A CAIXA Cultural São Paulo apresenta a exposição “Dois Indígenas da Amazônia – Vida e Arte”, com os trabalhos artísticos de Dhiani Pa'saro e Duhigó​, dois artistas indígenas que, por meio das técnicas de marchetaria e pintura, expressam a poética do cotidiano vivido nas aldeias e suas tradições, dos mitos e das lendas ambientados nas fascinantes fauna e flora amazônicas. Ambos nascidos em São Gabriel da Cachoeira, na região do Alto Rio Negro, Estado do Amazonas, Dhiani Pa'saro, da etnia Wanano, e a pintora Duhigó, da etnia Tukano, também têm em comum a produção de obras de grande apuro técnico, aprimorado nos estudos, bem como a utilização de materiais de excelência extraídos da floresta. Pa’saro domina a pintura e a marchetaria (produção de elementos em madeira, como móveis e obras de arte). Seus trabalhos, realizados no coração da selva amazônica, abordam o cotidiano, a fauna e flora, expressos por meio de imagens de trançados indígenas elaborados em uma refinada marchetaria. Já as pinturas da artista Duhigó trazem forte componente inspirado na cultura vivenciada nas aldeias Tukano, Barassano e Tuyuca e revelam o universo dos povos originários da Amazônia, representados por cenas do cotidiano, artefatos e elementos mitológicos.​

A exposição imersiva traz uma homenagem aos 40 anos de estreia de um dos seriados de TV mais queridos do Brasil – e de toda a América Latina –, a capital paulista recebe Chaves: A Exposição. A maior mostra sobre Chaves já realizada no mundo acontece no MIS Experience e celebra as quatro décadas de exibição do icônico programa de TV no Brasil, com a reconstrução de mais de 20 cenários emblemáticos que fizeram parte da vida de milhões de espectadores.

“Ainda Dá Tempo” traz uma reflexão divertida e instigante sobre a passagem do tempo e a importância do cuidado que os casais devem ter com o relacionamento, nas suas diferentes fases. A comédia começa com casal de meia idade e seu filho adolescente, que arrumam sua casa que está à venda, para receber compradores. Dois casais, em fases e objetivos distintos, chegam para a visitação e começam a compartilhar as experiências e os desafios que enfrentam em seus relacionamentos. As afinidades entre os gêneros vão se tornando evidentes até que sinais estranhos e misteriosos surgem, o que os leva a uma descoberta surpreendente. Tal situação desperta os casais a questionarem sobre como, no presente, lidam com o seu passado e o que desejam fazer pelo seu futuro.

Para o Coletivo Comum, os deslocamentos forçados de pessoas por conta de guerras, violações de direitos humanos, condições climáticas e perseguições de qualquer tipo são um dos principais temas da atualidade, envolvendo questões individuais e coletivas, políticas e subjetivas. O grupo decidiu, então, fazer desses deslocamentos o seu material de pesquisa para construir o espetáculo “eXílio”. Mantendo a tradição de fazer teatro documental, o Coletivo Comum estruturou cerca de 30 cenas para dar conta da multiplicidade de abordagens referentes ao tema do exílio. São quadros independentes, nos quais o elenco formado por Fernanda Azevedo, Maria Carolina Dressler, Renan Rovida, Renata Soul e Roberto Moura narra as diferentes dimensões envolvidas nas questões envolvendo migração, refúgio e exílio.

Fernanda Torres interpreta uma libertina baiana de 68 anos em “A casa dos budas ditosos”, adaptação para o teatro do livro de João Ubaldo Ribeiro com direção de domingos de oliveira.O espetáculo já rendeu à atriz a vitória do Prêmio Shell em São Paulo e prêmio qualidade brasil de melhor atriz, melhor diretor e melhor comédia em 2004.

Imageria das redes: design e ativismos, com curadoria de Didiana Prata, apresenta por meio de peças gráficas e vídeos um recorte da produção estética dissidente relacionada aos principais acontecimentos que marcaram um período conturbado da história do Brasil de 2019 a 2022, escalonado pela pandemia sanitária, social e política.O projeto curatorial parte desse levante poético e de uma seleção de artefatos gráficos – mini cartazes digitais – extraídos do experimento de net art e design visual Calendário Dissidente. Fruto de uma extensa pesquisa de Prata, esse arquivo digital da memória gráfica e da cultura visual brasileira é constituído com o auxílio de inteligência artificial e permite a leitura de uma narrativa visual cronológica, configurada pelas milhares de imagens capturadas do Instagram – perdidas e embaralhadas na opacidade das redes e agora disponíveis em suporte físico e num espaço público.

Juan Casemiro apresenta a exposição Onze Horas, com curadoria de Julie Dumont e Daniela Avellar, que consiste na instalação Levar Meu Pai para Conhecer e um grupo de vinte trabalhos.O artista evoca experiências pessoais em seus trabalhos: os encontros amorosos, o luto, as incertezas; tanto na configuração das obras como nos títulos. São objetos encontrados nas ruas e em caçambas que, depois de um tempo convivendo no ateliê, onde também o artista mora, se transformam em objetos. Uma espécie de organização da própria vida que fica evidente lendo os títulos dos trabalhos, que faz referências a trechos de músicas, poesias e mensagens de texto que recebe.

Fruto de uma parceria, entre o Museu de Arte Sacra e a Associação dos Amigos de Arte de São Paulo – SOCIARTE, a exposição reúne uma seleção de pinturas de paisagens marinhas, rios e lagos.Um subgênero da pintura de paisagem, as pinturas de marinha são aquelas que se ocupam da representação de cenas, objetos e construções marítimas, mares, praias, tempestades, baías, enseadas, navios, portos e junto as essas cenas foram incluídas a paisagens de rios e lagos. Buscando valorizar e evidenciar a importância das águas através da pintura, a exposição conta com obras de pintores importantes que representaram a riqueza da terra e a diversidade da paisagem brasileira. Essa exposição que tem curadoria de Ruth Sprung Tarasantchi com universo de 85 pinturas de vários artistas – Agostinho Batista de Freitas, Benedito Calixto, Campos Ayres, Clodomiro Amazonas, Gentil Garcez, Glycério Geraldo Carnelosso, João Batista da Costa e Joaquim Dutra, dentre outros.

“Década dos Oceanos - I Mostra Nacional de Criptoarte" visa refletir sobre as novas fronteiras da arte digital movidas pelo advento da blockchain. A exposição se propõe como um espaço de interface física e digital com o público, num ambiente contemplativo e imersivo, combinando elementos artísticos e tecnológicos, com exibição de obras artísticas baseadas na 3ª geração da internet.O projeto destaca a produção de artistas nacionais no cenário da arte contemporânea digital: Alexandre Rangel, biarritzzz, Clelio de Paula, Eduardo Kac, Giselle Beiguelman, Gustavo Von Ha, Hifa Cybe & Maurizio Mancioli, Leandro Lima, Lucas Bambozzi, Monica Rizzolli, Occulted, Rejane Cantoni, Simone Michelin, Suzete Venturelli, Artur Cabral Reis e Francisco de Paula Barretto, Tania Fraga, Vamoss, Sarah Schorr e Gabriel Pereira, Vini Naso, Vitória Cribb.

Pelo terceiro ano consecutivo, a Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo – Osesp celebra o Dia Mundial do Meio Ambiente apresentando um programa especial para a data, com obras que se inspiram na natureza e, quando reunidas em um mesmo concerto pela Orquestra, buscam sensibilizar sobre a urgência da preservação do planeta. Comemorado anualmente em 05 de junho, o Dia Mundial do Meio Ambiente foi criado pela Assembleia Geral das Nações Unidas (ONU) em 1972, e tem como objetivo chamar a atenção para os problemas ambientais e a importância do cuidado com nossos recursos naturais.No dia, a Orquestra interpreta na Sala São Paulo, regida pelo maestro brasileiro José Soares, peças do tcheco Bedrich Smetana (O Moldávia, mesmo nome do rio que corta a terra natal do compositor), do mestre brasileiro Heitor Villa-Lobos (o Prelúdio das Bachianas Brasileiras nº 4) e do também tcheco Antonín Dvorák (a emocionante Sinfonia nº 9 – Do Novo Mundo). Temático, o repertório traz peças de diferentes compositores, contemporâneos e de outras épocas, que de alguma maneira evocam a natureza e a consciência ambiental. Um motivo sempre presente nas mais diversas expressões artísticas e que, nos dias de hoje, mostra-se cada vez mais urgente e inescapável.

O projeto Cinema na Mesa tem como objetivo integrar sessão de cinema ao ar livre, na área externa da Cinemateca Brasileira, seguida de debate com os espectadores e degustação de um menu harmonizado, em diálogo com o filme exibido, criado e elaborado por chefs de cozinha apaixonados por cinema.

