PROGRAMAÇÃO EM DESTAQUE

No seu cinquentenário, o Grupo Corpo sobe a correnteza: o novo balé, Piracema, evoca o recomeço e a determinação de criar vida nova, no fenômeno da dura jornada dos peixes rio acima, rumo ao local da desova. A coreografia de Rodrigo Pederneiras e Cassi Abranches dá corpo à música de Clarice Assad, autora da trilha inédita, que produz a ambiência de uma natureza indomável e resiliente. O programa traz ainda Parabelo (1997), com música de Tom Zé e José Miguel Wisnik, um retrato em som, cor e movimento da vida sertaneja brasileira, com suas asperezas, sua fé e sua têmpera.

Alondra de la Parra é conhecida de quem frequenta a Sala São Paulo. Um dos nomes de destaque da regência atual, a mexicana já esteve várias vezes à frente da Osesp. Agora, ela vem para apresentar um espetáculo que há alguns anos encanta públicos mundo afora: The silence of sound.Durante anos, Alondra amadureceu a ideia de um concerto no qual ela se dirigiria ao público de uma forma diferente, ainda que tendo a música e a orquestra como elementos principais. O sonho começou a se tornar realidade quando conheceu a artista Gabriela Muñóz. Com experiência em teatro, circo e ópera, Gabriela é criadora da palhaça Chula.The silence of sound conta a história de uma protagonista silenciosa que gradualmente descobre, explora e desenvolve seu próprio potencial criativo com a ajuda da música. Seus companheiros são os instrumentos da orquestra: o fiel oboé, o dedicado violoncelo e o temerário e sedutor violino, que a acompanham até o final da aventura.

O recém-lançado álbum “Corpo Fechado, Mente Aberta”, do rapper Thaíde, é um projeto com 13 faixas que reafirma seu papel pioneiro no hip-hop nacional, ao mesmo tempo em que abre espaço para novas conexões e sonoridades. Antes da chegada do álbum, Thaíde apresentou o single “O Nosso Rap”, com participação de MV Bill, e lança ainda “Pega a Visão”, com Djonga. As duas músicas antecipam o tom do disco, que mescla reflexão, celebração e homenagem às raízes da cultura negra brasileira.

Inspirado na série homônima exibida no Disney+ e no YouTube, o musical infantojuvenil Os Óculos Mágicos de Charlotte conta a história de uma menina que, ao ganhar um par de óculos da Fada Belle, passa a enxergar o mundo como ele poderia ser: mais justo, colorido e gentil.

Espetáculo propõe reflexões sobre ciência, identidade, polarização e os limites entre o público e o privado em tempos de redes sociais. Quando a ciência e a fé colidem, quem deve decidir?Em um hospital de ponta, uma médica se vê no centro de uma tempestade ética e social após tomar uma decisão em meio a uma emergência delicada. O caso, inicialmente clínico, ganha dimensões públicas e pessoais, à medida que questões deidentidade, preconceito, religião e poder entram em cena.O espetáculo A Médica, do dramaturgo e diretor britânico Robert Icke, é uma livre adaptação da peça Professor Bernhardi (1912), de Arthur Schnitzler. A montagem traz à cena questões sobre ética profissional, valores religiosos e os limites da medicina em um mundo inundado pelas redes sociais.

Após 3 anos da sua última vinda, a dupla britânica SEAFRET, formada por Jack Sedman e Harry Draper, voltará ao Brasil para um show em São Paulo, no Cine Joia, no dia 24 de agosto (domingo), como parte da sua nova turnê de grandes hits. No repertório, eles irão cantar todos os sucessos dos seus três discos de estúdio, "Tell Me It's Real" (2016), "Most Of Us Are Strangers" (2020) e "Wonderland" (2023), incluindo os hinos "Atlantis", "Oceans", "Wildfire" e "Loving You", além de algumas músicas inéditas.

A exposição é primeira panorâmica institucional da artista e apresenta uma reunião significativa de séries até hoje raramente vistas em seu conjunto, além de um expressivo grupo de obras pouco conhecidas. A visita começa pela série Quadrus Negrus (1986), com mais de 20 trabalhos fundamentais de Ledora. Obras como Casa em amarelu (1986) marcam o início do trabalho de experimentação de linhas e cores, base para toda a sua produção artística. Nas obras, o giz pastel seco faz o traçado de triângulos, retângulos e fendas em linhas secas sobre o papel Carmen preto, item raro à época de produção da série.Ao caminhar pela exposição, o público encontra diferentes núcleos que parecem irradiar da parede de Quadrus Negrus, norteadora da exposição. Podem ser vistos conjuntos de trabalhos mais orgânicos, com obras como Casa em Amarelu (1989) e Objeto colorido II (2020). Paisagens, arranjos, casas e jardins são motivos recorrentes na produção da artista, mas a delicadeza dos detalhes, das cores e composições leva a atenção do espectador para muito além da representação.

A exposição propõe um mergulho na trajetória da arte circense no Brasil, revelando sua arquitetura nômade, seus personagens emblemáticos e sua importância como patrimônio cultural e afetivo do paísDe forma lúdica e interativa, o público é conduzido por um percurso sensorial que combina fotografias, vídeos, objetos históricos, maquetes e instalação holográfica, destacando a força simbólica e estética do circo ao longo dos séculos.

A exposição A Ecologia de Monet explora o vínculo entre o icônico artista impressionista Claude Monet (Paris, França, 1840—1926, Giverny, França) e o meio ambiente, integrando o programa curatorial do museu para 2025 dedicado ao ciclo de Histórias da Ecologia.A relação do pintor impressionista com a natureza abrange toda a sua obra, tornando-se mais complexa ao longo dos anos. O artista se dedicou à pintura de paisagem desde sua produção inicial, das cenas marítimas na Normandia, ao norte da França, ou da Floresta de Fontainebleau, até suas pinturas em série realizadas a partir de seu jardim em Giverny durante suas últimas décadas de vida.

Hulda Guzmán (Santo Domingo, República Dominicana, 1984) é reconhecida por retratar, por meio da pintura, seus arredores tropicais e caribenhos enquanto explora planos, perspectivas e realidades, povoadas por um elenco tecnicolor de seres humanos, animais, plantas antropomórficas e criaturas imaginárias. A exposição aborda a relação de Guzmán com a paisagem impressionista, destacando sua contribuição ao gênero ao mesclar a paisagem com características arquitetônicas, realismo mágico e muralismo mexicano.As narrativas em suas telas ocupam realidades contraditórias e oníricas. Personagens descansam em praias paradisíacas ao lado de apartamentos abandonados, dançam em pistas que se estendem até a floresta tropical e perseguem demônios por interiores elegantes

Memórias Póstumas de Brás Cubas, clássico de Machado de Assis, ganha corpo, voz e música no palco da Biblioteca Mário de Andrade. A adaptação é assinada por Regina Galdino e interpretada por Marcos Damigo, indicado aos prêmios APCA e Aplauso Brasil.Com trilha original de Mário Manga e direção musical de Pedro Paulo Bogossian, o espetáculo apresenta a história de Brás Cubas, que narra sua vida com humor e crítica social, livre das convenções do mundo dos vivos. A montagem une teatro, música, dança e literatura.

A dupla australiana The Veronicas se apresenta no Cine Joia, como sideshow do festival I Wanna Be Tour.

Com a maestria da dramaturgia de João Sanches, a envolvente trilha sonora ao vivo de Adriano Salhab e o hipnotizante vídeo ao vivo de Igor Marotti, "Boca a Boca" é uma ode à resiliência da palavra. Desde sua estreia em 2015 no prestigiado Instituto Camões, em Lisboa, e suas dezenas de apresentações em São Paulo, Bahia e Berlim, o espetáculo evoluiu. A nova versão incorpora sugestões preciosas do especialista, músico e intelectual José Miguel Wisnik, e desvela poemas que, apesar de escritos há séculos, revelam-se perturbadoramente contemporâneos.A obra é um resgate apaixonado da importância de Gregório de Matos, o poeta baiano nascido em 1636, considerado o verdadeiro iniciador da literatura brasileira. Conhecido por suas críticas afiadas e debochadas à sociedade do século XVII, que lhe valeram os apelidos de “Boca do Inferno” e “Boca de Brasa”, Gregório foi exilado, banido de sua amada Bahia. "Queremos trazer Gregório de volta para a Bahia e mostrar o quanto ele é atual", comenta João Sanches, em um grito de justiça poética: "queremos dar um solo para Gregório".

Atividade livre de experimentação tátil e visual com massinhas de modelar (atóxica).Para crianças a partir de 2 anos de idade acompanhada de adulto responsável.

