Espetáculo para primeirissima infância. Bento, menino de pés descalços e sujos de terra rachada trilha uma jornada longe de sua mãe e de seu povo – em busca de água. Encontra bichos da chuva e músicas de bença! Ganha presentes da seca e descobre que sua pisada forte faz brotar água.

Uma aventura na qual som e silêncio dialogam para a construção de um momento lúdico, com brincadeiras e recursos visuais para quem ouve com os ouvidos e com os olhos também. Espetáculo inspirado no livro “O Grito da Gaivota”, da escritora surda francesa Emmanuelle Laborit, e com participação da atriz surda Nayara Rodrigues e do mestre da cultura popular maranhense Henrique Menezes.

A exposição é uma uma imersão sensorial e literária voltada ao universo infantil. os visitantes a explorar a conexão profunda entre a humanidade e os ciclos das águas, promovendo reflexões poéticas sobre a natureza, o pertencimento e a preservação ambiental. O evento amplia a visão de mundo ao destacar o conhecimento dos povos originários, a diversidade cultural e a importância da preservação dos ecossistemas.Nesta edição, "Histórias da Floresta" se expande e traz novidades envolventes. Entre elas, um rio cenográfico que conduz os visitantes por um percurso interativo e narrativo, revelando segredos das águas. Além disso, a exposição apresenta narrativas sonoras acessíveis por totens e displays musicais, onde histórias se entrelaçam ao som das marés.

Escrita a partir de um acontecimento na vida do artista Francis Bacon (1909/1992) e seu namorado George Dyer, o performer pretende submeter seu público a experiência de sentir um ser idolatrado se transformar em um Monstro dentro delas. O sentimento de admiração e aversão colocados em confronto.

Em “Domingo no parque”, a radicalidade do trabalho da artista Renata Lucas se evidencia no confronto não apenas com a escala das três salas expositivas do museu, mas também a fachada e a praça em frente ao prédio da Pina Estação, localizada no Largo General Osório.Em uma das galerias expositivas Renata Lucas promove uma conexão metafórica entre o lado de dentro e o de fora através de uma plataforma giratória. Ao empurrar a parede do museu, o público faz parte do chão girar, revelando sobre ele uma área gramada, similar ao solo do Largo General Osório.

As bandas paulistanas Besouro Mulher e Pelados se unem para uma noite inédita na Casa Natura Musical.Besouro Mulher, formada por Sophia Chablau, Arthur Merlino, Bento Pestana e Vitor Park Wu, é uma banda de música alternativa de São Paulo que tem ganhado destaque com sua sonoridade criativa e letras potentes. Em 2023 lançaram o disco "Volto Amanhã" pelo selo Rockambole (Pluma, O Grilo) que apareceu em diversas listas dos melhores lançamentos do ano. Pelados, com Manu Julian, Helena Cruz, Theo Cecato, Vicente Tassara e Lauiz, trazem um rock independente de atitude, com influências que vão do pós-punk ao indie mais cru. Com o lançamento do disco Foi Mal em 2022, pela Matraca Records, a banda consolidou seu espaço no cenário da música independente. O trabalho é marcado por um som enérgico e cheio de identidade, com letras sinceras que refletem a essência da banda.

MACACOS é um espetáculo sobre a estruturação do racismo e do apagamento das memórias e ancestralidades negras que estão enraizadas neste país. O espetáculo se coloca em cena a partir do relato de um homem negro em busca outros espaços para ocupar diante do adjetivo MACACO, que nomeia a obra, a fim de refletir sobre esse adjetivo que é o mais usado como xingamento ao povo negro no mundo.A peça trata sobre episódios da História Geral do país,cita estatísticas sobre as mães e famílias de jovens negros presos ou executados pela Polícia Militar brasileira. Além disso, a colonização é um eixo abordado para justificar como se chega aos dias de hoje. As questões levantadas por esse homem negro convidam o público a questionar o preconceito velado, e presente na estrutura social e na vida cotidiana do Brasil de 1500 até os dias de hoje. Os questionamentos desse homem negro convidam o público a pensar e debater sobre os preconceitos mascarados, que existem na estruturação e no cotidiano brasileiro.Macacos, foi a primeira obra teatral a reabrir um caso arquivado pela Justiça Brasileira, o caso do Estado do Rio de Janeiro x Eduardo de Jesus.

A distopia criada por Nelson Baskerville a partir da tragédia carioca de Nelson Rodrigues ressurge como um espelho cruel das hipocrisias brasileiras, amplificadas pelo recente avanço da extrema direita. Edgard, um homem marcado pela miséria apesar de anos de dedicação ao patrão Werneck, recebe uma proposta tentadora: casar-se com Maria Cecília, jovem rica e "bonitinha" , mas envolta em um passado controverso. O dilema entre dinheiro e moralidade o arrasta por um universo de desejos reprimidos, traições e valores distorcidos.

Inaugurada no dia que marca os 111 anos do nascimento de Carolina Maria de Jesus, a exposição celebra o legado da escritora para a arte e cultura a partir dos trabalhos de 11 artistas negras contemporâneas, de diversas linguagens artísticas. A mostra busca destacar o legado de Carolina Maria de Jesus nas novas gerações e reforçar o impacto de sua multifacetada produção artístico-literária para a arte e cultura brasileira.A exposição conta com obras de múltiplas técnicas e elementos, como pinturas, esculturas, bordados, entre outros, reunindo as artistas: Ana Paula Sirino, Antonia Maria, Bianca Foratori, Chris Tigra, Gugie Cavalcanti, Isa Silva, Mayara Amaral, Negana, NeneSurreal, Siwaju e Soberana Ziza. Reunidas, essas artistas apresentam obras que permeiam o universo de Carolina e/ou trazem referências em suas cores e simbologias.

O pianista italiano PAOLO ANDRÉ GUALDI já se apresentou extensivamente nos EUA e, no exterior, na Itália, Reino Unido, França, China, Brasil e Uruguai. Gravou para a Mark Records e IFO Classics, e suas apresentações foram transmitidas por rádios como BBC, NPR, Clásica 650 e Radio Vaticana.Começou a estudar piano com seu pai aos cinco anos, continuando no Conservatório de Santa Cecília em Roma, Itália, com Carmela Pistillo. Obteve seu Diploma com as mais altas honras no Conservatório Arrigo Boito, em Parma, sob a orientação de Roberto Cappello. Tem ainda Mestrado pela Universidade Carnegie Mellon e Doutorado pela Universidade da Georgia.Gualdi trabalhou extensivamente com Carlo Maria Dominici, Enrique Graf e Evgeny Rivkin, e participou de master classes com György Sandor, Earl Wild, Sergio Perticaroli e Menahem Pressler, entre outros.Foi premiado em vários concursos de piano, incluindo o Concurso Europeu de Ostuni, o Concurso Nacional Altruda de Vasto e o Concurso Nacional Françoise Grimaldi de San Polo. Ganhar o “Prêmio De Martino” no Concurso Internacional de Piano Ibla permitiu que ele estudasse na Universidade Elon com Victoria Fischer.

Apaixonado pela funcionária de uma pet shop, Rocky Balboa é um boxeador talentoso, mas com resultados irregulares, que ganha a vida cobrando dívidas para um agiota. Por conta de um golpe de sorte (e marketing), ele é desafiado pelo campeão dos pesos-pesados. O azarão treina, corre pelas ruas da Filadélfia e vira popstar da noite para o dia.

Neste concerto, o escocês Colin Curie convida a classe de instrumentos da Academia de Música da Osesp e a Orquestra jovem de São Paulo para uma apresentação com peças de Anna Meredith, Louis Andriessen, Helen Crime e James Macmillan.

Em um ambiente intimista, o hotel Pulso recebe o show de Bebé. A performance une texturas eletrônicas a referências de pop, funk, indie e R&B, com letras que exploram desejo, amor e autonomia — tudo guiado pela voz marcante e identidade sonora única da artista.

