Com mais de 200 apresentações e 80 mil espectadores, O Pai é um espetáculo escrito por Florian Zeller, e que no Brasil recebe uma montagem estrelada por Fulvio Stefanini. Com este trabalho (considerado um dos maiores de sua carreira), ganhou o Prêmio Shell de melhor ator.Fulvio Stefanini interpreta André, um idoso de 80 anos, rabugento, mas muito simpático e divertido. Com sua cabeça começando a falhar, sua filha vive um dilema: cuidar de seu pai, ou interná-lo em um asilo e ir curtir a vida com seu novo namorado.

O Sesc Vila Mariana recebe a exposição inédita Jardim do MAM no Sesc, uma correalização do Museu deArte Moderna de São Paulo e do Sesc São Paulo. A mostra tem curadoria de Cauê Alves e Gabriela Gotoda e reencena na entrada do Sesc Vila Mariana elementos do Jardim de Esculturas do MAM. Nela, o público poderá apreciarobras da coleção do MAM, entre esculturas icônicas de Alfredo Ceschiatti, Amilcar de Castro e Emanoel Araújo, e trabalhos que exploram críticas sociais, como as obras de Regina Silveira, Luiz 83 e Marepe.A seleção de obras inclui peças que já integraram o Jardim do MAM, além de trabalhos do acervo do museu que dialogam com temas como natureza, cidade e materialidade

A exposição com curadoria de Bitu Cassundé e assistência de Maria Luiza Meneses apresenta uma seleção com cerca de 250 fotografias realizadas ao longo de 50 anos de trajetória do fotógrafo paraense. A partir do arquivo do artista, o recorte não linear de imagens delineia a dimensão do imaginário sensível e ficcional de Luiz Braga (Belém, PA, 1956) sobre o território amazônico, principal interesse em sua produção. O título da mostra se refere ao chamado arquipélago do Marajó, maior arquipélago fluviomarítimo do mundo, formado por mais de 2.500 ilhas no estado do Pará, que inclui a capital Belém e a Ilha do Marajó, lugares registrados por Braga. Ao escolher a terra natal como campo poético de investigação de imagem e vida, ao longo das décadas o fotógrafo elabora operações relacionais de aproximação e convívio com as pessoas e lugares registrados. O resultado é uma produção intensa, carregada de intimidade e cuidado com os sujeitos e ambientes, que compreende aspectos de uma Amazônia múltipla.

Marcone Moreira (1982, Pio XII, MA) apresenta Vertebral, uma instalação com cerca de 600 hélices de alumínio de uma embarcação adquiridas de uma fundição artesanal amazônica, que preserva técnicas tradicionais. A instalação integra o projeto No Deck, em que artistas são convidados a criar obras site specific para a área externa da instituição. Dispostas em 20 metros, as hélices com seis tamanhos distintos mimetizam o movimento de uma cobra e evocam fluxos e deslocamentos aquáticos.

Gésio, ou Jazzinho, cresceu cercado pela expectativa de se tornar um gênio do jazz, título que nunca sentiu merecer. Em um bar que parece flutuar entre memórias e eternidade, ele reencontra sua família e revisita escolhas, afetos e frustrações. Misturando humor, música ao vivo e emoção, Aqui Jazz é um musical intimista que transforma a vida comum em um improviso épico sobre pertencimento, legado e reconciliação.

Fala Falar Falares, a próxima exposição temporária do Museu da Língua Portuguesa, aborda a capacidade de se manipular o som a partir do corpo, sob uma perspectiva mais do que especial: a do português falado no Brasil e de sua variedade. A mostra conta com curadoria da cenógrafa e cineasta Daniela Thomas e do escritor e linguista Caetano W. Galindo. A exposição tem o objetivo de fazer o público pensar no quanto é especial a capacidade de falar – e, com a fala, criar música, cultura e se expressar de maneiras tão diferentes dentro da mesma língua.

O Teenage Fanclub, ícone do rock britânico, volta a São Paulo em 4 de setembro de 2025, após 14 anos. Com mais de 30 anos de carreira, a banda escocesa mistura indie pop com influências de folk e rock dos anos 60. Seu mais recente álbum, Nothing Lasts Forever, mantém sua marca de canções melódicas e letras sobre amor e cotidiano.

Um dos principais e mais atuantes compositores contemporâneos brasileiros, o carioca Ronaldo Miranda (1948) ocupa a cadeira de número 13 da Academia Brasileira de Música. Com uma obra que explora diferentes texturas e técnicas, sem perder de vista a sensibilidade emocional, Ronaldo coleciona láureas como o título de Cavaleiro da Ordem de Artes e Letras, do Ministério da Cultura da França; o Troféu Golfinho de Ouro, do Governo do Estado do Rio de Janeiro; e o prêmio de Compositor do Ano pela Secretaria do Estado de São Paulo, simbolizado pelo Troféu Carlos Gomes. Suas obras têm sido apresentadas em importantes salas de concerto ao redor do mundo, como o Teatro Colón (Buenos Aires), a Tonhalle (Zurique), o Mozarteum (Salzburgo) e o Queen Elizabeth Hall (Londres). No Brasil, Ronaldo Miranda é colaborador habitual das principais orquestras do país, recebendo encomendas regulares. Formou também escola, sendo professor da Universidade de São Paulo (USP) por muitos anos. Amigo antigo do Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo, que tem por ele admiração mútua, Ronaldo nutriu por muito tempo o desejo de escrever para o grupo. A oportunidade surgiu em 2006, como parte de um projeto de pesquisa acadêmica do compositor. Estreada pelo Quarteto de Cordas no ano seguinte, Texturas – a peça tem título descritivo – possui quatro movimentos que exploram, cada um, uma sonoridade diferente. Outro amigo do Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo é o compositor, violinista e regente Arthur Barbosa (1965). Natural de Fortaleza, o músico já residiu na Argentina e no Chile antes de se estabelecer no Rio Grande do Sul, onde é violinista da Orquestra Sinfônica de Porto Alegre (Ospa) e regente da orquestra jovem da mesma instituição. Suas obras já foram apresentadas na Argentina, Suíça, Áustria, Itália, Hungria e nos Estados Unidos, entre outros países, e refletem o multiculturalismo incorporado pelo compositor em suas andanças, trazendo elementos de diversos repertórios latinoamericanos. A peça Brazuca, contudo, volta-se para as tradições brasileiras, tendo sido composta especialmente para Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo e estreada pelo grupo em 2023.

La damoiselle élue é uma cantata para solistas, coro feminino e orquestra. Escrita por Debussy ainda no século XIX, num momento em que a admiração do compositor francês por Wagner estava em seu auge, o que fica evidente nas harmonias cromáticas e melodias infinitas da obra. As brasileiras Lina Mendes e Ana Lucia Benedetti atuam como solistas. Michael Jarrell é um compositor suíço dos mais importantes de seu país. A pedido da Osesp, escreveu Passages, concerto para clarinete que recebe sua estreia no continente neste programa. O solista será Martin Fröst, reconhecido como músico e maestro de grande virtuosidade e com interesses amplos dentro do repertório.Dando continuidade ao ciclo da integral de Tchaikovsky, o programa se encerra com sua Sinfonia nº 3. Em vez dos tradicionais quatro movimentos, esta obra possui cinco e justamente o último, que se utiliza de ritmos poloneses, é que acabou gerando o apelido pelo qual é conhecida.

Poranduba é uma palavra da língua tupi que significa contar uma história. O espetáculo se baseia no livro ‘Poranduba Amazonense’, que descreve lendas, mitos e cantigas indígenas. Foi publicado em 1890, fruto de uma missão que seu autor, João Rodrigues, teve na Amazônia, para onde foi enviado pela Princesa Isabel.

Neste ano em que Mercedes Sosa completaria 90 anos, a cantora hondurenha-brasileira Indiana Nomma apresenta um tributo oficial à maior voz da América Latina com o espetáculo “Mercedes Sosa: A Voz dos Sem Voz” na Casa Natura Musical. A apresentação vai acontecer no formato Sala da Casa, um jeito aconchegante de aproveitar a noite num ambiente especial: sem lugares marcados, com sofás, mesas e pista livre. Acompanhada pelos músicos André Pinto Siqueira (violão) e André Rass (percussão), Indiana apresenta um recorte do repertório que consagrou Mercedes nos palcos da América Latina, Europa e Ásia. Com interpretações emocionantes de clássicos como “Volver a los 17”, “Gracias a La Vida”, “Los Hermanos”, “Todo Cambia” e “Sueño con serpientes”.

Por meio do humor, da leveza e do jogo de palavras de José Saramago, o espetáculo reflete sobre o desconhecido. “O conto da ilha desconhecida”, narra a história de um homem que, com notável atrevimento, bateu à porta de um rei e lhe pediu um barco para ir à procura da ilha desconhecida.

Depois do sucesso de sua primeira montagem, a comédia “O Marido da Minha Mulher” retorna aos palcos em nova e curta temporada no Teatro-D-Jaraguá. Na trama escrita por Sérgio Abritta e dirigida por Carlinhos Machado, o fanfarrão Alex (Daniel Rocha) morre após um acidente inesperado, mas retorna do além para impedir que sua esposa, Bruna (Fefe), se case com seu maior desafeto, o esnobe Nico (Conrado Caputo). Para atrapalhar os planos do rival, Alex contará com a ajuda de seu melhor amigo Paulo (Ton Prado), num enredo repleto de situações hilárias, mal-entendidos e pitadas de emoção.

