“Remembering Amy” é uma experiência imersiva que pretende, com os maiores hits da artista, resgatar e contar os motivos que faziam Amy ser Amy. Aqui, a vocalista Fernanda Lira não só brinda a carreira de cantora britânica, como também conta curiosidades sobre suas influências, seu amor pela música, sua carreira, sua turbulenta relação com a fama e seus vícios, sobre sua pessoa apaixonada e apaixonante. “Remembering Amy” é uma homenagem e uma celebração da vida e do legado de Amy Jade Winehouse.

A Casa Natura Musical recebe dois lançamentos intensos e dançantes: os álbuns de LEOA e AQNO. Um encontro que celebra a diversidade da música brasileira em suas múltiplas formas — do Norte ao Nordeste, do brega ao reggaeton, do technomelody ao afrobeats. LEOA (Luísa Nascim), cantora e compositora potiguar, marcou sua trajetória à frente da banda Luísa e os Alquimistas, e agora inicia um novo capítulo com o álbum solo homônimo. Em “LEOA”, ela funde ritmos afrodiaspóricos do Nordeste com referências do Caribe e da América Latina, além de elementos do rap, reggaeton, afrobeats e música eletrônica.AQNO é cantor, compositor e produtor musical de Marabá, no sudeste do Pará. Sua pesquisa mergulha nas musicalidades latino-amazônicas, como cumbia, lambada, brega e tecnomelody e combina essas referências com a cultura pop global, criando uma sonoridade única, potente e colorida.

Um jovem surfista australiano, no auge dos seus 18 anos, munido de um violão e uma paixão inabalável pela escrita, e que, de repente, se transforma em um fenômeno global da música indie-folk. Foi desta maneira despretensiosa que Ziggy Alberts começou a trajetória em 2012 e, hoje, aos 30 anos, acumula 16 certificações de platina pela ARIA (Associação da Indústria de Gravação da Austrália), além de um bilhão de streams nas plataformas digitais. Após a primeira apresentação no Brasil, em setembro de 2023, no Floripa Eco Festival, o cantor volta ao país com a New Love Tour, turnê homônima ao seu sétimo álbum de estúdio, New Love (2025).

Ané das Pedras é uma obra performativa em que a artista indígena Barbara Matias Kariri caminha na cidade com uma “cuia” com pedras e entrega pedra as pessoas, convida-as a pensar em seus sonhos e para que confiem nas pedras. Caminham em procissão sonorizado pela maracá para debaixo de uma arvore e nesse lugar – Barbara cava um buraco e convida as pessoas não a enterrar as pedras, mas, plantar. Plantamos as ancestrais pedras que levam o desejo de cada pessoa que se conectou, por isso “Ané” da língua Kariri, Sonho. E a pedra a nossa ancestral mais antiga sabe o que é ser resistência e fazer a força para que aconteça.

Aruá é um molusco que vive no rio Amazonas. Sua vida seguia bem tranquila até que a passagem da pororoca tira tudo do lugar! O fundo do rio virou uma bagunça e o pior: a sua concha desapareceu.Quando finalmente encontra sua concha, descobre que um outro molusco, menor e mais jovem, tomou posse de seu refúgio e agora vive dentro dele. E agora?No final da narrativa os pequenos espectadores são convidados a entrar no espaço cênico para interagir com atrizes e adereços.

Raul Misturada apresenta “pangaré” oitavo álbum de sua carreira.Suas pesquisas sonoras ganham peso com uma formação singular de voz e violão barítono (Raul Misturada), Vocal bass (Lenna Bahule) , Bateria (Vitor Cabral), Bateria (Jota Erre), Vibrafone (Fred Selva).O repertório do show inclui parcerias com artistas como Zeca Baleiro, Vitor Ramil, Dulce Quental, Paulo Monarco, Dandara, César Lacerda, entre outros.

O rico patrimônio cultural e natural da Amazônia colombiana é expresso nas trajetórias artísticas entrelaçadas de Abel Rodríguez (1941-2025), em sua primeira exposição póstuma, e seu filho Aycoobo (1967), que apresentam suas obras na Luisa Strina. A mostra traz a visão única de ambos os artistas sobre o mundo natural e espiritual em uma série de pinturas sobre papel e desenhos que traduz as complexas relações entre cultura, ecologia e sabedoria tradicional. A arte de Abel Rodríguez e Aycoobo é um tributo à herança dos povos indígenas da Amazônia e um testemunho da importância de preservar tanto a biodiversidade quanto o conhecimento tradicional.

Segredo no rádio é a primeira exposição de Ana Prata na Luisa Strina. A mostra apresenta um conjunto de obras inéditas, produzido no último ano, que parte de uma prática experimental, utilizando-se da natureza-morta para investigar a materialidade na pintura. Em sua produção recente, Ana Prata tem trabalhado um dos gêneros da pintura, a natureza-morta. Na abordagem da artista, os objetos inanimados—toalhas de mesa, vasos e garrafas, frutas, flores, instrumentos musicais—surgem em formas reconhecíveis, porém deliberadamente canhestras, dotadas de um certo humor, oscilando entre o figurativo e o abstrato. Suas referências vão do modernismo à decoração de utensílios domésticos. Este gênero típico da história da arte se torna meio para a artista pensar especificidades físicas e concretas da pintura. Nos dias de hoje os aspectos táteis da pintura são uma resistência em relação à circulação online. Seu interesse se direciona mais em investigar o "como"—materialidade, escalas e temperamentos—do que o tema em si.

No show Todo Cuidado é Pouco, Ventura Profana apresenta seu novo trabalho por meio de um repertório que costura as canções inéditas com sucessos de seu primeiro EP, Traquejos Pentecostais para Matar o Senhor, revisitados com outros arranjos. Sob a direção musical e regência de Jordi Amorim, Ventura sobe ao palco acompanhada por sua banda e conduz o público por um percurso sonoro onde fé, afeto e liberdade se entrelaçam.

A galeria apresenta a exposição individual do artista Michel Zózimo que reúne um conjunto inédito de obras desenvolvidas ao longo dos últimos dois anos. É a primeira vez que o artista expõe uma pintura de grande formato, dando continuidade ao rigor persistente que atravessa sua pesquisa e produção — uma obra porosa ao tempo, à textura e à natureza.Zózimo apresenta trabalhos em múltiplos suportes — colagens, desenhos, pinturas, cerâmicas, bordados, bronze e madeira —, todos marcados pela mesma lógica formal e rítmica. A diversidade dos meios não compromete a unidade do conjunto, pelo contrário: a reforça. Os bordados, feitos em parceria com a artista Fernanda Gassen, são como pinturas feitas com agulha, em que a técnica se reinventa conforme as exigências da imagem. As cerâmicas, iniciadas há mais de uma década, trazem o peso do tempo maturado entre modelagem, padrão e matéria.

A exposição marca a primeira apresentação do programa PM8/Francisco Salas em São Paulo. Com esta exposição, a galeria espanhola busca expandir o seu programa para além de seu espaço, apresentando uma mostra coletiva concebida para o público de São Paulo. A exposição inclui umaseleção significativa de artistas do portfólio da PM8/Francisco Salas —alguns dos quais estão exibindo pela primeira vez no Brasil: Loreto Martínez Troncoso (Vigo, Espanha, 1978), Elena Narbutaitė (Vilnius, Lituânia, 1984), Rosalind Nashashibi (Croydon, Reino Unido, 1973), Gabriel Pericàs (Mallorca, Espanha, 1988), Algirdas Šeškus (Vilnius, Lituânia, 1945) e Gintautas Trimakas (Vilnius, Lituânia, 1958).

A exposição de J. Borges (1935-2024) revela a série completa, com 16 matrizes e tiragem limitada de 30 edições de cada, que foi encomendada com exclusividade pela Christal Galeria para a solo do artista. Em 2024, as xilogravuras foram adquiridas pelo Museu Reina Sofia, em Madri, na Espanha, para compor o acervo que carrega grandes nomes da arte.

A Desapê – Descoleção de Arte Livros de Arte apresenta a a individual de Nita Monteiro, realizada em parceria com a pernambucana CHRISTAL GALERIA.Curada por Ana Carla Soler, a exposição tem 13 obras inéditas, que datam de 2024-2025, onde a artista apresenta obras têxteis e desenhos que elaboram narrativas que reúnem aspectos da autoficção e reafirmam a memória. Algumas delas foram finalizadas durante sua residência artística da Oak Spring Garden Foundation, na Virgínia, nos EUA.

Raul Seixas, o Musical mergulha na essência de um dos artistas mais autênticos da nossa música. A peça se desenrola durante uma noite insone, onde Raul revisita sua história, compõe, reflete sobre sua arte e questiona os rumos do Brasil. Com um tom confessional e emocionalmente intenso, o espetáculo nos conduz pelos bastidores da mente inquieta do artista, revelando seus pensamentos sobre a liberdade, a arte e a sociedade.Ao longo da apresentação, 21 canções ganham vida no palco, incluindo clássicos como Eu Nasci Há Dez Mil Anos Atrás, Maluco Beleza, Tente Outra Vez e Gita.

