Luciana Brito Galeria apresenta Homem-Natal e outras histórias..., exposição individual do artista brasileiro Rafael Carneiro. A mostra, que acontece no Pavilhão anexo da galeria, reúne um conjunto de 10 pinturas inéditas, realizadas como um desdobramento da pesquisa do artistaem torno dos materiais. O título refere-se a uma das poucas pinturas figurativas da mostra, além de fazer uma alusão à literatura, considerando que cada pintura conta sua história, assim como os contos literários. O texto crítico é assinado pelo pesquisador e curador José Augusto Ribeiro.

Janaina Torres Galeria apresenta a individual inédita ‘A vida interior das plantas de interior’, do artista visual e pesquisador Daniel Jablonski. Em formato de instalação, a exposição transforma a galeria em um estúdio fotográfico situado “fora do tempo”, integrando elementos dos séculos 19 ao 21, como tapetes persa, adereços cênicos, equipamentos fotográficos e uma planta estabilizada em laboratório. A obra toma por objeto deflagrador duas imagens bastante conhecidas, mas pouco estudadas da iconografia do Brasil Império: retratos oficiais de Dom Pedro II e de Thereza Cristina, realizadas pelo portugês Joaquim Insley Pacheco em 1883, em que os monarcas figuram ao centro de elaborados cenários vegetais. Estas imagens, que apontam para a ideia do Brasil como um vasto império florestal, foram desconstruídas e retrabalhadas por Jablonski.

A Flexa, em parceria com a Claraboia, abre sua primeira exposição em São Paulo, “Construção no Vento”, com curadoria de Luisa Duarte, expografia de Daniela Thomas e texto de Julia de Souza.Em ensaio ao redor de Mira Schendel, Nuno Ramos associa a obra da artista ao que nomeia “construção no vento”. A coletiva toma o paradoxo do título enquanto imagem propulsora, fazendo-a ressoar em três eixos: “Gestos mínimos”, “Ativar o vazio” e “Paisagens rarefeitas”.

Céus e estrelas descrevem o cenário onde nasceu Santídio Pereira, no estado de Piauí, em que a escassez de luz artificial revelou universos reais e imaginários para a obra do artista. A nova exposição que ocupa a galeria Estação traz dois conjuntos de obras que se diferenciam entre si, mas se conectam pelos modos de pensar e fazer a arte. De um lado, xilogravuras alusivas a céus – que incluem noites estreladas, constelações, galáxias e o cosmos – apontam para a visão do infinito, enquanto, de outro, as criações em guaches e xilos se solidificam na esfera terrena, com figurações de bromélias assentadas no ambiente concreto.A mostra, com curadoria de José Augusto Ribeiro, reúne trabalhos realizados no mesmo período, de janeiro a junho de 2025.

A galeria apresenta uma mostra do pintor, escultor e desenhista italiano-alemão Ernesto de Fiori. A individual conta com cerca de 35 obras, entre pinturas, esculturas e desenhos dentre as mais significativas realizadas durante o período em que o artista viveu no Brasil. Ernesto de Fiori elevou sua voz contra os horrores da guerra. Se engajou na Primeira Guerra Mundial, em 1915, e atuou como correspondente de um jornal italiano. Com a expansão do nazifascismo ao longo das décadas de 1920 e 1930, atingindo seu auge no Reich Alemão, o artista repudia veementemente o regime e, em 1936, é obrigado a abandonar a Alemanha Nazista, e se refugia no Brasil, com intenção de seguir para os Estados Unidos. Mas acabou permanecendo em terras brasileiras até sua morte, em 1945, período em que concentrou sua produção artística mais na pintura do que na escultura. Em suas obras, destacam-se contrastes criados por técnicas variadas, como pinceladas rápidas ou diluídas em solvente, e o uso de instrumentos dentados, entre outras.

A Almeida & Dale apresenta uma panorâmica dedicada à obra do artista mineiro Raymundo Colares (1944-1986), sob curadoria de Ligia Canongia. Reunindo mais de 40 obras, entre pinturas, guaches e os emblemáticos Gibis, livros-objetos que convidam o público a se envolver com os trabalhos tridimensionais a partir do manuseio de suas folhas coloridas que se desdobram, a mostra marca o retorno do artista à capital paulista após um hiato de 15 anos sem exposições individuais na cidade. Figura singular da arte brasileira dos anos 1970, Colares criou uma linguagem própria, marcada pela fusão entre referências construtivistas e elementos da cultura urbana e popular. O ônibus, ícone recorrente em sua produção, sintetiza esse cruzamento. Nas telas, a carroceria se desdobra em formas geométricas e cortes abruptos que evocam velocidade, fragmentação e fluxo, temas centrais em seus trabalhos.

Após se apresentar no Rock In Rio, a banda californiana Avenged Sevenfold volta ao Brasil com a turnê do álbum "Life is Cut a Dream...". O disco foi considerado um dos 11 melhores álbuns de metal pela revista Rolling Stone no ano de 2023.

Hoje conhecido sobretudo pela ópera Carmen, obra-prima cujo estrondoso sucesso o compositor morreu sem acompanhar, Georges Bizet (1838-1875) aprendeu a ler música ao mesmo tempo em que era alfabetizado, e antes dos 10 anos de idade estava matriculado no Conservatório de Paris. Em poucos anos, ganhou o primeiro prêmio em solfejo em piano e, em 1857, o cobiçado Prix de Rome, que lhe permitiu passar dois anos estudando em Roma.Em 1863, Bizet compôs Os Pescadores de Pérolas, ópera que só encontraria sucesso alguns anos depois. O compositor ganhava a vida como pianista acompanhador e arranjador de editoras musicais enquanto planejava grandes óperas, que frequentemente não chegava a terminar. Em 1872, a música incidental que escreveu para a peça L’Arlésienne encontrou grande repercusão ao ser reunida em uma suíte orquestral. Isso encorajou Bizet a concluir uma tão sonhada grande ópera, que quase não subiu ao palco em razão das objeções de cantores e diretores de teatro, chocados com o tema de Carmen. Quando estreou, em 3 de março de 1875, foi mal recebida, mas poucos meses bastaram para que o público se apaixonasse pela obra. Bizet, no entanto, não pôde acompanhar essa mudança de opinião, pois morreu três meses depois, aos 36 anos, convencido de que Carmen fora mais um de seus fracassos.Este concerto reúne cantores de ópera de todo o mundo, formados na Academia de Ópera de Paris, e músicos da orquestra do Theatro Municipal. Juntos, eles lembram o 150º aniversário da morte de Georges Bizet e da criação de Carmen. O público poderá redescobrir as grandes árias do compositor francês, excertos das suas óperas menos conhecidas, bem como grandes árias de Jules Massenet e Charles Gounod.

Exposição individual da artista Ana Amorim, que ja expôs no MAC USP em diversos momentos desde os anos 1990, quando primeiro expôs seus mapas mentais no museu. A artista apresenta um corpo de trabalho baseado num exercício sistemático de registro do tempo e do espaço.

Dani Black dá início à turnê de seu projeto mais ousado: Uma Cidade Chamada Eu Mesmo. Com 12 shows já confirmados para o final do ano, o artista levará para os palcos das capitais brasileiras o espetáculo do álbum ao vivo, apresentando esse universo de forma ainda mais visceral e próxima ao público.

Craca, Donatinho e Sue, cada qual à sua maneira, canalizam os ecos da música setentista para inventar novas linguagens. Com trajetórias distintas, eles e ela se encontram no palco para reprogramar o passado com máquinas do presente.

Em um rio de tecidos e livros adaptados para a pescaria, crianças e familiares são convidadas a participar da brincadeira de pescar e partilhar histórias. Cada livro de literatura infantil pescado é lido como um presente para as pessoas que participam da brincadeira.

As gêmeas octogenárias Meliza e Grazia, duas marquesas decadentes, vivem em uma mansão em ruínas. Devastadas pela fome e pelo abandono, são sempre vigiadas pela centenária criada Garga. Entre devaneios lúgubres, lembranças distorcidas e jogos perversos, elas alimentam fantasias de juventude, erotismo e poder. As Três Velhas é um melodrama grotesco que habita o universo simbólico de Alejandro Jodorowsky, em que o horror e o riso se encontram, expondo as feridas do corpo, da velhice e de um mundo cruel, onde todos e todas são transformados em mercadorias, vendendo-se a qualquer preço para garantir o pão de cada dia.