Como o trabalho molda nossas relações, nossa saúde e até nosso senso de identidade? É a partir dessa provocação que nasce a comédia dramática “Dá Trabalho!”, espetáculo quereúne os criadores Cris Wersom, Juliana Rosenthal e Paulo Azevedo. Eles usam o humor como ponto de partida para tratar de temas cada vez mais presentes na vida profissional: burnout, redes sociais, saúde mental e masculinidade tóxica.

Três mulheres, 40+, presas em um elevador. Dezessete minutos sem sinal, sem ventilação e sem filtro. Assim começa Mulheres em Chamas, espetáculo que estreia no Teatro UOL.Criado e protagonizado por Camila Raffanti, Juliana Araripe e Miá Mello, – nomes ligados a sucessos como Mãe Fora da Caixa e Confissões das Mulheres de 30 –, o espetáculo, com direção de Paula Cohen, traz à cena um tema urgente e ainda pouco representado: a menopausa. Com humor, franqueza e sensibilidade, a peça quebra o silêncio sobre uma fase que atravessa a vida de todas as mulheres, mas que ainda é cercada de tabu e desinformação.

Mais do que celebrar as relações entre Brasil e França, este programa oferece um panorama da música coral francesa ao longo de pouco mais de cem anos. Do ocaso do Romantismo à chegada do Modernismo, e da esperança no século XX, passando pelas incertezas e destruição das Grandes Guerras, as ilusões, tensões, frustrações e tentativas de ressignificação do mundo se refletem na produção musical desse período.Jean-Yves Daniel-Lesur (1908-2002) foi um dos fundadores, em 1936, do grupo La Jeune France, cujo objetivo principal era escrever uma música mais humana, próxima do público e menos abstrata. Le Jardin Clos integra Cantique des Cantiques (1952), principal obra do compositor.Embora tenha falecido muito jovem, Lili Boulanger (1893-1918) deixou importante contribuição como compositora. Sous Bois (1911), para coro misto e piano, sugere uma atmosfera naïf e nostálgica, que contrasta com as tensões políticas e sociais que se evidenciavam no período e que conduziriam o mundo à Primeira Guerra Mundial.Aluno de Nadia Boulanger, irmã de Lili, Jean Françaix (1912-1997) escreveu obras equilibradas, claras, bemhumoradas e, por vezes, satíricas. Em Trois Poèmes de Paul Valéry (1982), Françaix evidencia as aliterações, assonâncias e todos os ricos detalhes dos textos do poeta, ao mesmo tempo que mantém o seu estilo composicional.Em Choeur des Elfes (1899), Pauline Viardot (1821-1910) mostra sua faceta menos conhecida: a de compositora. Cantora e pianista de ascendência espanhola, Viardot nasceu em uma família de músicos – sua irmã, Maria Malibran, é uma das maiores divas da história da ópera. Viardot enfrentou corajosamente os ditames da época, mantendo sua atividade como musicista após o casamento.A obra de Claude Debussy (1862-1918), que inaugurou a música moderna nos últimos anos do século XIX, é apresentada em dois momentos: Trois Chansons de Charles d’Orléans (1898), sua única composição para coro a cappella, mostra o compositor já em sua fase modernista; e a versão para coro de Beau Soir (1891), canção contemplativa sobre poema de Paul Bourget, traz um Debussy que ainda caminhava em direção ao século XX.Francis Poulenc (1899-1963), integrante do Les Six – importante movimento da vanguarda francesa no entreguerras –, constitui em Sept Chansons (1936) sua maior obra para coro misto e uma das mais importantes de sua produção.Nessa série, o compositor resgata elementos da escrita de Léonin, Pérotin, Machaut, Josquin des Prez e Monteverdi combinados a técnicas de composição observadas em Debussy, Ravel e Stravinsky.Obra mais antiga do programa, Les Djinns (1876) é uma das poucas composições corais escritas por Gabriel Fauré (1845-1924) a partir de texto profano. Foi Fauré, aliás, quem realizou a transição do século XIX para o XX na música francesa, abrindo caminho para os modernistas Debussy, Ravel, Poulenc e todos aqueles que os sucederam.

Zoe Zeniodi, destacada maestra da Grécia, dirige o El Sistema de seu país e tem conquistado prêmios e bolsas que apoiam a regência de mulheres pelo mundo. Em sua estreia com a Osesp, interpreta a música de uma das mais importantes compositoras brasileiras, Marisa Rezende. Sua obra Vereda foi encomendada e estreada pela Osesp em 2003, e desde então tem estado no programa de orquestras brasileiras.A francesa Louise Farrenc é outra compositora que, apesar do respeito que conquistou em vida, teve sua obra esquecida após a morte. Exímia pianista, foi a primeira mulher a ocupar uma vaga de professora no Conservatório de Paris, em meados do século XIX. Além de diversas peças para piano e música de câmara, Farrenc deixou três sinfonias. A segunda delas parece olhar o passado imediato, evocando Mozart e Beethoven. O concerto se encerra com Sheherazade, de Rimsky-Korsakov. Episódios das Mil e uma noites inspiraram essa suíte sinfônica, que é costurada por belas passagens ao violino solo, que representa a voz da narradora da obra árabe.

"CAMINHOS SELVAGENS" é o disco e espetáculo que comemora os 15 anos de carreira de CATTO. Com letras confessionais, arranjos intensos e uma performance vocal hipnotizante, a artista apresenta um show poderoso e visceral, onde o rock serve de fio condutor para emoções à flor da pele. No repertório, canções do seu mais novo álbum se misturam com faixas marcantes de trabalhos anteriores, incluindo seu aclamado tributo a Gal Costa.

Zoe Zeniodi, destacada maestra da Grécia, dirige o El Sistema de seu país e tem conquistado prêmios e bolsas que apoiam a regência de mulheres pelo mundo. Em sua estreia com a Osesp, interpreta a música de uma das mais importantes compositoras brasileiras, Marisa Rezende. Sua obra Vereda foi encomendada e estreada pela Osesp em 2003, e desde então tem estado no programa de orquestras brasileiras.A francesa Louise Farrenc é outra compositora que, apesar do respeito que conquistou em vida, teve sua obra esquecida após a morte. Exímia pianista, foi a primeira mulher a ocupar uma vaga de professora no Conservatório de Paris, em meados do século XIX. Além de diversas peças para piano e música de câmara, Farrenc deixou três sinfonias. A segunda delas parece olhar o passado imediato, evocando Mozart e Beethoven. O concerto se encerra com Sheherazade, de Rimsky-Korsakov. Episódios das Mil e uma noites inspiraram essa suíte sinfônica, que é costurada por belas passagens ao violino solo, que representa a voz da narradora da obra árabe.

Playing For Change, coletivo musical global dedicado a inspirar e conectar o mundo por meio da música, apresenta-se na Casa Natura Musical,Reconhecida mundialmente por seu som que atravessa fronteiras e estilos, a Playing For Change Band reúne músicos de diferentes culturas e origens para celebrar a união, a paz e a transformação positiva através da música. Suas apresentações são marcadas por uma energia contagiante, diversidade sonora e mensagens que tocam o coração do público.A formação conta com artistas de destaque como Mermans Mosengo e Jason Tamba (República Democrática do Congo), Clarence Bekker (Holanda), Tula Ben Ari (Israel), Titi Tsira (África do Sul), Keiko Komaki (Japão), Paulo Heman (Brasil), Robin Moxey, Claire Finley e o convidado especial Franklin Vanderbilt (Estados Unidos).

Jurandir é um homem comum, íntegro, batalhador, que um dia vê sua vida mudar após recusar, e depois aceitar, uma proposta milionária para divulgar uma casa de apostasonline. A partir dessa escolha, ele mergulha numa espiral de lembranças, dilemas morais e questionamentos sobre sucesso, fama e dinheiro. Partindo da Teoria do Medalhão, deMachado de Assis, a história atualiza o conto para expor os bastidores de uma sociedade onde parecer vale mais do que ser, e onde a linha ética entre ganância e ambição é cadavez mais turva. Tudo isso costurado por música ao vivo, bom humor e uma linguagem que mistura stand-up, teatro e crítica social. BET BALANÇO é uma tragicomédia contemporânea sobre o preço das escolhas num mundo que transformou a influência em moeda e a vaidade em virtude.

É noite de lançamento da invenção farmacêutica mais ousada da década: a autoestima do homem hétero, sintetizada em pílulas. Carina, a criadora da fórmula, revela ao público os componentes do medicamento, reencenando situações hilárias e dando vida aos personagens masculinos que serviram de “matéria-prima” para sua criação que promete revolucionar o mundo. O problema é que ninguém estava preparado para as consequências… nem ela própria!

