Julio Ernesto Estrada, conhecido como Fruko, é um dos nomes mais influentes da música latino-americana. Ao longo de mais de 40 discos, foi um dos pilares da salsa colombiana à frente do grupo Fruko y Sus Tesos, além de criador de projetos como Afrosound e Wganda Kenya, que fundiram cumbia, funk, soul, afrobeat, psicodelia e música tropical. Em 2024, Fruko uniu forças com a La Bonita, banda formada por jovens expoentes da cena de jazz de Londres, para revisitar repertórios menos conhecidos do mestre colombiano. O espetáculo, que celebra a colaboração intergeracional, é uma viagem musical que documenta e celebra o legado de uma lenda viva. O repertório inédito transita entre salsa, psicodelia tropical, cumbia e outros ritmos afrolatinos.

Pioneiro no país, o PIANOVERO é um coletivo artístico de pianistas que se caracteriza pela diversidade de seus integrantes e pela abordagem singular em suas apresentações, construindo pontes entre o repertório erudito contemporâneo, principalmente dos séculos XX e XXI, e novos públicos.O Coletivo PIANOVERO é um grupo independente que reúne pianistas profissionais e estudantes, realizando desde 2018 projetos especiais e multimídia com grande atração de público. O concerto “ZODÍACO - de Sons e Constelações” reúne 16 pianistas em uma interpretação de repertório diversificado e inovador, incluindo obras de compositores dos séculos XX e XXI, como Karlheinz Stockhausen (Alemanha), Luciano Berio (Itália), Almeida Prado (Brasil) e Alberto Heller (Argentina/Brasil). Cada compositor recriou este tema de forma única, produzindo peças que brilham como estrelas tocadas pelos dedos dos pianistas.

Espírito punk, guitarras arranhadas e vestidos floridos. Otoboke Beaver, quarteto feminino formado em Kyoto (Japão), foi responsável por iniciar performances de Jack White (ex-White Stripes), Green Day e Red Hot Chili Peppers. Realizada pela 30e, maior companhia brasileira de entretenimento ao vivo, a apresentação integra as ações de ÍNDIGO, label curatorial da empresa com foco em sons indie;

Ao longo de mais de 10 anos de pesquisa, o LABTD - Laboratório de Técnica Dramática - buscou entender os motivos pelos quais a ditadura ainda define a sociedade brasileira. Mural da Memória, novo trabalho da companhia, olha para o futuro e busca os efeitos da ditadura nos nossos corpos e nossa percepção de mundo. Em Mural da Memória, a Lei da Anistia é revogada e os desaparecimentos ocorridos durante a ditadura começam a ser julgados. Acusado de sumir com o corpo de três vítimas, um General 4 Estrelas é o primeiro a responder diante do tribunal. Embora a peça seja ficcional, ela foi construída a partir de muitas histórias reais.

Na exposição “Alberto Teixeira – 100 anos”, sob curadoria de João J. Spinelli, a mostra apresenta uma seleção de trabalhos que percorre diferentes momentos da produção do artista, permitindo ao públicoredescobrir aspectos centrais de sua trajetória e a evolução de sua linguagem pictórica ao longo de seis décadas.A exposição inclui trabalhos que cobrem diferentes fases do artista e o diálogo constante entre tradição e inovação em sua produção.

Em seu show de 1 ano do álbum Colinho, segundo trabalho de estúdio de Maria Beraldo, a artista convida para a celebração duas importantes participações do trabalho: Zélia Duncan e Negro Leo, que gravaram respectivamente “Matagal” e “Quem eu sou” no álbum, além de Juçara Marçal, parceira de Maria em “Baleia”, também registrada no disco.A programação também conta com DJ set de Thalin, artista principalmente reconhecido pelo lançamento do projeto Maria Esmeralda.

Nome de grande destaque no pop e no rock, a banda Imagine Dragons volta ao Brasil para apresentar a turnê mundial LOOM. O setlist conta com os grandes sucessos do grupo, como "Thunder", "Demons" e "Believer".

São Paulo recebe o início da turnê brasileira de Jorja Smith, que retorna ao país quase sete anos após sua estreia no Lollapalooza Brasil, em 2019. Desta vez, o público paulistano poderá vivenciar uma performance mais intimista e centrada no repertório de seu mais recente álbum, falling or flying (2023), no qual a artista mescla soul, R&B, UK garage e jazz com sua já conhecida força lírica e vocal.

O espetáculo reúne grandes nomes do frevo de rua em uma celebração que reafirma a vitalidade do gênero como expressão musical dinâmica e próxima do jazz, devido à sua improvisação e à sua energia coletiva. No palco, estarão: a maestrina Lourdinha Nóbrega, saxofonista, educadora e fundadora da Orquestra Só Mulheres; o Maestro Oséas Leão de Souza, ícone do Carnaval de Olinda à frente de blocos como Clube Elefante e Cariri Olindense; o Maestro Carlos Rodrigues da Silva, regente de cortejos icônicos como Homem da Meia-Noite e Vassourinhas; e o Maestro Lúcio Henrique Vieira da Silva, da Orquestra Henrique Dias, que também conduz um projeto comunitário de formação musical em Olinda. O show presta ainda homenagem ao Maestro Lessa, cuja contribuição foi fundamental para a difusão e preservação do frevo. Acompanhados pelo encontro de músicos de suas orquestras, os regentes conduzem o público por um repertório que alia tradição, técnica, improvisação e o espírito vibrante do carnaval pernambucano.

Com trabalhos que fazem do cotidiano, contraste e vibração parte essencial de suas pesquisas, o artista Caio Borges inaugura a exposição “Decoro”. Nesta série de trabalhos, Caio explora intervenções no centro da cena cotidiana das famílias, onde o decoro se coloca vivamente como questão e afetação que convive nos álbuns com todas as camadas de memórias e afetos. Seja adicionando elementos inusitados ou nas bricolagens digitais convertidas em enormes pinturas de cores saturadas e pinceladas urgentes, os cenários parecem recuar como plano de fundo em palco italiano, ou recortes de cartolinas coloridas de uma apresentação escolar com marionetes.

A exposição do Coletivo GRAO, intitulada Antes que Seja Depois tem curadoria de Allan Yzumizawa, faz intervenções que aproximam a arte do cotidiano da cidade.Formado por oito artistas diversos (Mariana Tescarollo, Pitanga, Daniel Chang, Hanna Kilsztajn, Nat Rocha, Lu Martins, Vinicius Almeida, Brunnin R), o coletivo explora diferentes linguagens e materiais. Os visitantes encontrarão instalações, lambe-lambes, obras sonoras, pinturas, esculturas e performances. Muitas delas são interativas e se relacionam diretamente com o centro de São Paulo. Ao mesmo tempo, essa ocupação também se propõe a revitalizar o espaço, contribuindo para fortalecer a presença das artes visuais nesse importante patrimônio da cidade.

Os Capitão Fausto regressam ao Brasil, no último trimestre de 2025, para uma série de concertos em várias cidades, com convidados muito especiais, que prometem tornar cada Espetáculo num momento único. Esta Digressão não é apenas um reencontro com um país que tem marcado a composição da Banda, mas também uma oportunidade para consolidar a sua presença junto dos fãs brasileiros e para conquistar um novo público que queira descobrir a Banda de Lisboa.

O artista Yan Copelli inaugura Oh,holihole, aonde Copelli apresenta um novo conjunto de esculturas e pinturas em que explora materialidades, improviso e narrativas visuais que transitam entre o sagrado, o lúdico e o cotidiano. A mostra concentra-se principalmente em esculturas em bronze e cerâmica —algumas mesclam os dois materiais— e entre pinturas que funcionam como pontos de respiro ao longo do percurso expositivo.

Uma festa temática de The Rocky Horror Picture Show, repleta de muita música boa, performances drag e um espetáculo único que mistura projeções, teatro e diversão ao som de DJs e performances ao vivo.

Baseado na série de animação que conquistou crianças e adultos em todo o mundo, “Bluey Ao Vivo – Diversão em Família!” oferece uma experiência imersiva que transporta o público diretamente para o coração da família Heeler. Na história, Bluey e seus familiares transformam cada cômodo da casa em um palco de brincadeiras e descobertas.Com 14 atores em cena, painel de LED em alta definição, músicas e coreografias vibrantes, o espetáculo reúne humor, imaginação e afeto, características que fizeram de Bluey um sucesso global.

A pianista, organista, vocalista, compositora, atriz e educadora Amina Claudine Myers é um nome histórico do jazz. Ela é reconhecida por transitar entre jazz, blues, gospel, spirituals e música experimental. Sobe ao palco com Jerome Harris (baixo elétrico, guitarra, voz) e Reggie Nicholson (bateria), em um repertório que combina técnica, espiritualidade e improvisação, reafirmando sua relevância como referência da tradição afro-americana.

