PROGRAMAÇÃO EM DESTAQUE

A Galeria de Fotos do Centro Cultural Fiesp (CCF), em São Paulo, recebe a exposição “Ta’ãngaa, os indígenas por eles mesmos”, que apresenta 30 fotografias produzidas por 8 artistas indígenas atuantes em diferentes territórios do país.Com curadoria de Richard Wera Mirim e João Kulcsár, a mostra reúne trabalhos de Moara Tupinambá, Edgar Kanaykõ Xakriabá, Richard Wera Mirim, Genilson Guajajara, Gê Viana, Kamikia Kisedje, Denilson Baniwa e Natalia Tupi. As obras são inspiradas por temas como território, memória, ancestralidade, cotidiano e impactos da colonização, propondo uma reflexão sobre identidade e modos de existência dos povos indígenas na atualidade. As imagens revelam vivências pessoais e coletivas, e se apresentam como expressão de luta, pertencimento e continuidade

JODYLINE GALLAVARDIN é uma jovem pianista francesa curiosa e apaixonada. Possui dois mestrados do Conservatório Nacional Superior de Música e Dança de Lyon de Lyon: o de piano, em 2015, na classe de Marie-Josèphe Jude e Hélène Bouchez e o de música de câmara.Jodyline é regularmente convidada, tanto como solista como camerista, por muitos festivais como o da Orangerie de Sceaux, Musicalta, Piano em Saint-Ursanne, Les Allées Chantent, Les Moments Musicaux de Chalosse, La Belle Saison, Le Prieuré de Chirens e Piano City em Milão. Fez sua estreia na France Musique em 2018 no Génération Jeunes Interprètes. Nesse mesmo ano, foi laureada pela Fundação SAFRAN e em 2019, ganhou o concurso da Fundação Banque Populaire, obtendo assim apoio para os próximos anos. Também atraiu a atenção no Concurso Nórdico de Piano, cujo júri, presidido por Leslie Howard, lhe concedeu o “Prêmio Especial Bach”.

A luz, a conexão com o sagrado e a iluminação espiritual é o tema deste programa, que evidencia o repertório coral contemporâneo.As composições de Dobrinka Tabakova (1980), nascida na Bulgária e radicada no Reino Unido, têm sido frequentemente programadas nas temporadas de concertos em todo o mundo. Sua obra coral é refinada e acessível, e Turn our Captivity, O Lord (2022), com texto extraído do livro dos Salmos, faz referência à composição homônima do inglês William Byrd (1540-1623), com linhas que lembram o canto bizantino.O programa traz ainda obras do finlandês Einojuhani Rautavaara (1928-2016) e do estadunidense Eric Whitacre (1970), que constam entre os mais queridos compositores de música coral. Deste último, Lux Aurumque (2000) foi escrita a partir de poema natalino de Edward Esch, traduzido para o latim por Charles Anthony Silvestri, parceiro de longa data de Whitacre.Stella (2016), do espanhol Francisco Coll (1985), para coro a oito vozes, foi inspirada na missa Ave Maris Stella, de Tomás Luís de Victoria, uma das grandes obras do Renascimento.Por fim, Lux Aeterna, antífona de comunhão da Igreja Católica Romana, tantas vezes transformada em música, surge neste concerto em versões radicalmente distintas. A do húngaro György Ligeti (1923-2006), escrita em 1966, é provavelmente a mais célebre de todas, já que integra a trilha sonora do filme 2001: uma Odisseia no Espaço, de Stanley Kubrick. O Nata Lux, parte de Lux Aeterna (1997) do estadunidense Morten Lauridsen (1943), e a versão de 2005 escrita por sua conterrânea Amy Dunker (1964), ambas claras e contemplativas, contrapõem-se à música densa e estática de Ligeti.

Após se apresentar para mais de duzentas mil pessoas em São Paulo, Gilberto Gil volta com a turnê Tempo Rei, em que celebra em grande estilo sua ampla obra musical, os diversos momentos de sua carreira e suas parcerias.