O DJ Zé Pedro é um pesquisador profundo da MPB visto que aos sete anos de idade começou seu acervo de discos e vídeos que hoje são raridades que só ele possui. Agora, a convite do Bona Casa de Música, ele mostrará pela primeira vez essas pérolas musicais além de contar histórias divertidas e emocionantes.Nessa primeira edição ele tem como convidada a cantora Fafá de Belém que, assim como a plateia, será surpreendida pelos tesouros escondidos de Zé Pedro.

Cheios de contos e histórias, Fernando Pivelli e PH Moraes trarão um show percussivo e diferente de todos os que já foram feitos até aqui.Nesse dia serão contadas histórias da trajetória do duo até os dias de hoje e para além, trarão no repertório músicas já lançadas, releituras e inéditas que serão lançadas ainda esse ano, transitando pelo ritmo ijexá e a MPB, trazendo todo o AXÉ de uma energia tipicamente brasileira.

A casa recebe Alexandre Rodrigues para uma apresentação que explora novos caminhos musicais com uma formação singular: baixo acústico, pife e guitarra elétrica.Seu novo álbum, Kaeté, homenageia os povos originários de Itapissuma–PE, região marcada por manifestações culturais como ciranda, caboclinho, frevo, maracatu e cavalo-marinho.No palco, o trio apresenta composições autorais inspiradas nos ritmos pernambucanos, inovando ao dispensar a percussão e transformando essa ausência em liberdade rítmica. Com improvisos inventivos e uma abordagem jazzística, Alexandre leva o pífano a novas fronteiras sonoras, renovando a tradição com criatividade e ousadia.

A galeria especializada em arte urbana apresenta uma individual do artista Alemão. As cerca de quinze obras inéditas apresentadas trazem uma marca do trabalho do artista o uso de símbolos e elementos nostálgicos que revisitam a infância. O artista apresenta uma linguagem que une o street art à pintura tradicional: em suas obras, há o rompimento de limites representado nas telas, onde ele pinta também sobre a moldura, misturando gestualidade urbana e técnicas acadêmicas.

Programa a ser anunciado

Em Vitaminas, quatro trajetórias se cruzam em um panorama da sociedade americana da década de 80. São histórias privadas, em que a intimidade dos relacionamentos amorosos parece não se encaixar à promessa de sucesso pessoal. O fracasso como sintoma e resistência ao neo-liberalismo. 85 min

A talentosa cantora e compositora Ellen Oléria inicia o ano de 2025 com um show exclusivo, dedicado à lendária Nina Simone. Acompanhada pela pianista Paola Lappicy, Ellen interpretará clássicos como "Feeling Good", "Ain’t Got No" e "My Baby Just Cares for Me", emocionando o público com suas interpretações marcantes.

EVI GOFFIN, a voz original dos grandes sucessos da banda Lasgo, ao vivo na festa dos anos 2000 MILLENIUM.

O projeto frequências apresenta dois shows em uma única noite. Murica, nome artístico de Murillo Fellipe, é um dos nomes da nova geração do rap brasileiro. Nascido no Distrito Federal nos anos 2000, iniciou sua trajetória nas batalhas de rima de Brasília, onde aprimorou sua comunicação com o público. Suas influências vão da Tropicália ao skate e à poesia marginal, refletindo uma identidade genuinamente brasileira em sua música.Em 2025, o rapper Sant comemora os 10 anos do lançamento de seu primeiro álbum, O Que Separa os Homens dos Meninos. Para marcar essa década de história e evolução, o artista apresenta um show que passeia por sua discografia, relembrando sucessos que marcaram sua caminhada e atravessando diferentes fases de sua carreira até chegar ao mais recente trabalho, Convicto. Ao longo dos anos, Sant consolidou-se como uma voz autêntica e potente no rap nacional.

Texto de Duca Rachid e José Eduardo Vendramini. Direção de Georgette Fadel e Luaa Gabanini.Celebrando uma década desde a estreia de ‘Cartas Libanesas’, o novo espetáculo apresenta uma perspectiva inédita dessa história. A libanesa Adibe, uma camponesa grávida do primeiro filho, fica em sua aldeia no Líbano à espera do marido Miguel, um mascate libanês que foge da 1ª Guerra imigrando para Brasil com o intuito de prosperar e sustentar a família. Numa contínua troca de cartas, dividem anseios, descobertas e dores na expectativa de um possível reencontro futuro.

O concerto apresenta um repertório dedicado aos Negro Spirituals — cânticos sacros entoados por pessoas escravizadas nos EUA. Tradicionalmente à capella ou acompanhados por palmas e percussão corporal, os clássicos ganham novos arranjos de Regiane Martinez e Ricardo Barbosa, presentes no álbum Spirituals (2015).

Criado em 2013, o Baile Black Bom é um movimento cultural originário da região do Quilombo Pedra do Sal, na Pequena África (RJ), onde realiza festas gratuitas no espaço público. Nesta Virada Cultural, o coletivo apresenta um baile especial com DJ Flash e um repertório que reúne a black music clássica e moderna, passando pelo funk, soul, rap, R&B e muito mais.

Em uma celebração única da música e da arte, um grupo de artistas propõe um cortejo-espetáculo inspirado em uma serenata. Misturando versões de canções emblemáticas com composições originais dos Palhaços Sem Fronteiras Brasil, o evento promete encantar o público com uma jornada sonora que traz referências aos bailes black e funk soul. Os participantes explorarão a magia da música, unindo melodias conhecidas a criações inovadoras, em uma experiência que transcende fronteiras e celebra a diversidade cultural.

Uma das grandes referências do R&B brasileiro, o grupo Fat Family – hoje formado por Suzete, Kátia e Simone Cipriano – apresenta um show especial que segue as celebrações dos 25 anos do grupo, completos em 2023. No repertório, além dos grandes hits da carreira, as artistas apresentam versões próprias de canções de nomes como Djavan, Sandra de Sá e Tim Maia.

MTG RUAS transforma a cidade em um quintal de encontros com a arte. Inspirado nos espetáculos Dança por Correio e Mané Boneco, o coletivo Zumb.boys propõe uma intervenção viva, pulsante. Como na música, onde “MTG” remete à montagem, Márcio Greyk aplica essa lógica à dança — criando composições que reinventam o corpo e convidam o público a experimentar a arte em pleno espaço urbano.

No final dos anos 80, a estação São Bento do metrô virou point de encontro de b-boys, MCs e amantes do rap. O local, berço da cultura hip-hop em São Paulo, era onde aconteciam batalhas de dança de rua e espaço para a troca de idéias sobre breaking e as origens da cultura até então desconhecidas. Foi ali que surgiu, em 85, o longevo grupo de break Back Spin Crew.Nesta apresentação o grupo convida Soul Sisters e juntos trazem à cena as Danças Sociais e convidam o público a participar.

Baile que fez história em São Paulo a partir dos anos 1970, como importante movimento de afirmação da liberdade de expressão da juventude negra, a Chic Show faz uma discotecagem com muita black music, com DJs e MC, convidando o público a dançar.

O artista plástico Márcio Périgo apresenta a mostra “Somos memórias” na Fundação Stickel, na Vila Olímpia, em São Paulo. Com texto crítico da Agnaldo Farias, a exposição conta com 66 gravuras em metal, Buril e água tinta, do período de 2020-2024, em que o artista procura uma aproximação com os desenhos geométricos corporais e utensílios dos indígenas brasileiros, com as cores naturais de terra, cálcio e carvão.

Com o show “40 Anos na Estrada”, Leoni se apresenta em quatro shows intimistas no Blue Note

Zeca Veloso é cantor e compositor, começou sua carreira musical em 2017 na turnê Ofertório, ao lado de seu pai Caetano, e de seus irmãos Moreno e Tom. Sua composição, o sucesso “Todo Homem” foi o principal single do projeto e tema de abertura da minissérie Onde Nascem os Fortes. Junto da família, passou por palcos de muitas cidades brasileiras, também da América Latina, Estados Unidos, e Europa, onde foi convidado para gravar uma sessão do canal Colors, em Berlim.