Eduardo vive um relacionamento abusivo com seu namorado Michel, agravando-se ainda mais quando decidem morar juntos. Eduardo, por muito tempo, sofreu calado violência física e psicológica provocadas por seu parceiro até que um dia decide denunciar, levando o caso às autoridades, mas o descaso e o preconceito, vindo de quem deveria protegê-lo, cria uma barreira, ainda maior, entre o grito de socorro e o medo de se expor. A violência, então, persiste fazendo com que Eduardo sobreviva a uma estatística, normalmente, atribuída apenas as mulheres.

Maior compositor finlandês de todos os tempos, e mais conhecido por suas sinfonias, Jean Sibelius demonstra aqui sua expressividade no terreno da música de câmara.Professora da Universidade da Costa Rica, Rubia Santos já lecionou nos Estados Unidos e na Alemanha, e vem divulgando a música brasileira nos diversos países em que se apresenta.

O cineasta italiano Federico Fellini (1920-1993) é o homenageado do novo ciclo de cinema da Biblioteca Mário de Andrade. Dono de uma vasta obra que segue influenciando cineastas de todas as partes do mundo, o diretor e roteirista desenvolveu um estilo cinematográfico muito próprio, marcado pela exuberância das imagens e por narrativas que misturam realidade e fantasia, abrindo espaço na sétima arte para as memórias, sonhos e desejos.A mostra acontece justamente no centenário de nascimento do ator italiano Marcello Mastroianni (1924 - 1996), grande colaborador de Fellini e protagonista de duas de suas obras-primas "A Doce Vida" (1960) e "Oito e Meio" (1963), exibidas durante o evento.

O ator e dramaturgo João Paulo Lorenzon e o diretor Elcio Nogueira Seixas se reencontram para montar mais uma peça inspirada no universo do renomado escritor argentino Jorge Luis Borges (1899-1986). Trata-se do solo Quase Infinito.A primeira parceria entre os dois criadores aconteceu em 2008, quando eles montaram “Memória do Mundo”, peça fundação de uma amizade lírica animada pelo sopro poético de Borges. A cegueira do gênio argentino guiou a dupla por labirintos da experiência teatral que iluminaram a trajetória de ambos os artistas. O espetáculo surgido deste encontro carregava uma torrente de afetos e desafios sensoriais que viriam a tornar-se o veio criativo de Lorenzon, donde brotariam todos os seus inquietantes trabalhos. Ao longo dos últimos 15 anos de amizade, além da admiração mútua, Lorenzon e Seixas não viam a hora de voltar a visitar a obra de Borges. E a oportunidade surgiu durante a pandemia de Covid-19, quando Lorenzon começou a escrever a dramaturgia de Quase Infinito e convidou o amigo para dirigi-lo em cena novamente. Escrita em cinco atos, Quase Infinito nasceu das inquietações vividas pela humanidade – e pelos próprios alunos de teatro de Lorenzon – em meio ao isolamento social e à impiedosa quantidade de vidas perdidas nesse período. A peça representa alguns dos grandes enfrentamentos da condição humana inspirados pelo universo de Borges.

A música de Minas Gerais, celebrada pelos quatro cantos do mundo, ganhou vitrine ímpar no início dos anos 70 com o lançamento da pérola “Clube da Esquina” (1972), álbum que consagrou Milton Nascimento, Lô Borges e revelou uma safra primorosa de compositores e letristas do estado. O disco, considerado um dos melhores da música brasileira de todos os tempos, traz parcerias também com Beto Guedes e abriu caminho para artistas como Flávio Venturini, Tavito, Toninho Horta, Wagner Tiso e diversos outros grandes nomes da nossa cultura. A história cuidou de guardar um lugar muito especial para todos estes ícones que hoje são celebrados no Brasil e mundo afora. E foi pensando justamente nisso que surgiu o desejo de reunir três das maiores referências dessa preciosa geração no mesmo palco.

A exposição Leste do Éden será realizada simultaneamente nas galerias Estação e Millan. A mostra, que tem curadoria de Antonio Gonçalves Filho, reúne 35 trabalhos de três ícones da pintura de diferentes gerações: os brasileiros Júlio Martins da Silva (1893–1978), Paulo Pasta (1959) e o uruguaio Pedro Figari (1861–1938). Na Galeria Estação estarão expostas 17 telas: cinco de Júlio, quatro de Figari e oito de Pasta. Na Millan, o público terá acesso a 18 trabalhos: cinco de Júlio, quatro de Figari e nove de Pasta.Para o curador Antonio Gonçalves Filho, a nova mostra, Leste do Éden, é um convite à percepção de que Júlio, Pasta e Figari têm em comum o sentimento de exílio simbolizado no título da exposição, que faz referência a um território bíblico chamado Nod, habitado por Caim após matar seu irmão Abel. Viver em Nod, “a leste do Éden”, seria uma espécie de punição, e a sobrevivência às diferentes formas simbólicas de exílio, explica o curador, é um traço que se manifesta de forma nítida nas paisagens transfiguradas que compõem a exposição – algumas vezes idílicas, caso das telas de Júlio, outras vezes alegóricas, como nas pinturas de Figari, ou atmosféricas, caso das criações que remetem a memória afetiva de Pasta.

A exposição Leste do Éden será realizada simultaneamente nas galerias Estação e Millan. A mostra, que tem curadoria de Antonio Gonçalves Filho, reúne 35 trabalhos de três ícones da pintura de diferentes gerações: os brasileiros Júlio Martins da Silva (1893–1978), Paulo Pasta (1959) e o uruguaio Pedro Figari (1861–1938). Na Galeria Estação estarão expostas 17 telas: cinco de Júlio, quatro de Figari e oito de Pasta. Na Millan, o público terá acesso a 18 trabalhos: cinco de Júlio, quatro de Figari e nove de Pasta.Para o curador Antonio Gonçalves Filho, a nova mostra, Leste do Éden, é um convite à percepção de que Júlio, Pasta e Figari têm em comum o sentimento de exílio simbolizado no título da exposição, que faz referência a um território bíblico chamado Nod, habitado por Caim após matar seu irmão Abel. Viver em Nod, “a leste do Éden”, seria uma espécie de punição, e a sobrevivência às diferentes formas simbólicas de exílio, explica o curador, é um traço que se manifesta de forma nítida nas paisagens transfiguradas que compõem a exposição – algumas vezes idílicas, caso das telas de Júlio, outras vezes alegóricas, como nas pinturas de Figari, ou atmosféricas, caso das criações que remetem a memória afetiva de Pasta.

Um dos pioneiros do hip hop brasileiro, Gabriel O Pensador foi o primeiro rapper a difundir o gênero na língua portuguesa nos países lusófonos, ao quebrar a barreira do mainstream com seu disco de estreia em 1993. Um ano antes, sua fita demo independente de Tô feliz (matei o presidente) havia sido censurada pelo governo de Fernando Collor já sob processo de impeachment.

A Batekoo, plataforma de entretenimento e cultura voltada para as comunidades preta, periférica e LGBTQIA+, realiza mais uma edição de sua tradicional festa dedicada ao mês do orgulho LGBTQIA+, que já foi realizada em mais de 10 edições.

