Na Pagode 90, a maior festa de pagode, vai tocar Só Pra Contrariar, Exaltasamba, Belo, Soweto, Art Popular, Katinguelê, Raça Negra, Revelação, Karametade, Molejo e muito mais.

O Lobo Mau está fazendo show de rock na Avenida Paulista vestido de Elvis Presley para ganhar seu dinheirinho, mas ele ainda está com a Chapeuzinho Vermelho, os 3 Porquinhos e o Pedro, de Pedro e o Lobo, "entalados" na garganta. Então ele tem uma ideia de um plano infalível e cria um "curso" muito especial na floresta. E adivinha quem são os alunos inscritos?

A montagem, concebida e dirigida por Muriel Vittorea, traz à cena um encontro entre fé, mito e teatro, conduzido pela poética das águas do rio Paraíba do Sul - lugar de nascimento da devoção católica à Nossa Senhora Aparecida. Mais que revisitar uma lenda, o espetáculo busca recriar um território cênico. O Auto de Aparecida traz forte influência da tradição dos autos populares com inspiração em obras de mestres da dramaturgia brasileira, a exemplo do paraibano Ariano Suassuna (1927-2014), pois reverencia o legado de O Auto da Compadecida por meio de um diálogo criativo, traçando um caminho particular.Nas margens de um rio, uma trupe de artistas conta histórias que brotam das águas. O Auto de Aparecida é a celebração de um Brasil que resguarda a força da cultura popular e o mistério das águas que contam e recontam histórias.

Após uma década de edições descentralizadas, em 2025 a 14ª Bienal Internacional de Arquitetura de São Paulo retornará para reunir, na Oca, um conjunto de respostas produzidas no campo da arquitetura em diferentes partes do planeta. Cinco eixos pautarão projetos, experiências, experimentos e discussões de transformação desse cenário que mirem a produção de cidades mais resistentes e resilientes, pois adaptadas aos extremos do clima e preparadas para retomar a vida após os desastres. Convidamos a sociedade a apresentar e desenvolver propostas concretas que unam os avanços da ciência do clima aos saberes ancestrais, combinando as novas tecnologias socioambientais a práticas e materiais tradicionais. Propostas que juntas nos ajudem a entender de quais arquiteturas precisamos para habitar um mundo além dos extremos.

O projeto Mestres do Futuro, que nesta edição contou com patrocínio da CAIXA, teve início em 2008, com oficinas realizadas em comunidades do interior do Maranhão e do Pará e, desde então, vem trilhando um caminho de valorização dos saberes tradicionais em diferentes regiões do Brasil.O projeto realiza sua primeira edição com todas as oficinas numa única região e se estabelece na maior metrópole do país, mantendo sua essência: promover a transmissão intergeracional de técnicas ancestrais e fortalecer a identidade cultural periférica. Além disso, o projeto visou a geração de renda dos aprendizes e suas famílias, além de contratar a grande maioria dos fornecedores e equipe do projeto na própria região.A exposição é o desdobramento público deste processo, mais do que mostrar os resultados das oficinas, ela convida o público a conhecer um mapa afetivo da região, onde o fazer manual, a tradição e a coletividade se entrelaçam para construir futuros possíveis.

“baTATA Show lê Ziraldo” é um pocket show intimista apresentado por Tata Fernandes, que une a leitura de trechos selecionados das obras infantis de Ziraldo com canções autorais da compositora. Criando um ambiente aconchegante, famílias e público geral são convidados a se envolver na magia da narrativa: Tata declama passagens carregadas de humor e poesia, criando pontes entre texto e música.O espetáculo segue com melodias que ecoam o espírito inventivo e alegre do Menino Maluquinho, estimulando as crianças a se encantarem pelo ritmo dos versos e convidando os adultos a resgatarem lembranças afetivas de sua própria infância. Destinado a homenagear a literatura de Ziraldo, o show cria um espaço de partilha, descoberta e renovação do repertório cultural infantil, encantando plateias de todas as idades.

Primeira grande exposição institucional da artista Marina Perez Simão, a mostra conta com cerca de 80 trabalhos entre pinturas, aquarelas e cadernos de estudos. Em suas obras, a artista explora luz, cor, textura e movimento, criando composições de forte impacto visual e emocional. Seu trabalho se destaca pela capacidade de envolver os sentidos, resultado de um enfoque sinestésico presente em toda a sua produção. A exposição propõe uma experiência de profunda interação com o público, convidando-o a um mergulho cromático e perceptivo em sua obra.

Frans Krajcberg (Kozienice, Polônia, 1821—2017, Rio de Janeiro, Brasil) foi pioneiro no cruzamento entre arte e ecologia, precursor em dar visibilidade às questões ambientais no território brasileiro. O artista trabalhou a partir de resquícios de troncos, cipós, raízes e madeira calcinada, explorando pigmentos naturais, para produzir obras em que os elementos naturais são a própria matéria de sua arte. Krajcberg provocou uma virada radical nas convenções da escultura, além de desafiar fronteiras entre desenho, gravura e pintura.Krajcberg chegou ao Brasil nos anos 1950, onde desenvolveu seu trabalho como artista. A partir dos anos 1960, passou a viajar à Amazônia e ao Pantanal, coletando resquícios de troncos em áreas de queimadas. Suas preocupações com o drama ambiental tornaram-se indissociáveis de sua arte. Engajou-se em denunciar queimadas e a violência do extrativismo desenfreado, conferindo ao seu trabalho um cunho altamente político

O Teatro Sérgio Cardoso será palco de Seis Atores em Busca de Sérgio Cardoso. A homenagem ao ator paraense acontece no espaço em que antes havia o Teatro Bela Vista, local em que o próprio Sérgio Cardoso (1925-1972) fundou sua companhia de teatro com Nydia Licia. O Teatro Bela vista foi demolido na década de 1970 e, em 1980, foi erguido em seu lugar o Teatro Sérgio Cardoso. A peça, que celebra o centenário de Sérgio, é uma criação da RIMA Coletiva. Com direção e dramaturgia de Rita Batata, o elenco é composto por Bárbara Arakaki, Bruno Lourenço, Felipe Ramos, Lilian Regina, Mariana Leme e Rafael Pimenta. A peça propõe uma metáfora provocativa: todos os intérpretes buscam ser Sérgio Cardoso, em um título que tem ressonância com a peça Seis personagens à procura de um autor, de Luigi Pirandello, na qual Sérgio Cardoso teve uma interpretação icônica com o personagem Pai.

Formada em 2009, a banda SEU PEREIRA E COLETIVO 401 surgiu da união de amigos que compartilhavam um transporte coletivo em comum, o ônibus 401, que cruza a capital paraibana até o bairro Altiplano. Essa vivência urbana e popular influenciou diretamente a sonoridade e a identidade do grupo, que mistura rock, baião, samba rock nordestino e funk paraibano em um som único e vibrante. O novo trabalho, seu terceiro álbum de estúdio, Obsoleto, reforça a essência rock do grupo, sem abrir mão da forte identidade poética e brasileira que sempre marcaram sua trajetória. Obsoleto traz um som mais orgânico e maduro, flertando com o retrô, mas se apresentando mais atual do que nunca. A faixa-título reflete essa proposta, reafirmando a capacidade da banda de se reinventar sem perder sua identidade.

A Galeria Luis Maluf apresenta uma mostra coletiva que parte de uma premissa: "existe uma constelação dentro de cada corpo e também fora dele". Com curadoria de Carollina Lauriano, a mostra reúne seis artistas em torno de um tema que pulsa: como pensar o corpo para além dos seus limites físicos?Pintura, escultura, instalação e imagem se entrelaçam em trabalhos que fazem da arte uma ferramenta para habitar o mundo com mais liberdade ou, pelo menos, com mais perguntas. A mostra propõe deslocamentos. Do olhar. Da linguagem. Da própria ideia de representação. E aponta o corpo como lugar de memória, fricção e possibilidade.A mostra conta com obras de Juliana dos Santos e Flávia Ventura, Ana Neves, Amanda Fahur, Guilherme Callegari e iah’ra.

