam e inundam essas áreas, os embriões eclodem e os bichinhos aquáticos parecem nascer do chão.Encantado com esses milagres da natureza que estimulam o imaginário, Zé Carlos Garcia se lançou na criação do mundo mitológico materializado nesta individual. O artista apresenta um conjunto de peças únicas, quase todas inéditas, que ganham sentido quando estão em relação umas com as outras. Esses seres, meio bicho meio humano meio móvel meio fruta meio deuses, são habitantes de uma sociedade fantástica cuja existência concreta resulta da intensa atividade mental e labuta artesanal de seu criador. Os entes esculpidos e objetos compostos com madeira antiga, arranjos de plumária ou crina de cavalo configuram um universo de maravilhamento místico e mistérios. Em Palavra, um painel em sete unidades (letras) é a mensagem antiga e oculta a ser decifrada, enquanto em outras o tom fabular é mais presente. Esse é o caso de Vendo com outros olhos, a escultura de um menino suspendendo uma cabeça feminina que pode ser a de sua mãe, de um algoz ou uma profetisa, talvez. As obras Múmia, Cabeça de Bacia e Peixe das Nuvens também se encaixam nesse lugar de nomenclaturas extraordinárias para figuras enigmáticas. E o enigma, aliás, está presente como uma atmosfera de incógnitas e luzes em todo o conjunto.Algumas peças possuem características arquetípicas, como é o caso de Monada: um antebraço e uma mão com um olho na palma que se sustenta por uma haste de madeira roxa erguida em uma base oval. Ela é considerada pelo artista como a mais poderosa unidade de força do conjunto, porque é para ela que tudo converge. Monada, na linguagem científica significa, ainda, uma substância simples, ativa, indivisível, de que todos os entes são formados. O universo proto-surrealista de Hieronymus Bosch é uma inspiração na criação desses seres fantásticos que emergem das toras, troncos e galhos com seus nodos, veios, sinuosidade, cor, densidade.Zé Carlos Garcia materializa imagens, expressões, gestos, e não apenas formas. Nesse processo, ele necessita da violência do machado que marca a madeira, pois é o desenho dos golpes que faz uma figura surgir. Como explica, o ato de golpear repetidamente não o leva a um automatismo psíquico, já que o movimento enérgico o mantém desperto: “o golpe que vai na peça vai em mim também”. Na fissura da criação ele acorda de madrugada, pensa na imagem, demarca o que será talhado. Passa dias elaborando a peça mentalmente e em esboços, prospectando. Até que, quando começa a esculpir, é rápido, chegando a finalizar uma peça em até dois dias, ainda que sofra fisicamente depois.Dentre as madeiras trabalhadas pelo artista estão o pinus, oitis, o roxinho – muito usada como cabo de enxada pela sua dureza, e o eucalipto. Esta última, uma conhecida espécie exótica plantada para o beneficiamento de celulose, é recolhida por Zé Carlos no processo de restauração da mata do seu sítio, onde substitui a árvore “invasora” por uma muda nativa, em um ato reparador tanto ecológico como simbólico.Zé Carlos Garcia esculpe objetos desde muito pequeno. Quando jovem, entrou na faculdade de licenciatura e tentou concluir também um Bacharelado em Escultura, no qual foi reprovado ao se recusar a fazer exercícios de peças realistas em madeira. Os considerava óbvios e formalistas e insistia em fazer trabalhos mais conceituais. Contrariando o professor, recebeu notas baixas que o fizeram abandonar o curso. Hoje, sendo um artista maduro com experiência profissional pregressa na confecção de adereços do carnaval carioca, entre outras, ele alia técnica, pensamento estético e conceito. Com os anos, fabulou um cosmos poético fora do protocolo acadêmico para se tornar um dos maiores escultores de sua época. Seu vocabulário imagético está para além da forma - que bobagem!, e ostenta uma beleza enigmática solene, atemporal, que não pertence a nenhum verbo nem categoria. É mitologia.Daniela Labra

Em um solo com bonecos a Cia conta A Ilha do Tesouro, uma história cuja trama de aventura remete aos contos de heróis e suas provações, mas aqui nosso protagonista é Jim, um jovem, com cerca de 11 anos. Esse corajoso aventureiro conhece um velho lobo do mar, ganha um mapa do tesouro, singra os mares dentro de um enorme navio, enfrenta piratas, vence os perigos de uma ilha deserta, encontra um fantasma e por fim, descobre o seu tesouro.

Um personagem-narrador, sem nome ou relações pessoais, um homem inadequado que de forma irônica e sarcástica rumina sua amargura e seu ressentimento numa conversa direta com o espectador. Este é o centro de Memórias do Subsolo, escrito por Fiódor Dostoiévsky e publicado pela primeira vez em 1864. Na nova versão, adaptada por Diego Moschkovich e Vladimir Bocharov e dirigida por Johana Albuquerque, o cenário e o tempo vão de São Petesburgo (Rússia) nos fins do século XIX para a cidade de São Paulo em pleno século XXI.