A história de Rael se confunde com a da cultura hip hop e a do rap nacional. Isso porque o primeiro contato do artista nascido no Jardim Iporanga, na Zona Sul de São Paulo, foi no Largo São Bento, berço do movimento no Brasil. Se o break foi o que despertou o interesse dele pela arte, foi o Racionais MC’s que chamou a sua atenção para a música. Desde cedo, então, arriscou alguns covers e rimas, mas foi a partir de 2000, quando criou o coletivo Pentágono – ao lado de Apolo, Massao, Dodiman, Paulo Msário e DJ Kiko – que a sua caminhada começou a se configurar de maneira mais sólida.Após dois discos e um EP com o Pentágono, Rael entrou em um processo criativo de composição que lhe permitiu pensar também em um primeiro trabalho-solo: MP3 – Música Popular do Terceiro Mundo (2010). As atividades do Pentágono se encerram em 2012, então o cantor e compositor paulista passou a se dedicar totalmente à própria caminhada.Rael já participava de alguns shows de Emicida quando ele virou um artista do selo do rapper, a Laboratório Fantasma. O trabalho conjunto deu novas dimensões à sua carreira. Produzido por Beatnick & K-Salaam, que já trabalharam com Mos Def e Lauryn Hill, o álbum Ainda Bem Que Eu Segui As Batidas Do Meu Coração (2012) deu um maior alcance ao artista. Foi com o EP Diversoficando (2014), contudo, que Rael explodiu de forma nacional. Parte do sucesso se deu pelo single “Envolvidão”, cujo videoclipe soma mais de 100 milhões de views. Rodou pelas principais casas de show do país, tocou nos mais relevantes festivais, fez shows nos Estados Unidos, no Canadá, na Europa, na Oceania e ainda dividiu o palco com artistas do calibre de Caetano Veloso, Elza Soares, Seu Jorge e Jair Rodrigues.Contemplado pelo edital da Natura Musical, Rael chegou com o disco Coisas do Meu Imaginário em 2016. Com produção de Daniel Ganjaman e participação de Black Alien, Chico César, entre outros, o trabalho rendeu a Rael uma indicação ao Grammy Latino na categoria melhor álbum de música urbana, concorrendo com nomes de toda a América Latina. A outra indicação que teve no Grammy Latino foi com a música “A Chapa É Quente”, do projeto Língua Franca (2017). Em 2017, Rael ganhou o Prêmio da Música Brasileira na categoria “Melhor Cantor de Pop/Rock/Reggae/Hip Hop/Funk”.Em 2020, ele lançou um EP acústico em que se dedica – pela primeira vez – ao formato tão celebrado pelos seus fãs e pela audiência brasileira. Trata-se do EP Capim-Cidreira (Infusão), foi feito com o objetivo de se tornar um instrumento de ajuda a superar os desafios impostos pela pandemia do novo coronavírus. Em 2021, Rael se uniu à cantora Céu e RDD no single “Passiflora”, um convite para uma reflexão urgente sobre saúde mental, autocuidado e emergência climática, tornando cada vez mais efetivo o seu discurso a respeito do meio ambiente e do autocuidado.

A galeria apresenta, em parceria com o Instituto Tomie Ohtake, Infravermelho, uma individual da artista nipo-brasileira Tomie Ohtake (1913-2015). Paulo Miyada, diretor artístico do Instituto, atua com Rodrigo Ohtake, arquiteto e vice-presidente estatutário da instituição, para desenvolver, respectivamente, a curadoria e a expografia da exposição. Na ocasião em que a obra de Tomie Ohtake é apresentada pela primeira vez na mostra principal da Bienal de Veneza, Infravermelho oferece uma oportunidade de adensar o olhar sobre uma importante etapa do trabalho da artista. Na exposição, pinturas e esculturas relevantes para a compreensão da produção de Tomie Ohtake nos anos 1990 são apresentadas em um arranjo que enfatiza sua analogia cosmológica. Hoje, perante o impacto das imagens produzidasa partir dos dados coletados pelo telescópio James Webb, cujos equipamentos captam a luz no espectro infravermelho, que é invisível aos olhos humanos, vivemos um momento de renovação do imaginário coletivo sobre as origens, a expansão e os limites do espaço – o qual cria a oportunidade de reinquirir o que há de cósmico na obra de Ohtake. Críticos como Frederico Morais e Miguel Chaia também já se debruçaram sobre a então chamada “Fase Cósmica” de Tomie Ohtake.Na década de 1990, já consagrada como importante artista abstrata brasileira e pessoa pública referencial para a comunidade nipo-brasileira, Tomie Ohtake concluiu sua transição do uso da tinta à óleo para a exploração da tinta acrílica. Esse momento coincidiu com a passagem de um processo criativo baseado em estudos com colagens de papéis recortados para a investigação direta da pinturaa partir de formas sintéticas – círculos, espirais, ovoidese ameboides. Na mesma década, Ohtake iniciou sua produção de esculturas enquanto linhas metálicas curvas, modeladas em escala humana a partir de modelos em arames diminutos.

Em 2024, a Sala São Paulo traz para seu palco mais uma temporada da adorada série Encontros Históricos. Após quatro edições recebendo grandes nomes da nossa música popular acompanhados da Brasil Jazz Sinfônica, entre 2020 e 2023, esta nova safra de concertos chega com novidades: formado por 20 músicos brasileiros, o grupo instrumental São Paulo Big Band é o novo residente do projeto.

Um dos maiores nomes da música romântica no Brasil, Fábio JR traz para os palcos o seu show especial de dia dos namorados.

A exposição reúne peças arqueológicas originais da época pré-romana pertencentes à cultura Daunia (IV e II século a.C.). A exposição tem curadoria assinada por Massimo Osanna, Diretor Geral dos Museus do Ministério da Cultura italiano, e Luca Mercuri.Os materiais selecionados para a exposição provêm, em grande parte, dos depósitos dos museus arqueológicos das mais importantes cidades de Puglia, Bari e Taranto, além da própria Canosa – onde ainda hoje é possível visitar os sítios em que algumas peças foram encontradas. É a primeira vez que armaduras, jóias, cerâmicas, acessórios matrimoniais, ornamentos e outros importantes artefatos arqueológicos são expostos no Brasil.A península italiana, antes da unificação ocorrida sob o domínio de Roma, era habitada por povos muito diferentes entre si do ponto de vista cultural. Na Puglia, desde a segunda metade do VII século a.C., conviviam os colonos gregos que haviam fundado Taranto algumas dezenas de anos antes, os Messapi no sul da região, os Peucezi no centro e os Dauni na parte mais setentrional.A exposição ilustra os traços peculiares da cultura desses últimos, os Dauni, através de artefatos arqueológicos provenientes de um dos principais centros da região, a área da atual Canosa di Puglia. Aqui, entre o IV e o II século a.C., os príncipes, personalidades das elites locais, eram sepultados em tumbas de família, escavadas no tufo local, os hipogeus, com ricos acessórios funerários que ostentavam, diante da comunidade, os seus status econômico e cultural.

Especial Dia dos Namorados

Raça Negra comemora 40 anos de carreira. A banda revisitará seus maiores sucessos.

Formada nos anos 90, Interpol é uma banda de rock surgida em Nova York e conta em sua formação atual com Paul Banks (vocal, guitarra), Daniel Kessler (guitarra, vocais) e Sam Fogarino (bateria). O trio traz uma sonoridade cheia de linhas de baixo e guitarras harmoniosas, no melhor estilo pós-punk, sendo um dos grupos associados à cena musical independente da cidade estadunidense. Entre seus maiores sucessos, podemos destacar as composições “Evil”, “ All The Rage Back Home” e “Obstacle 1”. O grupo tem sete álbuns lançados. Nesta turnê, que passa pelo Brasil em junho de 2024, irão homenagear os dois primeiros trabalhos, "Turn on the Black Lights" (2002) e "Antics" (2004). Com mais de 20 anos de carreira, Interpol promete um show de rock inesquecível e cheio de energia.

Primeiro encontro nos palcos do ator Tony Ramos e da atriz Denise Fraga, O que Só Sabemos Juntos é um chamado urgente. Uma convocação para que cada pessoa saia de sua bolha de isolamento e seja capaz de, genuinamente, se colocar no lugar do outro, sentir suas dores e compreender suas angústias, mas também suas alegrias, transformações e conquistas. Denise e Tony são mais do que dois dos mais célebres e reconhecidos atores do Brasil: ambos são conhecidos por sua consciência cidadã e sua necessidade de estarem sempre em diálogo artístico com temas urgentes da vida do país e do mundo.Valendo-se de dispositivos de interação direta e delicada com a plateia (alguns dos quais já foram experimentados com sucesso em Eu de você), O Que Só Sabemos Juntos se pretende um espetáculo-festa-despertador, uma mola propulsora que tira o espectador da apatia, de sua tela e o convoca a experimentar no aqui e agora, emoções, ações e, principalmente, entender que todos dependemos uns dos outros nessa peça, como na vida. Imaginar mundos possíveis juntos, e construir com o público, daquele dia, o espetáculo.Uma coisa é ler a notícia de que dezenas de milhares de pessoas abandonaram suas casas às pressas, que milhares foram massacradas em um único dia, que centenas buscam refúgio ou foram violentadas naquela tarde. Tudo isso são só números, abstratos, distantes. São? Mas, se ao contrário, ouvimos histórias das pessoas envolvidas, sabemos de suas circunstâncias íntimas, seus desejos e emoções, talvez possamos nos identificar com elas e saber que poderíamos ser nós que estaríamos em seu lugar. Ou ainda, que precisamos agir coletivamente, agora. Sair da frieza dos números e alcançar o calor das histórias. Sensibilizar, sem sentimentalismo, com uma linguagem refinada, muito humor e senso crítico.