Memória, ancestralidade e resistência conduzem a trama de Macuco, espetáculo que estreia no Sesc Pinheiros. Com dramaturgia de Victor Nóvoa e direção e cenografia de Luiz Fernando Marques (Lubi), a montagem é protagonizada por Edgar Castro e Vitor Britto, e conta com a participação especial da atriz Cleide Queiroz em vídeos e direção de produção de Helena Cardoso. Na peça, Sebastião é um entregador de aplicativo que se aproxima da velhice enquanto carrega memórias que insistem em reaparecer. Um incêndio criminoso ocorrido há mais de 50 anos o forçou a deixar a vila de pescadores onde nasceu. Em sonho, uma revoada de macucos - pássaros da Mata Atlântica ameaçados de extinção - anuncia que sua mãe, Cleide do Ilhote, está em risco por causa de um novo incêndio. A partir daí, ele inicia uma jornada de retorno à ilha onde cresceu, confrontando o apagamento de sua ancestralidade, a destruição de sua comunidade tradicional e as marcas da repressão sofrida na infância, incluindo sua relação homoafetiva com Bernardo.

Acontece na Sala São Paulo a sexta edição da temporada de encontros entre o popular e o erudito. A cada edição, dois artistas da MPB se apresentam juntos da São Paulo Big Band.

Após uma edição de sucesso em 2024, o festival Emo I Wanna Be Tour volta a São Paulo com atrações nacionais e internacionais. Fall Out Boy, Good Charlotte, Yellowcard, Story Of The Year, The Maine, The Veronicas e Neck Deep serão as atrações internacionais que farão parte do line-up. Os brasileiros Fresno, Forfun, Dead Fish, Gloria e Fake Number completam a programação.

Contar histórias é a arte de Odília Nunes, uma palhaça do Nordeste brasileiro que estará em cena no Itaú Cultural (IC), todos os domingos de agosto, às 16h, com o espetáculo Decripolou Totepou. Em sua mala, a palhaça carrega sonhos e objetos encantadores, que ganham vida em cena. Lá dentro, de tudo um pouco: mamulengo, malabares e brinquedos populares se unem a truques de ilusionismo para costurar a narrativa de parlendas e poesias populares. Além disso, um figurino construído com material reciclado é roupa e cenário sonoro que a atriz veste para inventar espaços e musicalidade.

A obra clássica de Nelson Rodrigue parte de um ato de misericórdia (um beijo na boca dado a um homem por outro homem na hora de sua morte) e suas repercussões na sociedade.Arandir, um bancário recém-casado, presencia o atropelamento de um homem em frente à Praça da Bandeira. Ao tentar, sem sucesso, socorrer a vítima, ele atende o seu último pedido: um beijo.Um repórter sensacionalista e um delegado corrupto fazem do ato um escândalo social que abala a reputação de Arandir e leva toda a família do bancário a um caminho sem volta inferno a dentro.Esse caos estabelecido entre as múltiplas versões do fato e o confronto impiedoso com uma sociedade moralista e hipócrita exacerba toda sorte de sentimentos e revela ações inesperadas que diz muito das nossas relações sociais.

São Paulo Surrealista - Corpo Antifascista é um ritual teatral dirigido por Marcelo Marcus Fonseca, que mergulha no surreal para retratar símbolos e fantasias de São Paulo. É uma ode à cidade e seus personagens, confrontando - em um jogo de imagens sobrepostas - as contradições e fantasias da metrópole.O espetáculo não conta necessariamente uma história. O que não significa que a peça não tenha uma dramaturgia sólida e uma linha narrativa. Para revelar a cidade real, nada é realista. Os textos são colagens emolduradas por imagens e figuras da metrópole, sejam elas reais ou distorcidas, tendo na música ao vivo um elemento essencial para traduzir sua pulsação. Mário de Andrade, Roberto Piva, Pagu, nativos, cidadãos comuns, ninfas e animais recebem o surrealista André Breton, observado por Antonin Artaud (dramaturgo francês, surrealista), para um mergulho na capital paulista, percorrendo Os Nove Círculos do Inferno de Dante Alighieri.

Marília Gabriela sobe ao palco para uma última entrevista — desta vez, como entrevistada. E quem comanda a conversa é alguém bastante familiar: seu filho caçula, Theodoro Cochrane. A peça se passa durante um programa de entrevistas ao vivo, no teatro, onde ficção e realidade se confundem, e o que parecia apenas uma conversa vira um jogo de tensão e revelações, explorando os arquétipos da relação entre mãe e filho.Feminismo, conflitos geracionais, etarismo e a fronteira entre o público e o privado atravessam o texto, que diverte e provoca. Sem a quarta parede, o público participa ativamente da montagem — e até responde ao clássico bate-bola, marca registrada de Marília Gabriela. Escrita por Michelle Ferreira e dirigida por Bruno Guida, a comédia dramática volta a São Paulo após passar por cidades como Rio de Janeiro, Porto Alegre, Brasília e Belo Horizonte, somando mais de 32 mil espectadores.

Paralém é uma ficção distópica que surgiu de um trabalho de pesquisa do Coletivo Roof. A trama se passa após uma tempestade solar que desativa toda a tecnologia mundial, forçando a humanidade a retomar modos de vida arcaicos. Nesse cenário, Bill, um jovem pseudocientista, ativa uma máquina do tempo e chega a Paralém — uma cidade enigmática, regida por mulheres e habitada por criaturas fantásticas. Com estética sombria e atmosfera onírica, o espetáculo propõe reflexões sobre tecnologia, espiritualidade e os limites da realidade.

O espetáculo A Comunidade do Arco-Íris, único trabalho do autor gaúcho Caio Fernando Abreu (1948-1996) voltado para o público infantil, traz pautas como a coletividade e a importância de se respeitar as diferenças.A obra ganhou uma montagem dirigida por Suzana Saldanha, sob supervisão de Gilberto Gawronski em 2024 e traz no elenco Bianca Byington, Raquel Karro, Tiago Herz, Lucas Oradovschi, Lucas Popeta, André Celant, Renato Reston, Patricia de Farias, Aisha Jambo (stand-in) e Maksin Oliveira (stand-in). Além disso, conta com participação especial em vídeo de Malu Mader na abertura do espetáculo.Na trama, brinquedos e seres mágicos decidem viver numa comunidade na floresta, longe do mundo dos humanos, onde não há poluição e nem consumo desenfreado. A chegada de três gatos a esse recanto de paz, provoca discussões sobre confiança, respeito, amizade e democracia.

A exposição imersiva propõe uma jornada que percorre o universo da ficção científica e da literatura fantástica e histórica criados por Julio Verne. A mostra, inédita no Brasil, faz uma imersão nas aventuras mais espetaculares do autor francês por meio de oito salas que exploram suas obras mais lendárias, como: Viagem ao Centro da Terra, 20.000 Léguas Submarinas, Volta ao Mundo em 80 Dias, Cinco Semanas em um Balão, A Casa a Vapor, Da Terra à Lua, entre outras.

Flávia Reis, que há 15 anos pesquisa o humor no gênero feminino, se apropria justamente da figura das mulheres conhecidas popularmente como neuróticas para satirizar os pequenos dramas da sociedade contemporânea, de forma crítica e com bastante ironia e acidez.A atriz se divide entre 11 personagens femininos, colocando uma lente de aumento nas figuras neuróticas do dia-a-dia. A trama é conduzida por uma terapeuta que, em uma palestra absolutamente equivocada sobre neuroses, apresenta tipos como a mulher que perde o próprio carro no estacionamento, a idosa pessimista que prevê o fim do mundo ao comer um tomate com agrotóxico e “Fernanda”, a cerimonialista que se atrapalha ao atender vários celulares ao mesmo tempo.

Júlia Rabello, Maria Clara Gueiros e Priscila Castello Branco conquistam o público em ‘Agora É Que São Elas!’, as atrizes se transformam em vinte personagens, entre femininos e masculinos, como protagonistas de nove esquetes escritos por Fábio Porchat.‘Agora é Que São Elas!’ se destaca pelo humor autêntico, com espaço para improvisação, aproximando o público de cada cena. E, como uma das linguagens mais dinâmicas do teatro, cada esquete pode ser interpretado de maneira diferente a cada apresentação, oferecendo à plateia a sensação de estar assistindo a um espetáculo exclusivo a cada vez.