Uma experiência imersiva criada e apresentada por Philip Blue, um dos ilusionistas mais respeitados do país. Mais do que um show de mágica, trata-se de uma vivência sensorial, interativa e profundamente humana, onde o inesperado surge com leveza, humor e emoção.

Deixar os problemas do lado de fora da pista para dançar, flertar e soltar o corpo é a meta de Onda, que se propõe a viajar por sonoridades vibrantes para se comunicar com o público. O estereótipo do MC combativo que expõe as mazelas sociais nas rimas e nos gestos dá lugar a um músico que nos conduz por uma jornada fluida como a maré ao longo de 14 faixas.De ritmos como pagodão baiano, afrobeat, black music, baião, amapiano e rap, Onda traz parcerias com artistas como Ivete Sangalo, Mestrinho, Luedji Luna, Marina Sena, Mano Brown e Ludmilla, refletindo a multiplicidade musical do disco. “É pop com referência da rua, da África, ancestralidade, Nordeste. É diferenciado para não ter cópia”, explica Rael.

Uma das bandas mais importantes da cena atual do rock americano, e que marcou os anos 2000, Linkin Park volta ao Brasil para três shows no país, dos quais um será em São Paulo.

O Coro da Osesp, sob regência de Thomas Blunt e Maíra Ferreira, toca obras de Thomas Tallis, Cecilia McDowall, Dobrinka Tabakova e Frank Martin se apresenta na Sala São Paulo.

Após alguns anos de pausa, a Leitura Pública — projeto especial do Coro da Osesp — está de volta. E retorna convidando regentes, coros e cantores individuais a se unirem ao grupo em um grande concerto coletivo, que neste ano será dedicado ao Réquiem de Mozart.

Wicked é o prelúdio da famosa história de Dorothy e do Mágico de Oz, onde conhecemos a história não contada da Bruxa Boa e da Bruxa Má do Oeste. Na trama, Elphaba (Myra Ruiz) é uma jovem do Reino de Oz incompreendida por causa de sua pele verde incomum e por ainda não ter descoberto seu verdadeiro poder. Sua rotina é tranquila e pouco interessante, mas ao iniciar os estudos na Universidade, seu destino encontra Glinda (Fabi Bang), uma jovem popular e ambiciosa, nascida em berço de ouro, que só quer garantir seus privilégios e ainda não conhece sua verdadeira alma. As duas iniciam uma inesperada amizade; no entanto, suas diferenças, como o desejo de Glinda pela popularidade e poder, e a determinação de Elphaba em permanecer fiel a si mesma, entram no caminho, o que pode perpetuar no futuro de cada uma e em como as pessoas de Oz as enxergam.

O Mar não me Obedece é uma peça de teatro físico, dança contemporânea e performance que se constrói entre os limites de força e delicadeza, controle e entrega. Em cena, o risco é real: quedas e movimentos inspirados em artes marciais como aikidô, jiu-jitsu e judô se encontram com momentos de sutileza.Os textos se entrelaçam à fisicalidade e colocam em cena desde bactérias intestinais até a história de um rei que tenta castigar o mar, para revelar a teimosia humana em acreditar em verdades absolutas e buscar domínio sobre o que não pode ser controlado.

A exposição de Adriano Costa traz ao espaço suas experimentações com diferentes mídias e uma seleção de trabalhos desenvolvidos na última década.O título da exposição funciona como uma promessa ecoando a filosofia de Costa de encontrar beleza e significado precisamente nos momentos de quebra e transformação. Em sua prática, o desapontamento não é um fim, mas um ponto de partida para novas possibilidades de sentido.Ao trabalhar com objetos descartados e materiais em desuso, Costa revela as camadas de significado que emergem quando retiramos as coisas de seus contextos habituais, expondo nossa relação ambígua com aquilo que produzimos e posteriormente abandonamos.

QUERIDINHA é uma mulher que vive para amar e se moldar aos relacionamentos em que se envolve. Sem opiniões próprias, ela acaba absorvendo as personalidades dos seres amados como se fossem suas. Quando um relacionamento termina, a protagonista se vê vazia e desorientada, até encontrar um novo amor para admirar e servir.Nesta releitura do conto "A Queridinha", de Anton Tchékhov, a figura da mulher que ama demais é transpassada por camadas autobiográficas e ressignificada a partir de uma perspectiva contemporânea e crítica. O espetáculo coloca no centro da cena uma mulher sexagenária, figura frequentemente silenciada na produção cultural, ampliando vozes e experiências que refletem a diversidade de gênero, idade e afetividade da sociedade brasileira.

A peça Olhos nos Olhos, estrelada por Ana Lúcia Torre, celebra os 80 anos de vida e 60 anos de carreira desta, mesclando histórias de sua trajetória pessoal e profissional com a obra de Chico Buarque de Holanda. Letras de clássicos como Meu Guri, Beatriz, Geni e o Zepelim, Valsinha, Atrás da Porta e Olhos nos Olhos, entre muitas outras, compõem o roteiro.

