Em um ano crucial de reflexão e escolhas para o país, o MPB4 sobe ao palco com "ESPERANÇA BRASIL". Mais do que um show, é uma declaração de amor ao futuro, um convite para renovar o otimismo sem jamais esquecer a história.Com a excelência vocal que atravessa gerações, o quarteto propõe um equilíbrio perfeito entre a canção como instrumento de crônica social e a música como celebração da vida. O espetáculo costura a urgência do debate político com a leveza da alegria e a busca por "novos ares" na cultura brasileira."ESPERANÇA BRASIL" é a prova da resiliência do povo contada através da harmonia. É a voz inconfundível do MPB4 servindo como trilha sonora para a transformação, provando que, mesmo nos tempos mais desafiadores, a utopia de um país mais justo e feliz ainda é a nossa melhor melodia.

O Trio Amadeus, referência em inovação e excelência na música brasileira, apresenta seu mais novo espetáculo: "Jornada Épica do Clássico ao Rock". Com sua formação consagrada – Fábio Amadeus (violão de 7 cordas e voz), Rafael Marcenes (violino) e Marcelle Chagas (harpa e voz) –, o Trio explora os limites entre o erudito e o popular com arranjos autorais e interpretações marcantes. No repertório, o público poderá se emocionar com as maiores obras de Mozart, navegar por melodias medievais, sentir o ritmo da música brasileira e reviver sucessos de gigantes como Queen e Led Zeppelin, além de se encantar com trilhas inesquecíveis de filmes e musicais de todos os tempos.

A artista paulistana Marcia Pastore inaugura, a instalação inédita Cabodá. A obra foi selecionada pelo 1º Edital de Artes Visuais do Museu da Cidade de São Paulo, instituição vinculada à Secretaria de Cultura e Economia Criativa da Prefeitura de São Paulo, e tem origem na observação dos furos deixados pelas travessas de madeira utilizadas na construção em taipa de pilão, conhecidas como cabodás.O projeto parte da estrutura da edificação, feita em taipa de pilão, para construir uma obra que conecta interior e exterior do edifício. A partir dos vazios deixados no processo construtivo, Pastore transforma elementos arquitetônicos em escultura e propõe uma reflexão sobre equilíbrio, corpo e espaço.

Dono de uma das vozes mais marcantes e emocionantes da música brasileira contemporânea, Johnny Hooker retorna aos palcos com um formato especial: Johnny Hooker - Acústico. Neste espetáculo, o artista revisita os principais sucessos de sua carreira em versões inéditas, intimistas e surpreendentes, acompanhado por uma banda completa que dá novos contornos à sua sonoridade.Com uma trajetória que mistura poesia, intensidade e teatralidade, Hooker conquistou o público com hits como Amor Marginal, Flutua e Alma Sebosa, canções que se tornaram verdadeiros hinos de uma geração. Agora, pela primeira vez, o público terá a chance de ouvir essas músicas em um formato acústico, que valoriza a interpretação visceral do cantor e a riqueza de seus arranjos.

A primeira exposição panorâmica da artista peruana Sandra Gamarra Heshiki reúne cerca de 80 obras dos últimos 25 anos de sua produção. Desde o final dos anos 1990, o trabalho de Gamarra adota uma perspectiva de crítica institucional, evidenciada pela criação do museu fictício LiMAC. A artista questiona a neutralidade das representações artísticas ao utilizar a apropriação crítica de pinturas e esculturas, sobretudo do período colonial, estabelecendo a “réplica” como forma de resposta a narrativas estabelecidas. A própria organização da mostra imita e critica a cronologia clássica de um museu latino-americano.

Muñoz investiga as relações entre identidade, memória e imagem por meio de experimentações com suportes fotográficos e audiovisuais.

E. Balbo, renomado como um dos maiores intérpretes de Freddie Mercury do mundo, une-se à banda QUEEN Legend para uma homenagem emocionante à icônica banda britânica Queen. Reconhecido pela sua notável semelhança vocal e presença de palco arrebatadora, E. Balbo guia o público por uma jornada musical inesquecível, capturando a energia única de Freddie Mercury em cada nota.Acompanhado pela talentosa e dedicada banda QUEEN Legend, que conta com Cauê Brisolla na guitarra representando Brian May, o espetáculo promete uma experiência autêntica e eletrizante para os fãs de Queen e admiradores de música de alto calibre. A banda é conhecida por sua precisão musical e respeito à obra original, recriando com maestria os maiores sucessos e clássicos atemporais, como "Bohemian Rhapsody", "We Will Rock You" e "Somebody to Love".