Referência da música brasileira desde os anos 1970, o Trio Mocotó apresenta uma releitura de Força bruta, álbum histórico gravado ao lado de Jorge Benjor em 1970. O trabalho é considerado um marco da música afro-brasileira e ganhou, para esta ocasião, novos arranjos – assinados pelo trombonista Allan Abbadia –, que trouxeram frescor sem perder a essência do original. Ao lado de sua banda base e de uma seção de sopros, o trio executa um repertório que reúne clássicos como “Oba, lá vem ela”, “O telefone” e “Apareceu Aparecida”. A apresentação conta ainda com a participação de Ellen Oléria, cantora e compositora que une em sua trajetória samba, soul, funk, jazz e ritmos afro-brasileiros. Reconhecida pela potência vocal e pelo ativismo, a artista amplia o diálogo do Trio com as novas gerações da música preta brasileira. Esta será, provavelmente, a primeira vez que o álbum é apresentado integralmente no palco – feito que nem Jorge Benjor nem o Trio realizaram à época do lançamento.

Conhecida como “La Sonera del Mundo”, a cantora, pianista, compositora e atriz cubana Aymée Nuviola é uma das vozes mais marcantes da música latina contemporânea. Nessa época, surgia o filin, gênero da canção romântica cubana que mistura jazz vocal e bolero. O espetáculo apresenta clássicos de compositores como José Antonio Méndez, César Portillo de la Luz, Marta Valdés e Meme Solís e conta com direção musical de Paulo Simeón e participação do pianista Kemuel Roig. A partir de canções como Obsesión, Perfidia e Vete de Mí, o repertório evoca histórias pessoais e lembranças de Havana, cidade natal da artista, e reafirma sua ligação íntima com o gênero que herdou de referências como Omara Portuondo e Elena Burke.

Diretamente do coração do deserto do Níger, o Etran de L’Aïr, cujo nome pode ser traduzido como “estrelas da região do Aïr”, chega tem mais de 25 anos de estrada. Nascidos nas celebrações de casamento de Agadez, cidade reconhecida como capital do rock do Saara, os músicos se tornaram presenças constantes em festas locais. Enquanto muitos guitarristas tuaregues se inspiram no rock ocidental, o Etran de L’Aïr aposta em uma sonoridade pan-africana, que reflete a riqueza cultural de Agadez. Em suas músicas, convivem influências do blues malinês do norte, das bandas hausa de bar e do soukous congolês. Essa abertura, aliada ao espírito comunitário, moldam uma música que é, acima de tudo, celebração. No palco, o público pode esperar uma profusão de guitarras que se entrelaçam em solos simultâneos, precisos e arrebatadores, transmitindo a energia inconfundível de um casamento em Agadez: força, alegria e um convite para dançar.

Um espetáculo que mergulha na delicadeza do teatro para a primeiríssima Infância. Nessa jornada os pequenos espectadores são convidados a explorar a natureza e as diferenças, acompanhando dois seres indefinidos em sua descoberta mútua.

Na montagem brasileira, sob a direção e adaptação de Pedro Neschling, o público decide o final da trama. No elenco, estão Carmo Della Vecchia*, Douglas Silva, Fernando Caruso, Hylka Maria, Paulo Mathias Jr e Fafy Siqueira.A história se desenrola em um salão de beleza em Santa Cecília. Uma trama que começa com risos termina em assassinato de uma famosa cantora reclusa. O crime acontece a poucos metros dos clientes e funcionários do salão, todos com motivos ocultos e atitudes suspeitas. O público é convidado a participar da investigação, escolhendo coletivamente quem acredita ser o culpado. O resultado é um desfecho diferente a cada sessão, sempre fruto das decisões da plateia, em uma dinâmica leve e divertida.

Era uma vez, governando um longínquo reino, uma rainha conhecida por sua beleza e também por sua maldade. Entre seus segredos e feitiços, havia um antigo espelho mágico, que todos os dias, revelava se a malvada continuava sendo a mais bela de todas as mulheres. Certa vez, o espelho confessou a sua senhora que ela havia perdido o patamar que tanto amava, afinal, uma outra moça crescia em graça e beleza: Branca de Neve; que para sua infelicidade, era enteada da cruel rainha. Inicia-se então uma história envolvendo uma linda princesa, uma mulher invejosa, uma maçã envenenada e um beijo de amor verdadeiro.

Bela, uma jovem inteligente e sonhadora, troca sua liberdade pela de seu pai (Maurice) que fica preso no castelo após se perder em uma viagem. Ao se tornar prisioneira da Fera, em seu castelo encantado, Bela descobre aos poucos que, por trás da aparência assustadora da Fera, existe um coração sensível e generoso. Com a ajuda dos criados encantados do castelo — que também foram vítimas do feitiço — nasce entre os dois um sentimento puro e verdadeiro, capaz de transformar tudo ao redor.

O casal, Sofía (Sophia Abrahão) e Pablo (Leandro Luna) estão morando juntos há quatro meses. Mas o que é um paraíso para ela é um inferno para ele. Pablo quer romper o relacionamento, não aguenta mais. Um desejo repentino e urgente que ele não sabe como resolver. Para isso, ele obriga Martin (Beto Schultz), seu melhor amigo, a morar com ele e sua namorada, para que ela, cansada de viver com um intruso, decida terminar o relacionamento. Uma semana, nada mais. É o tempo estipulado entre os amigos para concluírem o grande plano.Todos enfrentarão situações inesperadas e surpreendentes que revelarão facetas completamente ocultas de suas personalidades.

A mostra “Palavra e gesto” reúne trabalhos que surgem da intersecção entre pintura e escrita, com curadoria de Claudio Cretti.Os artistas Fabio Miguez, Marcelo Cipis, Maíra Dietrich, Marilá Dardot, Monica Barki e Rafael Alonso se debruçam sobre a potência gráfica da palavra, tensionando imagem e texto. “Palavra e gesto” explora a relação entre palavra e imagem tendo o gesto do artista como foco de interesse. A aproximação de obras de diferentes gerações e em diferentes mídias oferece um olhar ampliado de como a palavra escrita aparece como significante de interesse na arte contemporânea, criando sentido e deslocando significados.

No II Ciclo Expositivo de 2025, sob direção artística de Claudio Cretti, com abertura no sábado, a exposição “Substrato” apresenta a pesquisa de Carolina Colichio (Ribeirão Preto, 1977).A artista utiliza fragmentos e imagens de paisagens em cerâmica e pintura, buscando dar visibilidade a existências e propor uma mediação da matéria. Suas peças, que remetem a fósseis e minerais, convidam à percepção do potencial ilimitado das coisas, fomentando uma natureza comum e interconectada.

O Projeto 280X1020 recebe “É de SANTO, é de BARRO“, de Antônio Pulquério. A intervenção, que tem performance às 14h30 do artista no dia da abertura, subverte a lógica modular minimalista ao usar módulos artesanais de barro queimado. As peças, que remetem a Espadas de São Jorge ou Santa Bárbara, entrelaçam o terreno e o divino, refletindo o sincretismo cultural brasileiro onde santos católicos e divindades africanas se confundem. O texto de apresentação da mostra é de autoria de Tadeu Chiarelli.A intervenção “É de SANTO, é de BARRO”, inscreve-se nessa espécie de tradição que se consolida nas últimas décadas.

Com centenas de itens originais (incluindo roupas, instrumentos musicais, letras e manuscritos, entre outros), a exposição é dividida em mais de 15 salas, com uma cenografia exclusiva que proporciona ao público uma verdadeira imersão na vida e obra de Raul Seixas. A curadoria delineou a mostra a partir de 13 das mais aclamadas músicas do artista, com salas que promovem uma profunda experiência sensorial aos visitantes. O acervo da exposição é uma cortesia de Kika e Vivian Seixas, respectivamente, ex-companheira e filha de Raul.

Inspirado no pensamento do escritor e poeta francês Édouard Glissant, o trabalho foi desenvolvido com a ideia de que identidades e culturas não estão presas em único espaço, podendo se espalhar de forma simultânea em diversos locais. Interligando assim, o “aqui” e “lá”.A curadoria da exposição foi feita por equipes do MAM e do Instituto Tomie Ohtake e reúne obras de 18 artistas. Além de marcar o início de uma parceria entre os dois institutos, também é uma forma de manter de forma gratuita o acesso à arte, já que o MAM está fechado temporariamente, enquanto passa por reformas.

