GASTRONOMIA

Quando Rossini faleceu, em novembro de 1868, Verdi decidiu homenageá-lo com um réquiem coletivo. Com apoio de seu editor, Ricordi, convocou doze compositores para a tarefa, que tinha um claro sentido político. A Itália havia se unificado há poucos anos, de modo que exaltar Rossini equivalia a afirmar uma identidade nacional. Todos cumpriram com sua parte no projeto; no entanto, problemas financeiros o impediram de ir adiante. Em 1873, a Itália perdeu outro herói cultural, Manzoni, escritor que cumpriu um papel crucial na criação de uma língua nacional comum. Verdi então retomou seu réquiem italiano: desta vez, ele mesmo compôs toda a música, e a Missa de Réquiem estreou conforme o previsto na Igreja de São Marcos, em Milão, e no palco do La Scala. A Missa de Réquiem será interpretada pela Osesp e pelo Coro com a presença do regente alemão Jun Märkl e de solistas do Brasil, da Espanha e da China.

Galindo é uma artista e poeta que utiliza seu próprio corpo para expor as violências impostas pelas estruturas de poder nas sociedades contemporâneas.

O maestro Jun Märkl começa seu próximo programa junto à Osesp com uma obra da compositora cubano-americana Tania León. Composta em 2017 por encomenda da Filarmônica de Los Angeles, Ser é uma delicada evocação do canto dos pássaros. Em seguida, Lozakovich apresenta sua interpretação do Concerto para violino de Sibelius. O compositor finlandês era um ótimo violinista, e se valeu de sua intimidade com o instrumento para criar passagens em que o virtuosismo é posto a serviço de uma linguagem musical introspectiva e melancólica.Petrushka é o segundo balé baseado em temas tradicionais russos composto por Stravinsky para a companhia de Sergei Diaghilev, situando-se entre O Pássaro de Fogo e A sagração da primavera. Essa obra acompanha a história de um fantoche que é trazido à vida por um mago, mas que logo tem seu coração partido e morre. Para retratar os choques vividos pela personagem, o compositor utiliza técnicas de montagem inspiradas na pintura moderna e no cinema, em um vibrante mosaico de fragmentos melódicos, ritmos irregulares e brilhantes efeitos orquestrais.

Daniel Lozakovich, Artista em Residência da Temporada 2026, apresenta neste recital uma seleção das “Sonatas e partitas para violino solo” de Bach. Completada em 1720, essa coleção de obras representa um marco no repertório do instrumento. A Partita nº 3 começa com um dos movimentos instrumentais mais conhecidos do compositor: um “Prelúdio” construído a partir de um fluxo incessante de notas. Nos quatro movimentos da Sonata nº 1, a leveza das danças dá lugar a uma expressão mais austera — seja no lento e ricamente ornamentado “Adagio”, seja na engenhosa “Fuga”. À primeira vista, a Partita nº 2 parece seguir os moldes de uma suíte barroca, com danças convencionais como a “Allemande”, a “Courante”, a “Sarabande” e a “Gigue”. Após esses movimentos, porém, temos algo fora do comum: uma imensa “Chaconne”, tida como uma de suas maiores conquistas da arte da composição.

Xian Zhang vem conquistando cada vez mais a cena internacional. Na presente temporada, a regente sino-americana estará à frente de orquestras prestigiosas, como as Filarmônicas de Nova York e da Filadélfia — além, é claro, da Osesp. Em 2020, Zhang regeu a estreia de Primal message, da compositora americana Nokuthula Ngwenyama. A peça se inspira nas ondas de rádio lançadas ao espaço por astrônomos na década de 1970, como uma maneira de introduzir nossa espécie a eventuais vizinhos intergaláticos. Em seguida, ouvimos Prokofiev, cujo Concerto para violino nº 2 foi iniciado em Paris, completada na Rússia, orquestrada no Azerbaijão e estreada na Espanha — o que explica a presença das castanholas no terceiro movimento. Neste programa, a obra terá como solista a americana Tai Murray.