Em um palco iluminado a luz de velas, um quarteto de cordas apresenta clássicos do Jazz.

Em um palco iluminado a luz de velas, um quarteto de cordas apresenta músicas que marcaram o movimento Tropicália, com canções de Caetano Veloso, Gilberto Gil, Tom Zé, Os Mutantes, entre outros.

A exposição reúne trabalhos recentes de Adriano Costa, incluindo pinturas em bronze e resina. Para Costa, uma exposição de arte contemporânea não é diferente de uma ópera ou da encenação de uma tragédia clássica. 1 metro de cabelo apresenta-se como um espetáculo que surge da realidade e, sem controle, arrisca-se e explode como ékstasis, palavra que vem do grego e que significa literalmente ser levado, desprender-se de repente, sair de si mesmo e elevar-se.

Exposição individual da artista Ana Amorim. Com uma prática artístico-conceitual centrada no fazer diário, a mostra elucida a forma metódica com que a artista registra o tempo da própria vida, suas experiências e deslocamentos, transformando cada trabalho em uma prova inequívoca de sua existência. O próprio título da exposição reitera o exercício sistemático de registro da sua vivência: os localizadores, utilizados por Ana Amorim para taxonomizar sua produção, fazem referência tanto ao tempo fixado nos calendários (horas, dias, meses e anos), quanto ao tempo fugidio — as horas e os dias restantes para o final do ano, por exemplo.

Exposição individual do artista uruguaio Marco Maggi. Com 14 trabalhos, a mostra apresenta majoritariamente criações recentes do artista, produzidas nos últimos dois anos.Com trajetória iniciada na década de 1990, Marco Maggi temno funcionamento do olhar contemporâneo – pautado pelo excesso de velocidade, imediatismo e voracidade –, e em sua crítica, o ponto de partida de seu trabalho. Temos muitas vezes, como consequência disso, uma mirada descomprometida e apressada sobre o mundo que nos rodeia, algo que é rechaçado pelas proposições do artista que seguem pelo caminho oposto ao descrito, instigando o espectador a exercitar uma presença ativa que nos parece destoar da lógica atual em que estamos inseridos, apesar da obsessão dos nossos tempos com práticas como o mindfulness.Sob um olhar desatento, os trabalhos de Maggi parecem silenciosos, e, em alguns casos, quase imperceptíveis. A escala miniaturizada em que são realizados demanda um olhar presente do espectador. Dessa forma, desvela-se oque a princípio custa a se mostrar: complexos, intrincadose minúsculos padrões geométricos, tracejados, linhas e até mesmo estruturas com certa vocação arquitetônica emergem do suporte e revelam uma inesperada e imbricada trama.

Terceira individual do cineasta e artista britânico Sir Isaac Julien (n. 1960) na galeria. A exposição conta com fotografias e colagens, grande parte destas inéditas, que são desdobramentos do filme Lina Bo Bardi – A MarvellousEntanglement (2019), que explora poeticamente a vida, a obra e o legado da arquiteta brasileira de origem italiana Lina Bo Bardi (1914-1992). As novas colagens de Isaac Julien, apresentadas pela primeira vez, destacam-se pelo uso singular das cores, evocando diversos motivos poéticos e ecológicos na obra de Lina Bo Bardi.Simultaneamente a mostra na galeria, o MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand apresentará, pela primeira vez no Brasil, a vídeo-instalação composta de 9 telas em seu novo anexo, o edifício Pietro Maria Bardi. Desse modo, o público poderá ter contato com partes complementares do mesmo trabalho de Julien.Tanto no filme como nas fotografias e colagens, Bo Bardi é representada em diferentes estágios de sua vida pelas aclamadas atrizes brasileiras Fernanda Montenegroe sua filha Fernanda Torres. No filme, as atrizes leem textos adaptados dos escritos da arquiteta, envolvendo os espectadores em uma narrativa que se baseia em uma citação de Bo Bardi que diz: “O tempo não é linear, é um maravilhoso emaranhado no qual, a qualquer momento, fins podem ser escolhidos e soluções inventadas, sem começo nem fim”.

A individual de Katie Van Scherpenberg se alinha a um dos fundamentos do programa da Galatea, que envolve resgates históricos e reposicionamento de grandes artistas cuja produção se encontre em certa medida distanciada da cena atual da arte brasileira.Iniciada há cinquenta anos, a produção de Scherpenberg deriva das suas investigações a respeitoda pintura e dos elementos estruturais e simbólicos que a constituem. A artista experimentou todasorte de intervenção sobre tela e madeira, pesquisando pigmentos naturais, desenvolvendo a própriatêmpera, desencadeando reações químicas e examinando as oxidações sofridas por diversosmateriais.

A exposição coletiva conecta artistas de diversas regiões e épocas, através temas de comoamor, desejo e o magnetismo nas relações humanas. O título da exposição, Carvões acesos, foi emprestado de um poema em forma de receita intitulado Coisas para o ninho, escrito por Patrícia Galvão (Pagú) enquanto estava presa pela ditadura Varguista, cujo manuscrito será exposto na mostra. A noção de algo que persiste na sua escandecência e calor, tal qual um carvão em brasa, permeia a mostra com trabalhos que exploram a tensão sexual e o magnetismo da sedução.Estão presentes na mostra nomes que conectam gerações e territórios da arte brasileira e tambéminternacional, como Alair Gomes, Allan Weber, Amélia Toledo, Antonio Dias, Chico Tabibuia, Cildo Meirelles, Dani Cavalier, Edgard de Souza, Fefa Lins, Gabriella Marinho, Hudinilson Junior, Ismael Nery, Jonathas de Andrade, Leonilson, Louise Bourgeois, Luiz Roque, Mayara Ferrão, Panmela Castro, Rafael RG, Retratistas do Morro, Rosângela Rennó, Tunga e Wesley Duke Lee.

Desde 2023, a Osesp se dedica à gravação da integral das sinfonias de Gustav Mahler. Nesta Temporada, a Orquestra interpreta as Sinfonias nº 5 e nº 6. O projeto visa disponibilizar as obras, gravadas em Dolby Atmos (tecnologia de som imersiva), nas plataformas de streaming. “Gustav Mahler foi um dos maiores compositores de todos os tempos. Além da visão inovadora na utilização da orquestra, explorando texturas, timbres, sons e instrumental como nunca feito antes, ele integrou elementos programáticos e filosóficos de forma única, promovendo uma reflexão sobre a humanidade, a natureza e a espiritualidade”, afirma o maestro Thierry Fischer, que comanda o programa. Estruturada em quatro movimentos, a sexta sinfonia de Gustav Mahler, subintitulada “Trágica”, inclui algumas das características marcantes do estilo do compositor, como a ambição de abarcar em si um universo inteiro e a de provocar uma meditação sobre a experiência humana. Também estão presentes os grandes contrastes, com uma riqueza que oscila do absoluto êxtase ao desespero, culminando em um final sombrio e devastador.

Após 15 edições em Brasília e 3 na capital paulista, o evento volta à cidade em 2025 reunindo artesãos de todos os estados e do Distrito Federal. Além de compras e negócios, o convite é para uma imersão no universo do artesanato brasileiro, com mais de 100 mil peças moldadas, trançadas, costuradas, entalhadas e esculpidas com talento genuíno

Gregorio Duvivier tem na língua portuguesa não somente uma pátria mas uma obsessão. Afinal a palavra é uma fonte inesgotável de humor, desde os primórdios. No Princípio era o Verbo, disse Deus. E logo em seguida vieram os erros de concordância. O mesmo Deus disse: Faça-se a Luz. Mas disse pra quem? E por que? Disse porque a palavra inaugura um mundo. Daí o termo o Céu da Língua: foi a língua, afinal, que nos pariu. Nos pariu como povo, mas também como humanidade.O espetáculo mistura Stand Up Comedy com poesia falada e uma dramaturgia que costura tudo. Stand up poetry? Linguistic comedy? Como preferir. Gregorio prefere na nossa língua: Comédia Poética. Dirigido pela atriz Luciana Paes, Gregorio descobre o poder da fala e nos lembra que o homem, nada mais é do que um macaco que fala – e todas as outras diferenças derivam disso.

