GASTRONOMIA

Dan, um escritor, socorre Alice de um acidente que ela acabou de sofrer na rua e imediatamente ambos sentem uma forte atração. Nesta época, ele estava em início de carreira e escrevia obituários para um jornal, enquanto ela saiu de sua cidade para fugir de uma relação que não deu certo. Os anos passam e Dan finalmente escreve um livro, que relata sua relação com Alice. É produzindo uma foto para a capa que ele conhece Anna, uma fotógrafa de sucesso, e se impressiona com a beleza dela imediatamente, mas não é correspondido. Dan fica tão obcecado por Anna, que segue sua rotina e chega ao ponto de fingir ser ela num chat na internet e marca um encontro com um tal dermatologista, Larry. Ele escolhe o lugar preferido de Anna. Por coincidência do destino Anna e Larry acabam juntos. Entre encontros e desencontros, ciúmes e amor, os quatro personagens são tomados por desejos e anseios. Eles se conectam e as relações se revelam rodeadas por mentiras e traições sob o nome de paixão.

Exposição em homenagem ao centenário de Antônio Poteiro. Com curadoria de Marcus de Lontra Costa, a mostra reúne 53 obras, entre pinturas e esculturas, que abrangem diferentes fases da carreira de Antônio Poteiro (1925-2010).Antônio Poteiro já era um ceramista conhecido quando começou a pintar, incentivado por nomes como Siron Franco e Cléber Gouvêa. Seu trabalho logo se destacou pelo uso vibrante das cores, composições densas e temas ligados ao cotidiano brasileiro – com ênfase na religiosidade, nas festividades populares e na vida rural. Autodidata, o artista construiu uma obra autêntica e original.

A exposição coletiva investiga perspectivas de artistas de diferentes origens sobre a experiência da noite, com seus mistérios, personagens e ritos. Em cada um dos sete núcleos, a mostra percorre o assunto através de diferentes abordagens, desde um viés social, com reflexões sobre os impactos da modernização nas cidades no século 20, até uma narrativa mais fantástica e imaginativa.Em “Tecendo a manhã” a experiência da noite se apresenta como um problema artístico para refletir sobre vivências individuais, que aparecem, por exemplo, nas representações de sonhos e pesadelos, e coletivas, que dizem respeito a formação histórica e social do país. Atividades de lazer, surgimento de novas profissões, vivências na cidade figuram em obras emblemáticas, muitas delas expostas pela primeira vez.

Pensado para crianças de até 3 anos, o espetáculo Scaratuja conduz o público por um universo de linhas que se expandem em muitas direções.A peça com Aline Volpi e Vladimir Camargo faz uso da linguagem não verbal, explora a expressão do corpo para se comunicar com os bebês, criando assim interatividade durante a apresentação. Além estimular o crescimento cognitivo e expressivo das crianças.Férias em família

Na Sala de Vídeo do edifício Pina Luz, Bárbara Wagner e Benjamin de Burca apresentam a obra Estás vendo coisas (2016).Apresentado na 32ª Bienal de São Paulo, Estás Vendo Coisas / You Are Seeing Things investiga a paisagem social e profissional da música Brega no Recife. A indústria dos videoclipes atua como catalisadora de uma ideia de futuro marcada pelo desejo de sucesso, moldado pelas dinâmicas do capitalismo. O filme observa esse universo em que a autorregulação e a manipulação da imagem desempenham um papel central na construção da voz, do status e da identidade de uma nova geração de artistas populares.

Partindo de um repertório ligado à abstração geométrica e aos ativismos de gênero e sexualidade, Ad Minoliti propõe um novo modelo de educação artística, transformando a sala expositiva em um espaço de aprendizado teórico-prático.A oitava edição da Escola Feminista de Pintura foi pensada como um site-specific para a Galeria Praça, espaço que já foi uma sala de aula.Ao entrar na Grande Galeria, o público tem acesso ao manifesto da Escola Feminista de Pintura, em diálogo com um conjunto de obras abstratas do acervo da Pinacoteca, feitas por artistas mulheres que tiveram destaque no Brasil desde os anos 1950 até a atualidade. No espaço, estão obras de Lygia Pape, Judith Lauand, Maria Bonomi, Mira Schendel, Moussia Pinto Alves, Rebeca Carapiá e Tomie Ohtake.

A Botija, Um Pequeno Inventário de Histórias Fantásticas do Nordeste Brasileiro estreou em 2024, em formato de contação de histórias, e, ao longo do ano, foi apresentado em bibliotecas públicas da cidade de São Paulo, centros culturais e áreas de convivência de Sescs no estado. No Itaú Cultural, o projeto se apresenta pela primeira vez como espetáculo teatral, com cenografia, desenho de luz e dramaturgia inéditos. Dirigido pelos atores Jhoao Junnior e Maria Rosa, que entram em cena ao lado da musicista Elaine Silva, o espetáculo tem como inspiração a literatura oral da região e acompanha o encontro de três irmãos, que retornam da cidade grande para o quintal de sua avó, no sertão nordestino, em busca da botija de ouro sobre a qual ela sempre falava quando eles eram pequenos.

Giacomo Puccini e Richard Strauss foram os dois compositores de ópera mais influentes do final do século XIX e início do XX. Embora antagônicos em suas concepções dramatúrgicas e composicionais, Puccini e Strauss – que chegaram a se cruzar e apreciar o trabalho um do outro – representaram o auge das artes em seus países, a Itália e a Alemanha.Nesta ocasião especial, teremos uma estreia histórica no Theatro Municipal de São Paulo: pela primeira vez em nosso palco e na América Latina, será apresentada a ópera Friedenstag (Dia de Paz), de Richard Strauss. Ao lado dela, outra raridade: Le Villi (As Fadas), a primeira ópera de Puccini, formando um double bill exclusivo com duas óperas de um ato.Le Villi, com libreto de Ferdinando Fontana, é inspirada em lendas eslavas sobre espíritos vingativos de jovens traídas no amor. Estreada em 1884, carrega influências do estilo composicional de Amilcare Ponchielli, mestre de Puccini, trazendo uma atmosfera quase mística, distinta das obras seguintes do compositor. A trama é a mesma do famoso balé Giselle, de Adolphe Adam: uma jovem de coração partido transforma-se em uma criatura sobrenatural que se vinga de seu amante infiel, forçando-o a dançar até a morte. Embora não tenha sido bem-recebida no concurso para o qual foi composta, o concurso de Sonzogno, a ópera foi aclamada por críticos que viram em Puccini uma promessa para a ópera italiana.

Em latim, Circumambulatio quer dizer andar em torno de. Foi o título escolhido para dar nome ao trabalho desenvolvido por Anna Bella Geiger com um grupo de alunos do Setor de Integração Cultural do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, em 1972. Classificada como um ambiente ou instalação, Circumambulatio é o que se chama na história da arte de obra processual, ou seja, um trabalho vivo, resultado de uma ação que permanece em aberto, podendo sofrer modificações e acréscimos ao longo do tempo. A montagem apresentada aqui reúne as peças (diapositivos, sons, fotografias e papéis manuscritos) que compuseram a versão original da instalação mostrada pela primeira vez, em 1972, no MAM RJ. No ano seguinte, por iniciativa de Walter Zanini, então diretor do MAC USP, a obra foi exibida e comprada pela instituição. Essa é a primeira vez que o museu remonta a instalação, desde 1973.

O show “KARTAS 4A” exibe dez anos de trajetória do duo (mm e zozio), em quatro apresentações de música expandida, uma fusão entre som, palavra, corpo e arte visual. As apresentações mesclam composições autorais com ampla abertura ao improviso, convidando artistas da cena experimental do Rio de Janeiro e São Paulo.

Continuação de Os Três Porquinhos, nessa nova história, o Lobo Mau reinventa seus planos para conseguir entrar na casinha de tijolos e, desta vez, conta com a valiosa ajuda de sua Mamãe Loba. o espetáculo, que conta com muita interatividade, aborda o bullying que o Lobo Mau sofre na escola, tratando sobre a compreensão e o respeito às diferenças.

O Teatro Oficina recebe Senhora dos Afogados, de Nelson Rodrigues, com direção de Monique Gardenberg. Escrita em 1947, é um mergulho denso no inconsciente familiar — uma tragédia brasileira em forma e espírito, marcada por paixões, mortes, desejos incestuosos e pela atmosfera fantasmagórica de uma sociedade à beira do colapso.Nesta encenação, o espaço cênico é atravessado por elementos audiovisuais, trilha original e ambientações sensoriais. Um coro de “putas do cais”, evoca Zé Celso, reforça o clima onírico e alucinatório da narrativa.Ambientada em uma casa à beira-mar, onde o oceano é mais que cenário — é extensão simbólica da psique familiar — a peça propõe um mergulho nos limites entre realidade e delírio, desejo e culpa. A casa, impregnada de sal, luto e memória, torna-se um organismo vivo: respira com as marés, ecoa as vozes silenciadas, e revela as camadas subterrâneas de uma família dilacerada.

O cantor e compositor Felipe EL vai celebrar o legado carnavalesco de Moraes Moreira com o show de lançamento do seu novo álbum, “Eu sou o Carnaval”. O show promete ser uma imersão vibrante na obra do mestre, combinando a energia do palco com a profundidade das canções que estarão disponíveis a partir de 8 de julho de 2025, data do aniversário de Moraes Moreira.

O projeto de shows no Hotel Pulso transforma o Sarau Bar em um espaço dedicado à celebração da música popular brasileira contemporânea, destacando talentos únicos em apresentações intimistas. No dia 29/07, o palco é ocupado pela cantora Ellen Oléria.