O sucesso off-Broadway Mães, o Musical (Motherhood, the Musical), com texto, letra e música de Sue Fabisch, desembarca no Brasil para temporada especial com versão brasileira de Anna Toledo e direção de Jarbas Homem de Mello. A narrativa se passa durante um chá de bebê, onde amigas compartilham suas experiências e desafios como mães. Dani, grávida do primeiro filho, recebe as amigas Júlia, mãe e advogada workaholic; Márcia, mãe de cinco filhos; e Tina, uma mãe separada que tenta equilibrar trabalho, família e divórcio. A comédia aborda temas universais sobre a maternidade, trazendo reflexões sobre os desafios e as alegrias dessa jornada.

Guiada pela proposta de contemplar públicos curiosos e diferentes formatos de eventos onde a música é a protagonista, a 30e criou o ÍNDIGO, um projeto que tem como objetivo (re)unir comunidades a partir de uma label curatorial com foco em sons indie, do underground ao mainstream. Um exemplo onipresente quando se trata de propostas musicais que conectam identidades, estilos e memórias é a banda californiana Weezer, característica que a tornou um nome emblemático do rock alternativo dos anos 1990 e que segue como referência até hoje.

A exposição mescla obras inéditas, releituras e trabalhos consagrados da artista Rivane Neuenschwander. Com curadoria da pesquisadora (Universidade Federal de Pernambuco/UFPE) e jornalista Fabiana Moraes e realização da equipe do IC, a exposição traz trabalhos de diferentes caminhos artísticos e em diferentes mídias, realizados ao longo dos últimos 30 anos. A inspiração trafega entre registros de manifestações diversas captadas por ela em solo firme, no espaço das redes sociais, em sonhos de crianças, em festas folclóricas e em observações subjetivas capturadas em suas andanças pelo país.

A exposição apresenta um acervo inédito de fotografias familiares tiradas majoritariamente pelo povo indigena Paiter Suruí, reunidas e digitalizadas pelo Coletivo Lakapoy. Esse acervo inclui cenas e retratos tirados desde a década de 1970, quando as câmeras chegaram ao território pelas mãos de missionários, mas passaram a ser utilizadas pela população local para registrar seu dia a dia. Além do acervo histórico, a exposição apresenta fotos e vídeos atuais, reforçando o papel da fotografia como importante ferramenta de afirmação dos direitos indígenas.As imagens do acervo histórico estavam armazenadas nas casas das famílias, guardadas em álbuns, caixas e estantes das diferentes aldeias do território indígena, localizado entre os estados de Rondônia e Mato Grosso. Para preservá-las, o Coletivo Lakapoy – grupo formado por comunicadores indígenas, com o apoio de não indígenas, com o objetivo de fortalecer a cultura Paiter Suruí – reuniu, catalogou e digitalizou as fotografias. Em 2021, o projeto foi publicado na revista ZUM e, em 2023, selecionado pela Bolsa ZUM/IMS, de fomento à produção artística. O resultado dessa pesquisa agora se desdobra nesta exposição.

A Companhia Teatro do Incêndio estreia a peça Dois Perdidos Numa Noite Suja, considerada uma das obras primas do autor e dramaturgo paulista Plínio Marcos.A trama mostra a convivência forçada entre dois homens em um quarto de pensão, o que gera uma tensão, levando-os a atitudes e decisões radicais para se livrarem de seus destinos traçados pela condição social.Tonho, que veio do interior e conta com instrução, viu-se perdido na cidade enquanto seu calçado estragou. Paco, semianalfabeto e a um passo da marginalidade, um músico que teve sua flauta roubada em uma bebedeira, ostenta um sapato novo que ganhou, exasperando o companheiro.

O Brasil é um dos maiores produtores e consumidores de memes do mundo — e agora também é o primeiro país a conceber uma exposição de grandes proporções dedicada a esse fenômeno. “MEME: no Br@sil da memeficação” explora arte contemporânea, cultura digital e crítica social em uma experiência curatorial inédita.A curadoria de Clarissa Diniz e Ismael Monticelli, com a colaboração do perfil de Instagram @newmemeseum, convida o público a explorar a memeficação como um dos modos mais potentes — e irônicos — de narrar o Brasil contemporâneo.A proposta curatorial rompe barreiras entre diferentes linguagens e repertórios culturais, reunindo nomes consagrados da arte contemporânea brasileira, como Anna Maria Maiolino, Gretta Sarfaty, Nelson Leirner e Claudio Tozzi, ao lado de criadores de conteúdo como Porta dos Fundos, Alessandra Araújo, Melted Vídeos, John Drops e Greengo Dictionary.

Os franceses da banda L’Impératrice carregam elementos de nu-disco, pop retrô e funk eletrônico na essência de suas composições. Apesar de suas raízes no Velho Mundo, os integrantes possuem um visual futurista, entregando performances enérgicas e dançantes para seu público. Atualmente, o grupo roda o globo com a Pulsar Tour — título do último trabalho de estúdio, de 2024 — e incluiu o Brasil, pela primeira vez, na rota de seus shows.

A mostra do artista Ubirajara Ribeiro (1930-2002) reúne cinquenta obras realizadas entre as décadas de 1970 e de 2000, formalizadas em uma diversidade de linguagens tais como aquarela, desenho, pintura e colagem, marca um momento de retorno da obra de Ubirajara Ribeiro após vinte anos fora do circuito.

Refletindo sobre suas vivências e aprendizados a partir do Hip-Hop, Novo Testamento reúne 11 faixas que reafirmam o rap em sua forma mais pura, com lírica afiada e crítica social, transitando entre o boombap clássico dos anos 80 e a contemporaneidade do trap.Com participações de nomes como Alt Niss, KL Jay e Mu540, o álbum mescla sonoridades tradicionais às inovações de flow e escrita da artista, transmitindo a ideia de que muitas vezes a verdadeira revolução começa de dentro para fora.Empoderamento, liberdade e inovação marcam essa nova fase da carreira de AJULIACOSTA. Esse processo de autoconhecimento da artista foi uma verdadeira revolução em sua vida, o que abriu alas para um álbum, acima de tudo, honesto em sua completude e rebelde em sua intenção.

No ano em que foi indicado ao Prêmio PIPA, Arivanio inaugura sua segunda individual sob curadoria de Theo Monteiro. “O Bestiário de Kixelô” reúne cerca de 20 obras do artista, incluindo três inéditas, que destacam figurações animalescas para abordar temas fundamentais à humanidade, como nascimento, morte, desejo, violência e sobrevivência.O título da mostra remete à tradição dos bestiários medievais, sob uma leitura contemporânea e fabulada do cotidiano sertanejo do artista. Arivanio cria, a partir de sua vivência em Quixelô, no sertão do Ceará, um bestiário povoado por animais de corpos longilíneos, tratamentos expressivos e dimensões míticas.