Em “A Menina e o Tempo”, A Trupe Pé de Histórias apresenta Nina uma menina que tem tantos compromissos que nunca sobra tempo para fazer aquilo que mais gosta, brincar. No fim de semana, quando Nina e seu pai passariam brincando, os dois perdem-se em seus smartfones e abre-se uma fenda no tempo. Agora, sem energia nem Wi-Fi, Nina não tem aplicativos para voltar pra casa. Para encontrar o pai e aproveitar o tempo perdido, ela conta com a ajuda da tartaruga Antígona, a libélula Efêmera e a siri Siri.O espetáculo inclui diversas canções, em sua maioria autorais, que conduzem à narrativa, incluindo referências que conquistam também o público adulto. As canções são interpretadas ao vivo.

Black Alien retorna a São Paulo para mais um show que promove o seu trabalho de estúdio mais recente, chamado “Abaixo de Zero: Hello Hell”. A apresentação, que reúne singles recentes e algumas faixas de grande importância dentro da sua trajetória.Conhecido por fazer parte do Planet Hemp e pelas rimas afiadas e inteligentes, o MC é reverenciado desde o seu álbum de estreia, “Babylon by Gus – Vol. 1: O Ano do Macaco” (2004). A sua obra atual venceu dois prêmios de melhor disco do ano em 2019.

Fernando Anitelli, a voz e a alma por trás do renomado grupo O Teatro Mágico, convida o público para uma experiência única e intimista com seu espetáculo "O Teatro Mágico - Voz & Violão". Com um histórico de mais de 4 milhões de álbuns vendidos, 8 CDs autorais, 3 DVDs e 4 músicas em novelas, Anitelli continua a encantar audiências ao redor do mundo. Inspirado pelo cancioneiro popular e pela essência vibrante da música independente nacional, Anitelli mergulha em suas raízes, trazendo clássicos e sucessos inesquecíveis como "O anjo mais velho", "Pena", "Camarada d’Água" e "Nosso pequeno castelo"

Uma espécie de tributo aos grandes musicais americanos, Um Dia na Broadway volta em cartaz, com direção de Billy Bond.A história começa com a chegada de uma família de férias em Nova York. Acompanhado pelos filhos, um casal viaja para Nova York a fim de comemorar o aniversário de casamento na cidade onde se conheceu e se apaixonou. Logo há um desencontro e as crianças se perdem dos pais no Metrô da Grand Central Station.A partir de então, na tentativa de reencontrá-los, os irmãos se aventuram por lugares onde acreditam que encontrarão o casal. Sabem que os pais são fanáticos por teatro, portanto, na busca, visitam os teatros da Broadway e assistem trechos de musicais clássicos. Na plateia, o público acompanha a saga da família e se delicia com as cenas concebidas por Billy para reproduzir a atmosfera de dez dos mais famosos musicais de todos os tempos, em imagens, figurinos, cenários e músicas cantadas ao vivo.São eles: Priscila (ao som de It’s Raining Men), Evita (Don’t cry for me Argentina), Chicago (All that jazz), Grease (Summer Night), Les Miserable (One day more), Mary Poppins (Supercalifragilistic), A Bela e a Fera (Beauty and beast) Fantasma da Ópera (The Phantom of the Ópera), Cats (Memories) e Mamma Mia (Dancing Queen).

Conhecida por sua voz potente e versos fortes, a cantora DAY LIMNS leva para os palcos sua nova turnê, “VÊNUS≠netuno Tour”. O show inédito chega após a estreia da artista nos palcos do Lollapalooza Brasil 2024. Trazendo à toda sua verdade e vulnerabilidade, o show é baseado no segundo álbum de estúdio, “VÊNUS≠netuno”, uma obra inovadora que promete redefinir o cenário do pop/rock brasileiro.A “VÊNUS≠netuno Tour” é a primeira turnê da nova era de DAY, sucedendo seu último show inspirado no álbum “Bem-Vindo ao Clube”, de 2018. Agora, com uma pegada mais rock ‘n roll, a goiana investe em acordes potentes em meio à jornada de auto libertação, carregada de raiva, paixão e uma pitada de inocência de seus trabalhos anteriores.

Após dois anos de pesquisas com antropólogos, antropólogas, pajés e lideranças indígenas, o coletivo 28 Patas Furiosas compreendeu que, para alguns povos ameríndios, o sonho é incorporado como um fenômeno que incide sobre a realidade das aldeias, podendo ser revertido em ações de cura ou mesmo na transformação da organização social e política daquela comunidade. Partindo desta ideia, o grupo criou o espetáculo Um Jaguar por Noite.O coletivo mergulhou nas cosmologias dos povos Xavante, Kamayurá e Guarani para discutir como o ato de compartilhar sonhos é capaz de coletivizar essa experiência. E, ao mesmo tempo, como sonhar é uma forma de transitar entre mundos, percorrer caminhos, extrapolar geografias, deslocar-se e alterar-se.Numa instalação cênica formada por painéis de luzes oníricos, confetes e colchões infláveis, ao longo de 90 minutos, o grupo busca proporcionar ao público uma vivência única no teatro: ao preparar o espaço cênico para dormir, o grupo reflete sobre a dificuldade de se ter um sono de qualidade nas cidades. E, para adicionar outras camadas ao texto, o elenco procura se lembrar dos sonhos perdidos nas suas memórias.

Luna é uma onça com poderes mágicos que está prestes a assumir o lugar de sua mãe: a Rainha Marica. Elas vivem em um Pantanal encantado com arvores vivas, animais de todas as espécies e muitas aves que colore tudo com suas cores e cantos. Mas tudo dá errado quando Luna, curiosa, sai para conhecer a sua reserva e é capturada por um caçador cruel que a prende no Circo Malvadoso S\A. É quando sua mãe sai para resgatá-la.Esta deliciosa aventura musical foi escrita por Maciel Silva, que também assina a direção. No elenco estão Allex Duran, Bárbara Trabasso, Chinthia Azevedo, Gregory Pena e Tamires Souza.

Neste espetáculo, um grupo de jabutis brasileiros vivem a contar histórias do seu povo à sombra da árvore sagrada, o Irôko. Os personagens dão vida a três contos, ancorados na tradição Nigeriana do povo Iorubá. Tudo enraizado na cultura oral, que é, sobretudo, tecnologia ancestral. O espetáculo estima povoar o imaginário de crianças, jovens, famílias e educadores, com a realidade plural africana, para provocar os espectadores com temas importantes como: ancestralidade, intolerância religiosa, vida em comunidade, e muitos ensinamentos afro-referenciados.

No ano dedicado às Histórias da diversidade LGBTQIA+ no MASP, o museu apresenta pela primeira vez uma exposição do coletivo Gran Fury na América Latina, grupo considerado referência para as práticas de ativismo artístico das décadas de 1980 e 1990. Formado em 1988 em Nova York, o Gran Fury emergiu de uma organização chamada ACT UP (Aids Coalition to Unleash Power) [Coalizão da Aids para Libertar o Poder], composta por indivíduos e grupos de afinidade dedicados a tornar criticamente público o silêncio e a posição negligente do governo dos Estados Unidos sobre o HIV/aids. Em sua atuação, pressionou o trabalho de órgãos governamentais para o aumento da criação de políticas públicas de tratamento e conscientização.

A produção intelectual de Mário de Andrade (São Paulo, 1893—1945) sobre música, artes visuais e arquitetura, seus romances, contos e poemas, além dos levantamentos etnográficos realizados pelo artista, foram e continuam sendo centrais para a compreensão do modernismo no Brasil e para a construção de uma ideia de identidade brasileira. O autor de Pauliceia desvairada (1922) e Macunaíma (1928) participou da Semana de Arte Moderna (1922), foi colecionador de arte e de folclore brasileiro, realizou registros fotográficos e fonográficos de suas viagens pelo país e criou o SPHAN – Serviço de Patrimônio Histórico e Artístico Nacional, o primeiro órgão no gênero.As atividades e os escritos de Andrade, bem como a correspondência que manteve com seus contemporâneos do meio cultural, vêm sendo objeto de estudo desde seu falecimento. Contudo, somente em 2015, setenta anos após sua morte, quando todos os seus escritoscaíram em domínio público, a produção literária de Mário de Andrade começou a ser analisada à luz de suas preferências homoafetivas, um assunto considerado tabu até então.Mário de Andrade: duas vidas será a primeira exposição a tratar do olhar queer do colecionador a partir de uma seleção das obras de arte e imagens sacras por ele reunidas, hoje sob a guarda do Instituto de Estudos Brasileiros da Universidade de São Paulo. A exposição será composta majoritariamente por desenhos e gravuras, sendo alguns apresentados pela primeira vez ao público, bem como um conjunto de fotografias captadas por Mário em suas viagens ao norte e nordeste do Brasil entre 1927 e 1935

Ao longo de três temporadas, desenvolvidas entre 2018 e 2022 com diferentes equipes curatoriais, o projeto MASP Renner convidou e acompanhou o processo criativo de 26 duplas de artistas e estilistas que conjuntamente produziram 78 roupas criadas especialmente para o acervo do museu. A exposição Arte na moda: MASP Renner reúne pela primeira vez todas as peças.O MASP Renner radicaliza a ideia de uma criação conjunta entre artistas e estilistas, sendo um dos poucos exemplos no mundo de museus cuja coleção de moda é composta por roupas que foram produzidas diretamente para o acervo, sem circulação prévia. Essa especialidade traz a reflexão sobre a roupa como obra de arte, e não como documento histórico ou item autoral que passa a integrar acervos após seus usos.Nesse sentido, cada dupla tensiona as relações e limites entre arte e moda a partir de três categorias e de suas possíveis interseções: a transposição das imagens produzidas pelos artistas para as modelagens utilizadas pelos estilistas; a criação de roupas que aproximam os procedimentos e materiais em comum na produção de ambos, lidando com a roupa em seus aspectos escultóricos; e, por fim, a experimentação dos limites conceituais e simbólicos de uma roupa, aproximando-a de debates sobre design especulativo e outras áreas de produção, como a arquitetura.