Com os Estados Unidos em foco, a Osesp recebe sua antiga Diretora Musical e Regente Titular, Marin Alsop, referência na interpretação do repertório moderno e contemporâneo. John Adams, um dos mais celebrados compositores do nosso tempo, dedicou a ela The rock you stand on — uma pulsante rajada de ritmos jazzísticos. Ouvimos, então, o Concerto para violino de Barber, que se distingue pelo lirismo de seus temas e pela opulência de suas texturas orquestrais: a obra será interpretada por Randall Goosby.Na sequência, temos o célebre Adagio para cordas, de 1936. Com seu tom ao mesmo tempo elegíaco e esperançoso, a peça se tornou a expressão semioficial do luto nos Estados Unidos, tendo sido tocada nas rádios durante anúncios das mortes de Roosevelt e Kennedy. O desfecho vem com Da transmigração de almas, lamento igualmente pungente, dedicado às vítimas dos atentados de 11 de setembro de 2001.

A mostra apresenta mais de três décadas de trabalho do artista Damián Ortega, um dos principais expoentes de sua geração. Transitando entre fotografia, vídeo, escultura e instalação, Ortega convida o público a reexaminar materiais e objetos cotidianos para investigar narrativas sociais, econômicas e políticas. Em sua icônica prática escultórica, ele desmonta objetos, como carros, reorganizando suas partes e exibindo-as em novas configurações. O mesmo pensamento de rearranjo aparece em obras em que dispõe ferramentas, pedras ou tijolos em montagens suspensas. A reorganização desses objetos na forma de diagramas espaciais é frequentemente carregada de humor e comentários políticos e sociais. A exposição destaca obras importantes de sua trajetória e um conjunto de trabalhos que investigam aspectos da arquitetura brasileira.

Na Pina Estação, acontece a exposição Macunaíma é Duwid, com curadoria do artista e ativista indígena Gustavo Caboco. A mostra toma a aproximação do centenário de Macunaíma, de Mário de Andrade, como uma oportunidade para rever e contextualizar o personagem a partir de uma perspectiva indígena, confrontando o imaginário modernista com as cosmologias e narrativas dospovos originários.

Alice Yura apresenta uma mostra individual no edifício Pina Contemporânea, a partir do desdobramento de sua pesquisa que entremeia fotografia, arquivo e memória.

Complementando o ciclo de sinfonias de Mendelssohn conduzido por Thierry Fischer na Temporada, a série de Câmara apresenta um programa inteiramente dedicado ao compositor. O Trio nª 1 é de quando Mendelssohn regeu a Orquestra do Gewandhaus de Leipzig, onde ele valorizava o passado e dava abertura ao contemporâneo. O Octeto é uma de suas criações mais brilhantes: desde o início irradia vitalidade. No primeiro movimento, Mendelssohn alterna texturas musicais, realçando cada instrumento. O “Scherzo” é inspirado no casamento da realeza das fadas no Fausto de Goethe, repleto de passagens esvoaçantes, leves e rápidas. Anos mais tarde, o compositor orquestrou o movimento e substituiu o Minueto de sua Sinfonia nª 1 por ele.

Em sua primeira passagem pela Sala São Paulo, o maestro finlandês Dima Slobodeniouk dirige um programa audacioso, que se inicia com uma homenagem ao centenário do ícone da vanguarda musical Pierre Boulez. Em Tombeau II, Olga Neuwirth parte de uma miniatura para piano de Boulez, resultando em um eco expandido do original, que se transforma em uma procissão de sonoridades orquestrais. Na sequência, ouvimos o Concerto para violino nº 1 de Shostakovich, estreado dois anos após a morte de Stálin. Consciente de que essa partitura sombria e intensa seria taxada de individualista pela censura, o compositor esperou a maré repressiva baixar antes de apresentá-la ao público. A obra terá como solista Roman Simovic, o premiado violinista que acompanhou a Osesp em sua última turnê europeia. O programa termina com a Sinfonia nº 4 de Carl Nielsen.

Com trabalhos que incluem fotografia, instalação, vídeo, performance e desenho, a produção de Carolina Caycedo se constitui como um ponto de encontro entre saberes e práticas que vão da arte contemporânea aos saberes ancestrais ribeirinhos e às estratégias de resistência de movimentos sociais latino-americanos. A trajetória de Caycedo foi marcada por múltiplos processos migratórios que informam sua prática, refletindo as relações simbólicas e culturais que estabelecemos com o mundo. Trabalhando frequentemente de forma colaborativa, a artista busca reconstruir uma memória comunitária dos bens comuns, que englobam desde o espaço público urbano até rios e montanhas. A exposição apresenta um panorama abrangente de sua obra e conta com criações recentes desenvolvidas no contexto brasileiro em diálogo com outros contextos latino-americanos e suas diásporas. O título se refere tanto à convergência de cursos de água quanto ao encontro de pessoas, ideias e culturas.