Frans Krajcberg (Kozienice, Polônia, 1821—2017, Rio de Janeiro, Brasil) foi pioneiro no cruzamento entre arte e ecologia, precursor em dar visibilidade às questões ambientais no território brasileiro. O artista trabalhou a partir de resquícios de troncos, cipós, raízes e madeira calcinada, explorando pigmentos naturais, para produzir obras em que os elementos naturais são a própria matéria de sua arte. Krajcberg provocou uma virada radical nas convenções da escultura, além de desafiar fronteiras entre desenho, gravura e pintura.Krajcberg chegou ao Brasil nos anos 1950, onde desenvolveu seu trabalho como artista. A partir dos anos 1960, passou a viajar à Amazônia e ao Pantanal, coletando resquícios de troncos em áreas de queimadas. Suas preocupações com o drama ambiental tornaram-se indissociáveis de sua arte. Engajou-se em denunciar queimadas e a violência do extrativismo desenfreado, conferindo ao seu trabalho um cunho altamente político

Programa a ser anunciado

Acontece na Sala São Paulo a sexta edição da temporada de encontros entre o popular e o erudito. A cada edição, dois artistas da MPB se apresentam juntos da São Paulo Big Band.

São Paulo recebe o início da turnê brasileira de Jorja Smith, que retorna ao país quase sete anos após sua estreia no Lollapalooza Brasil, em 2019. Desta vez, o público paulistano poderá vivenciar uma performance mais intimista e centrada no repertório de seu mais recente álbum, falling or flying (2023), no qual a artista mescla soul, R&B, UK garage e jazz com sua já conhecida força lírica e vocal.

Os franceses da banda L’Impératrice carregam elementos de nu-disco, pop retrô e funk eletrônico na essência de suas composições. Apesar de suas raízes no Velho Mundo, os integrantes possuem um visual futurista, entregando performances enérgicas e dançantes para seu público. Atualmente, o grupo roda o globo com a Pulsar Tour — título do último trabalho de estúdio, de 2024 — e incluiu o Brasil, pela primeira vez, na rota de seus shows.

Sucesso de público nas décadas de 1990 e 2000, com sessões lotadas em diversas cidades brasileiras, a comédia Aluga-se Um Namorado, escrita originalmente pelo inglês James Scherman e adaptada por Gustavo Klein, chega ao Teatro Multiplan MorumbiShopping para uma nova temporada. O espetáculo conta a história de Alex Schneider (Eri Johnson), um ator bem-humorado contratado por Sara (Ju Knust) para interpretar o papel de seu namorado, judeu e médico, diante de sua família, que segue rigorosamente as tradições judaicas. A farsa é armada porque, na verdade, o verdadeiro namorado de Sara não é judeu. A partir daí, desenrola-se uma comédia marcada por mal-entendidos e situações inesperadas. Será que os pais de Sara (Myrian Rios e Raymundo de Souza) e seu irmão Joel (João Lima Junior), um psicanalista atento, vão descobrir a verdade? E o verdadeiro namorado (Marcondes Oliveira), será revelado? Sara acabará se apaixonando pelo ator? O enredo gira em torno dessas perguntas, com doses de humor e reviravoltas.

Nesta montagem de Macbeth, dirigida pela multiartista Elisa Ohtake, a profunda conexão de Giuseppe Verdi com Shakespeare ganha nova vida. Embora não dominasse o inglês, Verdi viu na tradução italiana do bardo um verdadeiro tesouro, revolucionando a ópera italiana ao infundir seus personagens com a profundidade dramática e a intensidade vívidaque Shakespeare trouxe à dramaturgia inglesa. Verdi, homem de teatro nato, conduziu sua música de forma a criar uma atmosfera constante de mistério e angústia, sem permitir intervalos que pudessem interromper o envolvimento do espectador.Estreada em 1847 em Florença, Macbeth foi concebida durante o que Verdi chamou de seus “anos de galera”, uma fase em que batalhava para se afirmar no cenário lírico italiano. Com libreto de Francesco Maria Piave e acréscimos de Andrea Maffei, a ópera foi bem-recebida em sua première, mas desapareceu dos palcos por quase um século, em parte em razão das exigências do papel de Lady Macbeth, considerado um desafio extremo para as sopranos.Elisa Ohtake, conhecida por sua abordagem cênica contemporânea e ousada, dará nova luz à complexa história de poder, ambição e morte de Macbeth. Com uma formação diversificada em dança e teatro, Elisa já esteve próxima da obra de Shakespeare com sua instigante Peça para Adultos Feita por Crianças, na qual crianças interpretam Hamlet.