Um grupo que celebra a rica tradição musical cubana com releituras de clássicos e obras-primas do cancioneiro cubano. Com uma sonoridade autêntica e vibrante, o quarteto recria a atmosfera dos concertos cubanos das décadas de 50 a 90, transportando o público para uma viagem musical pela ilha caribenha.

Ao longo de junho, o Coletivo Cafuzas propõe um diálogo entre a mediação de leitura e o brincar. Nos encontros, mergulhando num rio que canta e conta, o público conhece histórias ligadas aos elementos da natureza, com brincadeiras e cantigas de roda que retratam o universo da água.

PAI, inspirado em uma história real, é um solo que acompanha a jornada de um homem confrontando os impactos duradouros dos abusos que sofreu nas mãos de suas figuras paternas. Em um espaço cru, impregnado de memória, ele revive episódios de violência, rituais, vergonha e silêncios — marcados por gestos de controle, crueldade e ternura fugidia. Ele busca clareza, encerramento e um sentido de identidade que vá além do passado que o assombra. À medida que o passado rompe a superfície do presente, PAI desafia o silêncio, entrelaçando emoção bruta com momentos de beleza e esperança.

Ser a ‘felizarda’ por conseguir a vaga de emprego. Trabalhar. Ter colegas de mesa. Mas para qual função? Para fazer o quê? Em um mundo cada vez mais voltado à produtividade sem descanso, o novo espetáculo dirigido por Beatriz Barros, com idealização das atrizes Bella Camero e Louise D’Tuani, foi escrito por Cecilia Ripoll e reflete sobre tais impactos na vida em sociedade. Sinopse: Felizarda é contratada por uma empresa, mas não sabe exatamente para quê. Enquanto tenta entender qual é sua função, vê-se cercada por neuroses e angústias típicas de um mundo hiperprodutivo, onde a comunicação falha e o trabalho invade todas as esferas da vida. A partir de situações absurdas e cotidianas, o espetáculo traça um retrato tragicômico da alienação contemporânea.

Com um foco na pluralidade da música brasileira, o festival apresenta um final de semana de MPB, samba, pop e rap, entre outros ritmos, no Parque do Ibirapuera. Em 2025, o TURÁ vai receber Seu Jorge, Gloria Groove, Gabriel O Pensador, Pretinho da Serrinha com convidados, as bandas de pagode atemporais Só Pra Contrariar e Raça Negra, Samuel Rosa, Lenine e Spok Orquestra, Saulo e Luiz Caldas e o Bonde do Tigrão. Nos intervalos, DJs entram em cena para animar o público.

Violette Toussaint é uma mulher comum, zeladora de um cemitério numa pequena vila da Borgonha. Seu dia-a-dia é preenchido pelo cuidado com as plantas e animais que lá habitam, e pelas confidências comoventes, trágicas ou até cômicas dos visitantes do cemitério, que divide com o público, assim como suas memórias pessoais . Apesar da infância conturbada, de um marido desaparecido e de vários reveses, encontra conforto entre os rituais e as flores do cemitério. Acredita de forma obstinada na felicidade.

A peça acompanha a jornada de Dorothy, uma jovem do interior do Kansas que é levada por um ciclone para a fantástica terra de Oz, um lugar onde tudo é possível. Na tentativa de voltar para casa, ela segue pela estrada de tijolos amarelos e encontra três novos amigos: um Espantalho em busca de um cérebro, um Homem de Lata que sonha ter um coração e um Leão que gostaria de ser corajoso. Juntos, eles embarcam em uma aventura rumo à Cidade das Esmeraldas, onde esperam encontrar o misterioso Mágico de Oz.

Sucesso estrondoso no YouTube, Bento, Totó e sua turma se apresentam agora no teatro. O show conta com música, brincadeiras e interação com o público. Sucessos como Funk do Patinho e Patinho Colorido são garantidos.

As tragicômicas histórias dos mais de 30 anos de dependência do álcool contadas pela jornalista Barbara Gancia na autobiografia “A Saideira: Uma dose de esperança depois de anos lutando contra a dependência” ganharam os palcos no solo Bárbara, que rendeu à Marisa Orth o prêmio Bibi Ferreira de Melhor Atriz em 2024. E para comemorar o recente relançamento do livro em edição ampliada pela Matrix Editora, o espetáculo ganha uma nova temporada no Teatro Bravos.Bárbara, que tem texto de Michelle Ferreira e direção e Em sua celebrada autobiografia, Barbara Gancia expõe de peito aberto um tema de sua vida, que é tabu até hoje para muitos: a luta contra o alcoolismo. E a montagem ainda traz reflexões de Marisa em um texto emocionante e cheio de pitadas cômicas.

Em Disparate, mostra apresentada no Gabinete, Helena Martins-Costa (Porto Alegre, RS, 1969) manipula fotografias de arquivo e frames de vídeo, decapitando figuras, criando novas anatomias e utilizando o preto e branco para conferir um novo significado a imagens do passado. As figuras quadrúpedes, que a própria artista define como "monstros", remetem aos horrores grotescos de Goya – mestre da luz e das trevas, nas palavras de Charles Baudelaire – borrando a linha entre real e fantástico. A opção pelo preto e branco “injeta efeitos perturbadores, põe em xeque os automatismos da visão, modifica a estrutura das imagens, além de reduzi-las à gama cromática original da fotografia", comenta Annateresa Fabris, que assina o texto de apresentação.

A individual de Fábio Menino traz pinturas que desafiam a representação convencional de objetos cotidianos. Estes últimos, frequentemente ferramentas de trabalho, ganham uma nova dignidade, revelando relações sociais e uma visão humanizada do mundo industrializado. A combinação de óleo e cera de abelha confere às telas um caráter rústico, em contraste com a estética contemporânea predominante.

A exposição coletiva O fiar – pontos, nós, corte, com curadoria de Claudio Cretti e texto de Diego Mauro, celebra a diversidade das artes têxteis por meio do trabalho de cinco artistas: João Modé, Soffia Lotti, Daniel Albuquerque, Marina Weffort e Madalena Santos Reinbolt. Utilizando bordado, tricô e costura, as obras exploram a interação entre o plano e o espaço, o controle e o acaso e o gesto como linha do tempo, onde cada ponto e nó são vestígios e instantes de criação, revelando a materialidade do tempo em tramas e texturas.

Uma grande cidade é um tecido de sonhos, frustrações, desejos, possibilidades, dúvidas, convívios e solidões. Milhões de solidões entrecruzadas. Sem dormir, sem parar. Mas e se decidirmos parar para ver? “Avenida Paulista, da Consolação ao Paraíso”, a peça inédita, é um retrato volante da inquietude da principal avenida de São Paulo, sua história, seu presente, suas ausências.

A história é de Cady Heron, uma adolescente que se muda para os Estados Unidos após viver na África com seus pais. Ela entra em uma nova escola e é acolhida por Janis e Damian, que a apresentam a uma nova estrutura social (high school). Por sugestão de Janis, Cady se envolve com o grupo popular de Karen, Gretchen e liderado por Regina George, mas logo percebe que elas são cruéis e manipuladoras. Cady então resolve fazê-las provarem do próprio veneno. O musical aborda temas como amizade, sororidade, aceitação e as pressões sociais enfrentadas pelos adolescentes de forma realista e muito engraçada.

O arquiteto Rino Levi foi protagonista no processo de modernização e verticalização da cidade de São Paulo. Entre o início de carreira em 1926 e sua morte em 1965, contribuiu para que a construção de programas contemporâneos – edifício de apartamentos e de escritórios, cinema, teatro, escola, banco, indústria, comércio e infraestrutura – ocorresse sob premissas modernas.Em seus vários módulos, a exposição apresenta a vida das obras, da concepção até a atualidade. Diversas edificações do arquiteto ainda marcam a paisagem paulistana: as sedes do Banco Sul-Americano, do Banco Paulista do Comércio, do Instituto de Arquitetos do Brasil, da Ordem dos Advogados do Brasil, da Cia. Seguradora Brasileira e do Instituto Sedes Sapientiae. E obras restauradas – teatro Cultura Artística (edifício, por Paulo Bruna; painel de Di Cavalcanti, por Isabel Ruas), edifício Prudência (térreo e jardim, por Guilherme e André Paoliello) e Casa Castor Delgado Perez (convertida na Luciana Brito Galeria pelo Piratininga Arquitetos Associados).

Atualmente, mais de 110 milhões de pessoas no mundo, segundo dados oficiais, foram obrigadas a se deslocar por causa de guerras, violações de direitos humanos, condições climáticas e perseguições de todo tipo (políticas, religiosas, étnicas, por orientação sexual). Elas estão sujeitas a violências anti-imigração, como estupro, discriminação, humilhação. Muitas perderam suas vidas. A experiência do exílio também pode ser vivida dentro do próprio país, como no caso das ditaduras e nos processos de desumanização. eXílio é um trabalho teatral, proposto pelo Coletivo Comum, que parte desta atualidade brutal, mas também da perspectiva de que as fronteiras são criações históricas e que, portanto, podem ser alteradas e suprimidas.