Luan observa o mundo pela janela da torre onde mora e recebe visitas de bichos, não frequenta a escola e aprende tudo com sua mãe. Em meio a esses encontros, espera o momento em que as jabuticabas crescerão e estará pronto pra sair de casa. Diante do mundo real e de seu imaginário, Luan coloca em questão as normas que definem diferenças entre ser menina e ser menino.

O Brunch e Tour na Catedral da Sé apresenta uma programação completa no espaço, que se inicia com uma missa, e em seguida o público é convidado para se reunir nos salões superiores da igreja para desfrutar de um menu de brunch assinado pela chef Gil Gondim, especialista em banqueteria com forte influência italiana e culinária afetiva. Por fim, o dia conta com um tour completo pela catedral, incluindo espaços que não são abertos para o público em geral.

A exposição individual apresenta uma nova série de trabalhos da artista Mayara Ferrão. Seu processo artístico abrange fotografia, ilustração, pintura, direção criativa e de cena, utilizando tecnologias de imagem, inteligência artificial e vídeo para criar, construir e difundir narrativas de corpos negros, originários e dissidentes.

A mostra “O Gabinete de Marcelo Grassmann”, com curadoria de Luiz Armando Bagolin, abre no Museu Lasar Segall (Ibram/MinC), no bairro da Vila Mariana, em São Paulo. Reunindo 62 desenhos de monstros ou seres informes da década de 1950, na sala amarela, e alguns poucos da década anterior, em uma vitrine, a mostra apresenta obras que ficaram guardadas com o artista, e raramente foram vistas. Elas compõem um acervo essencial para o qual Marcelo sempre retornou a fim de iniciar ou reiniciar as suas séries de trabalhos. Ela é a primeira de uma série de mostras que celebram o centenário do artista gráfico Marcelo Grassmann (1925-2013).

A exposição se dedica a examinar o acervo da colecionadorae galerista Vilma Eid, que nos últimos quarenta anos forjou uma coleção singular, reunindo trabalhos de mais de 100 artistas entre os ditos populares, modernos e contemporâneos. Com mais de 300 obras divididas em duas salas, a mostra tem curadoria de Ana Roman e Catalina Bergues. A mostra integra o programa de exposições Instituto Tomie Ohtake visita, que busca criarconexões com colecionadores e agentes do circuito da arte, proporcionando acesso acoleções que, em parte, são pouco exibidas ao grande público.

A exposição individual percorre por mais de quatro décadas de trabalho da artista mineira Patrícia Leite. Com curadoria de Germano Dushá ,Olho d’água reúne cerca de 30 obras, entre desenhos, pinturas e objetos. Entre os destaques da exposição, estão telas emblemáticas da artista, desenhos abstratos em pastel sobre papel da década de 80 e trabalhos produzidos entre 2020 e 2025, objetos feitos a partir de pequenas peças compostas pela união de itens encontrados, como pedaços de vidro, madeiras, pedrinhas, miçangas e miudezas decorativas.

Em décadas de trabalho como regente coral, Naomi Munakata consagrou-se como uma das mais importantes maestras brasileiras. Entre 1995 e 2015, foi a titular do Coro da Osesp e, de 2016 até sua morte, em 2020, dirigiu o Coral Paulistano. Em memória aos 70 anos que completaria em maio, o Coro da Osesp e o Coral Paulistano unem-se para prestar uma homenagem à mestra.Quem dirige a apresentação é Maíra Ferreira, que foi assistente de Naomi no Coral Paulistano e hoje titular do grupo. Uma das mais destacadas regentes brasileiras da nova geração, Maíra também colabora com o Coro da Osesp com frequência. Ela conta que o programa é formado basicamente por obras que Naomi costumava fazer, escritas por autores pelos quais tinha grande admiração.Dessa forma, o programa parte de Rentarō Taki, compositor japonês do século XIX, passa por franceses como Olivier Messiaen e Francis Poulenc, inclui Quatro quartetos de Brahms, obra pela qual Naomi tinha especial apreço, e chega aos autores brasileiros Aylton Escobar, Antonio Ribeiro e Osvaldo Lacerda. A seleção ainda traz as compositoras Beatriz Corona e Juliana Ripke – que, segundo Maíra, Naomi teria adorado conhecer.

O festival realiza sua terceira edição, com nomes importantes do cenário brasileiro e internacional. Durante quatro dias, o Parque do Ibirapuera recebe shows de Jazz, indie pop e rock, música brasileira e música eletrônica, com uma programação distribuída em diversos espaços do parque. Entre os nomes confirmados no C6 Fest estão: A.G. Cook, Gossip, Amaro Freitas Septeto, AIR, Maria Esmeralda e Nile Rodgers & Chic.

Em 2025, Desirée Marantes comemora uma década de seu retorno à música. Inspirada por essa marca e pelo divertido meme com seu nome e que dá nome a essa noite, ela convida o público a uma viagem por seu universo solo. A apresentação mescla faixas do EP "Breve compilado de músicas para ______" (2024) com uma amostra exclusiva do álbum de música ambiente "Reparo", que estará disponível em www.desireemarantes.com no dia 5 de junho, dia mundial do meio ambiente.Além das composições, essa noite será uma janela para o processo criativo de Desirée, que explora ao vivo técnicas lúdicas de experimentação sonora. No palco, ela assume piano, violino, sintetizador e efeitos, com a companhia de Alejandra Luciani (vocais, samplers, efeitos) e Fe Koppe (violoncelo).

“Pra Você Lembrar de Mim” narra a transformação da relação entre pai, diagnosticado com a Doença de Alzheimer (DA) precoce, e filha, mostrando aos poucos a inversão dos papéis de cuidado e cuidador.

A Cia Circodança, em parceria com a bailarina Suzie Bianchi, realiza uma apresentação aberta em frente à Catedral da Sé, convidando o público a dançar e explorar o movimento, o ritmo e a ocupação dos espaços públicos da cidade de São Paulo.No espetáculo Vida de Circo, artistas circenses, atores e bailarinos contam a história de Laura e sua trupe sob uma lona de circo. A apresentação propõe um olhar inclusivo, com adaptações de movimentos para usuários de cadeira de rodas e pessoas com outras deficiências.A linguagem da Cia combina elementos da dança flamenca, de salão e contemporânea, integrando também recursos do teatro e do circo.

Com dramaturgia do uruguaio Sergio Blanco e direção de Victor Garcia Peralta, a peça é uma autoficção que acompanha os encontros entre um jovem parricida e um dramaturgo interessado em escrever a história do crime.Inspirado no mito do Édipo e na vida de São Martinho de Tours, santo europeu do século IV, o espetáculo também revisita textos que abordam o tema da paternidade, como “Os Irmãos Karamazov”, de Dostoievski; “Um Parricida”, de Maupassant; e “Dostoievski e o Parricídio”, de Freud. O cenário reproduz a quadra de basquete de uma prisão, onde ocorrem os encontros quase documentais entre os dois personagens, duas pessoas de mundos completamente distintos. Começa, então, uma peça dentro da peça, com Robson Torinni na pele tanto do jovem assassino quanto do ator que o representa. Com esse jogo de metalinguagem, a peça propõe uma reflexão sobre construção da dramaturgia, o universo teatral e os limites entre ficção e realidade.