Um dos nomes mais conhecidos do Reggaeton, o cantor porto-riquenho apresenta em uma data única o show da turnê Cosa Nuestra.

Programa a ser anunciado

NOG apresenta o show de lançamento do seu novo álbum “Quando Os Caminhos Se Confundem”, um projeto que pode ser considerado um divisor de águas na carreira solo do artista.O show contará com os artistas que participaram como: Djonga, Salvador da Rima e Dudu e também com nomes de peso fizeram parte de sua trajetória como: Kawe, Haikaiss e Kant.A abertura fica por conta de Franco, The Sir!, que aquece o público com sua força e originalidade.No repertório, além das músicas do novo álbum, NOG revisita hits que marcaram sua trajetória, tanto com os artistas que irão participar do show, quanto nos tempos de Costa Gold, grupo que projetou seu nome no rap nacional.

A Parte 3 da LØVE chega ao Edificio Martinelli.

A noite atravessa as vertentes: house, tech house, deep e progressive. No comando da cabine teremos Fancy Inc., dono de grande produções com Vintage Culture, Carol Fávero, nome que vem se destacando nas principais festas nos últimos anos e Ragie Ban, com seu recente lançamento ao lado do artista internaciona Chris Lake. Bassa encerra a noite.

A vastidão da obra de Cruz e Souza, poeta simbolista brasileiro, filho de escravos, que se tornou intelectual engajado na causa abolicionista do século XIX, revela seu múltiplo universo de possibilidades, como o pessimismo, a sinestesia e o rigor formal, mas também elementos particulares como a presença da cor e a temática social, direcionando o apreciador de sua obra para caminhos que expressam sentimentos simbióticos - referências do curador convidado, Henrique Menezes, para exposição “Sob a febril agitação de um pulso”.A mostra apresenta obras dos artistas visuais Jesus José (GO), da fluminense Shay Marias (RJ) e de Rafaela Foz (SP), e percorre as diversas visões do cotidiano e os entrecruzamentos culturais, com trabalhos que fazem das cores preto e branco, contraste e vibração, por vezes plurais e desafiadoras, em meio à uma figuração que evoca a atmosfera noturna mística e reflete sobre o existencialismo da poesia simbolista, com sensibilidade para os aspectos contemporâneos que modificam a dinâmica das relações humanas.

Elias Jó é pianista com formação erudita e popular com 30 anos de carreira profissional. Apresenta nesse trabalho solo, um repertório de suas influências da MPB, que vão de Djavan até Tom Jobim, passando por João Donato, Ivan Lins, entre outros, sem esquecer do seu trabalho autoral no Elias Jó Quartet.

Indietronica é uma festa onde o indie dialoga com a eletrônica, abrindo portais que nos levam do new wave ao synth pop, do french house ao nu disco, e a tantos outros.Nesta edição, o destaque é um DJ set especial da banda Tagua Tagua, projeto do músico gaúcho Felipe Puperi, O line segue com Isadora Almeida, pesquisadora e curadora; Adan Stokinger; Bacon; Leandro Pakk; e Marçal Rigghi.

Em comemoração ao mês das crianças, a proposta feita por crianças, o grupo Esparrama inaugura a Cidade Brinquedo, onde o grupo de palhaços abre um "portal das novas ideias" no meio do cidade e transforma o espetáculo em um verdadeiro experimento, uma ocupação-brinquedo, guiada pelo lema "brincar, brincar, brincar até a cidade virar brinquedo!"Para que a cidade-brinquedo deixe de ser apenas uma ideia e se transforme em realidade, as crianças e os palhaços terão que debater com o atrapalhado Arquivaldo Regrário e seu misterioso chefe, descobrindo os limites e propondo novos combinados para que todos os cidadãos e cidadãs brincantes tornem essa ideia possível.

”Ambi Yaku” — expressão em quéchua que significa ‘água que cura’ — é a primeira exposição do artista colombiano Carlos Jacanamijoy no Brasil. A mostra evoca a relação vital entre natureza, espiritualidade e ancestralidade.Reconhecido como um dos principais nomes da arte indígena contemporânea nas Américas, Jacanamijoy apresenta uma série de obras inéditas, desenvolvidas durante uma residência de dois meses no Rio de Janeiro. Sua pintura carrega uma dimensão quase sinestésica: o artista pinta como quem compõe uma partitura visual, em que cores intensas e gestos se transformam em murmúrios, silêncios e explosões sonoras. Cada tela é um convite a um mergulho interior, um espaço de consciência e transformação.

Apartamento 61 e a Simões de Assis apresentam “Qualquer forma é outra forma”, exposição coletiva que reúne 23 artistas e 13 designers brasileiros de diferentes gerações, combinando peças de mobiliário e produções visuais emolduradas pela arquitetura, fora dos tradicionais âmbitos expositivos. Em “Qualquer forma é outra forma” encontramos a epítome da confluência-confusão entre arte, arquitetura e design, colocando a casa-galeria em diálogo com nomes fundamentais do mobiliário moderno e contemporâneo.As obras apresentadas envolvem diferentes materialidades e suportes. Em conjunto, elas ativam a arquitetura da casa e seus móveis, criando novas relações de escala, ritmo e percepção entre corpo, objeto e espaço.

A nova exposição de Iván Argote presta homenagem à cultura popular sul-americana a partir de uma investigação crítica da tradição dos monumentos. Argote monumentaliza a cultura compartilhada a partir de elementos cuja história foi elaborada pela ressignificação de ideias impostas por culturas dominantes.

A Casa Natura recebe um show de dois conterrâneos pernambucanos: Ave Sangria e Otto. Formada no início da década de 1970, em Recife, a banda Ave Sangria foi um dos grupos pioneiros do movimento musical conhecido como Psicodelia Nordestina, que uniu elementos da música psicodélica a ritmos tradicionais do nordeste brasileiro. Cantor, percussionista e compositor nascido no agreste pernambucano, Otto construiu ao longo de mais de três décadas uma trajetória que transita por maracatu, brega, manguebeat, samba, rock, eletrônica e outras influências, criando uma sonoridade singular.

Exposição individual do artista Paulo Nazareth na sede da galeria. A mostra apresenta-se como uma cartografia das narrativas de Nazareth e de suas linhagens –familiares, divinas e territoriais – que atravessam e são atravessadas por memórias.

Horizonte dourado, primeira individual de Ana Elisa Egreja na Almeida & Dale, tem curadoria de Lilia Schwarcz e apresenta uma série inédita de pinturas de pratos Duralex em composições com peças de jogos americanos, expandindo a investigação da artista sobre os objetos do ambiente doméstico e suas reverberações históricas e afetivas por meio de virtuosas representações de alimentos e dos efeitos do vidro. A mostra reúne, ainda, um conjunto de pinturas com aplicações de folha de ouro, criando diálogos entre a produção da artista e a representação pictórica na história da arte, mais especificamente a do período medieval. São naturezas-mortas e grandes cenas de interior nas quais motivos do cânone artístico e da cultura popular brasileira se misturam.

Seba Calfuqueo, artista chilena de origem mapuche, abre a individual Semilla (Semente em português) na Galeria Marilia Razuk. Uma mostra panorâmica de trabalhos recentes da artista, na qual aborda uma ampla gama de linguagens que atravessam sua produção visual, como as esculturas da série Imagen País, os desenhos da série Florescidas, o vídeo-performance Culpa, as pinturas de Tecnologías de la Imagen e as fotografias da série Esporas e Evocacion al pelo. A mostra é acompanhada de texto crítico de Eugenio Viola.