A retrospectiva de Andy Warhol que desembarca em São Paulo é a maior mostra dedicada ao artista já realizada fora dos Estados Unidos. Com curadoria de Priscyla Gomes e Amber Morgan, a mostra contará com mais de 600 obras, vindas do The Andy Warhol Museum (Pittsburgh/EUA), as quais estarão distribuídas em 2000 metros quadrados degalerias. Na extensa lista estão trabalhos icônicos do pintor, alguns dos quais sairão das paredes do museu pela primeira vez: Campbell´s Soup, Elvis, Mao, Marilyn, Michael Jackson e Pelé, são bons exemplos. Em “Andy Warhol: Pop Art!”, o público brasileiro terá acesso a pinturas de todas as fases da carreira, serigrafias, esculturas, fotografias, instalações de grande porte e filmes experimentais do artista. Grande expoente da Pop Art, movimento artístico caracterizado por se utilizar de elementos da cultura popular, Andy Warhol é considerado um dos artistas mais importantes do século XX. Sua produção rompeu as barreiras entre a vida cotidiana e a arte, de maneira irônica e criativa, numa explosão de linguagem visual queconquistou o mundo e reverbera até hoje.

A Dan Galeria apresenta uma mostra coletiva, com curadoria de Maria Alice Milliet, que explora as expressões geométricas da arte brasileira do século XX. São exibidas obras de artistas como Judith Lauand—recentemente celebrada no MoMA, Dionísio del Santo, Hércules Barsotti, que, com suas cores potentes, demonstram que a geometria não é fria, mas carregada de lirismo e intensidade poética.Obras emblemáticas de Max Bill, Rubem Valentim, Alfredo Volpi, Franz Weissmann, Geraldo de Barros, Ivan Serpa e Sérgio Camargo aparecem lado a lado de peças raras como o "Bicho" e a "Superfície modulada" de Lygia Clark, sugerindo que a abstração geométrica sempre caminhou em direção a uma profunda humanização da forma.Destaca-se ainda a inclusão de obras raramente exibidas, tais como o surpreendente relógio de Lothar Charoux, notável pela originalidade do design e do artista e a pintura sobre madeira do cubano Sandu Darie, que ampliam o diálogo da arte geométrica para o contexto latino-americano, demonstrando a relevância continental desse movimento.

O baterista, compositor e produtor Tuto Ferraz em uma noite especial com seu quarteto, em um espetáculo que funde jazz contemporâneo e música brasileira com forte identidade autoral. O repertório traz composições próprias marcadas por grooves sofisticados, além de releituras inspiradas de grandes nomes como Wayne Shorter, Dori Caymmi, Dexter Gordon e Milton Nascimento.

Com um simples objeto, como uma caixa de papelão, os pequenos podem criar e imaginar um castelo, um foguete, um carro ou até mesmo um esconderijo secreto.

A WG Galeria abre a coletiva Natureza Vivida. A mostra conta com obras da artista representada pela galeria Renata Laguardia (MG) e dos artistas convidados Giulia Bianchi (SP) e Arthur Arnold (RJ). A mostra tem a curadoria da pesquisadora Sylvia Monasterios.Natureza Vivida tem como premissa o encontro de três artistas nascidos em estados brasileiros distintos, com pesquisas concentradas na pintura, e que praticam a partir de técnicas diferentes a pesquisa pictórica obstinada. Provavelmente por isso, alguns elementos encontram sinergia em suas criações: o uso de cores fortes e saturadas e os gestos marcantes. A multiplicidade da arte, com seu vasto universo de possibilidades, muitas vezes direciona para caminhos que expressam sentimentos simbióticos, como se pode ver nesta exposição. Ao todo, o público poderá conferir 30 pinturas inéditas, de estilos figurativos e abstratos e temáticas ligadas à natureza, o cultivo do alimento e os costumes no ato de alimentar.

A mostra revisita a trajetória do artista Vicente Paulo do Rego Monteiro com ênfase em sua produção escrita. Resultado de uma pesquisa desenvolvida ao longo de anos, o curador e artista Paulo Bruscky apresenta pela primeira vez ao público brasileiro os poemas visuais de Rego Monteiro — exibidos no Centre Georges Pompidou, em 2017, em Paris — junto a uma rica documentação que percorre sua vida e obra, incluindo pinturas, desenhos, cartas, poemas, fotografias, gravações e caligramas.Agora, quase uma década depois, a exposição é retomada sob um novo olhar, incorporando obras inéditas, documentos adicionais e uma abordagem ainda mais ampla da pesquisa de Bruscky, outro artista múltiplo e seu conterrâneo. O resultado é um panorama enriquecido da trajetória de Rego Monteiro, revelando a complexidade e a modernidade de sua produção artística.Há pinturas das décadas de 1920 e 1930, livros, cartazes, discos, baralhos e um compêndio dos caligramas que antecedem os concretistas brasileiros. Vicente, o poeta que ganhou o Prêmio Apollinaire, editava em Paris e imprimia em Recife — numa troca oblíqua e luminosa entre mundos.

Nome de sucesso do universo sertanejo, a dupla Henrique e Juliano volta a São Paulo para três noites de apresentações no palco do Allianz Parque, com um repertório marcado pelos seus grandes sucessos.

“Lady Tempestade”, monólogo com Andrea Beltrão, que fez duas temporadas de sucesso de público e crítica no Rio, com seis indicações ao Prêmio APTR (atriz protagonista, direção, dramaturgia, espetáculo, produção não-musical e jovem talento) chega a São Paulo.Passado, presente e futuro se embaralham em “Lady Tempestade”, espetáculo cuja dramaturgia parte dos diários da advogada pernambucana Mércia Albuquerque (1934-2003) para refletir sobre violências e injustiças no presente e no futuro, por meio dos relatos sobre sua atuação em defesa de centenas de presos/as políticos/as do Nordeste, principalmente entre 1973 e 1974, um dos períodos mais pesados da ditadura brasileira.Na trama escrita por Sílvia Gomez e dirigida por Yara de Novaes, Andrea Beltrão interpreta A., mulher que recebe os diários de Mércia e fica impactada com o testemunho pela busca de justiça ou, ao menos, o paradeiro de desaparecidos, a partir das súplicas de mães desesperadas — repletas de violência e coragem.

O Itaú Cultural apresenta a primeira retrospectiva do artista brasileiro Carlos Zilio. Com caráter cronológico, a mostra acompanha a sua produção de 1966 a 2022 definida por cada fase de sua vida. A exposição passa pelas diferentes etapas da obra do artista – entre técnicas, linguagens e suportes variados – e acompanha o desenvolvimento do trabalho iniciado com uma produção politizada, durante a ditadura militar, passando por trabalhos abstratos e de experimentação em uma reflexão sobre a identidade nacional e o modernismo brasileiro, até chegar ao vazio e à ausência. A mostra exibe também cadernos de trabalho de Zilio, nunca expostos. A exposição conta com curadoria de Paulo Miyada.

Pensando nas muitas possibilidades de encontros que a música brasileira e internacional nos permite, a Casa Natura Musical criou o projeto Frequências, um show duplo com artistas de diferentes cenas com a mesma sintonia.Criada em 2016, a banda de indie rock Daparte tem se consolidado no cenário independente brasileiro. Após o lançamento de seu terceiro álbum de inéditas, Baterias de Emergência (2024), o quinteto mineiro faz uma turnê nacional.Walfredo em Busca da Simbiose é um projeto de indie pop psicodélico que nasceu de produções caseiras em São Paulo, idealizado pelo compositor, produtor e guitarrista Lou Alves. Suas influências musicais vão de Pink Floyd a Connan Mockasin e de Jorge Ben Jor a Djavan, trazendo em suas canções temáticas como sonhos, traumas, fantasmas do passado, desabafos e luto

Castello Branco celebra 10 anos de carreira na Casa Natura Musical com um show repleto de afeto, poesia e memória.Desde que lançou "Serviço”, em 2013, Castello Branco vem desenhando com delicadeza um caminho único na música brasileira contemporânea. Com discos como “Sintoma”, "Sermão" e "Niska", ele reafirma, ano após ano, a potência de uma obra guiada por propósito, sensibilidade e entrega total à arte. Suas canções são espelhos da alma e da condição humana e, se tornaram abrigo para um público cada vez mais diverso e numeroso.

O cotidiano de escritórios num prédio empresarial de uma metrópole do Brasil, apresentado em três monólogos entrelaçados: um ascensorista imigrante do Nordeste, uma executiva ambiciosa e um porteiro que sonha em ser um policial. Em um jogo dinâmico de um só ator, a peça explora, acima de tudo, a alienação urbana das grandes cidades, e suas relações cada vez mais desumanas.

12° Round: A História de Emile Griffith” é um espetáculo que resgata a trajetória do primeiro pugilista a assumir-se bissexual na história do boxe. Negro, afro-caribenho, Emile Griffith foi cinco vezes campeão mundial em três categorias de peso diferentes. Sua vida foi transformada após o combate com Kid Paret, que foi nocauteado e faleceu, numa luta televisionada para todos os EUA em 1962. “12° Round” narra a trajetória de um dos maiores boxeadores da história e revisita sua luta dentro e fora dos ringues.

