Mestre na manipulação de bolhas de sabão, Patty Pantaleão une arte circense e performance em um espetáculo interativo que convida o público a entrar em um estado de sonho e leveza. Quero aguçar o ser sensível de cada um na busca por novas possibilidades de criação da sua própria realidade. Em um mundo tão corrido, é preciso ter calma, fluir, estar presente, afirma a artista.Combinando mágica, música, textos poéticos em off, iluminação cênica vibrante e outros efeitos especiais, Patty transforma simples bolhas de sabão em criaturas dançantes. Mais do que um espetáculo, ela propõe uma experiência sensorial: Quebro regras da mágica tradicional. Não sigo coreografia fixa, deixo a música e as bolhas me guiarem. Elas mudam com o clima, o espaço e a plateia. Cada apresentação é única, conta.

O espetáculo O Tubarão Martelo e os Habitantes do Fundo do Mar acompanha a jornada do Capitão Jack, um navegador que mergulha em um mundo submarino em busca de um tesouro perdido. Ao lado das sereias Luna e Maya e do Tubarão Martelo, ele atravessa cenários marcados pela poluição e pela pesca predatória. Durante a viagem, aprende sobre a importância da vida marinha e da preservação dos oceanos. Com músicas originais e personagens inspirados no fundo do mar, a peça propõe uma reflexão ambiental para crianças e suas famílias.

Jill e Ollie querem contar para vocês sobre a casa dos sonhos – ou melhor, sobre como eles conseguiram a casa dos sonhos. Algumas coisas que eles fizeram para isso talvez não tenham sido legais. Tem gente que vai dizer que foram até mesmo chocantes. Mas eles vão explicar. Vocês vão entender. Vocês PRECISAM entender. Escutem a história e me digam: Vocês não fariam o mesmo?

Wicked é o prelúdio da famosa história de Dorothy e do Mágico de Oz, onde conhecemos a história não contada da Bruxa Boa e da Bruxa Má do Oeste. Na trama, Elphaba (Myra Ruiz) é uma jovem do Reino de Oz incompreendida por causa de sua pele verde incomum e por ainda não ter descoberto seu verdadeiro poder. Sua rotina é tranquila e pouco interessante, mas ao iniciar os estudos na Universidade, seu destino encontra Glinda (Fabi Bang), uma jovem popular e ambiciosa, nascida em berço de ouro, que só quer garantir seus privilégios e ainda não conhece sua verdadeira alma. As duas iniciam uma inesperada amizade; no entanto, suas diferenças, como o desejo de Glinda pela popularidade e poder, e a determinação de Elphaba em permanecer fiel a si mesma, entram no caminho, o que pode perpetuar no futuro de cada uma e em como as pessoas de Oz as enxergam.

Baseado em contos das escritoras Mariana Enriquez (Argentina), María Fernanda Ampuero (Equador) e Layla Martinez (Espanha), o espetáculo Estratagemas Desesperados, que faz sua temporada de estreia no Sesc 24 de Maio, apresenta quatro mulheres dentro de uma casa contando histórias que atravessam o horror, a violência, o amor e a obsessão. Em vez de abrigo seguro para compartilhar essas histórias, a casa se transforma num reflexo distorcido do que um dia já foi lar.

Em ARGILA, uma atriz, uma musicista e uma cidade em miniatura em cena contam histórias de ancestralidade e uma sociedade adoecidas pelo sistema, com direção, dramaturgia e performance de Áurea Maranhão. O espetáculo, trazido de São Luís do Maranhão, é atração do projeto Teatro Mínimo do Sesc Ipiranga.A peça é protagonizada por uma equipe diversa de artistas residentes em São Luís do Maranhão. O trabalho é uma espécie de ritual cênico, no qual palavra, barro e música respiram juntos. Essa travessia sensorial começa na penumbra de um símbolo de justiça e termina num grito coletivo por reinvenção. Cada gesto sobre o barro questiona a herança violenta que carregamos, e propõe uma ética radical do cuidado.

Em uma grande produção, com 30 personagens e corpo de baile, a montagem apresenta um dos contos de fadas mais conhecidos do público infantil.Romance originalmente escrito para adultos por Gabrielle-Suzanne Barbot, em 1740, A Bela e a Fera recebeu versão mais curta para crianças, em 1956, por Jeanne-Marie LePrince de Beaumont. O clássico conto de fadas foi eternizado no cinema pela animação de Walt Disney. Para salvar seu pai, a bondosa Bela vai morar no castelo da assustadora Fera. Mas, com o passar do tempo, a jovem descobre que a Fera não é tão má assim.

Jane (Bianca Bin) é especialista em filtrar conteúdo impróprio na internet, funcionária exemplar de uma grande empresa de tecnologia. Após acumular anos e anos sendo testemunha do ambiente tóxico das redes, ela tem um colapso na firma em que trabalha, acaba sendo afastada de seu cargo e obrigada a frequentar o consultório de um terapeuta (Edson Fieschi). A partir deste encontro, a trama de ‘Job’ se desenrola em um thriller psicológico que arrebatou a Broadway desde a sua estreia em 2023 e chega agora ao Brasil.

Vídeo nas Aldeias é um projeto audiovisual criado em 1986 com o propósito de fortalecer o cinema indígena brasileiro. Idealizado por Vincent Carelli (Paris, França, 1953), o Vídeo nas Aldeias se dedicou, inicialmente, a registrar a cultura de diferentes povos indígenas brasileiros, apresentando as filmagens para as próprias comunidades. A partir de 1997, o projeto expandiu suas atividades para incluir oficinas audiovisuais realizadas junto a esses povos e passou a distribuir equipamentos de filmagem para que os participantes tivessem autonomia na representação de sua própria cultura. Desde então, a formação de cineastas indígenas e o suporte técnico para a produção de filmes se tornaram pilares fundamentais da atuação do projeto. Os filmes produzidos formam um acervo plural que reflete a diversidade dos povos indígenas brasileiros. A sala de vídeo dedicada ao Vídeo nas Aldeias pretende destacar filmes produzidos pelo projeto em parceria com comunidades indígenas, os quais abordam formas distintas de lidar com a terra e com o meio ambiente, retratando aspectos de suas culturas e cosmologias, além da urgente luta pela demarcação territorial.

Neste espetáculo especial, Guinga apresenta um apanhado de suas obras com interpretações intimistas ao lado de Nailor Proveta, clarinetista e saxofonista com extensa atuação na música instrumental brasileira. O encontro ressalta o diálogo entre violão e sopros, com arranjos que valorizam a melodia e o lirismo presentes nas composições.

Em única apresentação no Brasil a Congregação Israelita Paulista realiza Concerto Beneficente, iniciando às comemorações dos seus 90 anos.

Alice Caymmi apresenta uma homenagem emocionante a Nana Caymmi.Após o falecimento de sua tia, Alice decidiu dedicar um espetáculo ao legado de Nana com o show “Para minha Tia Nana”, no qual revisita alguns de seus maiores sucessos.Para enriquecer ainda mais o tributo, Alice conta com a participação do pianista Francisco Eiras, que a acompanha com sensibilidade e técnica apurada. Juntos, eles selecionaram clássicos como “Resposta ao Tempo”, “Só Louco”, “Suave Veneno”, “Oração ao Tempo”, além dos boleros “Sabe de Mim” e “Se Queres Saber”. Cada música revela a profundidade e a beleza das composições, além de refletir a trajetória artística de Nana Caymmi.

Exposição individual do artista espanhol José Manuel Ballester, com curadoria de Luiz Armando Bagolin. A mostra reúne uma seleção de obras que retomam a longa pesquisa do artista sobre o apagamento de figuras humanas em obras-primas da história da arte ocidental, propondo uma revisão crítica e sensorial do modo como vemos, recordamos e projetamos sentido nas imagens.Ballester, vencedor do Prêmio Nacional de Gravura (1999), o Goya de Pintura da cidade de Madri (2006) e o Prêmio Nacional de Fotografia da Espanha (2010), apropria-se de pinturas canônicas como A Última Ceia, de Leonardo da Vinci, O Nascimento de Vênus, de Botticelli, e os afrescos de Giotto, eliminando digitalmente seus personagens centrais. O que resta são cenários vazios, espaços desabitados, prontos a serem repovoados pela memória do espectador.Ao esvaziar o campo narrativo das obras e deixar à vista apenas seus planos de fundo — a mesa posta, os bosques, as arquiteturas — Ballester inscreve sua poética num território próximo ao que Aristóteles e Borges descreveram como o intervalo entre percepção e linguagem. A exposição se constrói, assim, como um jogo entre presença e ausência, onde a contemplação se desloca do motivo alegórico para a superfície, para o que antes era apenas suporte ou bastidor.

Acompanhado por Márcio Roldan (piano), Nilton Leonarde (contrabaixo) e Percio Sapia (bateria), o show revela a trajetória madura de um músico com mais de 30 anos de carreira, que transita entre o lirismo melódico e a energia dos grooves modernos. A presença de dois dos principais solistas da cena instrumental brasileira enriquece ainda mais essa noite, marcada por entrosamento, improvisação e sofisticação musical.