Após 5 anos de dupla e quase 1 ano do lançamento de seu primeiro álbum: No Ombro Dos Outros; Kim & Dramma trazem um espetáculo nunca antes visto.Pela primeira vez, a dupla de hiphop experimental apresenta seu som fora do estado de São Paulo, e para finalizar essa edição, de volta em sua cidade natal, contam com o teatro Centro da Terra.O show traz releituras do disco reimaginadas no contexto de banda, além de novas composições ainda não lançadas, acompanhadas de participações especiais e elementos teatrais que aprofundam em narrativa a apresentação.

Ao revirar um sótão repleto de cenários e figurinos antigos, um casal de irmãos resolve encenar a história de João e Maria. O espetáculo usa a própria peça para mostrar um pouquinho da arte do teatro e o público pode ver o elenco se maquiar e trocar de figurino entre uma cena e outra. A história dos irmãos abandonados na floresta é transportada aos tempos atuais. João e Maria brincam em um sótão com adereços antigos e a aventura começa quando a dupla passa a adaptar clássicos infantis. Além de encontrar uma bruxa que apresenta um programa na internet e mora em uma casinha de doces, cruzam com diversos personagens clássicos da dramaturgia infantil. Através dessa aventura emocionante, o clássico ganha, nas mãos da premiada Pitty Webo, uma divertida adaptação voltada para toda família, com canções conhecidas pelos pais, entre elas Ovelha Negra de Rita Lee, História de uma Gata de Chico Buarque - que são interpretadas ao vivo pelo elenco.

O premiado músico e produtor Pupillo, ex-integrante da emblemática Nação Zumbi e um dos criadores do movimento Manguebeat, retorna ao palco do Bona com a segunda edição do projeto Forró no Asfalto!A proposta segue firme: homenagear e espalhar o som pulsante e envolvente do Forró, do Xote ao Baião, em uma experiência única e dançante na capital paulista. Uma verdadeira celebração à cultura nordestina, com clássicos que marcaram gerações e que seguem ecoando pelo Brasil afora.Com um time de cantoras danado de bom, as incríveis: Assucena, Céu, e Juliana Linhares, são as vozes que darão vida a esses clássicos.

O leão Alex é o rei da selva urbana e a estrela do zoológico de Nova York, onde vive com seus melhores amigos: a zebra Marty, a girafa Melman e a hipopótamo Gloria. Com refeições regulares e uma plateia animada, a vida em cativeiro parece perfeita – pelo menos para Alex. Mas Marty, insatisfeito com a rotina, anseia por aventuras além das grades. Tomado pelo desejo de liberdade, ele decide fugir, contando com a ajuda dos astutos pinguins. Sua fuga desencadeia uma série de eventos inesperados, envolvendo uma missão de resgate por seus amigos, que embarcam em uma jornada cheia de aventura e surpresas. Do coração de Nova York às praias de Madagascar, o grupo se depara com novos desafios, amizades inesperadas e descobre o que realmente significa estar em casa.

O espetáculo O Avesso da Pele é a montagem teatral do premiado romance escrito por Jeferson Tenório. A história é contada por Pedro, que tem na morte do seu pai – um professor de escola pública assassinado voltando para casa depois da aula, numa desastrosa abordagem policial – o ponto de partida para uma investigação do passado.Em cena, os quatro atores se alternam entre os personagens, em um movimento em que todos serão pai e filho em algum momento. O cenário é o apartamento de Henrique, no qual Pedro, após o assassinato, observa os objetos ali presentes e os utiliza como ponto de partida na recuperação da história de seu pai.

"O Papel de Parede Amarelo e Eu" é uma adaptação contemporânea de uma obra pioneira de 1892, que até hoje ressoa profundamente ao confrontar as complexas relações de poder entre homens e mulheres. A história se desenrola através dos olhos de uma mulher diagnosticada com depressão e histeria, forçada por seu marido, um médico, a se isolar em uma casa para evitar qualquer esforço físico ou mental. Durante esse isolamento, ela desenvolve uma obsessão com o papel de parede amarelo de seu quarto, um símbolo de sua crescente confusão mental e angústia.A obra revela não apenas as tensões psicológicas da protagonista, mas também o contexto social que limita sua liberdade e identidade, desafiando as normas da época sobre o papel da mulher. Ao mesmo tempo, a peça expõe, com uma linguagem poética moderna e realista, a luta interna dessa mulher, refletindo sobre as questões de gênero e o poder nas relações maritais.A História mantém uma profunda atualidade ao refletir sobre os desafios enfrentados pelas mulheres e o avanço de suas lutas. Um espetáculo de forte simbolismo, que ilumina os dramas pessoais e o triunfo artístico sobre as adversidades.

O Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo recebe a mostra "Japão na Tela", uma celebração que integra a comemoração dos 130 Anos de Amizade Brasil-Japão. Com entrada gratuita, a mostra reúne 22 filmes pertencentes ao acervo da Fundação Japão, oferecendo ao público a oportunidade de mergulhar na rica e diversa cinematografia japonesa.Entre películas 16mm e DVDs, produzidos entre 1949 e 2010, a mostra convida o público a uma imersão na arte audiovisual do Japão. A seleção de filmes percorre diferentes gêneros e estilos, do clássico ao contemporâneo, explorando animação, drama, suspense e ação. As narrativas exibidas resgatam memórias, simbolismos e a potência narrativa do cinema japonês, criando uma conexão profunda com histórias de tradição, transformação e humanidade. A experiência promete envolver e surpreender, ampliando horizontes e revelando a riqueza da cinematografia nipônica. PROGRAMAÇÃO:
16 de julho – quarta
15h – Nós superamos um dia
18h – Água
17 de julho – quinta
15h – O Assassinato do Inferno de Óleo
17h30 – Abraçando seu sorriso
18 de julho – sexta
15h – O Portal do Inferno
17h – Nodo-jiman
19 de julho – sábado
13h – Crayon Shinchan – Bravo! Grande Batalha de Samurais
16h – Depois da Chuva
20 de julho – domingo
15h30 – Sumô, Suor e Peleja
18h – O Álbum da Vila
23 de julho – quarta
18h – O fantasma do Bar
24 de julho – quinta
16h – Não olhe para trás
18h – Uma Breve Mensagem do Coração
25 de julho – sexta
18h – Doraheita
26 de julho – sábado
13h – Kappa: O Duende do Rio e o Sampei
15h – A Garota que saltou no tempo
17h – Rede elétrica de Musashino
27 de julho – domingo
14h – Nodo-jiman
16h – A Luta Solitária
30 de julho – quarta
15h30 – O Amor de Nabi
17h30 – Vamos nessa
31 de julho – quinta
16h – Depois da Chuva
18h – Muita Adrenalina

Sambas do Absurdo Vol 2 é o segundo disco do trio formado por Juçara Marçal, Gui Amabis e Rodrigo Campos. Se no primeiro, o livro de Camus, O mito de Sisífo, norteia a criação com a bifurcação dada (suicídio ou vida absurda) no encontro com Absurdo (a falta de sentido da vida), nesse segundo, se expande, de um jeito mais direto, no diálogo com a vida cotidiana.E quando notamos essa premissa na estética sonora, verificamos um álbum mais “pés no chão” que o primeiro. Antes o samba vinha desintegrado, agora se insinua o tempo todo, numa dança com o Absurdo, como se, com o tempo, a falta de sentido ficasse menos aterrorizante e mais integrada ao todo que rege as forças da natureza.

A pianista e compositora Eloá Gonçalves apresenta seu mais recente trabalho em quinteto, o álbum Sobre o que move as coisas, lançado em abril de 2023 pelo selo austríaco Alessa Records. Com um repertório inteiramente autoral, o show reúne elementos do jazz, da música brasileira, da música erudita e da sonoridade ECM.

Joaquim apresenta Varanda dos Palpites, seu disco e show de estreia, com canções autorais e versões de Ângela RoRo e outros clássicos. Aos 22 anos, o cantor, compositor e pianista paulistano interpreta baladas densas e letras confessionais, acompanhado de piano e banda.

Exposição individual do artista Marcos Siqueira. Com curadoria de Fabiana Lopes, a exposição apresenta obras que partem da Serra do Cipó (MG) para refletir sobre a materialidade e a vida. As telas de Siqueira nascem de investigações sobre espaços, seus limites e as possibilidades de expansão que eles oferecem.

Com proposta diferente e inovadora, "Watchatchá - uma viagem pela ciência" estreou no dia 07 de janeiro de 2009 no Teatro Folha, no Shopping Pátio Higienópolis e foi sucesso absoluto. Produzida pela Mad Science e dirigida por Marcelo Klabin, o espetáculo-show é uma forma lúdica de tratar de Ciência com crianças e adultos, e conta com a participação ativa da plateia, do começo ao fim. Aparentemente, vamos assistir a uma aula sobre as leis científicas. Mas logo somos transportados para o universo da Ciência, onde dois cientistas malucos e pouco convencionais criam efeitos aparentemente mágicos - todos explicados durante a peça - para demonstrar como a ciência está presente no nosso dia-a-dia. Experimentos fantásticos, como uma bola que sobrevoa a plateia, bolhas de sabão cheias de fumaça, vôo do avião, máquina geradora de vórtice e o incrível galão de fogo. Esses e outros números divertidos mostram às crianças e aos adultos que por todo lado estamos cercados de Ciência.

A Galeria Marcelo Guarnieri apresenta, “Fermata Erótica”, terceira mostra do artista José Carlos Machado (Zé Bico) em sua unidade de São Paulo. A exposição reúne um conjunto de 27 esculturas realizadas durante os últimos três anos e outras 9 realizadas entre os anos de 2020 e 2021, exibidas pela primeira vez. A partir da força magnética dos ímãs, Zé Bico dá continuidade à sua investigação sobre o equilíbrio e a instabilidade, explorando, através de objetos em chapa metálica, ferro, aço, feltro e areia, as tensões entre a força gravitacional e a matéria. A exposição conta com texto de apresentação do artista e curador Rafael Vogt Maia Rosa.Ter trabalhado por tantos anos com ímãs na produção de suas obras permitiu a Zé Bico desenvolver uma prática baseada em movimentos sutis, de cálculos exatos, gerados não por métodos teóricos, mas sim empíricos. Em “Fermata Erótica”, o artista apresenta peças em diferentes escalas e alturas, contrapondo a dureza e a ortogonalidade de blocos e cilindros de ferro ao movimento curvo das fitas metálicas. Firmes em suas bases, essas esculturas relacionam-se com o espaço através dos vazios contornados por linhas sinuosas e formas abauladas que remetem ao símbolo da fermata.