A Zielinsky apresenta, em sua sede de São Paulo, Entre o traço e o desvio, exposição individual da artista chilena Lotty Rosenfeld (1943–2020). A mostra conta com texto crítico da curadora chefe do Instituto Tomie Ohtake Ana Roman e abrange a trajetória da artista desde o período histórico em que se consolidou como uma das figuras mais engajadas e representativas da arte política e feminista na América Latina, na década de 1970, até suas produções mais recentes.

Primeira individual de Brisa Noronha na galeria. Na exposição, a artista apresenta uma instalação inédita, composta por distintos conjuntos de esculturas feitas em porcelana e arame de latão, além de uma série de pinturas.

Exposição individual da artista portuguesa Leonor Antunes. Na mostra, Antunes dá continuidade à sua pesquisa que estabelece diálogos entre escultura, arquitetura, design e práticas artísticas do século XX, com ênfase em artistas modernistas historicamente negligenciadas.

A tradicional festa de Halloween da cantora e drag queen Pabllo Vittar chega a sua sexta edição, data vez com o tema "Alice - Madness". A festa, além do show da cantora, também conta com a participação de DJs e performers.

Um dos nomes mais conhecidos e celebrados do rock, a banda Guns N´Roses se apresenta no Brasil, numa turnê com cinco datas no país. As apresentações fazem parte da turnê mundial “Because What You Want and What You Get Are Two Completely Different Things”.

Acontece na Sala São Paulo a sexta edição da temporada de encontros entre o popular e o erudito. A cada edição, dois artistas da MPB se apresentam juntos da São Paulo Big Band.

Chegou o mês das crianças e a Domingueira dos Bonecos conta com um show de rock com bonecos com a banda King Rock Shorts, um show com dinossauros, legos gigantes e muito rock. todos os domingos do mês, às 11h.

Bruna Longo acaba de morrer e procura elaborar o luto de si mesma – a única coisa que não podemos fazer empiricamente – enquanto reflete sobre a relação humana com a finitude, o tabu da morte na vida cotidiana e o processo de eliminação do rito fúnebre nas sociedades capitalistas ocidentais. O espetáculo é inspirado na morte recente do pai da atriz.

Uma câmera encara a atriz contra um fundo branco. Nervosa com a possibilidade de um novo trabalho, ela sorri com um sorriso falso e se apresenta: “meu nome é Laura Paro”. Em seguida, interpreta uma famosa passagem de A Gaivota, de Anton Tchekhov. Ambientada em um estúdio de testes para atrizes, a peça tem dramaturgismo de Ines Bushatsky e João Mostazo, e se vale de um texto bem-humorado para levantar questões sobre a precarização do trabalho no campo das artes cênica: do questionamento sobre o sotaque dito “neutro” à padronização das normas de atuação, passando pelas incertezas e dúvidas sobre a carreira que perpassam a vida da maioria dos profissionais das artes e espetáculos.

A partir do encontro com personagens “pássaros”, eles se lançam na busca de uma cidade ideal, suspensa entre céu e a terra, onde seria possível experimentar novas formas de convivência e liberdade. Inspirado livremente no livro As Aves, de Aristófanes, o enredo acompanha Evel e Pister em sua fuga do excesso de conexões digitais rumo a um território sonhado, onde as aves assumem protagonismo e questionam a vida urbana e suas lógicas de controle. Ao propor a criação de uma cidade nas nuvens, a encenação convoca não apenas crianças e jovens, mas todos os que ainda se permitem imaginar outros mundos possíveis, a refletirem sobre os caminhos da liberdade em meio às redes que cercam o cotidiano.

Comemorando os 115 anos do nascimento da cantora e atriz Carmen Miranda em 2024, a atriz Renata Ricci protagoniza o musical Carmen Miranda – Pra Você Gostar de Mim. O espetáculo tem direção de Celso Correia Lopes, direção musical de Reinaldo Sanches e texto de Guilherme Gonzalez. A peça narra um recorte na vida de Carmen Miranda, quando, já consagrada como uma das principais personalidades brasileiras nos Estados Unidos, retornou para um show no Brasil, no Cassino da Urca. Ao ser recebida pela elite carioca, ligada ao movimento integralista, ultranacionalista, a cantora foi vaiada por ter supostamente "se vendido ao governo americano."Sem saber deste contexto, a artista entrou numa tristeza profunda. É esse diálogo interior travado pela artista consigo mesma que surge no espetáculo, que mostra como teria sido a reação de Carmen no camarim do Cassino da Urca.

Experimentos do Invisível é um espetáculo de Teatro e Mágica que apresenta números impressionantes de leitura de mente, baralhos, dados e probabilidades. Na trama, um homem relembra o primeiro espetáculo de ilusionismo que assistiu, onde um mágico estranho e misterioso fazia números de tirar o fôlego.

Com a abundância dos registros das redes sociais, podemos ter esquecido esta experiência: a escolha de um cartão-postal de um lugar distante, a redação de uma mensagem, o envio. Os participantes vão ser convidados a confeccionar cartões-postais lúdicos, experimentando com materiais diversos. Poderão criar a partir de lembranças de passeios ou viagens e documentar memórias, ideias ou desejos ligados aos lugares que habitam ou têm visitado.Sobre o tema da memória, confira também conteúdos do nosso canal no YouTube. Destacamos a playlist da exposição A arte da lembrança, realizada em 2015, com falas sobre fotografia, e o vídeo “Memória: resgate, registro e resistência”.

Na exposição idealizada e produzida pela Elo3, os visitantes poderão conhecer obras site-specific de seis artistas de diferentes localidades do Brasil e que, em comum, tratam do universo híbrido e metamórfico. Ana Carolina Ralston, curadora do evento e pesquisadora de artes visuais, convidou neste ano Ayrson Heráclito, Leandra Espírito Santo, Luiz Zerbini e Rafa Bqueer. Pelo edital foram selecionados Licida Vidal e Leandro Lima. A mistura entre os universos sintético e orgânico — e todas as possibilidades de vida expandida que eles nos propiciam — será discutida nesta edição da Mostra 3M de Arte. Segundo Ralston, o biomorfismo, tema proposto aos artistas, revela-se como uma ferramenta potente para pensar essa reinvenção.

O ator-empresário Frazão convida Laudelina Pires, uma jovem atriz amadora, para ser a primeira-dama de sua companhia itinerante. Ao saírem em turnê pelo interior do país, os artistas se deparam com o Brasil dos coronéis, e passam a depender da boa vontade dos poderes locais para o sucesso de sua viagem. Com a alegria e a agilidade de uma comédia sobre rodas, os Mambembes convidam a todos para uma viagem ao mundo do teatro, um mundo em que jogo, trabalho e divertimento podem significar uma coisa só.

Criada pela ilustradora Suppa e Miguel Falabella, o musical infantojuvenil conta a história de uma menina que, ao ganhar um par de óculos mágicos da Fada do Dente.Na trama, Charlotte perde um dente de leite e, em troca, ganha da Fada do Dente um par de óculos mágicos. A partir daí, ela passa a enxergar o mundo como ele poderia — e deveria — ser. Ao lado de seus amigos e do seu cão Pelusso, Charlotte embarca em aventuras, revelando como atitudes simples têm o poder de transformar a realidade.Com uma linguagem acessível e cheia de camadas, Os Óculos Mágicos de Charlotte convida crianças e adultos a refletirem juntos sobre como olhar para o mundo com mais curiosidade, atenção e carinho.

Após a divulgação do compacto "NOVA ERA/OHAYO SARAVÁ", os compositores Sophia Chablau e Felipe Vaqueiro anunciaram um novo disco com lançamento marcado ainda em 2025. Nomes fortes da cena underground nacional, os dois artistas debutaram em bandas independentes que são sucesso de crítica e público. Em seu novo disco, Handycam, Sophia e Felipe se unem para criar um repertório inédito de canções ao lado do baixista Marcelo Cabral (Metá Metá, Elza Soares, Criolo) e do baterista Biel Basile (O Terno). Gravado e co-produzido no Estúdio Canoa por Gui Jesus Toledo.O nome Handycam não é à toa. A volta do uso desse tipo de câmera é lida pelos artistas como uma imagem que não é tratada ou pré-fabricada, mas autêntica, crua e cruel. Sophia Chablau e Felipe Vaqueiro vêm na contramão do que é produzido atualmente no mainstream e negam a invenção de uma nova realidade em high definition. Em vez disso, buscam registrar a realidade do mundo com a poesia e sinceridade necessárias para enfrentar momentos sombrios da humanidade.