O MuBE — Museu Brasileiro da Escultura e Ecologia — apresenta a exposição “Fluxos”, da artista multimídia Laura Vinci. Com curadoria de Agnaldo Farias, a mostra investiga as relações entre arte, arquitetura e natureza, transformando o espaço do museu em um ambiente sensível e imersivo, que provoca uma experiência contemplativa e sensorial ao público.As instalações combinam estruturas metálicas e sistemas mecânicos que utilizam vapor a frio, criando formas efêmeras e silenciosas que ocupam o espaço de maneira orgânica.

O Coala Festival surgiu em 2014 com a proposta de reverenciar os grandes nomes da nossa música e abrir caminhos para a nova geração. Ao longo desses 10 anos de existência, o Coala se transformou em uma marca, o Coala Music, um ecossistema musical que atua em diversas frentes: festival, gravadora, núcleo de gerenciamento de carreira de artistas, agência criativa, canal de conteúdo digital e consultoria. Em 2024, o Coala Festival expandiu sua atuação com a primeira edição fora do Brasil, em Cascais, Portugal. Para a edição de 2025, o festival tem já anunciado nomes como Zé Ibarra, Dora Morelenbaum, Caetano Veloso, Terno Rei, Marina Sena, Liniker e outros.

Quantas perguntas se desdobram a partir de uma obra de arte? E quantas respostas?   A exposição Uma Obra torna visíveis os variados caminhos de leitura e interpretação que podemos percorrer a partir de uma mesma obra. Para sua segunda edição, selecionamos a obra Nessa terra, em se plantando tudo dá, feita em 2015, por Jaime Lauriano.

Midnight Generation, banda mexicana de electro-funk formada por Fernando Mares (vocal), Luis Carlos “Bica” Balderrama (teclado e backing vocal), Samuel Márquez (baixo e teclado), Samuel Márquez (bateria e backing vocal), Carlos Amaya (baixo e teclado) e Diego Bustillos (percussão), anunciou show único no Brasil ainda em 2025.

Ebony desembarca na Casa Natura Musical com sua nova turnê, KM2.Atravessando vivências profundas, reinvenções e a potência de ser uma jovem periférica que transforma a dor em criação, o show de Ebony costura faixas desse novo álbum com sucessos que marcaram sua trajetória. Este álbum conta com feats de Black Alien e Larinhx, com faixas que percorrem uma narrativa sonora autobiográfica e emocional sobre sua juventude na periferia, onde passado, presente e futuro se encontram em movimento.

Froid sobe ao nosso palco com um show que percorre sua trajetória. Com uma carreira marcada por intensidade, lirismo afiado e constante reinvenção, o rapper brasiliense apresenta um repertório que mescla sucessos já consagrados e faixas do recém-lançado O Veneno do Escorpião Volume 2.O novo volume da trilogia traz 13 faixas co-produzidas pelo próprio rapper. A produção mistura elementos do rap, trap e sonoridades contemporâneas, criando um som inovador e cativante. "O Veneno do Escorpião Volume 2" é uma obra que reflete a evolução artística de Froid, mostrando sua versatilidade e capacidade de se reinventar. O disco ainda conta com participações de nomes como Chris Mc, Vulgo FK, Mac Júlia, RT Mallone, 2ZDiniz, Ecologyk e TOKIODK.

Após passar por sete cidades de Portugal, Marisa Orth e Miguel Falabella voltam a dividir o palco na comédia romântica Fica Comigo Esta Noite. Na trama, Marisa Orth interpreta uma mulher que recebe amigos e familiares em casa para o velório do marido, papel de Miguel Falabella. Por decisão própria, ela optou por velá-lo no quarto, deixando o caixão na porta, o que acaba atrapalhando a circulação dos convidados. A personagem explica que pode receber todos apenas até a meia-noite, pois prometeu ao marido que passariam juntos a última noite. Entre lembranças e sonhos, o próprio morto acompanha o velório e comenta tudo o que está acontecendo. Trata-se de uma comédia romântica que revela a trajetória de um casal que viveu junto por muitos anos — entre risos, segredos e muito amor.

A Pina Luz apresenta uma retrospectiva da artista Neide Sá. A mostra reúne um recorte significativo da produção da artista, evidenciando sua atuação como arte-educadora, a multiplicidade de linguagens e suportes de seu trabalho e também sua pesquisa de materiais. Essa trajetória responde a questões específicas de cada época: da novidade dos acrílicos, cores e formas de impressão entre os anos 1960 e 1970 ao retorno a narrativas sobre uma origem civilizatória no Brasil, que alcançava 500 anos de chegada dos portugueses na virada dos anos 1990 para os 2000.As 97 obras em exposição abrangem o período de 1960 até os anos 2000, conectando o começo de carreira da artista a sua produção mais recente. Com curadoria de Lorraine Mendes, a mostra conta com uma sala com obras interativas, como “Momento” (1967), “Reflexível” (1977) e “Nós & nós” (2004).A curadoria deste espaço foi compartilhada com a Área de Ação Educativa da Pinacoteca de São Paulo. Ali, o público pode tocar, interagir e compor seus próprios poemas.

Aclamado como “um pianista surpreendentemente sutil e visionário” com “uma rara mistura de charme e maestria”, o pianista croata ALJOŠA JURINIĆ se estabeleceu como premiado nos mais importantes concursos de piano do mundo. Após sua vitória no Concurso Internacional Robert Schumann, em 2012, na cidade natal do compositor, Zwickau, foi laureado no concurso Rainha Elisabeth, em 2016, em Leeds, em 2018, bem como finalista no Concurso Chopin de 2015, em Varsóvia.Aljoša se apresentou como solista e com orquestras em locais importantes em mais de 35 países nos cinco continentes, incluindo o Carnegie Hall de Nova York, Musikverein de Viena, a Salle Cortot de Paris, Gasteig de Munique, Tokyo Opera City Concert Hall, Osaka Symphony Hall, Sala Verdi de Milão, BOZAR de Bruxelas, Lisinski Concert Hall em Zagreb e muitos outros. Além disso, realizou várias turnês de recitais e com orquestras na China e no Japão.Sua discografia inclui seis álbuns com obras de Chopin, Schumann e Debussy, sendo o último com a gravação das Sonatas de Chopin. Um requisitado camerista, Aljoša colaborou com instrumentistas de renome mundial, como Kian Soltani, Luka Šulić e Petrit Çeku, para citar alguns. Em 2019, o presidente da Croácia concedeu-lhe a Ordem da Estrela da Manhã por realizações notáveis ​​na cultura e na promoção internacional de seu país.

A dupla argentina Ca7riel e Paco Amoroso volta ao Brasil para um show em que apresentam o seu projeto que traz elementos do hip hop, do trap e da música eletrônica. O duo se apresentou no Brasil no início do ano, sendo um dos destaques da edição de 2025 do Lollapalooza.

Mariana Nolasco apresenta a turnê “Quero Te Contar” no dia 19.09, na Casa Natura Musical. O show reúne faixas recém-lançadas, músicas inéditas e sucessos do projeto “quem é ela”.Na turnê, Mariana revisita momentos marcantes do projeto “quem é ela”, traz canções de seus mais recentes lançamentos, como “do raso ao fundo” e “viciado em mim”, e apresenta faixas inéditas que ainda não chegaram aos aplicativos de música. A proposta do show é oferecer uma experiência sensorial e emocional, em que cada música funciona como uma carta aberta, um segredo contado no palco.

Considerada uma das artistas mais brilhantes e inventivas do jazz contemporâneo, Esperanza Spalding retorna a São Paulo. Com sua abordagem única e ousada, Esperanza une virtuosismo técnico e liberdade criativa em uma obra que transita entre o jazz, a música clássica e o soul. Ela é contrabaixista, cantora, compositora, poeta e educadora. No repertório, músicas de todos os seus álbuns, incluindo o mais recente, Milton + Esperanza, gravado ao lado de Milton Nascimento.

Acontece na Sala São Paulo a sexta edição da temporada de encontros entre o popular e o erudito. A cada edição, dois artistas da MPB se apresentam juntos da São Paulo Big Band.

A Alma Imoral desconstrói e reconstrói conceitos milenares da história da civilização -corpo e alma, certo e errado, traidor e traído, obediência e desobediência.Sozinha no palco, Clarice Niskier conta histórias e parábolas da tradição judaica, valendo-se somente de uma cadeira e um grande pano preto que, concebido pela figurinista Kika Lopes, transforma-se em oito diferentes vestes – mantos, vestidos, burcas. O espaço cênico concebido por Luis Martins é limpo e remete a um longo corredor em perspectiva.