Exposição dedicada à produção do artista Zélio Alves Pinto produzidas entre os anos 1980 e 2000. A mostra,com curadoria de Agnaldo Farias, reúne cerca de 20 obras em técnicas diversas, como pintura, desenho, xilogravura e colagem, e lança foco sobre um período de inflexão em sua trajetória, em que o artista desloca a prática gráfica cotidiana para uma pesquisa mais contínua e autoral no campo dasartes visuais. As obras selecionadas pertencem a uma fase em que Zélio amplia o uso da figura como estrutura narrativa e simbólica, ao mesmo tempo em que incorpora elementos da abstração, do gesto gráfico e da composição livre.

Tetê Espíndola apresenta o show Da raiz ao contemporâneo. A apresentação vai acontecer no formato Sala da Casa, um jeito aconchegante de aproveitar a noite num ambiente especial: sem lugares marcados, com sofás, mesas e pista livre. Assim você escolhe como viver o som, seja sentado ou em pé. Também preparamos um cardápio especial com drinks e petiscos para completar sua experiência. Se quiser garantir seu lugar sentado com antecedência, nossos camarotes no mezanino também estão disponíveis.A artista, que tem 45 anos de carreira, percorre os caminhos da música pantaneira, indo da tradição à renovação, celebrando a potência de sua voz como instrumento natural e elemento poético. Conhecida por carregar “pássaros na garganta” — como definiu o poeta concretista Augusto de Campos — Tetê mergulha em um repertório que entrelaça suas experimentações com sons da natureza, recriando paisagens sonoras. Entre guarânias e polcas de raiz que remetem à fronteira entre Mato Grosso do Sul e Paraguai, e composições contemporâneas que refletem a força criativa da sua fase de vanguarda. O repertório traz canções dos seus conterrâneos Geraldo Espíndola (Quiquiô), Paulo Simões (Trem do Pantanal), Mário Zan (Chalana) e Zacaria Mourão (Pé de Cedro), além de parcerias com Arrigo Barnabé e Iara Rennó. O show tem uma abordagem que valoriza tanto as raízes quanto os novos horizontes da canção regional.

Kylie Minogue apresenta sua aguardada "TENSION TOUR" para 2025,programada para ser a maior turnê de Kylie desde 2011. Começando no país natal de Kylie, Austrália, em fevereiro, a turnê mundial visitará a Ásia, Estados Unidos, Canadá, Reino Unido e Europa antes de parar na América Latina em agosto de 2025. “Tension II” - uma nova coleção de 13 músicas - foi lançada em 18 de outubro de 2024 pela BMG. A sequência de alta energia e alta octanagem do álbum número 1 e sucesso global “Tension”, vê Kylie se aprofundar ainda mais no espaço eletrônico e está repleta de hinos de pista de dança. O disco inclui nove novas faixas de estúdio de Kylie, além do mais recente hit de dança “Edge of Saturday Night” com The Blessed Madonna, bem como suas recentes colaborações com Orville Peck, Bebe Rexha e Tove Lo, e Sia.

Celebraremos os 200 anos do compositor Johann Strauss II, o célebre “rei da valsa”. Faremos isso com uma de suas obras-primas: a opereta ‘O Morcego’. O enredo fala de vingança, mas as risadas estão garantidas com muitos can-cans, valsas e polcas!

Último concerto para piano de Beethoven, o nº 5 foi escrito entre 1808 e 1811, um momento riquíssimo no qual o compositor trabalhava em outras obras seminais como a sexta e a sétima sinfonias, a Fantasia coral e a Sonata les adieux. Apelidada “Imperador”, a obra é grandiosa e imponente, embora com passagens idílicas e de grande delicadeza. Com o Concerto nº 5, Tom Borrow conclui o ciclo de concertos para piano de Beethoven junto à Osesp.A outra parte do programa, que tem regência do maestro japonês Masaaki Suzuki, é dedicada a Pulcinella, que marca um novo momento na carreira de Stravinsky. A obra foi mais uma encomenda dos Balés Russos mas, depois da trilogia revolucionária que culminou na Sagração da primavera, de 1913, Stravinsky voltou os olhos ao passado e escreveu Pulcinella a partir de composições do século XVIII, inaugurando aquela que ficaria conhecida como sua fase neoclássica. Ouviremos a versão original da partitura, com as partes cantadas, e não apenas a suíte orquestral, que acabou se tornando a versão mais conhecida.

Nesta apresentação, o trio formado por Carol Bahiense, Cimara Fróis e Talita del Collado apresenta um repertório de forró e baião com arranjos originais. Na lista, a versão do trio para o clássico “Xote das meninas” e outras canções consagradas são apresentadas numa composição de sanfona, zabumba, triângulo, pandeiro e asalato, além das três vozes.

O cantor e compositor Tagua Tagua apresenta o seu novo álbum de estúdio. Gravado, produzido e composto em seu apartamento, localizado no centro da cidade de São Paulo, o álbum apresenta novas nuances ao projeto que outrora apresentou o neo soul e a psicodelia como suas principais características. Sem esquecer de seus ídolos do passado, artistas como Tim Maia, Cassiano e BillWithers, marcas registradas em sua obra, Tagua Tagua traz agora uma energia dançante renovadora menos presente em seus trabalhos anteriores com novas influências, como Daft Punk e os contemporâneos franceses L’Impératrice.O show conta com a participação especial do músico e cantor alagoano Bruno Berle.

Roberto Carlos apresenta os seus grandes sucessos que marcam a música brasileira desde a década de sessenta. No show, o Rei é acompanhado por uma orquestra de 42 músicos.

A mostra coletiva na Galeria Marilia Razuk considera a prática da escultura na sua relação com o corpo e em suas possibilidades com os materiais e espaço. Na exposição, cerca de 20 obras dos artistas Claudio Cretti, Manuel Brandazza e Raphaela Melsohn se apresentam como forças coexistentes com o espectador, em constante negociação.Reunindo três artistas que exploram as interseções entre escultura, material e o corpo, de formas diversas, a exposição examina como a forma pode ser ‘moldada’ seja por meio da manipulação de materiais rígidos ou maleáveis, na reconfiguração de objetos cotidianos e pela invocação da memória corporal. As obras reunidas sugerem que criar uma forma é também questionar seus limites e reimaginar suas possibilidades de relação com o espaço.

Primeira exposição individual do artista libanês Pascal Hachem em São Paulo.A exposição é um desdobramento de “FEITO NO CÉU”, realizada em Brasília após residência artística de mais de 60 dias na galeria Karla Osorio, na mesma cidade. Com prática profundamente enraizada na relação com a cidade e com temas sócio-politicos, Hachem traduz as incertezas e tensões do ambiente urbano em instalações e esculturas potentes, muito poéticas, que instigam o olhar e o pensamento. Inspirado pela imprevisibilidade da vida em Beirute, onde o futuro é incerto, a obra de Hachem possui natureza transitória. Na mostra, Hachem apresenta mais de 40 obras, todas de séries criadas em sua residência artística em Brasília entre setembro e novembro de 2024. São obras que dialogam com a paisagem cultural e urbana do país, criando intercâmbio poético e reflexivo entre as realidades do Oriente Médio e da América Latina, sobretudo considerando o período de guerras no mundo. Resgata também tradições locais como bordado, miçangas, pipas, entre outras.

A exposição coletiva reúne mais de 20 artistas cearenses sob a curadoria de David Almeida. Com nomes como Leonilson, Efrain Almeida, Arivanio e Darks Miranda, a mostra apresenta trabalhos de diferentes gerações. Ao construir uma narrativa que ecoa o sertão em suas múltiplas dimensões – arqueológica, mística, política e poética –, a exposição mergulha no imaginário cearense de diversas regiões do estado e explora as fronteiras entre o sagrado e o profano, o real popular e o místico redentor.Motivado por uma investigação familiar e pela preservação da memória das paisagens de seus pais, David Almeida, nascido em Guará, DF, aproximou-se profundamente do sertão e seus artistas, encontrando reverberações de suas pesquisas nas imagens criadas por eles. Em seu ateliê, David nota que seu gesto revisita frequentemente as paisagens do sertão de Inhamuns, do Cariri. Vaquejada da Meia-Noite reúne obras em xilogravura, pintura, escultura, instalação e vídeo, com forte presença de artistas ligados à tradição gráfica do Cariri, como José Lourenço, Stênio Diniz e Francisco de Almeida, além de nomes consagrados da arte contemporânea brasileira, como Leonilson. Em comum, os trabalhos evocam fabulações sertanejas atravessadas por tensões sociais, figuras lendárias, manifestações religiosas e signos populares, compondo um painel onírico e crítico de um Brasil subterrâneo e imagético.

A Mendes Wood DM tem o prazer de apresentar a exposição coletiva Remanso com trabalhos de Eleonore Koch, Linda Kohen, Anna Livia Monahan, Rayana Rayo e Paula Siebra. Suas pinturas expõem o que lhes é intrínseco, conduzindo o olhar a territórios silenciosos, densos e simbólicos. Suas obras iluminam espaços domésticos, corpos, objetos e representações da psique e do feminino, criando uma constelação de símbolos que traduzem um cotidiano particular e ao mesmo tempo compartilhável. Remanso reúne uma constelação intergeracional de artistas de diferentes regiões geográficas e trajetórias únicas, que se encontram no ofício da pintura em pequena escala. Telas a princípio discretas, carregam uma profundidade que transporta o espectador para dentro de si: evocam lembranças, sonhos, medos e incertezas. Este diálogo sensível se torna ainda mais potente ao ocupar a Casa Iramaia, originalmente uma residência familiar, que com sua atmosfera introspectiva acolhe e amplifica essas narrativas visuais, como se fosse extensão das próprias obras.