O artista multiplatinado, compositor, produtor e filantropo ZAYN retorna aos palcos globais com sua maior turnê solo até o momento, a KONNAKOL Tour, marcando sua primeira vez como atração principal em arenas e estádios na América do Norte, América do Sul, México e Reino Unido.O álbum, com forte apelo pop, expande o som que os fãs ouviram pela primeira vez em seu álbum de estreia, Mind of Mine, que quebrou recordes.

Em To the edge of dream, orquestra e o violão solista se alternam em torno das mesmas ideias musicais, iluminadas por sonoridades diferentes. Já em Klartraum, Noriko Baba procura recriar o estado de confusão mental que caracteriza o limiar entre o sono e a vigília. Em seguida, voltamos a Takemitsu. Vers, l’arc en ciel, Palma, para violão, oboé d’amore e orquestra, foi escrita como uma homenagem ao pintor Joan Miró. Assim como as anteriores, a obra explora a lógica dos sonhos. Em ambas as obras de Takemitsu presentes no programa, a Osesp conta com Fabio Zanon como solista. Depois desse mergulho na música japonesa, o maestro holandês Jac van Steen interpreta a Sinfonia nº 6 de Dvorák, em uma obra que combina a vitalidade da cultura popular tcheca com a solidez da tradição sinfônica germânica.

GIL – ANDAR COM FÉ - O MUSICAL transforma a trajetória de GILBERTO GIL em uma grande festa no palco. Uma superprodução com texto de NEWTON MORENO e direção de MIGUEL FALABELLA. A história começa longe de casa, no exílio em Londres. Mas não demora para o Brasil tomar conta da cena. O tempo se abre, a memória ganha corpo e, de repente, estamos no sertão, em Salvador, nas ruas, nos palcos, nos encontros que mudaram a música brasileira para sempre. Aqui, passado e futuro dançam juntos — porque o tempo, como o Gil, não anda em linha reta: ele gira, mistura, inventa. Cada cena é um novo clima, cada música levanta o público da cadeira — não para lembrar, mas para sentir.

Neste programa, o Coro da Osesp sobe ao palco junto a seu regente residente, Kaique Stumpf. Mestrando em Música pela Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ), iniciou sua formação musical no Coral dos Canarinhos de Petrópolis, participando de turnês e gravações. É formado em Regência Coral pela UFRJ e pelo curso livre em Regência Orquestral da Academia de Música da Osesp. Dirigiu a estreia mundial da ópera A Noiva do Mar, de Lycia de Biase Bidart, na Cúpula do Theatro Municipal de São Paulo. Como barítono, integrou a Academia de Ópera do Theatro São Pedro e colaborou com o Coro Sinfônico do Rio de Janeiro e com o próprio Coro da Osesp. Atuou ainda como preparador e educador musical em projetos sociais no Rio de Janeiro.

Laércio Resende integra o naipe dos barítonos do Coro da Osesp desde que o conjunto foi criado, em 1994. Em paralelo com a carreira de cantor, ele se dedica à composição de música para espetáculos de dança e teatro. Neste programa da Série Câmara, membros do Coro e da Orquestra homenageiam o colega interpretando uma seleção de sua autoria. Ouvimos ainda o dramático Quarteto de cordas nº 4, no qual Beethoven demonstra um domínio completo do estilo desenvolvido por Haydn e Mozart e, ao mesmo, introduz alguns elementos acentuadamente originais. O programa se completa com o Chorinho para Keith, de Roberto Sion, reconhecido há décadas como um dos grandes nomes da música instrumental brasileira.

Garay revisita narrativas coloniais latino-americanas, especialmente as relacionadas ao Peru, por meio de fabulações criadas a partir de artefatos museológicos e figuras históricas.

O projeto Para Crianças estreia na Grande Galeria do edifício. A iniciativa, concebida pela Haus der Kunst (Munique, Alemanha) e realizada em colaboração com a Pinacoteca, visa colocar a infância no centro da experiência artística. Mais do que uma exposição, trata-se de uma rede de trocas culturais que convida crianças a pensarem, viverem e intervirem no mundo por meio da arte.