Nas traiçoeiras montanhas da Transilvânia, um pacato corretor de imóveis britânico entra numa jornada alucinante a fim de encontrar um novo e misterioso cliente, que por um acaso é o mais aterrorizante e feroz monstro que o mundo conheceu: "Conde Drácula". Ao mesmo tempo, a famosa caçadora de vampiros Jean Van Helsing e sua trupe estão procurando por "Drac" da Transilvânia entre as terras longínquas da Inglaterra e de Londres até os confins

A retrospectiva de Andy Warhol que desembarca em São Paulo é a maior mostra dedicada ao artista já realizada fora dos Estados Unidos. Com curadoria de Priscyla Gomes e Amber Morgan, a mostra contará com mais de 600 obras, vindas do The Andy Warhol Museum (Pittsburgh/EUA), as quais estarão distribuídas em 2000 metros quadrados degalerias. Na extensa lista estão trabalhos icônicos do pintor, alguns dos quais sairão das paredes do museu pela primeira vez: Campbell´s Soup, Elvis, Mao, Marilyn, Michael Jackson e Pelé, são bons exemplos. Em “Andy Warhol: Pop Art!”, o público brasileiro terá acesso a pinturas de todas as fases da carreira, serigrafias, esculturas, fotografias, instalações de grande porte e filmes experimentais do artista. Grande expoente da Pop Art, movimento artístico caracterizado por se utilizar de elementos da cultura popular, Andy Warhol é considerado um dos artistas mais importantes do século XX. Sua produção rompeu as barreiras entre a vida cotidiana e a arte, de maneira irônica e criativa, numa explosão de linguagem visual queconquistou o mundo e reverbera até hoje.

Uma homenagem à luta, à alegria e à resistência das mulheres Guarani Mbyá: esse é o mote de Jaraguá Kunhague Ouga'a - O jogo das mulheres do Jaraguá, a nova mostra temporária do Museu do Futebol. A exposição celebra o futebol das mulheres Guaranis Mbyá da Terra Indígena Jaraguá, e apresenta a importância do jogo no contexto da resistência na manutenção do modo de vida indígena no meio urbano paulistano.

Com mais de 200 apresentações e 80 mil espectadores, O Pai é um espetáculo escrito por Florian Zeller, e que no Brasil recebe uma montagem estrelada por Fulvio Stefanini. Com este trabalho (considerado um dos maiores de sua carreira), ganhou o Prêmio Shell de melhor ator.Fulvio Stefanini interpreta André, um idoso de 80 anos, rabugento, mas muito simpático e divertido. Com sua cabeça começando a falhar, sua filha vive um dilema: cuidar de seu pai, ou interná-lo em um asilo e ir curtir a vida com seu novo namorado.

O Sesc Vila Mariana recebe a exposição inédita Jardim do MAM no Sesc, uma correalização do Museu deArte Moderna de São Paulo e do Sesc São Paulo. A mostra tem curadoria de Cauê Alves e Gabriela Gotoda e reencena na entrada do Sesc Vila Mariana elementos do Jardim de Esculturas do MAM. Nela, o público poderá apreciarobras da coleção do MAM, entre esculturas icônicas de Alfredo Ceschiatti, Amilcar de Castro e Emanoel Araújo, e trabalhos que exploram críticas sociais, como as obras de Regina Silveira, Luiz 83 e Marepe.A seleção de obras inclui peças que já integraram o Jardim do MAM, além de trabalhos do acervo do museu que dialogam com temas como natureza, cidade e materialidade

A exposição com curadoria de Bitu Cassundé e assistência de Maria Luiza Meneses apresenta uma seleção com cerca de 250 fotografias realizadas ao longo de 50 anos de trajetória do fotógrafo paraense. A partir do arquivo do artista, o recorte não linear de imagens delineia a dimensão do imaginário sensível e ficcional de Luiz Braga (Belém, PA, 1956) sobre o território amazônico, principal interesse em sua produção. O título da mostra se refere ao chamado arquipélago do Marajó, maior arquipélago fluviomarítimo do mundo, formado por mais de 2.500 ilhas no estado do Pará, que inclui a capital Belém e a Ilha do Marajó, lugares registrados por Braga. Ao escolher a terra natal como campo poético de investigação de imagem e vida, ao longo das décadas o fotógrafo elabora operações relacionais de aproximação e convívio com as pessoas e lugares registrados. O resultado é uma produção intensa, carregada de intimidade e cuidado com os sujeitos e ambientes, que compreende aspectos de uma Amazônia múltipla.

Marcone Moreira (1982, Pio XII, MA) apresenta Vertebral, uma instalação com cerca de 600 hélices de alumínio de uma embarcação adquiridas de uma fundição artesanal amazônica, que preserva técnicas tradicionais. A instalação integra o projeto No Deck, em que artistas são convidados a criar obras site specific para a área externa da instituição. Dispostas em 20 metros, as hélices com seis tamanhos distintos mimetizam o movimento de uma cobra e evocam fluxos e deslocamentos aquáticos.

Gésio, ou Jazzinho, cresceu cercado pela expectativa de se tornar um gênio do jazz, título que nunca sentiu merecer. Em um bar que parece flutuar entre memórias e eternidade, ele reencontra sua família e revisita escolhas, afetos e frustrações. Misturando humor, música ao vivo e emoção, Aqui Jazz é um musical intimista que transforma a vida comum em um improviso épico sobre pertencimento, legado e reconciliação.

Fala Falar Falares, a próxima exposição temporária do Museu da Língua Portuguesa, aborda a capacidade de se manipular o som a partir do corpo, sob uma perspectiva mais do que especial: a do português falado no Brasil e de sua variedade. A mostra conta com curadoria da cenógrafa e cineasta Daniela Thomas e do escritor e linguista Caetano W. Galindo. A exposição tem o objetivo de fazer o público pensar no quanto é especial a capacidade de falar – e, com a fala, criar música, cultura e se expressar de maneiras tão diferentes dentro da mesma língua.

O espetáculo O Avesso da Pele é a montagem teatral do premiado romance escrito por Jeferson Tenório. A história é contada por Pedro, que tem na morte do seu pai – um professor de escola pública assassinado voltando para casa depois da aula, numa desastrosa abordagem policial – o ponto de partida para uma investigação do passado.Em cena, os quatro atores se alternam entre os personagens, em um movimento em que todos serão pai e filho em algum momento. O cenário é o apartamento de Henrique, no qual Pedro, após o assassinato, observa os objetos ali presentes e os utiliza como ponto de partida na recuperação da história de seu pai.

O Teenage Fanclub, ícone do rock britânico, volta a São Paulo em 4 de setembro de 2025, após 14 anos. Com mais de 30 anos de carreira, a banda escocesa mistura indie pop com influências de folk e rock dos anos 60. Seu mais recente álbum, Nothing Lasts Forever, mantém sua marca de canções melódicas e letras sobre amor e cotidiano.

Um dos principais e mais atuantes compositores contemporâneos brasileiros, o carioca Ronaldo Miranda (1948) ocupa a cadeira de número 13 da Academia Brasileira de Música. Com uma obra que explora diferentes texturas e técnicas, sem perder de vista a sensibilidade emocional, Ronaldo coleciona láureas como o título de Cavaleiro da Ordem de Artes e Letras, do Ministério da Cultura da França; o Troféu Golfinho de Ouro, do Governo do Estado do Rio de Janeiro; e o prêmio de Compositor do Ano pela Secretaria do Estado de São Paulo, simbolizado pelo Troféu Carlos Gomes. Suas obras têm sido apresentadas em importantes salas de concerto ao redor do mundo, como o Teatro Colón (Buenos Aires), a Tonhalle (Zurique), o Mozarteum (Salzburgo) e o Queen Elizabeth Hall (Londres). No Brasil, Ronaldo Miranda é colaborador habitual das principais orquestras do país, recebendo encomendas regulares. Formou também escola, sendo professor da Universidade de São Paulo (USP) por muitos anos. Amigo antigo do Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo, que tem por ele admiração mútua, Ronaldo nutriu por muito tempo o desejo de escrever para o grupo. A oportunidade surgiu em 2006, como parte de um projeto de pesquisa acadêmica do compositor. Estreada pelo Quarteto de Cordas no ano seguinte, Texturas – a peça tem título descritivo – possui quatro movimentos que exploram, cada um, uma sonoridade diferente. Outro amigo do Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo é o compositor, violinista e regente Arthur Barbosa (1965). Natural de Fortaleza, o músico já residiu na Argentina e no Chile antes de se estabelecer no Rio Grande do Sul, onde é violinista da Orquestra Sinfônica de Porto Alegre (Ospa) e regente da orquestra jovem da mesma instituição. Suas obras já foram apresentadas na Argentina, Suíça, Áustria, Itália, Hungria e nos Estados Unidos, entre outros países, e refletem o multiculturalismo incorporado pelo compositor em suas andanças, trazendo elementos de diversos repertórios latinoamericanos. A peça Brazuca, contudo, volta-se para as tradições brasileiras, tendo sido composta especialmente para Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo e estreada pelo grupo em 2023.

La damoiselle élue é uma cantata para solistas, coro feminino e orquestra. Escrita por Debussy ainda no século XIX, num momento em que a admiração do compositor francês por Wagner estava em seu auge, o que fica evidente nas harmonias cromáticas e melodias infinitas da obra. As brasileiras Lina Mendes e Ana Lucia Benedetti atuam como solistas. Michael Jarrell é um compositor suíço dos mais importantes de seu país. A pedido da Osesp, escreveu Passages, concerto para clarinete que recebe sua estreia no continente neste programa. O solista será Martin Fröst, reconhecido como músico e maestro de grande virtuosidade e com interesses amplos dentro do repertório.Dando continuidade ao ciclo da integral de Tchaikovsky, o programa se encerra com sua Sinfonia nº 3. Em vez dos tradicionais quatro movimentos, esta obra possui cinco e justamente o último, que se utiliza de ritmos poloneses, é que acabou gerando o apelido pelo qual é conhecida.