Em Esquadrão Bombelhaço, espetáculo do grupo Circo Teatro Palombar, um batalhão de Bombeiros, composto por palhaços, conduz o resgate de um gatinho preso em cima de um muro. Esquadrão Bombelhaço é um espetáculo de circo baseado em desenhos animados, e que não possui falas. Com uma estrutura pensada para ocupação de espaços públicos, a montagem mistura clássicos do circo, como acrobacias aéreas, malabarismos, manipulação de objetos e elementos cômicos, em um espetáculo pensado para toda família.

Após curta temporada no Cemitério de Automóveis, o espetáculo Não Tem Meu Nome, monólogo escrito, dirigido e interpretado por Adelino Costa criado a partir da leitura do romance O Avesso da Pele, de Jeferson Tenório e Pertencimento: Uma Cultura do Lugar, de bell hooks faz temporada no Teatro Arthur Azevedo. Na peça, ator e personagem se fundem em uma narrativa que propõe reflexões urgentes a respeito das relações sociais e, sobretudo, humanas. Ao longo do processo criativo, o artista resgatou memórias de sua infância e observou os desafios enfrentados pela população local, como barreiras sociais, econômicas e geográficas. Essa imersão resultou em personagens inspirados em amigos de infância e no próprio autor, que exploram como as comunidades subalternizadas se adaptam para se encaixar em uma sociedade predominantemente burguesa e branca. A dramaturgia questiona a suposta universalidade dessa visão de mundo e revela suas camadas de opressão.

A Unibes Cultural apresenta ao público a exposição Exteriores, do consagrado fotógrafo brasileiro Bob Wolfenson. Composta por um conjunto de 53 fotografias, de média e grandes dimensões, a mostra apresenta uma crônica visual da diversidade humana, revelando corpos em movimento, expressões passageiras e instantes únicos capturados nas ruas de diferentes cidades ao redor do mundo.Ao longo de cinco décadas de carreira, Wolfenson consolidou-se como um dos maiores nomes da fotografia brasileira, conhecido por seus retratos de personalidades, imagens de moda e produções em estúdio. Em Exteriores, ele percorre o caminho oposto ao controle do ambiente fechado e mergulha na imprevisibilidade do espaço público, de tudo que lhe é “exterior”. O olhar do fotógrafo se volta para o acaso, para o fluxo das cidades e seus habitantes anônimos – pessoas atravessando faixas, distraídas em pensamentos ou em contato breve com a câmera.

O Museu A CASA do Objeto Brasileiro recebe a exposição Xingu: Reflexos Indígenas no Design Contemporâneo, resultado de um processo colaborativo entre a designer Maria Fernanda Paes de Barros, do escritório de design Yankatu, e os artesãos do povo Mehinaku, do Alto Xingu (MT), em uma potente confluência entre o design e os saberes indígenas. A exposição propõe uma imersão do visitante pelo território artístico dos Mehinaku, reunindo objetos tradicionais - como bancos zoomorfos, cestarias e esteiras - e peças inéditas desenvolvidas em conjunto com a designer.

Em uma Atenas tomada pela tensão entre tradição e pensamento livre, Sócrates — o filósofo que desafiava certezas e incitava a juventude a questionar — é arrastado ao tribunal. Acusado por 3 cidadãos atenienses de corromper os jovens e de profanar os deuses da cidade, ele enfrenta seu destino com ironia sagaz e lógica implacável. A trama aprofunda-se na prisão. Ali, Críton, seu amigo leal, oferece-lhe a fuga, uma chance de escapar de uma sentença injusta. . No derradeiro amanhecer, Sócrates recebe Xantipa, sua esposa, para um adeus. Depois, cercado por discípulos fiéis, ele conduz seu último diálogo: uma meditação sublime sobre a imortalidade da alma, a coragem perante o desconhecido e a beleza de uma vida vivida sem mentiras. Em vez de suplicar por clemência, defende a vida filosófica como um dever sagrado, transformando sua apologia num manifesto eterno sobre liberdade e integridade. Com texto de Regis de Oliveira, direção de Bruno Perillo e Luiz Amorim como protagonista, O Julgamento de Sócrates é um mergulho na essência humana: o conflito entre convicção e conveniência, o preço da verdade e o legado de quem escolhe morrer de pé para que suas ideias vivam para sempre.

A exposição Laboratório da Cor, idealizada pelo Grupo de Pesquisa Estudos Cromáticos, reúne obras dedicadas à reflexão sobre a cor como elemento fundamental para os novos entendimentos da produção contemporânea em artes. São trabalhos em diversas linguagens e em variados materiais e suportes, onde a cor se manifesta mediante práticas distintas. A curadoria é dos professores Marco Giannotti (USP), Paloma Carvalho (UERJ) e da mestranda pela USP, Julia Hallal.O grupo, criado na Escola de Comunicações e Artes (ECA) da USP, e hoje multiinstitucional, dedica-se ao fomento e à divulgação de pesquisas sobre produções artísticas contemporâneas, resultado de investigações pessoais, de orientações em salas de aula nas instituições envolvidas e na formação de alunos de pós-graduação.

A mostra Flexões de Espaço e da Cor de Marcus Vinícius apresenta três séries que mostram a pesquisa do artista sobre como a cor pode potencializar suas relações e propriedades e encontrar unidade e sentido com a estrutura física da obra.Além da cor, o espaço também é estudado pelo artista que, na feitura das obras, se debruçou sobre os problemas construtivos e suas possibilidades de solução, com novos desdobramentos. Suas obras dialogam com o universo da indústria, sem, no entanto, estarem de todo entregues a ele.

A exposição "Mundo Zira" chega ao Anexo do CCBB trazendo uma jornada interativa e imersiva pelas criações mais celebradas de Ziraldo, com áreas temáticas dedicadas a clássicos como 'Flicts', 'O Menino Quadradinho' e 'A Turma do Pererê'. O percurso da exposição incentiva a criatividade e a imaginação, com um design que mescla painéis projetados e artes gráficas, criando uma imersão total no “Mundo Zira”. Adultos e crianças poderão interagir com o universo fascinante dos personagens, vivenciando de perto histórias inspiradoras da literatura infanto-juvenil brasileira. Além disso, os visitantes são convidados a cocriar e personalizar a arte de Ziraldo, adicionando seu toque individual às composições digitais.

A peça é baseada no romance homônimo que fascina e atordoa ao mostrar como um amor perdido pode nos tirar do prumo. Aqui, o amor entre dois homens, com um retrato sobre o universo LGBTQAP+ destes tempos. O fim de um relacionamento e a não aceitação deste fato são o ponto de partida do premiado romance de Flavio Cafiero, vencedor do prêmio APCA de Literatura de 2021, que originou o espetáculo adaptado e dirigido por Ester Laccava, protagonizado por Vinicius Aguiar.

Sob a influência do cínico Lorde Henry, Dorian faz um pacto para manter sua juventude e beleza, enquanto seu retrato, pintado pelo dedicado Basílio, envelhece e acumula as marcas de seus atos questionáveis.Esta adaptação objetiva trazer uma nova luz à obra de Wilde, enfatizando as relações homoafetivas e questionando os padrões de beleza que afetam de maneira homens gays, homenageando a ousadia de Wilde, mas também provocando uma reflexão crítica sobre a influência da superficialidade na vida moderna.