RICHARD KOGIMA foi definido pela crítica como criador de performances "memoráveis e reveladoras" (Gregory Sullivan, Theater Jones), “dotadas de variadas nuances, transparência e extrema concentração” (Südkurier, Badische Zeitung). Expoente talento de sua geração, distingue-se por sensível musicalidade e versatilidade, atuando como pianista, regente, compositor e improvisador.Natural de São Paulo, se apresenta regularmente como solista, camerista e regente nas Américas e na Europa em salas como Tonhalle Zürich, DR Koncerthuset (Copenhagen), Salle Cortot (Paris), University Aula (Oslo) e Sala São Paulo. Integrou festivais como o Emil Gilels e o Usedomer Musikfest (Alemanha), Festspillene i Bergen (Noruega), Campos do Jordão (Brasil), e Pärnu Music Festival (Estônia).MAR GIMFERRER, nascida em 2002, começou a tocar violoncelo aos 7 anos. Estudou em Barcelona com Joan Antoni Pich, com quem se formou com o Prêmio de Honra, aos 17 anos. De 2019 a 2022, foi orientada por Beatriz Blanco no Vorarlberger Landeskonservatorium e desde setembro de 2022, estuda com Thomas Grossenbacher Na Universidade das Artes de Zurique.

A obra de Almeida Prado (1943-2010), um dos mais importantes e prolíficos compositores brasileiros, é marcada por uma profunda religiosidade católica. Centrada no piano (que ele tocava eximiamente) e na orquestra, sua produção inclui tanto obras sacras quanto outras livremente inspiradas em elementos da tradição judaico-cristã. A fé do compositor se materializava para ele em visões místicas que teve em diversos momentos da vida, e que foram a força motriz para que escrevesse muitas de suas peças.Na juventude, Almeida Prado foi aluno de Osvaldo Lacerda e Camargo Guarnieri. Depois, partiu para Paris para estudar com Nadia Boulanger e Olivier Messiaen, compositor com o qual sua obra traça grande paralelo, tanto esteticamente como pela conexão devocional. Prado lecionou por muitos anos na Universidade Estadual de Campinas (Unicamp), onde os alunos se amontoavam para assistir suas aulas.Entre 1989-1990, Almeida Prado residiu em Jerusalém, Israel, como professor visitante da Academia Rubin de Música e Dança. A experiência o marcou profundamente, transformando e intensificando sua fé e inspirando a criação de novas obras, conectadas a um imaginário sobre a cidade e a cultura local na época de Jesus. Nesse período, o compositor teve também visões místicas de parentes queridos que já haviam partido, e isso o levou a compor uma peça absolutamente não usual: o Réquiem Sem Palavras para quarteto de cordas.Quando pensamos em um réquiem musical, imaginamos uma peça vocal escrita para grandes forças corais e orquestrais – como são as obras desse gênero, por exemplo, de Mozart, Verdi, Brahms ou Fauré. Nesse tipo de missa, tradicionalmente utilizada para homenagear um finado, a compreensibilidade do texto e a ilustração musical do sentido das palavras é particularmente importante. Almeida Prado propõe, então, um duplo desafio: seu réquiem é uma reza íntima para formação camerística, e nela os instrumentos devem “falar” os textos litúrgicos – não só utilizados aqui de forma integral em latim, mas acrescidos de um pai-nosso adicional.Composto em 1989, o Réquiem Sem Palavras ficou guardado na gaveta até 2006, quando Marcelo Jaffé, violista do Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo, soube de sua existência em um encontro com Almeida Prado na Rádio Cultura. O Quarteto encampou então a tarefa de produzir as partes da obra e estreá-la, recebendo a dedicatória do compositor. Ainda não gravada, a peça foi tocada poucas vezes, sendo esta uma oportunidade particular de ouvi-la.

Acontece na Sala São Paulo a sexta edição da temporada de encontros entre o popular e o erudito. A cada edição, dois artistas da MPB se apresentam juntos da São Paulo Big Band.

A cantora britânica Dua Lipa volta ao Brasil para a turnê "radical optimsm". Batizada com o título do terceiro álbum de estúdio de Dua, a turnê apresenta o repertório do disco, os hits da cantora e algumas surpresas para o público.

