Dopamine land propõe uma instalação multissensorial e imersiva, com espaços que mesclam diversão, tecnologia, cores e interatividade.

A ocupação homenageia a arte-educadora Ana Mae Barbosa. No total, a exposição se desdobra em 300 itens que passam pela sua biografia, que a levou a se tornar precursora da arte-educação no Brasil – a partir dos anos de 1950/1960, seguindo até hoje. Há documentação, materiais audiovisuais, livros disponibilizados para manuseio – só os publicados por ela, são mais de 30 –, obras, documentos nunca vistos, desenhos, catálogos, jornais, cadernos e curiosidades.A curadoria desta Ocupação, que é a 68a da série, é de Clarissa Diniz, pesquisadora, educadora e crítica de arte. A co-curadoria é da equipe Itaú Cultural e o apoio para a pesquisa curatorial é do também arte-educador Rodrigo Ferreira. O projeto expográfico é de Thereza Faria.Entre o material apresentado há documentos históricos, como a transcrição de palestra feita pelo educador Paulo Freire (1921-1997), a convite de Ana Mae, durante a Semana de Arte e Ensino na Universidade de São Paulo (USP), em 1980. Ele ficou perdido por décadas, tendo sido encontrado durante as pesquisas para esta exposição.

Exposição individual da artista Sallisa Rosa, artista que trabalha com o barro como matéria prima de suas esculturas. A mostra nos convida a sentir a terra como memória tátil, como corpo. Acionando temas como ancestralidade e território, podemos nos perguntar: quais são as intervenções que os corpos humanos têm feito com o corpo-Terra?

Vencedor do Concurso Internacional Clara Haskil, CRISTIAN BUDU recebeu prêmios como Instrumentista do Ano (APCA), Melhor Concerto do Ano (Guia da Folha) e entrou em duas listas Top 10 da Gramophone, que incluem nomes como Martha Argerich, Arthur Rubinstein, Dinu Lipatti, Murray Perahia e Maria João Pires. Ainda na Gramophone, é o único brasileiro, além de Nelson Freire, a figurar na lista Top 50 Greatest Recordings, um compilado de gravações de Chopin de toda a história. Já tocou recitais solo em grandes festivais europeus como Verbier e La Roque D'Antheron e foi solista de orquestras como a Sinfônica de Lucerna, Orquestra Suisse Romande, Orquestra de Câmara de Lausanne e Sinfônica da Rádio de Stuttgart.

Dez anos depois da estreia do sucesso Rita Lee Mora ao Lado, a atriz Mel Lisboa volta a interpretar a roqueira-mor em um musical inédito, desta vez inspirado na autobiografia da cantora. A peça passa por toda a vida de Rita e pelas canções que marcaram a música brasileira.

Pensando nas muitas possibilidades de encontros que a música brasileira e internacional nos permite, a Casa Natura Musical criou o projeto Frequências, um show duplo com artistas de diferentes cenas com a mesma sintonia.Apontados como um dos grandes destaques de 2024, a banda catarinense Adorável Clichê apresenta o show do seu segundo álbum, sonhos que nunca morrem, lançado pela Balaclava Records e eleito um dos 50 melhores lançamentos do ano pela APCA (Associação Paulista dos Críticos de Artes).Criada em 2020 pelos produtores Diego Vargas (teclado/synth), Guilherme Cunha (baixo), Lucas Teixeira (bateria) e Marina Reis (vocal), a banda PLUMA abriu seu espaço na cena indie brasileira com o EP Mais do Que Eu Sei Falar, composto por quatro faixas autorais e divulgado em setembro daquele ano.

Exposição individual da artista Celina Portella, intitulada "Uma, nenhuma e cem mil". A mostra reúne um conjunto inédito de trabalhos em vídeo, fotografia, gravura e instalação, aprofundando as investigações da artista sobre corpo, matéria e percepção — agora, também com ênfase na fragmentação da imagem e seu ocultamento. O título remete ao romance de Luigi Pirandello que conta o impasse existencial de um sujeito que se vê dividido entre a imagem que tem de si e as múltiplas imagens projetadas sobre ele pelo olhar do outro. Assim como na obra literária, a artista parte do princípio que cada imagem é, na verdade, um reflexo das subjetividades alheias – e é precisamente esse jogo de percepções que constitui o cerne de sua investigação. Ao ocultar o rosto em diversas obras, a artista retira da figura a sua marca mais evidente de identidade, abrindo espaço para leituras que ultrapassam o autobiográfico. Celina tem interesse por um corpo-sem-identidade, capaz de representar muitos outros. Em vez de afirmar uma individualidade fixa, ela opera uma dissolução do eu em multiplicidade: o corpo como um campo fluido, dividido entre o um, o nenhum e os cem mil.

Exposição individual de Felipe Góes. Com texto curatorial de Renata Rocco, a mostra reúne o conjunto de 8 pinturas que evocam paisagens em constante formação, erosão e reinvenção.O ponto de partida conceitual da exposição emerge do encontro entre a obra do poeta Manoel de Barros (1916-2014) e o fenômeno natural que originou Surtsey — ilha formada no Atlântico sul da Islândia em decorrência de uma erupção vulcânica entre 1963 e 1967. Desde a erupção, Surtsey vem sendo moldada pela erosão dos ventos e do mar, que já reduziu a ilha a quase metade de suas dimensões, em um ciclo contínuo de feitura e desfazimento. Esse processo ressoa diretamente no gesto pictórico de Góes: camadas sucessivas de tinta cobrem parcialmente tentativas anteriores de forma, revelando e ocultando memórias, fantasias e construções imagéticas. Nesse sentido, a exposição dialoga com a poética de Manoel de Barros, poeta brasileiro do século XX cuja obra se debruça sobre a reinvenção do olhar para o mundo ordinário.

Em homenagem ao artista Cassio Michalany (1949-2024), a exposição celebra sua trajetória um ano de seu falecimento, ocorrido em 04 de julho de 2024. A exposição conta com cerca de 36 obras, que datam de 1960 a 2020, sendo que, muitas delas, são inéditas ao público.A mostra nasce do desejo de compartilhar com o público não apenas a força plástica de sua obra, que explora cores, texturas e formas geométricas, mas também os vínculos pessoais, afetivos e artísticos que nos unem a ele. Mais do que uma retrospectiva, a exposição é um reencontro com a obra e a memória de um artista que soube, como poucos, silenciar o excesso e fazer da cor um acontecimento. Obras dos colecionadores Augusto Livio Malzoni, José Olympio da Veiga Pereira e Walter Appel foram emprestadas para o evento.Em sua produção, o artista parte da crítica à pintura como representação do mundo e volta-se às questões relativas ao espaço, cor, brilho e matéria. Suas primeiras obras mais significativas, realizadas entre 1979 e 1980, são pintadas sobre lona crua, apresentando áreas regulares e autônomas. Em 1983, realizou quadros monocromáticos. Durante a década de 1990, passa a apresentar, em suas séries, a permutação de faixas de cor.

Jean Tassy apresenta o show "Acrônico" na Casa Natura Musical. O artista, cantor, compositor e músico é natural de Brasília. Com um toque de brasilidade no NeoSoul e no R&B Contemporâneo, apresenta um som original, com grande versatilidade, flertando com diferentes gêneros musicais. Em seu segundo álbum intitulado "Acrônico", traz feats com nomes da música atual como Liniker, Don L, Wiu, Duquesa e Yago Oproprio. Jean expressa o processo de amadurecimento pós-pandêmico, onde busca lidar com suas sombras e se depara com máscaras sociais e dilemas internos, até o contato com sua essência, agora vivendo o contra-fluxo SP - BSB.

A galeria apresenta uma exposição coletiva com 16 artistas de diferentes nacionalidades, que se estrutura ao redor do conceito de circularidade. As obras, em sua maioria inéditas, selecionadas pela artista, fotógrafa e curadora Renata Siqueira Bueno criam uma dança sutil e atemporal, conduzida pela memória, pela emoção e pelas associações espontâneas entre materiais e poéticas. O protagonismo, em termos de suporte, recai sobre o papel — seja em fotografia, colagem, gravura, monotipia ou desenho — como superfície sensível e plural, que acolhe gestos diversos e revela afinidades inesperadas. Artistas participantes: Caio Pacela, Feco Hamburger, Kika Levy, Alex Červený, Anônimo, Athos Bulcão, Bárbara Paz, João Zocchio, Julio Villani, Leda Catunda, Lourdes Castro, Luciana Maia Rosa, Marina Sheetikoff, Paola Junqueira, Peter Handke e Renata Siqueira Bueno.

Em sua sede localizada na Vila Modernista, a Superfície apresenta a individual de Gerty Saruê. Com 14 desenhos em bastão oleoso, a mostra resgata o texto da professora e historiadora da arte Maria Izabel Branco Ribeiro escrito em 1993, na ocasião da exposição da artista no MAC USP, que trazia uma parte do conjunto de desenhos.Gerty Saruê nasceu na cidade de Viena, Áustria, em 1930, e se mudou para São Paulo na década de 1950, onde acompanhou o crescimento desenfreado da metrópole. Desde o início de sua produção, nos anos 1960, o contexto urbano, a cultura de massa e a sociedade industrial assumem papel fundamental e estruturante no seu fazer artístico.A obra de Gerty Saruê acompanha, ao longo dos anos, uma linha historiográfica dos meios de reprodução da imagem: tanto a técnica quanto as temáticas de seu trabalho refletem o pensamento gráfico e as possibilidades tecnológicas de diferentes épocas, em compasso com os progressos da atividade industrial .

A banda de reggae Natiruts faz sua tour de despedida “Leve com Você” por todo Brasil.

Segunda edição do programa do museu dedicado a revisitar e propor novos olhares sobre o seu acervo. Para esta edição, a a exposição reúne obras dos artistas Eustáquio Neves (Juatuba, MG, 1955) e Zimar (Matinha, MA, 1959), este último com produção recentemente incorporada ao acervo do museu. A mostra propõe um encontro potente entre linguagens distintas, mas igualmente comprometidas com a experimentação, a artesania e a investigação sobre memória, corpo e território. Fotógrafo mineiro com formação em Química Industrial, Eustáquio Neves desenvolve uma poética visual que rompe os limites da fotografia tradicional. Manipula negativos analógicos com processos químicos e intervenções manuais, como pintura e desenho, criando imagens densas, texturizadas, que evocam a materialidade da memória.Do outro lado, Zimar apresenta suas impressionantes caretas de cazumbás — máscaras feitas com materiais reaproveitados, como capacetes, ossos, papel machê e borracha, que dão forma a figuras enigmáticas do Bumba meu boi maranhense.