FUNK: Um grito de ousadia e liberdade, a nova exposição temporária com curadoria de Taísa Machado, Dom Filó, Amanda Bonan, Marcelo Campos e Renata Prado, a exposição apresenta e articula a história do funk para além da sua sonoridade, evidenciando sua origem na matriz cultural urbana, periférica, a sua dimensão coreográfica, as comunidades, e os seus desdobramentos estéticos, políticos e econômicos no imaginário constituído em torno dele. Na versão apresentada no Museu da Língua Portuguesa, o projeto tem conteúdos exclusivos sobre o funk paulista. Entre eles, o acervo da memória da FUNK TV, produtora do bairro da Cidade Tiradentes, berço do movimento na capital. Trabalhos de artistas contemporâneos como Panmela Castro, Rafa Bqueer, Marcela Cantuária, Maxwell Alexandre, Rafa Black, Brenda Nicole, Tiago Furtado e Markus CZA, entre outros, também estarão em exibição.

La Chola Poblete produz performances, desenhos, fotografias e vídeos em que parte de seu corpo e biografia para discutir as complexidades da identidade chola — termo usado para designar mulheres mestiças de ascendência indígena na América Latina — e os legados coloniais na região Andina, incluindo a violência contra a população LGBTQIA+ e grupos racialmente marcados, dos quais ela faz parte. A mostra é composta por muitas obras inéditas e em diferentes mídias, como aquarelas de grandes dimensões que funcionam como mapas mentais, fotografias encenadas e trabalhos que misturam a iconografia pop com o imaginário pré-colombiano. O projeto, baseado em um manifesto da artista, questiona as categorias de enquadramento de seu corpo e obra, afirmando identidades híbridas e a possibilidade de transformação e fluidez contínuas.

Claudia Alarcón e o coletivo de tecedeiras Silät, formado em 2023 por mulheres de comunidades wichí do norte da província de Salta, na Argentina, criam obras têxteis a partir de técnicas ancestrais de seu povo. A exposição apresenta cerca de 30 obras, algumas delas inéditas, elaboradas com fios de chaguar (uma bromélia nativa do território em que vivem as artistas), que resgatam padrões e técnicas tradicionais usadas na confecção das yicas (bolsas típicas da região). Para o povo wichí, tecer é um ato ligado à memória, à mitologia e ao território. Alarcón & Silät preservam e atualizam esses saberes, experimentando sofisticadas composições a partir dos padrões tradicionais. Ao reivindicar o protagonismo feminino, as artistas usam a produção têxtil como linguagem viva e instrumento de afirmação cultural e política, expressando sua história e identidade.

O Colectivo Acciones de Arte foi fundado em Santiago do Chile em 1979, durante a ditadura militar, pelos artistas Lotty Rosenfeld (1943–2020) e Juan Castillo (1952–2025), a escritora Diamela Eltit, o poeta Raúl Zurita e o sociólogo Fernando Balcells. O grupo realizou, de forma rápida e anônima, intervenções em espaços públicos para repensar as relações entre arte e política em um contexto de violência e precariedade. A exposição reúne fotografias, filmes e documentos que registram as oito ações do coletivo entre 1979 e 1985. A intervenção mais conhecida, “NO+” (1983), espalhou o slogan aberto “NO+” (Não mais) pelos muros da cidade, sendo livremente completado por cidadãos e movimentossociais (“NO+ dictadura”, “NO+ hambre”). Essa participação popular transformou a ação em uma poderosa forma de denúncia expressão coletiva, fundamental para compreender as articulações entre arte e política na América Latina.

A mostra dedicada a Santiago Yahuarcani reúne cerca de 30 pinturas, incluindo obras inéditas, e dá continuidade à projeção internacional do artista após sua participação na 60a Bienal de Veneza (2024), onde seu trabalho chamou a atenção do público e da crítica. A obra do artista indígena do povo Uitoto, radicado na Amazônia peruana, está profundamente enraizada nas tradições orais, na cosmologia e na cultura visual de sua comunidade, articulando memória familiar, história e imaginação. Por meio da pintura, Yahuarcani desenvolve uma prática que combina investigação artística e retomada de narrativas. A história de deslocamento, violência e sobrevivência de sua família, descendente de sobreviventes da exploração do ciclo da borracha, é um fio condutor central em sua obra.

Abrindo a programação de 2026, a Pinacoteca apresenta Nocaute, primeira exposição institucional do artista camaronês Pascale Marthine Tayou no Brasil, um dos mais importantes nomes da arte contemporânea. A mostra apresenta diferentes momentos da carreira do artista, além de obras concebidas especialmente para a exposição. Tayou é conhecido por abordar temas como mobilidade, identidade, trocas culturais e relações entre humanidade e natureza, com trabalhos que cruzam linguagens e materiais diversos, incluindo escultura, pintura e grandes instalações.

