Em um ambiente intimista, o hotel Pulso recebe o show de Sophia Chablau, nome que tem se consolidado dentro da cena da música indie brasileira.

Francisca Barreto é um nome que vem despontando nacionalmente a partir da cena independente da cidade de São Paulo (SP). Violoncelista, produtora e cantora, iniciou a carreira musical enquanto estudava na Escola de Música de São Paulo, época em que também participou de diversos projetos e bandas.Em 2022, junto com a banda Rosa Camaleão, Francisca lançou um disco homônimo ao grupo e no mesmo período divulgou a canção “Gosto Meio Doce”, em parceria com a cantora e compositora Nina Maia.No ano seguinte, em 2023, foi descoberta pelo músico irlandês Damien Rice, que encantado pelo talento de Francisca no violoncelo, a convidou para audições na Islândia. Meses depois Francisca Barreto deixava o conservatório e a convite de Damien passou a acompanhá-lo, no formato de duo. A estreia do concerto aconteceu no icônico Sydney Opera House, na Austrália, marcando o início da turnê mundial que estendeu-se por quase dois anos, passando por 5 continentes, com apresentações em 20 países.Resultado direto desta trajetória, Francisca Barreto alcançou um repertório musical vasto e corajoso, a partir das imersões que ela realizou pelos diversos lugares por onde passou. Agora, em 2025, ela dá início a sua carreira solo com o lançamento do single “Habana”. Neste novo momento, a artista quer revelar sua identidade musical, mesclando as novas experiências ao “cello” popular.

O Exorcista conta a história de Regan MacNeil (Linda Blair), uma menina de 12 anos que manifesta comportamentos perturbadores cada vez mais extremos. Sua mãe, a atriz Chris MacNeil (Ellen Burstyn), após esgotar todas as possibilidades médicas, recorre ao Padre Damien Karras (Jason Miller), um jesuíta e psiquiatra em crise de fé, que eventualmente conclui que Regan está possuída por uma entidade demoníaca. Com a ajuda do experiente Padre Merrin (Max von Sydow), eles empreendem um ritual de exorcismo que testa os limites da fé.Nessa sessão debate conduzida pelo Prof. Dr. Waldemar Dalenogare Neto, a ideia é avançar uma análise que transcende a mera categorização de O Exorcista como filme de terror. Após a exibição, discutiremos múltiplas leituras da obra: como meditação sobre a crise de fé na era pós-Concílio Vaticano II, como articulação do conflito entre paradigmas científicos e religiosos, e como representação da culpa católica personificada através do Padre Karras. Analisaremos também sua função como documento histórico das ansiedades sociais americanas da década de 1970, refletindo as preocupações sobre autoridade tradicional, transformações na estrutura familiar e o crescente secularismo.

Após roubar 40 mil dólares para se casar com o namorado, uma mulher foge durante uma tempestade e decide passar a noite em um hotel que encontra pelo caminho. Ela conhece o educado e nervoso proprietário do estabelecimento, Norman Bates, um jovem com um interesse em taxidermia e com uma relação conturbada com sua mãe. O que parece ser uma simples estadia no local se torna uma verdadeira noite de terror.

O espetáculo traz o respeito com a encruzilhada e o respeito as possibilidades de escolha.

Lu Lopes apresenta show com apanhado de músicas emblemáticas da trajetória de Rita Lee, nossa rainha do Rock no Brasil. Sem releituras, as músicas são apresentadas como nas obras originais. Uma homenagem a esta mulher a frente de seu tempo, que de maneira livre e inspiradora influenciou toda uma geração de mulheres.

Com uma trajetória musical que transita entre os gêneros erudito e popular, e atuando predominantemente em coletivos musicais como orquestras, regionais de choro e bandas, o maestro, arranjador e multi-instrumentista Dalton Martins apresenta um show com suas composições instrumentais inéditas.

Criado em 2008 pelos percussionistas, produtores e pesquisadores Yves Finzetto e Roberta Valente, O Panorama do Choro Paulistano Contemporâneo busca registrar e difundir a produção contemporânea de choro realizada na capital paulista.

Anna Vis e Jeanne Callegari se encontram na encruza entre cantos, paisagens sonoras, samples e palavra falada, tecendo composições que transitam entre a canção e o ruído. As composições se dão através de poemas de autoria própria e poemas sampleados, com os quais as artistas constroem um ambiente experimental imersivo, às vezes soturno, às vezes delicado, embalado e tensionado por vozes processadas, pedais e a máquina de pesadelos criada por Jeanne.

Adrian Younge apresenta em São Paulo a turnê que celebra o lançamento do álbum final da trilogia Something About April III. O show promete uma noite inesquecível, com uma orquestra de 40 músicos e participações especiais de Samantha Schmütz, Céu, Luiza Lian, Hyldon e Carlos Dafé, artistas que colaboraram com Younge em suas produções.A data coincide com o aniversário de Adrian Younge, tornando o evento ainda mais especial. Não perca essa celebração única da música que une grandiosidade orquestral, soul cinematográfico e influências da psicodelia brasileira.

Com um novo álbum finalizado e iniciando a caminhada do lançamento, o Flerte Flamingo traz seu repertório em formato mais intimista para o Bona Casa de Música. Junto com as canções do novo material, o repertório passeia por diversos lançamentos anteriores do grupo, comoindie-rock, “Criatura do Mal” e “Espero Que Você Entenda”, interpretados em arranjos acústicos pelo cantor, guitarrista e compositor Leonardo Passovi.

O trio formado pelo violonista Swami Jr., o flautista e saxofonista Teco Cardoso e o acordeonista Bebê Kramer apresenta o show do álbum Dança do Tempo, que é produto do encontro especial de três músicos com uma extensa carreira como instrumentistas e arranjadores. O propósito é tocar um repertório formado por músicas autorais arranjadas especialmente para essa formação, além de versões de composições de conhecidos autores da música brasileira, como Moacir Santos.

O JazzB apresenta a consagrada Banda Mantiqueira, em um show especial que integra a programação de comemoração dos 12 anos da casa. Reconhecida como uma das principais big bands do Brasil, a Banda Mantiqueira traz uma apresentação vibrante, celebrando a música instrumental brasileira e o jazz com sua formação tradicional e suingue característico.

A Trupe Chá de Boldo surgiu em 2006 e já gravou 6 discos Bárbaro (2010), Nave Manha (2012), Presente (2015), Verso (2017), Viva Lina (2020), além dos EPs Presente Para Viagem (2016) em parceria com o produtor Victor Rice e Ao Vivo (2021). Foi banda de apoio em dois discos do Tom Zé: Tribunal do Feicebuque (2013) e Vira Lata (2014) na Via Láctea, e participou do disco Omindá (2018) de André Abujamra. Em 2023 a banda lançou seu sexto disco: Rua Rio.