O duo formado pelo MC Pumapjl e pelo beatmaker SonoTW se destaca no cenário atual do rap brasileiro. Na sonoridade do Febre90’s, está a homenagem aos clássicos sons de bumbo e caixa dos anos 1990, enquanto nos temas das músicas, dominam a linguagem e os temas contemporâneos.Na noite, o duo recebe a dupla de DJs formada por Matheus Henrique e Paulo Vitor, que assinam a produção como Deekapz, explorando um universo sonoro que vai do funk ao house, passando por todos os bpms possíveis.

BNegão apresenta o último show do álbum Metamorfoses, Riddims e Afins (2024), na Casa Natura Musical.Como uma travessia de fronteiras musicais que conecta passado e futuro, o orgânico e o eletrônico, o disco mistura as batidas do samba-reggae com o ritmo da cumbia, o peso do punk nacional e a explosão do arrocha carioca. BNegão convida o público a uma imersão em sua jornada de reinvenção. Metamorfoses, Riddims e Afins é seu primeiro álbum solo após décadas de contribuição à cultura brasileira, como um dos vocalistas à frente do Planet Hemp e fundador dos Seletores de Frequência. A obra, madura e visceral, reflete uma busca por novos caminhos, diferentes formas de expressão e, acima de tudo, pelo aprofundamento da conexão com suas raízes e influências.

O palhaço Jeremias e o palhaço Foguinho se encontram mais uma vez para apresentar suas peripécias com histórias clássicas do palhaço brasileiro: a caçada, o barbeiro, a pulga saltitante, o telepata, a abelha abelhinha e muitas outras ancoradas na tradição do Circo Brasileiro. O espetáculo é composto por entradas, reprises e gags tradicionais. É um resgate cultural e uma homenagem aos palhaços de circo: Arrelia, Pimentinha, Carequinha, Torresmo, Piolin e muitos outros.

A exposição Maranhão na Jamaica reúne a produção artística contemporânea do Maranhão, representada por artistas da Lima Galeria, de São Luís, e artistas da Martins&Montero, de São Paulo, caracterizadas pela diversidade de linguagens e suportes presentes em diferentes períodos da arte brasileira. Com o intuito de promover um diálogo fluido, o projeto curatorial de Samantha Moreira e Frederico Silva lança mão de outras instâncias artísticas, como a música, para pensar os modos de exibição como um ecossistema visual também detentor de uma dimensão sonora.Para isso, a confluência entre imagem e som se dá a partir das relações possíveis entre a cultura do reggae jamaicano, tão presente no Maranhão, principalmente na Ilha de São Luís, e a construção de uma visualidade local que também se espraia no campo das artes visuais. Nesse sentido, a exposição tem o desejo de aproximar trabalhos de artistas maranhenses representados pela Lima Galeria, como Thiago Martins de Melo, Gê Viana, Zimar, Silvana Mendes, Márcio Vasconcelos, Dinho Araújo, Tassila Custodes, Carchíris, Joelington Rios e Marconi Moreira, a artistas de diferentes regiões do país, como Dalton Paula, Ana Mazzei, coletivo 3Nós3, Lia D Castro, Jota Mombaça, Hiram Latorre, João Loureiro, Juraci Dórea, Philipp Modersohn para Labinac, Martha Araújo, Michel Zózimo, Regina Vater e Davi Rodrigues, representados pela Martins&MonteroAlém dos artistas representados pelas galerias, a exposição conta com convidados como Tieta Macau, Beto Matuck, Jandir Gonçalves, Ingrid Barros, Ramusyo Brasil e Pablo Monteiro, que integram a mostra de vídeos e cinema, uma programação de música na abertura, e conversas no período expositivo.

A Superfície inaugura a exposição individual que apresenta a produção de um dos principais expoentes da arte conceitual nacional e das práticas ambientais. Com curadoria de Diego Matos, a mostra constrói um panorama da obra de Luiz Alphonsus, tanto em termos históricos quanto poéticos, permitindo atualizar e restabelecer sua relevância histórica.Natural de Belo Horizonte, Luiz Alphonsus mudou-se para o Rio de Janeiro aos sete anos, em 1955, lugar onde vivenciou a infância. Anos depois, foi com a família para Brasília, onde morou entre 1961 e 1969. Neste ano, voltou e se estabeleceu em definitivo no Rio de Janeiro, onde firmou-se como artista próximo à comunidade artística que vivenciava o Museu de Arte Moderna do Rio (MAM Rio). Fotógrafo, pintor, escultor e artista multimídia, a obra de Luiz Alphonsus é marcada pelas formações geológicas e situações político-geográficas de seus arredores, além de uma preocupação em construir um entendimento poético da ideia de espaço (espaço como lugar ou espaço como cosmos).

3030, o trio formado por LK, Rod e Bruno Chelles comemora mais de uma década de trajetória com um repertório que mescla faixas do recém-lançado Voz e Violão (2024) e os sucessos do clássico 3030 Acústico (2016).O 3030 cravou o seu nome no concorrido cenário hip hop nacional ao incorporar elementos da MPB, do samba, do jazz e do reggae em suas composições, que ganham muita desenvoltura em ao vivo. No repertório, canções atuais – como “Mundo Gira” e “Manhã de Sol” – deverão dividir espaço com os grandes hits da banda, como “Foda que Ela é Linda” e “Preciso Saber”, todas executadas de forma intimista e repletas de boas vibrações.

Raphaël Zarka volta ao Brasil para apresentar Gnomonic Woods, sua segunda exposição na Luciana Brito Galeria. A mostra reúne obras que demonstram importantes aspectos da pesquisa do artista e alguns desdobramentos desde sua primeira mostra, em 2013, por meio de um conjunto de esculturas e xilogravuras, além de uma pintura de parede pensada exclusivamente para a ocasião da mostra.O artista francês parte do experimentalismo teórico e científico para embasar sua pesquisa artística, que recai principalmente sobre a potencialidade escultórica dasestruturas, como volumes e geometrias, bem como suas histórias e contextos, influenciado pela arquitetura, urbanidade, além das histórias da arte e da ciência. Oartista apresenta um interesse especial pela geometria, linguagem comum a vários diferentes campos (como a arte, a ciência e o técnico), inclusive a objetos feitos pelohomem, em particular aqueles que foram esquecidos ou negligenciados.

A galeria apresenta a primeira individual da artista carioca Dani Cavalier (Rio de Janeiro, 1993). Com textos críticos assinados pelo curador Tomás Toledo e pela historiadora da arte Isabel Carvalho, a exposição marca o início da representação da artista pela Galatea.Reunindo um conjunto de obras inéditas, a exposição apresenta a pesquisa que Cavalier tem desenvolvido nos últimos anos em torno do conceito de “pinturas sólidas” — composições feitas com retalhos de tecidos reaproveitados da indústria da moda que operam entre pintura, escultura e instalação. Em vez de tinta e pincel, a artista utiliza retalhos coloridos de Lycra, tecido com o qual se familiarizou a partir da sua antiga marca de moda praia, a Aro SwimWear.Os recortes de lycra que envolvem o chassi criam tramas, texturas, justaposições e blocos de cor que desestabilizam a ideia tradicional de superfície pictórica e composição.

Após 8 anos, Nicolas Jaar retorna ao Brasil em um show realizado com a festa eletrônica GOP TUN. A noite também contará com a apresentação do violinista Eli Wewentxu.

Exposição individual da artista Marina Weffort, sua obra produz uma reconfiguração cinética da lógica construtiva e escultórica dos tecidos, transitando entre desenho e escultura em estruturas suaves, móveis, contornadas e geométricas. Ao desfiar os tecidos fio a fio, Marina apresenta as fibras soltas como relevos suaves e de fácil movimentação, em contraste com seus desenhos-pinturas-impressões de gesso e grafite sobre tela, também em exposição na galeria.

A Casa Seva, espaço dedicado à arte, cultura e sustentabilidade apresenta a exposição “Uma Transa AntárticAmazônica”, com obras do fotógrafo e cineasta Jorge Bodanzky e do historiador e fotógrafo João Paulo Barbosa. A mostra reúne 21 trabalhos que atravessam décadas de expedições e contemplações dos artistas em dois dos territórios mais emblemáticos do planeta: a Amazônia e a Antártica.Bodanzky e Barbosa propõem uma reflexão visual sobre a interligação de ecossistemas aparentemente distantes, mas que compartilham os impactos das ações humanas. A partir de recortes temporais e geográficos, os artistas apresentam uma narrativa que flerta com o apocalíptico e o poético, o documental e o existencial. A construção narrativa da exposição ficou a cargo do ambientalista e artista multimídia brasileiro de origem tcheca e indígena Thiago Cóstackz, ampliando o diálogo entre arte e ativismo ambiental.

A Luciana Brito Galeria apresenta a primeira exposição individual da artista Rochelle Costi na galeria desde seu falecimento, em 2022. Com curadoria da chilena Alexia Tala, a mostra traz a essência da poética da artista, resgatada por meio de mais de vinte obras, que se entrelaçam em uma narrativa seguindo o conceito desenvolvido pelo escritor francês Georges Perec, em Aproximações ao infraordinário: “O que acontecequando não acontece nada? Como falar dessas horas, desses dias em que nada acontece, em que se passa apenas o que acontece todos os dias — o habitual, o cotidiano, o evidente, o comum, o ordinário, o infraordinário, o de todos os dias?”