A cantora e compositora Ana Gabriela apresenta na Casa Natura Musical sua nova turnê.No palco, Ana será acompanhada por banda completa, formada por Hygor (guitarra), Thiago Leal (baixo) e Fernando Chocô (bateria). O show combina músicas inéditas do novo álbum com sucessos que marcaram sua trajetória, como “deixa”, “não te largo não te troco”, “mais de nós” e “no escuro”.A proposta da turnê é transportar para o palco a sensibilidade dos videoclipes e da produção do álbum.Ana Gabriela é uma cantora, compositora e musicista de São José dos Campos (SP), que começou sua carreira em 2015, no YouTube, interpretando covers de grandes sucessos. Desde então, lançou os álbuns de estúdio “Ana” (2020) e “Degradê” (2022), além do ao vivo “Acústico Ana Gabriela” (2023), um EP e vários singles. Ao longo de sua trajetória, colaborou com artistas de destaque, como Lulu Santos, Armandinho, Saulo Fernandes, Lagum, Melim, Capital Inicial, Maneva, Francisco Gil e Anavitoria. Sua parceria com Lagum, “Deixa”, ultrapassou 485 milhões de streams, marcando sua relevância no cenário musical digital.

Exposição coletiva com curadoria de Luis Pérez- Oramas e o Núcleo Curatorial Nara Roesler. O ponto de partida da curadoria foi a “música das estrelas”, ouvida, identificada e registrada pela primeira vez em 16 de setembro de 1932, às 19h10, nos campos de Nova Jersey por Karl Jansky (1905-1950), físico e engenheiro especializado em ondas de rádio. Empregado pelos Laboratórios Bell Telephone, ele tinha a tarefa de estudar as fontes de interferência “estática” nas comunicações rádio telefônicas transatlânticas. O ruído das estrelas é o leve chiado de um passado sideral. A partir das obras de Laura Vinci, Abraham Palatnik, Tomás Saraceno, Tomie Ohtake, Bruno Dunley, Monica Ventura, Artur Lescher, Cao Guimarães, Paulo Bruscky, Rodolpho Parigi e Julio Le Parc, a exposição busca sugerir uma cena análoga em que as obras de arte seriam objetos que, como as antenas de Jansky, capturam ressonâncias de fundo de seus próprios campos figurais.

A exposição individual de Marcos Chaves apresenta trabalhos inéditos em tapeçaria do artista carioca, além de três objetos, dos quais duas obras são da década de 90. A mostra toma partido de uma intervenção realizada pelo artista em 2013 na Fundação Eva Klabin, no Rio de Janeiro, na qual Chaves apresentou tapetes que eram réplicas fotográficas de detalhes de tecidos da coleção da Fundação. Em Sangue Azul, Marcos Chaves posiciona nas paredes as tapeçarias inéditas em tons de vermelho que reproduzem fotografias feitas pelo artista do chão de carpetes de locais históricos europeus, como o Palazzo Doria Pamphili, construído em Roma, no século 16; a escadaria que leva ao único trono existente de Napoleão Bonaparte (1769-1821), no Castelo de Fontainebleau, na França, que data dos primórdios do século XII, e era residência dos reis franceses; e a Ópera Garnier, projetada durante o reinado de Napoleão III (1808-1873), o décimo-terceiro palácio a abrigar a Ópera de Paris, fundada por Luís XIV. No piso de uma das salas da galeria, o artista cobrirá toda a superfície do chão com uma versão em grande escala do tapete que originou a pesquisa em 2013.

Leticia Ramos apresenta Silver, um conjunto de trabalhos que ocupa uma sala da Casa Iramaia e investiga a trajetória da luz em relação às superfícies materiais, às paisagens e aospanoramas cósmicos. Neles, Ramos recorre aos recursos do laboratório fotográfico e da cameraless para encenar um encontro entre aparelhos técnicos e o contingente, produzindo imagens que operam entre a presença espectral e a inscrição material. Composiçõesluminosas tensionam visibilidade e escuridão, funcionando como esquemas que desafiam paradigmas de representação e refletem a preocupação da artista pelas possibilidades ainda pouco exploradas na intersecção entre arte e ciência. Sua prática se desenvolve por meio deprojetos extensos, com forte afinidade com o cinema experimental, tanto no uso do suporte material, nas qualidades ópticas, quanto na atenção à duração, à encenação e à organização dos eventos. Essas investigações, expressas como séries interconectadas, se desdobram por meio de experimentação meticulosa e resultam de pesquisas contínuas realizadas em seu ateliê em São Paulo

A galeria apresenta a primeira exposição de Guglielmo Castelli no Brasil. Pintor de Turim, Castelli aprimorou seu ofício durante sua formação acadêmica em cenografia – disciplina que moldou sua prática pictórica, especialmente na forma como representa espaços e interiores arquitetônicos. Embora sua estética esteja enraizada nesse contexto, uma crítica à cultura burguesa marca seu horizonte intelectual. A superfície pictórica não é expressão de mera virtuosidade técnica, mas um campo de batalha no qual Castelli compreende a cultura ao seu redor: o peso do legado, a relação entre a alta cultura e o conservadorismo em contraposição ao popular, e a possibilidade de uma ruptura total.A exposição toma seu título de um verso do poeta brasileiro João Cabral de Melo Neto: Um galo sozinho não tece uma manhã. O verso aparece em A educação pela pedra, coletânea publicada em 1966, quando o Brasil era governado por uma ditadura militar que reprimia artistas e intelectuais com violência crescente nos anos subsequentes. A metáfora do galo, que só consegue anunciar a claridade da manhã se acompanhado de vários outros, mostra-se perene – um tributo à coletividade e à colaboração, que ressoa também com um princípio da abstração geométrica brasileira: o todo é mais do que a soma das partes.

Maior festival drag da América Latina, o The Realness Festival realiza sua quarta edição, com participação confirmada de drag queens que fizeram parte do aclamado reality RuPaul´s Drag Race, como Shea Coulée, Sasha Colby, Sasha Velour, Roxxxy Andrews e Jewels Sparkles. Além disso, o festival também conta com performances de nomes da cena drag brasileira, como Grag Queen, Betina Polaroid, Silvetty Montilla e Ikaro Kadoshi.

Seis artistas de diferentes estilos e trajetórias se unem em um espetáculo que celebra o ilusionismo em suas diversas expressões. A proposta é conduzir o público por um percurso sensorial em que mistério, surpresa e beleza se entrelaçam. Em cada ato, a mágica assume novas formas: ora lúdica e vibrante, ora enigmática e desafiadora, ora poética e surreal.

No ano em que o disco Gil e Jorge: Ogum, Xangô completa 50 anos, o show reúne Mahmundi, Iara Rennó e Letícia Fialho para reviver a essência desta obra-prima da música brasileira. Trazida ao público em formato de instalação, a apresentação celebra a evolução da música ao longo dos anos e pureza sonora das canções, permanecendo fiel ao vigor original do disco.

Pelo quarto ano consecutivo, a Cinemateca Brasileira apresenta a Mostra 50 Anos Depois, que exibe longas lançados meio século atrás, e permite que sejam vistos e redescobertos na tela grande. Com curadoria de Paulo Sacramento, o evento acontece entre 07 e 17 de agosto, e os ingressos são gratuitos e devem ser retirados uma hora antes de cada sessão nas salas Grande Otelo e Oscarito. Os 44 filmes selecionados – 15 longas e 9 curtas brasileiros, e 20 longas estrangeiros - exaltam a diversidade de temas e formatos. A mostra apresenta uma variedade de produções lançadas em 1975, que, lado a lado, formam um painel abrangente da cinematografia daquele momento. Transitando entre gêneros distintos, a mostra permite ao público da Cinemateca Brasileira acesso a filmes como Lilian M (Relatório Confidencial), de Carlos Reichenbach; O Direito do Mais Forte é a Liberdade, de Rainer Werner Fassbinder; Dersu Uzala, de Akira Kurosawa; Adoção, de Márta Mészáros; A Batalha do Chile, de Patricio Guzmán; e O Desejo, de Walter Hugo Khouri.

Brincadeiras tradicionais, como pique-esconde, amarelinha e pular corda, aos poucos têm ficado em segundo plano, trocadas pela luz hipnótica dos aparelhos eletrônicos. É nesse cenário que surge o Espetáculo Teatral Brincado de Colorir, uma sátira infantil a revistinha Bobbie Goods.A história do espetáculo é simples, mas carregada de significado, os amiguinhos da Terra da Imaginação, percebem que as crianças ao seu redor têm se afastado das brincadeiras criativas e das expressões artísticas. Preocupados, eles descobrem a existência do temido Monstro das Telas, que mantém as crianças hipnotizadas e conectadas apenas aos seus aparelhos eletrônicos.Nesta aventura os amigos Lápis Gigante, a Borracha Saltitante, a Fada das Cores e os ursinhos coloridos se unem para cumprir uma missão: libertar as crianças desse domínio tecnológico e resgatar a alegria de brincar, desenhar e criar.