Peixe das Nuvens, a primeira exposição individual de Zé Carlos Garcia na galeria, com ensaio crítico de Daniela Labra.O caso, ocorrido há alguns anos e testemunhado por moradores, diz respeito ao fenômeno chamado de Chuva - ou Nuvem - de peixes que acontece quando um tornado, em tempestades fortes, suga um cardume do oceano ou lago e o transporta para a terra pelos céus. Quando os ventos arrefecem, os animais em suspensão no ar caem como a água das nuvens e parecem “chover”. O Peixe das Nuvens que dá título à mostra, por sua vez, não cai do alto mas brota do solo. Ele é uma espécie pequena e colorida da família Rivulidae que vive em poças e possui ovos que resistem em charcos secos por meses. Quando as temporadas de chuvas retornam e inundam essas áreas, os embriões eclodem e os bichinhos aquáticos parecem nascer do chão.Encantado com esses milagres da natureza que estimulam o imaginário, Zé Carlos Garcia se lançou na criação do mundo mitológico materializado nesta individual. O artista apresenta um conjunto de peças únicas, quase todas inéditas, que ganham sentido quando estão em relação umas com as outras. Esses seres, meio bicho meio humano meio móvel meio fruta meio deuses, são habitantes de uma sociedade fantástica cuja existência concreta resulta da intensa atividade mental e labuta artesanal de seu criador. Os entes esculpidos e objetos compostos com madeira antiga, arranjos de plumária ou crina de cavalo configuram um universo de maravilhamento místico e mistérios. Em Palavra, um painel em sete unidades (letras) é a mensagem antiga e oculta a ser decifrada, enquanto em outras o tom fabular é mais presente. Esse é o caso de Vendo com outros olhos, a escultura de um menino suspendendo uma cabeça feminina que pode ser a de sua mãe, de um algoz ou uma profetisa, talvez. As obras Múmia, Cabeça de Bacia e Peixe das Nuvens também se encaixam nesse lugar de nomenclaturas extraordinárias para figuras enigmáticas. E o enigma, aliás, está presente como uma atmosfera de incógnitas e luzes em todo o conjunto.Algumas peças possuem características arquetípicas, como é o caso de Monada: um antebraço e uma mão com um olho na palma que se sustenta por uma haste de madeira roxa erguida em uma base oval. Ela é considerada pelo artista como a mais poderosa unidade de força do conjunto, porque é para ela que tudo converge. Monada, na linguagem científica significa, ainda, uma substância simples, ativa, indivisível, de que todos os entes são formados. O universo proto-surrealista de Hieronymus Bosch é uma inspiração na criação desses seres fantásticos que emergem das toras, troncos e galhos com seus nodos, veios, sinuosidade, cor, densidade.Zé Carlos Garcia materializa imagens, expressões, gestos, e não apenas formas. Nesse processo, ele necessita da violência do machado que marca a madeira, pois é o desenho dos golpes que faz uma figura surgir. Como explica, o ato de golpear repetidamente não o leva a um automatismo psíquico, já que o movimento enérgico o mantém desperto: “o golpe que vai na peça vai em mim também”. Na fissura da criação ele acorda de madrugada, pensa na imagem, demarca o que será talhado. Passa dias elaborando a peça mentalmente e em esboços, prospectando. Até que, quando começa a esculpir, é rápido, chegando a finalizar uma peça em até dois dias, ainda que sofra fisicamente depois.Dentre as madeiras trabalhadas pelo artista estão o pinus, oitis, o roxinho – muito usada como cabo de enxada pela sua dureza, e o eucalipto. Esta última, uma conhecida espécie exótica plantada para o beneficiamento de celulose, é recolhida por Zé Carlos no processo de restauração da mata do seu sítio, onde substitui a árvore “invasora” por uma muda nativa, em um ato reparador tanto ecológico como simbólico.Zé Carlos Garcia esculpe objetos desde muito pequeno. Quando jovem, entrou na faculdade de licenciatura e tentou concluir também um Bacharelado em Escultura, no qual foi reprovado ao se recusar a fazer exercícios de peças realistas em madeira. Os considerava óbvios e formalistas e insistia em fazer trabalhos mais conceituais. Contrariando o professor, recebeu notas baixas que o fizeram abandonar o curso. Hoje, sendo um artista maduro com experiência profissional pregressa na confecção de adereços do carnaval carioca, entre outras, ele alia técnica, pensamento estético e conceito. Com os anos, fabulou um cosmos poético fora do protocolo acadêmico para se tornar um dos maiores escultores de sua época. Seu vocabulário imagético está para além da forma - que bobagem!, e ostenta uma beleza enigmática solene, atemporal, que não pertence a nenhum verbo nem categoria. É mitologia.Daniela Labra

Em um solo com bonecos a Cia conta A Ilha do Tesouro, uma história cuja trama de aventura remete aos contos de heróis e suas provações, mas aqui nosso protagonista é Jim, um jovem, com cerca de 11 anos. Esse corajoso aventureiro conhece um velho lobo do mar, ganha um mapa do tesouro, singra os mares dentro de um enorme navio, enfrenta piratas, vence os perigos de uma ilha deserta, encontra um fantasma e por fim, descobre o seu tesouro.

Um personagem-narrador, sem nome ou relações pessoais, um homem inadequado que de forma irônica e sarcástica rumina sua amargura e seu ressentimento numa conversa direta com o espectador. Este é o centro de Memórias do Subsolo, escrito por Fiódor Dostoiévsky e publicado pela primeira vez em 1864. Na nova versão, adaptada por Diego Moschkovich e Vladimir Bocharov e dirigida por Johana Albuquerque, o cenário e o tempo vão de São Petesburgo (Rússia) nos fins do século XIX para a cidade de São Paulo em pleno século XXI.

Uma experiência imersiva criada e apresentada por Philip Blue, um dos ilusionistas mais respeitados do país. Mais do que um show de mágica, trata-se de uma vivência sensorial, interativa e profundamente humana, onde o inesperado surge com leveza, humor e emoção.

Deixar os problemas do lado de fora da pista para dançar, flertar e soltar o corpo é a meta de Onda, que se propõe a viajar por sonoridades vibrantes para se comunicar com o público. O estereótipo do MC combativo que expõe as mazelas sociais nas rimas e nos gestos dá lugar a um músico que nos conduz por uma jornada fluida como a maré ao longo de 14 faixas.De ritmos como pagodão baiano, afrobeat, black music, baião, amapiano e rap, Onda traz parcerias com artistas como Ivete Sangalo, Mestrinho, Luedji Luna, Marina Sena, Mano Brown e Ludmilla, refletindo a multiplicidade musical do disco. “É pop com referência da rua, da África, ancestralidade, Nordeste. É diferenciado para não ter cópia”, explica Rael.

Uma das bandas mais importantes da cena atual do rock americano, e que marcou os anos 2000, Linkin Park volta ao Brasil para três shows no país, dos quais um será em São Paulo.

Wicked é o prelúdio da famosa história de Dorothy e do Mágico de Oz, onde conhecemos a história não contada da Bruxa Boa e da Bruxa Má do Oeste. Na trama, Elphaba (Myra Ruiz) é uma jovem do Reino de Oz incompreendida por causa de sua pele verde incomum e por ainda não ter descoberto seu verdadeiro poder. Sua rotina é tranquila e pouco interessante, mas ao iniciar os estudos na Universidade, seu destino encontra Glinda (Fabi Bang), uma jovem popular e ambiciosa, nascida em berço de ouro, que só quer garantir seus privilégios e ainda não conhece sua verdadeira alma. As duas iniciam uma inesperada amizade; no entanto, suas diferenças, como o desejo de Glinda pela popularidade e poder, e a determinação de Elphaba em permanecer fiel a si mesma, entram no caminho, o que pode perpetuar no futuro de cada uma e em como as pessoas de Oz as enxergam.

O Mar não me Obedece é uma peça de teatro físico, dança contemporânea e performance que se constrói entre os limites de força e delicadeza, controle e entrega. Em cena, o risco é real: quedas e movimentos inspirados em artes marciais como aikidô, jiu-jitsu e judô se encontram com momentos de sutileza.Os textos se entrelaçam à fisicalidade e colocam em cena desde bactérias intestinais até a história de um rei que tenta castigar o mar, para revelar a teimosia humana em acreditar em verdades absolutas e buscar domínio sobre o que não pode ser controlado.

A exposição de Adriano Costa traz ao espaço suas experimentações com diferentes mídias e uma seleção de trabalhos desenvolvidos na última década.O título da exposição funciona como uma promessa ecoando a filosofia de Costa de encontrar beleza e significado precisamente nos momentos de quebra e transformação. Em sua prática, o desapontamento não é um fim, mas um ponto de partida para novas possibilidades de sentido.Ao trabalhar com objetos descartados e materiais em desuso, Costa revela as camadas de significado que emergem quando retiramos as coisas de seus contextos habituais, expondo nossa relação ambígua com aquilo que produzimos e posteriormente abandonamos.

QUERIDINHA é uma mulher que vive para amar e se moldar aos relacionamentos em que se envolve. Sem opiniões próprias, ela acaba absorvendo as personalidades dos seres amados como se fossem suas. Quando um relacionamento termina, a protagonista se vê vazia e desorientada, até encontrar um novo amor para admirar e servir.Nesta releitura do conto "A Queridinha", de Anton Tchékhov, a figura da mulher que ama demais é transpassada por camadas autobiográficas e ressignificada a partir de uma perspectiva contemporânea e crítica. O espetáculo coloca no centro da cena uma mulher sexagenária, figura frequentemente silenciada na produção cultural, ampliando vozes e experiências que refletem a diversidade de gênero, idade e afetividade da sociedade brasileira.

A peça Olhos nos Olhos, estrelada por Ana Lúcia Torre, celebra os 80 anos de vida e 60 anos de carreira desta, mesclando histórias de sua trajetória pessoal e profissional com a obra de Chico Buarque de Holanda. Letras de clássicos como Meu Guri, Beatriz, Geni e o Zepelim, Valsinha, Atrás da Porta e Olhos nos Olhos, entre muitas outras, compõem o roteiro.

Sucesso de público nas décadas de 1990 e 2000, com sessões lotadas em diversas cidades brasileiras, a comédia Aluga-se Um Namorado, escrita originalmente pelo inglês James Scherman e adaptada por Gustavo Klein, chega ao Teatro Multiplan MorumbiShopping para uma nova temporada. O espetáculo conta a história de Alex Schneider (Eri Johnson), um ator bem-humorado contratado por Sara (Ju Knust) para interpretar o papel de seu namorado, judeu e médico, diante de sua família, que segue rigorosamente as tradições judaicas. A farsa é armada porque, na verdade, o verdadeiro namorado de Sara não é judeu. A partir daí, desenrola-se uma comédia marcada por mal-entendidos e situações inesperadas. Será que os pais de Sara (Myrian Rios e Raymundo de Souza) e seu irmão Joel (João Lima Junior), um psicanalista atento, vão descobrir a verdade? E o verdadeiro namorado (Marcondes Oliveira), será revelado? Sara acabará se apaixonando pelo ator? O enredo gira em torno dessas perguntas, com doses de humor e reviravoltas.