Dos Noturnos de Chopin aos baiões de Luiz Gonzaga – seu padrinho de música e casamento -, poucos artistas transitaram com tamanha fluidez por tantos estilos musicais como Orlando Silveira.Integrante do lendário Regional do Canhoto, o sanfoneiro atuou como instrumentista, produtor e arranjador de discos de nomes como Chico Buarque, Jacob do Bandolim, Belchior, Guinga, Waldir Azevedo, entre outros.

Essa experiência cinematográfica transporta os fãs para esta produção espetacular da Björk, com um setlist que percorre desde suas obras icônicas do início da carreira até os visionários albums Utopia (2017) e Fossora (2023). O show conta com instrumentos exclusivos, como uma harpa magnética, uma flauta circular, um alufone e uma câmara de reverberação. Além disso, Björk é acompanhada no palco pelo diretor musical e multi-instrumentista Bergur Þórisson, pelo percussionista Manu Delago, pelo septeto de flautas Viibra, pela harpista Katie Buckley e pelo coro Hamrahlid. Cortinas digitalmente animadas criam uma moderna lanterna mágica para o show, combinando perfeitamente visuais de realidade virtual do século XXI com a grandiosidade de um teatro do século XIX.

Fundada em novembro de 2018, a banda Punho de Mahin é um expoente do Afro Punk no Brasil, formada por quatro integrantes negros — duas mulheres e dois homens. Sua proposta artística e política revisita uma temática frequentemente negligenciada na cena punk e underground: a experiência negra na sociedade contemporânea. Com músicas que abordam questões como protagonismo negro, racismo estrutural, machismo, sexismo, repressão às minorias subjugadas, intolerância e violência policial, a banda traduz as diversas mazelas sociais em uma sonoridade crua e contundente.

A Noite Taquetá está de volta ao Bona Casa de Música para uma edição especial com Rodrigo Alarcon. Em formato intimista de voz e violão, o artista celebra 7 anos de parceria com a Taquetá Records – gravadora e selo independente que também representa nomes como Nina Oliveira, YAZI e Fuá do Guegué – em um show cheio de emoção e surpresas.

Sevdaliza, artista multidisciplinar nascida no Irã e criada na Holanda, volta ao Brasil para fazer um de seus únicos quatro shows programados para 2025, na turnê especial “Messiah Tour” – os outros três acontecem no México (Cidade do México) e EUA (Nova York e Los Angeles). Isso demonstra a paixão que a cantora tem pelo país, já que também encabeça parcerias com talentos nacionais como Pabllo Vittar (com o sucesso mundial “Alibi”) e Irmãs de Pau (com o single recém-lançado “Maria Magdalena”), além de ter passado o carnaval de 2025 por aqui e ter feito participações em grandes festivais do país como o Rock in Rio e o Primavera Sound.

A cantora e compositora apresenta o seu primeiro álbum de estúdio no palco da Casa Natura. Lançado em 2024, Pique é um mergulho na dualidade entre o movimento e o refúgio e representa a estreia solo da cantora, compositora, instrumentista e produtora carioca Dora Morelenbaum.Nomeado em homenagem a uma das faixas, o projeto não só explora diversas facetas musicais — incluindo MPB, soul, R&B e jazz —, mas também se manifesta como uma afirmação da identidade artística da cantora.

A homenagem à madrinha do samba terá Arlindinho, Sombrinha, Mosquito, Lu Carvalho e Prettos, em única apresentação

O Ao Vivo no Belas exibe o filme “Homem com H” seguido da apresentação da banda paulistana Helleno & Os Universais. Inspirada pelos 52 anos de legado de Secos & Molhados, apresenta o show A Volta de Sangue Latino reunindo 19 músicas do primeiro e segundo álbum com Ney Matogrosso, com 4 canções de autoria da banda, arranjadas num espetáculo que combina jazz e rock e performance.

No repertório, Pixinga traz clássicos do jazz e músicas autorais que representam sua história musical. Com uma abordagem enérgica e virtuosa, o trio promete uma apresentação repleta de criatividade e excelência técnica.

Janayna Pereira é cantora, compositora, percussionista, atriz formada pela Escola de Arte Dramática EAD/ECA/USP e esteve à frente da banda Bicho de Pé como vocalista e autora da grande maioria das canções do grupo durante 19 anos (1998/2017). Suas composições - em especial o “Nosso Xote (Moreno)” - tornaram-se um enorme sucesso entre os forrozeiros e os amantes da cultura popular nordestina, que é a principal fonte de inspiração desta artista inquieta, que lançou seu primeiro álbum solo "Tempo Bom" em 2021, e está em processo de pré-produção de seu novo disco “De lá pra cá”, referenciando seus 30 anos de carreira, com canções inéditas e regravações de suas composições lançadas no período em que fez parte da banda Bicho de Pé com novas “roupagens”, seu lançamento está previsto para o segundo semestre de 2025.

"Se Eu Te Eternizar" é uma linda valsa composta por Francis e Zélia Duncan. E é esta valsa que dá o tom do álbum e do show: delicado, amoroso, clássico e eterno ao mesmo tempo. As músicas se sucedem em busca de uma unidade sonora, costuradas por minitextos ora poético\líricos (Olivia), ora mais coloquiais (Francis). Naturalmente, clássicos como "Atrás da Porta" ou "Trocando Em Miúdos”, foram incluídos entre as pérolas menos conhecidas, compondo um sensível painel da sonoridade de Francis e da sensibilidade de Olivia.

“Avia” (2025), o terceiro álbum autoral de Josyara, marca, mais do que nunca, sua identidade enquanto compositora, intérprete e produtora musical, trazendo ainda canções em coautoria com outros artistas da cena contemporânea. Para o show, Josyara estará acompanhada dos músicos Lucas Martins no baixo, Bruno Marques na bateria e Charles Tixier no samples e synth, além do seu próprio violão.

Verônica Ferriani apresenta show baseado em seu primeiro álbum duplo, Cochicho no Silêncio Vira Barulho, Irmã, lançado em 2024. Descrito pela própria artista como confessional e quase biográfico, o trabalho vai além de suas vivências pessoais, pois é também um espelho sensível do que ela observa e escuta de outras mulheres ao seu redor. Um trabalho que mergulha nas camadas da vida materna, mas amplia o olhar para abarcar o universo feminino como um todo — suas dores, desejos, pressões e contradições.