Exposição individual da artista Anna Bella Geiger. A primeira mostra da artista em um museu judaico apresenta um conjunto de cerca de 60 obras, entre gravuras, vídeos, objetos e fotografias documentais. Com curadoria de Priscyla Gomes e Mariana Leme, a mostra se organiza em cinco grandes eixos: espaços, criação-proposição, linguagem, desterritorialização-transposição e imaginação política.A mostra abarca séries emblemáticas de diferentes períodos – de 1962 a 2025 – tendo como destaque as que exploram a cartografia, o trânsito e as passagens. É a partir dessas séries que a ideia de limiar é investigada, sendo os atravessamentos e as transposições noções centrais na produção da artista.

A exposição se apresenta como uma homenagem ao centenário da artista Hannah Brandt, completados em 2023. Com curadoria de Ruth Tarasantchi, a individual propõe um mergulho na trajetória da obra de Brandt, cuja produção consistente explora as possibilidades da gravura. Estão presentes temas como paisagens brasileiras, letras do alfabeto hebraico e outros elementos recorrentes em sua obra. O conjunto de 30 obras, selecionadas diretamente de seu ateliê, inclui parte do acervo doado ao museu após sua morte, em 2020, consolidando-se como a maior coleção dedicada à artista.

Para comemorar o aniversário de dez anos de seu álbum BLUE, a cantora sueca ionnalee retorna ao Brasil para apresentar a turnê em que interpreta o disco na íntegra, numa imersão audiovisual que dará vida à sua narrativa cinematográfica e ao seu mundo sonoro em palco.

Marcos Almeida apresenta Calado, quinto álbum do cantor e compositor mineiro, que traz um novo recorte à longa tradição brasileira de cantar sobre o mar e todo o seu universo litorâneo.As canções do trabalho são embaladas por questionamentos filosóficos e uma forte presença da espiritualidade cristã. Ainda assim, não abandona o diálogo com o público, mantendo refrões melódicos e uma essência genuinamente pop.

Idealizado e criado pela atriz Denise Fraga, o produtor José Maria e o diretor Luiz Villaça, EU DE VOCÊ mostra histórias reais, costuradas com pérolas da literatura, música, imagens e poesia.No espetáculo, o humor cotidiano leva o público a rir das situações corriqueiras. A gargalhada costuma ser uma arma poderosa que consegue ampliar a consciência, a sabedoria e trazer uma reflexão. Embora seja um solo, a atriz estará acompanhada de personagens inspirados em histórias reais: Fátima, Bruno, Clarice, Wagner, além de diversos artistas de grande reconhecimento, tecendo um bordado de vida e arte. Não há melhor espelho do que o outro. Sabemos quem somos a partir do que reverberamos.

Maui + 2ZDinizz estreiam na Casa Natura Musical em mais uma edição do projeto Frequências, que promete dois shows imperdíveis em uma única noite.Nascido em Duque de Caxias, na Baixada Fluminense, Maui mistura as melodias do R&B com elementos de gêneros eletrônicos como Grime, Afrobeats, Drum'n'Bass e Drill. Sua carreira começou em 2017, com o lançamento de singles que o destacaram na cena musical carioca. Mas foi em 2021, com o R&Drill "Pega as Suas Coisas", em parceria com o produtor ANTCONSTANTINO, que Maui superou um milhão de reproduções nas plataformas de streaming. Com o sucesso da faixa, passou a integrar o selo Leigo Records e a gravadora Deckdisc. Com versos afiados e carregados de emoção, 2ZDinizz vem consolidando seu espaço no rap nacional como uma das vozes mais autênticas da nova geração. Natural de Niterói, iniciou sua trajetória em 2012 como MC do grupo Card Principal. Desde então, transforma suas vivências e referências das ruas em rimas que resgatam a essência do boombap. Para ele, a música vai além da arte: é um canal direto com a realidade, um reflexo da cultura urbana e de suas raízes.

Referência do teatro brasileiro contemporâneo, Denise Stoklos volta aos palcos paulistanos com "Mary Stuart", obra-chave de sua aclamada trajetória internacional. Escrito, dirigido e interpretado pela artista, a encenação é considerada um dos maiores fenômenos do nosso teatro no exterior: foi apresentado em mais de 30 países e em 7 idiomas diferentes desde sua estreia, em 1987, na cidade de Nova York. A montagem também é conhecida por consolidar a linguagem do Teatro Essencial — proposta cênica radical criada por Stoklos, baseada na presença solitária do ator em cena, utilizando apenas a voz e o gestual como recursos expressivos. O espetáculo retorna a São Paulo exatos trinta anos após sua última temporada na cidade, celebrando também os 75 anos de vida e 57 de carreira da artista.

Chico César celebra 30 anos do lançamento do disco Aos Vivos com um show no formato voz e violão na Casa Natura Musical.O ano era 1995, e Chico César colocava seu álbum de estreia, Aos Vivos, no mundo. Trinta anos depois, o disco, que se tornou um clássico da música brasileira, ganha uma turnê de celebração. No palco da Casa, Chico canta o trabalho icônico na íntegra, além de outros sucessos da carreira.

George Gershwin segue mais atual do que nunca, e sua obra ganha novos contornos sob a direção de Grace Passô na aguardada estreia de Porgy and Bess no Theatro Municipal. Com seu olhar poético e ousado, Passô traz à cena o universo multifacetado desta ópera, que cruza as fronteiras do jazz, do teatro e da música clássica para contar uma história de luta e amor. Gershwin, que sempre transitou com leveza entre mundos, ainda nos anos 1920 e pouco depois de criar peças icônicas como Rhapsody in Blue, se encantou com o romance Porgy, de DuBose Heyward.A parceria entre Gershwin e Heyward nasceu de uma troca de cartas fervorosa, que resultou na colaboração entre os dois e Ira, o irmão do compositor e letrista consolidado. Em 1934, o compositor mergulhou no ambiente da Carolina do Sul,absorvendo as histórias e os ritmos que vibravam na alma do romance. Assim, em 1935, estreava Porgy and Bess em Boston, com uma inovação que ressoou como um grito de liberdade: a primeira ópera a trazer solistas negros de formação clássica, em um tempo em que tal escolha era uma transgressão.A trama de Porgy and Bess gira em torno das dores e paixões dos moradores de Catfish Row, com personagens como Porgy, um homem humilde e com uma deficiência física, e Bess, em busca de redenção após uma vida de provações. Canções como Summertime, My Man’s Gone Now e I Got Plenty o’ Nuttin emergem como clássicos eternos, capturando a alma da música norte-americana.

Visto por mais de 13 milhões de pessoas, o espetáculo da Broadway, Jersey Boys - A História De Frankie Valli e The Four Seasons, vencedor de quatro Tony Awards, incluindo o de Melhor Musical, chega ao Brasil para curta temporada.O musical conta a história de The Four Seasons, a banda histórica dos anos 60 que fez sucesso gigantesco com diversos hits como “Beggin”, “Big Girls Don't Cry", “Can’t Take My Eyes Off You”, “Sherry” e "Walk Like a Man”. O quarteto icônico da música mundial será interpretado por: Henrique Moretzsohn, como Frankie Valli, Velson D'Souza como Tommy DeVito, Artur Volpi como Bob Gaudio e Bruno Narchi como Nick Massi.

“Mon Cœur - Piaf e Brel” é um musical intimista original que caminha sobre a obra da cantora francesa Édith Piaf, com pinceladas do cantor e compositor belga Jacques Brel, intercalado por cartas de amor escritas por Piaf e recortes de entrevistas. A intérprete Mariana Estol transita entre os estados dramáticos das duas personas em foco por meio da narratividade semibiográfica e da interpretação ao vivo de 15 canções tradicionais francófonas conhecidas como Chanson. O elenco é formado pela banda comportando piano, acordéon, guitarra e baixo, realizados pelos músicos e atores Mariah Altruda e Noedir, que intervém à dramaturgia em cena.

Curta temporada do espetáculo de comédia estrelado por Mouhamed Harfouch, com direção de João Fonseca. O espetáculo explora questões sobre origens, ancestralidade, identidade e o poder transformador da aceitação pessoal, com uma narrativa pessoal e emotiva, em que Harfouch mergulha na sua história de vida, em um processo criativo íntimo que levou o artista a revisitar sua trajetória, seu nome e sua herança cultural. Em Meu Remédio, Mouhamed se desafia na auto exposição, trazendo à tona questões do universo árabe, episódios importantes que fizeram parte de sua jornada e o impacto de suas escolhas em sua vida pessoal e profissional.

A obra conta a história de Rosa, uma passageira comunicativa, trabalhadora da limpeza, que tem olhar atento para as injustiças sociais. Em certo dia, ela exige que o motorista pare e volte para uma mulher negra em cadeira de rodas que deu sinal e foi ignorada. Ao descer para ajudá-la, o público vê apenas uma cadeira de rodas vazia. Com inspiração na ativista negra norte-americana Rosa Parks e na história de vida de Flávia Diniz a peça reflete, se na sociedade atual a mulher preta é invisível, a mulher preta com deficiência nem ao menos existe. Com dramaturgia de Shaira Mana Josy e Piê Souza, atuação de Ma Devi Murti e direção de Anderson Maurício, a peça A (Ré)tomada da Palavra ou A Mulher que Não se Vê transforma o ônibus — esse lugar de espera, empurra-empurra e pressa — em cena viva, onde silêncio vira fala, o transporte vira palco e a presença vira manifesto.