As complexas relações humanas, a tolerância e o etarismo são grandes temas de A Mulher da Van, do autor inglês Alan Bennett. O texto já foi adaptado ao cinema e agora ganha uma montagem brasileira dirigida por Ricardo Grasson e estrelada pela multifacetada Nathalia Timberg, que completa 96 anos neste ano.A peça conta a história real de Mary Shepherd, uma senhora inglesa acumuladora que, na década de 1970, morava dentro de uma van no subúrbio de Londres. Com um passado misterioso e problemático de tempos em tempos, ela estaciona na frente das residências.Inicialmente relutante em interagir com a Mulher da Van, Alan gradualmente desenvolve uma relação de amizade e compreensão com ela. Ao longo da história, Alan tenta conciliar sua própria vida pessoal e profissional com a presença de Shepherd na rua, ele se torna cada vez mais envolvido em sua vida, oferecendo-lhe assistência prática e apoio emocional. A relação entre os dois personagens principais é marcada por humor, compaixão e reflexões sobre solidão, humanidade, envelhecimento e os desafios da convivência.

Dopamine land propõe uma instalação multissensorial e imersiva, com espaços que mesclam diversão, tecnologia, cores e interatividade.

A ocupação homenageia a arte-educadora Ana Mae Barbosa. No total, a exposição se desdobra em 300 itens que passam pela sua biografia, que a levou a se tornar precursora da arte-educação no Brasil – a partir dos anos de 1950/1960, seguindo até hoje. Há documentação, materiais audiovisuais, livros disponibilizados para manuseio – só os publicados por ela, são mais de 30 –, obras, documentos nunca vistos, desenhos, catálogos, jornais, cadernos e curiosidades.A curadoria desta Ocupação, que é a 68a da série, é de Clarissa Diniz, pesquisadora, educadora e crítica de arte. A co-curadoria é da equipe Itaú Cultural e o apoio para a pesquisa curatorial é do também arte-educador Rodrigo Ferreira. O projeto expográfico é de Thereza Faria.Entre o material apresentado há documentos históricos, como a transcrição de palestra feita pelo educador Paulo Freire (1921-1997), a convite de Ana Mae, durante a Semana de Arte e Ensino na Universidade de São Paulo (USP), em 1980. Ele ficou perdido por décadas, tendo sido encontrado durante as pesquisas para esta exposição.

Exposição individual da artista Sallisa Rosa, artista que trabalha com o barro como matéria prima de suas esculturas. A mostra nos convida a sentir a terra como memória tátil, como corpo. Acionando temas como ancestralidade e território, podemos nos perguntar: quais são as intervenções que os corpos humanos têm feito com o corpo-Terra?

Vencedor do Concurso Internacional Clara Haskil, CRISTIAN BUDU recebeu prêmios como Instrumentista do Ano (APCA), Melhor Concerto do Ano (Guia da Folha) e entrou em duas listas Top 10 da Gramophone, que incluem nomes como Martha Argerich, Arthur Rubinstein, Dinu Lipatti, Murray Perahia e Maria João Pires. Ainda na Gramophone, é o único brasileiro, além de Nelson Freire, a figurar na lista Top 50 Greatest Recordings, um compilado de gravações de Chopin de toda a história. Já tocou recitais solo em grandes festivais europeus como Verbier e La Roque D'Antheron e foi solista de orquestras como a Sinfônica de Lucerna, Orquestra Suisse Romande, Orquestra de Câmara de Lausanne e Sinfônica da Rádio de Stuttgart.

Dez anos depois da estreia do sucesso Rita Lee Mora ao Lado, a atriz Mel Lisboa volta a interpretar a roqueira-mor em um musical inédito, desta vez inspirado na autobiografia da cantora. A peça passa por toda a vida de Rita e pelas canções que marcaram a música brasileira.

A galeria apresenta uma exposição coletiva com 16 artistas de diferentes nacionalidades, que se estrutura ao redor do conceito de circularidade. As obras, em sua maioria inéditas, selecionadas pela artista, fotógrafa e curadora Renata Siqueira Bueno criam uma dança sutil e atemporal, conduzida pela memória, pela emoção e pelas associações espontâneas entre materiais e poéticas. O protagonismo, em termos de suporte, recai sobre o papel — seja em fotografia, colagem, gravura, monotipia ou desenho — como superfície sensível e plural, que acolhe gestos diversos e revela afinidades inesperadas. Artistas participantes: Caio Pacela, Feco Hamburger, Kika Levy, Alex Červený, Anônimo, Athos Bulcão, Bárbara Paz, João Zocchio, Julio Villani, Leda Catunda, Lourdes Castro, Luciana Maia Rosa, Marina Sheetikoff, Paola Junqueira, Peter Handke e Renata Siqueira Bueno.

Em sua sede localizada na Vila Modernista, a Superfície apresenta a individual de Gerty Saruê. Com 14 desenhos em bastão oleoso, a mostra resgata o texto da professora e historiadora da arte Maria Izabel Branco Ribeiro escrito em 1993, na ocasião da exposição da artista no MAC USP, que trazia uma parte do conjunto de desenhos.Gerty Saruê nasceu na cidade de Viena, Áustria, em 1930, e se mudou para São Paulo na década de 1950, onde acompanhou o crescimento desenfreado da metrópole. Desde o início de sua produção, nos anos 1960, o contexto urbano, a cultura de massa e a sociedade industrial assumem papel fundamental e estruturante no seu fazer artístico.A obra de Gerty Saruê acompanha, ao longo dos anos, uma linha historiográfica dos meios de reprodução da imagem: tanto a técnica quanto as temáticas de seu trabalho refletem o pensamento gráfico e as possibilidades tecnológicas de diferentes épocas, em compasso com os progressos da atividade industrial .

A banda de reggae Natiruts faz sua tour de despedida “Leve com Você” por todo Brasil.

Joyce Alane é um dos destaques da nova cena da musica brasileira. A artista recifense tem entre seus sucessos “Idiota Raiz (Deixa ir)”, que ganhou feat com João Gomes, e “Apartamento 204”. Indicada a prêmios de destaque, como o Prêmio Multishow 2023, onde representou o nordeste na categoria Brasil, a artista colhe os frutos da projeção para um rico mercado nacional.

“Turbilhão” intitula a individual do artista Solly Kamkhagi na MITS Galeria. Artista de origem judaico-libanesa, Solly tem uma trajetória que atravessa mais de seis décadasde prática em desenho, pintura e escultura. Para a mostra, ele apresenta 10 telas, sendo nove inéditas.Radicado no Brasil desde 1968, o artista desenvolveu uma linguagem profundamente marcada pelo rigor técnico de sua formação clássica, que foi aprimorada por sua vivência no Brasil.A mostra, que tem curadoria de Khadyg Fares, é um novo capítulo na vida do artista que, sem amarras ou vícios, apresenta frescor aos 85 anos em obras comprometidas com a liberdade pictórica.

O multiartista Tadeu Jungle apresenta a mostra “TUDO PODE (perder-se)” no Centro Cultural Fiesp - Espaço de Exposições, nos Jardins, em São Paulo. Curada por Daniel Rangel, é a primeira exposição retrospectiva e prospectiva do multiartista - que completa 45 anos de produção, que é um herdeiro da poesia concreta e um dos precursores da videoarte no País. O espaço será ocupado por obras que se dividem em poética verbivocovisual, incluindo peças originais dos anos 80 e trabalhos, especialmente concebidos para a exposição. São instalações de suportes e técnicas variadas, relacionadas ao universo das artes visuais e da comunicação de massa e ainda uma série de vídeos, relacionada com sua produção de videoarte.

A companhia do Teatro Oficina apresenta uma montagem de Os Sete Gatinhos, texto clássico de Nelson Rodrigues. A peça se passa em um ambiente tenso, onde os membros da família revelam suas verdadeiras faces.Nelson Rodrigues sintoniza a hipocrisia das relações no núcleo colonial originário: A Família, Instituição patriarcal secular herdada de geração em geração, e nos convida a olhar pras suas entranhas.O teatro se transforma em um cenário de traições e revelações terríveis que culminam em um crime brutal.

A galeria Simões de Assis apresenta uma individual do artista Manfredo de Souzanetto. A mostra reúne 16 obras produzidas entre os anos 1970 e 2025, além de uma instalação de piso e uma vitrine com estudos e pigmentos naturais utilizados pelo artista.A seleção inclui trabalhos centrais das décadas de 1970 e 1980, ao lado de obras realizadas a partir dos anos 2000 e dois trabalhos de 2025. Estão presentes pinturas que articulam formas orgânicas e geométricas em composições que misturam referências à arquitetura e à paisagem.Parte dos trabalhos apresentados tensiona os limites entre pintura e escultura.Desde os anos 1980, Souzanetto emprega pigmentos naturais misturados à resina acrílica. O material é extraído de regiões de Minas Gerais, muitas vezes em minas abandonadas, onde o solo é rico em minerais como óxidos de ferro e alumínio. Além disso, o artista incorpora madeira, pedra e metal em sua produção.