A peça é uma incursão no livro de memórias de Graciliano Ramos, em forma de espetáculo literário teatral. Trata-se de uma proposta popular, acessível a públicos iniciantes e àqueles que já têm algum contato com a arte. Objetivamente, é uma iniciativa destinada à formação de plateias e de claro incentivo à leitura. Isso porque, a obra narra a meninice de Graciliano e seu processo de alfabetização, assim como uma gradativa aproximação ao universo dos livros e da literatura. Essa trajetória não deixou de ter seus percalços e dificuldades. No entanto, o infante Graciliano, através de um vivo interesse em se emancipar, tornou-se um jovem apaixonado pela literatura, para vir a ser um dos melhores escritores brasileiros.

Comemorando 92 anos de vida e mais de 70 de carreira, o ator Othon Bastos, sobe ao palco em seu primeiro monólogo, escrito e dirigido por Flávio Marinho, relembrando suas vivências e fatos marcantes de sua trajetória.

“Lady Tempestade” segue em nova temporada no Teatro FAAP. Estrelado por Andrea Beltrão, o espetáculo lança luz sobre uma história pouco conhecida da ditadura brasileira, propondo um diálogo entre arte, política e memória coletiva. Em junho, a montagem celebrou a marca de 100 apresentações, reafirmando sua potência cênica e o impacto com o público.Com direção de Yara de Novaes e dramaturgia de Sílvia Gomez, o espetáculo traz à cena a história da advogada pernambucana Mércia Albuquerque (1934-2003), que atuou na defesa de presos políticos durante a ditadura militar no Brasil. Um relato potente, que articula passado, presente e futuro, ao abordar a luta por justiça e memória em um país que insiste no esquecimento.Na trama, Andrea interpreta A., uma mulher que recebe, de forma inesperada, os diários de Mércia e se vê atravessada pelos relatos de coragem e resistência. O impacto desse encontro provoca reflexões sobre os ciclos de violência, a urgência da memória e os desafios da justiça social — temas que seguem absolutamente atuais.

“Pop Brasil: vanguarda e nova figuração, 1960-70” é a maior exposição da Pinacoteca em 2025, reúne 250 obras de mais de 100 artistas, proporcionando uma visão abrangente sobre a arte do período.A mostra se divide em temas que remontam aos grandes acontecimentos do período, como o surgimento da indústria cultural, a ruptura democrática e transformações sociais de diversas ordens.Na Pinacoteca, “Pop Brasil” comemora ainda os 10 anos do comodato da Coleção Roger Wright e o importante acervo de obras dos anos 1960 e 1970.

Embora possa parecer ficção, números revelam uma realidade alarmante: o bullying no Brasil cresce cerca de 12% ao ano, enquanto uma pessoa da comunidade LGBTQIA+ morre de forma violenta a cada 38 horas, segundo a Associação Acontece Arte e Política LGBTI+.Esse cenário é explorado com profundidade e humor ácido em Névoa - From White Plains, espetáculo que retorna a São Paulo, com elenco formado por: Felipe Hintze, em uma atuação intensa ao lado de Fernando Billi, Felipe Ramos e Fernando Vitor. Juntos, conduzem o público por uma narrativa que mescla suspense, emoção e reflexões profundas sobre culpa, responsabilidade e justiça.

Lenna Bahule apresenta uma noite que mistura música, corpo e memória. Para essa travessia, Lenna convida Rincon Sapiência e Anelis Assumpção. Inspirado na trilogia sonora intercultural lançada por Lenna, Kumlango, que significa “portal” em yaawo, língua do povo moçambicano do Niassa. O show se transforma em ritual, celebração e reconexão, misturando o orgânico e o eletrônico, o sagrado e o cotidiano.

Em 2024, a premiada compositora carioca Marisa Rezende completou 80 anos. A efeméride foi celebrada com a programação de obras suas por diversas orquestras, e com o Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo não poderia ser diferente: seguindo sua vocação de fomentar a nova produção para quarteto de cordas, o grupo encomendou à compositora uma obra a ser estreada na próxima temporada. Afeita à música de câmara e com peças intimistas e introspectivas, Marisa conciliou em sua trajetória a composição, a carreira acadêmica e a docência em nível superior. Entre suas láureas, recebeu em 2016 a Medalha Villa-Lobos da Academia Brasileira de Música e, em 2018, foi homenageada pelo Festival de Música Contemporânea Brasileira de Campinas.Carlos Gomes (1836-1896) é conhecido por suas óperas em estilo italiano, como O Guarani (recentemente apresentada em montagem inovadora pelo Theatro Municipal), que conquistaram reconhecimento internacional. Natural de Campinas, o compositor dividiu sua vida entre o Brasil e a Itália, especialmente Milão, onde teve várias óperas apresentadas no Teatro alla Scala. A última obra de sua carreira, contudo, foi a sonata para cordas O Burrico de Pau – aqui tocada em versão para quinteto de cordas. Aos 57 anos, enfrentando dificuldades financeiras e pessoais, até mesmo de saúde, o compositor decidiu escrever uma peça alegre e com caráter de serenata para o Club Musical Sant’Anna Gomes, agremiação campineira presidida por seu irmão, que era violinista. Pensada como divertimento para um local de lazer, e homenageando indiretamente seu irmão, a obra teve o título sugestivo inspirado em um sonho, no qual o compositor montava em seu brinquedo de infância e cavalgava aos céus. Carlos Gomes faleceria dois anos depois, deixando o legado dessa peça que mescla alusões sonoras ao trote do burrico às melodias líricas e cativantes que marcaram toda sua produção.Heitor Villa-Lobos (1887-1959) compôs o impressionante número de 17 quartetos de cordas, principalmente nas últimas décadas de sua vida. Com robustez formal inspirada nos modelos clássicos, essas peças revelam um compositor menos preocupado em referenciar diretamente os elementos da cultura popular, e mais dedicado à criação de uma música abstrata –, muito embora os elementos nacionais que marcam sua obra estejam sempre presentes. Os últimos quartetos, de harmonia arrojada, foram compostos na década final de sua vida, quando o compositor se dividia entre sua casa, no Rio de Janeiro, e turnês pelos Estados Unidos. O Quarteto no 13, de 1951, é uma dessas obras, sendo escrito em Nova York e dedicado ao Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo.

O vencedor do Grammy Kenny G inicia a turnê mundial “40 Years Forever In Love” para celebrar duas marcas emblemáticas: 4 décadas de carreira e 30 anos doe “Forever In Love”, sucesso global que foi um divisor de águas na vida da música e na Cultura Pop.A forte conexão que Kenny G mantém com Brasil, que levou o artista a compor um álbum de bossa nova intitulado “Brazilian Nights” em 2015, não poderia deixar o país de fora.O ícone do saxofone fará uma apresentação com estrutura especial acompanhado de uma Big Band ao vivo, revisitando todos os principais sucesso das suas 4 décadas de carreira, com direito a um momento especial para celebrar “Forever In Love”.

O show do duo formado por Vic Conegero e Du Pessoa marca a continuação da proposta iniciada no álbum Entre (2024), que convida o público a explorar o universo musical do casal. Na apresentação inédita, essa narrativa ganha forma no palco, transformando-o em uma experiência intimista, afetiva e interativa.O conceito da performance propõe abrir as portas da moradia do Benziê a partir de um cenário que recria a sala da casa de praia da banda, localizada entre o mar e a Mata Atlântica. É nesse espaço de vida e criação que o Benziê recebe amigos, compõe suas músicas e grava os vídeos musicais que viralizam nas redes. Sofá, tapetes, abajur, plantas e iluminação quente compõem a cenografia, reforçando o clima de acolhimento, simplicidade e verdade que conduzem toda a apresentação.

Na turnê “Uma onda em pedaços”, Cícero mescla seu novo disco com clássicos de sua trajetória. O espetáculo mergulha no universo do novo disco, que reúne dez canções inéditas, incluindo colaborações com Duda Beat, Vovô Bebê e Tori, e o conecta ao repertório que consagrou o artista como uma das vozes mais originais da cena musical brasileira. A proposta é conduzir a plateia por diferentes atmosferas: momentos intimistas, explosões coletivas e experimentações que transitam entre gêneros, do forró ao rap, da canção clássica ao experimental.

A galeria apresenta uma seleção de trabalhos de Waltercio Caldas, importante da arte conceitual brasileira. A mostra conta com texto curatorial de Giulia Baitz.

A Casa Seva, espaço dedicado à arte contemporânea e ao diálogo entre cultura e sustentabilidade em São Paulo, apresenta a exposição “Eclosão de Desejos", individual da artista Lívia Moura VAV, realizada em parceria com a Galeria Inox. A mostra reúne pinturas, bordados e experimentações materiais criadas a partir de pigmentos naturais colhidos pela própria artista e lãs processadas por mulheres da Cooperativa da Lã Mulheres Rurais da Montanha.