Diretora musical da Buffalo Philharmonic, a norte-americana JoAnn Falletta é uma veterana dos palcos que desbravou caminhos na regência para as mulheres. Com mais de cem discos gravados e alguns Grammy no currículo, ela atua como regente convidada por todo o mundo. JoAnn Falletta esteve no Brasil pela primeira vez em 2023, e volta para conduzir novamente a Orquestra Sinfônica Municipal (OSM).Aos 85 anos, Ellen Zwilich é considerada uma das principais compositoras norte-americanas, e foi a primeira mulher a ganhar o Prêmio Pulitzer de Música. O Concerto Grosso 1985 é uma obra para orquestra de câmara encomendada pelo Washington Friends of Handel, em comemoração ao 300º aniversário de nascimento do compositor. A obra cita literalmente o tema do primeiro movimento da Sonata para Violino em Ré maior (HWV 371) de George Frideric Handel, e teve sua estreia mundial com a Handel Festival Orchestra em maio de 1986.Shéhérazade é o título de duas obras do compositor francês Maurice Ravel. Ambas têm origem no fascínio do compositor por Scheherazade, a heroína narradora das Mil e uma Noites.A primeira obra, uma abertura escrita em 1898, é a primeira peça orquestral sobrevivente de Ravel. Quatro anos depois, ele teve um sucesso muito maior com um ciclo de canções com o mesmo título. Nos primeiros anos do século XX, Ravel conheceu o poeta Tristan Klingsor, que publicara uma coleção de poemas em verso livre sob o título Shéhérazade, inspirados pela suíte sinfônica homônima de Rimsky-Korsakov. Escrito para voz e orquestra, a Shéhérazade que ouviremos neste programa é um ciclo de três canções, aqui interpretadas por Denise de Freitas. Artista de grande expressividade musical e cênica, ganhadora de diversos prêmios, Denise é umas das mais importantes mezzo sopranos brasileiras em atividade. Com apresentações nas mais renomadas salas do Brasil, tornou-se intérprete dos grandes personagens para seu registro vocal.Nada mais adequado do que encerrar o concerto com Scheherazade, a suíte sinfônica composta por Nikolai Rimsky-Korsakov em 1888, igualmente baseada no livro Mil e uma Noites. A obra se destaca pela sedução dos temas e o colorido da orquestração, e é considerada a composição mais popular de Rimsky-Korsakov, tendo sido também transformada em balé, em 1910, por Michel Fokine.

A dupla que marcou o britpop e é um dos nomes mais importantes da década de 90 se reencontra nos palcos após um longo hiato. Juntos, os irmãos Gallagher se apresentam com sua turnê mundial, celebrando seus hits e os trinta anos do álbum de estreia Definitely Maybe.

Acontece na Sala São Paulo a sexta edição da temporada de encontros entre o popular e o erudito. A cada edição, dois artistas da MPB se apresentam juntos da São Paulo Big Band.

Após uma temporada de sucesso de público e crítica, "Beetlejuice" volta para os palcos paulistanos. Estrelada por Eduardo Sterblitch, a peça é inspirada no clássico de Tim Burton, "Os Fantasmas Se Divertem" (1988), trazendo a estética excêntrica e o humor sombrio que marcam a obra tanto nas telas quanto nos palcos. A peça conta com libreto original de Scott Brown e Anthony King e músicas de Eddie Perfect. A versão brasileira é assinada por Claudio Botelho. A equipe criativa conta com Laura Visconti na direção musical, Renato Theobaldo na cenografia (vencedor do Prêmio DID 2024), Dani Vidal e Ney Madeira no figurino, Sueli Guerra na direção de movimento e coreografia, Dani Sanches no desenho de luz, Gabriel D’Angelo no desenho de som, Anderson Bueno no visagismo e Lucas Pimenta como assistente de direção. A produção geral é de Alyzandra Pessanha.