Montada em mais de 20 países, O FILHO ganha sua montagem inédita no Brasil.Nicolas é um jovem de 16 anos, apresentando sinais de depressão. Filho de pais separados sente-se perdido, troca a casa da mãe (Maria Ribeiro) pela do pai (Gabriel Braga Nunes). Quem poderá compreendê-lo? Os pais, os médicos? Na peça O FILHO, o dramaturgo francês Florian Zeller mergulha na teia complexa das relações familiares para refletir sobre os mistérios da mente e a dificuldade em encontrar um sentido para a vida.

Zé Ibarra chega à Casa Natura Musical com o show “Afim”, o artista apresenta o repertório de seu segundo álbum solo, lançado via Coala Records. O trabalho marca uma virada estética e emocional na trajetória do cantor, compositor e multi-instrumentista carioca.No novo show, Zé traz composições próprias e releituras de nomes da nova geração da música brasileira, como Dora Morelenbaum, Sophia Chablau, Maria Beraldo, Tom Veloso e Ítallo França.

Cálculo para beijar o magma é a exposição inédita da artista mineira Luana Vitra, em São Paulo, na Mitre Galeria. Com texto crítico da pesquisadora Ariana Nuala, a mostra reúne esculturas, desenhos e colagens que observam os limites entre corpo e materialidade. A abertura acontece em plena semana da SP-Arte Rotas, um dos momentos mais pulsantes do calendário das artes na capital paulista.O ferro é o eixo central da pesquisa de Vitra – elemento vital presente no corpo humano, responsável por transportar oxigênio via hemoglobina, e também nas estrelas, que o geram até seu colapso em supernovas ou buracos negros. Em suas mãos, o ferro deixa de ser apenas matéria-prima: torna-se elo entre vida, natureza, ciência e cosmos.Ao mesmo tempo, o material carrega o peso histórico de Minas Gerais, terra natal da artista, onde a mineração, desde o período colonial, estrutura economias e territórios por meio da extração e da violência.

Espírito punk, guitarras arranhadas e vestidos floridos. Otoboke Beaver, quarteto feminino formado em Kyoto (Japão), foi responsável por iniciar performances de Jack White (ex-White Stripes), Green Day e Red Hot Chili Peppers. Realizada pela 30e, maior companhia brasileira de entretenimento ao vivo, a apresentação integra as ações de ÍNDIGO, label curatorial da empresa com foco em sons indie;

Ao longo de mais de 10 anos de pesquisa, o LABTD - Laboratório de Técnica Dramática - buscou entender os motivos pelos quais a ditadura ainda define a sociedade brasileira. Mural da Memória, novo trabalho da companhia, olha para o futuro e busca os efeitos da ditadura nos nossos corpos e nossa percepção de mundo. Em Mural da Memória, a Lei da Anistia é revogada e os desaparecimentos ocorridos durante a ditadura começam a ser julgados. Acusado de sumir com o corpo de três vítimas, um General 4 Estrelas é o primeiro a responder diante do tribunal. Embora a peça seja ficcional, ela foi construída a partir de muitas histórias reais.

Na exposição “Alberto Teixeira – 100 anos”, sob curadoria de João J. Spinelli, a mostra apresenta uma seleção de trabalhos que percorre diferentes momentos da produção do artista, permitindo ao públicoredescobrir aspectos centrais de sua trajetória e a evolução de sua linguagem pictórica ao longo de seis décadas.A exposição inclui trabalhos que cobrem diferentes fases do artista e o diálogo constante entre tradição e inovação em sua produção.

Em seu show de 1 ano do álbum Colinho, segundo trabalho de estúdio de Maria Beraldo, a artista convida para a celebração duas importantes participações do trabalho: Zélia Duncan e Negro Leo, que gravaram respectivamente “Matagal” e “Quem eu sou” no álbum, além de Juçara Marçal, parceira de Maria em “Baleia”, também registrada no disco.A programação também conta com DJ set de Thalin, artista principalmente reconhecido pelo lançamento do projeto Maria Esmeralda.

Nome de grande destaque no pop e no rock, a banda Imagine Dragons volta ao Brasil para apresentar a turnê mundial LOOM. O setlist conta com os grandes sucessos do grupo, como "Thunder", "Demons" e "Believer".

São Paulo recebe o início da turnê brasileira de Jorja Smith, que retorna ao país quase sete anos após sua estreia no Lollapalooza Brasil, em 2019. Desta vez, o público paulistano poderá vivenciar uma performance mais intimista e centrada no repertório de seu mais recente álbum, falling or flying (2023), no qual a artista mescla soul, R&B, UK garage e jazz com sua já conhecida força lírica e vocal.

Os Capitão Fausto regressam ao Brasil, no último trimestre de 2025, para uma série de concertos em várias cidades, com convidados muito especiais, que prometem tornar cada Espetáculo num momento único. Esta Digressão não é apenas um reencontro com um país que tem marcado a composição da Banda, mas também uma oportunidade para consolidar a sua presença junto dos fãs brasileiros e para conquistar um novo público que queira descobrir a Banda de Lisboa.

O artista Yan Copelli inaugura Oh,holihole, aonde Copelli apresenta um novo conjunto de esculturas e pinturas em que explora materialidades, improviso e narrativas visuais que transitam entre o sagrado, o lúdico e o cotidiano. A mostra concentra-se principalmente em esculturas em bronze e cerâmica —algumas mesclam os dois materiais— e entre pinturas que funcionam como pontos de respiro ao longo do percurso expositivo.

Uma festa temática de The Rocky Horror Picture Show, repleta de muita música boa, performances drag e um espetáculo único que mistura projeções, teatro e diversão ao som de DJs e performances ao vivo.

Na montagem brasileira, sob a direção e adaptação de Pedro Neschling, o público decide o final da trama. No elenco, estão Carmo Della Vecchia*, Douglas Silva, Fernando Caruso, Hylka Maria, Paulo Mathias Jr e Fafy Siqueira.A história se desenrola em um salão de beleza em Santa Cecília. Uma trama que começa com risos termina em assassinato de uma famosa cantora reclusa. O crime acontece a poucos metros dos clientes e funcionários do salão, todos com motivos ocultos e atitudes suspeitas. O público é convidado a participar da investigação, escolhendo coletivamente quem acredita ser o culpado. O resultado é um desfecho diferente a cada sessão, sempre fruto das decisões da plateia, em uma dinâmica leve e divertida.

Era uma vez, governando um longínquo reino, uma rainha conhecida por sua beleza e também por sua maldade. Entre seus segredos e feitiços, havia um antigo espelho mágico, que todos os dias, revelava se a malvada continuava sendo a mais bela de todas as mulheres. Certa vez, o espelho confessou a sua senhora que ela havia perdido o patamar que tanto amava, afinal, uma outra moça crescia em graça e beleza: Branca de Neve; que para sua infelicidade, era enteada da cruel rainha. Inicia-se então uma história envolvendo uma linda princesa, uma mulher invejosa, uma maçã envenenada e um beijo de amor verdadeiro.

Bela, uma jovem inteligente e sonhadora, troca sua liberdade pela de seu pai (Maurice) que fica preso no castelo após se perder em uma viagem. Ao se tornar prisioneira da Fera, em seu castelo encantado, Bela descobre aos poucos que, por trás da aparência assustadora da Fera, existe um coração sensível e generoso. Com a ajuda dos criados encantados do castelo — que também foram vítimas do feitiço — nasce entre os dois um sentimento puro e verdadeiro, capaz de transformar tudo ao redor.

O casal, Sofía (Sophia Abrahão) e Pablo (Leandro Luna) estão morando juntos há quatro meses. Mas o que é um paraíso para ela é um inferno para ele. Pablo quer romper o relacionamento, não aguenta mais. Um desejo repentino e urgente que ele não sabe como resolver. Para isso, ele obriga Martin (Beto Schultz), seu melhor amigo, a morar com ele e sua namorada, para que ela, cansada de viver com um intruso, decida terminar o relacionamento. Uma semana, nada mais. É o tempo estipulado entre os amigos para concluírem o grande plano.Todos enfrentarão situações inesperadas e surpreendentes que revelarão facetas completamente ocultas de suas personalidades.