O Taste reúne chefs renomados, os melhores restaurantes de São Paulo, aulas ‘mão na massa’ e diversas atrações artísticas e da cultura gastronômica.

A Exposição apresenta um dos mais importantes símbolos da cultura brasileira, que se consolidou como tal a partir dos anos de 1990. Considerado Patrimônio Cultural Brasileiro, o Maracatu Rural ou Baque Solto vêm do território da Zona da Mata pernambucana, produzida pelos trabalhadores da monocultura do açúcar. A mostra faz um panorama desde o período da escravidão até os dias de hoje. Apresentada através de fotografias, objetos, documentos, artesanato, personagens, figurinos e vídeos a exposição, busca o entendimento da sociedade sobre a formação do homem nordestino canavieiro, que além de manter viva a sua própria cultura, influenciou artistas de diversos segmentos – música, artes-plásticas, artesanato, cinema e dança.

A mostra é um convite ao público para conhecer, mais de perto, a menina dos olhos de Oyá, a filha de Dona Canô e Seu Zezinho, a voz que encanta e emociona multidões por onde passa. A exposição leva ao público um olhar poético sobre a artista e realça seus laços com a literatura, destacando sua ligação com autores como Vinicius de Moraes, Clarice Lispector e Fernando Pessoa.

Após uma temporada de sucesso em 2023, o musical retorna aos palcos paulistanos. A história se passa em 1595, na Inglaterra, antes de Shakespeare escrever Hamlet, considerada sua obra de maior destaque. Na época em que acontecem os fatos, o dramaturgo já fazia enorme sucesso com Romeu e Julieta, entre outros trabalhos. Concorrentes do Bardo, Nick e Nigel do Rêgo Soutto precisam montar uma nova peça, mas a falta de criatividade para lançar algo que faça mais sucesso que os trabalhos de Shakespeare os deixa em apuros. Nick, o mais velho dos irmãos, resolve, então, consultar um vidente para saber qual será o maior sucesso dos palcos no futuro. É aí que Nostradamus – o sobrinho – prevê que o público vai adorar peças em que a história é apresentada por meio de canções, além de muita dança. O até então desconhecido musical.Além de satirizar o gênero, a peça fala sobre a crise criativa de autores, sobre o machismo que impedia mulheres de trabalharem, a religião usada como instrumento para repressão, além, claro, de homenagear a obra de Shakespeare. Tudo isso de maneira inteligente e engraçada. O espetáculo ainda traz muitas referências a outros musicais famosos e às obras do Bardo, inclusive o próprio Shakespeare como personagem, carinhosamente chamado de Will; a destemida e feminista Bea, esposa de Nick; o sobrinho de Nostradamus; além do religioso Irmão Jeremias, que não aprova os desejos de Portia, sua filha.

A quem é dado o direito de inventar mundos? Quais origens de mundo conhecemos? Que mitos constituem nosso inconsciente colonial? Que outros mundos já existem entre nós? Imaginar um mundo é desejo ou privilégio? A imaginação de tudo importa. Sistemas políticos de dominação foram imaginados, desejados e ficcionados ao longo de séculos por modos de vida supremacistas e seguiram retroalimentados por eles. O teatro é uma tecnologia de invenção de mundos. Nós acreditamos na fabulação como prática de vitalidade, friccionando mundos dentro e fora de nós na produção de imagens, corpos, narrativas, forjando nova imaginação coletiva. Este é um projeto que coloca o teatro no epicentro da engrenagem de invenção de modos de vida que reexistem às inúmeras formas de massacre colonial, desse e de outros tempos.

Os anfitriões Mickey e Minnie mouse conduzirão o público a uma expedição por mares agitados, montanhas cobertas de neve e chegarão até a ponte de Calêndula, em Disney On Ice 2024. A aventura apresenta Moana, Frozen, Viva - A Vida É Uma Festa e A Bela e a Fera da Disney juntamente com outros personagens que estão presentes na memória do público patinando em São Paulo.

O cantor traz a nova versão do inesquecível espetáculo "Classics", conhecido por sua atmosfera apaixonante e nostálgica, e promete transportar o público para uma viagem através das décadas de 70, 80 e 90 com os maiores hits da música romântica.

Belo sobe ao palco com a turnê Belo In Concert. No repertório do show, estão sucessos como “Desafio”, “Eternamente”, “Tua Boca”, “Quero Te Amar”, “Intriga da Oposição”, “Pra Ver o Sol Brilhar”, “Tudo Mudou”, “Reinventar”, “Incondicionalmente”, além de regravações como “Começo Meio e Fim”, “Como é Grande o Meu Amor Por Você”, e as mais recentes “De Alma Aberta” e “Abstrato Invisível”, entre outras.

A exposição é uma imersão na expressão artística urbana do artista Deddos. Com curadoria de Tito Bertolucci e Lara Pap, a mostra oferece uma oportunidade ímpar para os apreciadores da arte contemporânea explorarem as raízes da cultura urbana e suas influências na sociedade moderna.Deddos, nome artístico de Renan Carlos Albaquiara, é um artista do bairro do Cambuci, berço de inúmeras referências na arte de rua. Desde sua incursão no universo artístico em 1999, Deddos tem se destacado por sua abordagem singular no estilo lambe-lambe, uma forma de expressão que lhe permite traduzir sua visão artística diretamente para as ruas e, agora, para as paredes da galeria.Inspirado pelos mestres do cubismo como Picasso, Matisse e Miró, bem como pelo surrealismo de Salvador Dalí, Deddos encontrou em suas obras a liberdade para criar uma identidade única.

Especial de Namorados

No ano de 1790, a Academia Francesa convocou um grupo de cinco cientistas para o estabelecimento de parâmetros de medição e volume, a fim de evitar as variantes regionais e de interesse pessoal espalhadas no continente europeu. Após cinco anos de investigações, os critérios foram estabelecidos por decreto de lei, no total de seis unidades decimais (metro, acre, estéreo, litro, grama e franco), gradativamente implementadas nas colônias francesas – mas não sem alarde. Curiosidades à parte, fato é que tais definições, por mais que se almeje uma universalidade de determinação espacial, são acima de tudo paradigmas estabelecidos para o desenvolvimento do universo científico. Portanto, sua natureza é mais abstrata do que concreta e seus pais fundadores, homens eurocêntricos (como o matemático italiano Fibonacci, ou os religiosos franceses Gabriel Mouton e Jean Picard, os noruegueses Simon Stevin e Christiaan Huygens, entre outros, ao longo da história).É dessa percepção que a artista Adalgisa Campos tem realizado ao longo de mais de duas décadas a subversão de uma série de protocolos e convenções de esquadrinhamento do mundo, tomando seu corpo (feminilizado, branco, cis) como referencial de dimensão e dando a essa prática o nome de Coleção de Medições.

Mariana Aydar - Um show pra lá de dançante e animado, já percorreu muitas cidades do Brasil e do MundoContagiante, conta com clássicos desse universo nordestino tão rico, além de releituras não necessariamente do gênero, adaptadas para o ritmo tão enraizado na cultura brasileira.

Exposição individual da artista portuguesa Cristina Ataíde, com curadoria de Lillian Frajii. Cristina traz uma visão holística e atenta para a natureza em suas esculturas, desenhos e instalações, dando voz à questões ambientais que vão do Brasil à Portugal.A sua obra, feita muitas vezes em viagem, transita entre a escultura e o desenho passando pela fotografia e vídeo. Expõe com regularidade desde 1984 e as grandes instalações e o site-specific, ocupam um importante lugar nas suas mostras. As preocupações com natureza e sua preservação é uma das constantes do seu trabalho e pesquis

Silvia Machete, a cantora que nunca beijou na primeira noite, fará uma festa para comemorar o lançamento do seu novo álbum: INVISIBLE WOMAN. Com sua personagem RHONDA, ela sobe no novo palco da Casa de Francisca em grande estilo, acompanhada por sua banda fenomenal que embala a grande noite. As canções mais dançantes como SEPTEMBER, INVISIBLE WOMAN, FERRIS WHEEL e TWO KITES de TOM JOBIM, estão incluídas no repertório assim como NO ONE ELSE AROUND de TIM MAIA, gravado no álbum RHONDA.