A exposição individual de Emmanuel Nassar revisita quatro décadas da produção do artista paraense. Com texto crítico de Victor Gorgulho, a mostra apresenta obras criadas desde a década de 1980 até trabalhos inéditos, traçando um panorama instigante da produção de Nassar. São pinturas, objetos e peças da série Trapioca que representam o vocabulário visual construído pelo artista ao longo de quatro décadas. A exposição ressalta a posição singular — quase paradoxal — que Nassar ocupa na arte brasileira, ao articular signos das culturas populares e de massas do Norte do Brasil a vertentes como a pop arte e o concretismo.

Mika Takahashi apresenta a individual “Noctiluca”, composta por pinturas que transitam entre a ciência e a ficção. Em telas marcadas por gestualidade, camadas sobrepostas e transparências, a artista evoca formas de vida e relações simbióticas entre espécies. A mostra parte da pesquisa da artista sobre bioluminescência e organismos microscópicos para propor um espaço de contemplação, dissolvendo os limites entre o natural e o imaginado.

A exposição reúne nomes de diferentes gerações e contextos — Ana Teresa Barbosa, Carmelo Arden Quin, Eduardo Terrazas, Eamon Ore-Giron, Mano Penalva, Maria Leontina e Olga de Amaral — e aborda temas como pertencimento, migração, práticas artesanais e tensões entre tradição e modernidade. Mas em comum, esses artistas compartilham uma crença profunda na capacidade da arte de imaginar e representar diferentes ideias e modelos de mundo.As obras da mostra percorrem linguagens variadas como pintura, escultura, tapeçaria e outros suportes têxteis, mosaicos e móbiles, explorando escalas que oscilam entre o micro e o macro por meio de abordagens que conectam o terreno ao cósmico, o íntimo à memória coletiva, a tradição à experimentação. Em comum, os trabalhos apresentam vínculos com a abstração, ora geométrica, ora intuitiva, explorando e reinventando alguns dos legados mais fundamentais da modernidade.

Décimo espetáculo do Grupo mineiro Quatroloscinco, "Velocidade", convida o espectador a repensar a relação com o tempo na vida contemporânea. A peça se estrutura como capítulos de um livro. Dramaturgia e encenação constroem uma peça-livro-sonho que afirma o teatro como uma máquina de desacelerar o tempo. Situações diversas e sobrepostas abordam a percepção humana do tempo a partir de relações familiares e de trabalho, rotina de vida, memórias de infância, sonhos recuperados e a incerteza do futuro.

Por Um Pingo conta a história de um casal, que aguarda a visita de um corretor de imóveis em seu apartamento. Mas surge uma mancha de mofo no teto, um vazamento de água iminente. A misteriosa vinda de um trabalhador para consertar o teto revela o que está escondido nas paredes do edifício.O texto de Dante Passarelli traz à cena reflexões sobre a especulação imobiliária agressiva na cidade de São Paulo e o direito à cidade, mas sempre pontuada com um tom ácido e cômico e toques de absurdo.

O espetáculo inédito Carta à Rainha Louca é uma adaptação do romance homônimo de Maria Valéria Rezende, concebido e escrito a partir de uma carta verdadeira encontrada pela autora décadas atrás nos arquivos ultramarinos em Lisboa. A partir dessa carta endereçada à corte portuguesa no período do Brasil colônia, em que constava a defesa de uma mulher acusada de insubmissão à Igreja, Maria Valéria preenche as lacunas do tempo e cria em seu romance a história ficcional de Isabel das Santas Virgens.

Uma trupe de circo chega para apresentar seu espetáculo, mas é surpreendida por um poderoso CEO que afirma ser dono da arena. Diante desse impasse – ficar ou sair -, os palhaços precisam decidir o que fazer. A trama de O Circo da Lona Torta se desenrola nesse dilema, no qual artistas e público experimentam, juntos, formas circenses, musicais e cômicas de resistir ao obstáculo imposto. O espetáculo celebra os 20 anos da companhia. A pesquisa envolveu 17 artistas em um coro circense e musical, buscando integrar diversas linguagens, como teatro de mamulengo, palhaçaria, música instrumental, malabarismo e acrobacia, em uma fusão que revisita o formato tradicional dos cabarés circenses. É nesse amálgama de linguagens que a Trupe Lona Preta dá vida ao que está no centro de sua pesquisa: a crítica social sob a ótica da diversão.

Clara Nunes - A Tal Guerreira traz aos palcos aspectos da vida da artista que passam por suas raízes em Minas Gerais; seu encontro com o sincretismo religioso do Brasil (o candomblé, a umbanda e o catolicismo); seus amores; e sua música, que flutua por diversos ritmos brasileiros, inclusive, o samba de sua amada Portela.

Como representar a tragédia? Como trabalhar cenicamente algo cujas dimensões são difíceis de dimensionar? Essas questões tem mobilizado o Coletivo ATERRA desde sua fundação em 2022, no Departamento de Artes Cênicas da USP. Formado por estudantes da Licenciatura e do Através de uma abordagem que combina pesquisa documental, relatos colhidos em campo e ficção, o espetáculo GANGA propõe uma reflexão crítica sobre as continuidades entre a mineração do século XVIII em Vila Rica e o crime ambiental ocorrido em Brumadinho, em janeiro de 2019.

A revelação de um segredo dispara uma série de conflitos silenciados por muito tempo em um casal: esse é o ponto de partida do espetáculo ADULTO, escrito por Fran Ferraretto e dirigido por Lavínia Pannunzio. No palco, além de Fran, estão Iuri Saraiva, Sidney Santiago Kuanza, Fran Ferraretto e Jennifer Souza.O espetáculo explora duas realidades ao mesmo tempo: a construção da ficção enquanto uma das personagens escreve a peça; e a história em si, que narra a crise conjugal do casal João e Sara, causada pela revelação de um segredo, e que desencadeia muitos conflitos silenciados entre eles. Tudo se intensifica ainda mais quando um casal de amigos, Vitor e Paula, surge com reflexões provocativas sobre a ideia do amor romântico. No contraste dos formatos opostos em que os relacionamentos acontecem, assuntos como traição, trabalho, saúde mental, dinheiro, maternidade, monogamia, machismo, entre tantos outros são inevitáveis na vida adulta.

Quebrar tabus relacionados ao envelhecer. Este foi o mote da criação da peça “Não se Esqueça de Mim” , contemplado pelo 20º Prêmio Zé Renato. Como mulheres frequentemente rotuladas como 'velhas - em des-uso', no pós 60, em sociedades patriarcais e heteronormativas, é crucial levar esse tema para o palco. “Não se esqueça de mim” toca em muitos aspectos da velhice, suas complexidades inseridas num país que está envelhecendo progressivamente apontando novas perspectivas de olhar, além das que culturalmente condicionadas. A peça joga luz nas inversões de paradigmas e no reconhecimento do valor intrínseco da maturidade e da experiência.

Maria Bethânia celebra 60 anos de carreira em show que trará inéditas em meio a clássicos — e cujas principais referências são espetáculos como ‘Rosa dos ventos’ (1971) e ‘A cena muda’ (1974).

A exposição inédita traz a evolução histórica das casas pré-fabricadas, desenvolvida desde o período de reconstrução pós-guerra, abordando a sua história, além de apresentar o morar sustentável sob perspectivas como funcionalidade, conforto e design. Pré-fabricação é um método construtivo em que parte ou todos os componentes de uma construção são produzidos em uma fábrica e, posteriormente, montados no local da obra. A construção de casa pré-fabricada japonesa, que alia o design à otimização dos materiais, possibilitou maior eficiência ao sistema de construção e contribui para uma maior qualidade de vida aos moradores e à comunidade.

Mostra individual do fotógrafo e documentarista Wagner Celestino, artista autodidata nascido na Zona Leste de São Paulo. A exposição reúne registros que destacam e celebram a cultura, a história e a contribuição negra para a construção da identidade cultural paulista.A mostra - que teve sua primeira montagem em 2023 no Sesc 14 Bis - chega ao Sesc Itaquera com a adição de imagens inéditas, realizadas pelo artista na unidade em 1995. Na ocasião, Celestino registrou o encontro de dois grandes nomes do samba: Dona Ivone Lara e Zé Keti. Com curadoria do professor e artista visual Claudinei Roberto da Silva, a exposição reúne 108 obras de grande relevância para a memória da cultura negra e suas diversas manifestações culturais, abrangendo mais de quatro décadas da produção artística de Celestino. Diversas séries produzidas pelo artista ao longo da sua extensa carreira estarão presentes na exposição, como Retratos, Carnaval e Velha Guarda.