Coletiva com obras de Célia Euvaldo, Ester Grinspum, Geórgia Kyriakakis e Shirley Paes Leme, além Iole de Freitas e Elizabeth Jobim. Completam o grupo Frida Baranek,, e Maria-Carmen Perlingeiro.Com curadoria de Ana Carolina Ralston, a exposição propõe um salto temporal da produção dessas artistas nos anos 80 até suas criações mais recentes, refletindo sobre a continuidade e o amadurecimento de suas investigações.

A Galatea apresenta uma série inédita de pinturas do artista sergipano Antonio Maia (1928-2008). A exposição destaca o olhar singular de Maia sobre os 22 Arcanos Maiores do tarô, símbolo místico e esotérico que atravessa sua produção artística. A partir de uma experiência com o tarólogo Namur Gopalla em 1986, o artista aprofundou uma pesquisa intuitiva que já vinha construindo, integrando também referências à astrologia, cabala e alquimia.Natural do interior de Sergipe, Antonio Maia construiu uma obra marcada pelo diálogo entre a religiosidade popular nordestina e as linguagens visuais contemporâneas. Sua produção é reconhecida principalmente pelos ex-votos, tema que permeou seu trabalho por mais de 30 anos, mas nesta série, ele amplia sua abordagem, incorporando elementos do imaginário esotérico e místico, criando uma ponte entre o popular e o pop, como define o curador, que chama essa atmosfera de “surrealismo nordestino”.

A peça, dirigida por Caetano Vilela, apresenta uma releitura contemporânea do épico de Homero. A montagem propõe uma nova visão da jornada de Ulisses, apostando na interseção entre performance ao vivo, música, arte expositiva e recursos audiovisuais de ponta. Em parceria com os atores Diego Machado e Thiago Brianti, Vilela transforma o palco em um ambiente imersivo, onde o público é convidado a cruzar as fronteiras tradicionais do teatro. Desde o momento em que entram na sala, os espectadores se deparam com uma instalação cênica – a direção de arte é de Fábio Namatame – que remete a um espaço museológico. São 18 totens e 30 objetos dispostos como em uma galeria de arte, todos etiquetados com trechos extraídos da Odisseia e referências à narrativa mítica.

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Terceira peça da trilogia Conexão São Paulo - Pernambuco, o espetáculo compara a história de João Cabral de Melo Neto e João em uma fábula surrealista, fazendo uma leitura urbana da questão agrária e à diversidade na vida contemporânea.João migra de Pernambuco para o sudeste em busca de trabalho e cruza no seu caminho com seu próprio autor, o poeta João Cabral. Após se separarem na divisa de São Paulo e Rio de Janeiro, João segue sua vida na capital paulistana onde conhece Gaivota, uma travesti artista que muda sua vida. Enquanto de longe, João Cabral conta sua própria história, ao mesmo tempo evoca a história do próprio Severino, de Morte e Vida Severina, refletida no centro urbano.

A exposição inédita na Oca do Ibirapuera apresenta uma experiência imersiva baseada no universo de Chico Bento, personagem criado por Maurício de Sousa. A experiência interativa une educação, tecnologia e cidadania para conscientizar sobre a importância do saneamento e a preservação do meio ambiente. Distribuído em diferentes ambientes imersivos, o circuito leva o visitante a refletir sobre a importância da preservação ambiental, o uso consciente da água e a importância da coleta e tratamento de esgoto — tudo isso com a ajuda do carisma caipira do Chico Bento, da sua turma e de seu inseparável porquinho Torresmo.

Com muita ironia, leveza e elegância, Molière discute o machismo em sua Escola de Mulheres. Nessa comédia escrita em 1662, mas incrivelmente atual, Arnolfo repele frontalmente a ideia de ser traído, e para isso tenta educar uma jovem para que se torne sua esposa ideal. As mulheres de Molière são inteligentes, perspicazes e empoderadas, muito antes do termo invadir nosso cotidiano, fazendo com que o plano de Arnolfo não seja tão fácil assim.

O que significa recuperar a liberdade? Seis pessoas que passaram pelo sistema prisional brasileiro têm suas trajetórias entrelaçadas. Diante das dificuldades de reinserção social e reconstrução da própria vida, cada uma delas, a seu modo, tenta encontrar uma saída. As marcas do período atrás das grades permanecem na memória, no corpo e nos afetos. Exu, o orixá das encruzilhadas e destrancador dos caminhos, aparece como uma presença provocativa ao despertar naqueles sujeitos a fome de novos começos e a avidez por dignidade

Pela primeira vez, o grupo Sorriso Maroto se apresenta no palco de um estádio. Nesta turnê, o grupo canta o repertório com seus maiores sucessos, clássicos do pagode e do samba que embalaram a trilha sonora da vida de milhares de brasileiros.

O espetáculo mistura diferentes linguagens artísticas para propor uma imersão nos efeitos da crise climática.Idealizado pela diretora geral e encenadora Beatriz Barros e pela produtora e atriz Jennifer Souza, o espetáculo parte da premissa de que o capitalismo é um dos motores da degradação ambiental e das desigualdades sociais que dela decorrem. Desde 2023, as criadoras em conjunto com a Frente Coletiva (coletivo de artistas transdisciplinares) pesquisam o tema, tendo como ponto de partida o romance Parábola do Semeador, da escritora afro-americana Octavia Butler (1947–2006), referência central do afrofuturismo. Publicado em 1993, o livro retrata o mundo em 2025 em puro colapso climático, e essa atmosfera foi o ponto de partida para a construção de narrativas mais próximas do cotidiano contemporâneo.A dramaturgia original - escrita por Louise Belmonte com colaboração da diretora e das intérpretes - se constrói por meio de uma linguagem cênica que provoca sensações físicas e emocionais: sons de chuvas intensas, trovões, falhas de energia, vento e água em cena criam um ambiente de instabilidade constante. Beatriz destaca que o som tem um papel fundamental nessa narrativa e que a presença da água no cenário interfere diretamente nas interpretações, tornando a encenação uma verdadeira orquestração de experiências sensoriais.

O show de uma banda. Uma tempestade que se aproxima. Os movimentos da cidade. Um homem atingido por um raio. O estado de coma. A vida latente dentro da cabeça. A memória e os sonhos. A possibilidade de acordar. O mundo aqui fora. A vida que volta. Uma nova chance.Um percurso sensível na mente de um artista entre a vida e a morte. Uma metáfora da iminência do fim e das chances de transformação que podemos ter enquanto comunidade planetária num mundo em ebulição e à beira do colapso. Um gesto poético-político para pensar, em ação, possibilidades de afirmação da vida.O espetáculo é uma criação da companhia brasileira de teatro, com texto e direção de Marcio Abreu a partir do diálogo com a obra do escritor, capoerista e neurocientista, Sidarta Ribeiro, em especial o livro “Sonho Manifesto: Dez exercícios urgentes de otimismo apocalíptico”.

Bela, uma jovem inteligente e sonhadora, troca sua liberdade pela de seu pai (Maurice) que fica preso no castelo após se perder em uma viagem. Ao se tornar prisioneira da Fera, em seu castelo encantado, Bela descobre aos poucos que, por trás da aparência assustadora da Fera, existe um coração sensível e generoso. Com a ajuda dos criados encantados do castelo — que também foram vítimas do feitiço — nasce entre os dois um sentimento puro e verdadeiro, capaz de transformar tudo ao redor.

“O mágico de Oz” ganha nova versão teatral com um olhar cheio de imaginação. Inspirado no famoso livro de L. Frank Baum, que já encantou gerações ao redor do mundo, esta adaptação traz música ao vivo, visual mágico e muitas surpresas para toda a família. A peça acompanha a jornada de Dorothy, uma jovem do interior do Kansas que é levada por um ciclone para a fantástica terra de Oz, um lugar onde tudo é possível. Na tentativa de voltar para casa, ela encontra três novos amigos: o Espantalho, o Homem de Lata e o Leão. Juntos, eles embarcam em uma aventura rumo à Cidade das Esmeraldas, onde esperam encontrar o misterioso Mágico de Oz.

A exposição apresentada no Instituto Tomie Ohtake é resultado de um processo formativo e coletivo, realizado ao longo de 2024, dentro de uma residência voltada exclusivamente a pessoas negras na Casa Sueli Carneiro.O programa foi orientado pelas pesquisadoras Luanda Carneiro Jacoel, Taina Silva Santos e Ionara Lourenço, e compreendeu os seguintes eixos: História Negra e Feminismos Negros, Artes e Documentação. A experiência propôs um intercâmbio entre diferentes campos do saber e modos de criação, incentivando a articulação entre legado, linguagem, arte e justiça social.São apresentados sete projetos nas áreas de artes visuais, performance, literatura, audiovisual, educação e memória que tensionam temas como feminismos negros na América Latina, a atuação política das mulheres negras na cultura brasileira, ancestralidade e corpo, racismo estrutural e encarceramento, pedagogias decoloniais e estratégias de resistência a partir da arte.

A exposiçã reúne obras de mais de 30 artistas fundamentais da cena contemporânea que definem a trajetória da galerista Luisa Strina ao longo de suas cinco décadas de atuação.Com curadoria de Marcello Dantas e Kiki Mazzucchelli, a mostra traça um panorama da arte conceitual desde os anos 1970 até a atualidade, reunindo obras de artistas brasileiros e internacionais cujas trajetórias foram acompanhadas ou impulsionadas por Strina. A seleção inclui instalações de grande porte, muitas delas apresentadas uma única vez em importantes exposições institucionais.Ao reunir no mesmo espaço criações de diferentes momentos históricos, CRIVO permite ao público perceber como as ideias seminais da arte conceitual brasileira se transformaram e ganharam novas dimensões ao longo do tempo. Conceitos explorados nos anos 1970 e 1980 – como a crítica institucional, a exploração de novos suportes e a discussão de identidades culturais – reaparecem reinterpretados em obras de artistas contemporâneos, mostrando um fio condutor entre gerações. Essa perspectiva histórica torna a mostra especialmente significativa: mais do que uma homenagem individual, CRIVO evidencia a continuidade de um movimento artístico e convida a questionamentos sobre suas mudanças epermanências.