Um encontro de dois atores, um homem e uma mulher, com uma multidão de pessoas na plateia. Suas memórias. Suas próprias histórias e outras tantas que ouviram por aí. E o que só saberão, juntos? Esses dois atores e esse público? Uma sala cheia de gente que escolheu estar ali na companhia umas das outras. Há algo a celebrar, juntos?

A exposição apresenta cerca de 930 itens adquiridos desde a década de 1960 por Tina e Calito Azevedo Moura. Entre móveis, utensílios domésticos, ferramentas de trabalho, fotografias e materiais gráficos, os objetos foram produzidos por imigrantes europeus no sul do Brasil entre a segunda metade do século 19 e o início do século 20. A coleção representa o imaginário social e o dia a dia de imigrantes alemães e italianos e revelam aspectos pessoais do universo doméstico de pessoas que buscavam construir uma nova vida. As obras conjugam as lembranças, as técnicas e os costumes trazidos pelos imigrantes de sua terra natal, de um lado, e as condições e materiais que encontraram na terra de adoção, de outro.Passando por questões como habitação, religiosidade, marcenaria e culinária, os objetos apresentados denotam como uma mesma tipologia de artefato pode ter diferentes feições, carregando aspectos afetivos e emocionais. Trata-se de uma escolha dos colecionadores, que optaram por valorizar o trabalho manual contrapondo-se à lógica industrial de produção de peças idênticas em massa.

A primeira exposição individual de Tania Ximena (Hidalgo, México, 1985) no Brasil, apresentada na sala de vídeo, investiga as complexas relações entre humanidade, natureza e ciclos de transformação do planeta. A artista constrói narrativas que atravessam tempos geológicos e históricos, conectando formas de vida animadas e inanimadas, naturais e espirituais, manifestas em minerais, vegetais, animais, céu, terra e água. Por meio de imagens que combinam registros documentais, intervenções espaciais e fabulações poéticas, Ximena reflete sobre os impactos da ação humana no meio ambiente, apresentando a paisagem como protagonista de processos decisivos. Em sua obra, a paisagem não é apenas território ou recurso a ser explorado, mas um agente ativo que possibilita a existência humana.

Considerada referência na luta pelos direitos LGBTQIA+, a ativista Brenda Lee (1948–1996) é homenageada no musical, que ganhou os prêmios APCA de melhor peça, Bibi Ferreira de melhor roteiro e atriz revelação em musicais, além do Prêmio Shell de melhor atriz para Verónica ValenttinoO musical Brenda Lee e o Palácio das Princesas é uma obra de ficção, inspirada na história de Brenda Lee. O musical acompanha a mudança da pensão para travestis de Brenda, para a primeira casa de apoio para pessoas com HIV/Aids do Brasil, um local de acolhimento e segurança para pessoas tratadas com violência pela sociedade. Seu trabalho e dedicação deram a Brenda o título de o “anjo da guarda das travestis”.

Uma das vozes mais potentes e autênticas da nova geração do Britpop, Rachel Chinouriri desembarcará no Brasil pela primeira vez para um show único no Cine Joia. Combinando indie rock, bedroom pop e falsetes comoventes, Chinouriri leva ao palco seu álbum de estreia, What a Devastating Turn of Events (2024), lançado pela Parlophone e aclamado pela crítica.

Após se apresentar no Rock In Rio, a banda californiana Avenged Sevenfold volta ao Brasil com a turnê do álbum "Life is Cut a Dream...". O disco foi considerado um dos 11 melhores álbuns de metal pela revista Rolling Stone no ano de 2023.

Hoje conhecido sobretudo pela ópera Carmen, obra-prima cujo estrondoso sucesso o compositor morreu sem acompanhar, Georges Bizet (1838-1875) aprendeu a ler música ao mesmo tempo em que era alfabetizado, e antes dos 10 anos de idade estava matriculado no Conservatório de Paris. Em poucos anos, ganhou o primeiro prêmio em solfejo em piano e, em 1857, o cobiçado Prix de Rome, que lhe permitiu passar dois anos estudando em Roma.Em 1863, Bizet compôs Os Pescadores de Pérolas, ópera que só encontraria sucesso alguns anos depois. O compositor ganhava a vida como pianista acompanhador e arranjador de editoras musicais enquanto planejava grandes óperas, que frequentemente não chegava a terminar. Em 1872, a música incidental que escreveu para a peça L’Arlésienne encontrou grande repercusão ao ser reunida em uma suíte orquestral. Isso encorajou Bizet a concluir uma tão sonhada grande ópera, que quase não subiu ao palco em razão das objeções de cantores e diretores de teatro, chocados com o tema de Carmen. Quando estreou, em 3 de março de 1875, foi mal recebida, mas poucos meses bastaram para que o público se apaixonasse pela obra. Bizet, no entanto, não pôde acompanhar essa mudança de opinião, pois morreu três meses depois, aos 36 anos, convencido de que Carmen fora mais um de seus fracassos.Este concerto reúne cantores de ópera de todo o mundo, formados na Academia de Ópera de Paris, e músicos da orquestra do Theatro Municipal. Juntos, eles lembram o 150º aniversário da morte de Georges Bizet e da criação de Carmen. O público poderá redescobrir as grandes árias do compositor francês, excertos das suas óperas menos conhecidas, bem como grandes árias de Jules Massenet e Charles Gounod.

Exposição individual da artista Ana Amorim, que ja expôs no MAC USP em diversos momentos desde os anos 1990, quando primeiro expôs seus mapas mentais no museu. A artista apresenta um corpo de trabalho baseado num exercício sistemático de registro do tempo e do espaço.

“Lady Tempestade” segue em nova temporada no Teatro FAAP. Estrelado por Andrea Beltrão, o espetáculo lança luz sobre uma história pouco conhecida da ditadura brasileira, propondo um diálogo entre arte, política e memória coletiva. Em junho, a montagem celebrou a marca de 100 apresentações, reafirmando sua potência cênica e o impacto com o público.Com direção de Yara de Novaes e dramaturgia de Sílvia Gomez, o espetáculo traz à cena a história da advogada pernambucana Mércia Albuquerque (1934-2003), que atuou na defesa de presos políticos durante a ditadura militar no Brasil. Um relato potente, que articula passado, presente e futuro, ao abordar a luta por justiça e memória em um país que insiste no esquecimento.Na trama, Andrea interpreta A., uma mulher que recebe, de forma inesperada, os diários de Mércia e se vê atravessada pelos relatos de coragem e resistência. O impacto desse encontro provoca reflexões sobre os ciclos de violência, a urgência da memória e os desafios da justiça social — temas que seguem absolutamente atuais.

“Pop Brasil: vanguarda e nova figuração, 1960-70” é a maior exposição da Pinacoteca em 2025, reúne 250 obras de mais de 100 artistas, proporcionando uma visão abrangente sobre a arte do período.A mostra se divide em temas que remontam aos grandes acontecimentos do período, como o surgimento da indústria cultural, a ruptura democrática e transformações sociais de diversas ordens.Na Pinacoteca, “Pop Brasil” comemora ainda os 10 anos do comodato da Coleção Roger Wright e o importante acervo de obras dos anos 1960 e 1970.

Em 2024, a premiada compositora carioca Marisa Rezende completou 80 anos. A efeméride foi celebrada com a programação de obras suas por diversas orquestras, e com o Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo não poderia ser diferente: seguindo sua vocação de fomentar a nova produção para quarteto de cordas, o grupo encomendou à compositora uma obra a ser estreada na próxima temporada. Afeita à música de câmara e com peças intimistas e introspectivas, Marisa conciliou em sua trajetória a composição, a carreira acadêmica e a docência em nível superior. Entre suas láureas, recebeu em 2016 a Medalha Villa-Lobos da Academia Brasileira de Música e, em 2018, foi homenageada pelo Festival de Música Contemporânea Brasileira de Campinas.Carlos Gomes (1836-1896) é conhecido por suas óperas em estilo italiano, como O Guarani (recentemente apresentada em montagem inovadora pelo Theatro Municipal), que conquistaram reconhecimento internacional. Natural de Campinas, o compositor dividiu sua vida entre o Brasil e a Itália, especialmente Milão, onde teve várias óperas apresentadas no Teatro alla Scala. A última obra de sua carreira, contudo, foi a sonata para cordas O Burrico de Pau – aqui tocada em versão para quinteto de cordas. Aos 57 anos, enfrentando dificuldades financeiras e pessoais, até mesmo de saúde, o compositor decidiu escrever uma peça alegre e com caráter de serenata para o Club Musical Sant’Anna Gomes, agremiação campineira presidida por seu irmão, que era violinista. Pensada como divertimento para um local de lazer, e homenageando indiretamente seu irmão, a obra teve o título sugestivo inspirado em um sonho, no qual o compositor montava em seu brinquedo de infância e cavalgava aos céus. Carlos Gomes faleceria dois anos depois, deixando o legado dessa peça que mescla alusões sonoras ao trote do burrico às melodias líricas e cativantes que marcaram toda sua produção.Heitor Villa-Lobos (1887-1959) compôs o impressionante número de 17 quartetos de cordas, principalmente nas últimas décadas de sua vida. Com robustez formal inspirada nos modelos clássicos, essas peças revelam um compositor menos preocupado em referenciar diretamente os elementos da cultura popular, e mais dedicado à criação de uma música abstrata –, muito embora os elementos nacionais que marcam sua obra estejam sempre presentes. Os últimos quartetos, de harmonia arrojada, foram compostos na década final de sua vida, quando o compositor se dividia entre sua casa, no Rio de Janeiro, e turnês pelos Estados Unidos. O Quarteto no 13, de 1951, é uma dessas obras, sendo escrito em Nova York e dedicado ao Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo.