A galeria apresenta TERRA, uma curadoria de Moacir dos Anjos e Priscyla Gomes acerca de artistas e obras que têm a terra como suporte moldável ou que a exploram em suas dimensões poéticas e políticas. Com mais de setenta obras – entre pinturas, cerâmicas, fotografias, esculturas, vídeo e instalação – TERRA ainda inclui um núcleo documental composto por publicações históricas disponíveis para leitura. Voltados principalmente à questão indígena no Brasil, estes documentos são compostos por duas reportagens fotográficas de Claudia Andujar publicadas em edições da revista Realidade, que circulou em território nacional entre 1966 e 1976; a célebre série “Os donos da terra”, do fotógrafo francês Jean Manzon, publicada em 1947 na revista O Cruzeiro; o fotolivro Amazônia (1978), de Claudia Andujar e George Love; e o emblemático livro Xingu: território tribal (1979), com fotografias de Maureen Bisilliat e textos de Orlando Villas-Bôas e Cláudio Villas-Bôas sobre as comunidades indígenas do Xingu.

O Festivalzinho, primeiro festival brasileiro concebido para unir pais e filhos em um mesmo ambiente, com programação para todas as idades, realiza sua segunda edição em 26 de julho, mês das férias escolares.O evento contará novamente com dois palcos e apresentações intercaladas, possibilitando que as famílias vivam juntas cada experiência. O line up será formado por: Nando Reis, Toni Garrido, Roberta Sá, Maria Gadú, Mãeana, Mundo Bita, Trupe Trupé, Show da Luna, Era uma vez MPB e Beatles para crianças.

O Instituto de Arte Contemporânea-IAC apresenta a exposição "Modus Operandi” da artista Regina Silveira na Consolação, em São Paulo.A mostra - que tem curadoria Agnaldo Farias - professor da FAU-USP e crítico de arte, apresenta os processos criativos e desenvolvimento de algumas de suas obras de diferentes períodos, além de maquetes, desenhos preparatórios e mesmo documentários em vídeo. O conjunto ocupa duas salas expositivas e a área do café da instituição. Alguns dos trabalhos expostos no IAC já foram vistos no Brasll, mas outros foram obras site-specific, instaladas temporariamente em outros países como Bélgica, Estados Unidos, México, Chile e Japão.

A peça reconstrói a história viva de um dos grupos mais revolucionários do teatro brasileiro. Em tempos de censura e repressão, eles criaram liberdade com seus próprios corpos. Cinquenta anos depois, a verdadeira história dos Dzi Croquettes volta aos palcos com esse espetáculo que mergulha nos bastidores de um dos coletivos artísticos mais provocativos e inovadores do país. Fundado em 1972 por Wagner Ribeiro e Lennie Dale, o Dzi Croquettes não apenas desafiou o regime militar, mas também expandiu as fronteiras da arte brasileira, ao combinar teatro, dança e música em uma linguagem cênica que atravessou gerações. Mais do que relembrar um sucesso de público, o espetáculo revela a complexidade da vida em comunidade, a coragem diante da censura e o legado afetivo de uma geração que ousou sonhar e lutar.

Dan, um escritor, socorre Alice de um acidente que ela acabou de sofrer na rua e imediatamente ambos sentem uma forte atração. Nesta época, ele estava em início de carreira e escrevia obituários para um jornal, enquanto ela saiu de sua cidade para fugir de uma relação que não deu certo. Os anos passam e Dan finalmente escreve um livro, que relata sua relação com Alice. É produzindo uma foto para a capa que ele conhece Anna, uma fotógrafa de sucesso, e se impressiona com a beleza dela imediatamente, mas não é correspondido. Dan fica tão obcecado por Anna, que segue sua rotina e chega ao ponto de fingir ser ela num chat na internet e marca um encontro com um tal dermatologista, Larry. Ele escolhe o lugar preferido de Anna. Por coincidência do destino Anna e Larry acabam juntos. Entre encontros e desencontros, ciúmes e amor, os quatro personagens são tomados por desejos e anseios. Eles se conectam e as relações se revelam rodeadas por mentiras e traições sob o nome de paixão.

Exposição em homenagem ao centenário de Antônio Poteiro. Com curadoria de Marcus de Lontra Costa, a mostra reúne 53 obras, entre pinturas e esculturas, que abrangem diferentes fases da carreira de Antônio Poteiro (1925-2010).Antônio Poteiro já era um ceramista conhecido quando começou a pintar, incentivado por nomes como Siron Franco e Cléber Gouvêa. Seu trabalho logo se destacou pelo uso vibrante das cores, composições densas e temas ligados ao cotidiano brasileiro – com ênfase na religiosidade, nas festividades populares e na vida rural. Autodidata, o artista construiu uma obra autêntica e original.

A exposição coletiva investiga perspectivas de artistas de diferentes origens sobre a experiência da noite, com seus mistérios, personagens e ritos. Em cada um dos sete núcleos, a mostra percorre o assunto através de diferentes abordagens, desde um viés social, com reflexões sobre os impactos da modernização nas cidades no século 20, até uma narrativa mais fantástica e imaginativa.Em “Tecendo a manhã” a experiência da noite se apresenta como um problema artístico para refletir sobre vivências individuais, que aparecem, por exemplo, nas representações de sonhos e pesadelos, e coletivas, que dizem respeito a formação histórica e social do país. Atividades de lazer, surgimento de novas profissões, vivências na cidade figuram em obras emblemáticas, muitas delas expostas pela primeira vez.

Pensado para crianças de até 3 anos, o espetáculo Scaratuja conduz o público por um universo de linhas que se expandem em muitas direções.A peça com Aline Volpi e Vladimir Camargo faz uso da linguagem não verbal, explora a expressão do corpo para se comunicar com os bebês, criando assim interatividade durante a apresentação. Além estimular o crescimento cognitivo e expressivo das crianças.Férias em família

Na Sala de Vídeo do edifício Pina Luz, Bárbara Wagner e Benjamin de Burca apresentam a obra Estás vendo coisas (2016).Apresentado na 32ª Bienal de São Paulo, Estás Vendo Coisas / You Are Seeing Things investiga a paisagem social e profissional da música Brega no Recife. A indústria dos videoclipes atua como catalisadora de uma ideia de futuro marcada pelo desejo de sucesso, moldado pelas dinâmicas do capitalismo. O filme observa esse universo em que a autorregulação e a manipulação da imagem desempenham um papel central na construção da voz, do status e da identidade de uma nova geração de artistas populares.

Partindo de um repertório ligado à abstração geométrica e aos ativismos de gênero e sexualidade, Ad Minoliti propõe um novo modelo de educação artística, transformando a sala expositiva em um espaço de aprendizado teórico-prático.A oitava edição da Escola Feminista de Pintura foi pensada como um site-specific para a Galeria Praça, espaço que já foi uma sala de aula.Ao entrar na Grande Galeria, o público tem acesso ao manifesto da Escola Feminista de Pintura, em diálogo com um conjunto de obras abstratas do acervo da Pinacoteca, feitas por artistas mulheres que tiveram destaque no Brasil desde os anos 1950 até a atualidade. No espaço, estão obras de Lygia Pape, Judith Lauand, Maria Bonomi, Mira Schendel, Moussia Pinto Alves, Rebeca Carapiá e Tomie Ohtake.

A Botija, Um Pequeno Inventário de Histórias Fantásticas do Nordeste Brasileiro estreou em 2024, em formato de contação de histórias, e, ao longo do ano, foi apresentado em bibliotecas públicas da cidade de São Paulo, centros culturais e áreas de convivência de Sescs no estado. No Itaú Cultural, o projeto se apresenta pela primeira vez como espetáculo teatral, com cenografia, desenho de luz e dramaturgia inéditos. Dirigido pelos atores Jhoao Junnior e Maria Rosa, que entram em cena ao lado da musicista Elaine Silva, o espetáculo tem como inspiração a literatura oral da região e acompanha o encontro de três irmãos, que retornam da cidade grande para o quintal de sua avó, no sertão nordestino, em busca da botija de ouro sobre a qual ela sempre falava quando eles eram pequenos.

Giacomo Puccini e Richard Strauss foram os dois compositores de ópera mais influentes do final do século XIX e início do XX. Embora antagônicos em suas concepções dramatúrgicas e composicionais, Puccini e Strauss – que chegaram a se cruzar e apreciar o trabalho um do outro – representaram o auge das artes em seus países, a Itália e a Alemanha.Nesta ocasião especial, teremos uma estreia histórica no Theatro Municipal de São Paulo: pela primeira vez em nosso palco e na América Latina, será apresentada a ópera Friedenstag (Dia de Paz), de Richard Strauss. Ao lado dela, outra raridade: Le Villi (As Fadas), a primeira ópera de Puccini, formando um double bill exclusivo com duas óperas de um ato.Le Villi, com libreto de Ferdinando Fontana, é inspirada em lendas eslavas sobre espíritos vingativos de jovens traídas no amor. Estreada em 1884, carrega influências do estilo composicional de Amilcare Ponchielli, mestre de Puccini, trazendo uma atmosfera quase mística, distinta das obras seguintes do compositor. A trama é a mesma do famoso balé Giselle, de Adolphe Adam: uma jovem de coração partido transforma-se em uma criatura sobrenatural que se vinga de seu amante infiel, forçando-o a dançar até a morte. Embora não tenha sido bem-recebida no concurso para o qual foi composta, o concurso de Sonzogno, a ópera foi aclamada por críticos que viram em Puccini uma promessa para a ópera italiana.