Primeira individual institucional do artista Manuel Messias. A exposição reúne cerca de 70 xilogravuras e traça umpanorama sensível e contundente de um artista que manteve uma produção contínua e coesa apesar de ter enfrentado grandes dificuldades por ser um homem negro, nordestinoe que viveu nos limites da pobreza e da loucura "Sem limites", como ele próprio se definia, Manuel Messias é hoje reconhecido como um importante membro de sua geração e umdos mais destacadas nomes da gravura brasileira do século XX.A mostra perpassa três décadas de produção artística, revelando a potência poética e crítica de Manuel Messias dos Santos (1945–2001), sergipano radicado no Rio de Janeiro desde a infância.

O Instituto Tomie Ohtake apresenta a individual de Manfredo Souzanetto, com uma reunião de cerca de cinquenta obras produzida entre as décadas de 1970 e 1990. São sobretudo desenhos, fotografias e pinturas — a grandemaioria advindas do acervo de Souzanetto, que as guardou por décadas, como se antevisse a importância desses trabalhos na constituição da sua trajetória.Nascido em 1947 no norte do Vale do Jequitinhonha, Manfredo teve uma infância marcada pelas paisagens montanhosas e as riquezas naturais da região — especialmente às pedras, cerâmicas e pigmentos terrosos — elementos que mais tarde se tornariam centrais em sua produção artística. As obras selecionadas revelam o processo de amadurecimento do artista, acompanhando a sua produção artística durante o percurso que o levou de Minas Gerais ao Rio de Janeiro, passando por Belo Horizonte, Paris e Juiz de Fora.

Reunindo cerca de 110 itens, entre fotografias e documentos provenientes do acervo doIpeafro, a mostra ilumina a histórica colaboração entre o Teatro Experimental do Negro(TEN) e o fotógrafo José Medeiros (1921-1991) ao longo de quase duas décadas. Mais doque documentar, a exposição busca evidenciar uma parceria artística que é, ao mesmotempo, política e poética, ressaltando o papel fundamental do TEN tanto na evolução doteatro moderno no Brasil quanto na afirmação da identidade negra nas artes e na esferapública. A relação entre o TEN e Medeiros é de colaboração simbólica e prática: enquantoo grupo teatral lutava por representação e dignidade para pessoas negras no cenárioartístico, o fotógrafo registrava e difundia essa luta com sensibilidade e respeito,contribuindo de forma decisiva para sua preservação na memória visual brasileira.

Em seu novo show de humor, Rodrigo “Atazanado” Sant’Anna usa suas habilidades para interpretar 5 personagens, que com uma lente de aumento, fazem o público embarcar em suas loucuras.

Em Copacabana, uma aposentada se vê inesperadamente conectada à sua jovem vizinha. Esse encontro gera uma jornada de emoções intensas, memórias profundas e descobertas transformadoras. Com momentos de riso, lágrima e reflexão, A Lista celebra o poder das conexões humanas em meio à solidão e ao caos.O aclamado espetáculo A Lista, estrelado por Lilia Cabral e sua filha Giulia Bertolli, retorna a São Paulo para uma temporada no Teatro FAAP.

A mostra de arquitetura, paisagismo e design apresenta sua 38a edição, em um espaço de mais de 10 mil metros quadrados dentro do Parque da Água Branca . A edição de 2025 da CASACOR conta com mais de 70 ambientes assinados por designers e arquitetos, assim como espaços dedicado à gastronomia, lojas e instalações artísticas.

O Museu A Casa do Objeto Brasileiro recebe um recorte da produção artesanal do estado da Paraíba. A mostra chega a São Paulo após ser apresentada no 39º Salão do Artesanato da Paraíba, em João Pessoa. A exposição reúne o trabalho de sete artesãos — Adriano Oliveira, Babá Santana, Carlos Apollo, Dadá Venceslau, Ednaldo Farias, Géo Oliveira e Socorro Souza —, que têm no papel sua principal matéria-prima de criação. A partir dele, dão forma a uma arte delicada, marcada por poesia, cores e personagens que habitam o imaginário popular e o universo lúdico da região.As peças exibidas foram criadas sob a orientação do designer Sérgio Mattos, que estimulou a experimentação sem abrir mão da identidade autoral de cada artista. As obras são fruto de um domínio apurado das técnicas de papel machê e papietagem, práticas artesanais de origem milenar.

A exposição se estende para os pais, mães e avós que cresceram ouvindo o cancioneiro de Sandra Peres e Paulo Tatit. A história da dupla, percorrida por mais de 30 anos nesse universo infanto-musical, é contada com surpresas e descobertas ao longo do trajeto. Tudo é embalado por suas músicas.Do quintal para a sala, da varanda para a cozinha, do quarto para o banheiro até a garagem as crianças e os adultos vão encontrando – ou conhecendo – as músicas da Palavra Cantada. O percurso vai desde seu álbum de estreia Canções de ninar, de 1994 e vencedor do Prêmio Sharp (hoje Prêmio BTG Pactual da Música Brasileira) até Cenas infantis, lançado no ano passado em comemoração aos 30 anos da dupla. De lá para cá, são mais de 20 álbuns, 11 DVDs e nove livros lançados, com novos repertórios seguindo em construção.Cada cômodo da casa é colorido, com tons fortes de azul e vermelho, mescla móveis de verdade com outros plotados, estantes contendo surpresas, portinholas para serem abertas trazendo mais descobertas.

Concebida pela artista visual Stela Barbieri, a Exposição Pausa, propõe ocupar o espaço com obras em grande escala construídas em materiais diversos, que possibilitam ao público habitar e permanecer em seu interior e, dentro delas, conversar, descansar, relaxar e refletir sobre a importância das pausas, do descanso e do ócio na construção das subjetividades e humanidades.

No Octógono da Pina Luz, a artista Mônica Ventura explora materialidades e símbolos associados às cosmologias afro-ameríndias em um site-specific produzido em diálogo com a escala monumental do espaço central do edifício. Ao entrelaçar as camadas de tempo que habitam o Octógono, a artista propõe ao visitante um lugar em que as conexões humanas possam confluir, receber e irradiar energia, a partir da relação entre corpo e arquitetura.

Exposição concebida como um show audiovisual pela dupla de artistas Bárbara Wagner & Benjamin de Burca especialmente para o Sesc Avenida Paulista. Com curadoria geral de Clarissa Diniz e curadoria de acessibilidade e coordenação do projeto educativo pelo coletivo alingua, a mostra parte de uma reflexão sobre as políticas do olhar e as práticas de espelhamento presentes em Swinguerra (2019) e One Hundred Steps (Cem Degraus, 2020).Os filmes serão exibidos como um espetáculo, no qual o público será conduzido pela voz da mestra de cerimônias Indra Haretrava, que comenta as obras da dupla, seus contextos e métodos.

A exposição Geometrias reunirá cerca de 40 trabalhos do acervo que se relacionaram com a abstração geométrica. A mostra apresenta desde artistas concretos e neoconcretos, como Judith Lauand (1922-2022) e Hélio Oiticica (1937-1980), até artistas contemporâneos como Delson Uchoa e Beatriz Milhazes. Artistas que trabalharam com a geometria a partir de abordagens menos formalistas também estão incluídos. Entre eles, Rubem Valentim (1922-1991), que desenvolveu um sistema de símbolos afro-brasileiros; Alfredo Volpi (1896-1998), que explorou as formas de fachadas de casarios coloniais e de bandeirinhas de festas populares; e artistas indígenas como Daiara Tukano, que trabalham com grafismos ligados às cosmogonias de seu povo.

Arpillera é o nome em espanhol para uma linguagem têxtil figurativa que surgiu no Chile no final dos anos 1960. Durante o regime ditatorial de Augusto Pinochet (1973-1990), essa prática se tornou uma forma de denunciar as violações dos direitos humanos, além de configurar uma importante expressão cultural politicamente engajada e de protagonismo feminino. Em espanhol, "arpillera" significa "juta", o nome da fibra têxtil que recebe bordados que narram histórias de vida, luta e resistência das autoras e seus contextos. A produção chilena inspirou diversas mulheres e movimentos sociais ao redor do mundo.No Brasil, essa forma de expressão inspirou o Coletivo Nacional de Mulheres do MAB – Movimento dos Atingidos por Barragens – um movimento social brasileiro, auto-organizado, surgido na década de 1980 e que luta pelo direito das pessoas atingidas, reivindica um Projeto Energético Popular e uma transformação social estrutural. A exposição Mulheres Atingidas por Barragens: bordando direitos apresentará cerca de 30 trabalhos, produzidos entre 2013 e 2024, por mulheres que se reúnem em oficinas organizadas pelo MAB em todo o território nacional.