Maria Bethânia celebra 60 anos de carreira em show que trará inéditas em meio a clássicos — e cujas principais referências são espetáculos como ‘Rosa dos ventos’ (1971) e ‘A cena muda’ (1974).

A exposição inédita traz a evolução histórica das casas pré-fabricadas, desenvolvida desde o período de reconstrução pós-guerra, abordando a sua história, além de apresentar o morar sustentável sob perspectivas como funcionalidade, conforto e design. Pré-fabricação é um método construtivo em que parte ou todos os componentes de uma construção são produzidos em uma fábrica e, posteriormente, montados no local da obra. A construção de casa pré-fabricada japonesa, que alia o design à otimização dos materiais, possibilitou maior eficiência ao sistema de construção e contribui para uma maior qualidade de vida aos moradores e à comunidade.

Mostra individual do fotógrafo e documentarista Wagner Celestino, artista autodidata nascido na Zona Leste de São Paulo. A exposição reúne registros que destacam e celebram a cultura, a história e a contribuição negra para a construção da identidade cultural paulista.A mostra - que teve sua primeira montagem em 2023 no Sesc 14 Bis - chega ao Sesc Itaquera com a adição de imagens inéditas, realizadas pelo artista na unidade em 1995. Na ocasião, Celestino registrou o encontro de dois grandes nomes do samba: Dona Ivone Lara e Zé Keti. Com curadoria do professor e artista visual Claudinei Roberto da Silva, a exposição reúne 108 obras de grande relevância para a memória da cultura negra e suas diversas manifestações culturais, abrangendo mais de quatro décadas da produção artística de Celestino. Diversas séries produzidas pelo artista ao longo da sua extensa carreira estarão presentes na exposição, como Retratos, Carnaval e Velha Guarda.

A Galeria de Fotos do Centro Cultural Fiesp (CCF), em São Paulo, recebe a exposição “Ta’ãngaa, os indígenas por eles mesmos”, que apresenta 30 fotografias produzidas por 8 artistas indígenas atuantes em diferentes territórios do país.Com curadoria de Richard Wera Mirim e João Kulcsár, a mostra reúne trabalhos de Moara Tupinambá, Edgar Kanaykõ Xakriabá, Richard Wera Mirim, Genilson Guajajara, Gê Viana, Kamikia Kisedje, Denilson Baniwa e Natalia Tupi. As obras são inspiradas por temas como território, memória, ancestralidade, cotidiano e impactos da colonização, propondo uma reflexão sobre identidade e modos de existência dos povos indígenas na atualidade. As imagens revelam vivências pessoais e coletivas, e se apresentam como expressão de luta, pertencimento e continuidade

JODYLINE GALLAVARDIN é uma jovem pianista francesa curiosa e apaixonada. Possui dois mestrados do Conservatório Nacional Superior de Música e Dança de Lyon de Lyon: o de piano, em 2015, na classe de Marie-Josèphe Jude e Hélène Bouchez e o de música de câmara.Jodyline é regularmente convidada, tanto como solista como camerista, por muitos festivais como o da Orangerie de Sceaux, Musicalta, Piano em Saint-Ursanne, Les Allées Chantent, Les Moments Musicaux de Chalosse, La Belle Saison, Le Prieuré de Chirens e Piano City em Milão. Fez sua estreia na France Musique em 2018 no Génération Jeunes Interprètes. Nesse mesmo ano, foi laureada pela Fundação SAFRAN e em 2019, ganhou o concurso da Fundação Banque Populaire, obtendo assim apoio para os próximos anos. Também atraiu a atenção no Concurso Nórdico de Piano, cujo júri, presidido por Leslie Howard, lhe concedeu o “Prêmio Especial Bach”.

O lendário DJ e produtor Jeff Mills, um dos nomes mais influentes do techno mundial, desembarca em São Paulo para uma apresentação exclusiva do projeto "Tomorrow Comes The Harvest", no dia 14 de outubro, na Casa Natura Musical. A performance é promovida pelo Queremos!, que há 15 anos traz ao Brasil grandes nomes da música internacional.Mais do que um show, "Tomorrow Comes The Harvest" é uma experiência musical que une três mestres em suas linguagens: Jeff Mills (eletrônicos), Prabhu Edouard (tabla) e Jean-Phi Dary (teclados). Uma performance que desafia os limites da música eletrônica, mesclando batidas hipnóticas, texturas ancestrais e momentos de pura improvisação — uma verdadeira jornada sensorial conduzida por artistas de diferentes origens, com um mesmo propósito: explorar o desconhecido por meio do som.

Numa fusão entre a atitude magnética e a delicadeza de uma voz serena, a cantora, compositora, multi-instrumentista, produtora musical, atriz e diretora criativa carioca Julia Mestre fundiu suas facetas para incendiar a música brasileira recente, e se reapresentar em Maravilhosamente Bem. O estado ardente que dá nome ao álbum é refletido em um novo universo sonoro que vai de músicas sensuais e sussurradas, inspiradas em filmes de terror clássicos, até canções de amor frágeis e confessionais.

A luz, a conexão com o sagrado e a iluminação espiritual é o tema deste programa, que evidencia o repertório coral contemporâneo.As composições de Dobrinka Tabakova (1980), nascida na Bulgária e radicada no Reino Unido, têm sido frequentemente programadas nas temporadas de concertos em todo o mundo. Sua obra coral é refinada e acessível, e Turn our Captivity, O Lord (2022), com texto extraído do livro dos Salmos, faz referência à composição homônima do inglês William Byrd (1540-1623), com linhas que lembram o canto bizantino.O programa traz ainda obras do finlandês Einojuhani Rautavaara (1928-2016) e do estadunidense Eric Whitacre (1970), que constam entre os mais queridos compositores de música coral. Deste último, Lux Aurumque (2000) foi escrita a partir de poema natalino de Edward Esch, traduzido para o latim por Charles Anthony Silvestri, parceiro de longa data de Whitacre.Stella (2016), do espanhol Francisco Coll (1985), para coro a oito vozes, foi inspirada na missa Ave Maris Stella, de Tomás Luís de Victoria, uma das grandes obras do Renascimento.Por fim, Lux Aeterna, antífona de comunhão da Igreja Católica Romana, tantas vezes transformada em música, surge neste concerto em versões radicalmente distintas. A do húngaro György Ligeti (1923-2006), escrita em 1966, é provavelmente a mais célebre de todas, já que integra a trilha sonora do filme 2001: uma Odisseia no Espaço, de Stanley Kubrick. O Nata Lux, parte de Lux Aeterna (1997) do estadunidense Morten Lauridsen (1943), e a versão de 2005 escrita por sua conterrânea Amy Dunker (1964), ambas claras e contemplativas, contrapõem-se à música densa e estática de Ligeti.

Após se apresentar para mais de duzentas mil pessoas em São Paulo, Gilberto Gil volta com a turnê Tempo Rei, em que celebra em grande estilo sua ampla obra musical, os diversos momentos de sua carreira e suas parcerias.

Frans Krajcberg (Kozienice, Polônia, 1821—2017, Rio de Janeiro, Brasil) foi pioneiro no cruzamento entre arte e ecologia, precursor em dar visibilidade às questões ambientais no território brasileiro. O artista trabalhou a partir de resquícios de troncos, cipós, raízes e madeira calcinada, explorando pigmentos naturais, para produzir obras em que os elementos naturais são a própria matéria de sua arte. Krajcberg provocou uma virada radical nas convenções da escultura, além de desafiar fronteiras entre desenho, gravura e pintura.Krajcberg chegou ao Brasil nos anos 1950, onde desenvolveu seu trabalho como artista. A partir dos anos 1960, passou a viajar à Amazônia e ao Pantanal, coletando resquícios de troncos em áreas de queimadas. Suas preocupações com o drama ambiental tornaram-se indissociáveis de sua arte. Engajou-se em denunciar queimadas e a violência do extrativismo desenfreado, conferindo ao seu trabalho um cunho altamente político

A Galeria Luis Maluf apresenta uma mostra coletiva que parte de uma premissa: "existe uma constelação dentro de cada corpo e também fora dele". Com curadoria de Carollina Lauriano, a mostra reúne seis artistas em torno de um tema que pulsa: como pensar o corpo para além dos seus limites físicos?Pintura, escultura, instalação e imagem se entrelaçam em trabalhos que fazem da arte uma ferramenta para habitar o mundo com mais liberdade ou, pelo menos, com mais perguntas. A mostra propõe deslocamentos. Do olhar. Da linguagem. Da própria ideia de representação. E aponta o corpo como lugar de memória, fricção e possibilidade.A mostra conta com obras de Juliana dos Santos e Flávia Ventura, Ana Neves, Amanda Fahur, Guilherme Callegari e iah’ra.