Inspirado em Rei Lear, de William Shakespeare, o espetáculo ORioLEAR, com direção de Newton Moreno, estreia no Itaú Cultural (IC), em São Paulo. A montagem marca uma nova fase da Heroica Companhia Cênica, em parceria com o Escritório das Artes, e reinterpreta a obra para refletir sobre a crise climática e a disputa territorial no Brasil contemporâneo.Na trama, um latifundiário no Pará, ex-grileiro que construiu sua fortuna sobre a posse da terra, decide dividir suas propriedades entre as filhas e os genros. A mais jovem, ao se recusar a bajulá-lo publicamente, é deserdada e acolhida por um povo indígena que propõe a devolução do nome do rio (Lear) à natureza, como um gesto simbólico de reparação diante da destruição provocada pela exploração predatória. ORioLEAR atravessa temas urgentes, como a devastação ambiental e a luta pela demarcação de terras. O elenco reúne Jorge de Paula, Leopoldo Pacheco, Michelle Boesche, Roberto Jardim, Ronny Abreu, Sandra Corveloni e Simone Evaristo. Haverá bate-papo com o elenco após as sessões dos dias 10 e 17 de agosto.

Com direção e dramaturgia de Luiz Felipe Reis e atuação de Renato Livera, DESERTO estreou em maio de 2024 no Teatro Futuros (RJ) e rapidamente se destacou como um dos espetáculos mais reconhecidos da cena teatral brasileira. Foi indicado ao Prêmio APTR (direção, dramaturgia e atuação) e ao 35º Prêmio Shell de Teatro (Melhor Ator). Pela primeira vez no Brasil, a obra de Roberto Bolaño (1953-2003) ganha vida nos palcos, a partir de fragmentos de livros, entrevistas e memórias do autor chileno, considerado um dos maiores escritores latino-americanos do século XXI. Livera incorpora Bolaño, emprestando corpo e voz a trechos de obras como A universidade desconhecida, 2666, O gaúcho insofrível, Entre parêntesis e Bolaño por si mesmo.

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O centenário dos Diários Associados, um dos maiores conglomerados de comunicação da América Latina, vem sendo celebrado com o musical "Chatô & os Diários Associados – 100 Anos de Paixão".A peça aborda a trajetória profissional de Assis Chateaubriand, fundador do império midiático que transformou a imprensa brasileira. O musical transita entre passado e presente para contar a trajetória de Assis Chateaubriand e seu impacto na comunicação brasileira, enquanto acompanha Fabiano, um jornalista desempregado que, ao encontrar a estátua de Chatô em Recife, é levado por ele a revisitar momentos icônicos da mídia nacional, como a criação de O Cruzeiro e a inauguração da TV Tupi, a primeira emissora de televisão do Brasil. Em paralelo, o relacionamento de Fabiano com Juliana, uma colega jornalista, se desenrola, explorando conflitos pessoais e profissionais que refletem os desafios do jornalismo contemporâneo. A trama mescla história, romance e música para destacar o legado cultural do comunicador.

Apresentação única da peça do dramaturgo Charles Lewinsky (com tradução de Sylvia Lohn) e estrelada por Ricardo Ripa. O solo conta a história do jornalista Emanuel Goldfarb, que recebe o singelo convite de um professor para compareça pessoalmente a uma aula e explique aos seus alunos o que é ser judeu. Emanuel passa então a refletir sobre atender ou não a esse chamado. Com legítimo "humor judaico", ele irá revisitar sua ancestralidade e acessar lembranças que há muito tempo estavam adormecidas. Suas memórias e reflexões passam pela origem familiar, pela diáspora do povo judeu desde a antiguidade até os dias atuais, pelas tradições e por sua própria hereditariedade, temas que são abordados por ele alternando emoção, razão e muito humor.

Da Janela é um espetáculo infantil acessível que transforma acessibilidade em jogo de cena e instiga os pequenos a experimentarem novas formas de se comunicar.Malu, única criança que mora na vila, percebe a chegada de novos moradores: Cadu e Nina. Certa da missão de conhecer seus novos melhores amigos, Malu, do alto de sua janela, observa e narra o nascimento da amizade entre Nina e Cadu. As crianças criam laços e afinidades ao descobrirem, de forma divertida, como podemos “falar” sem usar as palavras. Do alto de sua janela e com o auxílio de um binóculo, a menina Malu (Elizândra Souza) descreve toda a ação da cena, fazendo uma descrição poética e, com isso, possibilitando que pessoas com baixa visão e cegas possam assistir ao espetáculo sem auxílio de equipamentos específicos.

Em 2025, BIOGLOMERATA será reencenada com a participação da Orquestra Sinfônica Municipal e São Paulo (OSM), sob a direção do maestro Alessandro Sangiorgi, com adaptações musicais de Tom Monteiro e Carlos Bauzys. A obra ressignifica e adapta o conceito original de Biomashup, que estreou em 2014 durante uma residência de Duarte no Lote, na Casa do Povo. Esta recriação para o Balé da Cidade de São Paulo (BCSP), cuja estreia ocorreu em 2024, oferece uma nova perspectiva ao repertório da companhia. Nessa versão, o elenco utiliza memórias de danças, gestos e referências para interagir com a música e com um ambiente em constante transformação, ampliando a compreensão dos tempos históricos. Os corpos dos bailarinos funcionam como forças dinâmicas, criando configurações transitórias que envolvem a percepção contínua do público. O músico Tom Monteiro, utiliza o theremin – um instrumento eletrônico que permite a produção de sons sem contato físico –, introduz uma dimensão ética à performance em que o invisível se torna um elemento essencial para a experiência artística. Com formação inicial no Estúdio e Cia Nova Dança (SP), um renomado centro de improvisação e pesquisa, o coreógrafo paulistano Cristian Duartecontinuou seus estudos na P.A.R.T.S. (Performing Arts Research and Training Studios) em Bruxelas, onde se graduou em 2002. Em sua carreira, destaca-se pela criação de espaços inovadores para experimentação e formação em dança, tendo desenvolvido projetos como APT?, DESABA e LOTE/Z0NA, em colaboração com artistas de destaque. Mantém, desde 2011, uma presença significativa como residente na Casa do Povo, em São Paulo. Sua trajetória inclui convites de instituições como DDSKS em Copenhage, P.A.R.T.S. em Bruxelas, UFRN e DOCH/SKH em Estocolmo. Atuou como coreógrafo para a Transitions Dance Company no Laban Center em Londres, para o Cullberg Ballet em Estocolmo e para o BCSP com BIOGLOMERATA criada com o elenco em 2024.Fôlego (2022) é a primeira criação de Rafaela Sahyoun para o Balé da Cidade de São Paulo (BCSP), desenvolvida para a Sala Adoniran Barbosa em comemoração aos 40 anos do Centro Cultural São Paulo. A obra foi indicada ao Prêmio APCA Dança 2022 na categoria Espetáculo – Estreia. Em janeiro de 2023, Fôlego foi revisitada para uma temporada no Theatro Municipal, marcando o 55º aniversário do BCSP. A proposta dramatúrgica de Fôlego incentiva a exploração da condição dos indivíduos como sujeitos sociais. A coreografia reúne elementos como aglomerações, insistências e ciclos repetitivos, configurando-se como uma corrente elétrica que atravessa os corpos e reflete as mudanças contínuas no ambiente.Durante a performance, os gestos são mantidos até o ponto de esgotamento, permitindo que pequenas variações surjam como pistas interpretativas adicionais. A obra apresenta um corpo em fluxo constante, engajado em eventos que capturam a atenção do espectador por meio de nuances distintas. Fôlego oferece uma experiência relacional que alterna entre proximidade e distância, ressoando, transformando-se, falhando, desintegrando-se e renovando-se.Configura-se, assim, como um processo de contágio, caracterizado por um ntercâmbio contínuo de desejos e assimilação.Artista da dança e das matérias do corpo, a paulistana Rafaela Sahyoun se aprofunda no fazer coreográfico, na educação e na pesquisa continuada, atuando como bailarina colaboradora em contextos nacionais e internacionais. Formada pela SEAD – Salzburg Experimental Academy of Dance (Áustria, 2013) e pelo Trinity Laban Centre for Movement and Dance (Reino Unido, 2009), desenvolveu práticas pedagógicas com impacto internacional na formação de novos artistas. Rafaela colabora com instituições como a PERA School of Performing Arts (Chipre do Norte), EBB Elephant in the Black Box (França e Espanha) e o Programa de Pós-Graduação Corpo: Dança, Teatro e Performance do Célia Helena Centro de Artes e Educação (Brasil). Ela também foi curadora artísticopedagógica do Festival DansPunt (2025) e está em processo de criação para a Companhia de Dança EBB, com estreia prevista para 2025 em Madri, Espanha. Principais obras coreográficas: C R U S H (2024), Fôlego (2022), NINGUÉMMESOLTA [Don’t Lose Me] (2018), Yeah, I’ve Been Watching You Lately (2023), Something to Phase Us: Who Goes There (2022), Wheel of Radical Affection (2021) e VAWM (2020).