A Galeria de Fotos do Centro Cultural Fiesp (CCF), em São Paulo, recebe a exposição “Ta’ãngaa, os indígenas por eles mesmos”, que apresenta 30 fotografias produzidas por 8 artistas indígenas atuantes em diferentes territórios do país.Com curadoria de Richard Wera Mirim e João Kulcsár, a mostra reúne trabalhos de Moara Tupinambá, Edgar Kanaykõ Xakriabá, Richard Wera Mirim, Genilson Guajajara, Gê Viana, Kamikia Kisedje, Denilson Baniwa e Natalia Tupi. As obras são inspiradas por temas como território, memória, ancestralidade, cotidiano e impactos da colonização, propondo uma reflexão sobre identidade e modos de existência dos povos indígenas na atualidade. As imagens revelam vivências pessoais e coletivas, e se apresentam como expressão de luta, pertencimento e continuidade

JODYLINE GALLAVARDIN é uma jovem pianista francesa curiosa e apaixonada. Possui dois mestrados do Conservatório Nacional Superior de Música e Dança de Lyon de Lyon: o de piano, em 2015, na classe de Marie-Josèphe Jude e Hélène Bouchez e o de música de câmara.Jodyline é regularmente convidada, tanto como solista como camerista, por muitos festivais como o da Orangerie de Sceaux, Musicalta, Piano em Saint-Ursanne, Les Allées Chantent, Les Moments Musicaux de Chalosse, La Belle Saison, Le Prieuré de Chirens e Piano City em Milão. Fez sua estreia na France Musique em 2018 no Génération Jeunes Interprètes. Nesse mesmo ano, foi laureada pela Fundação SAFRAN e em 2019, ganhou o concurso da Fundação Banque Populaire, obtendo assim apoio para os próximos anos. Também atraiu a atenção no Concurso Nórdico de Piano, cujo júri, presidido por Leslie Howard, lhe concedeu o “Prêmio Especial Bach”.

O lendário DJ e produtor Jeff Mills, um dos nomes mais influentes do techno mundial, desembarca em São Paulo para uma apresentação exclusiva do projeto "Tomorrow Comes The Harvest", no dia 14 de outubro, na Casa Natura Musical. A performance é promovida pelo Queremos!, que há 15 anos traz ao Brasil grandes nomes da música internacional.Mais do que um show, "Tomorrow Comes The Harvest" é uma experiência musical que une três mestres em suas linguagens: Jeff Mills (eletrônicos), Prabhu Edouard (tabla) e Jean-Phi Dary (teclados). Uma performance que desafia os limites da música eletrônica, mesclando batidas hipnóticas, texturas ancestrais e momentos de pura improvisação — uma verdadeira jornada sensorial conduzida por artistas de diferentes origens, com um mesmo propósito: explorar o desconhecido por meio do som.

"Selvagem" é um espetáculo solo teatral que aborda a infância invisibilizada da criança queer. A peça mergulha em memórias pessoais e no imaginário da indústria pop cultural para produzir uma reflexão sobre como enfrentamos questões do presente e apontar para um futuro mais inclusivo e diverso. Através de uma narrativa sensível e envolvente, "Selvagem" convida o público a uma imersão nas memórias e sensações do artista, trazendo à tona uma reflexão sobre a formação da identidade de gênero e a importância do respeito e da diversidade na construção de uma sociedade mais inclusiva.

Numa fusão entre a atitude magnética e a delicadeza de uma voz serena, a cantora, compositora, multi-instrumentista, produtora musical, atriz e diretora criativa carioca Julia Mestre fundiu suas facetas para incendiar a música brasileira recente, e se reapresentar em Maravilhosamente Bem. O estado ardente que dá nome ao álbum é refletido em um novo universo sonoro que vai de músicas sensuais e sussurradas, inspiradas em filmes de terror clássicos, até canções de amor frágeis e confessionais.

A luz, a conexão com o sagrado e a iluminação espiritual é o tema deste programa, que evidencia o repertório coral contemporâneo.As composições de Dobrinka Tabakova (1980), nascida na Bulgária e radicada no Reino Unido, têm sido frequentemente programadas nas temporadas de concertos em todo o mundo. Sua obra coral é refinada e acessível, e Turn our Captivity, O Lord (2022), com texto extraído do livro dos Salmos, faz referência à composição homônima do inglês William Byrd (1540-1623), com linhas que lembram o canto bizantino.O programa traz ainda obras do finlandês Einojuhani Rautavaara (1928-2016) e do estadunidense Eric Whitacre (1970), que constam entre os mais queridos compositores de música coral. Deste último, Lux Aurumque (2000) foi escrita a partir de poema natalino de Edward Esch, traduzido para o latim por Charles Anthony Silvestri, parceiro de longa data de Whitacre.Stella (2016), do espanhol Francisco Coll (1985), para coro a oito vozes, foi inspirada na missa Ave Maris Stella, de Tomás Luís de Victoria, uma das grandes obras do Renascimento.Por fim, Lux Aeterna, antífona de comunhão da Igreja Católica Romana, tantas vezes transformada em música, surge neste concerto em versões radicalmente distintas. A do húngaro György Ligeti (1923-2006), escrita em 1966, é provavelmente a mais célebre de todas, já que integra a trilha sonora do filme 2001: uma Odisseia no Espaço, de Stanley Kubrick. O Nata Lux, parte de Lux Aeterna (1997) do estadunidense Morten Lauridsen (1943), e a versão de 2005 escrita por sua conterrânea Amy Dunker (1964), ambas claras e contemplativas, contrapõem-se à música densa e estática de Ligeti.

Um dos maiores nomes da música brasileira, Toquinho dá início a uma turnê nacional para celebrar seus 60 anos de trajetória artística. Intitulada “Só Tenho Tempo Pra Ser Feliz – 60 Anos de Música”, a nova série de espetáculos propõe uma verdadeira imersão no universo do artista.Ao longo das décadas, Toquinho construiu uma obra que atravessa gerações. O show é dividido em blocos temáticos que costuram fases distintas de sua carreira. Um dos destaques do espetáculo é a presença constante da cantora Camilla Faustino, que divide o palco com Toquinho em duetos.

Chico Chico apresenta o show da sua turnê Estopim. A produção musical do disco, a direção musical do show e os arranjos e instrumentação, concebidos por Pedro Fonseca, trazem um universo que contempla as referências de Chico, passando pelas imagens rurais e sua vivência no centro de uma grande metrópole, elementos presentes em sua musicalidade. Acompanhado por Pedro Fonseca (teclado), Thiaguinho Silva (bateria), João Rafael (baixo), Lunga (percussão) e Kadu Mota (guitarra), o espetáculo apresenta uma estética pop que dialoga com o rock, a música eletrônica e ritmos da cultura popular, como boi, baião, maracatu, galope e pagodão.

Alcione tem novo encontro marcado com o público paulistano, a turnê de seu novo álbum de inéditas, intitulado Alcione.O show marca a terceira passagem da cantora pela casa e celebra mais um momento emblemático de sua trajetória. O novo trabalho, o primeiro disco com canções inéditas desde Tijolo por Tijolo (2020), já está disponível nas principais plataformas digitais.Acompanhada da Banda do Sol, Alcione promete uma apresentação memorável, mesclando os grandes sucessos que marcaram gerações com as novas composições do álbum.

O duo Deekapz, formado pelos DJs Matheus Henrique e Paulo Vitor, apresenta o show de lançamento do álbum Deekapz FM.Construído a partir da perspectiva de uma estação de rádio fictícia e independente, o álbum explora a diversidade e os múltiplos aspectos da música eletrônica e preta brasileira de São Paulo, reunindo 14 faixas autorais. O projeto combina Funk, R&B, Rap, House, Pop, Soul e outras vertentes da música mundial de forma contemporânea e autoral.

A exposição Onda Avalanche Vulcão é formada por uma série de fotografias colaborativa de Mauro Restiffe e Maria Manoella.Este novo conjunto de obras apresenta uma exploração sensível da relação entre o corpo humano e a paisagem natural. A série reúne retratos íntimos e eróticos junto a fotografias dos vastos ambientes percorridos pelos artistas, registrando o desejo e o tempo como elementos centrais da criação de imagens. Juntas, essas fotografias estabelecem um diálogo simbólico entre a corporeidade e as forças da natureza.

A exposição Tableau, de Valeska Soares, apresenta obras novas e recentes que exploram temas como ausência, presenças fantasmagóricas, impermanência e erotismo. O título alude à dimensão narrativa do trabalho de Soares, em que cada obra funciona como um fragmento de uma trama maior. O significado permanece aberto à interpretação, mas os enigmas e ambiguidades tecem uma rede de alusões que conectam e aprofundam muitas de suas preocupações conceituais de longa data: as tensões entre visão e som, memória e apagamento, objeto e desejo.