TrabalhaDORES traz à cena histórias dos trabalhadores, sobretudo os que durante a pandemia mais se desligaram por morte devido à COVID-19: os motoristas e cobradores de ônibus. O elenco embarca rumo às dores, faltas e desejos desses sujeitos em trânsito. Dentro de um ônibus, costuram em sua encenação canções, textos e projeções conectadas às vivências do coletivo no Terminal Parque Dom Pedro II.Com manifestos escritos pelo poeta Marcelino Freire, a arquiteta e pesquisadora Ermínia Maricato e o urbanista Nabil Bonduki, a montagem é fruto da pesquisa desenvolvida através da 38° Lei de Fomento ao Teatro para a Cidade de São Paulo.A Trupe Zózima é um grupo brasileiro de teatro. Desde 2007, o ônibus (Omnibus: para todos) é o lugar onde a Trupe tece um teatro do encontro sem fronteiras. E, desde 2009, a Trupe reside artisticamente no Terminal Urbano Parque Dom Pedro II, por onde circulam diariamente mais de 200 mil pessoas.

Ayô Tupinambá convida Fabiana Cozza e Camila Trindade para uma experiência única de samba e feminilidade na "Noite Mulheridades no Samba".Sob a liderança carismática de Ayô Tupinambá, esta noite promete uma celebração do talento e da diversidade feminina na música. O samba que conhecemos hoje é fruto de suas Yalodes, mulheres pretas que lideravam as de samba, que abriram suas casas e corações para a irreverência do maior ritmo do Brasil. São elas as donas do grande poder feminino e do axé que envolve o samba.

Celebre 37 anos de história do Nenhum de Nós em uma noite única! Reviva os sucessos e a energia contagiante desta banda icônica do rock nacional.

Mito-linguagem é uma performance que combina música programática e dança contemporânea. A partir das “6 Metamorphoses after Ovid” de Benjamin Britten, os intérpretes se metamorfoseiam em seis personagens da mitologia greco-romana trazidos para o contexto contemporâneo: Baco, Narciso, Faetonte, Pã, Niobe e Aretuza. Nesta performance, o oboé não é apenas um acompanhamento musical para a dançarina, mas ele é também incorporado à cena, de modo que dança e música assumem igual protagonismo. A performance é uma colaboração entre a bailarina Carolina Paes de Barros e o oboísta Nicolas Nemitz, e contou com a provocação de Irupe Sarmiento.

Adaptação da primeira versão do texto de William Shakespeare, mais enxuta e dinâmica. Hamlet, príncipe da Dinamarca, deseja vingar a morte do rei, seu pai, executado pelo próprio irmão, Cláudio, que se casou com a rainha e se tornou rei daquele país. Hamlet se encontra cada vez mais determinado a vingar a morte do pai, mas acaba se deparando em diversas dúvidas, morais e filosóficas.

Turnê dos Namorados

O Balé da Cidade de São Paulo inicia sua temporada de apresentações no palco do Theatro Municipal com uma nova criação da artista cubana Judith Sanchéz Ruíz, cujo trabalho é norteado por questões como casualidade e complexidade humana, improvisação, comunidade e ativismo. Suas coreografias não se baseiam na mecanização ou na memória do movimento, mas sim nas ramificações e camadas de temas numa rádio, conceito utilizado nas suas duas últimas peças mais significativas, ENCAJE (2017) e My Breast on the Table (2019). Na mesma noite será apresentada a remontagem da coreografia dos artistas brasileiros Beatriz Sano e Eduardo Fukushima, que terão coreografado o Balé da Cidade de São Paulo em dezembro de 2023, como resultado de um edital para coreógrafos lançado pela primeira vez também em 2023. O edital visa fomentar novas colaborações com coreógrafos que não necessariamente tenham coreografado grandes companhias anteriormente e a proposta da dupla foi escolhida por uma banca formada por representantes dos bailarinos, o diretor artístico Alejandro Ahmed e a integrante do comitê curatorial do Theatro Municipal de São Paulo, Ana Teixeira.

As artistas Marina Woisky (1996, São Paulo, SP) e Julia Gallo (1997, Rio de Janeiro, RJ) inauguram a exposição VRUMMM na Millan. Com texto crítico da curadora Pollyana Quintella, a mostra ressalta o interesse partilhado pela dupla na criação de imagens ambíguas e difíceis de serem decifradas, que aludem a corpos humanos e animais.A mostra apresenta, lado a lado, um conjunto de obras inéditas de Woisky e de Gallo. Ainda que as artistas partam de procedimentos e técnicas distintas para a criação de suas obras, a aproximação acontece por meio da aparência inquietante que permeia o trabalho de ambas.Nesta que é a segunda exposição de Woisky na galeria — sucedendo Pedras e bichos d’água, realizada em junho passado —, a artista retoma temas anteriores de sua pesquisa, além de se voltar à criação de peças tridimensionais e autoportantes. Ela parte de um acervo próprio ou apropriado de imagens de ornamentos com formas de animais, troféus de caça e modelos de taxidermia, devolvendo-os corporalidade ao imprimir tais imagens em tecidos, que são costurados e preenchidos com cimento.Movimento e voracidade também estão presentes na obra de Julia Gallo, que lança mão de desenho, pintura e recorte em grandes pedaços de papel para criar seus trabalhos. Neles, fragmentos anatômicos surgem por entre as cores rebaixadas que tingem o suporte em vários tons. Obras comoO dia da labareda ou La partida, 2024, têm ainda recortes na superfície que se espalham como mechas de cabelo ou meandros de rios. Assim, a artista cria imagens que não se revelam de prontidão e parecem pertencer a outros períodos históricos, apresentar mitologias desconhecidas e uma anatomia psicológica.

Show de são João com Chico César e Tiziu do Araripe. Sobre Chico César: Suas composições são uma mistura de crítica social e humor, com fortes influências musicais do folclore nordestino, tendo sido gravadas por artistas como Elba Ramalho, Daniela Mercury, Zizi Possi, Emílio Santiago e o argentino Pedro Aznar. Maria Bethânia escolheu sua música “A Força que Nunca Seca” como faixa título de um de seus CDs. José Ferreira de Souza, conhecido como Tiziu do Araripe, é músico, cantor e compositor. Iniciou sua carreira aos 15 anos de idade em Fortaleza. Radicado em São Paulo desde 1974, chegou e já foi cantar no Salão de Bailes do Pedro Sertanejo, o primeiro forró do sudeste do Brasil.

O Balé da Cidade de São Paulo inicia sua temporada com uma nova criação da artista cubana Judith Sanchéz Ruíz, cujo trabalho é norteado por questões como casualidade e complexidade humana, improvisação, comunidade e ativismo. Suas coreografias não se baseiam na mecanização ou na memória do movimento, mas sim nas ramificações e camadas de temas numa rádio, conceito utilizado nas suas duas últimas peças mais significativas, ENCAJE (2017) e My Breast on the Table (2019). Na mesma noite será apresentada a remontagem da coreografia dos artistas brasileiros Beatriz Sano e Eduardo Fukushima, que terão coreografado o Balé da Cidade de São Paulo em dezembro de 2023, como resultado de um edital para coreógrafos lançado pela primeira vez também em 2023. O edital visa fomentar novas colaborações com coreógrafos que não necessariamente tenham coreografado grandes companhias anteriormente e a proposta da dupla foi escolhida por uma banca formada por representantes dos bailarinos, o diretor artístico Alejandro Ahmed e a integrante do comitê curatorial do Theatro Municipal de São Paulo, Ana Teixeira.

Criação livremente inspirada na série de fotografias Escultura do inconsciente, do fotógrafo Tatewaki Nio. Em meio ao caos, Nio captura paisagens suspensas no tempo, aparentemente desocupadas, repletas de sombras, de sobras, de texturas atemporais e de inacabamentos.Os intérpretes buscam um corpo cênico que dialogue com as ideias de demolição, implosão, desconstrução, ocupação, despejo e deslocamento, em uma paisagem impermanente feita de memórias, sombras, vestígios e ausências. Porque ao final, mesmo que o pior aconteça, será esquecido e os que nada sabem sentarão na grama que um dia foi palco de luta para apreciar o céu.