A mostra “Palavra e gesto” reúne trabalhos que surgem da intersecção entre pintura e escrita, com curadoria de Claudio Cretti.Os artistas Fabio Miguez, Marcelo Cipis, Maíra Dietrich, Marilá Dardot, Monica Barki e Rafael Alonso se debruçam sobre a potência gráfica da palavra, tensionando imagem e texto. “Palavra e gesto” explora a relação entre palavra e imagem tendo o gesto do artista como foco de interesse. A aproximação de obras de diferentes gerações e em diferentes mídias oferece um olhar ampliado de como a palavra escrita aparece como significante de interesse na arte contemporânea, criando sentido e deslocando significados.

No II Ciclo Expositivo de 2025, sob direção artística de Claudio Cretti, com abertura no sábado, a exposição “Substrato” apresenta a pesquisa de Carolina Colichio (Ribeirão Preto, 1977).A artista utiliza fragmentos e imagens de paisagens em cerâmica e pintura, buscando dar visibilidade a existências e propor uma mediação da matéria. Suas peças, que remetem a fósseis e minerais, convidam à percepção do potencial ilimitado das coisas, fomentando uma natureza comum e interconectada.

O Projeto 280X1020 recebe “É de SANTO, é de BARRO“, de Antônio Pulquério. A intervenção, que tem performance às 14h30 do artista no dia da abertura, subverte a lógica modular minimalista ao usar módulos artesanais de barro queimado. As peças, que remetem a Espadas de São Jorge ou Santa Bárbara, entrelaçam o terreno e o divino, refletindo o sincretismo cultural brasileiro onde santos católicos e divindades africanas se confundem. O texto de apresentação da mostra é de autoria de Tadeu Chiarelli.A intervenção “É de SANTO, é de BARRO”, inscreve-se nessa espécie de tradição que se consolida nas últimas décadas.

Com centenas de itens originais (incluindo roupas, instrumentos musicais, letras e manuscritos, entre outros), a exposição é dividida em mais de 15 salas, com uma cenografia exclusiva que proporciona ao público uma verdadeira imersão na vida e obra de Raul Seixas. A curadoria delineou a mostra a partir de 13 das mais aclamadas músicas do artista, com salas que promovem uma profunda experiência sensorial aos visitantes. O acervo da exposição é uma cortesia de Kika e Vivian Seixas, respectivamente, ex-companheira e filha de Raul.

Inspirado no pensamento do escritor e poeta francês Édouard Glissant, o trabalho foi desenvolvido com a ideia de que identidades e culturas não estão presas em único espaço, podendo se espalhar de forma simultânea em diversos locais. Interligando assim, o “aqui” e “lá”.A curadoria da exposição foi feita por equipes do MAM e do Instituto Tomie Ohtake e reúne obras de 18 artistas. Além de marcar o início de uma parceria entre os dois institutos, também é uma forma de manter de forma gratuita o acesso à arte, já que o MAM está fechado temporariamente, enquanto passa por reformas.

O sucesso off-Broadway Mães, o Musical (Motherhood, the Musical), com texto, letra e música de Sue Fabisch, desembarca no Brasil para temporada especial com versão brasileira de Anna Toledo e direção de Jarbas Homem de Mello. A narrativa se passa durante um chá de bebê, onde amigas compartilham suas experiências e desafios como mães. Dani, grávida do primeiro filho, recebe as amigas Júlia, mãe e advogada workaholic; Márcia, mãe de cinco filhos; e Tina, uma mãe separada que tenta equilibrar trabalho, família e divórcio. A comédia aborda temas universais sobre a maternidade, trazendo reflexões sobre os desafios e as alegrias dessa jornada.

Guiada pela proposta de contemplar públicos curiosos e diferentes formatos de eventos onde a música é a protagonista, a 30e criou o ÍNDIGO, um projeto que tem como objetivo (re)unir comunidades a partir de uma label curatorial com foco em sons indie, do underground ao mainstream. Um exemplo onipresente quando se trata de propostas musicais que conectam identidades, estilos e memórias é a banda californiana Weezer, característica que a tornou um nome emblemático do rock alternativo dos anos 1990 e que segue como referência até hoje.

A exposição mescla obras inéditas, releituras e trabalhos consagrados da artista Rivane Neuenschwander. Com curadoria da pesquisadora (Universidade Federal de Pernambuco/UFPE) e jornalista Fabiana Moraes e realização da equipe do IC, a exposição traz trabalhos de diferentes caminhos artísticos e em diferentes mídias, realizados ao longo dos últimos 30 anos. A inspiração trafega entre registros de manifestações diversas captadas por ela em solo firme, no espaço das redes sociais, em sonhos de crianças, em festas folclóricas e em observações subjetivas capturadas em suas andanças pelo país.

A exposição apresenta um acervo inédito de fotografias familiares tiradas majoritariamente pelo povo indigena Paiter Suruí, reunidas e digitalizadas pelo Coletivo Lakapoy. Esse acervo inclui cenas e retratos tirados desde a década de 1970, quando as câmeras chegaram ao território pelas mãos de missionários, mas passaram a ser utilizadas pela população local para registrar seu dia a dia. Além do acervo histórico, a exposição apresenta fotos e vídeos atuais, reforçando o papel da fotografia como importante ferramenta de afirmação dos direitos indígenas.As imagens do acervo histórico estavam armazenadas nas casas das famílias, guardadas em álbuns, caixas e estantes das diferentes aldeias do território indígena, localizado entre os estados de Rondônia e Mato Grosso. Para preservá-las, o Coletivo Lakapoy – grupo formado por comunicadores indígenas, com o apoio de não indígenas, com o objetivo de fortalecer a cultura Paiter Suruí – reuniu, catalogou e digitalizou as fotografias. Em 2021, o projeto foi publicado na revista ZUM e, em 2023, selecionado pela Bolsa ZUM/IMS, de fomento à produção artística. O resultado dessa pesquisa agora se desdobra nesta exposição.

A Companhia Teatro do Incêndio estreia a peça Dois Perdidos Numa Noite Suja, considerada uma das obras primas do autor e dramaturgo paulista Plínio Marcos.A trama mostra a convivência forçada entre dois homens em um quarto de pensão, o que gera uma tensão, levando-os a atitudes e decisões radicais para se livrarem de seus destinos traçados pela condição social.Tonho, que veio do interior e conta com instrução, viu-se perdido na cidade enquanto seu calçado estragou. Paco, semianalfabeto e a um passo da marginalidade, um músico que teve sua flauta roubada em uma bebedeira, ostenta um sapato novo que ganhou, exasperando o companheiro.

O Brasil é um dos maiores produtores e consumidores de memes do mundo — e agora também é o primeiro país a conceber uma exposição de grandes proporções dedicada a esse fenômeno. “MEME: no Br@sil da memeficação” explora arte contemporânea, cultura digital e crítica social em uma experiência curatorial inédita.A curadoria de Clarissa Diniz e Ismael Monticelli, com a colaboração do perfil de Instagram @newmemeseum, convida o público a explorar a memeficação como um dos modos mais potentes — e irônicos — de narrar o Brasil contemporâneo.A proposta curatorial rompe barreiras entre diferentes linguagens e repertórios culturais, reunindo nomes consagrados da arte contemporânea brasileira, como Anna Maria Maiolino, Gretta Sarfaty, Nelson Leirner e Claudio Tozzi, ao lado de criadores de conteúdo como Porta dos Fundos, Alessandra Araújo, Melted Vídeos, John Drops e Greengo Dictionary.