Joyce Alane é um dos destaques da nova cena da musica brasileira. A artista recifense tem entre seus sucessos “Idiota Raiz (Deixa ir)”, que ganhou feat com João Gomes, e “Apartamento 204”. Indicada a prêmios de destaque, como o Prêmio Multishow 2023, onde representou o nordeste na categoria Brasil, a artista colhe os frutos da projeção para um rico mercado nacional.

“Turbilhão” intitula a individual do artista Solly Kamkhagi na MITS Galeria. Artista de origem judaico-libanesa, Solly tem uma trajetória que atravessa mais de seis décadasde prática em desenho, pintura e escultura. Para a mostra, ele apresenta 10 telas, sendo nove inéditas.Radicado no Brasil desde 1968, o artista desenvolveu uma linguagem profundamente marcada pelo rigor técnico de sua formação clássica, que foi aprimorada por sua vivência no Brasil.A mostra, que tem curadoria de Khadyg Fares, é um novo capítulo na vida do artista que, sem amarras ou vícios, apresenta frescor aos 85 anos em obras comprometidas com a liberdade pictórica.

O multiartista Tadeu Jungle apresenta a mostra “TUDO PODE (perder-se)” no Centro Cultural Fiesp - Espaço de Exposições, nos Jardins, em São Paulo. Curada por Daniel Rangel, é a primeira exposição retrospectiva e prospectiva do multiartista - que completa 45 anos de produção, que é um herdeiro da poesia concreta e um dos precursores da videoarte no País. O espaço será ocupado por obras que se dividem em poética verbivocovisual, incluindo peças originais dos anos 80 e trabalhos, especialmente concebidos para a exposição. São instalações de suportes e técnicas variadas, relacionadas ao universo das artes visuais e da comunicação de massa e ainda uma série de vídeos, relacionada com sua produção de videoarte.

A companhia do Teatro Oficina apresenta uma montagem de Os Sete Gatinhos, texto clássico de Nelson Rodrigues. A peça se passa em um ambiente tenso, onde os membros da família revelam suas verdadeiras faces.Nelson Rodrigues sintoniza a hipocrisia das relações no núcleo colonial originário: A Família, Instituição patriarcal secular herdada de geração em geração, e nos convida a olhar pras suas entranhas.O teatro se transforma em um cenário de traições e revelações terríveis que culminam em um crime brutal.

Fenômeno da internet, com mais de 3 bilhões de visualizações de seus vídeos nas redes sociais, Lucas Cunha chega aos palcos com um espetáculo de humor leve e criativo. Lucas Cunha Show tem o melhor da comédia improvisada, um stand up comedy totalmente diferente de tudo que você já viu, que transforma o palco em um verdadeiro Game Show onde a plateia tem um papel fundamental em dinâmicas interativas, sugerindo temas e participando para construir cenas na hora.

Exposição individual da artista portuguesa Joana Vasconcellos. A mostra reúne obras inéditas no Brasil de uma das vozes mais influentes da arte contemporânea internacional, cujo trabalho é marcado por esculturas de tamanhos monumentais que se apropriam de objetos e tecidos do cotidiano.A sala principal da galeria apresenta Valkyrie Léonie , uma escultura monumental suspensa que integra a icônica série das Valquírias, desenvolvida por Joana Vasconcelos desde 2004. A série constitui uma reinterpretação profunda e contemporânea do mito nórdico das valquírias — virgens guerreiras encarregadas de conduzir os heróis caídos em batalha até Valhalla. As esculturas, de contornos enigmáticos, fundem elementos têxteis e tecnológicos, revelando uma linguagem visual que transita entre o universo mitológico e a história contemporânea.Entre o monumental e o íntimo, entre a mitologia e o presente, a exposição convida o público a uma experiência onde arte, história e imaginação se entrelaçam.

Exposição individual de Hiroshi Sugiro (Nagoya, 1970), com pinturas produzidas em 2025. Esta é a quarta vez que o artista expõe em São Paulo, após três mostras na galeria no início dos anos 2000.Sugito é conhecido por suas pinturas etéreas, que trazem referências do Nihon-ga, a tradição japonesa onde ele se formou. Definidas por camadas de pigmento e uma paleta suave e nebulosa com tons ácidos, suas composições são moldadas pelo ambiente — dos gestos do artista ao clima e os processos diários de ateliê — tornando-se recipientes que absorvem o que está fora da imagem. Suas composições frequentemente apresentam motivos e formas recorrentes que fazem alusão a paisagens ou naturezas-mortas, habitadas por formas esvoaçantes que lembram velas e canoas, casas, construções enviesadas e cortinas.

A Fortes D’Aloia & Gabriel apresenta Esculturas com Vento, exposição individual de Erika Verzutti. Nesta mostra, Verzutti expõe suas séries em andamento — ou “famílias” — a ventos conceituais que distorcem e remodelam suas formas escultóricas. Essas novas obras se relacionam com uma atmosfera carregada, como se condições turbulentas testassem os limites de suas formas e estruturas.Nos últimos anos, a artista tem reorientado suas esculturas totêmicas e alongadas na horizontal, como se estivessem repousando, em estado de exaustão, sobre blocos de jornais envoltos em resina. Aqui, elas enfrentam novas pressões externas e ressonâncias internas. Enquanto obras anteriores sugeriam um colapso sob o peso da informação e da sobrecarga sensorial contemporâneas, a disposição formal e a organização espacial das novas peças de Verzutti conferem a elas um caráter resiliente, como se reagissem à crise com maleabilidade, testando sua resistência à deformação.

A galeria Simões de Assis apresenta uma individual do artista Manfredo de Souzanetto. A mostra reúne 16 obras produzidas entre os anos 1970 e 2025, além de uma instalação de piso e uma vitrine com estudos e pigmentos naturais utilizados pelo artista.A seleção inclui trabalhos centrais das décadas de 1970 e 1980, ao lado de obras realizadas a partir dos anos 2000 e dois trabalhos de 2025. Estão presentes pinturas que articulam formas orgânicas e geométricas em composições que misturam referências à arquitetura e à paisagem.Parte dos trabalhos apresentados tensiona os limites entre pintura e escultura.Desde os anos 1980, Souzanetto emprega pigmentos naturais misturados à resina acrílica. O material é extraído de regiões de Minas Gerais, muitas vezes em minas abandonadas, onde o solo é rico em minerais como óxidos de ferro e alumínio. Além disso, o artista incorpora madeira, pedra e metal em sua produção.

A galeria apresenta TERRA, uma curadoria de Moacir dos Anjos e Priscyla Gomes acerca de artistas e obras que têm a terra como suporte moldável ou que a exploram em suas dimensões poéticas e políticas. Com mais de setenta obras – entre pinturas, cerâmicas, fotografias, esculturas, vídeo e instalação – TERRA ainda inclui um núcleo documental composto por publicações históricas disponíveis para leitura. Voltados principalmente à questão indígena no Brasil, estes documentos são compostos por duas reportagens fotográficas de Claudia Andujar publicadas em edições da revista Realidade, que circulou em território nacional entre 1966 e 1976; a célebre série “Os donos da terra”, do fotógrafo francês Jean Manzon, publicada em 1947 na revista O Cruzeiro; o fotolivro Amazônia (1978), de Claudia Andujar e George Love; e o emblemático livro Xingu: território tribal (1979), com fotografias de Maureen Bisilliat e textos de Orlando Villas-Bôas e Cláudio Villas-Bôas sobre as comunidades indígenas do Xingu.

O Festivalzinho, primeiro festival brasileiro concebido para unir pais e filhos em um mesmo ambiente, com programação para todas as idades, realiza sua segunda edição em 26 de julho, mês das férias escolares.O evento contará novamente com dois palcos e apresentações intercaladas, possibilitando que as famílias vivam juntas cada experiência. O line up será formado por: Nando Reis, Toni Garrido, Roberta Sá, Maria Gadú, Mãeana, Mundo Bita, Trupe Trupé, Show da Luna, Era uma vez MPB e Beatles para crianças.

O Instituto de Arte Contemporânea-IAC apresenta a exposição "Modus Operandi” da artista Regina Silveira na Consolação, em São Paulo.A mostra - que tem curadoria Agnaldo Farias - professor da FAU-USP e crítico de arte, apresenta os processos criativos e desenvolvimento de algumas de suas obras de diferentes períodos, além de maquetes, desenhos preparatórios e mesmo documentários em vídeo. O conjunto ocupa duas salas expositivas e a área do café da instituição. Alguns dos trabalhos expostos no IAC já foram vistos no Brasll, mas outros foram obras site-specific, instaladas temporariamente em outros países como Bélgica, Estados Unidos, México, Chile e Japão.

O Sesc Santo Amaro recebe temporada de Turma da Mantiqueira, o projeto criado por Beto Andreatta, diretor da companhia de teatro da Pia Fraus e Ricardo Prato, fundador do Estúdio Canto da Coruja, é inspirado no ambiente da Serra da Mantiqueira, combinando música, arte e educação ambiental, com o objetivo de conscientizar as crianças, sobre a importância de proteger a biodiversidade da Serra da Mantiqueira, um dos ecossistemas mais abundantes do Brasil. As composições são uma homenagem ao local e um alerta sobre a preservação da sua fauna e flora, de forma lúdica. Os arranjos, cenários e bonecos foram criados com o objetivo de serem educativos e interativos, promovendo a participação das crianças. O espetáculo conta com a participação especial de Lu Lopes, a Palhaça Rubra, que canta junto a banda, músicas de sua autoria e com interação durante todo o show, com o público, além das crianças convidadas, Flora, Clara e Violeta, filhas dos artistas envolvidas no projeto, que gravaram músicas inéditas, lançadas nesse projeto.

Em “Lugar Nenhum” tudo é preto e branco. Lá todo mundo é igual. Até que nasce Augusto, um menino colorido que faz um barulho esquisito e desconhecido por todos. Diferente naquele lugar, Augusto terá que enfrentar um mundo cruel e intolerante. Será que Augusto desistirá de ser ele mesmo para se enquadrar no que querem e esperam dele?“O menino de Lugar Nenhum” é um espetáculo infantil, com músicas e dramaturgia autoral do Teatro de Panela. Misturando a linguagem do teatro de bonecos e a interação com personagens farsescos, o espetáculo narra a história de um menino colorido que nasce em um mundo preto e branco. Com direção de Ivan Parente, a peça trata de temas como preconceito e aceitação, mostrando de forma lúdica a importância de ser o que se é e enxergar a beleza na diversidade.