O Octógono fica a cargo de Cristina Salgado, que desde os anos 1980 apresenta o corpo e a psique como temas centrais do seu trabalho. Em 2026, a artista realizará a maior instalação de sua carreira, intitulada A mãe contempla o mar.

Galindo é uma artista e poeta que utiliza seu próprio corpo para expor as violências impostas pelas estruturas de poder nas sociedades contemporâneas.

A mostra apresenta mais de três décadas de trabalho do artista Damián Ortega, um dos principais expoentes de sua geração. Transitando entre fotografia, vídeo, escultura e instalação, Ortega convida o público a reexaminar materiais e objetos cotidianos para investigar narrativas sociais, econômicas e políticas. Em sua icônica prática escultórica, ele desmonta objetos, como carros, reorganizando suas partes e exibindo-as em novas configurações. O mesmo pensamento de rearranjo aparece em obras em que dispõe ferramentas, pedras ou tijolos em montagens suspensas. A reorganização desses objetos na forma de diagramas espaciais é frequentemente carregada de humor e comentários políticos e sociais. A exposição destaca obras importantes de sua trajetória e um conjunto de trabalhos que investigam aspectos da arquitetura brasileira.

Na Pina Estação, acontece a exposição Macunaíma é Duwid, com curadoria do artista e ativista indígena Gustavo Caboco. A mostra toma a aproximação do centenário de Macunaíma, de Mário de Andrade, como uma oportunidade para rever e contextualizar o personagem a partir de uma perspectiva indígena, confrontando o imaginário modernista com as cosmologias e narrativas dospovos originários.

Alice Yura apresenta uma mostra individual no edifício Pina Contemporânea, a partir do desdobramento de sua pesquisa que entremeia fotografia, arquivo e memória.

Com trabalhos que incluem fotografia, instalação, vídeo, performance e desenho, a produção de Carolina Caycedo se constitui como um ponto de encontro entre saberes e práticas que vão da arte contemporânea aos saberes ancestrais ribeirinhos e às estratégias de resistência de movimentos sociais latino-americanos. A trajetória de Caycedo foi marcada por múltiplos processos migratórios que informam sua prática, refletindo as relações simbólicas e culturais que estabelecemos com o mundo. Trabalhando frequentemente de forma colaborativa, a artista busca reconstruir uma memória comunitária dos bens comuns, que englobam desde o espaço público urbano até rios e montanhas. A exposição apresenta um panorama abrangente de sua obra e conta com criações recentes desenvolvidas no contexto brasileiro em diálogo com outros contextos latino-americanos e suas diásporas. O título se refere tanto à convergência de cursos de água quanto ao encontro de pessoas, ideias e culturas.

Garay revisita narrativas coloniais latino-americanas, especialmente as relacionadas ao Peru, por meio de fabulações criadas a partir de artefatos museológicos e figuras históricas.

O projeto Para Crianças estreia na Grande Galeria do edifício. A iniciativa, concebida pela Haus der Kunst (Munique, Alemanha) e realizada em colaboração com a Pinacoteca, visa colocar a infância no centro da experiência artística. Mais do que uma exposição, trata-se de uma rede de trocas culturais que convida crianças a pensarem, viverem e intervirem no mundo por meio da arte.

A cantora britânica Jorja Smith apresenta os seus hits, que mesclam o pop com R&B

Complementando a programação do edifício Pina Luz no primeiro semestre, Paulo Pedro Leal (1894 – 1968), pintor brasileiro autodidata, terá primeira individual nas três salas do 2º andar.

A mostra de Caio Pacela explora campos como o da espiritualidade e da transcendência em diálogo com corpo, fé e identidade, reúne pinturas em óleo sobre tela; desenhos em grafite sobre papel; cadernos do artista e textos autorais intitulados ‘notas de culto’, abarcando as diferentes nuances e fases do artista, que opta pelo olhar fenomenológico e convoca o espectador a atribuir sentido às obras, a partir de suas próprias referências.O artista convida o espectador a observar e completar suas obras, acessando espaços interiores e individuais, a priori etéreos e impalpáveis, mas que acabam por reverberar em comportamentos coletivos mediados ora pela corporeidade humana (ou não), ora por paisagens da natureza em movimento e fúria. A arte de Pacela convida o público ao exercício do sentir, mas, também, ao de decodificar, sob o entendimento particular, o mistério, o não dito e o não aparente.