Em latim, Circumambulatio quer dizer andar em torno de. Foi o título escolhido para dar nome ao trabalho desenvolvido por Anna Bella Geiger com um grupo de alunos do Setor de Integração Cultural do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, em 1972. Classificada como um ambiente ou instalação, Circumambulatio é o que se chama na história da arte de obra processual, ou seja, um trabalho vivo, resultado de uma ação que permanece em aberto, podendo sofrer modificações e acréscimos ao longo do tempo. A montagem apresentada aqui reúne as peças (diapositivos, sons, fotografias e papéis manuscritos) que compuseram a versão original da instalação mostrada pela primeira vez, em 1972, no MAM RJ. No ano seguinte, por iniciativa de Walter Zanini, então diretor do MAC USP, a obra foi exibida e comprada pela instituição. Essa é a primeira vez que o museu remonta a instalação, desde 1973.

O Teatro Oficina recebe Senhora dos Afogados, de Nelson Rodrigues, com direção de Monique Gardenberg. Escrita em 1947, é um mergulho denso no inconsciente familiar — uma tragédia brasileira em forma e espírito, marcada por paixões, mortes, desejos incestuosos e pela atmosfera fantasmagórica de uma sociedade à beira do colapso.Nesta encenação, o espaço cênico é atravessado por elementos audiovisuais, trilha original e ambientações sensoriais. Um coro de “putas do cais”, evoca Zé Celso, reforça o clima onírico e alucinatório da narrativa.Ambientada em uma casa à beira-mar, onde o oceano é mais que cenário — é extensão simbólica da psique familiar — a peça propõe um mergulho nos limites entre realidade e delírio, desejo e culpa. A casa, impregnada de sal, luto e memória, torna-se um organismo vivo: respira com as marés, ecoa as vozes silenciadas, e revela as camadas subterrâneas de uma família dilacerada.

"O Papel de Parede Amarelo e Eu" é uma adaptação contemporânea de uma obra pioneira de 1892, que até hoje ressoa profundamente ao confrontar as complexas relações de poder entre homens e mulheres. A história se desenrola através dos olhos de uma mulher diagnosticada com depressão e histeria, forçada por seu marido, um médico, a se isolar em uma casa para evitar qualquer esforço físico ou mental. Durante esse isolamento, ela desenvolve uma obsessão com o papel de parede amarelo de seu quarto, um símbolo de sua crescente confusão mental e angústia.A obra revela não apenas as tensões psicológicas da protagonista, mas também o contexto social que limita sua liberdade e identidade, desafiando as normas da época sobre o papel da mulher. Ao mesmo tempo, a peça expõe, com uma linguagem poética moderna e realista, a luta interna dessa mulher, refletindo sobre as questões de gênero e o poder nas relações maritais.A História mantém uma profunda atualidade ao refletir sobre os desafios enfrentados pelas mulheres e o avanço de suas lutas. Um espetáculo de forte simbolismo, que ilumina os dramas pessoais e o triunfo artístico sobre as adversidades.

Exposição individual da artista Marina Weffort, sua obra produz uma reconfiguração cinética da lógica construtiva e escultórica dos tecidos, transitando entre desenho e escultura em estruturas suaves, móveis, contornadas e geométricas. Ao desfiar os tecidos fio a fio, Marina apresenta as fibras soltas como relevos suaves e de fácil movimentação, em contraste com seus desenhos-pinturas-impressões de gesso e grafite sobre tela, também em exposição na galeria.

A Casa Seva, espaço dedicado à arte, cultura e sustentabilidade apresenta a exposição “Uma Transa AntárticAmazônica”, com obras do fotógrafo e cineasta Jorge Bodanzky e do historiador e fotógrafo João Paulo Barbosa. A mostra reúne 21 trabalhos que atravessam décadas de expedições e contemplações dos artistas em dois dos territórios mais emblemáticos do planeta: a Amazônia e a Antártica.Bodanzky e Barbosa propõem uma reflexão visual sobre a interligação de ecossistemas aparentemente distantes, mas que compartilham os impactos das ações humanas. A partir de recortes temporais e geográficos, os artistas apresentam uma narrativa que flerta com o apocalíptico e o poético, o documental e o existencial. A construção narrativa da exposição ficou a cargo do ambientalista e artista multimídia brasileiro de origem tcheca e indígena Thiago Cóstackz, ampliando o diálogo entre arte e ativismo ambiental.

A Luciana Brito Galeria apresenta a primeira exposição individual da artista Rochelle Costi na galeria desde seu falecimento, em 2022. Com curadoria da chilena Alexia Tala, a mostra traz a essência da poética da artista, resgatada por meio de mais de vinte obras, que se entrelaçam em uma narrativa seguindo o conceito desenvolvido pelo escritor francês Georges Perec, em Aproximações ao infraordinário: “O que acontecequando não acontece nada? Como falar dessas horas, desses dias em que nada acontece, em que se passa apenas o que acontece todos os dias — o habitual, o cotidiano, o evidente, o comum, o ordinário, o infraordinário, o de todos os dias?”

Coletiva com obras de Célia Euvaldo, Ester Grinspum, Geórgia Kyriakakis e Shirley Paes Leme, além Iole de Freitas e Elizabeth Jobim. Completam o grupo Frida Baranek,, e Maria-Carmen Perlingeiro.Com curadoria de Ana Carolina Ralston, a exposição propõe um salto temporal da produção dessas artistas nos anos 80 até suas criações mais recentes, refletindo sobre a continuidade e o amadurecimento de suas investigações.

A Galatea apresenta uma série inédita de pinturas do artista sergipano Antonio Maia (1928-2008). A exposição destaca o olhar singular de Maia sobre os 22 Arcanos Maiores do tarô, símbolo místico e esotérico que atravessa sua produção artística. A partir de uma experiência com o tarólogo Namur Gopalla em 1986, o artista aprofundou uma pesquisa intuitiva que já vinha construindo, integrando também referências à astrologia, cabala e alquimia.Natural do interior de Sergipe, Antonio Maia construiu uma obra marcada pelo diálogo entre a religiosidade popular nordestina e as linguagens visuais contemporâneas. Sua produção é reconhecida principalmente pelos ex-votos, tema que permeou seu trabalho por mais de 30 anos, mas nesta série, ele amplia sua abordagem, incorporando elementos do imaginário esotérico e místico, criando uma ponte entre o popular e o pop, como define o curador, que chama essa atmosfera de “surrealismo nordestino”.

Em seu novo show de humor, Rodrigo “Atazanado” Sant’Anna usa suas habilidades para interpretar 5 personagens, que com uma lente de aumento, fazem o público embarcar em suas loucuras.

Em Copacabana, uma aposentada se vê inesperadamente conectada à sua jovem vizinha. Esse encontro gera uma jornada de emoções intensas, memórias profundas e descobertas transformadoras. Com momentos de riso, lágrima e reflexão, A Lista celebra o poder das conexões humanas em meio à solidão e ao caos.O aclamado espetáculo A Lista, estrelado por Lilia Cabral e sua filha Giulia Bertolli, retorna a São Paulo para uma temporada no Teatro FAAP.

A mostra de arquitetura, paisagismo e design apresenta sua 38a edição, em um espaço de mais de 10 mil metros quadrados dentro do Parque da Água Branca . A edição de 2025 da CASACOR conta com mais de 70 ambientes assinados por designers e arquitetos, assim como espaços dedicado à gastronomia, lojas e instalações artísticas.

O Museu A Casa do Objeto Brasileiro recebe um recorte da produção artesanal do estado da Paraíba. A mostra chega a São Paulo após ser apresentada no 39º Salão do Artesanato da Paraíba, em João Pessoa. A exposição reúne o trabalho de sete artesãos — Adriano Oliveira, Babá Santana, Carlos Apollo, Dadá Venceslau, Ednaldo Farias, Géo Oliveira e Socorro Souza —, que têm no papel sua principal matéria-prima de criação. A partir dele, dão forma a uma arte delicada, marcada por poesia, cores e personagens que habitam o imaginário popular e o universo lúdico da região.As peças exibidas foram criadas sob a orientação do designer Sérgio Mattos, que estimulou a experimentação sem abrir mão da identidade autoral de cada artista. As obras são fruto de um domínio apurado das técnicas de papel machê e papietagem, práticas artesanais de origem milenar.