A peça reconstrói a história viva de um dos grupos mais revolucionários do teatro brasileiro. Em tempos de censura e repressão, eles criaram liberdade com seus próprios corpos. Cinquenta anos depois, a verdadeira história dos Dzi Croquettes volta aos palcos com esse espetáculo que mergulha nos bastidores de um dos coletivos artísticos mais provocativos e inovadores do país. Fundado em 1972 por Wagner Ribeiro e Lennie Dale, o Dzi Croquettes não apenas desafiou o regime militar, mas também expandiu as fronteiras da arte brasileira, ao combinar teatro, dança e música em uma linguagem cênica que atravessou gerações. Mais do que relembrar um sucesso de público, o espetáculo revela a complexidade da vida em comunidade, a coragem diante da censura e o legado afetivo de uma geração que ousou sonhar e lutar.

Dan, um escritor, socorre Alice de um acidente que ela acabou de sofrer na rua e imediatamente ambos sentem uma forte atração. Nesta época, ele estava em início de carreira e escrevia obituários para um jornal, enquanto ela saiu de sua cidade para fugir de uma relação que não deu certo. Os anos passam e Dan finalmente escreve um livro, que relata sua relação com Alice. É produzindo uma foto para a capa que ele conhece Anna, uma fotógrafa de sucesso, e se impressiona com a beleza dela imediatamente, mas não é correspondido. Dan fica tão obcecado por Anna, que segue sua rotina e chega ao ponto de fingir ser ela num chat na internet e marca um encontro com um tal dermatologista, Larry. Ele escolhe o lugar preferido de Anna. Por coincidência do destino Anna e Larry acabam juntos. Entre encontros e desencontros, ciúmes e amor, os quatro personagens são tomados por desejos e anseios. Eles se conectam e as relações se revelam rodeadas por mentiras e traições sob o nome de paixão.

Exposição em homenagem ao centenário de Antônio Poteiro. Com curadoria de Marcus de Lontra Costa, a mostra reúne 53 obras, entre pinturas e esculturas, que abrangem diferentes fases da carreira de Antônio Poteiro (1925-2010).Antônio Poteiro já era um ceramista conhecido quando começou a pintar, incentivado por nomes como Siron Franco e Cléber Gouvêa. Seu trabalho logo se destacou pelo uso vibrante das cores, composições densas e temas ligados ao cotidiano brasileiro – com ênfase na religiosidade, nas festividades populares e na vida rural. Autodidata, o artista construiu uma obra autêntica e original.

A exposição coletiva investiga perspectivas de artistas de diferentes origens sobre a experiência da noite, com seus mistérios, personagens e ritos. Em cada um dos sete núcleos, a mostra percorre o assunto através de diferentes abordagens, desde um viés social, com reflexões sobre os impactos da modernização nas cidades no século 20, até uma narrativa mais fantástica e imaginativa.Em “Tecendo a manhã” a experiência da noite se apresenta como um problema artístico para refletir sobre vivências individuais, que aparecem, por exemplo, nas representações de sonhos e pesadelos, e coletivas, que dizem respeito a formação histórica e social do país. Atividades de lazer, surgimento de novas profissões, vivências na cidade figuram em obras emblemáticas, muitas delas expostas pela primeira vez.

Pensado para crianças de até 3 anos, o espetáculo Scaratuja conduz o público por um universo de linhas que se expandem em muitas direções.A peça com Aline Volpi e Vladimir Camargo faz uso da linguagem não verbal, explora a expressão do corpo para se comunicar com os bebês, criando assim interatividade durante a apresentação. Além estimular o crescimento cognitivo e expressivo das crianças.Férias em família

Na Sala de Vídeo do edifício Pina Luz, Bárbara Wagner e Benjamin de Burca apresentam a obra Estás vendo coisas (2016).Apresentado na 32ª Bienal de São Paulo, Estás Vendo Coisas / You Are Seeing Things investiga a paisagem social e profissional da música Brega no Recife. A indústria dos videoclipes atua como catalisadora de uma ideia de futuro marcada pelo desejo de sucesso, moldado pelas dinâmicas do capitalismo. O filme observa esse universo em que a autorregulação e a manipulação da imagem desempenham um papel central na construção da voz, do status e da identidade de uma nova geração de artistas populares.

Partindo de um repertório ligado à abstração geométrica e aos ativismos de gênero e sexualidade, Ad Minoliti propõe um novo modelo de educação artística, transformando a sala expositiva em um espaço de aprendizado teórico-prático.A oitava edição da Escola Feminista de Pintura foi pensada como um site-specific para a Galeria Praça, espaço que já foi uma sala de aula.Ao entrar na Grande Galeria, o público tem acesso ao manifesto da Escola Feminista de Pintura, em diálogo com um conjunto de obras abstratas do acervo da Pinacoteca, feitas por artistas mulheres que tiveram destaque no Brasil desde os anos 1950 até a atualidade. No espaço, estão obras de Lygia Pape, Judith Lauand, Maria Bonomi, Mira Schendel, Moussia Pinto Alves, Rebeca Carapiá e Tomie Ohtake.

A Botija, Um Pequeno Inventário de Histórias Fantásticas do Nordeste Brasileiro estreou em 2024, em formato de contação de histórias, e, ao longo do ano, foi apresentado em bibliotecas públicas da cidade de São Paulo, centros culturais e áreas de convivência de Sescs no estado. No Itaú Cultural, o projeto se apresenta pela primeira vez como espetáculo teatral, com cenografia, desenho de luz e dramaturgia inéditos. Dirigido pelos atores Jhoao Junnior e Maria Rosa, que entram em cena ao lado da musicista Elaine Silva, o espetáculo tem como inspiração a literatura oral da região e acompanha o encontro de três irmãos, que retornam da cidade grande para o quintal de sua avó, no sertão nordestino, em busca da botija de ouro sobre a qual ela sempre falava quando eles eram pequenos.

Giacomo Puccini e Richard Strauss foram os dois compositores de ópera mais influentes do final do século XIX e início do XX. Embora antagônicos em suas concepções dramatúrgicas e composicionais, Puccini e Strauss – que chegaram a se cruzar e apreciar o trabalho um do outro – representaram o auge das artes em seus países, a Itália e a Alemanha.Nesta ocasião especial, teremos uma estreia histórica no Theatro Municipal de São Paulo: pela primeira vez em nosso palco e na América Latina, será apresentada a ópera Friedenstag (Dia de Paz), de Richard Strauss. Ao lado dela, outra raridade: Le Villi (As Fadas), a primeira ópera de Puccini, formando um double bill exclusivo com duas óperas de um ato.Le Villi, com libreto de Ferdinando Fontana, é inspirada em lendas eslavas sobre espíritos vingativos de jovens traídas no amor. Estreada em 1884, carrega influências do estilo composicional de Amilcare Ponchielli, mestre de Puccini, trazendo uma atmosfera quase mística, distinta das obras seguintes do compositor. A trama é a mesma do famoso balé Giselle, de Adolphe Adam: uma jovem de coração partido transforma-se em uma criatura sobrenatural que se vinga de seu amante infiel, forçando-o a dançar até a morte. Embora não tenha sido bem-recebida no concurso para o qual foi composta, o concurso de Sonzogno, a ópera foi aclamada por críticos que viram em Puccini uma promessa para a ópera italiana.

Em latim, Circumambulatio quer dizer andar em torno de. Foi o título escolhido para dar nome ao trabalho desenvolvido por Anna Bella Geiger com um grupo de alunos do Setor de Integração Cultural do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, em 1972. Classificada como um ambiente ou instalação, Circumambulatio é o que se chama na história da arte de obra processual, ou seja, um trabalho vivo, resultado de uma ação que permanece em aberto, podendo sofrer modificações e acréscimos ao longo do tempo. A montagem apresentada aqui reúne as peças (diapositivos, sons, fotografias e papéis manuscritos) que compuseram a versão original da instalação mostrada pela primeira vez, em 1972, no MAM RJ. No ano seguinte, por iniciativa de Walter Zanini, então diretor do MAC USP, a obra foi exibida e comprada pela instituição. Essa é a primeira vez que o museu remonta a instalação, desde 1973.

Continuação de Os Três Porquinhos, nessa nova história, o Lobo Mau reinventa seus planos para conseguir entrar na casinha de tijolos e, desta vez, conta com a valiosa ajuda de sua Mamãe Loba. o espetáculo, que conta com muita interatividade, aborda o bullying que o Lobo Mau sofre na escola, tratando sobre a compreensão e o respeito às diferenças.

O Teatro Oficina recebe Senhora dos Afogados, de Nelson Rodrigues, com direção de Monique Gardenberg. Escrita em 1947, é um mergulho denso no inconsciente familiar — uma tragédia brasileira em forma e espírito, marcada por paixões, mortes, desejos incestuosos e pela atmosfera fantasmagórica de uma sociedade à beira do colapso.Nesta encenação, o espaço cênico é atravessado por elementos audiovisuais, trilha original e ambientações sensoriais. Um coro de “putas do cais”, evoca Zé Celso, reforça o clima onírico e alucinatório da narrativa.Ambientada em uma casa à beira-mar, onde o oceano é mais que cenário — é extensão simbólica da psique familiar — a peça propõe um mergulho nos limites entre realidade e delírio, desejo e culpa. A casa, impregnada de sal, luto e memória, torna-se um organismo vivo: respira com as marés, ecoa as vozes silenciadas, e revela as camadas subterrâneas de uma família dilacerada.

Ao revirar um sótão repleto de cenários e figurinos antigos, um casal de irmãos resolve encenar a história de João e Maria. O espetáculo usa a própria peça para mostrar um pouquinho da arte do teatro e o público pode ver o elenco se maquiar e trocar de figurino entre uma cena e outra. A história dos irmãos abandonados na floresta é transportada aos tempos atuais. João e Maria brincam em um sótão com adereços antigos e a aventura começa quando a dupla passa a adaptar clássicos infantis. Além de encontrar uma bruxa que apresenta um programa na internet e mora em uma casinha de doces, cruzam com diversos personagens clássicos da dramaturgia infantil. Através dessa aventura emocionante, o clássico ganha, nas mãos da premiada Pitty Webo, uma divertida adaptação voltada para toda família, com canções conhecidas pelos pais, entre elas Ovelha Negra de Rita Lee, História de uma Gata de Chico Buarque - que são interpretadas ao vivo pelo elenco.

O leão Alex é o rei da selva urbana e a estrela do zoológico de Nova York, onde vive com seus melhores amigos: a zebra Marty, a girafa Melman e a hipopótamo Gloria. Com refeições regulares e uma plateia animada, a vida em cativeiro parece perfeita – pelo menos para Alex. Mas Marty, insatisfeito com a rotina, anseia por aventuras além das grades. Tomado pelo desejo de liberdade, ele decide fugir, contando com a ajuda dos astutos pinguins. Sua fuga desencadeia uma série de eventos inesperados, envolvendo uma missão de resgate por seus amigos, que embarcam em uma jornada cheia de aventura e surpresas. Do coração de Nova York às praias de Madagascar, o grupo se depara com novos desafios, amizades inesperadas e descobre o que realmente significa estar em casa.