Completando seu percurso pelas sinfonias de Mendelssohn, Thierry Fischer interpreta duas composições estreitamente relacionadas: a abertura As Hébridas e a Sinfonia nº 3. Ambas registram o fascínio do compositor pelas paisagens enevoadas da Escócia, que ele conheceu no curso de uma longa viagem. Com efeito, Mendelssohn estava diante da gruta de Fingal — uma misteriosa caverna marinha formada por lava solidificada — quando esboçou a melodia descendente que inicia a abertura, e para a Sinfonia nº 3 a inspiração veio das ruínas da Capela de Holyrood, em Edimburgo. Entre essas duas peças tempestuosas, ouvimos o ensolarado Concerto para violão de Daniel Freiberg, que será interpretado pelo espanhol Rafael Aguirre, trabalhando a intersecção entre música clássica, jazz e tradições latino-americanas.

A cantora britânica Jorja Smith apresenta os seus hits, que mesclam o pop com R&B

A Espanha é o foco deste programa, recriada a partir de fragmentos dispersos e de nostalgia. Iberia, originalmente para piano, combina flamenco, fandango e música cigana com uma linguagem orquestral harmônica e impressionista. Depois dessa obra-prima do nacionalismo musical, temos o Concerto para piano de Francisco Coll, escrito para o virtuosismo inteligente e sofisticado de Kirill Gerstein, um dos pianistas mais inovadores do nosso tempo. O concerto terá sua estreia mundial regida por Simon Rattle em março, na Alemanha. O programa se encerra com El sombrero de tres picos, criado por Manuel de Galla para os Ballets Russes de Sergei Diaghilev — mesma companhia responsável por obras como A sagração da primavera de Stravinsky e o Prelúdio à tarde de um fauno, de Debussy. O espetáculo, que contou com cenários e figurinos elaborados por Pablo Picasso, foi uma consagração do Modernismo espanhol.

Kirill Gerstein nasceu na antiga União Soviética, naturalizou-se cidadão norte-americano e hoje vive em Berlim. Tornou-se o aluno mais jovem a ingressar na Berklee College of Music, aos catorze anos. Para além de sua técnica impecável, Gerstein se distingue por sua curiosidade intelectual. Poucos pianistas são tão criativos quanto ele quando se trata da escolha do repertório.No recital que chega agora à Sala São Paulo, temos um diálogo fascinante entre composições já consagradas e obras contemporâneas. Assim, um movimento da Homenagem a Brahms do australiano Brett Dean será executado entre o Scherzo em mi bemol menor e a Sonata para piano nº 3 do mestre alemão. A segunda parte do programa gira em torno de Mussorgsky e se inicia com uma transcrição do prelúdio da ópera Khovanshchina. Em seguida, temos uma Homenagem a Mussorgsky, escrita na década de 1970 pelo compositor húngaro György Kurtág. Por fim, o pianista interpreta uma obra-prima do nacionalismo musical russo: a suíte Quadros de uma exposição.

Complementando a programação do edifício Pina Luz no primeiro semestre, Paulo Pedro Leal (1894 – 1968), pintor brasileiro autodidata, terá primeira individual nas três salas do 2º andar.

Este programa conta com a participação do grupo de percussão Martelo, formado por integrantes de algumas das maiores orquestras brasileiras. A apresentação começa com os Salmos de Chichester, de Leonard Bernstein. Originalmente para orquestra, a obra será apresentada em uma redução para órgão, harpa e percussão, feita pelo próprio compositor. Correnteza, escrita pelo paranaense Leonardo Gorosito, é uma peça para grupo de percussão especialmente inspirada nas Sonatas e Interlúdios de John Cage. Seguimos com Steve Reich e sua Music for mallet instruments, voices, and organ. O título neutro e descritivo combina perfeitamente com essa música, formada por padrões rítmicos que se sobrepõem uns aos outros em uma intrincada geometria sonora. Juntos, Coro e Martelo fazem a estreia mundial da obra encomendada a Leonardo Martinelli, compositor paulista conhecido pelo destaque que dá a cada timbre vocal. Cânticos malditos, gozosos e devotos foi criada para vozes, percussão e quatro pianos, a mesma instrumentação de As núpcias, peça de Stravinsky que encerra este programa ritualístico. Ela retrata o casamento de dois camponeses, realizado de acordo com tradições pagãs russas. A austeridade da cerimônia é refletida na instrumentação escolhida pelo compositor, que combina pianos e instrumentos de percussão, além de quatro cantores solistas e um coro.