Movendo-se pela estrada entre longas turnês e gravações ao redor do mundo, a banda carioca Oruã lançou em julho de 2024, nos Estados Unidos, seu quarto álbum, Passe.

A banda Tutti-Frutti, liderada por Luiz Carlini, celebra em 2025 um marco histórico do rock brasileiro: os 50 anos do álbum Fruto Proibido, gravado em parceria com Rita Lee, cofundadora da banda ao lado de Carlini. Formada no auge da contracultura dos anos 70, a Tutti-Frutti trouxe ao Brasil uma fusão original de rock, letras ousadas e uma atitude que ressoa até hoje.

O músico recifense Di Melo, com 50 anos de carreira e referência na black music brasileira encontra a cantora e compositora baiana Jadsa.

Rosa Passos apresenta um repertório de clássicos da música brasileira com arranjos originais. Formado pela cantora e seu quinteto, “Suíte Brasileira” reúne a interpretação marcante de Rosa com o gingado jazzista, símbolo de sua carreira.

O espaço independente A Porta Maldita organiza uma noite de shows na Casa Rockambole, apresentando jovens talentos da cena independente.

“Mandaram me Chamar” é o título do show que Siba apresenta para o ano de 2025, acompanhado de Mestre Nico e Rafael dos Santos, complementado por material sonoro pré gravado por Fred Selva.

Para celebrar os 20 anos deste importante momento de sua carreira, o IRA! preparou uma turnê especial em 2025, revivendo o repertório do álbum em formato acústico, com a companhia de músicos de apoio, aproximando ao máximo o público e matando as saudades dessa experiência incrível que foi o “IRA! Acústico MTV”.

O percussionista, compositor e arranjador Caíto Marcondes (1954) é um músico versátil, prolífico e inquieto, que tem especial relação com os instrumentos de cordas. Carioca crescido no interior de São Paulo e radicado na capital, na juventude dedicou-se ao piano e ao violão, além de estudar composição com Hans-Joachim Koellreutter e harmonia com Mário Ficarelli. Sua produção e atuação desafiam as fronteiras entre a música clássica e a popular: como percussionista, já colaborou com artistas como Marlui Miranda, Hermeto Pascoal, Toninho Horta, Milton Nascimento, Francis Hime, Joyce e Monica Salmaso. Ao lado do violinista norte-americano Tracy Silverman, seu parceiro de longa data, foi solista de diversas peças para orquestra de sua própria autoria. Compôs para balé, teatro e cinema (angariando vários prêmios); criou e dirigiu projetos musicais e séries; além de conceber e apresentar um programa na Rádio Cultura. Lançou sete discos, no Brasil e no exterior. Seu primeiro álbum solo, Porta do Templo (Califórnia, 1995), teve colaboração do premiado Turtle Island String Quartet, quarteto de cordas norte-americano que se dedica a repertórios da música popular e do jazz, e do trombonista François de Lima, integrante da Banda Mantiqueira. Caíto assina a autoria da maioria das músicas, além de todos os arranjos para essa formação original de quarteto de cordas, trombone e percussão – que ele mesmo toca no disco. Relançado na Alemanha em 1998, o álbum foi indicado como um dos 150 melhores do ano na Europa no World Music Charts Europe, e chamou a atenção de Marcelo Jaffé, violista do Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo – que já conhecia a escrita para cordas de Caíto por seus arranjos para a Orquestra Jazz Sinfônica, da qual ele foi tanto músico como diretor artístico. Assim, surgiu a ideia da colaboração do Quarteto com Caíto – que se materializa agora, quase três décadas depois.

O JazzB apresenta o projeto "Cartoon in Jazz" com o grupo Brazil Bop, uma viagem musical pelas trilhas sonoras dos desenhos animados que marcaram época. Do clássico jazz dos anos 80 e 90 aos sucessos recentes da Disney e Pixar, este show é uma experiência única para crianças e adultos, celebrando a magia da animação e a riqueza do jazz.

O repertório traz composições dos álbuns "Sexteto", "Plural" e "DiverCidades", além de novas obras, reafirmando a proposta do grupo de interpretar e reinventar a diversidade rítmica do Brasil. A apresentação marca o retorno do Sexteto ao palco do JazzB, após turnês por diversas cidades brasileiras e países como Argentina, Uruguai e Chile.

O Samba Pros Orixás nasceu da união de artistas do samba atuantes na cidade de São Paulo. Exaltam a cultura africana saudando os Orixás, valorizando a ancestralidade africana e a cultura do povo preto.O repertório é composto por sambas, ijexás, côcos, afoxés, capoeiras e ritmos brasileiros, contendo temas que valorizam a negritude, miscigenação, igualdade de gênero, espiritualidade e ancestralidade.

O Museu do Ipiranga promove a segunda edição do encontroMensagens do tempo presente: escritas e imagens como patrimônio cultural. Com atividades gratuitas ao longo do dia, o evento se dedica à troca de saberes e à valorizaçãode elementos escritos e visuais do cotidiano, tais como os painéis de azulejos que resistem ao tempo e os letreiros de comércios desenhados à mão. Neste ano, serãoapresentados estudos e projetos que abordam as histórias visuais de ruas, fachadas e vitrines do país, compreendendo-as como registros do presente e, ao mesmo tempo,patrimônios culturais.Com uma programação de bate papos e conversas, o dia também contará com um passeio a pé guiado por Douglas Nascimento focado em apresentar as construções com azulejos ao redor do Museu do Ipiranga. Também haverá uma oficina de pintura de letra popular com Filipe Grimaldi.

Bixiga 70 é um dos principais grupos instrumentais do Brasil, mesclando referências nacionais, africanas e latinas. Formada em 2010, o nome Bixiga 70 está ligado ao endereço do Estúdio Traquitana, onde a banda nasceu, localizado no número 70 da rua Treze de Maio, no bairro do Bixiga, em São Paulo.

O grupo “Samba da Elis” apresenta roda de samba no projeto “A roda delas”. Criado em dezembro de 2015, o Samba da Elis é fruto de encontros realizados todos os meses na praça Elis Regina, localizada na Zona Oeste de São Paulo. O grupo, formado unicamente por mulheres, utiliza a música para disseminar a igualdade de gênero e o empoderamento feminino.

Expoentes da vanguarda paulista, movimento artístico fundamental da música brasileira, Arrigo Barnabé se encontra em palco com Maria Beraldo, destacada artista da cena contemporânea.