Isaac Julien (Londres, Reino Unido, 1960) é um artista e cineasta que, por meio de narrativas audiovisuais e instalações multimídia, tensiona os limites entre diferentes práticas artísticas, como arquitetura, fotografia, música e pintura. A vídeo-instalação Um maravilhoso emaranhado (Marvellous Entanglement) foi apresentada pela primeira vez em Londres, em 2019. Composta por nove projeções simultâneas em telas de grandes formatos, os vídeos captam imagens de edifícios icônicos de Lina Bo Bardi (1914-1992), realçando a dimensão poética do legado da visionária arquiteta e designer modernista. O trabalho enfatiza as ideias sociais, políticas e culturais de Bo Bardi, junto a reflexões filosóficas formuladas em artigos e cartas de sua autoria. O título da exposição deriva do trecho: “O tempo linear é uma invenção ocidental; o tempo não é linear, é um maravilhoso emaranhado onde, a qualquer instante, podem ser escolhidos pontos e inventadas soluções, sem começo nem fim.” – Lina Bo Bardi. Gravado em São Paulo (no Museu de Arte de São Paulo-MASP, no Sesc Pompeia e no Teatro Oficina) e em Salvador (no Museu de Arte Moderna, no Restaurante Coaty e no Teatro Gregório de Mattos), o filme é protagonizado por Fernanda Montenegro e Fernanda Torres, que interpretam os escritos de Bo Bardi sobre o potencial social e cultural da arte, arquitetura e design em diferentes estágios de sua vida.

A exposição Histórias do MASP percorrerá mais de sete décadas de história do museu no contexto da abertura do seu segundo prédio na avenida Paulista, o edifício Pietro Maria Bardi. Inicialmente instalado em um único andar no prédio dos Diários Associados na rua 7 de abril, o Museu de Arte Assis Chateaubriand consolidou seu papel na vida cultural da cidade ao inaugurar sua icônica sede na avenida paulista — agora chamada de edifício Lina Bo Bardi. Em um viés cronológico, a exposição Histórias do MASP aborda temas como a formação do acervo, as histórias das exposições no museu, sua extensa programação, bem como as transformações na arquitetura de seus edifícios. Esse momento de expansão também nos convida a refletir sobre a forte presença do MASP no imaginário artístico e cultural paulistano e nacional.

A exposição estabelece uma leitura crítica e propositiva sobre a da coleção de arte africana do MASP que reúne cerca de 120 itens e obras provenientes da África, que abrangem desde peças do Egito Antigo até alguns trabalhos contemporâneos. A maior parte desse acervo são estatuetas e máscaras do século 20, incorporadas ao acervo do museu ainda nas primeiras décadas de sua formação. Essas obras provêm principalmente da porção ocidental do continente, de grupos como os Guro, Senufo e Baule, da atual Costa do Marfim; Dogon e Bambara, da República do Mali; Mossi e Bobo-Quele, da Burkina Fasso; Baga, da Guiné; Ashanti, de Gana; Wobe-Guere, da Libéria; Mumuye, Ibibio e, predominantemente, Iorubá, da atual Nigéria. Recentemente, o museu também recebeu um tambor Chokwe, da Angola, contabilizando cerca de 70 peças que são o cerne de Artes da África.

A exposição sobre Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) exibirá as treze obras do artista presentes no acervo do MASP. Composta por doze pinturas e uma escultura, a mostra abrange praticamente toda a carreira do artista francês. Entre as pinturas europeias da coleção do MASP, esta constitui o maior número de obras de um único artista. A última vez que esse conjunto foi exposto em sua totalidade foi há 23 anos, em abril de 2002, no próprio museu, na mostra “Renoir - O pintor da vida”.As obras de Renoir foram adquiridas durante o chamado período das grandes aquisições quando, entre o final da década de 1940 e início dos anos 1950, Pietro Maria Bardi (1900-1990), diretor-fundador do MASP, incorporou ao acervo trabalhos de artistas do cânone europeu, a maioria deles italianos e franceses, que hoje compõem o maior e mais importante acervo de arte ocidental do Hemisfério Sul.Nascido em Limoges, na França, em 1841, Renoir foi um dos principais pintores do movimento impressionista francês, conhecido por suas pinturas de cores vibrantes, caracterizadas pelo uso da luz e cor, pinceladas fluidas e uma atenção especial à figura humana, especialmente em cenas de cotidiano e retratos.

Eranos Círculo de Arte ocupa o anexo do CCBB durante o período das férias de julho. O grupo, fundado por Sandra Coelho e Leandro Maman, chega diretamente de Itajaí (SC) para apresentar no anexo do Centro Cultural Banco do Brasil a Mostra Primeira Infância, com direito a teatro, cinema, artes visuais e oficinas, de quarta a segunda-feira. Reconhecido por sua abordagem multidisciplinar e inovadora nas artes cênicas para a primeira infância, o grupo mescla em seus trabalhos tecnologia digital com teatro, animação, literatura, cinema e artes visuais. Um dos destaques da ocupação é a exposição inédita “O Céu, o Mar e a Palavra”, com curadoria de Adriano Guimarães, na qual o público entrará em contato de maneira sensível com imagens, personagens e toda poética que permeiam as obras do grupo, em um universo que percorre o céu, o mar e se materializam em palavra.Além disso, ao longo do mês de julho, em diferentes dias da semana, o grupo apresenta seus espetáculos voltados para o público infantil.

A grande exposição “Fullgás – artes visuais e anos 1980 no Brasil” chega ao Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo. Com Raphael Fonseca como curador-chefe, e Amanda Tavares e Tálisson Melo como curadores-adjuntos, a mostra apresenta cerca de 300 obras de mais de 200 artistas de todas as regiões do país, mostrando um amplo panorama das artes brasileiras na década de 1980. Completam a mostra elementos da cultura visual da época, como revistas, panfletos, capas de discos e objetos icônicos, ampliando a reflexão sobre o período. A exposição ocupará todo prédio histórico do CCBB São Paulo e será dividida em cinco núcleos conceituais cujos nomes são músicas da década de 1980: "Que País é Este" (1987), "Beat Acelerado" (1985), "Diversões Eletrônicas" (1980), "Pássaros na Garganta" (1982) e "O Tempo Não Para" (1988). A mostra aborda o período de forma ampla, entendendo que seus questionamentos e impulsos começaram e terminaram fora do marco temporal de dez anos que tradicionalmente constitui uma década. Desta forma, a exposição abrange o período entre 1978 e 1993, tendo como marcos o final do Ato Institucional 5 e o ano posterior ao impeachment do ex-presidente Fernando Collor de Mello.

O musical reimagina a clássica história de Alice no País das Maravilhas em meio ao caos e à destruição da guerra. A trama acompanha Alice, uma jovem que se refugia em seu livro desgastado de Alice no País das Maravilhas, enquanto está presa em um abrigo antibombas com seu amigo de infância Alfred, que está gravemente doente. Enquanto os horrores da guerra se intensificam, Alice escapa para um mundo de fantasia onde pode reescrever sua própria história e encontrar força para lidar com a realidade brutal ao seu redor.

Nestes concertos, Rollo Dilworth é o regente convidado do Coral Paulistano, em um programa dedicado a spirituals tradicionais e arranjos e composições do próprio Dilworth. Nascido em St. Louis, nos Estados Unidos, Rollo Dilworth (1970) é regente coral, compositor, arranjador e educador. É professor associado da Choral Music Education e docente do Departamento de Educação Musical do Boyer College of Music and Dance da Temple University, na Filadélfia, onde também é vice-reitor. Integra diversas organizações em seu país natal, entre elas a National Association of Negro Musicians (NANM), National Association of Music Educators (NafME), além de ser membro vitalício da American Choral Directors Association (ACDA). Dilworth busca evidenciar sua ancestralidade africana em suas composições. Para isso, incorpora em sua obra elementos da música folclórica afro-estadunidense, da música gospel e dos spirituals. O artista também se inspira na tradição literária afroestadunidense, musicando poemas de autores como Langston Hughes e Paul Laurence Dunbar. Outro aspecto central de sua atividade como compositor é a diversidade e a inclusão: para ele, uma das missões da música coral é reunir pessoas, propiciando uma chance de fazê-las aprender mais sobre o próximo e sobre elas mesmas.

Francisco Mignone (1897-1986) e Clorinda Rosato (1913-1985) foram ambos alunos do Conservatório Dramático e Musical de São Paulo. No período, apresentaram-se ao piano na mesma Sala do Conservatório que hoje abriga o Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo. Compuseram pouco para quarteto de cordas: ele, apenas duas obras; ela, somente uma, que poderemos ouvir neste programa. Mignone foi um dos compositores mais próximos de Mário de Andrade em seu projeto nacionalista, inspirando-se em muitas de suas ideias para criar sua música. Essa proximidade, contudo, foi um processo construído: depois de sua formação inicial, Mignone recebeu uma bolsa do Governo do Estado de São Paulo para se aperfeiçoar na Europa e, em 1920, partiu para a Itália, país de origem de seu pai. Permaneceu no Velho Mundo por nove anos, alheio à efervescência do movimento modernista em São Paulo, sua cidade natal, e aos eventos da Semana de Arte Moderna, em 1922. No retorno ao Brasil, trouxe na bagagem suas óperas de sucesso ao estilo italiano e uma porção de outras obras que, a despeito de sua qualidade, não conversavam com a busca de uma identidade musical nacional que ocorria em terras tupiniquins.Mignone foi duramente criticado por Mário de Andrade, que acabara de publicar seu Ensaio sobre a Música Brasileira, livro que sintetiza as diretrizes modernistas para a composição inspirada na cultura popular, e absorveu a represália: passou a compor com base em repertórios de tradição oral e tornou-se um dos principais colaboradores de Mário de Andrade. A obra Quarteto de Cordas no 2, de 1958 e dedicada ao Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo, ilustra a devoção de Mignone ao projeto nacionalista, além da maturação estilística do compositor. Um pouco mais jovem que Mignone, a pianista do interior paulista Clorinda Rosato chegou a ser sua aluna, além de ter estudado com Camargo Guarnieri e Mário de Andrade. Este último foi quem a incentivou a se dedicar à composição, apoiando-a até o fim da vida. Fiel ao projeto nacionalista, incorporando os ideais da época em estilo pessoal, Clorinda compôs principalmente para piano, mas também criou peças corais que estiveram por cerca de três décadas no repertório do Coral Paulistano, além de obras de câmara – como o Quarteto que integra este programa, dedicado ao Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo. Esta é uma oportunidade rara de ouvir uma peça dessa compositora brasileira, que merece ter sua obra mais pesquisada e divulgada.