A exposição se estende para os pais, mães e avós que cresceram ouvindo o cancioneiro de Sandra Peres e Paulo Tatit. A história da dupla, percorrida por mais de 30 anos nesse universo infanto-musical, é contada com surpresas e descobertas ao longo do trajeto. Tudo é embalado por suas músicas.Do quintal para a sala, da varanda para a cozinha, do quarto para o banheiro até a garagem as crianças e os adultos vão encontrando – ou conhecendo – as músicas da Palavra Cantada. O percurso vai desde seu álbum de estreia Canções de ninar, de 1994 e vencedor do Prêmio Sharp (hoje Prêmio BTG Pactual da Música Brasileira) até Cenas infantis, lançado no ano passado em comemoração aos 30 anos da dupla. De lá para cá, são mais de 20 álbuns, 11 DVDs e nove livros lançados, com novos repertórios seguindo em construção.Cada cômodo da casa é colorido, com tons fortes de azul e vermelho, mescla móveis de verdade com outros plotados, estantes contendo surpresas, portinholas para serem abertas trazendo mais descobertas.

Concebida pela artista visual Stela Barbieri, a Exposição Pausa, propõe ocupar o espaço com obras em grande escala construídas em materiais diversos, que possibilitam ao público habitar e permanecer em seu interior e, dentro delas, conversar, descansar, relaxar e refletir sobre a importância das pausas, do descanso e do ócio na construção das subjetividades e humanidades.

No Octógono da Pina Luz, a artista Mônica Ventura explora materialidades e símbolos associados às cosmologias afro-ameríndias em um site-specific produzido em diálogo com a escala monumental do espaço central do edifício. Ao entrelaçar as camadas de tempo que habitam o Octógono, a artista propõe ao visitante um lugar em que as conexões humanas possam confluir, receber e irradiar energia, a partir da relação entre corpo e arquitetura.

Exposição concebida como um show audiovisual pela dupla de artistas Bárbara Wagner & Benjamin de Burca especialmente para o Sesc Avenida Paulista. Com curadoria geral de Clarissa Diniz e curadoria de acessibilidade e coordenação do projeto educativo pelo coletivo alingua, a mostra parte de uma reflexão sobre as políticas do olhar e as práticas de espelhamento presentes em Swinguerra (2019) e One Hundred Steps (Cem Degraus, 2020).Os filmes serão exibidos como um espetáculo, no qual o público será conduzido pela voz da mestra de cerimônias Indra Haretrava, que comenta as obras da dupla, seus contextos e métodos.

A exposição Geometrias reunirá cerca de 40 trabalhos do acervo que se relacionaram com a abstração geométrica. A mostra apresenta desde artistas concretos e neoconcretos, como Judith Lauand (1922-2022) e Hélio Oiticica (1937-1980), até artistas contemporâneos como Delson Uchoa e Beatriz Milhazes. Artistas que trabalharam com a geometria a partir de abordagens menos formalistas também estão incluídos. Entre eles, Rubem Valentim (1922-1991), que desenvolveu um sistema de símbolos afro-brasileiros; Alfredo Volpi (1896-1998), que explorou as formas de fachadas de casarios coloniais e de bandeirinhas de festas populares; e artistas indígenas como Daiara Tukano, que trabalham com grafismos ligados às cosmogonias de seu povo.

Arpillera é o nome em espanhol para uma linguagem têxtil figurativa que surgiu no Chile no final dos anos 1960. Durante o regime ditatorial de Augusto Pinochet (1973-1990), essa prática se tornou uma forma de denunciar as violações dos direitos humanos, além de configurar uma importante expressão cultural politicamente engajada e de protagonismo feminino. Em espanhol, "arpillera" significa "juta", o nome da fibra têxtil que recebe bordados que narram histórias de vida, luta e resistência das autoras e seus contextos. A produção chilena inspirou diversas mulheres e movimentos sociais ao redor do mundo.No Brasil, essa forma de expressão inspirou o Coletivo Nacional de Mulheres do MAB – Movimento dos Atingidos por Barragens – um movimento social brasileiro, auto-organizado, surgido na década de 1980 e que luta pelo direito das pessoas atingidas, reivindica um Projeto Energético Popular e uma transformação social estrutural. A exposição Mulheres Atingidas por Barragens: bordando direitos apresentará cerca de 30 trabalhos, produzidos entre 2013 e 2024, por mulheres que se reúnem em oficinas organizadas pelo MAB em todo o território nacional.

Isaac Julien (Londres, Reino Unido, 1960) é um artista e cineasta que, por meio de narrativas audiovisuais e instalações multimídia, tensiona os limites entre diferentes práticas artísticas, como arquitetura, fotografia, música e pintura. A vídeo-instalação Um maravilhoso emaranhado (Marvellous Entanglement) foi apresentada pela primeira vez em Londres, em 2019. Composta por nove projeções simultâneas em telas de grandes formatos, os vídeos captam imagens de edifícios icônicos de Lina Bo Bardi (1914-1992), realçando a dimensão poética do legado da visionária arquiteta e designer modernista. O trabalho enfatiza as ideias sociais, políticas e culturais de Bo Bardi, junto a reflexões filosóficas formuladas em artigos e cartas de sua autoria. O título da exposição deriva do trecho: “O tempo linear é uma invenção ocidental; o tempo não é linear, é um maravilhoso emaranhado onde, a qualquer instante, podem ser escolhidos pontos e inventadas soluções, sem começo nem fim.” – Lina Bo Bardi. Gravado em São Paulo (no Museu de Arte de São Paulo-MASP, no Sesc Pompeia e no Teatro Oficina) e em Salvador (no Museu de Arte Moderna, no Restaurante Coaty e no Teatro Gregório de Mattos), o filme é protagonizado por Fernanda Montenegro e Fernanda Torres, que interpretam os escritos de Bo Bardi sobre o potencial social e cultural da arte, arquitetura e design em diferentes estágios de sua vida.

A exposição Histórias do MASP percorrerá mais de sete décadas de história do museu no contexto da abertura do seu segundo prédio na avenida Paulista, o edifício Pietro Maria Bardi. Inicialmente instalado em um único andar no prédio dos Diários Associados na rua 7 de abril, o Museu de Arte Assis Chateaubriand consolidou seu papel na vida cultural da cidade ao inaugurar sua icônica sede na avenida paulista — agora chamada de edifício Lina Bo Bardi. Em um viés cronológico, a exposição Histórias do MASP aborda temas como a formação do acervo, as histórias das exposições no museu, sua extensa programação, bem como as transformações na arquitetura de seus edifícios. Esse momento de expansão também nos convida a refletir sobre a forte presença do MASP no imaginário artístico e cultural paulistano e nacional.

A exposição estabelece uma leitura crítica e propositiva sobre a da coleção de arte africana do MASP que reúne cerca de 120 itens e obras provenientes da África, que abrangem desde peças do Egito Antigo até alguns trabalhos contemporâneos. A maior parte desse acervo são estatuetas e máscaras do século 20, incorporadas ao acervo do museu ainda nas primeiras décadas de sua formação. Essas obras provêm principalmente da porção ocidental do continente, de grupos como os Guro, Senufo e Baule, da atual Costa do Marfim; Dogon e Bambara, da República do Mali; Mossi e Bobo-Quele, da Burkina Fasso; Baga, da Guiné; Ashanti, de Gana; Wobe-Guere, da Libéria; Mumuye, Ibibio e, predominantemente, Iorubá, da atual Nigéria. Recentemente, o museu também recebeu um tambor Chokwe, da Angola, contabilizando cerca de 70 peças que são o cerne de Artes da África.

A exposição sobre Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) exibirá as treze obras do artista presentes no acervo do MASP. Composta por doze pinturas e uma escultura, a mostra abrange praticamente toda a carreira do artista francês. Entre as pinturas europeias da coleção do MASP, esta constitui o maior número de obras de um único artista. A última vez que esse conjunto foi exposto em sua totalidade foi há 23 anos, em abril de 2002, no próprio museu, na mostra “Renoir - O pintor da vida”.As obras de Renoir foram adquiridas durante o chamado período das grandes aquisições quando, entre o final da década de 1940 e início dos anos 1950, Pietro Maria Bardi (1900-1990), diretor-fundador do MASP, incorporou ao acervo trabalhos de artistas do cânone europeu, a maioria deles italianos e franceses, que hoje compõem o maior e mais importante acervo de arte ocidental do Hemisfério Sul.Nascido em Limoges, na França, em 1841, Renoir foi um dos principais pintores do movimento impressionista francês, conhecido por suas pinturas de cores vibrantes, caracterizadas pelo uso da luz e cor, pinceladas fluidas e uma atenção especial à figura humana, especialmente em cenas de cotidiano e retratos.