Celebrando os 90 anos de Sonia Andrade [1935—2022], a Superfície apresenta a exposição Situações. Pioneira da videoarte no Brasil, Sonia iniciou sua trajetória em 1970, em meio a um contexto histórico e artístico marcado por intensas transformações. Ao lado de um grupo de artistas interessados no uso de novos meios e comprometidos com a pesquisa conceitual, produziu vídeos de forte carga poética e crítica, que investigam as complexas relações entre produção, circulação, mediação, recepção e comercialização da arte — questões que permanecem relevantes até hoje.

A exposição com curadoria de Tadeu Chiarelli revela um Ismael Nery atual, cujas reflexões sobre o eu e a ambiguidade ecoam no presente. Ismael Nery (1900–1934) atravessou o modernismo brasileiro de modo tão intenso quanto breve. Poeta, pintor, desenhista obstinado e criador de uma filosofia própria — o essencialismo —, sua obra se organiza em torno de uma pergunta central, repetida em diferentes registros: quem sou eu?Essa interrogação aparece de forma insistente nos inúmeros autorretratos que Nery produziu ao longo da vida, nos quais a identidade é posta em jogo como fragmento, deslocamento e recomposição. A busca não é apenas pela imagem do indivíduo, mas pela sua dissolução em pares de opostos: corpo e espírito, sombra e luz, masculino e feminino. Não por acaso, os retratos que fez ao lado de Adalgisa Nery, companheira e musa, sugerem um processo de fusão — como se o casal fosse uma só entidade, ambígua e indivisa.A mostra “Ismael Nery: crônica e sonho”, com curadoria de Tadeu Chiarelli, reúne cerca de 60 obras, entre seis óleos e 56 trabalhos sobre papel — aquarelas, guaches, nanquins e grafites — que percorrem a produção do artista

A Galatea apresenta uma individual da artista Wilma Martins, com obras da emblemática série Cotidiano. Desenvolvida entre 1974 e 1984, é considerada a série mais conhecida da artista. Nela, cenas de interiores domésticos — como salas, cozinhas e quartos — se entrelaçam com rios, plantas e animais, criando composições onde o real e o imaginário se encontram em harmonia. A brancura intimista dos espaços privados contrasta com a vitalidade orgânica da natureza, revelando um olhar poético e silenciosamente subversivo sobre os pequenos gestos da vida cotidiana.A série foi redescoberta na exposição Cotidiano e Sonho, retrospectiva realizada em 2013, com curadoria de seu marido, Frederico Morais, importante crítico e historiador de arte brasileiro.Essa será a primeira exposição dedicada à artista desde a retrospectiva póstuma Wilma Martins: território da memória, realizada em 2023. É, também, a primeira vez em décadas que a série Cotidiano será apresentada em um escopo tão abrangente. A mostra representa uma oportunidade única para revisitar um dos núcleos mais significativos da produção de Wilma, reafirmando a sua importância no panorama da arte brasileira contemporânea.

O artista Deyson Gilbert apresenta em sua individual na galeria uma seleção de colagens e esculturas. A mostra entrelaça as figuras mitológicas de Tânatos e Eros, personificações da morte e do erotismo, respectivamente, num mesmo corpo conceitual. Gilbert apresenta um conjunto de esculturas que desafia o equilíbrio e o gesto invulnerado. Suas peças, de ferro, com encaixes provisórios e montagens arriscadas, expõem umatensão física e formal. Já com as colagens, o artista revisita a tradição geométrica construtivista não pelo campo cromático, mas por meio do corpo de imagens — imagens que dilaceram, provocam, disputam o olhar. Aqui, a figuração e a abstração se enroscam num embate dialético, onde o erotismo e a violência tornam-se indiscerníveis.

A Galatea apresenta a nova exposição individual da artista Gabriella Marinho. Com texto crítico assinado pelo curador Matheus Morani, a mostra reúne obras inéditas, entre esculturas em porcelana e pinturas, que investigam os limites entre espaço e território, a partir de uma abordagem poética e ritualística ancorada nas religiões de matriz africana.A artista costuma ter o barro e a terra como ponto de partida, de um ponto de vista tanto material quanto filosófico. No entanto, esta é a primeira vez que a artista realiza um projeto centrado na porcelana – um material carregado de significados e que, na mostra, dialoga diretamente com a simbologia de Oxalá, importante orixá da cosmologia afro-brasileira, um dos mais antigos do panteão do candomblé, e figura central em sua história pessoal.A exposição destaca uma outra visão do que entendemos por caminho percorrido, enviesando conceitos de espiritualidade e o circular como algo metafórico em nossas vidas, e como isso é tratado nos rituais de matriz afro-brasileira. O título, Rastro luminoso, remete ao caminho percorrido por animais como o caramujo, que secretam muco ao se locomoverem, especialmente em superfícies lisas. O caramujo, inclusive, sendo uma das representações de Oxalá.

Após se apresentar para mais de duzentas mil pessoas em São Paulo, Gilberto Gil volta com a turnê Tempo Rei, em que celebra em grande estilo sua ampla obra musical, os diversos momentos de sua carreira e suas parcerias.

Primeira grande exposição institucional da artista Marina Perez Simão, a mostra conta com cerca de 80 trabalhos entre pinturas, aquarelas e cadernos de estudos. Em suas obras, a artista explora luz, cor, textura e movimento, criando composições de forte impacto visual e emocional. Seu trabalho se destaca pela capacidade de envolver os sentidos, resultado de um enfoque sinestésico presente em toda a sua produção. A exposição propõe uma experiência de profunda interação com o público, convidando-o a um mergulho cromático e perceptivo em sua obra.

Frans Krajcberg (Kozienice, Polônia, 1821—2017, Rio de Janeiro, Brasil) foi pioneiro no cruzamento entre arte e ecologia, precursor em dar visibilidade às questões ambientais no território brasileiro. O artista trabalhou a partir de resquícios de troncos, cipós, raízes e madeira calcinada, explorando pigmentos naturais, para produzir obras em que os elementos naturais são a própria matéria de sua arte. Krajcberg provocou uma virada radical nas convenções da escultura, além de desafiar fronteiras entre desenho, gravura e pintura.Krajcberg chegou ao Brasil nos anos 1950, onde desenvolveu seu trabalho como artista. A partir dos anos 1960, passou a viajar à Amazônia e ao Pantanal, coletando resquícios de troncos em áreas de queimadas. Suas preocupações com o drama ambiental tornaram-se indissociáveis de sua arte. Engajou-se em denunciar queimadas e a violência do extrativismo desenfreado, conferindo ao seu trabalho um cunho altamente político

O Teatro Sérgio Cardoso será palco de Seis Atores em Busca de Sérgio Cardoso. A homenagem ao ator paraense acontece no espaço em que antes havia o Teatro Bela Vista, local em que o próprio Sérgio Cardoso (1925-1972) fundou sua companhia de teatro com Nydia Licia. O Teatro Bela vista foi demolido na década de 1970 e, em 1980, foi erguido em seu lugar o Teatro Sérgio Cardoso. A peça, que celebra o centenário de Sérgio, é uma criação da RIMA Coletiva. Com direção e dramaturgia de Rita Batata, o elenco é composto por Bárbara Arakaki, Bruno Lourenço, Felipe Ramos, Lilian Regina, Mariana Leme e Rafael Pimenta. A peça propõe uma metáfora provocativa: todos os intérpretes buscam ser Sérgio Cardoso, em um título que tem ressonância com a peça Seis personagens à procura de um autor, de Luigi Pirandello, na qual Sérgio Cardoso teve uma interpretação icônica com o personagem Pai.

A Galeria Luis Maluf apresenta uma mostra coletiva que parte de uma premissa: "existe uma constelação dentro de cada corpo e também fora dele". Com curadoria de Carollina Lauriano, a mostra reúne seis artistas em torno de um tema que pulsa: como pensar o corpo para além dos seus limites físicos?Pintura, escultura, instalação e imagem se entrelaçam em trabalhos que fazem da arte uma ferramenta para habitar o mundo com mais liberdade ou, pelo menos, com mais perguntas. A mostra propõe deslocamentos. Do olhar. Da linguagem. Da própria ideia de representação. E aponta o corpo como lugar de memória, fricção e possibilidade.A mostra conta com obras de Juliana dos Santos e Flávia Ventura, Ana Neves, Amanda Fahur, Guilherme Callegari e iah’ra.

Um dos nomes mais conhecidos do Reggaeton, o cantor porto-riquenho apresenta em uma data única o show da turnê Cosa Nuestra.