O célebre drama giocoso, com pitadas de comédia e toques sobrenaturais, fruto da parceria explosiva entre Wolfgang Amadeus Mozart e o libretista Lorenzo Da Ponte, volta ao Theatro Municipal de São Paulo numa nova e vibrante encenação assinada por um mestre do picadeiro: Hugo Possolo.

A busca pela proximidade com aqueles que os acompanham é algo latente no DNA da Tuyo. Seja nos shows, com o atendimento ao público, ou na internet, com trocas de mensagens nas redes sociais e interações nos grupos de fãs, Lio, Lay Soares e Machado tentam — das mais diferentes formas — interagir e se conectar com as pessoas responsáveis pelo crescimento da banda no dia a dia. E, partindo deste princípio e para comemorar os sete anos de estrada, os músicos resgatam um formato de show muito utilizado por eles no início: voz e violão.

A festa Mind The Gap apresenta uma noite dedicada ao Techno e à música eletrônica. Uma das atrações confirmadas é a DJ americana Lady Starlight, nome importante da cena eletrônica e conhecida por suas colaborações com Lady Gaga.

O artista Francesco João apresenta uma série de pinturas em pequenos formatos e um trabalho sobre o chão da sala expositiva da galeria. Na exposição, o artista retoma alguns trabalhos da série SSD, em que reflete sobre o tempo e a obsolescência.

Mateus Aleluia apresenta o show O Canto das Nações na Casa Natura Musical. Alicerçado nos 60 anos de trajetória do artista, o espetáculo reúne grandes sucessos da obra d’Os Tincoãs com composições de sua carreira solo, propondo um mergulho na musicalidade rítmica ancestral brasileira. Com uma forte base percussiva e elementos sinfônicos, o show conta também com arranjos inéditos para canções já conhecidas pelo público.

A galeria A Gentil Carioca apresenta a exposição individual de Pascale Marthine Tayou em São Paulo. Nascido em 1966, em Nkongsamba, Camarões, Tayou vive e trabalha entre Ghent, Bélgica, e Yaoundé, Camarões. Conhecido por sua abordagem inovadora e dinâmica da arte, Tayou exibirá um conjunto de novas obras criadas especialmente para esta ocasião. Explorando sua prática multifacetada, que transcende meios e aborda temas como mobilidade, troca cultural e as complexidades da identidade, a exposição dá continuidade à reflexão do artista sobre suas origens africanas e o mundo globalizado.Com uma carreira que inclui importantes eventos internacionais como Documenta, Bienal de Veneza e São Paulo e Tate Modern, o trabalho de Tayou segue sendo uma poderosa reflexão sobre a interconexão das culturas e o lugar do indivíduo na aldeia global.

O artista Zé Tepedino apresenta sua segunda individual na galeria. A mostra “Vento Corta” reúne um conjunto de obras recentes que exploram diferentes materialidades, escalas e ritmos, construindo sistemas poéticos em constante diálogo. Elementos corriqueiros se aproximam e se repetem, mas nunca de maneira idêntica.Muitos trabalhos são atravessados tanto pela ideia de vento - como nas obras com bandeiras - quanto pela ação de cortar, um gesto recorrente.Assim como o vento, quase invisível, a mostra se revela na relação com o tempo, afirmando sua presença no instante e na memória.“O vento é sutil, muitas vezes imperceptível, assim como muitos dos materiais com os quais escolho trabalhar. No entanto, pela repetição de gestos simples, esses materiais ganham presença e se afirmam no corte—uma marca física e evidente”, explica Tepedino.

A galeria apresenta, em suas duas salas, a exposição individual de Marcius Galan, com obras inéditas que exploram a resistência, a instabilidade e o equilíbrio dos corpos no espaço. O artista apresenta instalações e objetos que parecem à beira do colapso, mas mantêm suas funções, tensionando matéria e movimento.Entre os destaques, a instalação Cinema (2025) simula o voo de vaga-lumes em uma sala escura, em homenagem a Pier Paolo Pasolini; Anti-horário mostra um galho desenhando círculos no deserto; e Infinito (1999), único trabalho anterior, é um tubo de vidro interrompido por cera.Na Sala 2, obras com pedras, carvão e ferro confrontam peso e equilíbrio, como em Memória geológica, Força resultante e Baixa resolução, evocando desde tensões físicas até paisagens devastadas. Já Orbital combina pintura e pedras minerais em movimentos circulares que gravam marcas na superfície.

A artista Lia D Castro apresenta obras inéditas na exposição individual "Passantes". Em sua nova série, Lia D Castro parte de um gesto simbólico: a compra de pinturas com os temas de naturezas-mortas e paisagens em antiquários, sobre as quais intervém ao pintar pés masculinos. Esses pés pertencem a homens que foram criados por mulheres — mães, tias, avós —, dentro de um sistema matriarcal. A proposta de Castro inclui, ainda, um jogo visual que desestabiliza a leitura comum desse gênero de pintura ao posicioná-las de ponta cabeça, criando um contratempo ótico que nos convida a olhar para o trabalho de arte sob um novo ângulo. Essa inversão também sugere uma releitura do museu e da própria história da arte, desafiando a persistente “retina colonial”, termo utilizado pela artista para descrever o olhar eurocêntrico que moldou a produção e a recepção das imagens ao longo dos séculos.

Nessa ação a proposta é de uma pequena instalação lúdica com diversos brinquedos sensoriais não estruturados, criados com reaproveitamento de materiais. Esses brinquedos despertam a curiosidade e a imaginação das crianças, provocando uma pergunta que é disparadora de um processo lúdico e criativo: O que é isso?

Espetáculo infantil indígena que aborda os direitos das crianças indígenas em contexto urbano, explorando três dimensões fundamentais da vida em sociedade: Infância, Corpo e Territorialidade. Idealizado por Lenise Oliveira, o espetáculo tem direção de Marina Esteves, direção musical e produção musical de Dani Nega, direção de movimento de Marina Esteves e Key Sawao, e dramaturgia de Lenise Oliveira e Idylla Silmarovi.

Para celebrar os 20 anos deste importante momento de sua carreira, o IRA! preparou uma turnê especial em 2025, revivendo o repertório do álbum em formato acústico, com a companhia de músicos de apoio, aproximando ao máximo o público e matando as saudades dessa experiência incrível que foi o “IRA! Acústico MTV”.