Sucesso de público nas décadas de 1990 e 2000, com sessões lotadas em diversas cidades brasileiras, a comédia Aluga-se Um Namorado, escrita originalmente pelo inglês James Scherman e adaptada por Gustavo Klein, chega ao Teatro Multiplan MorumbiShopping para uma nova temporada. O espetáculo conta a história de Alex Schneider (Eri Johnson), um ator bem-humorado contratado por Sara (Ju Knust) para interpretar o papel de seu namorado, judeu e médico, diante de sua família, que segue rigorosamente as tradições judaicas. A farsa é armada porque, na verdade, o verdadeiro namorado de Sara não é judeu. A partir daí, desenrola-se uma comédia marcada por mal-entendidos e situações inesperadas. Será que os pais de Sara (Myrian Rios e Raymundo de Souza) e seu irmão Joel (João Lima Junior), um psicanalista atento, vão descobrir a verdade? E o verdadeiro namorado (Marcondes Oliveira), será revelado? Sara acabará se apaixonando pelo ator? O enredo gira em torno dessas perguntas, com doses de humor e reviravoltas.

Nesta montagem de Macbeth, dirigida pela multiartista Elisa Ohtake, a profunda conexão de Giuseppe Verdi com Shakespeare ganha nova vida. Embora não dominasse o inglês, Verdi viu na tradução italiana do bardo um verdadeiro tesouro, revolucionando a ópera italiana ao infundir seus personagens com a profundidade dramática e a intensidade vívidaque Shakespeare trouxe à dramaturgia inglesa. Verdi, homem de teatro nato, conduziu sua música de forma a criar uma atmosfera constante de mistério e angústia, sem permitir intervalos que pudessem interromper o envolvimento do espectador.Estreada em 1847 em Florença, Macbeth foi concebida durante o que Verdi chamou de seus “anos de galera”, uma fase em que batalhava para se afirmar no cenário lírico italiano. Com libreto de Francesco Maria Piave e acréscimos de Andrea Maffei, a ópera foi bem-recebida em sua première, mas desapareceu dos palcos por quase um século, em parte em razão das exigências do papel de Lady Macbeth, considerado um desafio extremo para as sopranos.Elisa Ohtake, conhecida por sua abordagem cênica contemporânea e ousada, dará nova luz à complexa história de poder, ambição e morte de Macbeth. Com uma formação diversificada em dança e teatro, Elisa já esteve próxima da obra de Shakespeare com sua instigante Peça para Adultos Feita por Crianças, na qual crianças interpretam Hamlet.

RICHARD KOGIMA foi definido pela crítica como criador de performances "memoráveis e reveladoras" (Gregory Sullivan, Theater Jones), “dotadas de variadas nuances, transparência e extrema concentração” (Südkurier, Badische Zeitung). Expoente talento de sua geração, distingue-se por sensível musicalidade e versatilidade, atuando como pianista, regente, compositor e improvisador.Natural de São Paulo, se apresenta regularmente como solista, camerista e regente nas Américas e na Europa em salas como Tonhalle Zürich, DR Koncerthuset (Copenhagen), Salle Cortot (Paris), University Aula (Oslo) e Sala São Paulo. Integrou festivais como o Emil Gilels e o Usedomer Musikfest (Alemanha), Festspillene i Bergen (Noruega), Campos do Jordão (Brasil), e Pärnu Music Festival (Estônia).MAR GIMFERRER, nascida em 2002, começou a tocar violoncelo aos 7 anos. Estudou em Barcelona com Joan Antoni Pich, com quem se formou com o Prêmio de Honra, aos 17 anos. De 2019 a 2022, foi orientada por Beatriz Blanco no Vorarlberger Landeskonservatorium e desde setembro de 2022, estuda com Thomas Grossenbacher Na Universidade das Artes de Zurique.

O repertório do show trará músicas do grupo em versões acústicas e extremamente únicas em seus formatos. Por mais de quatro décadas em atividade, o Yo La Tengo continua sendo uma das mais influentes bandas do rock alternativo. Sua música deriva de uma variedade eclética de influências, como Velvet Underground, Soft Boys, Mission of Burma e The Clean.

A obra de Joseca Yanomami (1971, Rio Uxi u, Terra Indígena Yanomami, Brasil) tem como ponto central a tradução da cosmologia yanomami em narrativas visuais, especialmente no desenho, dando corpo às histórias dos tempos ancestrais e às múltiplas dimensões da terra-floresta, conceito que vai além de um espaço físico e une a floresta, os rios, os espíritos, os animais e os humanos em um sistema vivo e interdependente, visível somente aos xamãs. É nessa atmosfera quase onírica que a Almeida & Dale inaugura, Urihi mãripraɨ – Sonhar a terra-floresta, individual do artista com curadoria de Bruce Albert, antropólogo franco-marroquino e autor, junto a Davi Kopenawa Yanomami, dos livros A Queda do Céu (2015) e O Espírito da Floresta (2023).

Sister Nancy é uma figura lendária da música jamaicana, Ícone do reggae e um dos maiores nomes do dancehall mundial, ela faz duas apresentações no Brasil promovidas pelo Queremos! em novembro.