A nossa temporada de óperas termina com um título pouco encenado no Brasil, mas de grande relevância: Les Indes Galantes, de Jean-Philippe Rameau. Obra-prima do Iluminismo, Les Indes Galantes será apresentada em parceria com o Instituto Francês, celebrando o Ano França-Brasil.Este ballet-héroïque, como chamado pelos autores, faz parte de um subgênero tipicamente francês do século XVIII, a opéra-ballet. Criada em 1735 para a Académie Royale de Musique, Les Indes Galantes é a segunda criação teatral de Rameau e suaprimeira opéra-ballet, e retrata como os europeus do século XVIII viam (ou imaginavam) outros povos.A obra original consiste em uma sequência de quatro dramas líricos independentes, interligados por um tema exposto no prólogo: o amor. Cada um dos dramas, ou atos, é ambientado em um local “exótico” para os franceses do século XVIII: a Turquia, o Peru, a Pérsia e a América do Norte, que dão origem, respectivamente, a O Turco Generoso, Os Incas do Peru, As Flores da Pérsia e Os Selvagens da América do Norte. Para essas histórias, ele compôs uma música vibrante, com grande variedade melódica e rítmica, além de inventividade harmônica.Para a versão paulistana, teremos a honra de receber o premiado diretor musical Leonardo García-Alarcón, assim como a diretora e coreógrafa Bintou Dembélé, uma das pioneiras do hip hop na França. A montagem, que une a dança urbana contemporânea à música sedutora de Rameau, reflete sobre questões universais do colonialismo e será uma profícua oportunidade de encontros e trocas entre artistas brasileiros e franceses.

A partir do best-seller Sapiens, de Yuval Harari, o premiado espetáculo FICÇÕES fala da capacidade humana de criar e acreditar em ficções: deuses, dinheiro, nações…o que foi ou não inventado? Vera Holtz se desdobra em personagens da obra literária e em outras criadas por Rodrigo Portella, canta, improvisa, “conversa” com Harari, brinca e instiga a plateia, interage com o músico Federico Puppi – autor e performer da trilha sonora original, com quem divide o palco. Em outros momentos, encarna a narradora, às vezes é a própria atriz falando.

No início da década de 1970, motivado pela encomenda de uma obra – cujo gênero, instrumentação e duração eram livres –, Leonard Bernstein, uma das figuras mais importantes da música no século XX, criou uma obra ousada e surpreendente.A obra foi uma encomenda da família Kennedy para ser apresentada na inauguração do Centro John F. kennedy de Artes Performáticas, em 1971. Ao saber que o compositor estava escrevendo uma missa, houve grande alegria por parte dos organizadores do evento, pois John Kennedy foi o primeiro presidente católico dos Estados Unidos. Embora baseada na missa católica tridentina (pré 1962), a Missa de Bernstein se configura como um teatro musical, ao unir passagens litúrgicas cantadas em latim a textos adicionais em inglês escritos por Bernstein, Stephen Schwartz e Paul Simon. Ainda incorpora uma variedade de estilos musicais, além de um coral de “manifestantes de rua”, para apresentar uma nova visão de fé e liturgia ao mundo moderno.A obra foi concebida para ser encenada teatralmente, mas também já foi apresentada em ambientes de concerto. A Missa estreou em 8 de setembro de 1971, conduzida por Maurice Peress e coreografada por Alvin Ailey, com figurinos de Frank Thompson. Na Europa, ela teve sua primeira audição em 1973, com John Mauceri conduzindo a Orquestra Sinfônica de Yale em Viena. A recepção inicial da crítica foi bastante negativa. A gravação da obra pela Columbia Records, no entanto, teve excelentes vendas. A Missa foi inicialmente criticada por autoridades da Igreja Católica, mas, no ano 2000, o Papa João Paulo II promoveu a apresentação da peça no Vaticano.Certos aspectos da obra refletem o tempo no qual ela foi criada: desde alguns dos slogans de protesto até a busca liberal cristã dos anos 1970 em prol da valorização de uma religião mais pura e autêntica, em detrimento de questões eclesiásticas e sacramentais da Igreja institucional.Muito de sua mensagem ainda é relevante nos dias atuais. Não se trata propriamente de uma crítica à Igreja Católica, mas de transformar sua liturgia num espaço para a discussão e mesmo denúncia das opressões do mundo contemporâneo. Essa obra grandiosa e surpreendente unirá os esforços da Orquestra Sinfônica Municipal, dos coros Paulistano e Lírico, e de Paulo Szot, um dos barítonos mais aclamados e versáteis do mundo. A regência e direção musical é de Roberto Minczuk.