A Simões de Assis apresenta um conjunto de 10 obras de Jorge Guinle, sendo nove em grande formato, realizadas pelo artista durante sua temporada em Nova York, entre 1985 e 1986. Pela primeira vez reunidas e trazidas ao Brasil, essas pinturas marcam um momento singular em sua trajetória, combinando maturidade artística com a densidade emocional que permeou seus últimos anos de vida.No período em que produziu essas telas, Guinle participou da 17ª Bienal de São Paulo e realizou exposições individuais em importantes galerias. Paralelamente, enfrentava o impacto de um diagnóstico de doenças relacionadas à aids, que levaria ao seu falecimento em 1987. As telas dessa fase nova-iorquina revelam um percurso intenso e visceral, no qual suas composições se tornam mais diluídas e translúcidas, sem perder a vibração gestual e cromática que caracterizou sua obra.A exposição conta com texto assinado por Vanda Klabin, curadora, historiadora e amiga próxima do artista, que contextualiza a importância desse conjunto dentro da produção de Guinle. Reconhecido por sua abordagem singular dentro da pintura contemporânea brasileira, ele estabeleceu um diálogo intenso com as tendências internacionais da época, como o expressionismo abstrato e a pintura norte-americana do pós-guerra. Ao longo de sua curta, mas intensa carreira, Guinle foi um dos grandes incentivadores da revalorização da pintura nos anos 1980, sendo uma referência fundamental para a chamada Geração 80.

Espetáculo infantil indígena que aborda os direitos das crianças indígenas em contexto urbano, explorando três dimensões fundamentais da vida em sociedade: Infância, Corpo e Territorialidade. Idealizado por Lenise Oliveira, o espetáculo tem direção de Marina Esteves, direção musical e produção musical de Dani Nega, direção de movimento de Marina Esteves e Key Sawao, e dramaturgia de Lenise Oliveira e Idylla Silmarovi.A história acompanha Dalú, uma criança indígena que é obrigada a deixar o território de seu povo, em Mairi (Belém do Pará), e migrar com a mãe para a periferia de um grande centro urbano, Nhe’e ry (São Paulo). Na cidade, mãe e filha enfrentam desafios como o preconceito e a violência policial. Durante uma operação policial, Dalú vê sua vizinha implorando por compaixão – uma palavra que desperta nela um sentimento profundo. Quando sua própria casa é invadida, a menina clama por seus ancestrais e embarca em uma jornada através de seu rio de memórias, acompanhada por seus amigos boldo, alecrim e capim-cidreira.Ao longo dessa travessia, Dalú imagina novas cartografias e camadas de mundo, conectando-se às cosmovisões dos povos originários. Em um universo onde os vivos não estão distantes dos encantados, ela busca as M’bae (riquezas) de seu povo e aprende com os ensinamentos da natureza. Nessa jornada, reafirma valores fundamentais como sabedoria, intuição e coragem.

Neste espetáculo, Escalandrum apresenta o repertório de seu novo álbum "Escalectric" (Warner Music), uma guinada artística com a incorporação de novos instrumentos como o EWI, teclados, baixo elétrico e bateria expandida. As composições combinam complexidade e lirismo, criando um coquetel sonoro futurista e retrô ao mesmo tempo. O show também incluirá clássicos do grupo e releituras jazzísticas de músicas de Astor Piazzolla, homenageando o mestre do bandoneon.

A possibilidade de reviver a sonoridade e a atmosfera dos bailes de gafieira instrumental dos anos 40, 50 e 60, onde tocavam orquestras como a Orquestra Tabajara e a Turma da Gafieira com Paulo Moura, era uma ideia dormente nas cabeças de um grupo de amigos músicos que já vinham trabalhando juntos há muitos anos em diferentes projetos.Até que Amilcar Rodrigues resolveu concretizar a ideia, convidando seus companheiros de longa data e montar A Gafi do Amilcar. A formação mais reduzida em comparação às big bands de meados do século passado, traz leveza e contemporaneidade às músicas, sem perder o clima dançante. O repertório inclui tanto temas tradicionais de gafieira instrumental, como Alma Brasileira, de Zeca de Freitas, e Chorinho de Gafieira, de Astor Silva, quanto arranjos instrumentais de sambas populares, como De Babado de Noel Rosa, e Tô Voltando de Chico Buarque.

Há quase quatro décadas produzindo arte na cidade de Alta Floresta, localizada no extremo norte do estado do Mato Grosso, na área conhecida Território Portal da Amazônia, o TEAF - Teatro Experimental de Alta Floresta volta a São Paulo. O espetáculo conta a história de um homem comum que, motivado por uma questão íntima perturbadora, inicia sua trajetória de enfrentamento pessoal com diversos personagens, obstáculos, memórias, objetos e desafios na busca de algum tipo de informação que o possa transformar.Realidade e ficção se entrecruzam na narrativa, gerando reflexões sobre sexualidade, medos, traumas, relações de gênero e legados. Nessas histórias, também é possível identificar críticas a respeito da ocupação da Amazônia.

Ajeet, artista e iogue cuja música e ensino se baseiam nas tradições sagradas da Irlanda, Índia e outras culturas folclóricas mundiais, retorna ao Brasil para uma turnê. A cantora irlandesa convida o público a uma experiência inspirada no folk tradicional e na world music. E pela primeira vez, o Theatro Municipal de São Paulo recebe um espetáculo que une música, espiritualidade e cura.

O Ilú Obá De Min é uma associação paulistana, sem fins lucrativos, que tem como base o trabalho com as culturas de matriz africana, afro-brasileira e a mulher. Em sua celebração de 20 anos, deseja visibilizar seu processo artístico e educativo desenvolvido durante todo o ano, através do bloco afro, ciclo de debates, oficinas, etc. Esse show especial conta com projeção e participação de Nega Duda.

“Rodinha da Ivone” é uma roda de samba especialmente concebida para crianças, celebrando a vida e o legado de Dona Ivone Lara, uma das maiores personalidades do samba. A história da mulher sambista é contada de forma cativante, destacando sua jornada em busca de independência e liberdade através da música.

A Banda Mirim comemora os 20 anos da estreia de FELIZARDO, musical para todas as idades que fundou o grupo e marcou época contando as aventuras de Aurora e seu amigo imaginário. Com músicas originais executadas ao vivo e pitadas circenses e teatrais, o espetáculo – vencedor do Prêmio da Associação Paulista dos Críticos de Arte – passeia pelos caminhos da infância, desde o nascimento, o acordar para o mundo, até o encontro com as primeiras escolhas e responsabilidades.

Esta oficina propõe um espaço de convivência entre crianças. Caminhando pela sala a fim de observar a si, o outro, o espaço e o corpo neste lugar. Contornar o corpo no papel kraft de acordo com sua pose, respeitando os movimentos e preenchendo o esboço com materiais diversos a fim de que retratem seus sentimentos, emoções, preferências.Por meio das técnicas de pinturas, as crianças são convidadas a estimular a imaginação para fazer seu autoretrato, despertando a nelas a consciência do seu próprio corpo e tudo que o forma.