Um dos nomes mais conhecidos do Reggaeton, o cantor porto-riquenho apresenta em uma data única o show da turnê Cosa Nuestra.

Programa a ser anunciado

Um dos nomes mais conhecidos e celebrados do rock, a banda Guns N´Roses se apresenta no Brasil, numa turnê com cinco datas no país. As apresentações fazem parte da turnê mundial “Because What You Want and What You Get Are Two Completely Different Things”.

Acontece na Sala São Paulo a sexta edição da temporada de encontros entre o popular e o erudito. A cada edição, dois artistas da MPB se apresentam juntos da São Paulo Big Band.

A exposição Laboratório da Cor, idealizada pelo Grupo de Pesquisa Estudos Cromáticos, reúne obras dedicadas à reflexão sobre a cor como elemento fundamental para os novos entendimentos da produção contemporânea em artes. São trabalhos em diversas linguagens e em variados materiais e suportes, onde a cor se manifesta mediante práticas distintas. A curadoria é dos professores Marco Giannotti (USP), Paloma Carvalho (UERJ) e da mestranda pela USP, Julia Hallal.O grupo, criado na Escola de Comunicações e Artes (ECA) da USP, e hoje multiinstitucional, dedica-se ao fomento e à divulgação de pesquisas sobre produções artísticas contemporâneas, resultado de investigações pessoais, de orientações em salas de aula nas instituições envolvidas e na formação de alunos de pós-graduação.

A mostra Flexões de Espaço e da Cor de Marcus Vinícius apresenta três séries que mostram a pesquisa do artista sobre como a cor pode potencializar suas relações e propriedades e encontrar unidade e sentido com a estrutura física da obra.Além da cor, o espaço também é estudado pelo artista que, na feitura das obras, se debruçou sobre os problemas construtivos e suas possibilidades de solução, com novos desdobramentos. Suas obras dialogam com o universo da indústria, sem, no entanto, estarem de todo entregues a ele.

Nome de grande destaque no pop e no rock, a banda Imagine Dragons volta ao Brasil para apresentar a turnê mundial LOOM. O setlist conta com os grandes sucessos do grupo, como "Thunder", "Demons" e "Believer".

São Paulo recebe o início da turnê brasileira de Jorja Smith, que retorna ao país quase sete anos após sua estreia no Lollapalooza Brasil, em 2019. Desta vez, o público paulistano poderá vivenciar uma performance mais intimista e centrada no repertório de seu mais recente álbum, falling or flying (2023), no qual a artista mescla soul, R&B, UK garage e jazz com sua já conhecida força lírica e vocal.

A exposição apresenta um acervo inédito de fotografias familiares tiradas majoritariamente pelo povo indigena Paiter Suruí, reunidas e digitalizadas pelo Coletivo Lakapoy. Esse acervo inclui cenas e retratos tirados desde a década de 1970, quando as câmeras chegaram ao território pelas mãos de missionários, mas passaram a ser utilizadas pela população local para registrar seu dia a dia. Além do acervo histórico, a exposição apresenta fotos e vídeos atuais, reforçando o papel da fotografia como importante ferramenta de afirmação dos direitos indígenas.As imagens do acervo histórico estavam armazenadas nas casas das famílias, guardadas em álbuns, caixas e estantes das diferentes aldeias do território indígena, localizado entre os estados de Rondônia e Mato Grosso. Para preservá-las, o Coletivo Lakapoy – grupo formado por comunicadores indígenas, com o apoio de não indígenas, com o objetivo de fortalecer a cultura Paiter Suruí – reuniu, catalogou e digitalizou as fotografias. Em 2021, o projeto foi publicado na revista ZUM e, em 2023, selecionado pela Bolsa ZUM/IMS, de fomento à produção artística. O resultado dessa pesquisa agora se desdobra nesta exposição.

Os franceses da banda L’Impératrice carregam elementos de nu-disco, pop retrô e funk eletrônico na essência de suas composições. Apesar de suas raízes no Velho Mundo, os integrantes possuem um visual futurista, entregando performances enérgicas e dançantes para seu público. Atualmente, o grupo roda o globo com a Pulsar Tour — título do último trabalho de estúdio, de 2024 — e incluiu o Brasil, pela primeira vez, na rota de seus shows.

Uma das bandas mais importantes da cena atual do rock americano, e que marcou os anos 2000, Linkin Park volta ao Brasil para três shows no país, dos quais um será em São Paulo.

Sucesso de público nas décadas de 1990 e 2000, com sessões lotadas em diversas cidades brasileiras, a comédia Aluga-se Um Namorado, escrita originalmente pelo inglês James Scherman e adaptada por Gustavo Klein, chega ao Teatro Multiplan MorumbiShopping para uma nova temporada. O espetáculo conta a história de Alex Schneider (Eri Johnson), um ator bem-humorado contratado por Sara (Ju Knust) para interpretar o papel de seu namorado, judeu e médico, diante de sua família, que segue rigorosamente as tradições judaicas. A farsa é armada porque, na verdade, o verdadeiro namorado de Sara não é judeu. A partir daí, desenrola-se uma comédia marcada por mal-entendidos e situações inesperadas. Será que os pais de Sara (Myrian Rios e Raymundo de Souza) e seu irmão Joel (João Lima Junior), um psicanalista atento, vão descobrir a verdade? E o verdadeiro namorado (Marcondes Oliveira), será revelado? Sara acabará se apaixonando pelo ator? O enredo gira em torno dessas perguntas, com doses de humor e reviravoltas.

Nesta montagem de Macbeth, dirigida pela multiartista Elisa Ohtake, a profunda conexão de Giuseppe Verdi com Shakespeare ganha nova vida. Embora não dominasse o inglês, Verdi viu na tradução italiana do bardo um verdadeiro tesouro, revolucionando a ópera italiana ao infundir seus personagens com a profundidade dramática e a intensidade vívidaque Shakespeare trouxe à dramaturgia inglesa. Verdi, homem de teatro nato, conduziu sua música de forma a criar uma atmosfera constante de mistério e angústia, sem permitir intervalos que pudessem interromper o envolvimento do espectador.Estreada em 1847 em Florença, Macbeth foi concebida durante o que Verdi chamou de seus “anos de galera”, uma fase em que batalhava para se afirmar no cenário lírico italiano. Com libreto de Francesco Maria Piave e acréscimos de Andrea Maffei, a ópera foi bem-recebida em sua première, mas desapareceu dos palcos por quase um século, em parte em razão das exigências do papel de Lady Macbeth, considerado um desafio extremo para as sopranos.Elisa Ohtake, conhecida por sua abordagem cênica contemporânea e ousada, dará nova luz à complexa história de poder, ambição e morte de Macbeth. Com uma formação diversificada em dança e teatro, Elisa já esteve próxima da obra de Shakespeare com sua instigante Peça para Adultos Feita por Crianças, na qual crianças interpretam Hamlet.

RICHARD KOGIMA foi definido pela crítica como criador de performances "memoráveis e reveladoras" (Gregory Sullivan, Theater Jones), “dotadas de variadas nuances, transparência e extrema concentração” (Südkurier, Badische Zeitung). Expoente talento de sua geração, distingue-se por sensível musicalidade e versatilidade, atuando como pianista, regente, compositor e improvisador.Natural de São Paulo, se apresenta regularmente como solista, camerista e regente nas Américas e na Europa em salas como Tonhalle Zürich, DR Koncerthuset (Copenhagen), Salle Cortot (Paris), University Aula (Oslo) e Sala São Paulo. Integrou festivais como o Emil Gilels e o Usedomer Musikfest (Alemanha), Festspillene i Bergen (Noruega), Campos do Jordão (Brasil), e Pärnu Music Festival (Estônia).MAR GIMFERRER, nascida em 2002, começou a tocar violoncelo aos 7 anos. Estudou em Barcelona com Joan Antoni Pich, com quem se formou com o Prêmio de Honra, aos 17 anos. De 2019 a 2022, foi orientada por Beatriz Blanco no Vorarlberger Landeskonservatorium e desde setembro de 2022, estuda com Thomas Grossenbacher Na Universidade das Artes de Zurique.