Poranduba é uma palavra da língua tupi que significa contar uma história. O espetáculo se baseia no livro ‘Poranduba Amazonense’, que descreve lendas, mitos e cantigas indígenas. Foi publicado em 1890, fruto de uma missão que seu autor, João Rodrigues, teve na Amazônia, para onde foi enviado pela Princesa Isabel.

Neste ano em que Mercedes Sosa completaria 90 anos, a cantora hondurenha-brasileira Indiana Nomma apresenta um tributo oficial à maior voz da América Latina com o espetáculo “Mercedes Sosa: A Voz dos Sem Voz” na Casa Natura Musical. A apresentação vai acontecer no formato Sala da Casa, um jeito aconchegante de aproveitar a noite num ambiente especial: sem lugares marcados, com sofás, mesas e pista livre. Acompanhada pelos músicos André Pinto Siqueira (violão) e André Rass (percussão), Indiana apresenta um recorte do repertório que consagrou Mercedes nos palcos da América Latina, Europa e Ásia. Com interpretações emocionantes de clássicos como “Volver a los 17”, “Gracias a La Vida”, “Los Hermanos”, “Todo Cambia” e “Sueño con serpientes”.

O Grupo Pano retorna aos palcos paulistanos com ¡CERRADO!, peça indicada à 35ª edição do Prêmio Shell (2025) na categoria Música, pela direção musical de Marco França (vencedor do Prêmio em 2016 e 2019Em ¡CERRADO!, uma Mulher encontra Viejo – o criador dos limites da América Latina - e, ao mover a linha de seu mapa, abre uma fresta no continente convocando uma entidade encantada que entrelaça tempos e histórias, revisitando as origens da proibição da dança no deserto.A ideia do espetáculo nasceu de um evento peculiar: uma placa em um bar de San Pedro do Atacama, no Chile, onde se lia "No se puede: Bailar". A proibição da dança, resultado de uma legislação municipal burocrática, tornou-se um símbolo do controle estatal sobre os corpos e da necessidade de reencantar a vida cotidiana.

Por meio do humor, da leveza e do jogo de palavras de José Saramago, o espetáculo reflete sobre o desconhecido. “O conto da ilha desconhecida”, narra a história de um homem que, com notável atrevimento, bateu à porta de um rei e lhe pediu um barco para ir à procura da ilha desconhecida.

Depois do sucesso de sua primeira montagem, a comédia “O Marido da Minha Mulher” retorna aos palcos em nova e curta temporada no Teatro-D-Jaraguá. Na trama escrita por Sérgio Abritta e dirigida por Carlinhos Machado, o fanfarrão Alex (Daniel Rocha) morre após um acidente inesperado, mas retorna do além para impedir que sua esposa, Bruna (Fefe), se case com seu maior desafeto, o esnobe Nico (Conrado Caputo). Para atrapalhar os planos do rival, Alex contará com a ajuda de seu melhor amigo Paulo (Ton Prado), num enredo repleto de situações hilárias, mal-entendidos e pitadas de emoção.

O MuBE — Museu Brasileiro da Escultura e Ecologia — apresenta a exposição “Fluxos”, da artista multimídia Laura Vinci. Com curadoria de Agnaldo Farias, a mostra investiga as relações entre arte, arquitetura e natureza, transformando o espaço do museu em um ambiente sensível e imersivo, que provoca uma experiência contemplativa e sensorial ao público.As instalações combinam estruturas metálicas e sistemas mecânicos que utilizam vapor a frio, criando formas efêmeras e silenciosas que ocupam o espaço de maneira orgânica.

O Coala Festival surgiu em 2014 com a proposta de reverenciar os grandes nomes da nossa música e abrir caminhos para a nova geração. Ao longo desses 10 anos de existência, o Coala se transformou em uma marca, o Coala Music, um ecossistema musical que atua em diversas frentes: festival, gravadora, núcleo de gerenciamento de carreira de artistas, agência criativa, canal de conteúdo digital e consultoria. Em 2024, o Coala Festival expandiu sua atuação com a primeira edição fora do Brasil, em Cascais, Portugal. Para a edição de 2025, o festival tem já anunciado nomes como Zé Ibarra, Dora Morelenbaum, Caetano Veloso, Terno Rei, Marina Sena, Liniker e outros.

Quantas perguntas se desdobram a partir de uma obra de arte? E quantas respostas?   A exposição Uma Obra torna visíveis os variados caminhos de leitura e interpretação que podemos percorrer a partir de uma mesma obra. Para sua segunda edição, selecionamos a obra Nessa terra, em se plantando tudo dá, feita em 2015, por Jaime Lauriano.

Midnight Generation, banda mexicana de electro-funk formada por Fernando Mares (vocal), Luis Carlos “Bica” Balderrama (teclado e backing vocal), Samuel Márquez (baixo e teclado), Samuel Márquez (bateria e backing vocal), Carlos Amaya (baixo e teclado) e Diego Bustillos (percussão), anunciou show único no Brasil ainda em 2025.

Ebony desembarca na Casa Natura Musical com sua nova turnê, KM2.Atravessando vivências profundas, reinvenções e a potência de ser uma jovem periférica que transforma a dor em criação, o show de Ebony costura faixas desse novo álbum com sucessos que marcaram sua trajetória. Este álbum conta com feats de Black Alien e Larinhx, com faixas que percorrem uma narrativa sonora autobiográfica e emocional sobre sua juventude na periferia, onde passado, presente e futuro se encontram em movimento.

Celso Frateschi e Zécarlos Machado interpretam respectivamente o cardeal Jorge Bergoglio e o Papa Bento XVI em uma trama de confronto de ideias de dois homens com visões de mundo diferentes, além de mostrar um respeito e amizade entre ambos. Com toques de humor, a história traz, de um lado, um refinado teólogo representante da tradição e dos velhos costumes da Igreja; do outro, um religioso carismático e com fama de rebelde disposto a construir pontes com as mudanças do mundo moderno.

Froid sobe ao nosso palco com um show que percorre sua trajetória. Com uma carreira marcada por intensidade, lirismo afiado e constante reinvenção, o rapper brasiliense apresenta um repertório que mescla sucessos já consagrados e faixas do recém-lançado O Veneno do Escorpião Volume 2.O novo volume da trilogia traz 13 faixas co-produzidas pelo próprio rapper. A produção mistura elementos do rap, trap e sonoridades contemporâneas, criando um som inovador e cativante. "O Veneno do Escorpião Volume 2" é uma obra que reflete a evolução artística de Froid, mostrando sua versatilidade e capacidade de se reinventar. O disco ainda conta com participações de nomes como Chris Mc, Vulgo FK, Mac Júlia, RT Mallone, 2ZDiniz, Ecologyk e TOKIODK.

A peça conta a história de um pai acometido pelo Alzheimer visitando seu filho paisagista, num final de semana. A história leva o público a se perguntar qual o lugar do afeto numa relação entre pai e filho, onde pouco coube a intimidade ao longo dos anos.Uma doença que fragiliza a memória de uma vida é capaz de construir memórias afetivas entre o pai e o filho. A peça fez temporadas de sucesso no Rio de Janeiro, Belo Horizonte e em diversas cidades do interior de Minas Gerais e agora chega a São Paulo, para uma curta temporada no Teatro Estúdio.

Após passar por sete cidades de Portugal, Marisa Orth e Miguel Falabella voltam a dividir o palco na comédia romântica Fica Comigo Esta Noite. Na trama, Marisa Orth interpreta uma mulher que recebe amigos e familiares em casa para o velório do marido, papel de Miguel Falabella. Por decisão própria, ela optou por velá-lo no quarto, deixando o caixão na porta, o que acaba atrapalhando a circulação dos convidados. A personagem explica que pode receber todos apenas até a meia-noite, pois prometeu ao marido que passariam juntos a última noite. Entre lembranças e sonhos, o próprio morto acompanha o velório e comenta tudo o que está acontecendo. Trata-se de uma comédia romântica que revela a trajetória de um casal que viveu junto por muitos anos — entre risos, segredos e muito amor.