Sinta o cheiro do mar, de Stella Tobar, traz uma história cheia de emoção e alegria. Uma menina se prepara para viver algo desconhecido, mas que lhe trará a cura necessária. Onde ela está? O público vai descobrir e viver com ela e sua família este momento, até que ela possa sentir o cheiro do mar novamente.

Ginga é um espetáculo circense de variedades composto por um elenco exclusivamente feminino que prima pelo diverso e pelo inusitado. No elenco, mulheres cis e trans malabaristas, acrobatas, palhaças e musicistas de diferentes nacionalidades e etnias conferem ao espetáculo uma característica multicultural. Os quadros do espetáculo são compostos pela dança e elementos das culturas africana e japonesa, pelo humor e a ironia característica da América Latina e pela fisicalidade e capacidade de improviso da cultura brasileira.

Mauricio Pereira, cantor, compositor e saxofonista paulistano, com 8 álbuns gravados e que fez dupla com André Abujamra nos anos 1980 na banda Os Mulheres Negras, junta-se com Yma, cujo trabalho transita por ritmos que nascem entre sintetizadores, dark e música pop.

Neste show de celebração e despedida do álbum “Trava Línguas”, Linn reflete sobre “o que em nós precisa morrer para dar vida a novos movimentos?”. Além de faixas do último disco, a cantora revisita outros sucessos da sua carreira numa nova roupagem, experimenta ainda o encontro com as pick ups da DJ Cais Niara, com referências da cultura Ballroom e a percussão ritualística de Dominique Vieira.

Mateus Aleluia apresenta o show O Canto das Nações na Casa Natura Musical.Alicerçado nos 60 anos de trajetória do artista, o espetáculo reúne grandes sucessos da obra d’Os Tincoãs com composições de sua carreira solo, propondo um mergulho na musicalidade rítmica ancestral brasileira. Com uma forte base percussiva e elementos sinfônicos, o show conta também com arranjos inéditos para canções já conhecidas pelo público.Nascido em Cachoeira, Bahia, e único integrante d’Os Tincoãs ainda vivo, Mateus Aleluia passou cerca de 20 anos morando em Angola e atuando em projetos culturais e educativos com seu parceiro Dadinho.Hoje, o trabalho de Mateus Aleluia combina todas essas influências com a maturidade, precisão e serenidade de uma vida dedicada ao trânsito físico e estético entre Angola e Bahia.

Por intermédio de uma rádio, Obaluaiê atravessa diversas cenas da vida diária, tornando -se capaz de curar o tempo, uma vez que pode avançar ou retroceder cada vez que gira o seu toca disco. As personagens são orixás em ações cotidianas que enfrentam desafios e dilemas humanos. Jovens Pretes fazendo as pazes com os ponteiros e descobrindo a espiritualidade como uma tecnologia de sobrevivência e permanência.

Com montagem do Teatro Oficina, Senhora dos Afogados, de Nelson Rodrigues, ganha vida sob a direção de Monique Gardenberg. Na tragédia da família Drummond, o desejo domina o destino, revelando segredos e paixões fatais. Um espetáculo de entrega e resistência, onde o teatro se torna rito, liberdade e pulsão.

Júlia Rabello, Maria Clara Gueiros e Priscila Castello Branco conquistam o público em ‘Agora É Que São Elas!’, as atrizes se transformam em vinte personagens, entre femininos e masculinos, como protagonistas de nove esquetes escritos por Fábio Porchat. ‘Agora é Que São Elas!’ se destaca pelo humor autêntico, com espaço para improvisação, aproximando o público de cada cena. E, como uma das linguagens mais dinâmicas do teatro, cada esquete pode ser interpretado de maneira diferente a cada apresentação, oferecendo à plateia a sensação de estar assistindo a um espetáculo exclusivo a cada vez.

Exposição individual da artista paulistana Cristiane Mohallem. Suas obras convidam o público a adentrar um universo onírico por meio de onze tapeçarias bordadas e seis pinturas que transitam entre o abstrato e o figurativo.Inspirada pelo poema "Eros e Psique", de Fernando Pessoa, Mohallem transforma experiências e memórias em paisagens imaginárias. Partindo de lugares que fazem parte do seu cotidiano, como uma praça em São Paulo até um pequeno vilarejo na Islândia, suas obras entrelaçam cores e formas que evocam tanto familiaridade quanto estranhamento.

A proposta desses livros é possibilitar um diálogo entre sensorialidade, imaginação e histórias. Eles foram confeccionados com diferentes texturas, diversos elementos e propostas interativas, a fim de permitir ricas explorações e investigações, como apertar, puxar, girar, movimentar, entre outras.

1300° (qual a saúde de um vulcão?) explora a sobreposição entre formações vulcânicas e a estratificação social, propondo um diálogo entre processos de destruição e saúde. Malu Avelar utiliza intensas propostas corporais para abordar a descolonização do corpo, trazendo a argila e a energia vulcânica como orientações, refletindo sobre o humano como caco, potência da matéria destruída, conectando carne e espiritualidade.Comparações entre processos vulcânicos e estruturas ou normas humanas, como, por exemplo, os processos de atrito e destruição que compõem ciclos de saúde, levantam imaginários e provocações que são respondidas em cena pela artista por meio de intensas propostas corporais. Viver tais processos vulcânicos torna-se um modo de propor a descolonização do corpo, indo além da concepção tradicional de humanidade. Essas energias vulcânicas, assim como o viver a argila, são trazidas como uma orientação possível para encontrar a saúde através da destruição, é a destruição como meio. O espetáculo se afasta da noção de cura enquanto fim e se apresenta como um processo de saúde. Diversas mitologias abordam o barro como matéria de formação humana, como a base da criação da forma humana. A artista nos entrega um movimento que emerge da carne e se conecta ao espiritual, o que, para ela, é a missão do corpo que se propõe a dançar.

Nome importante do rock, a banda O System Of A Down apresenta uma turnê pela América do Sul em 2025, marcando o retorno da banda após quase 10 anos.