O espetáculo O Avesso da Pele é a montagem teatral do premiado romance escrito por Jeferson Tenório. A história é contada por Pedro, que tem na morte do seu pai – um professor de escola pública assassinado voltando para casa depois da aula, numa desastrosa abordagem policial – o ponto de partida para uma investigação do passado.Em cena, os quatro atores se alternam entre os personagens, em um movimento em que todos serão pai e filho em algum momento. O cenário é o apartamento de Henrique, no qual Pedro, após o assassinato, observa os objetos ali presentes e os utiliza como ponto de partida na recuperação da história de seu pai.

"O Papel de Parede Amarelo e Eu" é uma adaptação contemporânea de uma obra pioneira de 1892, que até hoje ressoa profundamente ao confrontar as complexas relações de poder entre homens e mulheres. A história se desenrola através dos olhos de uma mulher diagnosticada com depressão e histeria, forçada por seu marido, um médico, a se isolar em uma casa para evitar qualquer esforço físico ou mental. Durante esse isolamento, ela desenvolve uma obsessão com o papel de parede amarelo de seu quarto, um símbolo de sua crescente confusão mental e angústia.A obra revela não apenas as tensões psicológicas da protagonista, mas também o contexto social que limita sua liberdade e identidade, desafiando as normas da época sobre o papel da mulher. Ao mesmo tempo, a peça expõe, com uma linguagem poética moderna e realista, a luta interna dessa mulher, refletindo sobre as questões de gênero e o poder nas relações maritais.A História mantém uma profunda atualidade ao refletir sobre os desafios enfrentados pelas mulheres e o avanço de suas lutas. Um espetáculo de forte simbolismo, que ilumina os dramas pessoais e o triunfo artístico sobre as adversidades.

Com proposta diferente e inovadora, "Watchatchá - uma viagem pela ciência" estreou no dia 07 de janeiro de 2009 no Teatro Folha, no Shopping Pátio Higienópolis e foi sucesso absoluto. Produzida pela Mad Science e dirigida por Marcelo Klabin, o espetáculo-show é uma forma lúdica de tratar de Ciência com crianças e adultos, e conta com a participação ativa da plateia, do começo ao fim. Aparentemente, vamos assistir a uma aula sobre as leis científicas. Mas logo somos transportados para o universo da Ciência, onde dois cientistas malucos e pouco convencionais criam efeitos aparentemente mágicos - todos explicados durante a peça - para demonstrar como a ciência está presente no nosso dia-a-dia. Experimentos fantásticos, como uma bola que sobrevoa a plateia, bolhas de sabão cheias de fumaça, vôo do avião, máquina geradora de vórtice e o incrível galão de fogo. Esses e outros números divertidos mostram às crianças e aos adultos que por todo lado estamos cercados de Ciência.

A Galeria Marcelo Guarnieri apresenta, “Fermata Erótica”, terceira mostra do artista José Carlos Machado (Zé Bico) em sua unidade de São Paulo. A exposição reúne um conjunto de 27 esculturas realizadas durante os últimos três anos e outras 9 realizadas entre os anos de 2020 e 2021, exibidas pela primeira vez. A partir da força magnética dos ímãs, Zé Bico dá continuidade à sua investigação sobre o equilíbrio e a instabilidade, explorando, através de objetos em chapa metálica, ferro, aço, feltro e areia, as tensões entre a força gravitacional e a matéria. A exposição conta com texto de apresentação do artista e curador Rafael Vogt Maia Rosa.Ter trabalhado por tantos anos com ímãs na produção de suas obras permitiu a Zé Bico desenvolver uma prática baseada em movimentos sutis, de cálculos exatos, gerados não por métodos teóricos, mas sim empíricos. Em “Fermata Erótica”, o artista apresenta peças em diferentes escalas e alturas, contrapondo a dureza e a ortogonalidade de blocos e cilindros de ferro ao movimento curvo das fitas metálicas. Firmes em suas bases, essas esculturas relacionam-se com o espaço através dos vazios contornados por linhas sinuosas e formas abauladas que remetem ao símbolo da fermata.

O palhaço Jeremias e o palhaço Foguinho se encontram mais uma vez para apresentar suas peripécias com histórias clássicas do palhaço brasileiro: a caçada, o barbeiro, a pulga saltitante, o telepata, a abelha abelhinha e muitas outras ancoradas na tradição do Circo Brasileiro. O espetáculo é composto por entradas, reprises e gags tradicionais. É um resgate cultural e uma homenagem aos palhaços de circo: Arrelia, Pimentinha, Carequinha, Torresmo, Piolin e muitos outros.

A Superfície inaugura a exposição individual que apresenta a produção de um dos principais expoentes da arte conceitual nacional e das práticas ambientais. Com curadoria de Diego Matos, a mostra constrói um panorama da obra de Luiz Alphonsus, tanto em termos históricos quanto poéticos, permitindo atualizar e restabelecer sua relevância histórica.Natural de Belo Horizonte, Luiz Alphonsus mudou-se para o Rio de Janeiro aos sete anos, em 1955, lugar onde vivenciou a infância. Anos depois, foi com a família para Brasília, onde morou entre 1961 e 1969. Neste ano, voltou e se estabeleceu em definitivo no Rio de Janeiro, onde firmou-se como artista próximo à comunidade artística que vivenciava o Museu de Arte Moderna do Rio (MAM Rio). Fotógrafo, pintor, escultor e artista multimídia, a obra de Luiz Alphonsus é marcada pelas formações geológicas e situações político-geográficas de seus arredores, além de uma preocupação em construir um entendimento poético da ideia de espaço (espaço como lugar ou espaço como cosmos).

3030, o trio formado por LK, Rod e Bruno Chelles comemora mais de uma década de trajetória com um repertório que mescla faixas do recém-lançado Voz e Violão (2024) e os sucessos do clássico 3030 Acústico (2016).O 3030 cravou o seu nome no concorrido cenário hip hop nacional ao incorporar elementos da MPB, do samba, do jazz e do reggae em suas composições, que ganham muita desenvoltura em ao vivo. No repertório, canções atuais – como “Mundo Gira” e “Manhã de Sol” – deverão dividir espaço com os grandes hits da banda, como “Foda que Ela é Linda” e “Preciso Saber”, todas executadas de forma intimista e repletas de boas vibrações.

Raphaël Zarka volta ao Brasil para apresentar Gnomonic Woods, sua segunda exposição na Luciana Brito Galeria. A mostra reúne obras que demonstram importantes aspectos da pesquisa do artista e alguns desdobramentos desde sua primeira mostra, em 2013, por meio de um conjunto de esculturas e xilogravuras, além de uma pintura de parede pensada exclusivamente para a ocasião da mostra.O artista francês parte do experimentalismo teórico e científico para embasar sua pesquisa artística, que recai principalmente sobre a potencialidade escultórica dasestruturas, como volumes e geometrias, bem como suas histórias e contextos, influenciado pela arquitetura, urbanidade, além das histórias da arte e da ciência. Oartista apresenta um interesse especial pela geometria, linguagem comum a vários diferentes campos (como a arte, a ciência e o técnico), inclusive a objetos feitos pelohomem, em particular aqueles que foram esquecidos ou negligenciados.

A galeria apresenta a primeira individual da artista carioca Dani Cavalier (Rio de Janeiro, 1993). Com textos críticos assinados pelo curador Tomás Toledo e pela historiadora da arte Isabel Carvalho, a exposição marca o início da representação da artista pela Galatea.Reunindo um conjunto de obras inéditas, a exposição apresenta a pesquisa que Cavalier tem desenvolvido nos últimos anos em torno do conceito de “pinturas sólidas” — composições feitas com retalhos de tecidos reaproveitados da indústria da moda que operam entre pintura, escultura e instalação. Em vez de tinta e pincel, a artista utiliza retalhos coloridos de Lycra, tecido com o qual se familiarizou a partir da sua antiga marca de moda praia, a Aro SwimWear.Os recortes de lycra que envolvem o chassi criam tramas, texturas, justaposições e blocos de cor que desestabilizam a ideia tradicional de superfície pictórica e composição.

Após 8 anos, Nicolas Jaar retorna ao Brasil em um show realizado com a festa eletrônica GOP TUN. A noite também contará com a apresentação do violinista Eli Wewentxu.

Exposição individual da artista Marina Weffort, sua obra produz uma reconfiguração cinética da lógica construtiva e escultórica dos tecidos, transitando entre desenho e escultura em estruturas suaves, móveis, contornadas e geométricas. Ao desfiar os tecidos fio a fio, Marina apresenta as fibras soltas como relevos suaves e de fácil movimentação, em contraste com seus desenhos-pinturas-impressões de gesso e grafite sobre tela, também em exposição na galeria.

A Casa Seva, espaço dedicado à arte, cultura e sustentabilidade apresenta a exposição “Uma Transa AntárticAmazônica”, com obras do fotógrafo e cineasta Jorge Bodanzky e do historiador e fotógrafo João Paulo Barbosa. A mostra reúne 21 trabalhos que atravessam décadas de expedições e contemplações dos artistas em dois dos territórios mais emblemáticos do planeta: a Amazônia e a Antártica.Bodanzky e Barbosa propõem uma reflexão visual sobre a interligação de ecossistemas aparentemente distantes, mas que compartilham os impactos das ações humanas. A partir de recortes temporais e geográficos, os artistas apresentam uma narrativa que flerta com o apocalíptico e o poético, o documental e o existencial. A construção narrativa da exposição ficou a cargo do ambientalista e artista multimídia brasileiro de origem tcheca e indígena Thiago Cóstackz, ampliando o diálogo entre arte e ativismo ambiental.

A Luciana Brito Galeria apresenta a primeira exposição individual da artista Rochelle Costi na galeria desde seu falecimento, em 2022. Com curadoria da chilena Alexia Tala, a mostra traz a essência da poética da artista, resgatada por meio de mais de vinte obras, que se entrelaçam em uma narrativa seguindo o conceito desenvolvido pelo escritor francês Georges Perec, em Aproximações ao infraordinário: “O que acontecequando não acontece nada? Como falar dessas horas, desses dias em que nada acontece, em que se passa apenas o que acontece todos os dias — o habitual, o cotidiano, o evidente, o comum, o ordinário, o infraordinário, o de todos os dias?”

Coletiva com obras de Célia Euvaldo, Ester Grinspum, Geórgia Kyriakakis e Shirley Paes Leme, além Iole de Freitas e Elizabeth Jobim. Completam o grupo Frida Baranek,, e Maria-Carmen Perlingeiro.Com curadoria de Ana Carolina Ralston, a exposição propõe um salto temporal da produção dessas artistas nos anos 80 até suas criações mais recentes, refletindo sobre a continuidade e o amadurecimento de suas investigações.