Programa a ser anunciado

A Casa Natura recebe um show de dois conterrâneos pernambucanos: Ave Sangria e Otto. Formada no início da década de 1970, em Recife, a banda Ave Sangria foi um dos grupos pioneiros do movimento musical conhecido como Psicodelia Nordestina, que uniu elementos da música psicodélica a ritmos tradicionais do nordeste brasileiro. Cantor, percussionista e compositor nascido no agreste pernambucano, Otto construiu ao longo de mais de três décadas uma trajetória que transita por maracatu, brega, manguebeat, samba, rock, eletrônica e outras influências, criando uma sonoridade singular.

Exposição individual do artista Paulo Nazareth na sede da galeria. A mostra apresenta-se como uma cartografia das narrativas de Nazareth e de suas linhagens –familiares, divinas e territoriais – que atravessam e são atravessadas por memórias.

Horizonte dourado, primeira individual de Ana Elisa Egreja na Almeida & Dale, tem curadoria de Lilia Schwarcz e apresenta uma série inédita de pinturas de pratos Duralex em composições com peças de jogos americanos, expandindo a investigação da artista sobre os objetos do ambiente doméstico e suas reverberações históricas e afetivas por meio de virtuosas representações de alimentos e dos efeitos do vidro. A mostra reúne, ainda, um conjunto de pinturas com aplicações de folha de ouro, criando diálogos entre a produção da artista e a representação pictórica na história da arte, mais especificamente a do período medieval. São naturezas-mortas e grandes cenas de interior nas quais motivos do cânone artístico e da cultura popular brasileira se misturam.

Seba Calfuqueo, artista chilena de origem mapuche, abre a individual Semilla (Semente em português) na Galeria Marilia Razuk. Uma mostra panorâmica de trabalhos recentes da artista, na qual aborda uma ampla gama de linguagens que atravessam sua produção visual, como as esculturas da série Imagen País, os desenhos da série Florescidas, o vídeo-performance Culpa, as pinturas de Tecnologías de la Imagen e as fotografias da série Esporas e Evocacion al pelo. A mostra é acompanhada de texto crítico de Eugenio Viola.

A Zielinsky apresenta, em sua sede de São Paulo, Entre o traço e o desvio, exposição individual da artista chilena Lotty Rosenfeld (1943–2020). A mostra conta com texto crítico da curadora chefe do Instituto Tomie Ohtake Ana Roman e abrange a trajetória da artista desde o período histórico em que se consolidou como uma das figuras mais engajadas e representativas da arte política e feminista na América Latina, na década de 1970, até suas produções mais recentes.

Primeira individual de Brisa Noronha na galeria. Na exposição, a artista apresenta uma instalação inédita, composta por distintos conjuntos de esculturas feitas em porcelana e arame de latão, além de uma série de pinturas.

Exposição individual da artista portuguesa Leonor Antunes. Na mostra, Antunes dá continuidade à sua pesquisa que estabelece diálogos entre escultura, arquitetura, design e práticas artísticas do século XX, com ênfase em artistas modernistas historicamente negligenciadas.

A tradicional festa de Halloween da cantora e drag queen Pabllo Vittar chega a sua sexta edição, data vez com o tema "Alice - Madness". A festa, além do show da cantora, também conta com a participação de DJs e performers.

Um dos nomes mais conhecidos e celebrados do rock, a banda Guns N´Roses se apresenta no Brasil, numa turnê com cinco datas no país. As apresentações fazem parte da turnê mundial “Because What You Want and What You Get Are Two Completely Different Things”.

Acontece na Sala São Paulo a sexta edição da temporada de encontros entre o popular e o erudito. A cada edição, dois artistas da MPB se apresentam juntos da São Paulo Big Band.

Após a divulgação do compacto "NOVA ERA/OHAYO SARAVÁ", os compositores Sophia Chablau e Felipe Vaqueiro anunciaram um novo disco com lançamento marcado ainda em 2025. Nomes fortes da cena underground nacional, os dois artistas debutaram em bandas independentes que são sucesso de crítica e público. Em seu novo disco, Handycam, Sophia e Felipe se unem para criar um repertório inédito de canções ao lado do baixista Marcelo Cabral (Metá Metá, Elza Soares, Criolo) e do baterista Biel Basile (O Terno). Gravado e co-produzido no Estúdio Canoa por Gui Jesus Toledo.O nome Handycam não é à toa. A volta do uso desse tipo de câmera é lida pelos artistas como uma imagem que não é tratada ou pré-fabricada, mas autêntica, crua e cruel. Sophia Chablau e Felipe Vaqueiro vêm na contramão do que é produzido atualmente no mainstream e negam a invenção de uma nova realidade em high definition. Em vez disso, buscam registrar a realidade do mundo com a poesia e sinceridade necessárias para enfrentar momentos sombrios da humanidade.

Em Esquadrão Bombelhaço, espetáculo do grupo Circo Teatro Palombar, um batalhão de Bombeiros, composto por palhaços, conduz o resgate de um gatinho preso em cima de um muro. Esquadrão Bombelhaço é um espetáculo de circo baseado em desenhos animados, e que não possui falas. Com uma estrutura pensada para ocupação de espaços públicos, a montagem mistura clássicos do circo, como acrobacias aéreas, malabarismos, manipulação de objetos e elementos cômicos, em um espetáculo pensado para toda família.

Após curta temporada no Cemitério de Automóveis, o espetáculo Não Tem Meu Nome, monólogo escrito, dirigido e interpretado por Adelino Costa criado a partir da leitura do romance O Avesso da Pele, de Jeferson Tenório e Pertencimento: Uma Cultura do Lugar, de bell hooks faz temporada no Teatro Arthur Azevedo. Na peça, ator e personagem se fundem em uma narrativa que propõe reflexões urgentes a respeito das relações sociais e, sobretudo, humanas. Ao longo do processo criativo, o artista resgatou memórias de sua infância e observou os desafios enfrentados pela população local, como barreiras sociais, econômicas e geográficas. Essa imersão resultou em personagens inspirados em amigos de infância e no próprio autor, que exploram como as comunidades subalternizadas se adaptam para se encaixar em uma sociedade predominantemente burguesa e branca. A dramaturgia questiona a suposta universalidade dessa visão de mundo e revela suas camadas de opressão.

A Unibes Cultural apresenta ao público a exposição Exteriores, do consagrado fotógrafo brasileiro Bob Wolfenson. Composta por um conjunto de 53 fotografias, de média e grandes dimensões, a mostra apresenta uma crônica visual da diversidade humana, revelando corpos em movimento, expressões passageiras e instantes únicos capturados nas ruas de diferentes cidades ao redor do mundo.Ao longo de cinco décadas de carreira, Wolfenson consolidou-se como um dos maiores nomes da fotografia brasileira, conhecido por seus retratos de personalidades, imagens de moda e produções em estúdio. Em Exteriores, ele percorre o caminho oposto ao controle do ambiente fechado e mergulha na imprevisibilidade do espaço público, de tudo que lhe é “exterior”. O olhar do fotógrafo se volta para o acaso, para o fluxo das cidades e seus habitantes anônimos – pessoas atravessando faixas, distraídas em pensamentos ou em contato breve com a câmera.

O Museu A CASA do Objeto Brasileiro recebe a exposição Xingu: Reflexos Indígenas no Design Contemporâneo, resultado de um processo colaborativo entre a designer Maria Fernanda Paes de Barros, do escritório de design Yankatu, e os artesãos do povo Mehinaku, do Alto Xingu (MT), em uma potente confluência entre o design e os saberes indígenas. A exposição propõe uma imersão do visitante pelo território artístico dos Mehinaku, reunindo objetos tradicionais - como bancos zoomorfos, cestarias e esteiras - e peças inéditas desenvolvidas em conjunto com a designer.

Em uma Atenas tomada pela tensão entre tradição e pensamento livre, Sócrates — o filósofo que desafiava certezas e incitava a juventude a questionar — é arrastado ao tribunal. Acusado por 3 cidadãos atenienses de corromper os jovens e de profanar os deuses da cidade, ele enfrenta seu destino com ironia sagaz e lógica implacável. A trama aprofunda-se na prisão. Ali, Críton, seu amigo leal, oferece-lhe a fuga, uma chance de escapar de uma sentença injusta. . No derradeiro amanhecer, Sócrates recebe Xantipa, sua esposa, para um adeus. Depois, cercado por discípulos fiéis, ele conduz seu último diálogo: uma meditação sublime sobre a imortalidade da alma, a coragem perante o desconhecido e a beleza de uma vida vivida sem mentiras. Em vez de suplicar por clemência, defende a vida filosófica como um dever sagrado, transformando sua apologia num manifesto eterno sobre liberdade e integridade. Com texto de Regis de Oliveira, direção de Bruno Perillo e Luiz Amorim como protagonista, O Julgamento de Sócrates é um mergulho na essência humana: o conflito entre convicção e conveniência, o preço da verdade e o legado de quem escolhe morrer de pé para que suas ideias vivam para sempre.