A plataforma de música Toca UOL apresenta a primeira edição de 2025 do Toca Sessions. A noite será uma celebração da música brasileira, com shows de Arnaldo Antunes e Nina Maia e dj set da DJ LEDAH.

A exposição apresenta obras em grande escala da artista visual, arte-educadora, curadora e contadora de histórias Stela Barbieri.Construídas com o uso de materiais diversos, como bambu e miçangas, as instalações reunidas em Pausa convidam o público a permanecer em seu interior e, dentro delas, descansar, relaxar, conversar e refletir sobre a importância do descanso e do ócio na construção das subjetividades humanas. Definida pela artista como uma “obra-oficina”, a exposição propõe um espaço para o desacelerar em meio à velocidade da vida moderna, criando atmosferas que estimulam o devaneio, a introspecção e a escuta.

Mariana Aydar e Mário Manga, filha e pai, reúnem-se na Casa Natura Musica m comemoração ao Dia dos Pais. Ganhadora do Grammy Latino 2024 e 2020 na categoria de Melhor Álbum de Música de Raízes em Língua Portuguesa, Mariana Aydar tem seis discos e dois documentários lançados. A cantora e compositora paulistana é reconhecida por unir o novo e o tradicional, aliando sonoridades e pautas contemporâneas com as raízes do forró. Ela ainda está presente na trilha sonora das novelas Renascer, Volta Por Cima e Travessia, da Rede Globo. Compositor, arranjador, multi-instrumentista e produtor musical, Mário Manga é conhecido por suas letras irreverentes e músicas cujos arranjos misturam Rock, MPB, Choro e Música Erudita. Fundador da banda Premeditando o Breque e do trio Música Ligeira, já produziu diversos artistas da MPB e compôs trilhas para cinema, teatro, TV e circo. Atualmente, toca com Arrigo Barnabé, Black Tie, Ná Ozzetti, Carlos Careqa, Luiz Tatit, Hélio Ziskind, Premê e Ana Deriggi, com quem apresenta o programa O Bom e Velho no YouTube.

Nova turnê solo do cantor e dançarino Junior. No show, dividido em cinco atos, o artista apresenta sucessos de diferentes momentos de sua carreira.

A mostra coletiva "Ponto de Mutação" reúne trabalhos de Anna Paes, Guilherme Gallé, Maria Luiza Toral, Marina Rodrigues, Rafael Kamada e Thales Pomb, sob curadoria de Antonio Gonçalves Filho. A exposição é um recorte da produção desses artistas que atravessam linguagens, materiais e campos de pesquisa para investigar as tensões do presente e para refletir sobre possíveis caminhos de transformação. A exposição tem o título inspirado no livro “O Ponto de Mutação”, do físico e ambientalista austríaco Fritjof Capra, publicado em 1982, que à época foi capaz de convergir o pensamento científico, a espiritualidade e a filosofia, anunciando uma era de novas possibilidades para o planeta em crise. Agora, Ponto de Mutação, ao aproximar linguagens e investigações distintas que respondem à crise civilizatória atual, faz uma homenagem ao visionário que, há 40 anos, já discutia a intersecção de disciplinas para manter viva a cultura humanista em um cenário de distópico transumanismo.

A exposição “Ilusão Real” investiga como percebemos a realidade através da forma e da sugestão visual, a partir doencontro entre a obra do artista Felipe Cohen e do designer Percival Lafer, e curadoria de Guilherme Wisnik.Partindo dos princípios da Gestalt e da Psicologia da Forma, os trabalhos de Felipe Cohen desdobram as virtualidades do espaço geométrico com volumes sugeridos, sombras e reflexos que instigam a mente a completar o que não está inteiramente dado. Já o mobiliário de Lafer opera com geometrias evidentes – como retas e curvas – em materiais rígidos e maleáveis, em uma lógica na qual o conjunto transcende a simples soma das partes. Entre ambiguidades perceptivas e estruturas poéticas, “Ilusão Real” constrói um campo de tensão entre o mundo físico e o imaginado.

Exposição individual do artista espanhol Raúl Díaz Reyes na Travessa Dona Paula, em Higienópolis, em São Paulo. Com texto crítico de Camila Bechelany, a mostra revela a nova produção de pinturas realizada em solo brasileiro neste ano. O evento celebra o primeiro ano de funcionamento da galeria no Brasil.

Exposição individual do artista português radicado em São Paulo Tiago Mestre. A mostra consiste em uma grande instalação site-specific, composta por diferentes conjuntos escultóricos, que ocupa todo o espaço expositivo. Apresentando grupos inéditos de esculturas em cerâmica, a mostra funciona como uma síntese de aspectos fundamentais da produção do artista, além de aprofundar investigações que têm estado bastante presentes em seu trabalho há alguns anos.Para receber a proposta instalativa de Tiago Mestre, a galeria passou por uma alteração importante em seu espaço expositivo, removendo a parede da fachada que bloqueava a visão entre interior e exterior. Com essa mudança, a exposição passa a funcionar como uma espécie de vitrine na qual as peças em exibição estabelecem um diálogo com a própria cidade.Para Fogo Fumo, Mestre parte de uma reflexão sobre a tradição da cerâmica portuguesa, com particular atenção para a longa tradição da olaria do Alentejo, onde nasceu e cresceu, propondo uma reelaboração que coloca em perspectiva aspectos históricos, sociais e culturais dos objetos.

Baseado em contos das escritoras Mariana Enriquez (Argentina), María Fernanda Ampuero (Equador) e Layla Martinez (Espanha), o espetáculo Estratagemas Desesperados, que faz sua temporada de estreia no Sesc 24 de Maio, apresenta quatro mulheres dentro de uma casa contando histórias que atravessam o horror, a violência, o amor e a obsessão. Em vez de abrigo seguro para compartilhar essas histórias, a casa se transforma num reflexo distorcido do que um dia já foi lar.

Em uma grande produção, com 30 personagens e corpo de baile, a montagem apresenta um dos contos de fadas mais conhecidos do público infantil.Romance originalmente escrito para adultos por Gabrielle-Suzanne Barbot, em 1740, A Bela e a Fera recebeu versão mais curta para crianças, em 1956, por Jeanne-Marie LePrince de Beaumont. O clássico conto de fadas foi eternizado no cinema pela animação de Walt Disney. Para salvar seu pai, a bondosa Bela vai morar no castelo da assustadora Fera. Mas, com o passar do tempo, a jovem descobre que a Fera não é tão má assim.

Jane (Bianca Bin) é especialista em filtrar conteúdo impróprio na internet, funcionária exemplar de uma grande empresa de tecnologia. Após acumular anos e anos sendo testemunha do ambiente tóxico das redes, ela tem um colapso na firma em que trabalha, acaba sendo afastada de seu cargo e obrigada a frequentar o consultório de um terapeuta (Edson Fieschi). A partir deste encontro, a trama de ‘Job’ se desenrola em um thriller psicológico que arrebatou a Broadway desde a sua estreia em 2023 e chega agora ao Brasil.

Vídeo nas Aldeias é um projeto audiovisual criado em 1986 com o propósito de fortalecer o cinema indígena brasileiro. Idealizado por Vincent Carelli (Paris, França, 1953), o Vídeo nas Aldeias se dedicou, inicialmente, a registrar a cultura de diferentes povos indígenas brasileiros, apresentando as filmagens para as próprias comunidades. A partir de 1997, o projeto expandiu suas atividades para incluir oficinas audiovisuais realizadas junto a esses povos e passou a distribuir equipamentos de filmagem para que os participantes tivessem autonomia na representação de sua própria cultura. Desde então, a formação de cineastas indígenas e o suporte técnico para a produção de filmes se tornaram pilares fundamentais da atuação do projeto. Os filmes produzidos formam um acervo plural que reflete a diversidade dos povos indígenas brasileiros. A sala de vídeo dedicada ao Vídeo nas Aldeias pretende destacar filmes produzidos pelo projeto em parceria com comunidades indígenas, os quais abordam formas distintas de lidar com a terra e com o meio ambiente, retratando aspectos de suas culturas e cosmologias, além da urgente luta pela demarcação territorial.

Antoni Muntadas (Barcelona, 1942), artista conhecido por desafiar convenções socioculturais por meio da sua arte e trabalhar as relações de poder dos signos gráficos e textuais, realiza mostra inédita no Sesc Pompeia.A exposição instalativa Lugar Público - Muntadas convida o público a uma reflexão sobre os limites e as transformações dos espaços compartilhados. Em um cenário de crescente privatização e vigilância, Antoni ocupa a Área de Convivência do Sesc Pompeia para questionar as mudanças urbanas e o Com curadoria de Diego Matos, o projeto para o Sesc Pompeia traz uma ocupação da Área de Convivência da unidade, de caráter site-specific: são intervenções audiovisuais, textuais e dispositivos arquitetônicos projetados para explorar os significados de "público" – audiência e espaço público - e provocar reflexões a respeito do espaço urbano contemporâneo e das noções de lazer e esfera pública.

Alice Caymmi apresenta uma homenagem emocionante a Nana Caymmi.Após o falecimento de sua tia, Alice decidiu dedicar um espetáculo ao legado de Nana com o show “Para minha Tia Nana”, no qual revisita alguns de seus maiores sucessos.Para enriquecer ainda mais o tributo, Alice conta com a participação do pianista Francisco Eiras, que a acompanha com sensibilidade e técnica apurada. Juntos, eles selecionaram clássicos como “Resposta ao Tempo”, “Só Louco”, “Suave Veneno”, “Oração ao Tempo”, além dos boleros “Sabe de Mim” e “Se Queres Saber”. Cada música revela a profundidade e a beleza das composições, além de refletir a trajetória artística de Nana Caymmi.