Ney Matogrosso apresenta sua turnê “Bloco na Rua”. Na turnê, Nem apresenta um repertório diverso, com canções que fizeram sucesso em sua voz e novidades. “Eu quero é botar meu bloco na rua” (Sergio Sampaio), de onde saiu o título da turnê, “A Maçã” (Raul Seixas), “Jardins da Babilônia (Rita Lee / Lee Marcucci)", “O Beco”, gravada por Ney nos final dos anos 80 (Herbert Vianna/Bi Ribeiro) e "Sangue Latino (Paulo Mendonça / João Ricardo)", do primeiro álbum dos Secos e Molhados, de 1973, são algumas das músicas escolhidas por Ney.

Primeiro prêmio no 27º Concurso Sphinx e Grande Prêmio das agências Concert Artist Guild, de New York e Young Concert Artist Trust, de Londres para representação internacional, o violinista brasileiro NATHAN AMARAL vem construindo sua reputação na América do Sul, EUA e Europa por ser um “violinista versátil, carismático e com uma compreensão musical instintivamente natural” (Liza Ferschtman). Foi laureado ainda com o 1o lugar e prêmios especiais em vários concursos nacionais e internacionais, sendo incluído na lista de jovens mais promissores da Classic FM de Londres.Nathan já se apresentou como solista e camerista em salas como o Wigmore Hall, KKL no Festival de Lucerna, Sala São Paulo, Mozarteum Großer Saal e Filarmônica de Berlim. Pianista indicada ao Grammy Latino, ERIKA RIBEIRO é considerada uma das artistas mais expressivas de sua geração. Sua musicalidade e grande versatilidade fazem com que seja conhecida pelos diversos estilos pianísticos que aborda, tanto em sua maneira de tocar, quanto nos repertórios que interpreta. Iniciou seus estudos musicais com sua mãe, aos quatro anos.

Mauro Diniz, integrante da Velha Guarda da Portela, convida Xande de Pilares e seus filhos João e Juliana Diniz para o show de seu projeto "o samba pede passagem". Nesta apresentação, Mauro convida Xande de Pilares, artista nascido no Morro da Chacrinha, criado entre rodas de samba. Um dos grandes nomes do gênero, Xande traz influências que vão de Martinho da Vila e Clara Nunes a Ray Charles e James Brown, transitando com naturalidade entre o samba e outras expressões musicais.A noite também conta com a participação especial de seus filhos, mergulhando em histórias curiosas por trás de sambas consagrados, com músicas que fazem parte do imaginário popular, mas cujas origens muitos desconhecem. O repertório traz composições históricas de nomes como Cartola, Nelson Cavaquinho, Monarco, Candeia, Silas de Oliveira, entre outros, costurando memória, tradição e vivência familiar em torno do samba.

A companhia do Teatro Oficina apresenta uma montagem de Os Sete Gatinhos, texto clássico de Nelson Rodrigues. A peça se passa em um ambiente tenso, onde os membros da família revelam suas verdadeiras faces.Nelson Rodrigues sintoniza a hipocrisia das relações no núcleo colonial originário: A Família, Instituição patriarcal secular herdada de geração em geração, e nos convida a olhar pras suas entranhas.O teatro se transforma em um cenário de traições e revelações terríveis que culminam em um crime brutal.

O festival é o primeiro dedicado ao gênero de música japonesa Visual Kei no Brasil. Line-up confirmado: Közi, Hizaki & Kaya, Schwarz Stein, Mayohk

Show de comemoração de 1 ano do álbum Nhe’etimbó, dirigido por Jhow Flor, com participações especiais do Coletivo Estopô Balaio e dos artistas indígenas Clara Potiguara e Válber Félix. O álbum foi indicado à categoria “Melhor Álbum do Ano” pelo Prêmio Hangar de Música 2025, principal premiação da linguagem musical do estado do Rio Grande do Norte.

Em islandês, eyja significa “ilha” — tema do primeiro espetáculo de uma trilogia concebida pela Multifoco Companhia de Teatro, inspirada na erupção do vulcão Eyjafjallajökull, ocorrida em 2010. A obra utiliza a linguagem do circo-teatro e tem como protagonista uma artista circense cega, promovendo uma reflexão poética e simbólica sobre a relação do ser humano com o desconhecido, a solidão e a natureza.A encenação se desenvolve em uma grande jangada — metáfora de um território instável — onde as personagens, por meio de acrobacias, portagens, suspensões e colapsos, buscam reaprender a convivência, a partilha dos equilíbrios e a construção de coletividades. A dramaturgia incorpora, ainda, elementos da audiodescrição como linguagem cênica.

Na palestra-performance Por um Fio, o artista paraibano Diocélio Barbosa apresenta uma obra autobiográfica e documental desenvolvida entre 2020 e 2024, durante residências artísticas no Brasil, no Chile e na França. Criado a partir da prática de site-specific, o espetáculo elege espaços não convencionais como ponto de partida para investigar relações entre corpo, matéria, memória e território.A performance original, interativa, foi concebida no quintal da casa do artista com base em suas memórias e documentos pessoais e familiares durante a pandemia de Covid-19. Conta com depoimentos e apoio audiovisual, com destaque à voz em off da mãe do artista, Maria da Penha Barbosa, conferindo à cena uma camada de afeto e autenticidade.

Rô Rosa apresenta o EP Estações na Casa Natura Musical. No novo projeto, Rô transforma sua vivência em crônica sonora por meio de uma viagem de seis faixas que percorre as fases do amor e da vida com lirismo, groove e uma sensibilidade quase cinematográfica. O disco nasce do cotidiano e é urbano e sentimental ao mesmo tempo, como se a cidade, o coração e o tempo estivessem sempre em diálogo.

O coletivo queer Briefs Factory convida o público para uma festa-cabaré em uma noite de acrobacias ousadas, giros suspensos, malabarismo com bolas, performances com espumas de sabão, bambolê em chamas e até um número de striptease.Liderados pelo coreógrafo e performer Fez Faanana (também conhecido como Shivanana), os Briefs Boys mesclam elementos do circo, da dança, do burlesco e da cultura drag queen com muito virtuosismo.

Neste show, a cantora e compositora Bixarte apresenta seu primeiro álbum de estúdio, TRAVIARCADO. Apesar da forte presença do rap em faixas de parceria com Bia Ferreira e Drik Barbosa, o álbum traz uma nova versão da artista que aposta em ritmos latinos, etnopop, trap, batidas do Kettu e influências de R&B.

Daniel Furlan apresenta Tropical Nada, um projeto musical que mistura tropicalismo, synthpop e ironia existencial. Com letras afiadas e arranjos dançantes, o show navega por paisagens sonoras psicodélicas e bem-humoradas. A apresentação, que traz faixas do disco homônimo, é uma experiência tropical e nada convencional.

Nova exposição da artista Rizza, com curadoria de Marc Pottier. A mostra reúne obras inéditas que dão continuidade à sua pesquisa em torno da manipulação de fenômenos ópticos, articulando arte, ciência e tecnologia.Nesta individual, a artista aprofunda sua investigação sobre modelagem paramétrica e apresenta esculturas tridimensionais que transformam variáveis numéricas em formas físicas. Utilizando algoritmos, equações e dados físicos como ponto de partida, Rizza revela um processo criativo que une intuição e lógica, orientado por princípios matemáticos como dimensão, proporção e curvatura.

A galeria apresenta primeira individual de Ian Salamente em São Paulo. Com curadoria de Rayssa Veríssimo, a mostra reúne um conjunto de pinturas que exploram os atravessamentos do cotidiano urbano a partir das margens da cidade. Entre as obras, estão incluídos trabalhos inéditos e uma pintura premiada no 16° Salão dos Artistas Sem Galeria.Nascido em Cabo Frio e atualmente vivendo no Rio de Janeiro, Ian tem como ponto de partida os símbolos do cotidiano urbano. Casas protegidas por grades e muros, bueiros, toldos, antenas parabólicas e camisas de futebol de várzea ganham destaque em suas telas. Em sua obra, o que seria considerado insignificante ou irrelevante assume protagonismo e revela as contradições sociais da vida na cidade.

Em um mundo pautado pela velocidade, extração e distanciamento da natureza, o artista Saulo Szabó propõe um gesto inverso: escutar o chão. A exposição “Tudo que Fica sem Ser Visto” apresenta uma série de obras e instalações que emergem da fricção entre corpo, paisagem e arquitetura, acionando a terra — e seus vestígios — como matéria viva e agente de memória.Coletando matérias vegetais e minerais em um incessante percurso pela natureza — fragmentos de solo, pedras, resíduos, galhos -- Szabó reconfigura o gesto artístico como prática de escuta e cuidado. Em suas frotagens feitas em cachoeiras, o atrito entre rocha, papel e, no caso da cachoeira de Boiçucanga, lixo urbano, compõem uma cartografia da erosão — tanto física quanto ética — de um território em exaustão. A instalação ocupa os 15 metros da sala expositiva da Galeria Lume como um fluxo suspenso, um rio de lembrança e alerta.

Primeira exposição individual de Miguel Afa em São Paulo. O texto que acompanha a mostra é assinado por Lorraine Mendes — crítica, curadora e pesquisadora que já acompanhou a trajetória do artista na exposição coletiva Dos Brasis (Sesc Belenzinho, 2024), marco de sua estreia na cidade. Nesta nova exposição, Afa exibe um conjunto inédito de pinturas que exploram os limites e as expansões do afeto como experiência estética e política. O céu, aqui, surge como metáfora de amplitude e possibilidade: lugar de acolhimento, respiro e entrega.