Nesta montagem de Macbeth, dirigida pela multiartista Elisa Ohtake, a profunda conexão de Giuseppe Verdi com Shakespeare ganha nova vida. Embora não dominasse o inglês, Verdi viu na tradução italiana do bardo um verdadeiro tesouro, revolucionando a ópera italiana ao infundir seus personagens com a profundidade dramática e a intensidade vívidaque Shakespeare trouxe à dramaturgia inglesa. Verdi, homem de teatro nato, conduziu sua música de forma a criar uma atmosfera constante de mistério e angústia, sem permitir intervalos que pudessem interromper o envolvimento do espectador.Estreada em 1847 em Florença, Macbeth foi concebida durante o que Verdi chamou de seus “anos de galera”, uma fase em que batalhava para se afirmar no cenário lírico italiano. Com libreto de Francesco Maria Piave e acréscimos de Andrea Maffei, a ópera foi bem-recebida em sua première, mas desapareceu dos palcos por quase um século, em parte em razão das exigências do papel de Lady Macbeth, considerado um desafio extremo para as sopranos.Elisa Ohtake, conhecida por sua abordagem cênica contemporânea e ousada, dará nova luz à complexa história de poder, ambição e morte de Macbeth. Com uma formação diversificada em dança e teatro, Elisa já esteve próxima da obra de Shakespeare com sua instigante Peça para Adultos Feita por Crianças, na qual crianças interpretam Hamlet.

RICHARD KOGIMA foi definido pela crítica como criador de performances "memoráveis e reveladoras" (Gregory Sullivan, Theater Jones), “dotadas de variadas nuances, transparência e extrema concentração” (Südkurier, Badische Zeitung). Expoente talento de sua geração, distingue-se por sensível musicalidade e versatilidade, atuando como pianista, regente, compositor e improvisador.Natural de São Paulo, se apresenta regularmente como solista, camerista e regente nas Américas e na Europa em salas como Tonhalle Zürich, DR Koncerthuset (Copenhagen), Salle Cortot (Paris), University Aula (Oslo) e Sala São Paulo. Integrou festivais como o Emil Gilels e o Usedomer Musikfest (Alemanha), Festspillene i Bergen (Noruega), Campos do Jordão (Brasil), e Pärnu Music Festival (Estônia).MAR GIMFERRER, nascida em 2002, começou a tocar violoncelo aos 7 anos. Estudou em Barcelona com Joan Antoni Pich, com quem se formou com o Prêmio de Honra, aos 17 anos. De 2019 a 2022, foi orientada por Beatriz Blanco no Vorarlberger Landeskonservatorium e desde setembro de 2022, estuda com Thomas Grossenbacher Na Universidade das Artes de Zurique.

A obra de Joseca Yanomami (1971, Rio Uxi u, Terra Indígena Yanomami, Brasil) tem como ponto central a tradução da cosmologia yanomami em narrativas visuais, especialmente no desenho, dando corpo às histórias dos tempos ancestrais e às múltiplas dimensões da terra-floresta, conceito que vai além de um espaço físico e une a floresta, os rios, os espíritos, os animais e os humanos em um sistema vivo e interdependente, visível somente aos xamãs. É nessa atmosfera quase onírica que a Almeida & Dale inaugura, Urihi mãripraɨ – Sonhar a terra-floresta, individual do artista com curadoria de Bruce Albert, antropólogo franco-marroquino e autor, junto a Davi Kopenawa Yanomami, dos livros A Queda do Céu (2015) e O Espírito da Floresta (2023).

A obra de Almeida Prado (1943-2010), um dos mais importantes e prolíficos compositores brasileiros, é marcada por uma profunda religiosidade católica. Centrada no piano (que ele tocava eximiamente) e na orquestra, sua produção inclui tanto obras sacras quanto outras livremente inspiradas em elementos da tradição judaico-cristã. A fé do compositor se materializava para ele em visões místicas que teve em diversos momentos da vida, e que foram a força motriz para que escrevesse muitas de suas peças.Na juventude, Almeida Prado foi aluno de Osvaldo Lacerda e Camargo Guarnieri. Depois, partiu para Paris para estudar com Nadia Boulanger e Olivier Messiaen, compositor com o qual sua obra traça grande paralelo, tanto esteticamente como pela conexão devocional. Prado lecionou por muitos anos na Universidade Estadual de Campinas (Unicamp), onde os alunos se amontoavam para assistir suas aulas.Entre 1989-1990, Almeida Prado residiu em Jerusalém, Israel, como professor visitante da Academia Rubin de Música e Dança. A experiência o marcou profundamente, transformando e intensificando sua fé e inspirando a criação de novas obras, conectadas a um imaginário sobre a cidade e a cultura local na época de Jesus. Nesse período, o compositor teve também visões místicas de parentes queridos que já haviam partido, e isso o levou a compor uma peça absolutamente não usual: o Réquiem Sem Palavras para quarteto de cordas.Quando pensamos em um réquiem musical, imaginamos uma peça vocal escrita para grandes forças corais e orquestrais – como são as obras desse gênero, por exemplo, de Mozart, Verdi, Brahms ou Fauré. Nesse tipo de missa, tradicionalmente utilizada para homenagear um finado, a compreensibilidade do texto e a ilustração musical do sentido das palavras é particularmente importante. Almeida Prado propõe, então, um duplo desafio: seu réquiem é uma reza íntima para formação camerística, e nela os instrumentos devem “falar” os textos litúrgicos – não só utilizados aqui de forma integral em latim, mas acrescidos de um pai-nosso adicional.Composto em 1989, o Réquiem Sem Palavras ficou guardado na gaveta até 2006, quando Marcelo Jaffé, violista do Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo, soube de sua existência em um encontro com Almeida Prado na Rádio Cultura. O Quarteto encampou então a tarefa de produzir as partes da obra e estreá-la, recebendo a dedicatória do compositor. Ainda não gravada, a peça foi tocada poucas vezes, sendo esta uma oportunidade particular de ouvi-la.

Em 2015, Jaloo lançou seu primeiro álbum, #1, que mistura beats futuristas, letras confessionais e uma estética que dialoga tanto com o tecnobrega e a música amazônica quanto com a cultura pop global. O disco abriu caminhos para novas formas de experimentar o pop no Brasil e marcou uma geração ao propor um som inovador e, ao mesmo tempo, íntimo, com canções sobre identidade, amor e pertencimento.Agora, dez anos depois, Jaloo celebra essa trajetória com a turnê comemorativa #1 Dez Anos Depois, revisitando o repertório que a consagrou e trazendo novos arranjos para hits como “Ah! Dor”, “Insight”, “Last Dance” e “Odoiá”. O show propõe uma viagem no tempo: um encontro entre a energia que marcou a estreia de Jaloo e a maturidade artística que ela desenvolveu ao longo da última década.

Jonathas de Andrade apresenta um novo corpo de trabalho com obras totalmente inéditas em torno dos jangadeiros e canoeiros de Alagoas – sujeitos que fazem sua vida e trabalho através do mar do litoral e do Rio São Francisco, no sertão – e a relação com cores e abstração presentes nas velas e barcos. Com curadoria de José Esparza Chong Cuy, Permanência Relâmpago abrange três conjuntos de obras dentro deste universo a que Jonathas de Andrade vem se dedicando nos últimos meses. O título da mostra se refere ao nome de uma das jangadas fotografadas pelo artista, e que traduz poéticamente aspectos das vidas dos jangadeiros e canoeiros e que também toca nossas vidas de modo geral.

Roberto Carlos segue em turnê pelo Brasil e no exterior com o show "Eu Ofereço Flores" e apresentando muitos sucessos de sua carreira neste ano de 2025.Compondo tanto sozinho quanto ao lado do parceiro Erasmo Carlos, Roberto Carlos consolidou um gênero musical que consegue ser elaborado e simples, fazendo do seu estilo único no país e no mundo. Ao longo dos anos foi visionário muito antes de esses pleitos estarem hoje na pauta do dia.