Ao longo de quase cinco décadas, a pianista e compositora Tânia Maria dominou plateias do mundo todo com uma energia absolutamente contagiante, tornando-se referência mundial na música brasileira. Possuidora de estilo próprio e inconfundível, além de suíngue intenso e voz original, Tânia conquistou seu pódio no chamado “Brazilian Jazz” já no final dos anos 1970. No mês de aniversário da artista, o Projeto Tânia Maria faz a justa homenagem a essa imensa intérprete da música brasileira, que nasceu em São Luís do Maranhão e conquistou o mundo. Com direção artística de Lael Medina, idealizador e baterista do grupo, e com aprovação da própria musicista, o quarteto lançou em 2021 um álbum que perpassa por toda a carreira de Tânia Maria e ainda apresenta versões de clássicos que a mesma apresentava em seu repertório como “Chiclete com Banana” e “Abre Alas”.

O drama de um casal em crise é retratado no espetáculo Finlândia, que faz nova temporada no Teatro UOL. A bem-sucedida montagem brasileira tem direção de Pedro Granato e é interpretada pelo casal Paula Cohen e Jiddu Pinheiro, que também assinam a tradução.A peça do francês Pascal Rambert estreou em 2022 em Madri, na Espanha, e, desde então, ganhou montagens de sucesso em Paris (França), Montevidéu (Uruguai), Cidade do México (México) e Santo Domingo (República Dominicana).Finlândia nos coloca em um quarto de hotel em Helsinque, junto com o casal de atores Paula e Jiddu, que está em processo de separação e tenta estabelecer um diálogo sobre o futuro de seu relacionamento. A peça emerge das complexidades e desafios emocionais enfrentados por esse casal em crise, que ainda precisa encontrar um consenso sobre a criação e guarda da sua filha pequena.E, nesse duelo de linguagem entre dois mundos aparentemente inconciliáveis, um espelho reflete o momento que vivemos, uma estrutura de padrões opressivos que está por ruir, um mundo em desconstrução que aponta novos caminhos. E, por consequência, junto com a mudança vem os conflitos, as quebras e as resistências.

A DAN Contemporânea apresenta Amazônia Vida, uma exposição de José RobertoAguilar que explora as dimensões físicas e simbólicas da floresta por meio da pintura.Com um conjunto de 15 obras de grande formato, o artista retrata a Amazônia comouma entidade viva, vibrante e repleta de cor e movimento. Com curadoria de FabioMagalhães, a mostra convida o público a refletir sobre a relação entre natureza ehumanidade, os ciclos da vida, a fluidez do tempo e a transitoriedade da existência.

“DIFÍCIL NÃO DANÇAR” é um solo de dança que apresenta um diálogo improvisacional entre a bailarina Jussara Miller com as provocações musicais de Christian Laszlo. Há mais de trinta Jussara Miller pesquisa a improvisação em dança a partir da escuta do corpo e, nesta apresentação, pauta-se em um dos procedimentos de sua pesquisa: a improvisação cênica a partir dos estados de atenção e presença que é priorizado durante toda a dança, afirmando a processualidade do corpo que dança no mo(vi)mento presente.As provocações musicais de Christian Laszlo parte de um ecletismo musical com variadas vertentes de gêneros, texturas e vibrações musicais para provocar a expressividade dançante da bailarina, preenchendo a cena com uma paisagem sonora coerente com o diálogo construído na cena ao vivo.Jussara Miller é bailarina, coreógrafa, e professora de dança com atuação artística em processos colaborativos de criação entre linguagens: dança, teatro, performance, literatura, fotografia e vídeo.

Helena Black, a drag queen contadora de histórias, personagem criada pelo ator e educador Paulo Reis, apresenta uma nova história para o público infantil. Inspirada no livro de Cláudia Naoum, a drag Queen apresenta "Meu Avô Samantha"Sinopse: Era uma vez um avô, sua neta Helena e um gato. O avô e a menina tinham algo em comum, a procura por um objeto perdido: a peruca do avô Samantha. Em uma casa mágica os três descobrem durante a busca o significado de palavras como ‘ajuda’, ‘respeito’ e ‘afeto’. Será que é possível encontrar algo que talvez nem tenhamos perdido, apenas não sabemos aonde está?

Uma noite antes de se apresentarem no festival Popload no Parque do Ibirapuera, o duo The Lemon Twigs sobe ao palco com o seu pop psicodélico inspirado nos anos 70. O show ainda vai contar com um dj set de abertura 100% em vinil comandado por Tim Bernardes.

A primeira individual de Thiago Hattnher no Brasil, é resultado de uma relação persistente e meticulosa com a pintura.O artista propõe uma construção vagarosa, atenta. Tem por hábito trabalhar muitas telas simultaneamente, sem saber de antemão como o trabalho vai ser. Utilizando tinta a óleo, cuja secagem é lenta, ele sobrepõe camadas, criando campos de cor e de forma que oscilam entre harmonias e desequilíbrios, articulando-se em um jogo provocativo entre zonas neutras, áreas que sugerem jogos abstratos ou paisagens imaginárias, linhas que simulam horizontes, citações que remetem à paisagem ou ao gênero da natureza morta, evocando assim a história da pintura.

Proposta lúdica e interativa que celebra a musicalidade brasileira, promovendo experiências sensoriais e culturais. Pensado para o público infantil no SESC, o ambiente contará com um painel sensorial que estimula o tato e a curiosidade, além de instrumentos de percussão acessíveis para exploração musical.Nesta vivência sonora, as crianças acompanhadas por seus responsáveis, também poderão produzir seu próprio tambor feito com bexiga. A experiência é mediada por canções e convites feitos pelas artistas educadoras responsáveis pela atividade.

Primeira exposição individual no Brasil de Cecília Costa, artista portuguesa, que já apresentou seus trabalhos na Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa) e na Bienal de Sidney. Acompanhada de texto assinado pela curadora Cristiana Tejo, a mostra apresenta ao público uma pesquisa que investiga conceitos de espaço, objeto e transmutações — usando o que resta como impulso para uma outra forma, outro corpo, outro traço.“Os finais, ah, esses eu os fumo”, comenta Cecília sobre o título da mostra, citando o “fumo” como gesto simbólico — uma alquimia para processos de transformação. Em seu corpo de trabalho, o que poderia ser entendido como um fim — a fragmentação ou a queima de um objeto — torna-se ponto de partida para algo novo. A artista reconfigura o que já foi, usando o que resta como impulso para uma outra forma, outro corpo, outro traço. A palavra “fumo”, aqui, também é análoga ao carvão — material presente em muitos de seus desenhos e que reflete parte do conceito abordado em sua própria formação: é resíduo e, ao mesmo tempo, ferramenta criadora.

Acontece na Sala São Paulo a sexta edição da temporada de encontros entre o popular e o erudito. A cada edição, dois artistas da MPB se apresentam juntos da São Paulo Big Band.

Uma peça teatral para dois atores. Uma narrativa em espiral sobre dois amantes cujo amor está terminando e dois homens que contam esta história. Em In On It, existem três diferentes realidades, que se alternam e se relacionam: a peça; o espetáculo, e o passado.O espetáculo IN ON IT, com Emílio de Mello e Enrique Diaz e direção de Enrique Diaz, estreou no dia 26 de março de 2009, no Teatro OI Futuro no Rio de Janeiro e se tornou uma referência de sucesso e prestígio no teatro brasileiro.

O Funk Como Le Gusta, originado em 1993, é caracterizado por sua fusão única de gêneros musicais, incluindo funk, samba, jazz e ritmos latinos. Sua relevância se reflete em colaborações com ícones da música brasileira e por sua capacidade de criar uma experiência musical única em suas performances ao vivo.A banda distingue se pela sua contribuição para a música brasileira e por ser fonte de inspiração de muitos artistas da nova geração que em seus discos e shows convidam os arranjadores do Funk como Le Gusta para compor suas obras.