Reconhecido por suas interpretações do repertório contemporâneo, o estadunidense David Robertson se apresenta frequentemente com as principais orquestras do mundo e lidera projetos importantes no mundo da ópera. Il pirata, de Bellini, ambientado na Sicília medieval, conta a história de um conde exilado que se esforça para resgatar sua amada das garras de seu malfeitor. Chopin foi admirador da música de Bellini, e procurou incorporar seu estilo em sua escrita para o piano. No Concerto nº 2, a ligação com o universo operístico se evidencia – não por acaso, o jovem compositor se inspirou na soprano Konstancja Gladkowska, uma colega sua no Conservatório de Varsóvia, e sua grande paixão à época. A obra terá como solista Orli Shaham, pianista elogiada por seu toque cristalino. O concerto se encerra com a Música ingênua e sentimental de John Adams, que explora a dicotomia, proposta por Friedrich Schiller, entre a arte criada de modo espontâneo e aquela que é produto da reflexão.

Orli Shaham é aclamada há anos pela crítica por suas interpretações cristalinas de Mozart, assim como por sua facilidade em transitar pela música de diferentes períodos. A pianista norte-americana já se apresentou como solista junto às principais orquestras de seu país, incluindo a Filarmônica de Los Angeles e as Sinfônicas de Boston, Chicago, Cleveland e Filadélfia. Além de colaborar com a Osesp, na presente temporada Shaham subirá ao palco ao lado das Sinfônicas de Taiwan, Nashville e Vancouver, entre outras.

Nascido na Suíça em 1984, Pierre-Fabien Roubaty iniciou sua formação musical no Conservatório de Friburgo, tendo se especializado posteriormente na Haute École de Musique de Lausanne e na Hochschule der Künste de Berna. Seu trabalho como regente coral se consolidou junto ao Choeur Arsis, fundado por ele em 2006 e dedicado ao repertório sacro. Desde 2019, Roubaty é diretor artístico e musical do Ensemble Vocal de Lausanne. Durante esse período, o conjunto participou de festivais importantes no cenário europeu, como a Folle Journée em Nantes e o Festival Via Aeterna em Mont Saint-Michel.

A Temporada 2026 se encerra com a última obra de Mahler: a Sinfonia nº 9. Desde sua primeira apresentação, em junho de 1912, a partitura foi lida como uma despedida, pois Mahler falecera meses antes. A Nona foi escrita entre 1908 e 1909, durante um período de profunda crise pessoal. No ano anterior, o compositor havia perdido sua filha Maria e recebido um diagnóstico de uma doença cardíaca incurável. Não é difícil imaginar que essas experiências tenham aguçado sua consciência da finitude, levando-o a optar por andamentos lentos nos longos e comoventes movimentos de abertura e fechamento da obra.Os dois movimentos centrais evocam as sonoridades familiares das danças populares e do contraponto barroco. No entanto, Mahler distorce esses elementos até eles se converterem em aterrorizantes paródias de si mesmos. Nesse sentido, a Nona de Mahler ressoa como o gesto final de um caleidoscópio que se desfaz no silêncio. As cores e formas se transformam até desaparecer, mas permanecem como experiência — aberta, plural e inesquecível.

A mostra de Caio Pacela explora campos como o da espiritualidade e da transcendência em diálogo com corpo, fé e identidade, reúne pinturas em óleo sobre tela; desenhos em grafite sobre papel; cadernos do artista e textos autorais intitulados ‘notas de culto’, abarcando as diferentes nuances e fases do artista, que opta pelo olhar fenomenológico e convoca o espectador a atribuir sentido às obras, a partir de suas próprias referências.O artista convida o espectador a observar e completar suas obras, acessando espaços interiores e individuais, a priori etéreos e impalpáveis, mas que acabam por reverberar em comportamentos coletivos mediados ora pela corporeidade humana (ou não), ora por paisagens da natureza em movimento e fúria. A arte de Pacela convida o público ao exercício do sentir, mas, também, ao de decodificar, sob o entendimento particular, o mistério, o não dito e o não aparente.