A Gomide&Co apresenta a exposição Transe, coletiva organizada em parceria com Fernando Ticoulat, que também assina o texto crítico da exposição.Transe reúne artistas de diferentes gerações e abordagens – como Luiza Crosman, Antonio Dias, Rubens Gerchman, Karla Knight, Montez Magno, Cildo Meireles, Mira Schendel, Camile Sproesser, Megumi Yuasa, entre outros –, propondo um percurso que investiga como as práticas artísticas se constituem como meio ativo de reorganização dos sentidos, da linguagem e da percepção. A partir de trabalhos em diferentes linguagens e suportes, a exposição observa como processos técnicos e simbólicos dão estrutura à produção artística e estabelecem vínculos com transformações históricas, culturais e tecnológicas.

A banda de rap Planet Hemp se despede dos palcos com uma última turnê. O verso “Eu vou queimando tudo até a última ponta”, do Planet Hemp, surgiu despretensiosamente em meados dos anos 1990 durante uma conversa entre Marcelo D2 e Marcelo Yuka, do grupo O Rappa, em um posto de gasolina. Este trecho da música “Queimando Tudo”, do disco Os Cães Ladram Mas A Caravana Não Pára (1997), transcendeu os limites do álbum e passou a representar também o sentimento de comunidade e de afirmações políticas que mantêm a banda como uma das vozes mais relevantes da contracultura há mais de três décadas. Agora, a marcante sentença inspira o nome da turnê de despedida do grupo, A Última Ponta.

Acontece na Sala São Paulo a sexta edição da temporada de encontros entre o popular e o erudito. A cada edição, dois artistas da MPB se apresentam juntos da São Paulo Big Band.

A cantora britânica Dua Lipa volta ao Brasil para a turnê "radical optimsm". Batizada com o título do terceiro álbum de estúdio de Dua, a turnê apresenta o repertório do disco, os hits da cantora e algumas surpresas para o público.

Diretora musical da Buffalo Philharmonic, a norte-americana JoAnn Falletta é uma veterana dos palcos que desbravou caminhos na regência para as mulheres. Com mais de cem discos gravados e alguns Grammy no currículo, ela atua como regente convidada por todo o mundo. JoAnn Falletta esteve no Brasil pela primeira vez em 2023, e volta para conduzir novamente a Orquestra Sinfônica Municipal (OSM).Aos 85 anos, Ellen Zwilich é considerada uma das principais compositoras norte-americanas, e foi a primeira mulher a ganhar o Prêmio Pulitzer de Música. O Concerto Grosso 1985 é uma obra para orquestra de câmara encomendada pelo Washington Friends of Handel, em comemoração ao 300º aniversário de nascimento do compositor. A obra cita literalmente o tema do primeiro movimento da Sonata para Violino em Ré maior (HWV 371) de George Frideric Handel, e teve sua estreia mundial com a Handel Festival Orchestra em maio de 1986.Shéhérazade é o título de duas obras do compositor francês Maurice Ravel. Ambas têm origem no fascínio do compositor por Scheherazade, a heroína narradora das Mil e uma Noites.A primeira obra, uma abertura escrita em 1898, é a primeira peça orquestral sobrevivente de Ravel. Quatro anos depois, ele teve um sucesso muito maior com um ciclo de canções com o mesmo título. Nos primeiros anos do século XX, Ravel conheceu o poeta Tristan Klingsor, que publicara uma coleção de poemas em verso livre sob o título Shéhérazade, inspirados pela suíte sinfônica homônima de Rimsky-Korsakov. Escrito para voz e orquestra, a Shéhérazade que ouviremos neste programa é um ciclo de três canções, aqui interpretadas por Denise de Freitas. Artista de grande expressividade musical e cênica, ganhadora de diversos prêmios, Denise é umas das mais importantes mezzo sopranos brasileiras em atividade. Com apresentações nas mais renomadas salas do Brasil, tornou-se intérprete dos grandes personagens para seu registro vocal.Nada mais adequado do que encerrar o concerto com Scheherazade, a suíte sinfônica composta por Nikolai Rimsky-Korsakov em 1888, igualmente baseada no livro Mil e uma Noites. A obra se destaca pela sedução dos temas e o colorido da orquestração, e é considerada a composição mais popular de Rimsky-Korsakov, tendo sido também transformada em balé, em 1910, por Michel Fokine.

De um lado do rio, uma onça acorda no meio da noite sentindo uma coceira estranha no peito. Inquieta, procura a Velha Ventania - aquela que tece o tempo. Do outro lado do rio mora uma criança que acorda no meio da noite porque seu coração treme. A Dona Onça e a Velha Ventania escutaram o coração da criança e terão que atravessar o rio. Como desvendar um coração que treme.

O espetáculo explora a conexão entre gerações de mulheres de uma família, entrelaçando suas histórias e segredos. Uma mulher, após um afogamento, entra em coma, e nesse estado de delírio e sonho recebe visitas imaginárias de sua irmã e de suas ancestrais, travando diálogos com as mulheres da sua vida, enquanto luta para sobreviver e voltar à realidade.

O espetáculo explora a conexão entre gerações de mulheres de uma família, entrelaçando suas histórias e segredos. Uma mulher, após um afogamento, entra em coma, e nesse estado de delírio e sonho recebe visitas imaginárias de sua irmã e de suas ancestrais, travando diálogos com as mulheres da sua vida, enquanto luta para sobreviver e voltar à realidade.

Antonio Pinto é um dos maiores nomes da música de cinema no Brasil. É o compositor da trilha sonora de grandes filmes nacionais e internacionais. Um espetáculo onde a dinâmica se divide entre momentos sincronizados com cenas de filmes e séries, momentos mais intimistas com trabalho de desenho de luz, e momentos com produção visual autoral a partir dos temas executados. Com Antonio Pinto (piano), Anselmo Mancini (sintetizadores) e Orquestra ALMAI.

“As 3 Cores Primárias” (cujo título original em japonês é Sangenshoku) ganha montagem inédita no Brasil. A peça se insere numa temática recorrente na obra literária de Mishima e presente em sua vida pessoal: o erotismo entre corpos humanos, independente de gênero. “As 3 Cores Primárias” apresenta um tratamento positivo dessas questões, o que contrasta com a natureza mais sombria de outra obra do mesmo período, Cores Proibidas.Numa tarde quente de verão à beira mar, o casal Ken e Yoko recebe a visita do amigo Shun. A interpretação que os jovens fazem de signos emitidos pelas forças da natureza ao seu redor e o amor levam o trio a tomar uma decisão final sobre o relacionamento entre eles. Eles entendem que, assim como as três cores primárias que criam todas as outras, o equilíbrio nos relacionamentos humanos encontra-se no três.

A mostra convida o público a imaginar os caminhos possíveis no mundo do trabalho, em constante transformação. Na exposição, fica claro que as transformações não ocorrem de forma igualitária — gênero, raça, classe, território e escolaridade seguem ditando quem acessa determinadas profissões. Em tempos de avanços tecnológicos e desafios globais como as mudanças climáticas e as pandemias, o trabalho se torna cada vez mais imprevisível — mas também repleto de novas possibilidades.Acessível e provocativa, a mostra articula passado, presente e futuro, a partir de dados, experiências reais, interações digitais e conteúdos informativos sobre profissões que estão desaparecendo, se reinventando ou nascendo diante de novas tecnologias e modos de vida.

O pianista Andrea Vanzo vem ao Brasil pela primeira vez para apresentar a Intimacy Part 2, turnê que mescla a música clássica moderna com elementos do pop. Natural de Bolonha, na Itália, Andrea Vanzo explora em suas composições temas como natureza, amor e liberdade de expressão. Em uma apresentação em Berlim no início de junho, o músico levou ao palco uma sonoridade com peças influenciadas pela música clássica moderna e pelo pop.

Seun Kuti chega a São Paulo no Mês da Consciência Negra e apresenta o show da turnê “Heavier Yet (Lays the Crownless Head)”. Seu recém lançado disco tem produção de Lenny Kravitz.Expoente do afrobeat, Seun Kuti se apresentará ao lado da banda Egypt 80, que acompanhava seu pai, Fela Kuti e da qual ele também fez parte. Conhecido por sua música, mas também por sua atuação política, Kuti participou ativamente nos protestos do movimento Occupy Nigeria contra a política de remoção de subsídios aos combustíveis do presidente Goodluck Jonathan no seu país, a Nigéria. Hoje fala livremente sobre política em seus shows, sempre a favor da liberdade e contra a opressão.

O trio norte-americano dos irmãos Alejandro (vocal), Fabian (guitarra) e Daniel Manzano (baixo), um dos maiores fenômenos da música pop no YouTube, retorna ao Brasil em 2025 com uma turnê especial, que passará por quatro capitais do país. A tour da Boyce Avenue marca o reencontro do trio com o público brasileiro.O setlist promete uma viagem percorrendo covers que viralizaram na internet até os sucessos autorais que consolidaram a identidade do grupo, além de novos arranjos exclusivos para esta tour.