Marina Lima encerra a turnê Rota 69 na Casa Natura Musical.De olho no retrovisor, mas com as antenas ligadas ao mundo de hoje, ela percorre, na apresentação, os caminhos modernistas que segue há 45 anos.Idealizado e dirigido por Candé Salles, o espetáculo atravessa um roteiro retrospectivo montado por Fernando Muniz e Renato Gonçalves. O título faz uma alusão tanto à rodovia norte-americana Rota 66 — imortalizada como símbolo de liberdade da juventude dos EUA, país onde Marina viveu a infância —, quanto aos 69 anos da artista.Rota 69 é um show de letra, música, dança e, sobretudo, para quem se afina com a ideologia da cantora e compositora que inseriu na pauta dos anos 1980 e 1990 temas como a celebração do amor entre mulheres e do prazer sexual.

Alexander Nevsky nasceu como uma trilha sonora composta por Sergei Prokofiev para o filme homônimo de Sergei Eisenstein, de 1938. O longa metragem narra um acontecimento histórico: a incursão da Liga dos Cavaleiros Teutônicos para conquistar a Rússia, no século XIII. Quem liderou a resistência e defesa foi o príncipe Alexander Nevsky – atraindo os guerreiros para o combate sobre a superfície de um lago gelado, ele os levou para o ponto onde a camada de gelo era mais fina e, não resistindo ao peso de suas armaduras e seus cavalos, rompeuse, afogando-os em suas águas geladas.Já no século XX, às vésperas do ataque das forças nazistas à então União Soviética, o governo stalinista, percebendo o potencial propagandístico do episódio, encomendou a Eisenstein um filme que rememorasse o ato de bravura, preparando o espírito da população para resistir à nova invasão que se aproximava. Ficou a cargo de Prokofiev a trilha sonora, e a maioria dos textos das canções foi escrita pelo poeta Vladimir Lugovskoy. A famosa cantata Alexander Nevsky de Prokofiev foi feita em 1939, a partir de partes desta incrível trilha sonora. O compositor reorganizou a música para o formato de concerto, reescrevendo-a como uma cantata para orquestra completa, coro e solista.A música do filme foi considerada uma obra-prima, e a Cantata Alexander Nevsky goza do mesmo prestígio, sendo uma das cantatas mais importantes do século XX (Eisenstein, Prokofiev e Lugovskoy voltariam a trabalhar juntos em outra empreitada cinematográfica: Ivan, o Terrível, partes 1, de 1944, e 2, de 1946, sendo este o último filme de Eisenstein).O espetáculo conta com Carla Camurati na direção de imagem. Cineasta, roteirista, produtora cultural e atriz, Camurati é dona de uma longa e premiada carreira. Em 1997, dirigiu La Serva Padrona, primeiro filme-ópera do Brasil, baseado na obra de Pergolesi.Desde então, tem se dedicado à direção de óperas pelo país. Foi presidente da Fundação Theatro Municipal do Rio de Janeiro entre 2007 e 2014.

Um festival que celebra ícones da música sertaneja, unindo gerações por meio de canções atemporais que marcaram vidas. Com: Chitãozinho e Xororó, Zezé di Camargo, Leonardo, Victor e Leo e Daniel

Alondra de la Parra é conhecida de quem frequenta a Sala São Paulo. Um dos nomes de destaque da regência atual, a mexicana já esteve várias vezes à frente da Osesp. Agora, ela vem para apresentar um espetáculo que há alguns anos encanta públicos mundo afora: The silence of sound.Durante anos, Alondra amadureceu a ideia de um concerto no qual ela se dirigiria ao público de uma forma diferente, ainda que tendo a música e a orquestra como elementos principais. O sonho começou a se tornar realidade quando conheceu a artista Gabriela Muñóz. Com experiência em teatro, circo e ópera, Gabriela é criadora da palhaça Chula.The silence of sound conta a história de uma protagonista silenciosa que gradualmente descobre, explora e desenvolve seu próprio potencial criativo com a ajuda da música. Seus companheiros são os instrumentos da orquestra: o fiel oboé, o dedicado violoncelo e o temerário e sedutor violino, que a acompanham até o final da aventura.

O recém-lançado álbum “Corpo Fechado, Mente Aberta”, do rapper Thaíde, é um projeto com 13 faixas que reafirma seu papel pioneiro no hip-hop nacional, ao mesmo tempo em que abre espaço para novas conexões e sonoridades. Antes da chegada do álbum, Thaíde apresentou o single “O Nosso Rap”, com participação de MV Bill, e lança ainda “Pega a Visão”, com Djonga. As duas músicas antecipam o tom do disco, que mescla reflexão, celebração e homenagem às raízes da cultura negra brasileira.

No seu cinquentenário, o Grupo Corpo sobe a correnteza: o novo balé, Piracema, evoca o recomeço e a determinação de criar vida nova, no fenômeno da dura jornada dos peixes rio acima, rumo ao local da desova. A coreografia de Rodrigo Pederneiras e Cassi Abranches dá corpo à música de Clarice Assad, autora da trilha inédita, que produz a ambiência de uma natureza indomável e resiliente. O programa traz ainda Parabelo (1997), com música de Tom Zé e José Miguel Wisnik, um retrato em som, cor e movimento da vida sertaneja brasileira, com suas asperezas, sua fé e sua têmpera.

Inspirado na série homônima exibida no Disney+ e no YouTube, o musical infantojuvenil Os Óculos Mágicos de Charlotte conta a história de uma menina que, ao ganhar um par de óculos da Fada Belle, passa a enxergar o mundo como ele poderia ser: mais justo, colorido e gentil.

Espetáculo propõe reflexões sobre ciência, identidade, polarização e os limites entre o público e o privado em tempos de redes sociais. Quando a ciência e a fé colidem, quem deve decidir?Em um hospital de ponta, uma médica se vê no centro de uma tempestade ética e social após tomar uma decisão em meio a uma emergência delicada. O caso, inicialmente clínico, ganha dimensões públicas e pessoais, à medida que questões deidentidade, preconceito, religião e poder entram em cena.O espetáculo A Médica, do dramaturgo e diretor britânico Robert Icke, é uma livre adaptação da peça Professor Bernhardi (1912), de Arthur Schnitzler. A montagem traz à cena questões sobre ética profissional, valores religiosos e os limites da medicina em um mundo inundado pelas redes sociais.

Após 3 anos da sua última vinda, a dupla britânica SEAFRET, formada por Jack Sedman e Harry Draper, voltará ao Brasil para um show em São Paulo, no Cine Joia, no dia 24 de agosto (domingo), como parte da sua nova turnê de grandes hits. No repertório, eles irão cantar todos os sucessos dos seus três discos de estúdio, "Tell Me It's Real" (2016), "Most Of Us Are Strangers" (2020) e "Wonderland" (2023), incluindo os hinos "Atlantis", "Oceans", "Wildfire" e "Loving You", além de algumas músicas inéditas.

A exposição é primeira panorâmica institucional da artista e apresenta uma reunião significativa de séries até hoje raramente vistas em seu conjunto, além de um expressivo grupo de obras pouco conhecidas. A visita começa pela série Quadrus Negrus (1986), com mais de 20 trabalhos fundamentais de Ledora. Obras como Casa em amarelu (1986) marcam o início do trabalho de experimentação de linhas e cores, base para toda a sua produção artística. Nas obras, o giz pastel seco faz o traçado de triângulos, retângulos e fendas em linhas secas sobre o papel Carmen preto, item raro à época de produção da série.Ao caminhar pela exposição, o público encontra diferentes núcleos que parecem irradiar da parede de Quadrus Negrus, norteadora da exposição. Podem ser vistos conjuntos de trabalhos mais orgânicos, com obras como Casa em Amarelu (1989) e Objeto colorido II (2020). Paisagens, arranjos, casas e jardins são motivos recorrentes na produção da artista, mas a delicadeza dos detalhes, das cores e composições leva a atenção do espectador para muito além da representação.

A exposição propõe um mergulho na trajetória da arte circense no Brasil, revelando sua arquitetura nômade, seus personagens emblemáticos e sua importância como patrimônio cultural e afetivo do paísDe forma lúdica e interativa, o público é conduzido por um percurso sensorial que combina fotografias, vídeos, objetos históricos, maquetes e instalação holográfica, destacando a força simbólica e estética do circo ao longo dos séculos.

A exposição A Ecologia de Monet explora o vínculo entre o icônico artista impressionista Claude Monet (Paris, França, 1840—1926, Giverny, França) e o meio ambiente, integrando o programa curatorial do museu para 2025 dedicado ao ciclo de Histórias da Ecologia.A relação do pintor impressionista com a natureza abrange toda a sua obra, tornando-se mais complexa ao longo dos anos. O artista se dedicou à pintura de paisagem desde sua produção inicial, das cenas marítimas na Normandia, ao norte da França, ou da Floresta de Fontainebleau, até suas pinturas em série realizadas a partir de seu jardim em Giverny durante suas últimas décadas de vida.