A grande exposição “Fullgás – artes visuais e anos 1980 no Brasil” chega ao Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo. Com Raphael Fonseca como curador-chefe, e Amanda Tavares e Tálisson Melo como curadores-adjuntos, a mostra apresenta cerca de 300 obras de mais de 200 artistas de todas as regiões do país, mostrando um amplo panorama das artes brasileiras na década de 1980. Completam a mostra elementos da cultura visual da época, como revistas, panfletos, capas de discos e objetos icônicos, ampliando a reflexão sobre o período. A exposição ocupará todo prédio histórico do CCBB São Paulo e será dividida em cinco núcleos conceituais cujos nomes são músicas da década de 1980: "Que País é Este" (1987), "Beat Acelerado" (1985), "Diversões Eletrônicas" (1980), "Pássaros na Garganta" (1982) e "O Tempo Não Para" (1988). A mostra aborda o período de forma ampla, entendendo que seus questionamentos e impulsos começaram e terminaram fora do marco temporal de dez anos que tradicionalmente constitui uma década. Desta forma, a exposição abrange o período entre 1978 e 1993, tendo como marcos o final do Ato Institucional 5 e o ano posterior ao impeachment do ex-presidente Fernando Collor de Mello.

Nestes concertos, Rollo Dilworth é o regente convidado do Coral Paulistano, em um programa dedicado a spirituals tradicionais e arranjos e composições do próprio Dilworth. Nascido em St. Louis, nos Estados Unidos, Rollo Dilworth (1970) é regente coral, compositor, arranjador e educador. É professor associado da Choral Music Education e docente do Departamento de Educação Musical do Boyer College of Music and Dance da Temple University, na Filadélfia, onde também é vice-reitor. Integra diversas organizações em seu país natal, entre elas a National Association of Negro Musicians (NANM), National Association of Music Educators (NafME), além de ser membro vitalício da American Choral Directors Association (ACDA). Dilworth busca evidenciar sua ancestralidade africana em suas composições. Para isso, incorpora em sua obra elementos da música folclórica afro-estadunidense, da música gospel e dos spirituals. O artista também se inspira na tradição literária afroestadunidense, musicando poemas de autores como Langston Hughes e Paul Laurence Dunbar. Outro aspecto central de sua atividade como compositor é a diversidade e a inclusão: para ele, uma das missões da música coral é reunir pessoas, propiciando uma chance de fazê-las aprender mais sobre o próximo e sobre elas mesmas.

Francisco Mignone (1897-1986) e Clorinda Rosato (1913-1985) foram ambos alunos do Conservatório Dramático e Musical de São Paulo. No período, apresentaram-se ao piano na mesma Sala do Conservatório que hoje abriga o Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo. Compuseram pouco para quarteto de cordas: ele, apenas duas obras; ela, somente uma, que poderemos ouvir neste programa. Mignone foi um dos compositores mais próximos de Mário de Andrade em seu projeto nacionalista, inspirando-se em muitas de suas ideias para criar sua música. Essa proximidade, contudo, foi um processo construído: depois de sua formação inicial, Mignone recebeu uma bolsa do Governo do Estado de São Paulo para se aperfeiçoar na Europa e, em 1920, partiu para a Itália, país de origem de seu pai. Permaneceu no Velho Mundo por nove anos, alheio à efervescência do movimento modernista em São Paulo, sua cidade natal, e aos eventos da Semana de Arte Moderna, em 1922. No retorno ao Brasil, trouxe na bagagem suas óperas de sucesso ao estilo italiano e uma porção de outras obras que, a despeito de sua qualidade, não conversavam com a busca de uma identidade musical nacional que ocorria em terras tupiniquins.Mignone foi duramente criticado por Mário de Andrade, que acabara de publicar seu Ensaio sobre a Música Brasileira, livro que sintetiza as diretrizes modernistas para a composição inspirada na cultura popular, e absorveu a represália: passou a compor com base em repertórios de tradição oral e tornou-se um dos principais colaboradores de Mário de Andrade. A obra Quarteto de Cordas no 2, de 1958 e dedicada ao Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo, ilustra a devoção de Mignone ao projeto nacionalista, além da maturação estilística do compositor. Um pouco mais jovem que Mignone, a pianista do interior paulista Clorinda Rosato chegou a ser sua aluna, além de ter estudado com Camargo Guarnieri e Mário de Andrade. Este último foi quem a incentivou a se dedicar à composição, apoiando-a até o fim da vida. Fiel ao projeto nacionalista, incorporando os ideais da época em estilo pessoal, Clorinda compôs principalmente para piano, mas também criou peças corais que estiveram por cerca de três décadas no repertório do Coral Paulistano, além de obras de câmara – como o Quarteto que integra este programa, dedicado ao Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo. Esta é uma oportunidade rara de ouvir uma peça dessa compositora brasileira, que merece ter sua obra mais pesquisada e divulgada.

A exposição apresenta obras em grande escala da artista visual, arte-educadora, curadora e contadora de histórias Stela Barbieri.Construídas com o uso de materiais diversos, como bambu e miçangas, as instalações reunidas em Pausa convidam o público a permanecer em seu interior e, dentro delas, descansar, relaxar, conversar e refletir sobre a importância do descanso e do ócio na construção das subjetividades humanas. Definida pela artista como uma “obra-oficina”, a exposição propõe um espaço para o desacelerar em meio à velocidade da vida moderna, criando atmosferas que estimulam o devaneio, a introspecção e a escuta.

Antoni Muntadas (Barcelona, 1942), artista conhecido por desafiar convenções socioculturais por meio da sua arte e trabalhar as relações de poder dos signos gráficos e textuais, realiza mostra inédita no Sesc Pompeia.A exposição instalativa Lugar Público - Muntadas convida o público a uma reflexão sobre os limites e as transformações dos espaços compartilhados. Em um cenário de crescente privatização e vigilância, Antoni ocupa a Área de Convivência do Sesc Pompeia para questionar as mudanças urbanas e o Com curadoria de Diego Matos, o projeto para o Sesc Pompeia traz uma ocupação da Área de Convivência da unidade, de caráter site-specific: são intervenções audiovisuais, textuais e dispositivos arquitetônicos projetados para explorar os significados de "público" – audiência e espaço público - e provocar reflexões a respeito do espaço urbano contemporâneo e das noções de lazer e esfera pública.

Vídeo nas Aldeias é um projeto audiovisual criado em 1986 com o propósito de fortalecer o cinema indígena brasileiro. Idealizado por Vincent Carelli (Paris, França, 1953), o Vídeo nas Aldeias se dedicou, inicialmente, a registrar a cultura de diferentes povos indígenas brasileiros, apresentando as filmagens para as próprias comunidades. A partir de 1997, o projeto expandiu suas atividades para incluir oficinas audiovisuais realizadas junto a esses povos e passou a distribuir equipamentos de filmagem para que os participantes tivessem autonomia na representação de sua própria cultura. Desde então, a formação de cineastas indígenas e o suporte técnico para a produção de filmes se tornaram pilares fundamentais da atuação do projeto. Os filmes produzidos formam um acervo plural que reflete a diversidade dos povos indígenas brasileiros. A sala de vídeo dedicada ao Vídeo nas Aldeias pretende destacar filmes produzidos pelo projeto em parceria com comunidades indígenas, os quais abordam formas distintas de lidar com a terra e com o meio ambiente, retratando aspectos de suas culturas e cosmologias, além da urgente luta pela demarcação territorial.

Kylie Minogue apresenta sua aguardada "TENSION TOUR" para 2025,programada para ser a maior turnê de Kylie desde 2011. Começando no país natal de Kylie, Austrália, em fevereiro, a turnê mundial visitará a Ásia, Estados Unidos, Canadá, Reino Unido e Europa antes de parar na América Latina em agosto de 2025. “Tension II” - uma nova coleção de 13 músicas - foi lançada em 18 de outubro de 2024 pela BMG. A sequência de alta energia e alta octanagem do álbum número 1 e sucesso global “Tension”, vê Kylie se aprofundar ainda mais no espaço eletrônico e está repleta de hinos de pista de dança. O disco inclui nove novas faixas de estúdio de Kylie, além do mais recente hit de dança “Edge of Saturday Night” com The Blessed Madonna, bem como suas recentes colaborações com Orville Peck, Bebe Rexha e Tove Lo, e Sia.

A galeria apresenta a primeira exposição de Guglielmo Castelli no Brasil. Pintor de Turim, Castelli aprimorou seu ofício durante sua formação acadêmica em cenografia – disciplina que moldou sua prática pictórica, especialmente na forma como representa espaços e interiores arquitetônicos. Embora sua estética esteja enraizada nesse contexto, uma crítica à cultura burguesa marca seu horizonte intelectual. A superfície pictórica não é expressão de mera virtuosidade técnica, mas um campo de batalha no qual Castelli compreende a cultura ao seu redor: o peso do legado, a relação entre a alta cultura e o conservadorismo em contraposição ao popular, e a possibilidade de uma ruptura total.A exposição toma seu título de um verso do poeta brasileiro João Cabral de Melo Neto: Um galo sozinho não tece uma manhã. O verso aparece em A educação pela pedra, coletânea publicada em 1966, quando o Brasil era governado por uma ditadura militar que reprimia artistas e intelectuais com violência crescente nos anos subsequentes. A metáfora do galo, que só consegue anunciar a claridade da manhã se acompanhado de vários outros, mostra-se perene – um tributo à coletividade e à colaboração, que ressoa também com um princípio da abstração geométrica brasileira: o todo é mais do que a soma das partes.