O “Museu da Antiga Colônia” é uma grande instalação que examina as perseverantes e inabaláveis estruturas coloniais através das lentes de Porto Rico, ilha que vivencia mais de quinhentos anos de influência e domínio colonial. Concebida pelo artista Pablo Delano, inclui uma miríade de objetos, fotografias, jornais, filmes e revistas que contam múltiplas histórias relacionadas, inicialmente, ao domínio espanhol e, atualmente, americano sobre comunidades indígenas e nativas, bem como sobre pessoas de ascendência africana. O título da instalação faz uma referência irônica à cumplicidade dos museus e a uma marca de refrigerante estadunidense muito popular em Porto Rico, ao mesmo tempo que destaca como o poder e a presença dos EUA se baseiam na exploração colonial, na higiene social e na hierarquia racial, que se materializam na circulação de bens, pessoas e valores, e no recrutamento de antropólogos, missionários, fotógrafos e políticos para sustentar a matriz colonial.

Calel se destaca por uma poética sensível, atravessada por dimensões espirituais e rituais vinculadas à cosmovisão maia-kaqchikel. Suas obras propõem uma reflexão crítica sobre a marginalização das comunidades indígenas latino-americanas e questionam formas hegemônicas de produção, exposição e circulação de arte.

Histórias latino-americanas será uma coletiva internacional articulada em cinco núcleos. Essa ampla mostra investiga como a ideia de América Latina foi criada e disputada ao longo do tempo. A exposição parte dos processos de colonização, marcados por violência e extrativismo, e examina o papel do barroco e da invenção do paraíso tropical como regimes de imagens que difundiram o poder colonial, a fim de evidenciar como essas dinâmicas moldaram a modernidade na região e destacar contranarrativas e formas de contestação. A mostra considera a circulação de pessoas, bens e ritmos em processos de migração e diáspora que conectam a América Latina a outras geografias. Por fim, explora concepções indígenas sobre fim e renovação, convidando a imaginar futuros possíveis diante das crises do presente.

Laura Pausini anuncia a maior Turnê de sua carreira e fará o seu primeiro show em estádio no BrasilA cantora italiana mais influente e popular do mundo sobe ao palco da Mercado Livre Arena Pacaembu, em São Paulo, no dia 27 de fevereiro de 2027. o show faz parte da turnê mundial Io Canto/Yo Canto World Tour 2026/2027.

A exposição retrospectiva apresenta mais de 80 obras de Rosa Elena Curruchich, pintora autodidata indígena de origem Maya Kaqchikel. Curruchich foi neta do artista que deu início a uma tradição popular de pintura a óleo entre os Kaqchikel nos anos 1930. Sua obra se destaca entre as da primeira geração de pintoras mulheres dessa tradição pelo modo como trabalhou o legado pictórico do registro da vida cotidiana e das cerimônias de seu povo, com especial atenção aos huipil (vestuário feminino artesanal). A artista manteve sua prática em segredo, com medo de represálias, o que levou seu corpo de pinturas a ser marcado pelo pequeno formato para transporte discreto.

O artista Jesús Soto foi um dos nomes mais importantes da arte cinética, sendo um dos expoentes do modernismo latino-americano em um cenário global. Em suas obras, Soto introduziu a sensação de movimento e a participação do espectador, como em seus “Penetráveis”, além de incorporar fenômenos ópticos pela sobreposição de planos e transparências. Dissolvendo as fronteiras rígidas entre observador e obra, o artista contribuiu de maneira decisiva para o debate de questões teóricas que permanecem atuais, como as noções de imaterialidade, interação e virtualidade. A exposição destaca a produção de Soto entre o início da década de 1950 e o final dos anos 1980, período em que o artista se debruçou de modo mais experimental sobre as experiências ópticas, geométricas e interativas.

A exposição é a primeira no Brasil dedicada ao curta-metragem documental “TRANS” (1982), dirigido pelos artistas venezuelanos Manuel Herreros de Lemos e Mateo ManaureArilla, e estreado em 1983. Além da exibição do filme, a mostra reúne um conjunto inédito de materiais fotográficos relacionados à sua produção, apresentando as vidas, as subjetividades e os enfrentamentos de pessoas trans e travestis na cidade de Caracas no início da década de 1980. O trabalho retrata com sensibilidade questões urgentes, como a criminalização do trabalho sexual, a violência de gênero e a marginalização institucional. Na contramão de uma perspectiva distanciada, o filme propõe uma colaboração poética e política entre diretores e protagonistas, cujas relações de intimidade, vulnerabilidade e potência se refletem nas imagens.