Com curadoria de Renato De Cara, curador do Paço das Artes, a exposição traz 58 trabalhos de 18 artistas que, por meio de suas obras, refletem sobre os impactos significativos e, muitas vezes, irreversíveis das ações humanas ao meio ambiente. Para além das mudanças nas paisagens, os artistas exibem exercícios de imaginação para um futuro fantasioso, investigando linguagens, representações utópicas, apocalípticas e objetos ficcionais.Artistas convidados: Alexandre Ignácio Alves, Ariel Spadari, Brunøvaes, Chico Santos, Felipe Góes, Hugo Fortes, Lalo de Almeida, Leila de Sarquis, Luanna Jimenes, Marcelo Moscheta, Mauricio Parra, Meia, Mercedes Lachmann, Rafaela Foz, Ricardo Barcellos, Rosa Hollmann, Uýra, Virginia de Medeiros.

Em meio aos prédios e todo o cenário urbano de São Paulo, a exposição mergulha Nhe´ ẽ Se nas formas como os povos indígenas enxergam a vida, a comunidade e a natureza. Desde a origem do mundo, os rios são vistos como as veias da terra e canais que conectam o mundo físico ao espiritual, fornecendo sustento e equilíbrio. A mostra reúne obras de treze artistas indígenas contemporâneos de diversas regiões, evocando uma jornada de memória, resistência e renovação através das vozes, visões e fluxos de Guaranis, Pankararus, Mura, Tukanos, Molina, entre outros povos. A exposição mescla artistas já renomados com novos nomes: Aislan Pankararu, André Hulk, Auá Mendes, Daiara Tukano, Day Molina, Déba Tacana, Edgar Kanaykõ Xakriabá, Glicéria Tupinambá, Paulo Desana, Rodrigo Duarte, Tamikuã Txihi, Xadalu Tupã Jekupé, e Yacunã Tuxá. A curadoria é assinada por Sandra Benites e Vera Nunes.

Escrita por Edward Albee (1928-2016) no início da década de 90, ‘Três Mulheres Altas’ logo se tornou um clássico da dramaturgia contemporânea. Perversamente engraçada – como é a marca do autor –, a peça recebeu o Prêmio Pulitzer e ganhou bem-sucedidas montagens pelo mundo, ao trazer o embate de três mulheres em diferentes fases da vida: juventude, maturidade e velhice.Dirigida por Fernando Philbert, a nova versão da peça traz no elenco Suely Franco, Deborah Evelyn e Nathalia Dill, tem tradução de Gustavo Pinheiro e produção da WB Produções, de Bruna Dornellas e Wesley Telles.Em cena, as atrizes interpretam três mulheres batizadas pelo autor apenas pelas letras A, B e C. A mais velha (Suely Franco), que já passou dos 90, está doente e embaralha memórias e acontecimentos, enquanto repassa a sua vida para a personagem B (Deborah Evelyn), apresentada como uma espécie de cuidadora ou dama de companhia. A mais jovem, C (Nathalia Dill), é uma advogada responsável por administrar os bens e recursos da idosa, que não consegue mais lidar com as questões financeiras e burocráticas.Entre os muitos embates travados pelas três, a grande protagonista do espetáculo é a passagem do tempo e também a forma com que lidamos com o envelhecimento. ‘O texto do Albee nos faz refletir sobre ‘qual é a melhor fase da vida?’, além de questões sobre o olhar da juventude para a velhice, sobre a pessoa de 50 anos que também já acha que sabe tudo e, fundamentalmente, sobre o que nós fazemos com o tempo que nos resta. Apesar dos temas profundos, a peça é uma comédia em que rimos de nós mesmos’, analisa o diretor Fernando Philbert.

Um clássico da comédia dos anos 90, o filme “Uma Babá Quase Perfeita” conquistou gerações de fãs e transformou-se, em 2021, em um musical da Broadway, reafirmando a atemporalidade da obra e o Brasil ganha uma versão do musical, estrelada por Eduardo Sterblitch e dirigida por Tadeu Aguiar. A história de “Uma Babá Quase Perfeita” gira em torno de Daniel Hillard (Eduardo Sterblitch), um ator desempregado que fará qualquer coisa por seus filhos. Após um divórcio conturbado, Daniel encontra uma solução para não ficar longe dos seus filhos, disfarçando-se de Euphegenia Doubtfire, uma senhora idosa perfeita para ser babá das crianças. Enquanto cuida das crianças, ele aprende importantes lições sobre paternidade e responsabilidade.Em seu segundo musical, Eduardo Sterblitch dará vida à famosa Babá. O artista multifacetado estará ao lado de Thais Piza, responsável por dar vida à ex-esposa Miranda, Lara Suleiman no papel da filha mais velha Lydia Hillard, Bernardo Destri como Christopher e Bibi Valverde como a pequena Natalie. O elenco conta ainda com outros 20 talentos dos palcos e poderá sofrer eventuais alterações sem prévio aviso. Vitor Martinez assina a maquiagem de efeito e a perucaria fica por conta de Feliciano San Román. O musical conta com música e letras de Karey e Wayne Kirkpatrick, e texto de Karey Kirkpatrick e John O'Farrell.

O Ciclo Cinema e Teatro se propõe a discutir e aproximar esses dois universos por meio da exibição de filmes adaptados de peças teatrais, seguido de uma conversa com profissionais e mediado por Paula Autran, curadora do projeto. A primeira edição exibe o clássico Eles Não Usam Black Tie (Dir. Leon Hirszman, Brasil, 1981, Drama, 123 min, 14 anos), seguido de uma conversa com Paulo Bio Toledo (professor de artes cênicas/UNESP) e Miriam Mehler (atriz da montagem da peça do Teatro de Arena).

O violonista João Camarero, um dos maiores instrumentistas da cena musical de hoje, convida o jovem e talentoso cantor Ayrton Montarroyos para uma apresentação repleta de emoção e beleza onde, juntos, irão explorar um repertório de canções brasileiras que atravessam gerações e estilos, do samba à bossa nova, do choro à MPB. O violão preciso e sofisticado de Camarero e a voz marcante de Montarroyos trarão novas cores e encantos a pérolas da música brasileira como Agnus Sei, de João Bosco e Aldir Blanc, Altos e Baixos, de Sueli Costa e Aldir Blanc, e Ela disse-me assim, de Lupicínio Rodrigues.

O "Forró de Gonzaga" é um show que celebra as ricas matrizes musicais nordestinas. Com uma duração aproximada de uma hora e meia, o show abrange um vasto repertório de clássicos do forró brasileiro, desde os sons tradicionais de Anastácia, Marinês e Mestra Zulão até Flávio Leandro e Gonzagão.

A Dejavu Sessions apresenta uma Jam instrumental com muito Groove no palco da Casa Rockambole.