Uma Família à Procura de um Ator, primeiro texto escrito por Samir Yazbek, em montagem de Gustavo Merighi, com Anderson Muller estreando em um solo. O espetáculo convida a uma jornada psicodélica e bem-humorada. A proposta estética mescla elementos analógicos dos anos 80 com a tecnologia digital, com o objetivo de estabelecer um diálogo vibrante entre passado e presente, levantando temas urgentes com um olhar original.

Uma noite de autoconhecimento, música e humor, o espetáculo que vai repensar a relação entre ordem e caos. Este evento transcende os limites do teatro com uma palestra espetáculo que combina humor, experiências de vida e insights profundos.

Nascido e criado em Marechal Hermes, na Zona Norte do Rio de Janeiro, LEALL encontrou sua voz nas palavras que traduzem o cotidiano e as vivências de um jovem negro. Sua autenticidade e habilidade lírica o destacaram como um dos pioneiros do grime no Brasil, trazendo um olhar único para o rap nacional.Em maio de 2019, lançou seu primeiro single oficial, “Criminal Influencer”, e, rapidamente, ganhou reconhecimento com “Cachorrada”, um destaque na cena underground carioca. Já em março de 2021, LEALL apresentou seu aguardado primeiro álbum, Esculpido a Machado, que marcou uma fase de experimentação e autenticidade artística. Seu segundo álbum, Eu Ainda Tenho Coração, lançado em 2023, representa um novo capítulo em sua trajetória. Com letras mais maduras e reflexivas, LEALL aborda o reconhecimento artístico e as mudanças pessoais, como a paternidade, que influenciam sua visão criativa.

Alguns dias após a anexação da Áustria pela Alemanha, em que Anna, a filha de Freud é levada para interrogatório na Gestapo, o pai da psicanálise recebe a visita de um desconhecido. O embate de ideias travado pelos dois pode ser pode ser uma alucinação, memória ou sonho. A trama se passa em Viena em março de 1938, os alemães invadem a Áustria e perseguem os judeus. A Princesa Marie Bonaparte e o cônsul americano negociavam a partida de Sigmund Freud (1856 -1939), mas ele resiste em partir. Primeiro porque os alemães exigiam que ele assinasse um documento, contando como ele foi bem tratado pelos nazistas. Outro fator é que ele já tinha 82 anos de idade, dos quais os últimos 16 com um câncer na boca e queria terminar seus dias nas terras do que já foi o Império Austro-Húngaro (Ele nasceu em Příbor, cidade da atual República Checa). Mas quando sua filha Anna é presa para interrogatório, a história toma outro rumo. É nesse dia que ele recebe uma visita.

Zbura– Campeões do Mundo da Patinação apresenta “ELDORADO – O Cabaret”. o espetáculo se passa em uma Berlim dos anos 30 e conta a história de Vincent, um dançarino boêmio que vê sua vida mudar com as imposições de um novo governo.

Reconhecidos como uma das vozes mais importantes do gênero na atualidade, Magnu Sousá e Maurílio de Oliveira mostram um novo capítulo em sua trajetória: o lançamento de O Show Deve Continuar, álbum autoral produzido em parceria com Margareth Valentim. As canções percorrem diferentes universos: o amor, a fé, a força da palavra e a alegria contagiante das rodas de samba.Mais que um disco, O Show Deve Continuar é uma declaração de resistência e permanência. O título homenageia os mestres que se foram e confia às novas gerações a missão de manter viva a chama do samba.

O rapper bbno$ (baby no money) vem conquistando o público desde 2014 com canções que mesclam humor, batidas eletrônicas e energia contagiante. Alexander Leon Gumuchian — nome real do artista canadense — confirma agora sua primeira passagem pelo Brasil, com a It’s Pronounced Baby No Money World Tour 2025.

Uma atriz e um ator, em sério conflito e decididos a encerrar a parceria profissional, recebem uma carta sem remetente. Com a ajuda de Telonaldo, um telão personagem, viajam até a Índia e descobrem que o misterioso remetente é Mahatma Gandhi. A partir de então vivenciam alguns momentos marcantes da vida do líder pacifista e descobrem novas formas de se relacionar e resolver seus problemas.

Um espetáculo que propõe olhar, inventar e brincar com “paisagens imaginárias efêmeras” para criar universos poéticos únicos. Artefactos Bascos, é a plataforma multidisciplinar do artista basco Ieltxu Ortueta e apresenta desde 2016 propostas cênicas na fronteira entre a performance, as artes visuais e o teatro, onde a obra/espetáculo se constrói na co-criação e no protagonismo das crianças. Seus espetáculos circulam nacional e internacionalmente.

Brasil: Arte Popular convida o público a mergulhar na essência criativa do nosso país. A mostra revela um Brasil profundo, que transforma a vida cotidiana em arte. A partir de lendas, ritmos e tradições, Brasil: Arte Popular apresenta obras vindas de 21 estados, cerca de 200 conjuntos que somam mais de 400 peças. Um projeto cenográfico que envolve o visitante em uma experiência imersiva, onde até a percussão pode ser criada de forma interativa. Mestres como Nino, Zé do Chalé e Mestre Cunha recebem salas próprias, reafirmando a força de suas criações e a potência da arte popular em preservar memórias e reinventar símbolos.

Em sua edição de 2025, Samba do Pretinho da Serrinha conta com Jota.pê, Seu Jorge e Rogério Flausino entre as atrações confirmadas para o evento em São Paulo.Criado em 2021 pelo multi-instrumentista, intérprete, compositor e renomado produtor Pretinho da Serrinha, o evento tem arrastado multidões desde sua primeira edição.Autor de hits como “Burguesinha”, “Feliz Alegre e Forte”, “Felicidade” e “Mina do Condomínio”, colaborando com alguns dos maiores artistas do Brasil, como Caetano Veloso, Seu Jorge, Lulu Santos, Marisa Monte, Marcelo D2 e Xande de Pilares.

Crítico de arte e um dos principais curadores do Brasil, Paulo Herkenhoff ganha uma Ocupação Itaú CulturalMostra atravessa toda a história do capixaba nascido em 1949, que descobriu artistas, detectou tendências e movimentos artísticos, além de formar e ampliar coleções. Entre cerca de 340 peças, a exposição repassa a trajetória e o discurso nada lineares de Herkenhoff, que esboçam sua biografia e se desdobram em três eixos: Publicações, Exposições e Coleções. O ponto alto da mostra reúne os Cadernos de Anotações do curador, célebres na cena das artes visuais. Eles funcionam como ferramentas de planejamento, registro e reflexão do autor, revelando a complexidade e o método de seu trabalho.Nos anos de 1980, o curador brasileiro conheceu a famosa artista franco-americana Louise Bourgeois (1940-2022). Tornaram-se grandes amigos e engataram centenas de horas de conversas. Ele queria gravar as falas dela. Ela pedia que, em vez disso, as escrevesse. Assim surgiram esses cadernos, hoje lendários para quem transita pelo universo das artes visuais.

Muito se sabe sobre os livros escritos por Ailton Krenak e traduzidos nos mais variados idiomas. Poucos conhecem, no entanto, a sua produção poética, os seus desenhos acondicionados em caderninhos com espiral, as pinturas feitas com tinta a óleo, nanquim ou urucum representando a fauna, os rios e os territórios indígenas. Tudo isso é apresentado na Ocupação Ailton Krenak.Primeira mostra dedicada a uma personalidade indígena nesta série iniciada há 16 anos, a Ocupação Ailton Krenak traça o arco da vida até hoje de Ailton Alves Lacerda Krenak, nascido em 29 de setembro de 1953, no município de Itabirinha, em Minas Gerais – então distrito de Itabira –, na região do Vale do Rio Doce. Para isso, ela reúne mais de 90 peças, entre fotos, vídeos – alguns históricos, outros com depoimentos –, recortes de jornais, livros publicados, além dos desenhos, pinturas, poemas clássicos e haicais.É todo um caminho esculpido por Ailton na pauta da defesa dos direitos dos povos indígenas, da justiça socioambiental e da valorização dos saberes ancestrais.

Desde 1990 a proposta do Edital anual Programa de Exposições do Centro Cultural São Paulo tem como premissa principal abrir espaço para a apresentação de novos artistas visuais por meio de edital público. Ao longo de 34 edições, o Edital vem sendo referência no panorama do circuito de arte nacional e a cada ano evidencia novos nomes que emergem na cena artística brasileira contemporânea.O resultado da seleção feita pelo corpo de jurados pode ser apreciado pelo público na presente Mostra do 34º Programa de Exposições do CCSP, composta de 24 exposições individuais simultâneas dos artistas selecionados, sendo: Alan Oju, Aline Bagre, André Felipe Cardoso, Dani Shirozono, Desirée Feldmann, Edu Silva, Elton Hipolito, Estêvão Parreiras, Fefa Lins, Flávia Ventura, Gabriela Sacchetto, Gina Dinucci, Jasi Pereira, João Guilherme Parisi, Lucas Almeida, Luiza Sigulem, Marcel Diogo, Mariana Rocha, Mestre Aécio de Zaira, Nita Monteiro, Pedro Neves, Tetê Lian, tetê e Victor Fidelis.