Hulda Guzmán (Santo Domingo, República Dominicana, 1984) é reconhecida por retratar, por meio da pintura, seus arredores tropicais e caribenhos enquanto explora planos, perspectivas e realidades, povoadas por um elenco tecnicolor de seres humanos, animais, plantas antropomórficas e criaturas imaginárias. A exposição aborda a relação de Guzmán com a paisagem impressionista, destacando sua contribuição ao gênero ao mesclar a paisagem com características arquitetônicas, realismo mágico e muralismo mexicano.As narrativas em suas telas ocupam realidades contraditórias e oníricas. Personagens descansam em praias paradisíacas ao lado de apartamentos abandonados, dançam em pistas que se estendem até a floresta tropical e perseguem demônios por interiores elegantes

A dupla australiana The Veronicas se apresenta no Cine Joia, como sideshow do festival I Wanna Be Tour.

Atividade livre de experimentação tátil e visual com massinhas de modelar (atóxica).Para crianças a partir de 2 anos de idade acompanhada de adulto responsável.

Como o trabalho molda nossas relações, nossa saúde e até nosso senso de identidade? É a partir dessa provocação que nasce a comédia dramática “Dá Trabalho!”, espetáculo quereúne os criadores Cris Wersom, Juliana Rosenthal e Paulo Azevedo. Eles usam o humor como ponto de partida para tratar de temas cada vez mais presentes na vida profissional: burnout, redes sociais, saúde mental e masculinidade tóxica.

Três mulheres, 40+, presas em um elevador. Dezessete minutos sem sinal, sem ventilação e sem filtro. Assim começa Mulheres em Chamas, espetáculo que estreia no Teatro UOL.Criado e protagonizado por Camila Raffanti, Juliana Araripe e Miá Mello, – nomes ligados a sucessos como Mãe Fora da Caixa e Confissões das Mulheres de 30 –, o espetáculo, com direção de Paula Cohen, traz à cena um tema urgente e ainda pouco representado: a menopausa. Com humor, franqueza e sensibilidade, a peça quebra o silêncio sobre uma fase que atravessa a vida de todas as mulheres, mas que ainda é cercada de tabu e desinformação.

Mais do que celebrar as relações entre Brasil e França, este programa oferece um panorama da música coral francesa ao longo de pouco mais de cem anos. Do ocaso do Romantismo à chegada do Modernismo, e da esperança no século XX, passando pelas incertezas e destruição das Grandes Guerras, as ilusões, tensões, frustrações e tentativas de ressignificação do mundo se refletem na produção musical desse período.Jean-Yves Daniel-Lesur (1908-2002) foi um dos fundadores, em 1936, do grupo La Jeune France, cujo objetivo principal era escrever uma música mais humana, próxima do público e menos abstrata. Le Jardin Clos integra Cantique des Cantiques (1952), principal obra do compositor.Embora tenha falecido muito jovem, Lili Boulanger (1893-1918) deixou importante contribuição como compositora. Sous Bois (1911), para coro misto e piano, sugere uma atmosfera naïf e nostálgica, que contrasta com as tensões políticas e sociais que se evidenciavam no período e que conduziriam o mundo à Primeira Guerra Mundial.Aluno de Nadia Boulanger, irmã de Lili, Jean Françaix (1912-1997) escreveu obras equilibradas, claras, bemhumoradas e, por vezes, satíricas. Em Trois Poèmes de Paul Valéry (1982), Françaix evidencia as aliterações, assonâncias e todos os ricos detalhes dos textos do poeta, ao mesmo tempo que mantém o seu estilo composicional.Em Choeur des Elfes (1899), Pauline Viardot (1821-1910) mostra sua faceta menos conhecida: a de compositora. Cantora e pianista de ascendência espanhola, Viardot nasceu em uma família de músicos – sua irmã, Maria Malibran, é uma das maiores divas da história da ópera. Viardot enfrentou corajosamente os ditames da época, mantendo sua atividade como musicista após o casamento.A obra de Claude Debussy (1862-1918), que inaugurou a música moderna nos últimos anos do século XIX, é apresentada em dois momentos: Trois Chansons de Charles d’Orléans (1898), sua única composição para coro a cappella, mostra o compositor já em sua fase modernista; e a versão para coro de Beau Soir (1891), canção contemplativa sobre poema de Paul Bourget, traz um Debussy que ainda caminhava em direção ao século XX.Francis Poulenc (1899-1963), integrante do Les Six – importante movimento da vanguarda francesa no entreguerras –, constitui em Sept Chansons (1936) sua maior obra para coro misto e uma das mais importantes de sua produção.Nessa série, o compositor resgata elementos da escrita de Léonin, Pérotin, Machaut, Josquin des Prez e Monteverdi combinados a técnicas de composição observadas em Debussy, Ravel e Stravinsky.Obra mais antiga do programa, Les Djinns (1876) é uma das poucas composições corais escritas por Gabriel Fauré (1845-1924) a partir de texto profano. Foi Fauré, aliás, quem realizou a transição do século XIX para o XX na música francesa, abrindo caminho para os modernistas Debussy, Ravel, Poulenc e todos aqueles que os sucederam.

Zoe Zeniodi, destacada maestra da Grécia, dirige o El Sistema de seu país e tem conquistado prêmios e bolsas que apoiam a regência de mulheres pelo mundo. Em sua estreia com a Osesp, interpreta a música de uma das mais importantes compositoras brasileiras, Marisa Rezende. Sua obra Vereda foi encomendada e estreada pela Osesp em 2003, e desde então tem estado no programa de orquestras brasileiras.A francesa Louise Farrenc é outra compositora que, apesar do respeito que conquistou em vida, teve sua obra esquecida após a morte. Exímia pianista, foi a primeira mulher a ocupar uma vaga de professora no Conservatório de Paris, em meados do século XIX. Além de diversas peças para piano e música de câmara, Farrenc deixou três sinfonias. A segunda delas parece olhar o passado imediato, evocando Mozart e Beethoven. O concerto se encerra com Sheherazade, de Rimsky-Korsakov. Episódios das Mil e uma noites inspiraram essa suíte sinfônica, que é costurada por belas passagens ao violino solo, que representa a voz da narradora da obra árabe.

"CAMINHOS SELVAGENS" é o disco e espetáculo que comemora os 15 anos de carreira de CATTO. Com letras confessionais, arranjos intensos e uma performance vocal hipnotizante, a artista apresenta um show poderoso e visceral, onde o rock serve de fio condutor para emoções à flor da pele. No repertório, canções do seu mais novo álbum se misturam com faixas marcantes de trabalhos anteriores, incluindo seu aclamado tributo a Gal Costa.

Zoe Zeniodi, destacada maestra da Grécia, dirige o El Sistema de seu país e tem conquistado prêmios e bolsas que apoiam a regência de mulheres pelo mundo. Em sua estreia com a Osesp, interpreta a música de uma das mais importantes compositoras brasileiras, Marisa Rezende. Sua obra Vereda foi encomendada e estreada pela Osesp em 2003, e desde então tem estado no programa de orquestras brasileiras.A francesa Louise Farrenc é outra compositora que, apesar do respeito que conquistou em vida, teve sua obra esquecida após a morte. Exímia pianista, foi a primeira mulher a ocupar uma vaga de professora no Conservatório de Paris, em meados do século XIX. Além de diversas peças para piano e música de câmara, Farrenc deixou três sinfonias. A segunda delas parece olhar o passado imediato, evocando Mozart e Beethoven. O concerto se encerra com Sheherazade, de Rimsky-Korsakov. Episódios das Mil e uma noites inspiraram essa suíte sinfônica, que é costurada por belas passagens ao violino solo, que representa a voz da narradora da obra árabe.

Playing For Change, coletivo musical global dedicado a inspirar e conectar o mundo por meio da música, apresenta-se na Casa Natura Musical,Reconhecida mundialmente por seu som que atravessa fronteiras e estilos, a Playing For Change Band reúne músicos de diferentes culturas e origens para celebrar a união, a paz e a transformação positiva através da música. Suas apresentações são marcadas por uma energia contagiante, diversidade sonora e mensagens que tocam o coração do público.A formação conta com artistas de destaque como Mermans Mosengo e Jason Tamba (República Democrática do Congo), Clarence Bekker (Holanda), Tula Ben Ari (Israel), Titi Tsira (África do Sul), Keiko Komaki (Japão), Paulo Heman (Brasil), Robin Moxey, Claire Finley e o convidado especial Franklin Vanderbilt (Estados Unidos).

Jurandir é um homem comum, íntegro, batalhador, que um dia vê sua vida mudar após recusar, e depois aceitar, uma proposta milionária para divulgar uma casa de apostasonline. A partir dessa escolha, ele mergulha numa espiral de lembranças, dilemas morais e questionamentos sobre sucesso, fama e dinheiro. Partindo da Teoria do Medalhão, deMachado de Assis, a história atualiza o conto para expor os bastidores de uma sociedade onde parecer vale mais do que ser, e onde a linha ética entre ganância e ambição é cadavez mais turva. Tudo isso costurado por música ao vivo, bom humor e uma linguagem que mistura stand-up, teatro e crítica social. BET BALANÇO é uma tragicomédia contemporânea sobre o preço das escolhas num mundo que transformou a influência em moeda e a vaidade em virtude.