A Galatea apresenta uma série inédita de pinturas do artista sergipano Antonio Maia (1928-2008). A exposição destaca o olhar singular de Maia sobre os 22 Arcanos Maiores do tarô, símbolo místico e esotérico que atravessa sua produção artística. A partir de uma experiência com o tarólogo Namur Gopalla em 1986, o artista aprofundou uma pesquisa intuitiva que já vinha construindo, integrando também referências à astrologia, cabala e alquimia.Natural do interior de Sergipe, Antonio Maia construiu uma obra marcada pelo diálogo entre a religiosidade popular nordestina e as linguagens visuais contemporâneas. Sua produção é reconhecida principalmente pelos ex-votos, tema que permeou seu trabalho por mais de 30 anos, mas nesta série, ele amplia sua abordagem, incorporando elementos do imaginário esotérico e místico, criando uma ponte entre o popular e o pop, como define o curador, que chama essa atmosfera de “surrealismo nordestino”.

Bela, uma jovem inteligente e sonhadora, troca sua liberdade pela de seu pai (Maurice) que fica preso no castelo após se perder em uma viagem. Ao se tornar prisioneira da Fera, em seu castelo encantado, Bela descobre aos poucos que, por trás da aparência assustadora da Fera, existe um coração sensível e generoso. Com a ajuda dos criados encantados do castelo — que também foram vítimas do feitiço — nasce entre os dois um sentimento puro e verdadeiro, capaz de transformar tudo ao redor.

“O mágico de Oz” ganha nova versão teatral com um olhar cheio de imaginação. Inspirado no famoso livro de L. Frank Baum, que já encantou gerações ao redor do mundo, esta adaptação traz música ao vivo, visual mágico e muitas surpresas para toda a família. A peça acompanha a jornada de Dorothy, uma jovem do interior do Kansas que é levada por um ciclone para a fantástica terra de Oz, um lugar onde tudo é possível. Na tentativa de voltar para casa, ela encontra três novos amigos: o Espantalho, o Homem de Lata e o Leão. Juntos, eles embarcam em uma aventura rumo à Cidade das Esmeraldas, onde esperam encontrar o misterioso Mágico de Oz.

A exposição apresentada no Instituto Tomie Ohtake é resultado de um processo formativo e coletivo, realizado ao longo de 2024, dentro de uma residência voltada exclusivamente a pessoas negras na Casa Sueli Carneiro.O programa foi orientado pelas pesquisadoras Luanda Carneiro Jacoel, Taina Silva Santos e Ionara Lourenço, e compreendeu os seguintes eixos: História Negra e Feminismos Negros, Artes e Documentação. A experiência propôs um intercâmbio entre diferentes campos do saber e modos de criação, incentivando a articulação entre legado, linguagem, arte e justiça social.São apresentados sete projetos nas áreas de artes visuais, performance, literatura, audiovisual, educação e memória que tensionam temas como feminismos negros na América Latina, a atuação política das mulheres negras na cultura brasileira, ancestralidade e corpo, racismo estrutural e encarceramento, pedagogias decoloniais e estratégias de resistência a partir da arte.

A exposiçã reúne obras de mais de 30 artistas fundamentais da cena contemporânea que definem a trajetória da galerista Luisa Strina ao longo de suas cinco décadas de atuação.Com curadoria de Marcello Dantas e Kiki Mazzucchelli, a mostra traça um panorama da arte conceitual desde os anos 1970 até a atualidade, reunindo obras de artistas brasileiros e internacionais cujas trajetórias foram acompanhadas ou impulsionadas por Strina. A seleção inclui instalações de grande porte, muitas delas apresentadas uma única vez em importantes exposições institucionais.Ao reunir no mesmo espaço criações de diferentes momentos históricos, CRIVO permite ao público perceber como as ideias seminais da arte conceitual brasileira se transformaram e ganharam novas dimensões ao longo do tempo. Conceitos explorados nos anos 1970 e 1980 – como a crítica institucional, a exploração de novos suportes e a discussão de identidades culturais – reaparecem reinterpretados em obras de artistas contemporâneos, mostrando um fio condutor entre gerações. Essa perspectiva histórica torna a mostra especialmente significativa: mais do que uma homenagem individual, CRIVO evidencia a continuidade de um movimento artístico e convida a questionamentos sobre suas mudanças epermanências.

Primeira individual institucional do artista Manuel Messias. A exposição reúne cerca de 70 xilogravuras e traça umpanorama sensível e contundente de um artista que manteve uma produção contínua e coesa apesar de ter enfrentado grandes dificuldades por ser um homem negro, nordestinoe que viveu nos limites da pobreza e da loucura "Sem limites", como ele próprio se definia, Manuel Messias é hoje reconhecido como um importante membro de sua geração e umdos mais destacadas nomes da gravura brasileira do século XX.A mostra perpassa três décadas de produção artística, revelando a potência poética e crítica de Manuel Messias dos Santos (1945–2001), sergipano radicado no Rio de Janeiro desde a infância.

O Instituto Tomie Ohtake apresenta a individual de Manfredo Souzanetto, com uma reunião de cerca de cinquenta obras produzida entre as décadas de 1970 e 1990. São sobretudo desenhos, fotografias e pinturas — a grandemaioria advindas do acervo de Souzanetto, que as guardou por décadas, como se antevisse a importância desses trabalhos na constituição da sua trajetória.Nascido em 1947 no norte do Vale do Jequitinhonha, Manfredo teve uma infância marcada pelas paisagens montanhosas e as riquezas naturais da região — especialmente às pedras, cerâmicas e pigmentos terrosos — elementos que mais tarde se tornariam centrais em sua produção artística. As obras selecionadas revelam o processo de amadurecimento do artista, acompanhando a sua produção artística durante o percurso que o levou de Minas Gerais ao Rio de Janeiro, passando por Belo Horizonte, Paris e Juiz de Fora.

Reunindo cerca de 110 itens, entre fotografias e documentos provenientes do acervo doIpeafro, a mostra ilumina a histórica colaboração entre o Teatro Experimental do Negro(TEN) e o fotógrafo José Medeiros (1921-1991) ao longo de quase duas décadas. Mais doque documentar, a exposição busca evidenciar uma parceria artística que é, ao mesmotempo, política e poética, ressaltando o papel fundamental do TEN tanto na evolução doteatro moderno no Brasil quanto na afirmação da identidade negra nas artes e na esferapública. A relação entre o TEN e Medeiros é de colaboração simbólica e prática: enquantoo grupo teatral lutava por representação e dignidade para pessoas negras no cenárioartístico, o fotógrafo registrava e difundia essa luta com sensibilidade e respeito,contribuindo de forma decisiva para sua preservação na memória visual brasileira.

Em seu novo show de humor, Rodrigo “Atazanado” Sant’Anna usa suas habilidades para interpretar 5 personagens, que com uma lente de aumento, fazem o público embarcar em suas loucuras.

Em Copacabana, uma aposentada se vê inesperadamente conectada à sua jovem vizinha. Esse encontro gera uma jornada de emoções intensas, memórias profundas e descobertas transformadoras. Com momentos de riso, lágrima e reflexão, A Lista celebra o poder das conexões humanas em meio à solidão e ao caos.O aclamado espetáculo A Lista, estrelado por Lilia Cabral e sua filha Giulia Bertolli, retorna a São Paulo para uma temporada no Teatro FAAP.

A mostra de arquitetura, paisagismo e design apresenta sua 38a edição, em um espaço de mais de 10 mil metros quadrados dentro do Parque da Água Branca . A edição de 2025 da CASACOR conta com mais de 70 ambientes assinados por designers e arquitetos, assim como espaços dedicado à gastronomia, lojas e instalações artísticas.

O Museu A Casa do Objeto Brasileiro recebe um recorte da produção artesanal do estado da Paraíba. A mostra chega a São Paulo após ser apresentada no 39º Salão do Artesanato da Paraíba, em João Pessoa. A exposição reúne o trabalho de sete artesãos — Adriano Oliveira, Babá Santana, Carlos Apollo, Dadá Venceslau, Ednaldo Farias, Géo Oliveira e Socorro Souza —, que têm no papel sua principal matéria-prima de criação. A partir dele, dão forma a uma arte delicada, marcada por poesia, cores e personagens que habitam o imaginário popular e o universo lúdico da região.As peças exibidas foram criadas sob a orientação do designer Sérgio Mattos, que estimulou a experimentação sem abrir mão da identidade autoral de cada artista. As obras são fruto de um domínio apurado das técnicas de papel machê e papietagem, práticas artesanais de origem milenar.

A exposição se estende para os pais, mães e avós que cresceram ouvindo o cancioneiro de Sandra Peres e Paulo Tatit. A história da dupla, percorrida por mais de 30 anos nesse universo infanto-musical, é contada com surpresas e descobertas ao longo do trajeto. Tudo é embalado por suas músicas.Do quintal para a sala, da varanda para a cozinha, do quarto para o banheiro até a garagem as crianças e os adultos vão encontrando – ou conhecendo – as músicas da Palavra Cantada. O percurso vai desde seu álbum de estreia Canções de ninar, de 1994 e vencedor do Prêmio Sharp (hoje Prêmio BTG Pactual da Música Brasileira) até Cenas infantis, lançado no ano passado em comemoração aos 30 anos da dupla. De lá para cá, são mais de 20 álbuns, 11 DVDs e nove livros lançados, com novos repertórios seguindo em construção.Cada cômodo da casa é colorido, com tons fortes de azul e vermelho, mescla móveis de verdade com outros plotados, estantes contendo surpresas, portinholas para serem abertas trazendo mais descobertas.

Concebida pela artista visual Stela Barbieri, a Exposição Pausa, propõe ocupar o espaço com obras em grande escala construídas em materiais diversos, que possibilitam ao público habitar e permanecer em seu interior e, dentro delas, conversar, descansar, relaxar e refletir sobre a importância das pausas, do descanso e do ócio na construção das subjetividades e humanidades.

No Octógono da Pina Luz, a artista Mônica Ventura explora materialidades e símbolos associados às cosmologias afro-ameríndias em um site-specific produzido em diálogo com a escala monumental do espaço central do edifício. Ao entrelaçar as camadas de tempo que habitam o Octógono, a artista propõe ao visitante um lugar em que as conexões humanas possam confluir, receber e irradiar energia, a partir da relação entre corpo e arquitetura.

Exposição concebida como um show audiovisual pela dupla de artistas Bárbara Wagner & Benjamin de Burca especialmente para o Sesc Avenida Paulista. Com curadoria geral de Clarissa Diniz e curadoria de acessibilidade e coordenação do projeto educativo pelo coletivo alingua, a mostra parte de uma reflexão sobre as políticas do olhar e as práticas de espelhamento presentes em Swinguerra (2019) e One Hundred Steps (Cem Degraus, 2020).Os filmes serão exibidos como um espetáculo, no qual o público será conduzido pela voz da mestra de cerimônias Indra Haretrava, que comenta as obras da dupla, seus contextos e métodos.