Os franceses da banda L’Impératrice carregam elementos de nu-disco, pop retrô e funk eletrônico na essência de suas composições. Apesar de suas raízes no Velho Mundo, os integrantes possuem um visual futurista, entregando performances enérgicas e dançantes para seu público. Atualmente, o grupo roda o globo com a Pulsar Tour — título do último trabalho de estúdio, de 2024 — e incluiu o Brasil, pela primeira vez, na rota de seus shows.

Refletindo sobre suas vivências e aprendizados a partir do Hip-Hop, Novo Testamento reúne 11 faixas que reafirmam o rap em sua forma mais pura, com lírica afiada e crítica social, transitando entre o boombap clássico dos anos 80 e a contemporaneidade do trap.Com participações de nomes como Alt Niss, KL Jay e Mu540, o álbum mescla sonoridades tradicionais às inovações de flow e escrita da artista, transmitindo a ideia de que muitas vezes a verdadeira revolução começa de dentro para fora.Empoderamento, liberdade e inovação marcam essa nova fase da carreira de AJULIACOSTA. Esse processo de autoconhecimento da artista foi uma verdadeira revolução em sua vida, o que abriu alas para um álbum, acima de tudo, honesto em sua completude e rebelde em sua intenção.

Deixar os problemas do lado de fora da pista para dançar, flertar e soltar o corpo é a meta de Onda, que se propõe a viajar por sonoridades vibrantes para se comunicar com o público. O estereótipo do MC combativo que expõe as mazelas sociais nas rimas e nos gestos dá lugar a um músico que nos conduz por uma jornada fluida como a maré ao longo de 14 faixas.De ritmos como pagodão baiano, afrobeat, black music, baião, amapiano e rap, Onda traz parcerias com artistas como Ivete Sangalo, Mestrinho, Luedji Luna, Marina Sena, Mano Brown e Ludmilla, refletindo a multiplicidade musical do disco. “É pop com referência da rua, da África, ancestralidade, Nordeste. É diferenciado para não ter cópia”, explica Rael.

Uma das bandas mais importantes da cena atual do rock americano, e que marcou os anos 2000, Linkin Park volta ao Brasil para três shows no país, dos quais um será em São Paulo.

Wicked é o prelúdio da famosa história de Dorothy e do Mágico de Oz, onde conhecemos a história não contada da Bruxa Boa e da Bruxa Má do Oeste. Na trama, Elphaba (Myra Ruiz) é uma jovem do Reino de Oz incompreendida por causa de sua pele verde incomum e por ainda não ter descoberto seu verdadeiro poder. Sua rotina é tranquila e pouco interessante, mas ao iniciar os estudos na Universidade, seu destino encontra Glinda (Fabi Bang), uma jovem popular e ambiciosa, nascida em berço de ouro, que só quer garantir seus privilégios e ainda não conhece sua verdadeira alma. As duas iniciam uma inesperada amizade; no entanto, suas diferenças, como o desejo de Glinda pela popularidade e poder, e a determinação de Elphaba em permanecer fiel a si mesma, entram no caminho, o que pode perpetuar no futuro de cada uma e em como as pessoas de Oz as enxergam.

O Mar não me Obedece é uma peça de teatro físico, dança contemporânea e performance que se constrói entre os limites de força e delicadeza, controle e entrega. Em cena, o risco é real: quedas e movimentos inspirados em artes marciais como aikidô, jiu-jitsu e judô se encontram com momentos de sutileza.Os textos se entrelaçam à fisicalidade e colocam em cena desde bactérias intestinais até a história de um rei que tenta castigar o mar, para revelar a teimosia humana em acreditar em verdades absolutas e buscar domínio sobre o que não pode ser controlado.

A exposição de Adriano Costa traz ao espaço suas experimentações com diferentes mídias e uma seleção de trabalhos desenvolvidos na última década.O título da exposição funciona como uma promessa ecoando a filosofia de Costa de encontrar beleza e significado precisamente nos momentos de quebra e transformação. Em sua prática, o desapontamento não é um fim, mas um ponto de partida para novas possibilidades de sentido.Ao trabalhar com objetos descartados e materiais em desuso, Costa revela as camadas de significado que emergem quando retiramos as coisas de seus contextos habituais, expondo nossa relação ambígua com aquilo que produzimos e posteriormente abandonamos.

QUERIDINHA é uma mulher que vive para amar e se moldar aos relacionamentos em que se envolve. Sem opiniões próprias, ela acaba absorvendo as personalidades dos seres amados como se fossem suas. Quando um relacionamento termina, a protagonista se vê vazia e desorientada, até encontrar um novo amor para admirar e servir.Nesta releitura do conto "A Queridinha", de Anton Tchékhov, a figura da mulher que ama demais é transpassada por camadas autobiográficas e ressignificada a partir de uma perspectiva contemporânea e crítica. O espetáculo coloca no centro da cena uma mulher sexagenária, figura frequentemente silenciada na produção cultural, ampliando vozes e experiências que refletem a diversidade de gênero, idade e afetividade da sociedade brasileira.

A peça Olhos nos Olhos, estrelada por Ana Lúcia Torre, celebra os 80 anos de vida e 60 anos de carreira desta, mesclando histórias de sua trajetória pessoal e profissional com a obra de Chico Buarque de Holanda. Letras de clássicos como Meu Guri, Beatriz, Geni e o Zepelim, Valsinha, Atrás da Porta e Olhos nos Olhos, entre muitas outras, compõem o roteiro.

Sucesso de público nas décadas de 1990 e 2000, com sessões lotadas em diversas cidades brasileiras, a comédia Aluga-se Um Namorado, escrita originalmente pelo inglês James Scherman e adaptada por Gustavo Klein, chega ao Teatro Multiplan MorumbiShopping para uma nova temporada. O espetáculo conta a história de Alex Schneider (Eri Johnson), um ator bem-humorado contratado por Sara (Ju Knust) para interpretar o papel de seu namorado, judeu e médico, diante de sua família, que segue rigorosamente as tradições judaicas. A farsa é armada porque, na verdade, o verdadeiro namorado de Sara não é judeu. A partir daí, desenrola-se uma comédia marcada por mal-entendidos e situações inesperadas. Será que os pais de Sara (Myrian Rios e Raymundo de Souza) e seu irmão Joel (João Lima Junior), um psicanalista atento, vão descobrir a verdade? E o verdadeiro namorado (Marcondes Oliveira), será revelado? Sara acabará se apaixonando pelo ator? O enredo gira em torno dessas perguntas, com doses de humor e reviravoltas.

Nesta montagem de Macbeth, dirigida pela multiartista Elisa Ohtake, a profunda conexão de Giuseppe Verdi com Shakespeare ganha nova vida. Embora não dominasse o inglês, Verdi viu na tradução italiana do bardo um verdadeiro tesouro, revolucionando a ópera italiana ao infundir seus personagens com a profundidade dramática e a intensidade vívidaque Shakespeare trouxe à dramaturgia inglesa. Verdi, homem de teatro nato, conduziu sua música de forma a criar uma atmosfera constante de mistério e angústia, sem permitir intervalos que pudessem interromper o envolvimento do espectador.Estreada em 1847 em Florença, Macbeth foi concebida durante o que Verdi chamou de seus “anos de galera”, uma fase em que batalhava para se afirmar no cenário lírico italiano. Com libreto de Francesco Maria Piave e acréscimos de Andrea Maffei, a ópera foi bem-recebida em sua première, mas desapareceu dos palcos por quase um século, em parte em razão das exigências do papel de Lady Macbeth, considerado um desafio extremo para as sopranos.Elisa Ohtake, conhecida por sua abordagem cênica contemporânea e ousada, dará nova luz à complexa história de poder, ambição e morte de Macbeth. Com uma formação diversificada em dança e teatro, Elisa já esteve próxima da obra de Shakespeare com sua instigante Peça para Adultos Feita por Crianças, na qual crianças interpretam Hamlet.