A obra de Almeida Prado (1943-2010), um dos mais importantes e prolíficos compositores brasileiros, é marcada por uma profunda religiosidade católica. Centrada no piano (que ele tocava eximiamente) e na orquestra, sua produção inclui tanto obras sacras quanto outras livremente inspiradas em elementos da tradição judaico-cristã. A fé do compositor se materializava para ele em visões místicas que teve em diversos momentos da vida, e que foram a força motriz para que escrevesse muitas de suas peças.Na juventude, Almeida Prado foi aluno de Osvaldo Lacerda e Camargo Guarnieri. Depois, partiu para Paris para estudar com Nadia Boulanger e Olivier Messiaen, compositor com o qual sua obra traça grande paralelo, tanto esteticamente como pela conexão devocional. Prado lecionou por muitos anos na Universidade Estadual de Campinas (Unicamp), onde os alunos se amontoavam para assistir suas aulas.Entre 1989-1990, Almeida Prado residiu em Jerusalém, Israel, como professor visitante da Academia Rubin de Música e Dança. A experiência o marcou profundamente, transformando e intensificando sua fé e inspirando a criação de novas obras, conectadas a um imaginário sobre a cidade e a cultura local na época de Jesus. Nesse período, o compositor teve também visões místicas de parentes queridos que já haviam partido, e isso o levou a compor uma peça absolutamente não usual: o Réquiem Sem Palavras para quarteto de cordas.Quando pensamos em um réquiem musical, imaginamos uma peça vocal escrita para grandes forças corais e orquestrais – como são as obras desse gênero, por exemplo, de Mozart, Verdi, Brahms ou Fauré. Nesse tipo de missa, tradicionalmente utilizada para homenagear um finado, a compreensibilidade do texto e a ilustração musical do sentido das palavras é particularmente importante. Almeida Prado propõe, então, um duplo desafio: seu réquiem é uma reza íntima para formação camerística, e nela os instrumentos devem “falar” os textos litúrgicos – não só utilizados aqui de forma integral em latim, mas acrescidos de um pai-nosso adicional.Composto em 1989, o Réquiem Sem Palavras ficou guardado na gaveta até 2006, quando Marcelo Jaffé, violista do Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo, soube de sua existência em um encontro com Almeida Prado na Rádio Cultura. O Quarteto encampou então a tarefa de produzir as partes da obra e estreá-la, recebendo a dedicatória do compositor. Ainda não gravada, a peça foi tocada poucas vezes, sendo esta uma oportunidade particular de ouvi-la.

A banda de rap Planet Hemp se despede dos palcos com uma última turnê. O verso “Eu vou queimando tudo até a última ponta”, do Planet Hemp, surgiu despretensiosamente em meados dos anos 1990 durante uma conversa entre Marcelo D2 e Marcelo Yuka, do grupo O Rappa, em um posto de gasolina. Este trecho da música “Queimando Tudo”, do disco Os Cães Ladram Mas A Caravana Não Pára (1997), transcendeu os limites do álbum e passou a representar também o sentimento de comunidade e de afirmações políticas que mantêm a banda como uma das vozes mais relevantes da contracultura há mais de três décadas. Agora, a marcante sentença inspira o nome da turnê de despedida do grupo, A Última Ponta.

Acontece na Sala São Paulo a sexta edição da temporada de encontros entre o popular e o erudito. A cada edição, dois artistas da MPB se apresentam juntos da São Paulo Big Band.

A cantora britânica Dua Lipa volta ao Brasil para a turnê "radical optimsm". Batizada com o título do terceiro álbum de estúdio de Dua, a turnê apresenta o repertório do disco, os hits da cantora e algumas surpresas para o público.

Diretora musical da Buffalo Philharmonic, a norte-americana JoAnn Falletta é uma veterana dos palcos que desbravou caminhos na regência para as mulheres. Com mais de cem discos gravados e alguns Grammy no currículo, ela atua como regente convidada por todo o mundo. JoAnn Falletta esteve no Brasil pela primeira vez em 2023, e volta para conduzir novamente a Orquestra Sinfônica Municipal (OSM).Aos 85 anos, Ellen Zwilich é considerada uma das principais compositoras norte-americanas, e foi a primeira mulher a ganhar o Prêmio Pulitzer de Música. O Concerto Grosso 1985 é uma obra para orquestra de câmara encomendada pelo Washington Friends of Handel, em comemoração ao 300º aniversário de nascimento do compositor. A obra cita literalmente o tema do primeiro movimento da Sonata para Violino em Ré maior (HWV 371) de George Frideric Handel, e teve sua estreia mundial com a Handel Festival Orchestra em maio de 1986.Shéhérazade é o título de duas obras do compositor francês Maurice Ravel. Ambas têm origem no fascínio do compositor por Scheherazade, a heroína narradora das Mil e uma Noites.A primeira obra, uma abertura escrita em 1898, é a primeira peça orquestral sobrevivente de Ravel. Quatro anos depois, ele teve um sucesso muito maior com um ciclo de canções com o mesmo título. Nos primeiros anos do século XX, Ravel conheceu o poeta Tristan Klingsor, que publicara uma coleção de poemas em verso livre sob o título Shéhérazade, inspirados pela suíte sinfônica homônima de Rimsky-Korsakov. Escrito para voz e orquestra, a Shéhérazade que ouviremos neste programa é um ciclo de três canções, aqui interpretadas por Denise de Freitas. Artista de grande expressividade musical e cênica, ganhadora de diversos prêmios, Denise é umas das mais importantes mezzo sopranos brasileiras em atividade. Com apresentações nas mais renomadas salas do Brasil, tornou-se intérprete dos grandes personagens para seu registro vocal.Nada mais adequado do que encerrar o concerto com Scheherazade, a suíte sinfônica composta por Nikolai Rimsky-Korsakov em 1888, igualmente baseada no livro Mil e uma Noites. A obra se destaca pela sedução dos temas e o colorido da orquestração, e é considerada a composição mais popular de Rimsky-Korsakov, tendo sido também transformada em balé, em 1910, por Michel Fokine.

O pianista Andrea Vanzo vem ao Brasil pela primeira vez para apresentar a Intimacy Part 2, turnê que mescla a música clássica moderna com elementos do pop. Natural de Bolonha, na Itália, Andrea Vanzo explora em suas composições temas como natureza, amor e liberdade de expressão. Em uma apresentação em Berlim no início de junho, o músico levou ao palco uma sonoridade com peças influenciadas pela música clássica moderna e pelo pop.

Seun Kuti chega a São Paulo no Mês da Consciência Negra e apresenta o show da turnê “Heavier Yet (Lays the Crownless Head)”. Seu recém lançado disco tem produção de Lenny Kravitz.Expoente do afrobeat, Seun Kuti se apresentará ao lado da banda Egypt 80, que acompanhava seu pai, Fela Kuti e da qual ele também fez parte. Conhecido por sua música, mas também por sua atuação política, Kuti participou ativamente nos protestos do movimento Occupy Nigeria contra a política de remoção de subsídios aos combustíveis do presidente Goodluck Jonathan no seu país, a Nigéria. Hoje fala livremente sobre política em seus shows, sempre a favor da liberdade e contra a opressão.

O rapper bbno$ (baby no money) vem conquistando o público desde 2014 com canções que mesclam humor, batidas eletrônicas e energia contagiante. Alexander Leon Gumuchian — nome real do artista canadense — confirma agora sua primeira passagem pelo Brasil, com a It’s Pronounced Baby No Money World Tour 2025.

A dupla que marcou o britpop e é um dos nomes mais importantes da década de 90 se reencontra nos palcos após um longo hiato. Juntos, os irmãos Gallagher se apresentam com sua turnê mundial, celebrando seus hits e os trinta anos do álbum de estreia Definitely Maybe.

Acontece na Sala São Paulo a sexta edição da temporada de encontros entre o popular e o erudito. A cada edição, dois artistas da MPB se apresentam juntos da São Paulo Big Band.

Um dos maiores sucessos da Broadway e adaptada para o cinema em um filme vencedor do Oscar chega pela primeira vez ao Brasil. Com texto e letras de Tom Eyen, músicas de Henry Kieger, coreografia original de Michael Bennett e arranjos de Harold Wheeler, o espetáculo no Brasil terá tradução e versão de Bianca Tadini e Luciano Andrey, direção geral de Gustavo Barchilon, direção musical de Gui Leal e coreografias de Rafa L. “DREAMGIRLS” retrata a ascensão de um grupo de cantoras afro-americanas nos Estados Unidos na década de 60, inspirado nas histórias de mulheres da Motown, como as “The Supremes”. A trama reflete a era de ouro da música soul e as transformações da indústria fonográfica dos Estados Unidos durante os anos 60 e 70, abordando pautas como racismo, desigualdade de gênero, o preço da fama e a complexidade das relações pessoais e profissionais no showbiz.

Após uma temporada de sucesso de público e crítica, "Beetlejuice" volta para os palcos paulistanos. Estrelada por Eduardo Sterblitch, a peça é inspirada no clássico de Tim Burton, "Os Fantasmas Se Divertem" (1988), trazendo a estética excêntrica e o humor sombrio que marcam a obra tanto nas telas quanto nos palcos. A peça conta com libreto original de Scott Brown e Anthony King e músicas de Eddie Perfect. A versão brasileira é assinada por Claudio Botelho. A equipe criativa conta com Laura Visconti na direção musical, Renato Theobaldo na cenografia (vencedor do Prêmio DID 2024), Dani Vidal e Ney Madeira no figurino, Sueli Guerra na direção de movimento e coreografia, Dani Sanches no desenho de luz, Gabriel D’Angelo no desenho de som, Anderson Bueno no visagismo e Lucas Pimenta como assistente de direção. A produção geral é de Alyzandra Pessanha.