A Pina Luz apresenta uma retrospectiva da artista Neide Sá. A mostra reúne um recorte significativo da produção da artista, evidenciando sua atuação como arte-educadora, a multiplicidade de linguagens e suportes de seu trabalho e também sua pesquisa de materiais. Essa trajetória responde a questões específicas de cada época: da novidade dos acrílicos, cores e formas de impressão entre os anos 1960 e 1970 ao retorno a narrativas sobre uma origem civilizatória no Brasil, que alcançava 500 anos de chegada dos portugueses na virada dos anos 1990 para os 2000.As 97 obras em exposição abrangem o período de 1960 até os anos 2000, conectando o começo de carreira da artista a sua produção mais recente. Com curadoria de Lorraine Mendes, a mostra conta com uma sala com obras interativas, como “Momento” (1967), “Reflexível” (1977) e “Nós & nós” (2004).A curadoria deste espaço foi compartilhada com a Área de Ação Educativa da Pinacoteca de São Paulo. Ali, o público pode tocar, interagir e compor seus próprios poemas.

Aclamado como “um pianista surpreendentemente sutil e visionário” com “uma rara mistura de charme e maestria”, o pianista croata ALJOŠA JURINIĆ se estabeleceu como premiado nos mais importantes concursos de piano do mundo. Após sua vitória no Concurso Internacional Robert Schumann, em 2012, na cidade natal do compositor, Zwickau, foi laureado no concurso Rainha Elisabeth, em 2016, em Leeds, em 2018, bem como finalista no Concurso Chopin de 2015, em Varsóvia.Aljoša se apresentou como solista e com orquestras em locais importantes em mais de 35 países nos cinco continentes, incluindo o Carnegie Hall de Nova York, Musikverein de Viena, a Salle Cortot de Paris, Gasteig de Munique, Tokyo Opera City Concert Hall, Osaka Symphony Hall, Sala Verdi de Milão, BOZAR de Bruxelas, Lisinski Concert Hall em Zagreb e muitos outros. Além disso, realizou várias turnês de recitais e com orquestras na China e no Japão.Sua discografia inclui seis álbuns com obras de Chopin, Schumann e Debussy, sendo o último com a gravação das Sonatas de Chopin. Um requisitado camerista, Aljoša colaborou com instrumentistas de renome mundial, como Kian Soltani, Luka Šulić e Petrit Çeku, para citar alguns. Em 2019, o presidente da Croácia concedeu-lhe a Ordem da Estrela da Manhã por realizações notáveis ​​na cultura e na promoção internacional de seu país.

A dupla argentina Ca7riel e Paco Amoroso volta ao Brasil para um show em que apresentam o seu projeto que traz elementos do hip hop, do trap e da música eletrônica. O duo se apresentou no Brasil no início do ano, sendo um dos destaques da edição de 2025 do Lollapalooza.

Mariana Nolasco apresenta a turnê “Quero Te Contar” no dia 19.09, na Casa Natura Musical. O show reúne faixas recém-lançadas, músicas inéditas e sucessos do projeto “quem é ela”.Na turnê, Mariana revisita momentos marcantes do projeto “quem é ela”, traz canções de seus mais recentes lançamentos, como “do raso ao fundo” e “viciado em mim”, e apresenta faixas inéditas que ainda não chegaram aos aplicativos de música. A proposta do show é oferecer uma experiência sensorial e emocional, em que cada música funciona como uma carta aberta, um segredo contado no palco.

Considerada uma das artistas mais brilhantes e inventivas do jazz contemporâneo, Esperanza Spalding retorna a São Paulo. Com sua abordagem única e ousada, Esperanza une virtuosismo técnico e liberdade criativa em uma obra que transita entre o jazz, a música clássica e o soul. Ela é contrabaixista, cantora, compositora, poeta e educadora. No repertório, músicas de todos os seus álbuns, incluindo o mais recente, Milton + Esperanza, gravado ao lado de Milton Nascimento.

Acontece na Sala São Paulo a sexta edição da temporada de encontros entre o popular e o erudito. A cada edição, dois artistas da MPB se apresentam juntos da São Paulo Big Band.

Uma história intensa sobre preconceito, amor, identidade, violência hetero e homoafetiva e reencontros, a peça Bruta Flor retorna aos palcos em nova montagem e com novo elenco.Na trama – um drama psicológico marcado por descobertas sexuais, desejo reprimido e as múltiplas violências que atravessam as relações contemporâneas –, Lucas e Miguel se reencontram após 15 anos. Amigos na juventude, seguiram caminhos distintos – Miguel foi estudar em Londres e Lucas se casou com Simone, sua namorada do colégio. Quando o reencontro acontece, o passado irrompe com força, revelando camadas profundas de afetos ocultos, homofobia internalizada e a urgência de viver uma verdade adiada.

A Alma Imoral desconstrói e reconstrói conceitos milenares da história da civilização -corpo e alma, certo e errado, traidor e traído, obediência e desobediência.Sozinha no palco, Clarice Niskier conta histórias e parábolas da tradição judaica, valendo-se somente de uma cadeira e um grande pano preto que, concebido pela figurinista Kika Lopes, transforma-se em oito diferentes vestes – mantos, vestidos, burcas. O espaço cênico concebido por Luis Martins é limpo e remete a um longo corredor em perspectiva.

Exposição individual da artista Anna Bella Geiger. A primeira mostra da artista em um museu judaico apresenta um conjunto de cerca de 60 obras, entre gravuras, vídeos, objetos e fotografias documentais. Com curadoria de Priscyla Gomes e Mariana Leme, a mostra se organiza em cinco grandes eixos: espaços, criação-proposição, linguagem, desterritorialização-transposição e imaginação política.A mostra abarca séries emblemáticas de diferentes períodos – de 1962 a 2025 – tendo como destaque as que exploram a cartografia, o trânsito e as passagens. É a partir dessas séries que a ideia de limiar é investigada, sendo os atravessamentos e as transposições noções centrais na produção da artista.

A exposição se apresenta como uma homenagem ao centenário da artista Hannah Brandt, completados em 2023. Com curadoria de Ruth Tarasantchi, a individual propõe um mergulho na trajetória da obra de Brandt, cuja produção consistente explora as possibilidades da gravura. Estão presentes temas como paisagens brasileiras, letras do alfabeto hebraico e outros elementos recorrentes em sua obra. O conjunto de 30 obras, selecionadas diretamente de seu ateliê, inclui parte do acervo doado ao museu após sua morte, em 2020, consolidando-se como a maior coleção dedicada à artista.

Para comemorar o aniversário de dez anos de seu álbum BLUE, a cantora sueca ionnalee retorna ao Brasil para apresentar a turnê em que interpreta o disco na íntegra, numa imersão audiovisual que dará vida à sua narrativa cinematográfica e ao seu mundo sonoro em palco.

Marcos Almeida apresenta Calado, quinto álbum do cantor e compositor mineiro, que traz um novo recorte à longa tradição brasileira de cantar sobre o mar e todo o seu universo litorâneo.As canções do trabalho são embaladas por questionamentos filosóficos e uma forte presença da espiritualidade cristã. Ainda assim, não abandona o diálogo com o público, mantendo refrões melódicos e uma essência genuinamente pop.

Idealizado e criado pela atriz Denise Fraga, o produtor José Maria e o diretor Luiz Villaça, EU DE VOCÊ mostra histórias reais, costuradas com pérolas da literatura, música, imagens e poesia.No espetáculo, o humor cotidiano leva o público a rir das situações corriqueiras. A gargalhada costuma ser uma arma poderosa que consegue ampliar a consciência, a sabedoria e trazer uma reflexão. Embora seja um solo, a atriz estará acompanhada de personagens inspirados em histórias reais: Fátima, Bruno, Clarice, Wagner, além de diversos artistas de grande reconhecimento, tecendo um bordado de vida e arte. Não há melhor espelho do que o outro. Sabemos quem somos a partir do que reverberamos.

Maui + 2ZDinizz estreiam na Casa Natura Musical em mais uma edição do projeto Frequências, que promete dois shows imperdíveis em uma única noite.Nascido em Duque de Caxias, na Baixada Fluminense, Maui mistura as melodias do R&B com elementos de gêneros eletrônicos como Grime, Afrobeats, Drum'n'Bass e Drill. Sua carreira começou em 2017, com o lançamento de singles que o destacaram na cena musical carioca. Mas foi em 2021, com o R&Drill "Pega as Suas Coisas", em parceria com o produtor ANTCONSTANTINO, que Maui superou um milhão de reproduções nas plataformas de streaming. Com o sucesso da faixa, passou a integrar o selo Leigo Records e a gravadora Deckdisc. Com versos afiados e carregados de emoção, 2ZDinizz vem consolidando seu espaço no rap nacional como uma das vozes mais autênticas da nova geração. Natural de Niterói, iniciou sua trajetória em 2012 como MC do grupo Card Principal. Desde então, transforma suas vivências e referências das ruas em rimas que resgatam a essência do boombap. Para ele, a música vai além da arte: é um canal direto com a realidade, um reflexo da cultura urbana e de suas raízes.