É noite de lançamento da invenção farmacêutica mais ousada da década: a autoestima do homem hétero, sintetizada em pílulas. Carina, a criadora da fórmula, revela ao público os componentes do medicamento, reencenando situações hilárias e dando vida aos personagens masculinos que serviram de “matéria-prima” para sua criação que promete revolucionar o mundo. O problema é que ninguém estava preparado para as consequências… nem ela própria!

Memória, ancestralidade e resistência conduzem a trama de Macuco, espetáculo que estreia no Sesc Pinheiros. Com dramaturgia de Victor Nóvoa e direção e cenografia de Luiz Fernando Marques (Lubi), a montagem é protagonizada por Edgar Castro e Vitor Britto, e conta com a participação especial da atriz Cleide Queiroz em vídeos e direção de produção de Helena Cardoso. Na peça, Sebastião é um entregador de aplicativo que se aproxima da velhice enquanto carrega memórias que insistem em reaparecer. Um incêndio criminoso ocorrido há mais de 50 anos o forçou a deixar a vila de pescadores onde nasceu. Em sonho, uma revoada de macucos - pássaros da Mata Atlântica ameaçados de extinção - anuncia que sua mãe, Cleide do Ilhote, está em risco por causa de um novo incêndio. A partir daí, ele inicia uma jornada de retorno à ilha onde cresceu, confrontando o apagamento de sua ancestralidade, a destruição de sua comunidade tradicional e as marcas da repressão sofrida na infância, incluindo sua relação homoafetiva com Bernardo.

Acontece na Sala São Paulo a sexta edição da temporada de encontros entre o popular e o erudito. A cada edição, dois artistas da MPB se apresentam juntos da São Paulo Big Band.

Após uma edição de sucesso em 2024, o festival Emo I Wanna Be Tour volta a São Paulo com atrações nacionais e internacionais. Fall Out Boy, Good Charlotte, Yellowcard, Story Of The Year, The Maine, The Veronicas e Neck Deep serão as atrações internacionais que farão parte do line-up. Os brasileiros Fresno, Forfun, Dead Fish, Gloria e Fake Number completam a programação.

São Paulo Surrealista - Corpo Antifascista é um ritual teatral dirigido por Marcelo Marcus Fonseca, que mergulha no surreal para retratar símbolos e fantasias de São Paulo. É uma ode à cidade e seus personagens, confrontando - em um jogo de imagens sobrepostas - as contradições e fantasias da metrópole.O espetáculo não conta necessariamente uma história. O que não significa que a peça não tenha uma dramaturgia sólida e uma linha narrativa. Para revelar a cidade real, nada é realista. Os textos são colagens emolduradas por imagens e figuras da metrópole, sejam elas reais ou distorcidas, tendo na música ao vivo um elemento essencial para traduzir sua pulsação. Mário de Andrade, Roberto Piva, Pagu, nativos, cidadãos comuns, ninfas e animais recebem o surrealista André Breton, observado por Antonin Artaud (dramaturgo francês, surrealista), para um mergulho na capital paulista, percorrendo Os Nove Círculos do Inferno de Dante Alighieri.

Marília Gabriela sobe ao palco para uma última entrevista — desta vez, como entrevistada. E quem comanda a conversa é alguém bastante familiar: seu filho caçula, Theodoro Cochrane. A peça se passa durante um programa de entrevistas ao vivo, no teatro, onde ficção e realidade se confundem, e o que parecia apenas uma conversa vira um jogo de tensão e revelações, explorando os arquétipos da relação entre mãe e filho.Feminismo, conflitos geracionais, etarismo e a fronteira entre o público e o privado atravessam o texto, que diverte e provoca. Sem a quarta parede, o público participa ativamente da montagem — e até responde ao clássico bate-bola, marca registrada de Marília Gabriela. Escrita por Michelle Ferreira e dirigida por Bruno Guida, a comédia dramática volta a São Paulo após passar por cidades como Rio de Janeiro, Porto Alegre, Brasília e Belo Horizonte, somando mais de 32 mil espectadores.

Paralém é uma ficção distópica que surgiu de um trabalho de pesquisa do Coletivo Roof. A trama se passa após uma tempestade solar que desativa toda a tecnologia mundial, forçando a humanidade a retomar modos de vida arcaicos. Nesse cenário, Bill, um jovem pseudocientista, ativa uma máquina do tempo e chega a Paralém — uma cidade enigmática, regida por mulheres e habitada por criaturas fantásticas. Com estética sombria e atmosfera onírica, o espetáculo propõe reflexões sobre tecnologia, espiritualidade e os limites da realidade.

O espetáculo A Comunidade do Arco-Íris, único trabalho do autor gaúcho Caio Fernando Abreu (1948-1996) voltado para o público infantil, traz pautas como a coletividade e a importância de se respeitar as diferenças.A obra ganhou uma montagem dirigida por Suzana Saldanha, sob supervisão de Gilberto Gawronski em 2024 e traz no elenco Bianca Byington, Raquel Karro, Tiago Herz, Lucas Oradovschi, Lucas Popeta, André Celant, Renato Reston, Patricia de Farias, Aisha Jambo (stand-in) e Maksin Oliveira (stand-in). Além disso, conta com participação especial em vídeo de Malu Mader na abertura do espetáculo.Na trama, brinquedos e seres mágicos decidem viver numa comunidade na floresta, longe do mundo dos humanos, onde não há poluição e nem consumo desenfreado. A chegada de três gatos a esse recanto de paz, provoca discussões sobre confiança, respeito, amizade e democracia.

A exposição imersiva propõe uma jornada que percorre o universo da ficção científica e da literatura fantástica e histórica criados por Julio Verne. A mostra, inédita no Brasil, faz uma imersão nas aventuras mais espetaculares do autor francês por meio de oito salas que exploram suas obras mais lendárias, como: Viagem ao Centro da Terra, 20.000 Léguas Submarinas, Volta ao Mundo em 80 Dias, Cinco Semanas em um Balão, A Casa a Vapor, Da Terra à Lua, entre outras.

Flávia Reis, que há 15 anos pesquisa o humor no gênero feminino, se apropria justamente da figura das mulheres conhecidas popularmente como neuróticas para satirizar os pequenos dramas da sociedade contemporânea, de forma crítica e com bastante ironia e acidez.A atriz se divide entre 11 personagens femininos, colocando uma lente de aumento nas figuras neuróticas do dia-a-dia. A trama é conduzida por uma terapeuta que, em uma palestra absolutamente equivocada sobre neuroses, apresenta tipos como a mulher que perde o próprio carro no estacionamento, a idosa pessimista que prevê o fim do mundo ao comer um tomate com agrotóxico e “Fernanda”, a cerimonialista que se atrapalha ao atender vários celulares ao mesmo tempo.

Júlia Rabello, Maria Clara Gueiros e Priscila Castello Branco conquistam o público em ‘Agora É Que São Elas!’, as atrizes se transformam em vinte personagens, entre femininos e masculinos, como protagonistas de nove esquetes escritos por Fábio Porchat.‘Agora é Que São Elas!’ se destaca pelo humor autêntico, com espaço para improvisação, aproximando o público de cada cena. E, como uma das linguagens mais dinâmicas do teatro, cada esquete pode ser interpretado de maneira diferente a cada apresentação, oferecendo à plateia a sensação de estar assistindo a um espetáculo exclusivo a cada vez.

Nas traiçoeiras montanhas da Transilvânia, um pacato corretor de imóveis britânico entra numa jornada alucinante a fim de encontrar um novo e misterioso cliente, que por um acaso é o mais aterrorizante e feroz monstro que o mundo conheceu: "Conde Drácula". Ao mesmo tempo, a famosa caçadora de vampiros Jean Van Helsing e sua trupe estão procurando por "Drac" da Transilvânia entre as terras longínquas da Inglaterra e de Londres até os confins

A retrospectiva de Andy Warhol que desembarca em São Paulo é a maior mostra dedicada ao artista já realizada fora dos Estados Unidos. Com curadoria de Priscyla Gomes e Amber Morgan, a mostra contará com mais de 600 obras, vindas do The Andy Warhol Museum (Pittsburgh/EUA), as quais estarão distribuídas em 2000 metros quadrados degalerias. Na extensa lista estão trabalhos icônicos do pintor, alguns dos quais sairão das paredes do museu pela primeira vez: Campbell´s Soup, Elvis, Mao, Marilyn, Michael Jackson e Pelé, são bons exemplos. Em “Andy Warhol: Pop Art!”, o público brasileiro terá acesso a pinturas de todas as fases da carreira, serigrafias, esculturas, fotografias, instalações de grande porte e filmes experimentais do artista. Grande expoente da Pop Art, movimento artístico caracterizado por se utilizar de elementos da cultura popular, Andy Warhol é considerado um dos artistas mais importantes do século XX. Sua produção rompeu as barreiras entre a vida cotidiana e a arte, de maneira irônica e criativa, numa explosão de linguagem visual queconquistou o mundo e reverbera até hoje.

Uma homenagem à luta, à alegria e à resistência das mulheres Guarani Mbyá: esse é o mote de Jaraguá Kunhague Ouga'a - O jogo das mulheres do Jaraguá, a nova mostra temporária do Museu do Futebol. A exposição celebra o futebol das mulheres Guaranis Mbyá da Terra Indígena Jaraguá, e apresenta a importância do jogo no contexto da resistência na manutenção do modo de vida indígena no meio urbano paulistano.