A exposição interativa reúne arte inflável, luz e cor para divertir pessoas de todas as idades. As obras darão vida a novos espaços de socialização física, digital e cultural, gerando em cada pessoa um misto de espanto, curiosidade, reflexão e diversão, com consciência e leveza. A exposição foi pensada para criar um diálogo aberto e emotivo com os visitantes, despertando sensações diversas e ativando um verdadeiro estado de relaxamento.

O Grilo é uma banda natural de São Paulo formada por 4 amigos que carregam em si referências que vão de Manaus até o Rio de Janeiro, resultando em uma sonoridade única, rica em brasilidade. Criado em 2017, o grupo lançou seu primeiro projeto no final desse mesmo ano, o EP "Herói do Futuro", de onde saiu seu maior hit "Serenata Existencialista", viral nas redes que se tornou um hino de amantes adolescentes.Em 2021, lançou seu primeiro álbum "Você Não Sabe de Nada" que consolidou a banda no cenário Indie Rock MPB e ocupou listas de melhores do ano como a do TMDQA e Rolling Stone. O Grilo já passou por 8 estados diferentes em seus 7 anos de história, sempre levando uma plateia fiel e apaixonada aos seus shows.Em 2024, O Grilo se prepara para lançar seu novo álbum “TUDO ACONTECE AGORA” que vem acompanhado de um universo narrativo e visual onde uma agência de viagens fictícia é o cenário escolhido para as histórias que pretendem contar. A noite vai cantar com um show de abertura do jovem e bem humorado cantor Braga.

Programa: Anton WEBERNIm Sommerwind [No vento de verão]Johannes BRAHMSConcerto nº 2 para Piano em Si bemol maior, Op. 83Richard STRAUSSAssim falou Zaratustra, Op. 3

Após uma trajetória musical de proporções extraordinárias, abrangendo duas décadas e meia de uma carreira notável, o Jota Quest está pronto para escrever um novo capítulo. A banda se prepara para percorrer o Brasil, em 2024, com a maior turnê de sua história. A “JOTA25 Arenas” promete estremecer as maiores arenas do Brasil.Com 25 anos de experiência, o casamento inabalável de Rogério Flausino (vocal), Marco Túlio (guitarra), PJ (baixo), Márcio Buzelin (teclado) e Paulinho Fonseca (bateria) se mantém fiel à sua essência sonora, mas também mostra que são capazes de mergulhar em novos horizontes, em uma explosão de criatividade e energia.O Jota Quest é um dos poucos grupos que se mantém na ativa e com a mesma formação desde a sua criação. É um time forte, entrosado e que sempre entra em cena para encher o público de alegria e fortes emoções. Acostumados a cantar sobre amor, superação e otimismo, os mineiros irão para a estrada com a tour “JOTA25 Arenas” provar também toda a evolução musical e maturidade artística do grupo, que chega ao maior momento de sua carreira.

Tradição e modernidade: o classicismo de Haydn junta-se a trẽs autores contemporâneos: a paulista Catarina Domenici, o norte-americano Andrew Cadima e o britânico Thomas Adès.

A exposição imersiva passeia pela vida do faraó mais famoso do Egito Antigo, Tuntakamon. A mostra traz réplicas de objetos expostos nos principais museus do mundo e conta com uma parte interativa que leva o público para uma experiência 3D imersiva no Vale dos Reis.

Feira com venda de produtos dos coletivos Cooperativa Terra e Liberdade e Instituto Terra Viva. Legumes, hortaliças e frutas de coletivos produtores de alimentos agroecológicos em assentamentos da grande São Paulo e região da cidade de Sorocaba.

O Edital Programa de Exposições, realizado anualmente pelo Centro Cultural São Paulo chega à sua 33ª edição em 2023/2024 com uma grande mostra, que reúne 24 artistas selecionados e ocupa os dois pavimentos expositivos do prédio: os pisos Caio Graco e Flávio de Carvalho.O Edital chega atualizado à sua 33ª Edição, com a incorporação oficial de Ações Afirmativas para seleção de artistas. Visando promover maior equidade entre seus proponentes, em 2023 o Programa de Exposições passa a incluir a autodeclaração nas categorias étnico-raciais, de gênero, mãe-solo e pessoas com deficiência como critérios de acréscimo na pontuação. Desta forma, a presente edição torna-se um ponto de inflexão na história do edital, ao estabelecer caminhos para assegurar maior pluralidade de repertórios visuais e de pensamento na sua mostra anual.O júri desta edição – composto pelas curadoras Fabiana Lopes e Luciara Ribeiro e pelo curador Renato Araújo Silva, além de representantes da instituição, Maria Adelaide Pontes, Victor Hugo de Souza e Thamires Cordeiro Nunes – avaliou 520 propostas artísticas inscritas e selecionou 24 proponentes.

Intrigas amorosas, mágoas familiares regadas a humor e sátira ao melodrama, são os ingredientes que Tchekhov manipula em Tio Vânia para tocar no tema essencial da peça escrita em 1896: A Terra. A devastação da natureza e a disputa pela velha propriedade, situam o texto em impressionante relevância atual, opondo as visões ruralistas e ecologistas. Depois de percorrer o mundo e diferentes tempos históricos, Tio Vânia chega em 2024 como se tivesse sido escrito hoje.

Espetáculo, original e inédito, que aborda temas como diversidade, relacionamentos interpessoais, amor e superação, a partir de uma visão intimista que coloca o público em direta identificação com a história vivida pelas personagens. Estrelado por Carmo Dalla Vecchia e Theo Nogueira, a peça surgiu a partir da idealização de Theo juntamente com os produtores Leandro Luna e Priscilla Squeff. Sinopse: Thomaz, é um jovem rapaz de trinta e poucos anos que vive longe da vila onde nasceu buscando seus objetivos e sonhos, mesmo sem saber exatamente quais são eles. Mas seus planos são atravessados pela notícia de que o seu avô por parte de pai, o chapeleiro Domingos, com quem teve uma relação complicada no passado, está com um grave problema de saúde. Thomaz é obrigado a retornar à antiga vila para ajudá-lo e, além dos fantasmas de seu relacionamento com o avô, acaba se deparando com Otto, um homem de meia-idade que há muitos anos precisou se esconder do mundo na chapelaria de Domingos, e que tem muito mais em comum com o jovem do que eles dois podem imaginar.

Antes de entrar em uma pausa em sua carreira, a cantora Sandy anuncia duas datas finais de sua turnê solo em São Paulo. Os valores obtidos pela venda dos ingressos serão revertidos para doações em prol do Rio Grande do Sul. Com cerca de uma hora e meia de espetáculo, o set list traz uma seleção de clássicos que marcaram uma geração . Sucessos como "Me Espera", "Aquela dos 30", “Areia”, "Respirar", "Pra Me Refazer", "Perdida e Salva", "Pés Cansados", canções que ganharam versões especiais na voz de Sandy, como “Lugar ao sol”, de Charlie Brown Jr., e algum hit da época de “Sandy e Junior”, são exemplos de momentos que nunca podem ficar de fora.

Em um convite à contemplação e à reflexão sobre a relação entre a água e seus diferentes biomas, Vera Reichert apresenta a exposição "Espelhos D'Água" na CAIXA Cultural de São Paulo, com curadoria do artista e gestor cultural André Venzon.A mostra mergulha nas profundezas dessa temática, explorando novas narrativas e perspectivas poéticas sobre esse elemento essencial à vida. Ao longo de mais de três décadas de imersão na poética da água, Vera Reichert tem investigado e expressado sua visão singular por meio de diversas mídias, como fotografia, vídeo, instalação e escultura. Sua jornada artística é marcada por uma profunda conexão com os ambientes aquáticos, inspirando-se nas nuances e na beleza dos oceanos, rios, lagos e lagoas ao redor do mundo.As obras exibidas em "Espelhos D'Água" revelam a habilidade da artista em capturar a essência da água em suas mais diversas formas. Fotografias subaquáticas transportam o espectador para um mundo raro, onde a luz dança sobre as superfícies e as cores se mesclam em harmonia. Instalações imersivas proporcionam uma experiência sensorial única, convidando-nos a explorar os mistérios e as maravilhas dos ecossistemas aquáticos. Foram produzidas mais de 30 obras, entre imagens do fundo do mar dentro de escotilhas espelhadas, imagens de superfícies de lagoas emolduradas e em forma de gotas de acrílico. Um curta-metragem, selecionado no canal Arte1 sobre seu trabalho, uma gota espelhada e um backlight da lua complementam a exposição, oferecendo ao público uma experiência visual e sensorial única.Além das obras já conhecidas de Vera Reichert, exibe também criações inéditas, especialmente concebidas para este evento: instalações interativas convidam o público a mergulhar literalmente na arte e no pensamento da artista, proporcionando uma experiência imersiva e transformadora. "Espelhos D'Água" não apenas encanta visualmente, mas também convida à conscientização sobre a importância da preservação e do uso responsável das fontes e mananciais de água em nosso planeta.