A exposição Laboratório da Cor, idealizada pelo Grupo de Pesquisa Estudos Cromáticos, reúne obras dedicadas à reflexão sobre a cor como elemento fundamental para os novos entendimentos da produção contemporânea em artes. São trabalhos em diversas linguagens e em variados materiais e suportes, onde a cor se manifesta mediante práticas distintas. A curadoria é dos professores Marco Giannotti (USP), Paloma Carvalho (UERJ) e da mestranda pela USP, Julia Hallal.O grupo, criado na Escola de Comunicações e Artes (ECA) da USP, e hoje multiinstitucional, dedica-se ao fomento e à divulgação de pesquisas sobre produções artísticas contemporâneas, resultado de investigações pessoais, de orientações em salas de aula nas instituições envolvidas e na formação de alunos de pós-graduação.

A mostra Flexões de Espaço e da Cor de Marcus Vinícius apresenta três séries que mostram a pesquisa do artista sobre como a cor pode potencializar suas relações e propriedades e encontrar unidade e sentido com a estrutura física da obra.Além da cor, o espaço também é estudado pelo artista que, na feitura das obras, se debruçou sobre os problemas construtivos e suas possibilidades de solução, com novos desdobramentos. Suas obras dialogam com o universo da indústria, sem, no entanto, estarem de todo entregues a ele.

A exposição "Mundo Zira" chega ao Anexo do CCBB trazendo uma jornada interativa e imersiva pelas criações mais celebradas de Ziraldo, com áreas temáticas dedicadas a clássicos como 'Flicts', 'O Menino Quadradinho' e 'A Turma do Pererê'. O percurso da exposição incentiva a criatividade e a imaginação, com um design que mescla painéis projetados e artes gráficas, criando uma imersão total no “Mundo Zira”. Adultos e crianças poderão interagir com o universo fascinante dos personagens, vivenciando de perto histórias inspiradoras da literatura infanto-juvenil brasileira. Além disso, os visitantes são convidados a cocriar e personalizar a arte de Ziraldo, adicionando seu toque individual às composições digitais.

Zé Ibarra chega à Casa Natura Musical com o show “Afim”, o artista apresenta o repertório de seu segundo álbum solo, lançado via Coala Records. O trabalho marca uma virada estética e emocional na trajetória do cantor, compositor e multi-instrumentista carioca.No novo show, Zé traz composições próprias e releituras de nomes da nova geração da música brasileira, como Dora Morelenbaum, Sophia Chablau, Maria Beraldo, Tom Veloso e Ítallo França.

Cálculo para beijar o magma é a exposição inédita da artista mineira Luana Vitra, em São Paulo, na Mitre Galeria. Com texto crítico da pesquisadora Ariana Nuala, a mostra reúne esculturas, desenhos e colagens que observam os limites entre corpo e materialidade. A abertura acontece em plena semana da SP-Arte Rotas, um dos momentos mais pulsantes do calendário das artes na capital paulista.O ferro é o eixo central da pesquisa de Vitra – elemento vital presente no corpo humano, responsável por transportar oxigênio via hemoglobina, e também nas estrelas, que o geram até seu colapso em supernovas ou buracos negros. Em suas mãos, o ferro deixa de ser apenas matéria-prima: torna-se elo entre vida, natureza, ciência e cosmos.Ao mesmo tempo, o material carrega o peso histórico de Minas Gerais, terra natal da artista, onde a mineração, desde o período colonial, estrutura economias e territórios por meio da extração e da violência.

Em seu show de 1 ano do álbum Colinho, segundo trabalho de estúdio de Maria Beraldo, a artista convida para a celebração duas importantes participações do trabalho: Zélia Duncan e Negro Leo, que gravaram respectivamente “Matagal” e “Quem eu sou” no álbum, além de Juçara Marçal, parceira de Maria em “Baleia”, também registrada no disco.A programação também conta com DJ set de Thalin, artista principalmente reconhecido pelo lançamento do projeto Maria Esmeralda.

Nome de grande destaque no pop e no rock, a banda Imagine Dragons volta ao Brasil para apresentar a turnê mundial LOOM. O setlist conta com os grandes sucessos do grupo, como "Thunder", "Demons" e "Believer".

São Paulo recebe o início da turnê brasileira de Jorja Smith, que retorna ao país quase sete anos após sua estreia no Lollapalooza Brasil, em 2019. Desta vez, o público paulistano poderá vivenciar uma performance mais intimista e centrada no repertório de seu mais recente álbum, falling or flying (2023), no qual a artista mescla soul, R&B, UK garage e jazz com sua já conhecida força lírica e vocal.

Guiada pela proposta de contemplar públicos curiosos e diferentes formatos de eventos onde a música é a protagonista, a 30e criou o ÍNDIGO, um projeto que tem como objetivo (re)unir comunidades a partir de uma label curatorial com foco em sons indie, do underground ao mainstream. Um exemplo onipresente quando se trata de propostas musicais que conectam identidades, estilos e memórias é a banda californiana Weezer, característica que a tornou um nome emblemático do rock alternativo dos anos 1990 e que segue como referência até hoje.

A exposição mescla obras inéditas, releituras e trabalhos consagrados da artista Rivane Neuenschwander. Com curadoria da pesquisadora (Universidade Federal de Pernambuco/UFPE) e jornalista Fabiana Moraes e realização da equipe do IC, a exposição traz trabalhos de diferentes caminhos artísticos e em diferentes mídias, realizados ao longo dos últimos 30 anos. A inspiração trafega entre registros de manifestações diversas captadas por ela em solo firme, no espaço das redes sociais, em sonhos de crianças, em festas folclóricas e em observações subjetivas capturadas em suas andanças pelo país.

A exposição apresenta um acervo inédito de fotografias familiares tiradas majoritariamente pelo povo indigena Paiter Suruí, reunidas e digitalizadas pelo Coletivo Lakapoy. Esse acervo inclui cenas e retratos tirados desde a década de 1970, quando as câmeras chegaram ao território pelas mãos de missionários, mas passaram a ser utilizadas pela população local para registrar seu dia a dia. Além do acervo histórico, a exposição apresenta fotos e vídeos atuais, reforçando o papel da fotografia como importante ferramenta de afirmação dos direitos indígenas.As imagens do acervo histórico estavam armazenadas nas casas das famílias, guardadas em álbuns, caixas e estantes das diferentes aldeias do território indígena, localizado entre os estados de Rondônia e Mato Grosso. Para preservá-las, o Coletivo Lakapoy – grupo formado por comunicadores indígenas, com o apoio de não indígenas, com o objetivo de fortalecer a cultura Paiter Suruí – reuniu, catalogou e digitalizou as fotografias. Em 2021, o projeto foi publicado na revista ZUM e, em 2023, selecionado pela Bolsa ZUM/IMS, de fomento à produção artística. O resultado dessa pesquisa agora se desdobra nesta exposição.

O Brasil é um dos maiores produtores e consumidores de memes do mundo — e agora também é o primeiro país a conceber uma exposição de grandes proporções dedicada a esse fenômeno. “MEME: no Br@sil da memeficação” explora arte contemporânea, cultura digital e crítica social em uma experiência curatorial inédita.A curadoria de Clarissa Diniz e Ismael Monticelli, com a colaboração do perfil de Instagram @newmemeseum, convida o público a explorar a memeficação como um dos modos mais potentes — e irônicos — de narrar o Brasil contemporâneo.A proposta curatorial rompe barreiras entre diferentes linguagens e repertórios culturais, reunindo nomes consagrados da arte contemporânea brasileira, como Anna Maria Maiolino, Gretta Sarfaty, Nelson Leirner e Claudio Tozzi, ao lado de criadores de conteúdo como Porta dos Fundos, Alessandra Araújo, Melted Vídeos, John Drops e Greengo Dictionary.

Os franceses da banda L’Impératrice carregam elementos de nu-disco, pop retrô e funk eletrônico na essência de suas composições. Apesar de suas raízes no Velho Mundo, os integrantes possuem um visual futurista, entregando performances enérgicas e dançantes para seu público. Atualmente, o grupo roda o globo com a Pulsar Tour — título do último trabalho de estúdio, de 2024 — e incluiu o Brasil, pela primeira vez, na rota de seus shows.