Um dos álbuns mais inovadores da música brasileira, "Clara Crocodilo" ganha uma apresentação especial na Casa Natura Musical com Arrigo Barnabé e a banda Sabor de Veneno. No show, o artista executa na íntegra as músicas do LP lançado em 1980, trazendo ao palco os músicos e cantoras que participaram das lendárias gravações realizadas no bairro de Perdizes, em São Paulo.Com sua fusão única de música erudita, experimentalismo e elementos do rock, "Clara Crocodilo" marcou a cena da Vanguarda Paulistana e segue influenciando gerações. A apresentação conta com os vocais de Vânia Bastos, Suzana Salles, Tetê Espíndola e Ana Amélia, além da sessão de metais formada por Chico Guedes no sax tenor, Roney Stela no trombone, Mané Silveira no sax alto e Claudio Faria no trompete. A base instrumental traz Mário Manga na guitarra, Paulo Barnabé na bateria, Paulo Braga no teclado e Gustavo Boni no baixo, recriando a sonoridade intensa e marcante do disco.

O espetáculo traz o balé ‘A Filha mal guardada’ escrito no século XVIII. Ele conta a história de uma senhora que quer que sua filha única, Lise, faça um bom casamento. Mas a jovem ama outro rapaz, e o final da história é surpreendente!

A banda canta os seus maiores sucessos e os clássicos que marcaram estes 40 anos em atividade.

Claude Debussy é um autor-chave para a música moderna e sua obra se caracteriza pela exploração dos timbres. Para o compositor francês, o som era um elemento estrutural da criação musical, da mesma forma que a melodia, o ritmo e a harmonia – característica que as músicas deste programa ajudam a ilustrar.Os Noturnos são três peças para orquestra finalizadas em 1899. Enquanto “Nuages” descreve a flutuação serena e imutável das nuvens no céu, “Fêtes” é uma celebração com ritmos dançantes. Finalmente, “Sirènes” é uma paisagem marinha e requer um coro feminino que, cantando sem palavras, retrata as sereias. Em seguida, a música de Debussy torna-se espaço de encontro de diferentes gerações. A Rapsódia para clarinete, escrita para os exames do Conservatório de Paris, é interpretada por Sérgio Burgani, solista experiente, músico da Osesp e professor de várias gerações do instrumento. Na sequência, a Rapsódia para saxofone é performada por Samuel Alves, vencedor do Concurso Jovens Solistas da Osesp em 2022. O programa, dirigido por Thierry Fischer, termina com a alegre Sinfonia nº 2 de Tchaikovsky, construída a partir de temas e danças populares da Ucrânia.

A exposição Racionais MC’s: O Quinto Elemento celebra os 35 anos de carreira da icônica banda de rap formada por Mano Brown, Edi Rock, KL Jay e Ice Blue, em uma jornada imersiva celebrando uma relação de irmandade e a conexão do grupo com seus fãs.Dividida em eixos temáticos, possui um percurso expográfico que reflete a força das palavras e energia transformadora em uma experiência imersiva, convidando o público a mergulhar na trajetória do grupo e de cada integrante.

A exposição Racionais MC’s: O Quinto Elemento celebra os 35 anos de carreira da icônica banda de rap formada por Mano Brown, Edi Rock, KL Jay e Ice Blue, em uma jornada imersiva celebrando uma relação de irmandade e a conexão do grupo com seus fãs.Dividida em eixos temáticos, possui um percurso expográfico que reflete a força das palavras e energia transformadora em uma experiência imersiva, convidando o público a mergulhar na trajetória do grupo e de cada integrante.

O tradicional festival de música Indie Popload apresenta sua edição de 2025. Idealizado por Lúcio Ribeiro e Paola Wescher, o festival apresenta uma curadoria que presa a diversidade, com artistas consagrados, como Kim Gordon e Norah Jones, nomes em ascensão, como Laufey e The Lemon Twigs e claro, nomes da música brasileira, recebendo, entre outros shows, uma apresentação em conjunto da banda Terno Rei com o cantor Samuel Rosa. Line up completo: Norah Jones, St. Vincent, Laufey, Kim Gordon, The Lemon Twigs, Terno Rei & Samuel Rosa, Tássia Reis e Exclusive Os Cabides

A exposição Eu mesmo, Carnaval, que ficará aberta até 31 de maio de 2025, nos convida a conhecer a profunda relação de Mário de Andrade com o carnaval paulistano, principalmente na região da Barra Funda e em outros lugares do país. O título escolhido reproduz um verso do poema “Carnaval carioca”, escrito por Mário de Andrade em 1923, inspirado na experiência do autor no festejo carioca neste mesmo ano.A exposição, com curadoria de Arthur Major, pesquisador da Casa Mário de Andrade, e Fábio Parra, do departamento de comunicação e cultural do G.R.C.E.S. Mocidade Alegre, traz uma interface entre a pesquisa de Mário de Andrade sobre o Carnaval e o enredo de 2024 da escola paulistana Mocidade Alegre “Brasileia Desvairada: A busca de Mário de Andrade por um país”, tecendo o fio condutor do discurso curatorial, tendo como guia o personagem do Arlequim, que pela visão do escritor, representa tanto a cidade de São Paulo, quanto a personificação do próprio poeta.

“Teddy Boys – Plataforma 9 ¾” é uma performance dirigida por Raul Fernandes e apresentada pela Cia Círculo, que transforma a rotina de uma estação de trem em espetáculo. Com humor, música, acrobacias e figurinos de Alana Design, os artistas encantam o público ao misturar elegância e desajeito em uma sequência de trocas de roupas e jogos físicos.Embalada pela trilha original de Gustavo Fildzz, a intervenção conta com a coreografia assinada por Paula Miessa, que dá ritmo e precisão aos movimentos dos Teddy Boys. O número termina com o trem partindo sem eles, deixando risadas e uma mensagem de diversão e improviso, transformando o cotidiano em uma aventura cheia de charme e humor.

Zum Zum – Um Ensaio Sobre Abelhas é um documentário ficcional que acompanha o deslocamento das abelhas, espelho das mudanças climáticas que afetam nosso planeta. À medida que suas colônias se fragmentam, elas enfrentam a devastação ambiental e buscam novos lares. A peça revela a fragilidade de um mundo em colapso e nos desafia a refletir sobre o futuro que estamos abandonando. O que nos resta quando a natureza se torna um lugar estranho e distante?

A feira de arte ArPa realiza sua quarta edição em São Paulo, reunindo 100 artistas e cerca de 60 galerias, somando 14 países representados. Os estandes das galerias são marcados por um processo de curadoria, em que destacam obras de artistas específicos dos seus programas. Entre os participantes, estão desde nomes estabelecidos no mercado, como Almeida e Dale e Galeria Luisa Strina, a estreantes, tal como a Yehudi Hollander-Pappi.

Espetáculo evoca e invoca lembranças, histórias, canções e construções na travessia de um filho diante do adoecimento da mãe.Com dramaturgia centrada em duas personagens, Filho e Mãe, interpretados pelo ator Aury Porto, e dinâmica de troca de “máscaras”, espetáculo transita entre a memória do portador da Doença de Alzheimer e o surrealismo na qual as imagens e situações se expressam diretamente do inconsciente.A convivência de Aury Porto com sua mãe, que vive com Mal de Alzheimer há 15 anos, bem como a relação familiar com o lento processo de degeneração cognitiva e de memória acarretado pela doença, foram pontos centrais para a criação de MEU NOME: MAMÃE, espetáculo solo do artista, que marca sua primeira incursão no universo da autoficção, sob a direção de Janaina Leite. A montagem marca a volta do Instituto Capobianco nas artes da cena da cidade de São Paulo.A dramaturgia de Claudia Barral surge a partir de relatos, sempre bem-humorados de Aury Porto para os amigos mais próximos sobre as situações vividas por ele e sua família, que além dos cuidados da medicina, se vale da força de resistência característica da cultura sertaneja dos cearenses.