A exposição Geometrias reunirá cerca de 40 trabalhos do acervo que se relacionaram com a abstração geométrica. A mostra apresenta desde artistas concretos e neoconcretos, como Judith Lauand (1922-2022) e Hélio Oiticica (1937-1980), até artistas contemporâneos como Delson Uchoa e Beatriz Milhazes. Artistas que trabalharam com a geometria a partir de abordagens menos formalistas também estão incluídos. Entre eles, Rubem Valentim (1922-1991), que desenvolveu um sistema de símbolos afro-brasileiros; Alfredo Volpi (1896-1998), que explorou as formas de fachadas de casarios coloniais e de bandeirinhas de festas populares; e artistas indígenas como Daiara Tukano, que trabalham com grafismos ligados às cosmogonias de seu povo.

Arpillera é o nome em espanhol para uma linguagem têxtil figurativa que surgiu no Chile no final dos anos 1960. Durante o regime ditatorial de Augusto Pinochet (1973-1990), essa prática se tornou uma forma de denunciar as violações dos direitos humanos, além de configurar uma importante expressão cultural politicamente engajada e de protagonismo feminino. Em espanhol, "arpillera" significa "juta", o nome da fibra têxtil que recebe bordados que narram histórias de vida, luta e resistência das autoras e seus contextos. A produção chilena inspirou diversas mulheres e movimentos sociais ao redor do mundo.No Brasil, essa forma de expressão inspirou o Coletivo Nacional de Mulheres do MAB – Movimento dos Atingidos por Barragens – um movimento social brasileiro, auto-organizado, surgido na década de 1980 e que luta pelo direito das pessoas atingidas, reivindica um Projeto Energético Popular e uma transformação social estrutural. A exposição Mulheres Atingidas por Barragens: bordando direitos apresentará cerca de 30 trabalhos, produzidos entre 2013 e 2024, por mulheres que se reúnem em oficinas organizadas pelo MAB em todo o território nacional.

Isaac Julien (Londres, Reino Unido, 1960) é um artista e cineasta que, por meio de narrativas audiovisuais e instalações multimídia, tensiona os limites entre diferentes práticas artísticas, como arquitetura, fotografia, música e pintura. A vídeo-instalação Um maravilhoso emaranhado (Marvellous Entanglement) foi apresentada pela primeira vez em Londres, em 2019. Composta por nove projeções simultâneas em telas de grandes formatos, os vídeos captam imagens de edifícios icônicos de Lina Bo Bardi (1914-1992), realçando a dimensão poética do legado da visionária arquiteta e designer modernista. O trabalho enfatiza as ideias sociais, políticas e culturais de Bo Bardi, junto a reflexões filosóficas formuladas em artigos e cartas de sua autoria. O título da exposição deriva do trecho: “O tempo linear é uma invenção ocidental; o tempo não é linear, é um maravilhoso emaranhado onde, a qualquer instante, podem ser escolhidos pontos e inventadas soluções, sem começo nem fim.” – Lina Bo Bardi. Gravado em São Paulo (no Museu de Arte de São Paulo-MASP, no Sesc Pompeia e no Teatro Oficina) e em Salvador (no Museu de Arte Moderna, no Restaurante Coaty e no Teatro Gregório de Mattos), o filme é protagonizado por Fernanda Montenegro e Fernanda Torres, que interpretam os escritos de Bo Bardi sobre o potencial social e cultural da arte, arquitetura e design em diferentes estágios de sua vida.

A exposição Histórias do MASP percorrerá mais de sete décadas de história do museu no contexto da abertura do seu segundo prédio na avenida Paulista, o edifício Pietro Maria Bardi. Inicialmente instalado em um único andar no prédio dos Diários Associados na rua 7 de abril, o Museu de Arte Assis Chateaubriand consolidou seu papel na vida cultural da cidade ao inaugurar sua icônica sede na avenida paulista — agora chamada de edifício Lina Bo Bardi. Em um viés cronológico, a exposição Histórias do MASP aborda temas como a formação do acervo, as histórias das exposições no museu, sua extensa programação, bem como as transformações na arquitetura de seus edifícios. Esse momento de expansão também nos convida a refletir sobre a forte presença do MASP no imaginário artístico e cultural paulistano e nacional.

A exposição estabelece uma leitura crítica e propositiva sobre a da coleção de arte africana do MASP que reúne cerca de 120 itens e obras provenientes da África, que abrangem desde peças do Egito Antigo até alguns trabalhos contemporâneos. A maior parte desse acervo são estatuetas e máscaras do século 20, incorporadas ao acervo do museu ainda nas primeiras décadas de sua formação. Essas obras provêm principalmente da porção ocidental do continente, de grupos como os Guro, Senufo e Baule, da atual Costa do Marfim; Dogon e Bambara, da República do Mali; Mossi e Bobo-Quele, da Burkina Fasso; Baga, da Guiné; Ashanti, de Gana; Wobe-Guere, da Libéria; Mumuye, Ibibio e, predominantemente, Iorubá, da atual Nigéria. Recentemente, o museu também recebeu um tambor Chokwe, da Angola, contabilizando cerca de 70 peças que são o cerne de Artes da África.

A exposição sobre Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) exibirá as treze obras do artista presentes no acervo do MASP. Composta por doze pinturas e uma escultura, a mostra abrange praticamente toda a carreira do artista francês. Entre as pinturas europeias da coleção do MASP, esta constitui o maior número de obras de um único artista. A última vez que esse conjunto foi exposto em sua totalidade foi há 23 anos, em abril de 2002, no próprio museu, na mostra “Renoir - O pintor da vida”.As obras de Renoir foram adquiridas durante o chamado período das grandes aquisições quando, entre o final da década de 1940 e início dos anos 1950, Pietro Maria Bardi (1900-1990), diretor-fundador do MASP, incorporou ao acervo trabalhos de artistas do cânone europeu, a maioria deles italianos e franceses, que hoje compõem o maior e mais importante acervo de arte ocidental do Hemisfério Sul.Nascido em Limoges, na França, em 1841, Renoir foi um dos principais pintores do movimento impressionista francês, conhecido por suas pinturas de cores vibrantes, caracterizadas pelo uso da luz e cor, pinceladas fluidas e uma atenção especial à figura humana, especialmente em cenas de cotidiano e retratos.

A grande exposição “Fullgás – artes visuais e anos 1980 no Brasil” chega ao Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo. Com Raphael Fonseca como curador-chefe, e Amanda Tavares e Tálisson Melo como curadores-adjuntos, a mostra apresenta cerca de 300 obras de mais de 200 artistas de todas as regiões do país, mostrando um amplo panorama das artes brasileiras na década de 1980. Completam a mostra elementos da cultura visual da época, como revistas, panfletos, capas de discos e objetos icônicos, ampliando a reflexão sobre o período. A exposição ocupará todo prédio histórico do CCBB São Paulo e será dividida em cinco núcleos conceituais cujos nomes são músicas da década de 1980: "Que País é Este" (1987), "Beat Acelerado" (1985), "Diversões Eletrônicas" (1980), "Pássaros na Garganta" (1982) e "O Tempo Não Para" (1988). A mostra aborda o período de forma ampla, entendendo que seus questionamentos e impulsos começaram e terminaram fora do marco temporal de dez anos que tradicionalmente constitui uma década. Desta forma, a exposição abrange o período entre 1978 e 1993, tendo como marcos o final do Ato Institucional 5 e o ano posterior ao impeachment do ex-presidente Fernando Collor de Mello.

O musical reimagina a clássica história de Alice no País das Maravilhas em meio ao caos e à destruição da guerra. A trama acompanha Alice, uma jovem que se refugia em seu livro desgastado de Alice no País das Maravilhas, enquanto está presa em um abrigo antibombas com seu amigo de infância Alfred, que está gravemente doente. Enquanto os horrores da guerra se intensificam, Alice escapa para um mundo de fantasia onde pode reescrever sua própria história e encontrar força para lidar com a realidade brutal ao seu redor.

Nestes concertos, Rollo Dilworth é o regente convidado do Coral Paulistano, em um programa dedicado a spirituals tradicionais e arranjos e composições do próprio Dilworth. Nascido em St. Louis, nos Estados Unidos, Rollo Dilworth (1970) é regente coral, compositor, arranjador e educador. É professor associado da Choral Music Education e docente do Departamento de Educação Musical do Boyer College of Music and Dance da Temple University, na Filadélfia, onde também é vice-reitor. Integra diversas organizações em seu país natal, entre elas a National Association of Negro Musicians (NANM), National Association of Music Educators (NafME), além de ser membro vitalício da American Choral Directors Association (ACDA). Dilworth busca evidenciar sua ancestralidade africana em suas composições. Para isso, incorpora em sua obra elementos da música folclórica afro-estadunidense, da música gospel e dos spirituals. O artista também se inspira na tradição literária afroestadunidense, musicando poemas de autores como Langston Hughes e Paul Laurence Dunbar. Outro aspecto central de sua atividade como compositor é a diversidade e a inclusão: para ele, uma das missões da música coral é reunir pessoas, propiciando uma chance de fazê-las aprender mais sobre o próximo e sobre elas mesmas.

Francisco Mignone (1897-1986) e Clorinda Rosato (1913-1985) foram ambos alunos do Conservatório Dramático e Musical de São Paulo. No período, apresentaram-se ao piano na mesma Sala do Conservatório que hoje abriga o Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo. Compuseram pouco para quarteto de cordas: ele, apenas duas obras; ela, somente uma, que poderemos ouvir neste programa. Mignone foi um dos compositores mais próximos de Mário de Andrade em seu projeto nacionalista, inspirando-se em muitas de suas ideias para criar sua música. Essa proximidade, contudo, foi um processo construído: depois de sua formação inicial, Mignone recebeu uma bolsa do Governo do Estado de São Paulo para se aperfeiçoar na Europa e, em 1920, partiu para a Itália, país de origem de seu pai. Permaneceu no Velho Mundo por nove anos, alheio à efervescência do movimento modernista em São Paulo, sua cidade natal, e aos eventos da Semana de Arte Moderna, em 1922. No retorno ao Brasil, trouxe na bagagem suas óperas de sucesso ao estilo italiano e uma porção de outras obras que, a despeito de sua qualidade, não conversavam com a busca de uma identidade musical nacional que ocorria em terras tupiniquins.Mignone foi duramente criticado por Mário de Andrade, que acabara de publicar seu Ensaio sobre a Música Brasileira, livro que sintetiza as diretrizes modernistas para a composição inspirada na cultura popular, e absorveu a represália: passou a compor com base em repertórios de tradição oral e tornou-se um dos principais colaboradores de Mário de Andrade. A obra Quarteto de Cordas no 2, de 1958 e dedicada ao Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo, ilustra a devoção de Mignone ao projeto nacionalista, além da maturação estilística do compositor. Um pouco mais jovem que Mignone, a pianista do interior paulista Clorinda Rosato chegou a ser sua aluna, além de ter estudado com Camargo Guarnieri e Mário de Andrade. Este último foi quem a incentivou a se dedicar à composição, apoiando-a até o fim da vida. Fiel ao projeto nacionalista, incorporando os ideais da época em estilo pessoal, Clorinda compôs principalmente para piano, mas também criou peças corais que estiveram por cerca de três décadas no repertório do Coral Paulistano, além de obras de câmara – como o Quarteto que integra este programa, dedicado ao Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo. Esta é uma oportunidade rara de ouvir uma peça dessa compositora brasileira, que merece ter sua obra mais pesquisada e divulgada.