Uma das bandas mais importantes da cena atual do rock americano, e que marcou os anos 2000, Linkin Park volta ao Brasil para três shows no país, dos quais um será em São Paulo.

Sucesso de público nas décadas de 1990 e 2000, com sessões lotadas em diversas cidades brasileiras, a comédia Aluga-se Um Namorado, escrita originalmente pelo inglês James Scherman e adaptada por Gustavo Klein, chega ao Teatro Multiplan MorumbiShopping para uma nova temporada. O espetáculo conta a história de Alex Schneider (Eri Johnson), um ator bem-humorado contratado por Sara (Ju Knust) para interpretar o papel de seu namorado, judeu e médico, diante de sua família, que segue rigorosamente as tradições judaicas. A farsa é armada porque, na verdade, o verdadeiro namorado de Sara não é judeu. A partir daí, desenrola-se uma comédia marcada por mal-entendidos e situações inesperadas. Será que os pais de Sara (Myrian Rios e Raymundo de Souza) e seu irmão Joel (João Lima Junior), um psicanalista atento, vão descobrir a verdade? E o verdadeiro namorado (Marcondes Oliveira), será revelado? Sara acabará se apaixonando pelo ator? O enredo gira em torno dessas perguntas, com doses de humor e reviravoltas.

Nesta montagem de Macbeth, dirigida pela multiartista Elisa Ohtake, a profunda conexão de Giuseppe Verdi com Shakespeare ganha nova vida. Embora não dominasse o inglês, Verdi viu na tradução italiana do bardo um verdadeiro tesouro, revolucionando a ópera italiana ao infundir seus personagens com a profundidade dramática e a intensidade vívidaque Shakespeare trouxe à dramaturgia inglesa. Verdi, homem de teatro nato, conduziu sua música de forma a criar uma atmosfera constante de mistério e angústia, sem permitir intervalos que pudessem interromper o envolvimento do espectador.Estreada em 1847 em Florença, Macbeth foi concebida durante o que Verdi chamou de seus “anos de galera”, uma fase em que batalhava para se afirmar no cenário lírico italiano. Com libreto de Francesco Maria Piave e acréscimos de Andrea Maffei, a ópera foi bem-recebida em sua première, mas desapareceu dos palcos por quase um século, em parte em razão das exigências do papel de Lady Macbeth, considerado um desafio extremo para as sopranos.Elisa Ohtake, conhecida por sua abordagem cênica contemporânea e ousada, dará nova luz à complexa história de poder, ambição e morte de Macbeth. Com uma formação diversificada em dança e teatro, Elisa já esteve próxima da obra de Shakespeare com sua instigante Peça para Adultos Feita por Crianças, na qual crianças interpretam Hamlet.

RICHARD KOGIMA foi definido pela crítica como criador de performances "memoráveis e reveladoras" (Gregory Sullivan, Theater Jones), “dotadas de variadas nuances, transparência e extrema concentração” (Südkurier, Badische Zeitung). Expoente talento de sua geração, distingue-se por sensível musicalidade e versatilidade, atuando como pianista, regente, compositor e improvisador.Natural de São Paulo, se apresenta regularmente como solista, camerista e regente nas Américas e na Europa em salas como Tonhalle Zürich, DR Koncerthuset (Copenhagen), Salle Cortot (Paris), University Aula (Oslo) e Sala São Paulo. Integrou festivais como o Emil Gilels e o Usedomer Musikfest (Alemanha), Festspillene i Bergen (Noruega), Campos do Jordão (Brasil), e Pärnu Music Festival (Estônia).MAR GIMFERRER, nascida em 2002, começou a tocar violoncelo aos 7 anos. Estudou em Barcelona com Joan Antoni Pich, com quem se formou com o Prêmio de Honra, aos 17 anos. De 2019 a 2022, foi orientada por Beatriz Blanco no Vorarlberger Landeskonservatorium e desde setembro de 2022, estuda com Thomas Grossenbacher Na Universidade das Artes de Zurique.

A obra de Joseca Yanomami (1971, Rio Uxi u, Terra Indígena Yanomami, Brasil) tem como ponto central a tradução da cosmologia yanomami em narrativas visuais, especialmente no desenho, dando corpo às histórias dos tempos ancestrais e às múltiplas dimensões da terra-floresta, conceito que vai além de um espaço físico e une a floresta, os rios, os espíritos, os animais e os humanos em um sistema vivo e interdependente, visível somente aos xamãs. É nessa atmosfera quase onírica que a Almeida & Dale inaugura, Urihi mãripraɨ – Sonhar a terra-floresta, individual do artista com curadoria de Bruce Albert, antropólogo franco-marroquino e autor, junto a Davi Kopenawa Yanomami, dos livros A Queda do Céu (2015) e O Espírito da Floresta (2023).

A obra de Almeida Prado (1943-2010), um dos mais importantes e prolíficos compositores brasileiros, é marcada por uma profunda religiosidade católica. Centrada no piano (que ele tocava eximiamente) e na orquestra, sua produção inclui tanto obras sacras quanto outras livremente inspiradas em elementos da tradição judaico-cristã. A fé do compositor se materializava para ele em visões místicas que teve em diversos momentos da vida, e que foram a força motriz para que escrevesse muitas de suas peças.Na juventude, Almeida Prado foi aluno de Osvaldo Lacerda e Camargo Guarnieri. Depois, partiu para Paris para estudar com Nadia Boulanger e Olivier Messiaen, compositor com o qual sua obra traça grande paralelo, tanto esteticamente como pela conexão devocional. Prado lecionou por muitos anos na Universidade Estadual de Campinas (Unicamp), onde os alunos se amontoavam para assistir suas aulas.Entre 1989-1990, Almeida Prado residiu em Jerusalém, Israel, como professor visitante da Academia Rubin de Música e Dança. A experiência o marcou profundamente, transformando e intensificando sua fé e inspirando a criação de novas obras, conectadas a um imaginário sobre a cidade e a cultura local na época de Jesus. Nesse período, o compositor teve também visões místicas de parentes queridos que já haviam partido, e isso o levou a compor uma peça absolutamente não usual: o Réquiem Sem Palavras para quarteto de cordas.Quando pensamos em um réquiem musical, imaginamos uma peça vocal escrita para grandes forças corais e orquestrais – como são as obras desse gênero, por exemplo, de Mozart, Verdi, Brahms ou Fauré. Nesse tipo de missa, tradicionalmente utilizada para homenagear um finado, a compreensibilidade do texto e a ilustração musical do sentido das palavras é particularmente importante. Almeida Prado propõe, então, um duplo desafio: seu réquiem é uma reza íntima para formação camerística, e nela os instrumentos devem “falar” os textos litúrgicos – não só utilizados aqui de forma integral em latim, mas acrescidos de um pai-nosso adicional.Composto em 1989, o Réquiem Sem Palavras ficou guardado na gaveta até 2006, quando Marcelo Jaffé, violista do Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo, soube de sua existência em um encontro com Almeida Prado na Rádio Cultura. O Quarteto encampou então a tarefa de produzir as partes da obra e estreá-la, recebendo a dedicatória do compositor. Ainda não gravada, a peça foi tocada poucas vezes, sendo esta uma oportunidade particular de ouvi-la.

A Gomide&Co apresenta a exposição Transe, coletiva organizada em parceria com Fernando Ticoulat, que também assina o texto crítico da exposição.Transe reúne artistas de diferentes gerações e abordagens – como Luiza Crosman, Antonio Dias, Rubens Gerchman, Karla Knight, Montez Magno, Cildo Meireles, Mira Schendel, Camile Sproesser, Megumi Yuasa, entre outros –, propondo um percurso que investiga como as práticas artísticas se constituem como meio ativo de reorganização dos sentidos, da linguagem e da percepção. A partir de trabalhos em diferentes linguagens e suportes, a exposição observa como processos técnicos e simbólicos dão estrutura à produção artística e estabelecem vínculos com transformações históricas, culturais e tecnológicas.

A banda de rap Planet Hemp se despede dos palcos com uma última turnê. O verso “Eu vou queimando tudo até a última ponta”, do Planet Hemp, surgiu despretensiosamente em meados dos anos 1990 durante uma conversa entre Marcelo D2 e Marcelo Yuka, do grupo O Rappa, em um posto de gasolina. Este trecho da música “Queimando Tudo”, do disco Os Cães Ladram Mas A Caravana Não Pára (1997), transcendeu os limites do álbum e passou a representar também o sentimento de comunidade e de afirmações políticas que mantêm a banda como uma das vozes mais relevantes da contracultura há mais de três décadas. Agora, a marcante sentença inspira o nome da turnê de despedida do grupo, A Última Ponta.