Inuk Silis Høegh (Qaqortoq, Groenlândia, 1972) é um artista e cineasta cujo trabalho elabora questões sobre as mudanças climáticas e os processos coloniais na Groenlândia. Filho de artistas, cresceu imerso em exposições e se inseriu profissionalmente no meio artístico a partir da produção audiovisual e escultórica, principalmente com documentários e instalações de grandes dimensões. Høegh se interessa pela relação entre humanidade e natureza, focando nos processos políticos e culturais do seu país e em como eles afetam os povos originários inuítes e o meio ambiente.The Green Land [A terra verde] (2021) apresenta registros das intervenções visuais realizadas pelo artista na paisagem de sua terra natal, que enfrenta grandes mudanças devido ao aumento da temperatura média global. Com um ritmo lento e meditativo, o vídeo tematiza os quatro elementos naturais, todos representados por diferentes materialidades da cor verde.

No dia seguinte ao Popload Festival, Kim Gordon, ícone do rock experimental e fundadora do Sonic Youth, sobe ao palco do Cine Joia. A noite também contará com o ato de abertura de Moor Mother.

“Peter Pan – Crescer é preciso” é uma adaptação teatral que mergulha na jornada emocional de Peter e seus amigos, não apenas ao enfrentarem a transição para a vida adulta, mas também ao se depararem com a responsabilidade de cuidar do planeta e do futuro. Enquanto lidam com seus dilemas pessoais, os personagens confrontam a resistência de Peter em crescer, mas também se deparam com a urgência de preservar a Terra do Nunca, representando um reflexo do nosso próprio mundo, através dos sonhos e da imaginação.

Uma entrevista com a plateia dá origem ao inteiramente improvisado espetáculo Portátil. Com os poucos dados que a pessoa escolhida fornece aos atores, além de uma trilha sonora composta no momento, o elenco cria uma narrativa própria que percorre as memórias do entrevistado. No final, o resultado é uma apresentação orgânica, diversificada, que passeia por diversos personagens, épocas e lugares, a fim de contar a história de uma pessoa.

O Papel de Parede Amarelo e Eu é uma adaptação contemporânea de uma obra pioneira de 1892, que até hoje ressoa profundamente ao confrontar as complexas relações de poder entre homens e mulheres. A história se desenrola através dos olhos de uma mulher diagnosticada com depressão e histeria, forçada por seu marido, um médico, a se isolar em uma casa para evitar qualquer esforço físico ou mental. Durante esse isolamento, ela desenvolve uma obsessão com o papel de parede amarelo de seu quarto, um símbolo de sua crescente confusão mental e angústia.A obra revela não apenas as tensões psicológicas da protagonista, mas também o contexto social que limita sua liberdade e identidade, desafiando as normas da época sobre o papel da mulher. Ao mesmo tempo, a peça expõe, com uma linguagem poética moderna e realista, a luta interna dessa mulher, refletindo sobre as questões de gênero e o poder nas relações maritais.A História mantém uma profunda atualidade ao refletir sobre os desafios enfrentados pelas mulheres e o avanço de suas lutas. Um espetáculo de forte simbolismo, que ilumina os dramas pessoais e o triunfo artístico sobre as adversidades.

A comédia conta a história de Alex, um fanfarrão convicto e incorrigível, casado com Bruna, uma dona de casa bonita e inteligente, que vive solitária. Numa de suas farras, Alex acaba sofrendo um acidente deixando viúva a bela esposa. Após a morte dele, a jovem viúva será disputada por Nico, um mauricinho convicto, e por Paulo , melhor amigo de Alex. Para impedir que ela se case com seu desafeto, o morto volta à Terra e pede ajuda a seu melhor amigo. Assim se desenrola uma trama de confusões hilariantes, cheia de surpresas.

A nova coreografia explorará um campo relacional sustentado nas potencialidades emergentes das relações estabelecidas entre os corpos com e no espaço. O que move a criação de um campo comum gestado pelas diferenças, em que cada interação e cada movimento surgem a partir das oportunidades oferecidas por essas relações. A coreografia busca explorar como os sentidos operam de forma constante, transformando questões abstratas em experiências sensoriais tangíveis. A composição é concebida para que a plateia não apenas observe, mas para que todos os sentidos sejam envolvidos na experiência. A “afetabilidade” é entendida, por Rafaela, como um campo cognitivo-relacional, em que os afetos e as interações entre os corpos configuram sistemas complexos de emoção e percepção. A criação parte do potencial inerente dos corpos do elenco e da descoberta de novas possibilidades a partir desses potenciais. Artista da dança e das matérias do corpo, a paulistana Rafaela Sahyoun se aprofunda no fazer coreográfico, na educação e na pesquisa continuada, atuando como bailarina colaboradora em contextos nacionais e internacionais. Formada pela SEAD – Salzburg Experimental Academy of Dance (Áustria, 2013) e pelo Trinity Laban Centre for Movement and Dance (Reino Unido, 2009), desenvolveu práticas pedagógicas com impacto internacional na formação de novos artistas. Rafaela colabora com instituições como a PERA School of Performing Arts (Chipre do Norte), EBB Elephant in the Black Box (França e Espanha) e o Programa de Pós-Graduação Corpo: Dança, Teatro e Performance do Célia Helena Centro de Artes e Educação (Brasil). Ela também foi curadora artísticopedagógica do Festival DansPunt (2025) e está em processo de criação para a Companhia de Dança EBB, com estreia prevista para 2025 em Madri, Espanha. Principais obras coreográficas: C R U S H (2024), Fôlego (2022), NINGUÉMMESOLTA [Don’t Lose Me] (2018), Yeah, I’ve Been Watching You Lately (2023), Something to Phase Us: Who Goes There (2022), Wheel of Radical Affection (2021) e VAWM (2020).Em suas obras, Michelle Moura provoca uma sensação que oscila entre o cômico e o inquietante. Pensando a matéria do corpo humano e de outros corpos não humanos, a partir de uma escala mínima de movimento e de sua possibilidade de amplificação, ções banais e comuns, por vezes inconscientes, são o sumo que a coreógrafa vasculha até o limite. Ao fazer isso, evidencia algumas questões: o que no corpo é natural ou construído?Manipulamos ou somos manipulados pelos sentidos? O que posso me tornar ao reagir de outras formas? Em suas pesquisas, movimentos se cruzam e descruzam, palavras explicam e confundem, expressões faciais tentam evocar emoções e múltiplas vozes ecoam de uma única fonte – corpos. Bailarina e coreógrafa brasileira radicada em Berlim, Michelle Moura em seus trabalhos dos últimos 12 anos tem explorado mudanças psicofísicas propondo experiências particulares para o corpo, como: não piscar (BLINK), falar sem mover a boca (Overtongue), hiperventilar (FOLE).Em Overtongue (2021) e Lessons for Cadavers (2023), ela se debruçou sobre a artificialidade e a dissociação de elementos, manipulando movimento, expressão, som e linguagem. Seu trabalho foi apresentado em espaços e festivais de dança como Tanz im August (Alemanha), Sophiensaele (Alemanha), Bienal de Veneza (Itália), Panorama (Brasil), entre outros. Michelle Moura começou sua formação em dança na Universidade Estadual do Paraná (Unespar), continuou no CNDC d’Angers (França) e Das Choreography (Holanda). Juntamente com sete artistas curitibanos, foi cofundadora e membro da Minicomunidade Artística Mundial Couve-Flor (2005-2012). Seu solo Overtongue foi uma das 13 produções convidadas para o Tanzplattform Deutschland 2022.