Nesta adaptação do romance de Stephen King, a quieta e sensível adolescente Carrie White enfrenta insultos dos colegas na escola e abuso em casa de sua mãe, uma fanática religiosa. Quando estranhos acontecimentos começam a acontecer em torno de Carrie, ela começa a suspeitar que tem poderes sobrenaturais. Convidada para o baile da escola pelo autoritário Tommy Ross, Carrie tenta relaxar, mas as coisas tomam um rumo sombrio e violento.

"África Fantástica" é o novo show de Fanta Konatê que une a ancestralidade de sua cultura Malinkê, herdeira do Império de Mali, ao afrofuturismo na estética sonora, utilizando recursos contemporâneos e instrumentos diversos para a expressão desta artista, compositora, cantora, bailarina e percussionista. A proposta deste show ganha relevância ao destacar a importância da compreensão da diversidade cultural da África, que é frequentemente invisibilizada e estereotipada como uma entidade homogênea. O projeto não apenas celebra essa diversidade, mas também enfoca o empoderamento negro.

A atriz, cantora e compositora Thalma de Freitas celebra seus 51 anos com uma festa dançante intitulada "El Grand Concerto" no porão da Casa de Francisca. O evento promete uma noite inesquecível com música ao vivo, discotecagem especial e participação da violonista Helô Ferreira e convidados surpresa.Thalma será acompanhada por seu trio com Fabio Leandro ao teclado, Vanessa Ferreira no baixo acústico e o baterista Vitor Cabral com seu set de percuteria. A banda explora a marcante mistura sonora que transita entre jazz, samba e influências do surrealismo brasileiro. Além da apresentação musical ao vivo, o evento contará com a discotecagem 'Seleta Sonica | Espírito Canto' uma performance especial da aniversariante, trazendo faixas inéditas comentadas e intervenções vocais sobre clássicos musicais que marcaram sua carreira.

Música de compositores negros, de mulheres; música brasileira e a música feita nos nossos dias, que reflete e dialoga com o mundo em que vivemos. Essa é a proposta da série de câmara Diversidade(s). As apresentações não pretendem segregar repertórios, mas sim alargar o cânone, incluindo obras menos executadas ao lado do legado clássico-romântico.

A Casa Natura Musical recebe o sexteto Mestre Negro para apresentar a música de Moacir Santos. Este show apresenta o universo sonoro do eterno mestre das grandes formações instrumentais Moacir Santos, que foi nomeado por Nei Lopes como o arranjador da “música popular mais sofisticada e ao mesmo tempo mais enraizada nas tradições afro-brasileiras”.Desde seu primeiro disco “Coisas” (de 1965), Moacir ficou conhecido por dominar um estilo de composição musical que permeia simultaneamente a polirritmia africana e a instrumentação jazzística das big bands. Fez uma longa carreira nos Estados Unidos como líder de grandes formações instrumentais e compositor de trilhas sonoras para filmes.O grupo brasileiro apresenta em formação de sexteto um repertório de composições de Moacir Santos e também outros temas compostos em sua homenagem, em uma viagem instrumental que parte do samba jazz e percorre caminhos profundos e introspectivos. Grande parte dos arranjos foi feita pelo trombonista Curt Berg, amigo pessoal de Moacir e ex-integrante de seu grupo nos Estados Unidos.

Dennis é um cineasta que, ao ganhar um Oscar, denuncia publicamente um ex-colega de bullying homofóbico, desencadeando um cancelamento devastador nas redes sociais. A peça mistura humor ácido e drama para explorar os impactos do bullying e o preço do cancelamento na vida de ambos.

Com uma carreira de mais de três décadas, a música do portugês Mário Laginha passa ainda pelas sonoridades brasileiras, indianas e africanas; pelo pop, rock e clássico. Colabora regularmente com os principais grupos de seu país, como Orquestra Gulbenkian ou Casa da Música, bem como artistas brasileiros, como André Mehmari, Gilberto Gil e Lenine. Neste encontro inédito, com o destacado Pau Brasil, teremos dois pianos, com Laginha e Nelson Ayres. Com mais de 40 anos de atividade, o grupo reúne alguns dos melhores músicos do país: Rodolfo Stroeter, Paulo Bellinati, Teco Cardoso e Ricardo Mosca.

Mental Abstrato vem ganhando destaque nos últimos anos, realizando shows em festivais de música pelo Brasil e mundo afora, dividindo palco com nomes como Elza Soares, João Donato, Azymuth, Duofel, Bocato, e os americanos Robert Glasper, Joey Bada$$, além dos italianos Nu Guinea. Em seus shows, já participaram como convidados artistas de peso como Claudya, Tássia Reis, Rincon Sapiência, Karol Conka, Rico Dalasam, Di Melo, Karla da Silva, Rashid, Xênia França, Izzy Gordon, entre outros.

Em ACESA, a principal inspiração são o coco e a ciranda (ritmos tradicionais de Pernambuco e Paraíba) de onde parte de uma formação percussiva, com uma trama de sintetizadores e programações, pensados, em contrapontos, a partir da linguagem dos sopros das cirandas e maracatu de baque solto, e em criações de timbres, efeitos e processamentos possíveis a partir do uso de synths.No palco, Alessandra, na voz e tambor; a bateria percussiva e programações de Guilherme Kastrup, e os sintetizadores de Tamires Silveira e Marcelo Cabral no synth bass, compõem uma formação e sonoridade inusitada e singular.

Em curta temporada, a cantora e compositora Ellen Oléria apresenta no palco da Casa de Francisca uma experiência inesquecível com seu novo show, dedicado à icônica Nina Simone. A apresentação terá participação especial de Aline Marco.

A banda paulistana Sophia Chablau e Uma Enorme Perda de Tempo apresenta seu segundo álbum, Música do Esquecimento (Selo RISCO, 2023), com produção do pianista pernambucano Vitor Araújo. Com o single “Segredo”, foram indicados ao Prêmio Multishow na categoria Rock do Ano.O trabalho é o disco de uma banda em formação, que narra aventuras familiares, amorosas, sexuais, intelectuais e estéticas; aborda a loucura apaixonante que é ser jovem e ter uma banda; e busca incansavelmente uma sonoridade interessante e própria para tocar canções contemporâneas em português.

Em “Gilberto Lab”, Léo Caranga mergulha no repertório de Gilberto Gil e apresenta uma homenagem ao seu conterrâneo com uma abordagem criativa e cheia de personalidade. O repertório passeia por canções marcantes como “Parabolicamará”, “Estrela”, “Extra”, “Palco” e muitas outras, apresentando novas experimentações sonoras da obra desse ícone da música brasileira.