A dupla que marcou o britpop e é um dos nomes mais importantes da década de 90 se reencontra nos palcos após um longo hiato. Juntos, os irmãos Gallagher se apresentam com sua turnê mundial, celebrando seus hits e os trinta anos do álbum de estreia Definitely Maybe.

Renato Larini volta a ocupar o Espaço Zebra com sua nova série na exposição individual Demolidora Iracema, reunindo cerca de 40 obras inéditas. São trabalhos de fotografia expandida sobre lonas, a maioria em grande formato. Fruto de um cruzamento de imagens, memórias e referências culturais que se acumulavam no imaginário do artista, Demolidora Iracema carrega múltiplas camadas: evoca a personagem de José de Alencar, símbolo da pátria-natureza violada; remete à melancolia popular de Adoniran Barbosa; e revela o anagrama de “América”, a “grande demolidora”. Na ficção criada por Larini, essa empresa imaginária não apaga vestígios, mas recupera escombros preservando cicatrizes, assumindo as marcas e rasuras como parte essencial da forma e do conteúdo.

Acontece na Sala São Paulo a sexta edição da temporada de encontros entre o popular e o erudito. A cada edição, dois artistas da MPB se apresentam juntos da São Paulo Big Band.

"Valência = 2 homens + 1 cooler” é uma peça que discute a amizade e a masculinidade contemporâneas através da história de um homem que precisa urgentemente de um transplante de rim. Seu melhor amigo se oferece como doador, mas o que parecia ser somente um ato de compaixão se torna estopim de uma crise de consciência e de um acerto de contas de uma amizade de mais de 30 anos.

Os bebês são acomodados sobre um espaço cênico de chão macio. E, a partir do lúdico cenário branco saem objetos como, por exemplo, molas, tecidos e fios, em que os bebês são convidados a interagir de forma livre e espontânea. “Bá” pretende despertar a curiosidade e a interação com o espaço, o plano baixo e o movimento, são elementos pensados para aguçar a percepção, a criatividade e a experimentação de cada um dos bebês.

Molière discute o machismo em sua Escola de Mulheres. Nessa comédia escrita em 1662, mas incrivelmente atual, Arnolfo repele frontalmente a ideia de ser traído, e para isso tenta educar uma jovem para que se torne sua esposa ideal. As mulheres de Molière são inteligentes, perspicazes e empoderadas, muito antes do termo invadir nosso cotidiano, fazendo com que o plano de Arnolfo não seja tão fácil assim.

Ao longo das últimas décadas, ‘Hair’ se tornou um ícone e uma das principais referências do movimento cultural e comportamental que mudou o mundo nas décadas de 60 e 70. Quase 60 anos se passaram desde a estreia em 1967 e uma nova versão brasileira de ‘Hair’ chegará aos palcos para comprovar que este fenômeno não tem data de validade.Símbolo máximo do movimento hippie, ‘Hair’ era um reflexo do turbilhão de acontecimentos do final dos anos 60, com a busca por novas experiências, o amor livre e o rock psicodélico. Tornou-se também uma resposta a um mundo que se indignava com os horrores da segregação racial e com a Guerra do Vietnã, o primeiro conflito internacional televisionado.

Um dos maiores sucessos da Broadway e adaptada para o cinema em um filme vencedor do Oscar chega pela primeira vez ao Brasil. Com texto e letras de Tom Eyen, músicas de Henry Kieger, coreografia original de Michael Bennett e arranjos de Harold Wheeler, o espetáculo no Brasil terá tradução e versão de Bianca Tadini e Luciano Andrey, direção geral de Gustavo Barchilon, direção musical de Gui Leal e coreografias de Rafa L. “DREAMGIRLS” retrata a ascensão de um grupo de cantoras afro-americanas nos Estados Unidos na década de 60, inspirado nas histórias de mulheres da Motown, como as “The Supremes”. A trama reflete a era de ouro da música soul e as transformações da indústria fonográfica dos Estados Unidos durante os anos 60 e 70, abordando pautas como racismo, desigualdade de gênero, o preço da fama e a complexidade das relações pessoais e profissionais no showbiz.

reEncanto é o mais recente álbum de Mayra Andrade, gravado na Union Chapel (Londres) em 2023 e lançado em 2024. Após cinco álbuns, Mayra escolheu retornar à essência do seu processo de criação, ao infinitamente íntimo nesta obra. O espetáculo, apresentado em uma turnê mundial com mais de 40 concertos e que também dá nome a este álbum, revisita seu repertório de forma intimista, acompanhado apenas pelo violão de Djodje Almeida.

Roma, 6 de maio de 1938. Enquanto Benito Mussolini e Adolf Hitler firmam sua aliança política — em uma parada com massiva presença da população — Antonietta, dona de casa e mãe de seis filhos, é impedida de ir para ficar em casa cuidando dos afazeres domésticos. Em meio ao caos, seu pássaro de estimação voa até a janela do vizinho Gabriele. Ele, demitido da rádio por ser gay e na iminência de ser preso, não iria a um desfile com essa temática. Entre conversas sobre sonhos, frustrações e desejos, nasce uma amizade extraordinária e um amor platônico que, naquele dia, mudará suas vidas para sempre.

Um quintal se torna palco de encantos em A Botija: um inventário de histórias fantásticas do Nordeste Brasileiro, peça que a Cia. Fabulinhos apresenta. Resultado de uma pesquisa sobre literatura oral realizada nas cidades do sertão potiguar, A Botija conta a história de três netos que retornam à casa da avó, no sertão nordestino, em busca de uma botija de ouro da qual ouviram falar na infância. Ao longo dessa busca, encontram-se com encantados e encantarias, como a caipora, a princesa da serra e a mulher do sonho.

Após uma temporada de sucesso de público e crítica, "Beetlejuice" volta para os palcos paulistanos. Estrelada por Eduardo Sterblitch, a peça é inspirada no clássico de Tim Burton, "Os Fantasmas Se Divertem" (1988), trazendo a estética excêntrica e o humor sombrio que marcam a obra tanto nas telas quanto nos palcos. A peça conta com libreto original de Scott Brown e Anthony King e músicas de Eddie Perfect. A versão brasileira é assinada por Claudio Botelho. A equipe criativa conta com Laura Visconti na direção musical, Renato Theobaldo na cenografia (vencedor do Prêmio DID 2024), Dani Vidal e Ney Madeira no figurino, Sueli Guerra na direção de movimento e coreografia, Dani Sanches no desenho de luz, Gabriel D’Angelo no desenho de som, Anderson Bueno no visagismo e Lucas Pimenta como assistente de direção. A produção geral é de Alyzandra Pessanha.

A nossa temporada de óperas termina com um título pouco encenado no Brasil, mas de grande relevância: Les Indes Galantes, de Jean-Philippe Rameau. Obra-prima do Iluminismo, Les Indes Galantes será apresentada em parceria com o Instituto Francês, celebrando o Ano França-Brasil.Este ballet-héroïque, como chamado pelos autores, faz parte de um subgênero tipicamente francês do século XVIII, a opéra-ballet. Criada em 1735 para a Académie Royale de Musique, Les Indes Galantes é a segunda criação teatral de Rameau e suaprimeira opéra-ballet, e retrata como os europeus do século XVIII viam (ou imaginavam) outros povos.A obra original consiste em uma sequência de quatro dramas líricos independentes, interligados por um tema exposto no prólogo: o amor. Cada um dos dramas, ou atos, é ambientado em um local “exótico” para os franceses do século XVIII: a Turquia, o Peru, a Pérsia e a América do Norte, que dão origem, respectivamente, a O Turco Generoso, Os Incas do Peru, As Flores da Pérsia e Os Selvagens da América do Norte. Para essas histórias, ele compôs uma música vibrante, com grande variedade melódica e rítmica, além de inventividade harmônica.Para a versão paulistana, teremos a honra de receber o premiado diretor musical Leonardo García-Alarcón, assim como a diretora e coreógrafa Bintou Dembélé, uma das pioneiras do hip hop na França. A montagem, que une a dança urbana contemporânea à música sedutora de Rameau, reflete sobre questões universais do colonialismo e será uma profícua oportunidade de encontros e trocas entre artistas brasileiros e franceses.