Dois ícones da dramaturgia. De um lado, a lendária Lady Macbeth, personagem imortal de William Shakespeare. Do outro, uma das mais importantes atrizes brasileiras, Susana Vieira. “Lady” promove indiretamente esse encontro, mas não para reencenar a tragédia do autor inglês. Ao contrário, o monólogo inédito de Vana Medeiros é uma viagem bem-humorada, feminina, leve e contemporânea. Um texto moderno escrito especialmente para o humor e o talento de Susana, que desejava retornaraos palcos com uma comédia inteligente e de grande comunicação com o público.

Uma das mais ativas e respeitadas sopranos de sua geração, MARÍLIA VARGAS divide seu tempo entre o ensino, a preparação vocal de coros e concertos. Sua intensa atividade musical nas últimas temporadas, incluiu recitais com diferentes orquestras, a Paixão Segundo São João na série da Cultura Artística na Sala São Paulo, o papel título da ópera Alcina de Händel no Theatro São Pedro, e as Vésperas de Monteverdi no Theatro Municipal de São Paulo.ANDRÉ MEHMARI, pianista, compositor e multi-instrumentista é considerado um dos maiores expoentes da música criativa brasileira contemporânea. É dono de uma vasta e singular produção que vai do piano solo ao jazz, à ópera, ao choro, passando pela música orquestral e de câmara até canções populares em mais de cinquenta e cinco álbuns lançados desde 1998, muitos deles produzidos em seu próprio Estúdio Monteverdi, localizado no coração da Mata Atlântica.

Dois irmãos se reencontram no velório do pai, depois de vinte e cinco anos sem se ver.Enquanto o mais velho foi obrigado a ceder suas paixões e ambições para cuidar da família, o irmão mais novo desbravou o mundo e hoje é um premiado fotojornalista.O reencontro é tenso, carregado de ressentimentos e mágoas. Enquanto o irmão mais velho acusa o mais novo de fugir de suas responsabilidades, o irmão mais novo o acusa de ser cúmplice dos erros cometidos pelo pai. Momentos de descontração surgem durante o reencontro, através das lembranças de histórias passadas, entre risadas e olhares cúmplices a conexão fraterna surge durante o acerto de contas.Uma revelação do passado muda totalmente o ponto de vista dos irmãos, que precisam revisitar suas intimidades para dialogar.

GLÓRIA tornou‑se nosso rito. Um grito, um canto.Um espetáculo que apresenta uma dramaturgia desafiadora pelo tema escolhido — as religiões judaico‑cristãs — e também pela sua linguagem, já que mistura teatro, performance, dança e audiovisual. GLÓRIA é um espetáculo fruto do seu tempo, de teor crítico em relação às instituições cristãs. Provoca o espectador a refletir sobre o papel das igrejas católica e evangélica na construção da nossa sociedade: suas imposições, seus vetos, suas intervenções (no âmbito individual e público) e seus projetos sociopolíticos. Aqui — ou melhor, aí — ícones serão desmontados; representações e símbolos, ressignificados.Não se trata de ultraje. Nós também temos fé. GLÓRIA é um trabalho sobre a liberdade.

Comandado pelos produtores musicais Adrian Younge e Ali Shaheed Muhammad (A Tribe Called Quest), selo e gravadora de Los Angeles Jazz Is Dead convida o público a explorar a evolução da trajetória musical desses artistas, desde os arranjos pioneiros de trompa de Taylor até a entrada de Thomas na lendária banda de highlife The Blue Monks.Essa noite celebrará o legado dos dois artistas e suas contribuições para o cenário musical global, prometendo uma fusão inesquecível de sons e culturas.Nascido em 1936, o guitarrista, compositor, arranjador, líder de banda e produtor ganense Ebo Taylor tem sido uma presença vital na música africana por mais de meio século. Ele é um dos principais nomes da história do highlife, gênero musical ganense que combina a música local da região com ritmos ocidentais, como jazz, blues, soul e música latinaPat Thomas é um renomado vocalista e compositor ganense, conhecido por seu trabalho com as bandas de highlife de Ebo Taylor e por suas próprias gravações de Afrobeat e Afro-pop. Na década de 1970, ele se juntou à lendária banda The Blue Monks, de Ebo Taylor, marcando sua presença no icônico Tip Toe Night Club, um ponto importante na história cultural moderna de Gana. Nos últimos anos, Pat Thomas se mudou para a Costa do Marfim, onde produziu vários discos que misturam afrobeat, sons afro-latinos, reggae e funky disco africano.

A Casa Natura recebe o show Jazz Is Dead com Ebo Taylor e Pat Thomas. O guitarrista, compositor e produtor ganense Ebo Taylor se une ao vocalista e compositor Pat Thomas para uma apresentação especial.Comandado pelos produtores musicais Adrian Younge e Ali Shaheed Muhammad (A Tribe Called Quest), o icônico selo e gravadora de Los Angeles Jazz Is Dead convida você a explorar a evolução da trajetória musical desses artistas, desde os arranjos pioneiros de trompa de Taylor até a entrada de Thomas na lendária banda de highlife The Blue Monks.Ebo Taylor - Nascido em 1936, o guitarrista, compositor, arranjador, líder de banda e produtor ganense Ebo Taylor tem sido uma presença vital na música africana por mais de meio século. Ele é um dos principais nomes da história do highlife, gênero musical ganense que combina a música local da região com ritmos ocidentais, como jazz, blues, soul e música latina.Pat Thomas - Pat Thomas é um renomado vocalista e compositor ganense, conhecido por seu trabalho com as bandas de highlife de Ebo Taylor e por suas próprias gravações de Afrobeat e Afro-pop. Na década de 1970, ele se juntou à lendária banda The Blue Monks, de Ebo Taylor, marcando sua presença no icônico Tip Toe Night Club, um ponto importante na história cultural moderna de Gana. Nos últimos anos, Pat Thomas se mudou para a Costa do Marfim, onde produziu vários discos que misturam afrobeat, sons afro-latinos, reggae e funky disco africano.

A galeria apresenta uma retrospectiva dedicada ao artista Marco Tulio Resende, que celebra 75 anos de vida e mais de cinco décadas de trajetória artística.A mostra reúne cerca de 40 trabalhos, com curadoria inspirada em conversas no ateliê do artista, e propõe uma viagem pela construção de sua obra marcada pela memória, pela coleção de fragmentos e pela experiência do tempo.Nascido em Belo Horizonte (MG), em 1950, Marco Tulio Resende desenvolve desde os anos 1970 uma prática artística que atravessa o desenho, a pintura, a gravura, a escultura, o objeto e a instalação. Seus trabalhos — compostos por elementos recorrentes como facas, escadas, livros, ossos, asas, gaiolas, pontes, bustos, pedras, entre outros — reencenam a memória em um processo contínuo de reconhecimento do eu no mundo. Utilizando pigmentos de terra e barro, o artista amalgama essas imagens-objetos em um universo onde nascer, viver, morrer e renascer se entrelaçam em um grande organismo feito de “caquinhos de tempo”.A exposição oferece uma ampla retrospectiva da carreira de Resende, partindo dos objetos pintados da série Urbanália (1980) até a série de Desenhos Diários (2015). Também estarão em destaque obras de séries importantes como Ex-Votos (1997), Ilhas (2000), Carros (2001), Recortes de Parede (2004) e Ecce Homo – Tijolos e Cabeças (2013).

Exposição individual da artista argentina Liliana Porter, com uma seleção de obras da sua produção dos últimos cinco anos. A produção da artista nos coloca diante de pequenas fábulas visuais, ou crônicas atemporais da nossa própria condição de ser humano. Uma de suas grandes habilidades recai no poder de síntese das suas representações, que paradoxalmente (ou ironicamente) acontece a partir do colecionismo. Bibelôs, brinquedos, ornamentos e outros pequenos objetos garimpados ganham vida pelas mãos da artista. Eles permanecem armazenados até serem “licenciados” pela sua poética, por vezes ácida, por vezes bem humorada.