A vida da astrônoma inglesa Cecília Payne, cientista que descobriu a composição das estrelas, se transforma em uma aventura na qual a menina Cecí enfrenta desafios para se tornar uma exploradora cósmica. A narrativa, que acompanha o crescimento de Cecí até se tornar uma das astrônomas mais importantes da história, enfrenta com poesia a ideia de que “tem coisa que não é para menina” e incentiva garotas e garotos a serem quem são e seguirem seus sonhos.

O Clube de Colecionadores do Museu de Arte Moderna de São Paulo ganhará exposição inédita para relembrar mais de 30 anos de trajetória, além de outra mostra para celebrar a edição de 2024. A mostra reúne gravuras, fotografias e obras de outros suportes que foram realizadas, principalmente, na última década.A curadoria de Gabriela Gotoda selecionou trabalhos que têm em comum uma busca para desviar, defletir ou divergir das expectativas tradicionais sobre a arte e, em especial, a arte reprodutível.Técnicas de diversão na arte contemporânea reúne trabalhos de artistas como Angelo Venosa, Arcangelo Ianelli, Arnaldo Antunes, Ascânio MMM, assume vivid astro focus (avaf), Barrão, Claudio Tozzi, Elza Lima, Lia Chaia, Paulo Bruscky e Waltercio Caldas, dentre outros

Projeto do cantor e compositor canadense Dallas Green fará shows em junho com a turnê do novo disco “The Love Still Held Me Near”.City and Colour é o pseudônimo do cantor e compositor canadense Dallas Green, que também é o guitarrista, vocalista e um dos fundadores da celebrada banda de post-hardcore Alexisonfire.O projeto acumulou uma legião de fãs apaixonados em todo o mundo que se conectam com a profundidade e intimidade das músicas de Green, que iniciou o City and Colour em 2005. Em quase duas décadas de carreira, lançou sete álbuns de estúdio, realizou inúmeras turnês mundiais e passagens por festivais como Lollapalooza e Ohana (do líder do Pearl Jam, Eddie Vedder) e ganhou 4 prêmios JUNO, prêmio concedido pela Academia Canadense de Artes e Ciências Fonográficas, incluindo “Melhor Álbum” e “Compositor do Ano”.A turnê que chega ao Brasil acompanha o lançamento do sétimo álbum de estúdio, “The Love Still Held Me Near”. Gravado na Califórnia e mixado pelo colaborador de longa data e três vezes ganhador do Grammy, Jacquire King (Kings of Leon, Norah Jones, Tom Waits, Modest Mouse, Shania Twain e outros), o álbum apresenta a voz de Dallas mais alta do que nunca, apoiada por arranjos que são ao mesmo tempo delicados e grandiosos, inspirado pelo que o artista classifica como o período mais difícil da sua vida devido à perda de pessoas muito próximas e uma crise no casamento.

A banda paulistana Rancore apresenta o show de encerramento da Turnê Relâmpago. Rancore é uma banda brasileira de rock, formada em 2001 na cidade de São Paulo. A banda tem influências de rock alternativo, punk rock e hardcore.

Exposição que recobre o arco temporal de 20 anos da produção do artista mineiro Thiago Honório (Carmo do Paranaíba, MG, 1979), a partir de um recorte de 18 trabalhos que tomam o livro como como matéria, como lócus para a produção, discussão e elaboração de enunciados e questões no âmbito da arte contemporânea. A mostra individual tem curadoria de Lilia Schwarcz

A arte de Yoshitaka Amano representa um convite à transcendência, abrindo um portal para um universo onde o real e o fantástico se encontram, e o sonho se confunde com a realidade. Suas obras, que transcendem a mera visualidade, são verdadeiros convites para explorar mundos desconhecidos e refletir sobre a complexidade da existência humana. Amano mistura habilmente a tradição japonesa com elementos do art nouveau, surrealismo e pop art, criando um estilo único que habita um espaço onírico, onde natureza, tecnologia e fantasia se fundem, refletindo uma perspectiva que valoriza tanto o passado quanto antevê o futuro.

O público brasileiro terá a oportunidade de se encantar novamente com a montagem do clássico Cantando na Chuva, que ganha nova versão em 2024A peça traz ao palco os ares nostálgicos da Hollywood do final dos anos 1920, época de efervescência da sétima arte, quando os filmes mudos foram dando espaço ao cinema falado. Visto por milhões de pessoas em todo o mundo e aclamado por público e crítica, o filme é um clássico que une gerações tanto por sua história divertida e inteligente quanto por seus números excepcionais de dança e sapateado que marcaram para sempre a história dos musicais.Por esta razão, os produtores da nova montagem tiveram um cuidado mais que especial para que a magia do cinema ficasse ainda mais encantadora quando transposta para os palcos. E, obviamente, os atributos inerentes ao teatro como o contato próximo com o público, a cadência entre cenas e a euforia que só uma apresentação ao vivo com orquestra, elenco, luz, cenário e figurino grandiosos podem oferecer, foi harmonicamente inserida na produção.Baseado no clássico filme de 1952, o musical Cantando na Chuva se passa em Hollywood no final da década de 1920. As estrelas do cinema mudo Don Lockwood e Lina Lamont vivenciam a impossível transição para o cinema falado, por conta da voz estridente de Lina, que arranca risadas da plateia. Enaltecida por doses certeiras de comédia, romance, dança e sapateado, a trama se aquece com a paixão inesperada de Don com a corista contratada para dublar a superestrela Lina. O musical é divertidíssimo e indicado para toda a família, com coreografias inesquecíveis, além do memorável número da canção “Singin’ in the Rain”, levado aos palcos com o desafio técnico de fazer chover em cena.

Programa: Osvaldo LACERDAPonto de Mãe Sereia [Texto popular de umbanda]Fuga saudosa [Texto de Bastos Tigre]O estrangeiro [Texto de Guilherme de Almeida]Pensamentos [Textos de diversos autores]Luciano GALLETTaieirasO luar do Sertão [Letra de Catulo da Paixão Cearense]Edmundo VILLANI-CÔRTESChoroA sessão da câmaraJoão Guilherme RIPPERFrom my window [Da minha janela] nº 3Amaral VIEIRAQuinteto para piano, Op. 297 – Fronteiras

O restaurante brasileiro contemporâneo Maní realiza uma edição especial beneficente do seu projeto Segundas no Maní. Comandado por Helena Rizzo, a noite vai contar com 11 chefs convidadas, entre elas: Paola Carossella (Arturito), Bel Coelho (Cuia), Carla Pernambuco (Carlota), Mara Salles (Tordesilhas), entre outros nomes. Além do jantar solidário, o evento contará com pocket show da cantora Céu e um leilão de itens das chefs conduzido pela apresentadora Ana Paula Padrão.

A artista mergulha nas profundezas das emoções, explora o interior - tanto como um espaço físico quanto uma paisagem emocional-, a interação entre força e vulnerabilidade, contida na quietude dos momentos solitários e no movimento contido da existência. Ao retratar a relação do corpo com seu entorno, Marina convida o espectador a adentrar em um universo misterioso da intimidade, onde a verdade se funde com a imaginação, e as fronteiras entre ficção e o real se tornam tênues. Inspirada pela própria jornada pessoal e complexidades da condição humana, cria pinturas vibrantes, intimistas e bem-humoradas, que desbravam os recantos mais profundos da mente.

Apresentando um repertório especial em homenagem ao dia dos namorados, a dupla AnaVitória, nome conhecido da nova mpb e do pop brasileiro, se encontra com Nando Reis.

Echoes oferece uma experiência imersiva através dos sons e visuais que definiram o Pink Floyd, reinventando suas obras mais icônicas em um contexto contemporâneo.A motivação por trás de Echoes é trazer uma nova luz sobre as composições atemporais do Pink Floyd, misturando clássicos adorados com gemas ocultas do vasto catálogo da banda. Esta turnê é uma celebração da inovação e da criatividade, atributos que fizeram do Pink Floyd uma das bandas mais influentes na história da música.

Estreia da obra São Tango, do violinista e compositor Alejandro Drago, além de outras composições de sua autoria.

Samba de Sexta traz, mensalmente, os principais grupos da cidade de São Paulo para uma animada roda de samba na Praça das Artes, com entrada gratuita. A abertura do evento acontece a partir das 18h30, com o DJ Fred Lima, que traz um set repleto de brasilidades.

40 Anos