A nossa temporada de óperas termina com um título pouco encenado no Brasil, mas de grande relevância: Les Indes Galantes, de Jean-Philippe Rameau. Obra-prima do Iluminismo, Les Indes Galantes será apresentada em parceria com o Instituto Francês, celebrando o Ano França-Brasil.Este ballet-héroïque, como chamado pelos autores, faz parte de um subgênero tipicamente francês do século XVIII, a opéra-ballet. Criada em 1735 para a Académie Royale de Musique, Les Indes Galantes é a segunda criação teatral de Rameau e suaprimeira opéra-ballet, e retrata como os europeus do século XVIII viam (ou imaginavam) outros povos.A obra original consiste em uma sequência de quatro dramas líricos independentes, interligados por um tema exposto no prólogo: o amor. Cada um dos dramas, ou atos, é ambientado em um local “exótico” para os franceses do século XVIII: a Turquia, o Peru, a Pérsia e a América do Norte, que dão origem, respectivamente, a O Turco Generoso, Os Incas do Peru, As Flores da Pérsia e Os Selvagens da América do Norte. Para essas histórias, ele compôs uma música vibrante, com grande variedade melódica e rítmica, além de inventividade harmônica.Para a versão paulistana, teremos a honra de receber o premiado diretor musical Leonardo García-Alarcón, assim como a diretora e coreógrafa Bintou Dembélé, uma das pioneiras do hip hop na França. A montagem, que une a dança urbana contemporânea à música sedutora de Rameau, reflete sobre questões universais do colonialismo e será uma profícua oportunidade de encontros e trocas entre artistas brasileiros e franceses.

O cantor sertanejo apresenta a sua nova turnê, com os sus sucessos e acompanhado e uma orquestra ao vivo.

A partir do best-seller Sapiens, de Yuval Harari, o premiado espetáculo FICÇÕES fala da capacidade humana de criar e acreditar em ficções: deuses, dinheiro, nações…o que foi ou não inventado? Vera Holtz se desdobra em personagens da obra literária e em outras criadas por Rodrigo Portella, canta, improvisa, “conversa” com Harari, brinca e instiga a plateia, interage com o músico Federico Puppi – autor e performer da trilha sonora original, com quem divide o palco. Em outros momentos, encarna a narradora, às vezes é a própria atriz falando.

No início da década de 1970, motivado pela encomenda de uma obra – cujo gênero, instrumentação e duração eram livres –, Leonard Bernstein, uma das figuras mais importantes da música no século XX, criou uma obra ousada e surpreendente.A obra foi uma encomenda da família Kennedy para ser apresentada na inauguração do Centro John F. kennedy de Artes Performáticas, em 1971. Ao saber que o compositor estava escrevendo uma missa, houve grande alegria por parte dos organizadores do evento, pois John Kennedy foi o primeiro presidente católico dos Estados Unidos. Embora baseada na missa católica tridentina (pré 1962), a Missa de Bernstein se configura como um teatro musical, ao unir passagens litúrgicas cantadas em latim a textos adicionais em inglês escritos por Bernstein, Stephen Schwartz e Paul Simon. Ainda incorpora uma variedade de estilos musicais, além de um coral de “manifestantes de rua”, para apresentar uma nova visão de fé e liturgia ao mundo moderno.A obra foi concebida para ser encenada teatralmente, mas também já foi apresentada em ambientes de concerto. A Missa estreou em 8 de setembro de 1971, conduzida por Maurice Peress e coreografada por Alvin Ailey, com figurinos de Frank Thompson. Na Europa, ela teve sua primeira audição em 1973, com John Mauceri conduzindo a Orquestra Sinfônica de Yale em Viena. A recepção inicial da crítica foi bastante negativa. A gravação da obra pela Columbia Records, no entanto, teve excelentes vendas. A Missa foi inicialmente criticada por autoridades da Igreja Católica, mas, no ano 2000, o Papa João Paulo II promoveu a apresentação da peça no Vaticano.Certos aspectos da obra refletem o tempo no qual ela foi criada: desde alguns dos slogans de protesto até a busca liberal cristã dos anos 1970 em prol da valorização de uma religião mais pura e autêntica, em detrimento de questões eclesiásticas e sacramentais da Igreja institucional.Muito de sua mensagem ainda é relevante nos dias atuais. Não se trata propriamente de uma crítica à Igreja Católica, mas de transformar sua liturgia num espaço para a discussão e mesmo denúncia das opressões do mundo contemporâneo. Essa obra grandiosa e surpreendente unirá os esforços da Orquestra Sinfônica Municipal, dos coros Paulistano e Lírico, e de Paulo Szot, um dos barítonos mais aclamados e versáteis do mundo. A regência e direção musical é de Roberto Minczuk.

A 36ª Bienal de São Paulo apresenta uma edição conduzida pelo curador geral Prof. Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung com sua equipe de cocuradores composta por Alya Sebti, Anna Roberta Goetz e Thiago de Paula Souza, além da cocuradora at large Keyna Eleison e da consultora de comunicação e estratégia Henriette Gallus. A mostra se inspira no poema enigmático da poeta afro-brasileira Conceição Evaristo, “Da calma e do silêncio”.A proposta central dessa Bienal é repensar a humanidade como verbo, uma prática viva, em um mundo que exige reimaginar as relações, as assimetrias e a escuta como bases de convivência a partir de três fragmentos/eixos curatoriais. A metáfora do estuário – local onde diferentes correntes de água se encontram e criam um espaço de coexistência – guia o projeto curatorial, inspirado nas filosofias, paisagens e mitologias brasileiras. Tal conceito reflete a multiplicidade de encontros que marcaram a história do Brasil e propõe que a humanidade se una e se transforme por meio de uma escuta atenta e da negociação entre seres e mundos distintos.A exposição vem acompanhada, ainda, de uma mudança histórica na organização do evento, que tradicionalmente é realizado de setembro a dezembro. A mostra se estenderá por quatro semanas adicionais, sendo apresentada gratuitamente ao público entre setembro de 2025 e janeiro de 2026.

A artista canadense, que possui uma relação especial com o nosso país, iniciou sua carreira no início de 2014 com os singles "Catch" e "Prime" e, na última década, consolidou-se como uma das artistas, produtoras e compositoras mais intensas, perspicazes e inovadoras da música, tendo colaborado e composto sucessos com nomes como Troye Sivan, Mitski, BTS e muitos outros. Agora, com o seu último lançamento, "Girl With No Face", Allie X continua a demonstrar uma paleta visual e sonora ousada e marcante, além de um domínio de estilo que parece anos-luz à frente de seus concorrentes. Seu show em São Paulo em 2026, onde irá apresentar o disco pela primeira vez (junto de todos os seus sucessos), marca um reencontro muito aguardado pelos seus fãs após longos 7 anos.

A galeria é um espaço de estudo e formação resultante de uma parceria entre a Terra Foundation for American Art e o MAC USP, para que um conjunto da coleção da fundação viesse a São Paulo. São 36 obras selecionadas em diálogo com a pesquisa e as disciplinas de graduação e pós-graduação do MAC USP e sua atuação no Programa Interunidades em Estética e História da Arte (PGEHA USP), a linha de pesquisa em História da Arte e da Cultura do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas da Unicamp, e o Departamento de História da Arte da Unifesp. Além disso, nos próximos dois anos, elas também permitirão criar pontes de interpretação com obras do acervo do MAC USP.A Terra Collection for American Art é uma associação sem fins lucrativos, com sede em Chicago, nos Estados Unidos que, desde os anos 1980, coleciona obras de arte do país e fomenta a pesquisa sobre sua arte. Através de seu Programa Collection- in-Residence, o MAC USP se insere em uma rede de 12 museus universitários internacionais de arte em uma visada crítica sobre a história da arte dos Estados Unidos e suas possíveis articulações com outros países. No caso do Brasil e da proposta feita pelo MAC USP, a seleção de obras partiu das questões já colocadas em outras parcerias da instituição estadunidense com o país.

Exposição panorâmica da obra de Flávio Império. A mostra reúne quase 300 obras, abrangendo a produção do artista entre os anos 1960 e 1985, e tem curadoria assinada por Yuri Quevedo, curador do museu e pesquisador da obra de Flávio Império (1935–1985) há 16 anos. Flávio Império foi um artista brasileiro em que a atuação transdisciplinar marcou profundamente a cena cultural do Brasil nas décadas de 1960 e 1970. Sua importância se dá não apenas pela multiplicidade de linguagens que dominava (como pintura, arquitetura, cenografia, teatro, design gráfico e do ativismo político), mas também pela maneira como ele as articulava em uma prática artística crítica, engajada e transformadora. Império trabalhou com uma diversidade de materiais, produzindo serigrafias, pinturas, colagens, fotografia e documentários em super-8. A exposição propõe ao público uma imersão em diferentes momentos e manifestações da produção do artista, ressaltando a coerência e a liberdade que orientam sua prática tão diversa. Entre os destaques estão o projeto de figurino "fogo”, desenvolvido especialmente para a cantora Maria Bethânia para a peça Rosa do Ventos (1971), além dos estudos para capa do disco Doces Bárbaros (1976), que poderão ser vistos na segunda sala da mostra. Uma maquete descreve o projeto que o artista fez para o show Pássaro da Manhã (1977) de Maria Bethânia. Em um momento em que a ditadura militar começa a enfraquecer e surgem os movimentos de abertura, Império concebe um cenário em que a cantora surge de uma noite escura no fundo e vai gradualmente se aproximando da plateia ladeada por tecidos que representam a alvorada. No show Bethânia canta lembrando os amigos que foram exilados.

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