A exposição apresenta obras em grande escala da artista visual, arte-educadora, curadora e contadora de histórias Stela Barbieri.Construídas com o uso de materiais diversos, como bambu e miçangas, as instalações reunidas em Pausa convidam o público a permanecer em seu interior e, dentro delas, descansar, relaxar, conversar e refletir sobre a importância do descanso e do ócio na construção das subjetividades humanas. Definida pela artista como uma “obra-oficina”, a exposição propõe um espaço para o desacelerar em meio à velocidade da vida moderna, criando atmosferas que estimulam o devaneio, a introspecção e a escuta.

Exposição individual do artista espanhol Raúl Díaz Reyes na Travessa Dona Paula, em Higienópolis, em São Paulo. Com texto crítico de Camila Bechelany, a mostra revela a nova produção de pinturas realizada em solo brasileiro neste ano. O evento celebra o primeiro ano de funcionamento da galeria no Brasil.

Exposição individual do artista português radicado em São Paulo Tiago Mestre. A mostra consiste em uma grande instalação site-specific, composta por diferentes conjuntos escultóricos, que ocupa todo o espaço expositivo. Apresentando grupos inéditos de esculturas em cerâmica, a mostra funciona como uma síntese de aspectos fundamentais da produção do artista, além de aprofundar investigações que têm estado bastante presentes em seu trabalho há alguns anos.Para receber a proposta instalativa de Tiago Mestre, a galeria passou por uma alteração importante em seu espaço expositivo, removendo a parede da fachada que bloqueava a visão entre interior e exterior. Com essa mudança, a exposição passa a funcionar como uma espécie de vitrine na qual as peças em exibição estabelecem um diálogo com a própria cidade.Para Fogo Fumo, Mestre parte de uma reflexão sobre a tradição da cerâmica portuguesa, com particular atenção para a longa tradição da olaria do Alentejo, onde nasceu e cresceu, propondo uma reelaboração que coloca em perspectiva aspectos históricos, sociais e culturais dos objetos.

Vídeo nas Aldeias é um projeto audiovisual criado em 1986 com o propósito de fortalecer o cinema indígena brasileiro. Idealizado por Vincent Carelli (Paris, França, 1953), o Vídeo nas Aldeias se dedicou, inicialmente, a registrar a cultura de diferentes povos indígenas brasileiros, apresentando as filmagens para as próprias comunidades. A partir de 1997, o projeto expandiu suas atividades para incluir oficinas audiovisuais realizadas junto a esses povos e passou a distribuir equipamentos de filmagem para que os participantes tivessem autonomia na representação de sua própria cultura. Desde então, a formação de cineastas indígenas e o suporte técnico para a produção de filmes se tornaram pilares fundamentais da atuação do projeto. Os filmes produzidos formam um acervo plural que reflete a diversidade dos povos indígenas brasileiros. A sala de vídeo dedicada ao Vídeo nas Aldeias pretende destacar filmes produzidos pelo projeto em parceria com comunidades indígenas, os quais abordam formas distintas de lidar com a terra e com o meio ambiente, retratando aspectos de suas culturas e cosmologias, além da urgente luta pela demarcação territorial.

Antoni Muntadas (Barcelona, 1942), artista conhecido por desafiar convenções socioculturais por meio da sua arte e trabalhar as relações de poder dos signos gráficos e textuais, realiza mostra inédita no Sesc Pompeia.A exposição instalativa Lugar Público - Muntadas convida o público a uma reflexão sobre os limites e as transformações dos espaços compartilhados. Em um cenário de crescente privatização e vigilância, Antoni ocupa a Área de Convivência do Sesc Pompeia para questionar as mudanças urbanas e o Com curadoria de Diego Matos, o projeto para o Sesc Pompeia traz uma ocupação da Área de Convivência da unidade, de caráter site-specific: são intervenções audiovisuais, textuais e dispositivos arquitetônicos projetados para explorar os significados de "público" – audiência e espaço público - e provocar reflexões a respeito do espaço urbano contemporâneo e das noções de lazer e esfera pública.

Exposição individual do artista espanhol José Manuel Ballester, com curadoria de Luiz Armando Bagolin. A mostra reúne uma seleção de obras que retomam a longa pesquisa do artista sobre o apagamento de figuras humanas em obras-primas da história da arte ocidental, propondo uma revisão crítica e sensorial do modo como vemos, recordamos e projetamos sentido nas imagens.Ballester, vencedor do Prêmio Nacional de Gravura (1999), o Goya de Pintura da cidade de Madri (2006) e o Prêmio Nacional de Fotografia da Espanha (2010), apropria-se de pinturas canônicas como A Última Ceia, de Leonardo da Vinci, O Nascimento de Vênus, de Botticelli, e os afrescos de Giotto, eliminando digitalmente seus personagens centrais. O que resta são cenários vazios, espaços desabitados, prontos a serem repovoados pela memória do espectador.Ao esvaziar o campo narrativo das obras e deixar à vista apenas seus planos de fundo — a mesa posta, os bosques, as arquiteturas — Ballester inscreve sua poética num território próximo ao que Aristóteles e Borges descreveram como o intervalo entre percepção e linguagem. A exposição se constrói, assim, como um jogo entre presença e ausência, onde a contemplação se desloca do motivo alegórico para a superfície, para o que antes era apenas suporte ou bastidor.

Kylie Minogue apresenta sua aguardada "TENSION TOUR" para 2025,programada para ser a maior turnê de Kylie desde 2011. Começando no país natal de Kylie, Austrália, em fevereiro, a turnê mundial visitará a Ásia, Estados Unidos, Canadá, Reino Unido e Europa antes de parar na América Latina em agosto de 2025. “Tension II” - uma nova coleção de 13 músicas - foi lançada em 18 de outubro de 2024 pela BMG. A sequência de alta energia e alta octanagem do álbum número 1 e sucesso global “Tension”, vê Kylie se aprofundar ainda mais no espaço eletrônico e está repleta de hinos de pista de dança. O disco inclui nove novas faixas de estúdio de Kylie, além do mais recente hit de dança “Edge of Saturday Night” com The Blessed Madonna, bem como suas recentes colaborações com Orville Peck, Bebe Rexha e Tove Lo, e Sia.

A exposição coletiva reúne mais de 20 artistas cearenses sob a curadoria de David Almeida. Com nomes como Leonilson, Efrain Almeida, Arivanio e Darks Miranda, a mostra apresenta trabalhos de diferentes gerações. Ao construir uma narrativa que ecoa o sertão em suas múltiplas dimensões – arqueológica, mística, política e poética –, a exposição mergulha no imaginário cearense de diversas regiões do estado e explora as fronteiras entre o sagrado e o profano, o real popular e o místico redentor.Motivado por uma investigação familiar e pela preservação da memória das paisagens de seus pais, David Almeida, nascido em Guará, DF, aproximou-se profundamente do sertão e seus artistas, encontrando reverberações de suas pesquisas nas imagens criadas por eles. Em seu ateliê, David nota que seu gesto revisita frequentemente as paisagens do sertão de Inhamuns, do Cariri. Vaquejada da Meia-Noite reúne obras em xilogravura, pintura, escultura, instalação e vídeo, com forte presença de artistas ligados à tradição gráfica do Cariri, como José Lourenço, Stênio Diniz e Francisco de Almeida, além de nomes consagrados da arte contemporânea brasileira, como Leonilson. Em comum, os trabalhos evocam fabulações sertanejas atravessadas por tensões sociais, figuras lendárias, manifestações religiosas e signos populares, compondo um painel onírico e crítico de um Brasil subterrâneo e imagético.

A Mendes Wood DM tem o prazer de apresentar a exposição coletiva Remanso com trabalhos de Eleonore Koch, Linda Kohen, Anna Livia Monahan, Rayana Rayo e Paula Siebra. Suas pinturas expõem o que lhes é intrínseco, conduzindo o olhar a territórios silenciosos, densos e simbólicos. Suas obras iluminam espaços domésticos, corpos, objetos e representações da psique e do feminino, criando uma constelação de símbolos que traduzem um cotidiano particular e ao mesmo tempo compartilhável. Remanso reúne uma constelação intergeracional de artistas de diferentes regiões geográficas e trajetórias únicas, que se encontram no ofício da pintura em pequena escala. Telas a princípio discretas, carregam uma profundidade que transporta o espectador para dentro de si: evocam lembranças, sonhos, medos e incertezas. Este diálogo sensível se torna ainda mais potente ao ocupar a Casa Iramaia, originalmente uma residência familiar, que com sua atmosfera introspectiva acolhe e amplifica essas narrativas visuais, como se fosse extensão das próprias obras.

A cantora e compositora Ana Gabriela apresenta na Casa Natura Musical sua nova turnê.No palco, Ana será acompanhada por banda completa, formada por Hygor (guitarra), Thiago Leal (baixo) e Fernando Chocô (bateria). O show combina músicas inéditas do novo álbum com sucessos que marcaram sua trajetória, como “deixa”, “não te largo não te troco”, “mais de nós” e “no escuro”.A proposta da turnê é transportar para o palco a sensibilidade dos videoclipes e da produção do álbum.Ana Gabriela é uma cantora, compositora e musicista de São José dos Campos (SP), que começou sua carreira em 2015, no YouTube, interpretando covers de grandes sucessos. Desde então, lançou os álbuns de estúdio “Ana” (2020) e “Degradê” (2022), além do ao vivo “Acústico Ana Gabriela” (2023), um EP e vários singles. Ao longo de sua trajetória, colaborou com artistas de destaque, como Lulu Santos, Armandinho, Saulo Fernandes, Lagum, Melim, Capital Inicial, Maneva, Francisco Gil e Anavitoria. Sua parceria com Lagum, “Deixa”, ultrapassou 485 milhões de streams, marcando sua relevância no cenário musical digital.