O “Museu da Antiga Colônia” é uma grande instalação que examina as perseverantes e inabaláveis estruturas coloniais através das lentes de Porto Rico, ilha que vivencia mais de quinhentos anos de influência e domínio colonial. Concebida pelo artista Pablo Delano, inclui uma miríade de objetos, fotografias, jornais, filmes e revistas que contam múltiplas histórias relacionadas, inicialmente, ao domínio espanhol e, atualmente, americano sobre comunidades indígenas e nativas, bem como sobre pessoas de ascendência africana. O título da instalação faz uma referência irônica à cumplicidade dos museus e a uma marca de refrigerante estadunidense muito popular em Porto Rico, ao mesmo tempo que destaca como o poder e a presença dos EUA se baseiam na exploração colonial, na higiene social e na hierarquia racial, que se materializam na circulação de bens, pessoas e valores, e no recrutamento de antropólogos, missionários, fotógrafos e políticos para sustentar a matriz colonial.

Calel se destaca por uma poética sensível, atravessada por dimensões espirituais e rituais vinculadas à cosmovisão maia-kaqchikel. Suas obras propõem uma reflexão crítica sobre a marginalização das comunidades indígenas latino-americanas e questionam formas hegemônicas de produção, exposição e circulação de arte.

Histórias latino-americanas será uma coletiva internacional articulada em cinco núcleos. Essa ampla mostra investiga como a ideia de América Latina foi criada e disputada ao longo do tempo. A exposição parte dos processos de colonização, marcados por violência e extrativismo, e examina o papel do barroco e da invenção do paraíso tropical como regimes de imagens que difundiram o poder colonial, a fim de evidenciar como essas dinâmicas moldaram a modernidade na região e destacar contranarrativas e formas de contestação. A mostra considera a circulação de pessoas, bens e ritmos em processos de migração e diáspora que conectam a América Latina a outras geografias. Por fim, explora concepções indígenas sobre fim e renovação, convidando a imaginar futuros possíveis diante das crises do presente.

Laura Pausini anuncia a maior Turnê de sua carreira e fará o seu primeiro show em estádio no BrasilA cantora italiana mais influente e popular do mundo sobe ao palco da Mercado Livre Arena Pacaembu, em São Paulo, no dia 27 de fevereiro de 2027. o show faz parte da turnê mundial Io Canto/Yo Canto World Tour 2026/2027.

A exposição retrospectiva apresenta mais de 80 obras de Rosa Elena Curruchich, pintora autodidata indígena de origem Maya Kaqchikel. Curruchich foi neta do artista que deu início a uma tradição popular de pintura a óleo entre os Kaqchikel nos anos 1930. Sua obra se destaca entre as da primeira geração de pintoras mulheres dessa tradição pelo modo como trabalhou o legado pictórico do registro da vida cotidiana e das cerimônias de seu povo, com especial atenção aos huipil (vestuário feminino artesanal). A artista manteve sua prática em segredo, com medo de represálias, o que levou seu corpo de pinturas a ser marcado pelo pequeno formato para transporte discreto.

O artista Jesús Soto foi um dos nomes mais importantes da arte cinética, sendo um dos expoentes do modernismo latino-americano em um cenário global. Em suas obras, Soto introduziu a sensação de movimento e a participação do espectador, como em seus “Penetráveis”, além de incorporar fenômenos ópticos pela sobreposição de planos e transparências. Dissolvendo as fronteiras rígidas entre observador e obra, o artista contribuiu de maneira decisiva para o debate de questões teóricas que permanecem atuais, como as noções de imaterialidade, interação e virtualidade. A exposição destaca a produção de Soto entre o início da década de 1950 e o final dos anos 1980, período em que o artista se debruçou de modo mais experimental sobre as experiências ópticas, geométricas e interativas.

A exposição é a primeira no Brasil dedicada ao curta-metragem documental “TRANS” (1982), dirigido pelos artistas venezuelanos Manuel Herreros de Lemos e Mateo ManaureArilla, e estreado em 1983. Além da exibição do filme, a mostra reúne um conjunto inédito de materiais fotográficos relacionados à sua produção, apresentando as vidas, as subjetividades e os enfrentamentos de pessoas trans e travestis na cidade de Caracas no início da década de 1980. O trabalho retrata com sensibilidade questões urgentes, como a criminalização do trabalho sexual, a violência de gênero e a marginalização institucional. Na contramão de uma perspectiva distanciada, o filme propõe uma colaboração poética e política entre diretores e protagonistas, cujas relações de intimidade, vulnerabilidade e potência se refletem nas imagens.