Referência do teatro brasileiro contemporâneo, Denise Stoklos volta aos palcos paulistanos com "Mary Stuart", obra-chave de sua aclamada trajetória internacional. Escrito, dirigido e interpretado pela artista, a encenação é considerada um dos maiores fenômenos do nosso teatro no exterior: foi apresentado em mais de 30 países e em 7 idiomas diferentes desde sua estreia, em 1987, na cidade de Nova York. A montagem também é conhecida por consolidar a linguagem do Teatro Essencial — proposta cênica radical criada por Stoklos, baseada na presença solitária do ator em cena, utilizando apenas a voz e o gestual como recursos expressivos. O espetáculo retorna a São Paulo exatos trinta anos após sua última temporada na cidade, celebrando também os 75 anos de vida e 57 de carreira da artista.

Chico César celebra 30 anos do lançamento do disco Aos Vivos com um show no formato voz e violão na Casa Natura Musical.O ano era 1995, e Chico César colocava seu álbum de estreia, Aos Vivos, no mundo. Trinta anos depois, o disco, que se tornou um clássico da música brasileira, ganha uma turnê de celebração. No palco da Casa, Chico canta o trabalho icônico na íntegra, além de outros sucessos da carreira.

George Gershwin segue mais atual do que nunca, e sua obra ganha novos contornos sob a direção de Grace Passô na aguardada estreia de Porgy and Bess no Theatro Municipal. Com seu olhar poético e ousado, Passô traz à cena o universo multifacetado desta ópera, que cruza as fronteiras do jazz, do teatro e da música clássica para contar uma história de luta e amor. Gershwin, que sempre transitou com leveza entre mundos, ainda nos anos 1920 e pouco depois de criar peças icônicas como Rhapsody in Blue, se encantou com o romance Porgy, de DuBose Heyward.A parceria entre Gershwin e Heyward nasceu de uma troca de cartas fervorosa, que resultou na colaboração entre os dois e Ira, o irmão do compositor e letrista consolidado. Em 1934, o compositor mergulhou no ambiente da Carolina do Sul,absorvendo as histórias e os ritmos que vibravam na alma do romance. Assim, em 1935, estreava Porgy and Bess em Boston, com uma inovação que ressoou como um grito de liberdade: a primeira ópera a trazer solistas negros de formação clássica, em um tempo em que tal escolha era uma transgressão.A trama de Porgy and Bess gira em torno das dores e paixões dos moradores de Catfish Row, com personagens como Porgy, um homem humilde e com uma deficiência física, e Bess, em busca de redenção após uma vida de provações. Canções como Summertime, My Man’s Gone Now e I Got Plenty o’ Nuttin emergem como clássicos eternos, capturando a alma da música norte-americana.

A riqueza musical e a história inspiradora de Djavan chegam aos palcos com “Djavan, O Musical: Vidas pra Contar”, um espetáculo que celebra a vida e a obra de um dos artistas mais aclamados da música brasileira. Idealizado por Gustavo Nunes, com direção artística de João Fonseca e autoria de Patrícia Andrade e Rodrigo França, o musical estreia em São Paulo. A direção musical fica a cargo de João Viana e Fernando Nunes.A peça mergulha na trajetória de Djavan, desde suas origens humildes em Maceió até sua consagração como um dos grandes nomes da MPB, trazendo ao público não apenas suas músicas mais marcantes, mas também os desafios e superações que moldaram sua jornada.A dramaturgia do musical explora a riqueza de estilos presentes na obra do artista – que passeia pelo jazz, samba, ritmos afro-brasileiros e pop –, além de destacar a força de suas letras, que falam de amor, amizade, superação e esperança. Essa conexão emocional, presente em suas canções, será transportada para o palco de forma envolvente, criando uma experiência única para o público.

Visto por mais de 13 milhões de pessoas, o espetáculo da Broadway, Jersey Boys - A História De Frankie Valli e The Four Seasons, vencedor de quatro Tony Awards, incluindo o de Melhor Musical, chega ao Brasil para curta temporada.O musical conta a história de The Four Seasons, a banda histórica dos anos 60 que fez sucesso gigantesco com diversos hits como “Beggin”, “Big Girls Don't Cry", “Can’t Take My Eyes Off You”, “Sherry” e "Walk Like a Man”. O quarteto icônico da música mundial será interpretado por: Henrique Moretzsohn, como Frankie Valli, Velson D'Souza como Tommy DeVito, Artur Volpi como Bob Gaudio e Bruno Narchi como Nick Massi.

“Mon Cœur - Piaf e Brel” é um musical intimista original que caminha sobre a obra da cantora francesa Édith Piaf, com pinceladas do cantor e compositor belga Jacques Brel, intercalado por cartas de amor escritas por Piaf e recortes de entrevistas. A intérprete Mariana Estol transita entre os estados dramáticos das duas personas em foco por meio da narratividade semibiográfica e da interpretação ao vivo de 15 canções tradicionais francófonas conhecidas como Chanson. O elenco é formado pela banda comportando piano, acordéon, guitarra e baixo, realizados pelos músicos e atores Mariah Altruda e Noedir, que intervém à dramaturgia em cena.

Curta temporada do espetáculo de comédia estrelado por Mouhamed Harfouch, com direção de João Fonseca. O espetáculo explora questões sobre origens, ancestralidade, identidade e o poder transformador da aceitação pessoal, com uma narrativa pessoal e emotiva, em que Harfouch mergulha na sua história de vida, em um processo criativo íntimo que levou o artista a revisitar sua trajetória, seu nome e sua herança cultural. Em Meu Remédio, Mouhamed se desafia na auto exposição, trazendo à tona questões do universo árabe, episódios importantes que fizeram parte de sua jornada e o impacto de suas escolhas em sua vida pessoal e profissional.

A obra conta a história de Rosa, uma passageira comunicativa, trabalhadora da limpeza, que tem olhar atento para as injustiças sociais. Em certo dia, ela exige que o motorista pare e volte para uma mulher negra em cadeira de rodas que deu sinal e foi ignorada. Ao descer para ajudá-la, o público vê apenas uma cadeira de rodas vazia. Com inspiração na ativista negra norte-americana Rosa Parks e na história de vida de Flávia Diniz a peça reflete, se na sociedade atual a mulher preta é invisível, a mulher preta com deficiência nem ao menos existe. Com dramaturgia de Shaira Mana Josy e Piê Souza, atuação de Ma Devi Murti e direção de Anderson Maurício, a peça A (Ré)tomada da Palavra ou A Mulher que Não se Vê transforma o ônibus — esse lugar de espera, empurra-empurra e pressa — em cena viva, onde silêncio vira fala, o transporte vira palco e a presença vira manifesto.

Um encontro de dois atores, um homem e uma mulher, com uma multidão de pessoas na plateia. Suas memórias. Suas próprias histórias e outras tantas que ouviram por aí. E o que só saberão, juntos? Esses dois atores e esse público? Uma sala cheia de gente que escolheu estar ali na companhia umas das outras. Há algo a celebrar, juntos?

A exposição apresenta cerca de 930 itens adquiridos desde a década de 1960 por Tina e Calito Azevedo Moura. Entre móveis, utensílios domésticos, ferramentas de trabalho, fotografias e materiais gráficos, os objetos foram produzidos por imigrantes europeus no sul do Brasil entre a segunda metade do século 19 e o início do século 20. A coleção representa o imaginário social e o dia a dia de imigrantes alemães e italianos e revelam aspectos pessoais do universo doméstico de pessoas que buscavam construir uma nova vida. As obras conjugam as lembranças, as técnicas e os costumes trazidos pelos imigrantes de sua terra natal, de um lado, e as condições e materiais que encontraram na terra de adoção, de outro.Passando por questões como habitação, religiosidade, marcenaria e culinária, os objetos apresentados denotam como uma mesma tipologia de artefato pode ter diferentes feições, carregando aspectos afetivos e emocionais. Trata-se de uma escolha dos colecionadores, que optaram por valorizar o trabalho manual contrapondo-se à lógica industrial de produção de peças idênticas em massa.

A primeira exposição individual de Tania Ximena (Hidalgo, México, 1985) no Brasil, apresentada na sala de vídeo, investiga as complexas relações entre humanidade, natureza e ciclos de transformação do planeta. A artista constrói narrativas que atravessam tempos geológicos e históricos, conectando formas de vida animadas e inanimadas, naturais e espirituais, manifestas em minerais, vegetais, animais, céu, terra e água. Por meio de imagens que combinam registros documentais, intervenções espaciais e fabulações poéticas, Ximena reflete sobre os impactos da ação humana no meio ambiente, apresentando a paisagem como protagonista de processos decisivos. Em sua obra, a paisagem não é apenas território ou recurso a ser explorado, mas um agente ativo que possibilita a existência humana.