Exposição coletiva com curadoria de Luis Pérez- Oramas e o Núcleo Curatorial Nara Roesler. O ponto de partida da curadoria foi a “música das estrelas”, ouvida, identificada e registrada pela primeira vez em 16 de setembro de 1932, às 19h10, nos campos de Nova Jersey por Karl Jansky (1905-1950), físico e engenheiro especializado em ondas de rádio. Empregado pelos Laboratórios Bell Telephone, ele tinha a tarefa de estudar as fontes de interferência “estática” nas comunicações rádio telefônicas transatlânticas. O ruído das estrelas é o leve chiado de um passado sideral. A partir das obras de Laura Vinci, Abraham Palatnik, Tomás Saraceno, Tomie Ohtake, Bruno Dunley, Monica Ventura, Artur Lescher, Cao Guimarães, Paulo Bruscky, Rodolpho Parigi e Julio Le Parc, a exposição busca sugerir uma cena análoga em que as obras de arte seriam objetos que, como as antenas de Jansky, capturam ressonâncias de fundo de seus próprios campos figurais.

A exposição individual de Marcos Chaves apresenta trabalhos inéditos em tapeçaria do artista carioca, além de três objetos, dos quais duas obras são da década de 90. A mostra toma partido de uma intervenção realizada pelo artista em 2013 na Fundação Eva Klabin, no Rio de Janeiro, na qual Chaves apresentou tapetes que eram réplicas fotográficas de detalhes de tecidos da coleção da Fundação. Em Sangue Azul, Marcos Chaves posiciona nas paredes as tapeçarias inéditas em tons de vermelho que reproduzem fotografias feitas pelo artista do chão de carpetes de locais históricos europeus, como o Palazzo Doria Pamphili, construído em Roma, no século 16; a escadaria que leva ao único trono existente de Napoleão Bonaparte (1769-1821), no Castelo de Fontainebleau, na França, que data dos primórdios do século XII, e era residência dos reis franceses; e a Ópera Garnier, projetada durante o reinado de Napoleão III (1808-1873), o décimo-terceiro palácio a abrigar a Ópera de Paris, fundada por Luís XIV. No piso de uma das salas da galeria, o artista cobrirá toda a superfície do chão com uma versão em grande escala do tapete que originou a pesquisa em 2013.

Leticia Ramos apresenta Silver, um conjunto de trabalhos que ocupa uma sala da Casa Iramaia e investiga a trajetória da luz em relação às superfícies materiais, às paisagens e aospanoramas cósmicos. Neles, Ramos recorre aos recursos do laboratório fotográfico e da cameraless para encenar um encontro entre aparelhos técnicos e o contingente, produzindo imagens que operam entre a presença espectral e a inscrição material. Composiçõesluminosas tensionam visibilidade e escuridão, funcionando como esquemas que desafiam paradigmas de representação e refletem a preocupação da artista pelas possibilidades ainda pouco exploradas na intersecção entre arte e ciência. Sua prática se desenvolve por meio deprojetos extensos, com forte afinidade com o cinema experimental, tanto no uso do suporte material, nas qualidades ópticas, quanto na atenção à duração, à encenação e à organização dos eventos. Essas investigações, expressas como séries interconectadas, se desdobram por meio de experimentação meticulosa e resultam de pesquisas contínuas realizadas em seu ateliê em São Paulo

A galeria apresenta a primeira exposição de Guglielmo Castelli no Brasil. Pintor de Turim, Castelli aprimorou seu ofício durante sua formação acadêmica em cenografia – disciplina que moldou sua prática pictórica, especialmente na forma como representa espaços e interiores arquitetônicos. Embora sua estética esteja enraizada nesse contexto, uma crítica à cultura burguesa marca seu horizonte intelectual. A superfície pictórica não é expressão de mera virtuosidade técnica, mas um campo de batalha no qual Castelli compreende a cultura ao seu redor: o peso do legado, a relação entre a alta cultura e o conservadorismo em contraposição ao popular, e a possibilidade de uma ruptura total.A exposição toma seu título de um verso do poeta brasileiro João Cabral de Melo Neto: Um galo sozinho não tece uma manhã. O verso aparece em A educação pela pedra, coletânea publicada em 1966, quando o Brasil era governado por uma ditadura militar que reprimia artistas e intelectuais com violência crescente nos anos subsequentes. A metáfora do galo, que só consegue anunciar a claridade da manhã se acompanhado de vários outros, mostra-se perene – um tributo à coletividade e à colaboração, que ressoa também com um princípio da abstração geométrica brasileira: o todo é mais do que a soma das partes.

Maior festival drag da América Latina, o The Realness Festival realiza sua quarta edição, com participação confirmada de drag queens que fizeram parte do aclamado reality RuPaul´s Drag Race, como Shea Coulée, Sasha Colby, Sasha Velour, Roxxxy Andrews e Jewels Sparkles. Além disso, o festival também conta com performances de nomes da cena drag brasileira, como Grag Queen, Betina Polaroid, Silvetty Montilla e Ikaro Kadoshi.

Em 2025, BIOGLOMERATA será reencenada com a participação da Orquestra Sinfônica Municipal e São Paulo (OSM), sob a direção do maestro Alessandro Sangiorgi, com adaptações musicais de Tom Monteiro e Carlos Bauzys. A obra ressignifica e adapta o conceito original de Biomashup, que estreou em 2014 durante uma residência de Duarte no Lote, na Casa do Povo. Esta recriação para o Balé da Cidade de São Paulo (BCSP), cuja estreia ocorreu em 2024, oferece uma nova perspectiva ao repertório da companhia. Nessa versão, o elenco utiliza memórias de danças, gestos e referências para interagir com a música e com um ambiente em constante transformação, ampliando a compreensão dos tempos históricos. Os corpos dos bailarinos funcionam como forças dinâmicas, criando configurações transitórias que envolvem a percepção contínua do público. O músico Tom Monteiro, utiliza o theremin – um instrumento eletrônico que permite a produção de sons sem contato físico –, introduz uma dimensão ética à performance em que o invisível se torna um elemento essencial para a experiência artística. Com formação inicial no Estúdio e Cia Nova Dança (SP), um renomado centro de improvisação e pesquisa, o coreógrafo paulistano Cristian Duartecontinuou seus estudos na P.A.R.T.S. (Performing Arts Research and Training Studios) em Bruxelas, onde se graduou em 2002. Em sua carreira, destaca-se pela criação de espaços inovadores para experimentação e formação em dança, tendo desenvolvido projetos como APT?, DESABA e LOTE/Z0NA, em colaboração com artistas de destaque. Mantém, desde 2011, uma presença significativa como residente na Casa do Povo, em São Paulo. Sua trajetória inclui convites de instituições como DDSKS em Copenhage, P.A.R.T.S. em Bruxelas, UFRN e DOCH/SKH em Estocolmo. Atuou como coreógrafo para a Transitions Dance Company no Laban Center em Londres, para o Cullberg Ballet em Estocolmo e para o BCSP com BIOGLOMERATA criada com o elenco em 2024.Fôlego (2022) é a primeira criação de Rafaela Sahyoun para o Balé da Cidade de São Paulo (BCSP), desenvolvida para a Sala Adoniran Barbosa em comemoração aos 40 anos do Centro Cultural São Paulo. A obra foi indicada ao Prêmio APCA Dança 2022 na categoria Espetáculo – Estreia. Em janeiro de 2023, Fôlego foi revisitada para uma temporada no Theatro Municipal, marcando o 55º aniversário do BCSP. A proposta dramatúrgica de Fôlego incentiva a exploração da condição dos indivíduos como sujeitos sociais. A coreografia reúne elementos como aglomerações, insistências e ciclos repetitivos, configurando-se como uma corrente elétrica que atravessa os corpos e reflete as mudanças contínuas no ambiente.Durante a performance, os gestos são mantidos até o ponto de esgotamento, permitindo que pequenas variações surjam como pistas interpretativas adicionais. A obra apresenta um corpo em fluxo constante, engajado em eventos que capturam a atenção do espectador por meio de nuances distintas. Fôlego oferece uma experiência relacional que alterna entre proximidade e distância, ressoando, transformando-se, falhando, desintegrando-se e renovando-se.Configura-se, assim, como um processo de contágio, caracterizado por um ntercâmbio contínuo de desejos e assimilação.Artista da dança e das matérias do corpo, a paulistana Rafaela Sahyoun se aprofunda no fazer coreográfico, na educação e na pesquisa continuada, atuando como bailarina colaboradora em contextos nacionais e internacionais. Formada pela SEAD – Salzburg Experimental Academy of Dance (Áustria, 2013) e pelo Trinity Laban Centre for Movement and Dance (Reino Unido, 2009), desenvolveu práticas pedagógicas com impacto internacional na formação de novos artistas. Rafaela colabora com instituições como a PERA School of Performing Arts (Chipre do Norte), EBB Elephant in the Black Box (França e Espanha) e o Programa de Pós-Graduação Corpo: Dança, Teatro e Performance do Célia Helena Centro de Artes e Educação (Brasil). Ela também foi curadora artísticopedagógica do Festival DansPunt (2025) e está em processo de criação para a Companhia de Dança EBB, com estreia prevista para 2025 em Madri, Espanha. Principais obras coreográficas: C R U S H (2024), Fôlego (2022), NINGUÉMMESOLTA [Don’t Lose Me] (2018), Yeah, I’ve Been Watching You Lately (2023), Something to Phase Us: Who Goes There (2022), Wheel of Radical Affection (2021) e VAWM (2020).

Primeiro prêmio no 27º Concurso Sphinx e Grande Prêmio das agências Concert Artist Guild, de New York e Young Concert Artist Trust, de Londres para representação internacional, o violinista brasileiro NATHAN AMARAL vem construindo sua reputação na América do Sul, EUA e Europa por ser um “violinista versátil, carismático e com uma compreensão musical instintivamente natural” (Liza Ferschtman). Foi laureado ainda com o 1o lugar e prêmios especiais em vários concursos nacionais e internacionais, sendo incluído na lista de jovens mais promissores da Classic FM de Londres.Nathan já se apresentou como solista e camerista em salas como o Wigmore Hall, KKL no Festival de Lucerna, Sala São Paulo, Mozarteum Großer Saal e Filarmônica de Berlim. Pianista indicada ao Grammy Latino, ERIKA RIBEIRO é considerada uma das artistas mais expressivas de sua geração. Sua musicalidade e grande versatilidade fazem com que seja conhecida pelos diversos estilos pianísticos que aborda, tanto em sua maneira de tocar, quanto nos repertórios que interpreta. Iniciou seus estudos musicais com sua mãe, aos quatro anos.