Exposição individual do artista espanhol José Manuel Ballester, com curadoria de Luiz Armando Bagolin. A mostra reúne uma seleção de obras que retomam a longa pesquisa do artista sobre o apagamento de figuras humanas em obras-primas da história da arte ocidental, propondo uma revisão crítica e sensorial do modo como vemos, recordamos e projetamos sentido nas imagens.Ballester, vencedor do Prêmio Nacional de Gravura (1999), o Goya de Pintura da cidade de Madri (2006) e o Prêmio Nacional de Fotografia da Espanha (2010), apropria-se de pinturas canônicas como A Última Ceia, de Leonardo da Vinci, O Nascimento de Vênus, de Botticelli, e os afrescos de Giotto, eliminando digitalmente seus personagens centrais. O que resta são cenários vazios, espaços desabitados, prontos a serem repovoados pela memória do espectador.Ao esvaziar o campo narrativo das obras e deixar à vista apenas seus planos de fundo — a mesa posta, os bosques, as arquiteturas — Ballester inscreve sua poética num território próximo ao que Aristóteles e Borges descreveram como o intervalo entre percepção e linguagem. A exposição se constrói, assim, como um jogo entre presença e ausência, onde a contemplação se desloca do motivo alegórico para a superfície, para o que antes era apenas suporte ou bastidor.

Tetê Espíndola apresenta o show Da raiz ao contemporâneo. A apresentação vai acontecer no formato Sala da Casa, um jeito aconchegante de aproveitar a noite num ambiente especial: sem lugares marcados, com sofás, mesas e pista livre. Assim você escolhe como viver o som, seja sentado ou em pé. Também preparamos um cardápio especial com drinks e petiscos para completar sua experiência. Se quiser garantir seu lugar sentado com antecedência, nossos camarotes no mezanino também estão disponíveis.A artista, que tem 45 anos de carreira, percorre os caminhos da música pantaneira, indo da tradição à renovação, celebrando a potência de sua voz como instrumento natural e elemento poético. Conhecida por carregar “pássaros na garganta” — como definiu o poeta concretista Augusto de Campos — Tetê mergulha em um repertório que entrelaça suas experimentações com sons da natureza, recriando paisagens sonoras. Entre guarânias e polcas de raiz que remetem à fronteira entre Mato Grosso do Sul e Paraguai, e composições contemporâneas que refletem a força criativa da sua fase de vanguarda. O repertório traz canções dos seus conterrâneos Geraldo Espíndola (Quiquiô), Paulo Simões (Trem do Pantanal), Mário Zan (Chalana) e Zacaria Mourão (Pé de Cedro), além de parcerias com Arrigo Barnabé e Iara Rennó. O show tem uma abordagem que valoriza tanto as raízes quanto os novos horizontes da canção regional.

Kylie Minogue apresenta sua aguardada "TENSION TOUR" para 2025,programada para ser a maior turnê de Kylie desde 2011. Começando no país natal de Kylie, Austrália, em fevereiro, a turnê mundial visitará a Ásia, Estados Unidos, Canadá, Reino Unido e Europa antes de parar na América Latina em agosto de 2025. “Tension II” - uma nova coleção de 13 músicas - foi lançada em 18 de outubro de 2024 pela BMG. A sequência de alta energia e alta octanagem do álbum número 1 e sucesso global “Tension”, vê Kylie se aprofundar ainda mais no espaço eletrônico e está repleta de hinos de pista de dança. O disco inclui nove novas faixas de estúdio de Kylie, além do mais recente hit de dança “Edge of Saturday Night” com The Blessed Madonna, bem como suas recentes colaborações com Orville Peck, Bebe Rexha e Tove Lo, e Sia.

O cantor e compositor Tagua Tagua apresenta o seu novo álbum de estúdio. Gravado, produzido e composto em seu apartamento, localizado no centro da cidade de São Paulo, o álbum apresenta novas nuances ao projeto que outrora apresentou o neo soul e a psicodelia como suas principais características. Sem esquecer de seus ídolos do passado, artistas como Tim Maia, Cassiano e BillWithers, marcas registradas em sua obra, Tagua Tagua traz agora uma energia dançante renovadora menos presente em seus trabalhos anteriores com novas influências, como Daft Punk e os contemporâneos franceses L’Impératrice.O show conta com a participação especial do músico e cantor alagoano Bruno Berle.

Roberto Carlos apresenta os seus grandes sucessos que marcam a música brasileira desde a década de sessenta. No show, o Rei é acompanhado por uma orquestra de 42 músicos.

A mostra coletiva na Galeria Marilia Razuk considera a prática da escultura na sua relação com o corpo e em suas possibilidades com os materiais e espaço. Na exposição, cerca de 20 obras dos artistas Claudio Cretti, Manuel Brandazza e Raphaela Melsohn se apresentam como forças coexistentes com o espectador, em constante negociação.Reunindo três artistas que exploram as interseções entre escultura, material e o corpo, de formas diversas, a exposição examina como a forma pode ser ‘moldada’ seja por meio da manipulação de materiais rígidos ou maleáveis, na reconfiguração de objetos cotidianos e pela invocação da memória corporal. As obras reunidas sugerem que criar uma forma é também questionar seus limites e reimaginar suas possibilidades de relação com o espaço.

Primeira exposição individual do artista libanês Pascal Hachem em São Paulo.A exposição é um desdobramento de “FEITO NO CÉU”, realizada em Brasília após residência artística de mais de 60 dias na galeria Karla Osorio, na mesma cidade. Com prática profundamente enraizada na relação com a cidade e com temas sócio-politicos, Hachem traduz as incertezas e tensões do ambiente urbano em instalações e esculturas potentes, muito poéticas, que instigam o olhar e o pensamento. Inspirado pela imprevisibilidade da vida em Beirute, onde o futuro é incerto, a obra de Hachem possui natureza transitória. Na mostra, Hachem apresenta mais de 40 obras, todas de séries criadas em sua residência artística em Brasília entre setembro e novembro de 2024. São obras que dialogam com a paisagem cultural e urbana do país, criando intercâmbio poético e reflexivo entre as realidades do Oriente Médio e da América Latina, sobretudo considerando o período de guerras no mundo. Resgata também tradições locais como bordado, miçangas, pipas, entre outras.

A exposição coletiva reúne mais de 20 artistas cearenses sob a curadoria de David Almeida. Com nomes como Leonilson, Efrain Almeida, Arivanio e Darks Miranda, a mostra apresenta trabalhos de diferentes gerações. Ao construir uma narrativa que ecoa o sertão em suas múltiplas dimensões – arqueológica, mística, política e poética –, a exposição mergulha no imaginário cearense de diversas regiões do estado e explora as fronteiras entre o sagrado e o profano, o real popular e o místico redentor.Motivado por uma investigação familiar e pela preservação da memória das paisagens de seus pais, David Almeida, nascido em Guará, DF, aproximou-se profundamente do sertão e seus artistas, encontrando reverberações de suas pesquisas nas imagens criadas por eles. Em seu ateliê, David nota que seu gesto revisita frequentemente as paisagens do sertão de Inhamuns, do Cariri. Vaquejada da Meia-Noite reúne obras em xilogravura, pintura, escultura, instalação e vídeo, com forte presença de artistas ligados à tradição gráfica do Cariri, como José Lourenço, Stênio Diniz e Francisco de Almeida, além de nomes consagrados da arte contemporânea brasileira, como Leonilson. Em comum, os trabalhos evocam fabulações sertanejas atravessadas por tensões sociais, figuras lendárias, manifestações religiosas e signos populares, compondo um painel onírico e crítico de um Brasil subterrâneo e imagético.

A Mendes Wood DM tem o prazer de apresentar a exposição coletiva Remanso com trabalhos de Eleonore Koch, Linda Kohen, Anna Livia Monahan, Rayana Rayo e Paula Siebra. Suas pinturas expõem o que lhes é intrínseco, conduzindo o olhar a territórios silenciosos, densos e simbólicos. Suas obras iluminam espaços domésticos, corpos, objetos e representações da psique e do feminino, criando uma constelação de símbolos que traduzem um cotidiano particular e ao mesmo tempo compartilhável. Remanso reúne uma constelação intergeracional de artistas de diferentes regiões geográficas e trajetórias únicas, que se encontram no ofício da pintura em pequena escala. Telas a princípio discretas, carregam uma profundidade que transporta o espectador para dentro de si: evocam lembranças, sonhos, medos e incertezas. Este diálogo sensível se torna ainda mais potente ao ocupar a Casa Iramaia, originalmente uma residência familiar, que com sua atmosfera introspectiva acolhe e amplifica essas narrativas visuais, como se fosse extensão das próprias obras.

A cantora e compositora Ana Gabriela apresenta na Casa Natura Musical sua nova turnê.No palco, Ana será acompanhada por banda completa, formada por Hygor (guitarra), Thiago Leal (baixo) e Fernando Chocô (bateria). O show combina músicas inéditas do novo álbum com sucessos que marcaram sua trajetória, como “deixa”, “não te largo não te troco”, “mais de nós” e “no escuro”.A proposta da turnê é transportar para o palco a sensibilidade dos videoclipes e da produção do álbum.Ana Gabriela é uma cantora, compositora e musicista de São José dos Campos (SP), que começou sua carreira em 2015, no YouTube, interpretando covers de grandes sucessos. Desde então, lançou os álbuns de estúdio “Ana” (2020) e “Degradê” (2022), além do ao vivo “Acústico Ana Gabriela” (2023), um EP e vários singles. Ao longo de sua trajetória, colaborou com artistas de destaque, como Lulu Santos, Armandinho, Saulo Fernandes, Lagum, Melim, Capital Inicial, Maneva, Francisco Gil e Anavitoria. Sua parceria com Lagum, “Deixa”, ultrapassou 485 milhões de streams, marcando sua relevância no cenário musical digital.