Considerada referência na luta pelos direitos LGBTQIA+, a ativista Brenda Lee (1948–1996) é homenageada no musical, que ganhou os prêmios APCA de melhor peça, Bibi Ferreira de melhor roteiro e atriz revelação em musicais, além do Prêmio Shell de melhor atriz para Verónica ValenttinoO musical Brenda Lee e o Palácio das Princesas é uma obra de ficção, inspirada na história de Brenda Lee. O musical acompanha a mudança da pensão para travestis de Brenda, para a primeira casa de apoio para pessoas com HIV/Aids do Brasil, um local de acolhimento e segurança para pessoas tratadas com violência pela sociedade. Seu trabalho e dedicação deram a Brenda o título de o “anjo da guarda das travestis”.

Uma das vozes mais potentes e autênticas da nova geração do Britpop, Rachel Chinouriri desembarcará no Brasil pela primeira vez para um show único no Cine Joia. Combinando indie rock, bedroom pop e falsetes comoventes, Chinouriri leva ao palco seu álbum de estreia, What a Devastating Turn of Events (2024), lançado pela Parlophone e aclamado pela crítica.

Marcelo Médici retorna aos palcos com Dona Lola, seu segundo espetáculo solo, que homenageia as mulheres fundamentais em sua trajetória pessoal e artística. A temporada no Teatro FAAP – às quintas, a partir de 14 de agosto .A protagonista é uma senhora, dona de casa, que tem sua vida transformada ao se tornar um fenômeno das redes sociais com os vídeos postados pela sua neta. Após o inesperado sucesso, Dona Lola, fortemente incentivada por suas amigas mais próximas, decide se apresentar no teatro mesmo não sendo atriz, não tendo um espetáculo e muito menos o que dizer. As presenças mais aguardadas na plateia são das amigas que a convenceram, mas por motivos distintos não comparecem à apresentação, resultando na ira de Dona Lola, que acaba expondo a vida de suas amigas e, de certa forma, dizendo muito sobre ela.

Após se apresentar no Rock In Rio, a banda californiana Avenged Sevenfold volta ao Brasil com a turnê do álbum "Life is Cut a Dream...". O disco foi considerado um dos 11 melhores álbuns de metal pela revista Rolling Stone no ano de 2023.

Hoje conhecido sobretudo pela ópera Carmen, obra-prima cujo estrondoso sucesso o compositor morreu sem acompanhar, Georges Bizet (1838-1875) aprendeu a ler música ao mesmo tempo em que era alfabetizado, e antes dos 10 anos de idade estava matriculado no Conservatório de Paris. Em poucos anos, ganhou o primeiro prêmio em solfejo em piano e, em 1857, o cobiçado Prix de Rome, que lhe permitiu passar dois anos estudando em Roma.Em 1863, Bizet compôs Os Pescadores de Pérolas, ópera que só encontraria sucesso alguns anos depois. O compositor ganhava a vida como pianista acompanhador e arranjador de editoras musicais enquanto planejava grandes óperas, que frequentemente não chegava a terminar. Em 1872, a música incidental que escreveu para a peça L’Arlésienne encontrou grande repercusão ao ser reunida em uma suíte orquestral. Isso encorajou Bizet a concluir uma tão sonhada grande ópera, que quase não subiu ao palco em razão das objeções de cantores e diretores de teatro, chocados com o tema de Carmen. Quando estreou, em 3 de março de 1875, foi mal recebida, mas poucos meses bastaram para que o público se apaixonasse pela obra. Bizet, no entanto, não pôde acompanhar essa mudança de opinião, pois morreu três meses depois, aos 36 anos, convencido de que Carmen fora mais um de seus fracassos.Este concerto reúne cantores de ópera de todo o mundo, formados na Academia de Ópera de Paris, e músicos da orquestra do Theatro Municipal. Juntos, eles lembram o 150º aniversário da morte de Georges Bizet e da criação de Carmen. O público poderá redescobrir as grandes árias do compositor francês, excertos das suas óperas menos conhecidas, bem como grandes árias de Jules Massenet e Charles Gounod.

Comemorando 92 anos de vida e mais de 70 de carreira, o ator Othon Bastos, sobe ao palco em seu primeiro monólogo, escrito e dirigido por Flávio Marinho, relembrando suas vivências e fatos marcantes de sua trajetória.

Exposição individual da artista Ana Amorim, que ja expôs no MAC USP em diversos momentos desde os anos 1990, quando primeiro expôs seus mapas mentais no museu. A artista apresenta um corpo de trabalho baseado num exercício sistemático de registro do tempo e do espaço.

“Lady Tempestade” segue em nova temporada no Teatro FAAP. Estrelado por Andrea Beltrão, o espetáculo lança luz sobre uma história pouco conhecida da ditadura brasileira, propondo um diálogo entre arte, política e memória coletiva. Em junho, a montagem celebrou a marca de 100 apresentações, reafirmando sua potência cênica e o impacto com o público.Com direção de Yara de Novaes e dramaturgia de Sílvia Gomez, o espetáculo traz à cena a história da advogada pernambucana Mércia Albuquerque (1934-2003), que atuou na defesa de presos políticos durante a ditadura militar no Brasil. Um relato potente, que articula passado, presente e futuro, ao abordar a luta por justiça e memória em um país que insiste no esquecimento.Na trama, Andrea interpreta A., uma mulher que recebe, de forma inesperada, os diários de Mércia e se vê atravessada pelos relatos de coragem e resistência. O impacto desse encontro provoca reflexões sobre os ciclos de violência, a urgência da memória e os desafios da justiça social — temas que seguem absolutamente atuais.

“Pop Brasil: vanguarda e nova figuração, 1960-70” é a maior exposição da Pinacoteca em 2025, reúne 250 obras de mais de 100 artistas, proporcionando uma visão abrangente sobre a arte do período.A mostra se divide em temas que remontam aos grandes acontecimentos do período, como o surgimento da indústria cultural, a ruptura democrática e transformações sociais de diversas ordens.Na Pinacoteca, “Pop Brasil” comemora ainda os 10 anos do comodato da Coleção Roger Wright e o importante acervo de obras dos anos 1960 e 1970.

Em 2024, a premiada compositora carioca Marisa Rezende completou 80 anos. A efeméride foi celebrada com a programação de obras suas por diversas orquestras, e com o Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo não poderia ser diferente: seguindo sua vocação de fomentar a nova produção para quarteto de cordas, o grupo encomendou à compositora uma obra a ser estreada na próxima temporada. Afeita à música de câmara e com peças intimistas e introspectivas, Marisa conciliou em sua trajetória a composição, a carreira acadêmica e a docência em nível superior. Entre suas láureas, recebeu em 2016 a Medalha Villa-Lobos da Academia Brasileira de Música e, em 2018, foi homenageada pelo Festival de Música Contemporânea Brasileira de Campinas.Carlos Gomes (1836-1896) é conhecido por suas óperas em estilo italiano, como O Guarani (recentemente apresentada em montagem inovadora pelo Theatro Municipal), que conquistaram reconhecimento internacional. Natural de Campinas, o compositor dividiu sua vida entre o Brasil e a Itália, especialmente Milão, onde teve várias óperas apresentadas no Teatro alla Scala. A última obra de sua carreira, contudo, foi a sonata para cordas O Burrico de Pau – aqui tocada em versão para quinteto de cordas. Aos 57 anos, enfrentando dificuldades financeiras e pessoais, até mesmo de saúde, o compositor decidiu escrever uma peça alegre e com caráter de serenata para o Club Musical Sant’Anna Gomes, agremiação campineira presidida por seu irmão, que era violinista. Pensada como divertimento para um local de lazer, e homenageando indiretamente seu irmão, a obra teve o título sugestivo inspirado em um sonho, no qual o compositor montava em seu brinquedo de infância e cavalgava aos céus. Carlos Gomes faleceria dois anos depois, deixando o legado dessa peça que mescla alusões sonoras ao trote do burrico às melodias líricas e cativantes que marcaram toda sua produção.Heitor Villa-Lobos (1887-1959) compôs o impressionante número de 17 quartetos de cordas, principalmente nas últimas décadas de sua vida. Com robustez formal inspirada nos modelos clássicos, essas peças revelam um compositor menos preocupado em referenciar diretamente os elementos da cultura popular, e mais dedicado à criação de uma música abstrata –, muito embora os elementos nacionais que marcam sua obra estejam sempre presentes. Os últimos quartetos, de harmonia arrojada, foram compostos na década final de sua vida, quando o compositor se dividia entre sua casa, no Rio de Janeiro, e turnês pelos Estados Unidos. O Quarteto no 13, de 1951, é uma dessas obras, sendo escrito em Nova York e dedicado ao Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo.

Maria Bethânia celebra 60 anos de carreira em show que trará inéditas em meio a clássicos — e cujas principais referências são espetáculos como ‘Rosa dos ventos’ (1971) e ‘A cena muda’ (1974).