RICHARD KOGIMA foi definido pela crítica como criador de performances "memoráveis e reveladoras" (Gregory Sullivan, Theater Jones), “dotadas de variadas nuances, transparência e extrema concentração” (Südkurier, Badische Zeitung). Expoente talento de sua geração, distingue-se por sensível musicalidade e versatilidade, atuando como pianista, regente, compositor e improvisador.Natural de São Paulo, se apresenta regularmente como solista, camerista e regente nas Américas e na Europa em salas como Tonhalle Zürich, DR Koncerthuset (Copenhagen), Salle Cortot (Paris), University Aula (Oslo) e Sala São Paulo. Integrou festivais como o Emil Gilels e o Usedomer Musikfest (Alemanha), Festspillene i Bergen (Noruega), Campos do Jordão (Brasil), e Pärnu Music Festival (Estônia).MAR GIMFERRER, nascida em 2002, começou a tocar violoncelo aos 7 anos. Estudou em Barcelona com Joan Antoni Pich, com quem se formou com o Prêmio de Honra, aos 17 anos. De 2019 a 2022, foi orientada por Beatriz Blanco no Vorarlberger Landeskonservatorium e desde setembro de 2022, estuda com Thomas Grossenbacher Na Universidade das Artes de Zurique.

A obra de Joseca Yanomami (1971, Rio Uxi u, Terra Indígena Yanomami, Brasil) tem como ponto central a tradução da cosmologia yanomami em narrativas visuais, especialmente no desenho, dando corpo às histórias dos tempos ancestrais e às múltiplas dimensões da terra-floresta, conceito que vai além de um espaço físico e une a floresta, os rios, os espíritos, os animais e os humanos em um sistema vivo e interdependente, visível somente aos xamãs. É nessa atmosfera quase onírica que a Almeida & Dale inaugura, Urihi mãripraɨ – Sonhar a terra-floresta, individual do artista com curadoria de Bruce Albert, antropólogo franco-marroquino e autor, junto a Davi Kopenawa Yanomami, dos livros A Queda do Céu (2015) e O Espírito da Floresta (2023).

A obra de Almeida Prado (1943-2010), um dos mais importantes e prolíficos compositores brasileiros, é marcada por uma profunda religiosidade católica. Centrada no piano (que ele tocava eximiamente) e na orquestra, sua produção inclui tanto obras sacras quanto outras livremente inspiradas em elementos da tradição judaico-cristã. A fé do compositor se materializava para ele em visões místicas que teve em diversos momentos da vida, e que foram a força motriz para que escrevesse muitas de suas peças.Na juventude, Almeida Prado foi aluno de Osvaldo Lacerda e Camargo Guarnieri. Depois, partiu para Paris para estudar com Nadia Boulanger e Olivier Messiaen, compositor com o qual sua obra traça grande paralelo, tanto esteticamente como pela conexão devocional. Prado lecionou por muitos anos na Universidade Estadual de Campinas (Unicamp), onde os alunos se amontoavam para assistir suas aulas.Entre 1989-1990, Almeida Prado residiu em Jerusalém, Israel, como professor visitante da Academia Rubin de Música e Dança. A experiência o marcou profundamente, transformando e intensificando sua fé e inspirando a criação de novas obras, conectadas a um imaginário sobre a cidade e a cultura local na época de Jesus. Nesse período, o compositor teve também visões místicas de parentes queridos que já haviam partido, e isso o levou a compor uma peça absolutamente não usual: o Réquiem Sem Palavras para quarteto de cordas.Quando pensamos em um réquiem musical, imaginamos uma peça vocal escrita para grandes forças corais e orquestrais – como são as obras desse gênero, por exemplo, de Mozart, Verdi, Brahms ou Fauré. Nesse tipo de missa, tradicionalmente utilizada para homenagear um finado, a compreensibilidade do texto e a ilustração musical do sentido das palavras é particularmente importante. Almeida Prado propõe, então, um duplo desafio: seu réquiem é uma reza íntima para formação camerística, e nela os instrumentos devem “falar” os textos litúrgicos – não só utilizados aqui de forma integral em latim, mas acrescidos de um pai-nosso adicional.Composto em 1989, o Réquiem Sem Palavras ficou guardado na gaveta até 2006, quando Marcelo Jaffé, violista do Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo, soube de sua existência em um encontro com Almeida Prado na Rádio Cultura. O Quarteto encampou então a tarefa de produzir as partes da obra e estreá-la, recebendo a dedicatória do compositor. Ainda não gravada, a peça foi tocada poucas vezes, sendo esta uma oportunidade particular de ouvi-la.

Em 2015, Jaloo lançou seu primeiro álbum, #1, que mistura beats futuristas, letras confessionais e uma estética que dialoga tanto com o tecnobrega e a música amazônica quanto com a cultura pop global. O disco abriu caminhos para novas formas de experimentar o pop no Brasil e marcou uma geração ao propor um som inovador e, ao mesmo tempo, íntimo, com canções sobre identidade, amor e pertencimento.Agora, dez anos depois, Jaloo celebra essa trajetória com a turnê comemorativa #1 Dez Anos Depois, revisitando o repertório que a consagrou e trazendo novos arranjos para hits como “Ah! Dor”, “Insight”, “Last Dance” e “Odoiá”. O show propõe uma viagem no tempo: um encontro entre a energia que marcou a estreia de Jaloo e a maturidade artística que ela desenvolveu ao longo da última década.

Jonathas de Andrade apresenta um novo corpo de trabalho com obras totalmente inéditas em torno dos jangadeiros e canoeiros de Alagoas – sujeitos que fazem sua vida e trabalho através do mar do litoral e do Rio São Francisco, no sertão – e a relação com cores e abstração presentes nas velas e barcos. Com curadoria de José Esparza Chong Cuy, Permanência Relâmpago abrange três conjuntos de obras dentro deste universo a que Jonathas de Andrade vem se dedicando nos últimos meses. O título da mostra se refere ao nome de uma das jangadas fotografadas pelo artista, e que traduz poéticamente aspectos das vidas dos jangadeiros e canoeiros e que também toca nossas vidas de modo geral.

Roberto Carlos segue em turnê pelo Brasil e no exterior com o show "Eu Ofereço Flores" e apresentando muitos sucessos de sua carreira neste ano de 2025.Compondo tanto sozinho quanto ao lado do parceiro Erasmo Carlos, Roberto Carlos consolidou um gênero musical que consegue ser elaborado e simples, fazendo do seu estilo único no país e no mundo. Ao longo dos anos foi visionário muito antes de esses pleitos estarem hoje na pauta do dia.

A Gomide&Co apresenta a exposição Transe, coletiva organizada em parceria com Fernando Ticoulat, que também assina o texto crítico da exposição.Transe reúne artistas de diferentes gerações e abordagens – como Luiza Crosman, Antonio Dias, Rubens Gerchman, Karla Knight, Montez Magno, Cildo Meireles, Mira Schendel, Camile Sproesser, Megumi Yuasa, entre outros –, propondo um percurso que investiga como as práticas artísticas se constituem como meio ativo de reorganização dos sentidos, da linguagem e da percepção. A partir de trabalhos em diferentes linguagens e suportes, a exposição observa como processos técnicos e simbólicos dão estrutura à produção artística e estabelecem vínculos com transformações históricas, culturais e tecnológicas.

A banda de rap Planet Hemp se despede dos palcos com uma última turnê. O verso “Eu vou queimando tudo até a última ponta”, do Planet Hemp, surgiu despretensiosamente em meados dos anos 1990 durante uma conversa entre Marcelo D2 e Marcelo Yuka, do grupo O Rappa, em um posto de gasolina. Este trecho da música “Queimando Tudo”, do disco Os Cães Ladram Mas A Caravana Não Pára (1997), transcendeu os limites do álbum e passou a representar também o sentimento de comunidade e de afirmações políticas que mantêm a banda como uma das vozes mais relevantes da contracultura há mais de três décadas. Agora, a marcante sentença inspira o nome da turnê de despedida do grupo, A Última Ponta.