A 36ª Bienal de São Paulo apresenta uma edição conduzida pelo curador geral Prof. Dr. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung com sua equipe de cocuradores composta por Alya Sebti, Anna Roberta Goetz e Thiago de Paula Souza, além da cocuradora at large Keyna Eleison e da consultora de comunicação e estratégia Henriette Gallus. A mostra se inspira no poema enigmático da poeta afro-brasileira Conceição Evaristo, “Da calma e do silêncio”.A proposta central dessa Bienal é repensar a humanidade como verbo, uma prática viva, em um mundo que exige reimaginar as relações, as assimetrias e a escuta como bases de convivência a partir de três fragmentos/eixos curatoriais. A metáfora do estuário – local onde diferentes correntes de água se encontram e criam um espaço de coexistência – guia o projeto curatorial, inspirado nas filosofias, paisagens e mitologias brasileiras. Tal conceito reflete a multiplicidade de encontros que marcaram a história do Brasil e propõe que a humanidade se una e se transforme por meio de uma escuta atenta e da negociação entre seres e mundos distintos.A exposição vem acompanhada, ainda, de uma mudança histórica na organização do evento, que tradicionalmente é realizado de setembro a dezembro. A mostra se estenderá por quatro semanas adicionais, sendo apresentada gratuitamente ao público entre setembro de 2025 e janeiro de 2026.

A galeria é um espaço de estudo e formação resultante de uma parceria entre a Terra Foundation for American Art e o MAC USP, para que um conjunto da coleção da fundação viesse a São Paulo. São 36 obras selecionadas em diálogo com a pesquisa e as disciplinas de graduação e pós-graduação do MAC USP e sua atuação no Programa Interunidades em Estética e História da Arte (PGEHA USP), a linha de pesquisa em História da Arte e da Cultura do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas da Unicamp, e o Departamento de História da Arte da Unifesp. Além disso, nos próximos dois anos, elas também permitirão criar pontes de interpretação com obras do acervo do MAC USP.A Terra Collection for American Art é uma associação sem fins lucrativos, com sede em Chicago, nos Estados Unidos que, desde os anos 1980, coleciona obras de arte do país e fomenta a pesquisa sobre sua arte. Através de seu Programa Collection- in-Residence, o MAC USP se insere em uma rede de 12 museus universitários internacionais de arte em uma visada crítica sobre a história da arte dos Estados Unidos e suas possíveis articulações com outros países. No caso do Brasil e da proposta feita pelo MAC USP, a seleção de obras partiu das questões já colocadas em outras parcerias da instituição estadunidense com o país.

Abel Rodríguez (Cahuinarí, Colômbia, 1944) nasceu às margens do Rio Cahuinarí, na Amazônia colombiana, e seu nome indígena é Mogaji Guihu, sendo originário das comunidades Nonuya e Muinane. Foi treinado desde a infância para ser um sabedor, isto é, um depositário dos conhecimentos sobre as espécies botânicas da floresta, seus usos práticos e simbólicos. Nos anos 1990, fugindo dos conflitos armados em sua região natal, mudou-se para Bogotá, onde, em contato com a ONG holandesa Tropenbos, foi incentivado a desenhar para registrar e compartilhar suas memórias. Ao contrário da tradição do desenho botânico ocidental, que isola os elementos representados, os desenhos de Rodríguez em grafite e aquarela mostram ciclos, interações entre diversas espécies e a ação do tempo na floresta. Feitos a partir de memórias, têm inscrições em espanhol e Nonuya, descrevem os sabores das frutas, os usos medicinais das plantas e quais animais se alimentam delas. A “árvore da vida” é outro tema recorrente em sua produção e narra o principal mito de origem dos Nonuya.

Esta é a primeira exposição individual da artista Clarissa Tossin (Porto Alegre, 1973) em uma instituição de arte no Brasil. A mostra abrange peças de 2008 até o presente, incluindo instalações, esculturas, tecelagens, imagens em movimento e um conjunto de novas obras encomendadas pelo MASP especificamente para esta mostra. A artista gaúcha radicada em Los Angeles aborda em seu trabalho questões relacionadas ao aquecimento global a partir de diversos materiais, em geral, resíduos industriais da sociedade de consumo, como plástico reciclado, látex derivado do extrativismo na Amazônia e caixas de entrega da loja online Amazon, entre outros. Na obra de Tossin, réplicas de objetos descartados e partes do corpo humano e de plantas aparecem como fósseis, traços de um tempo e lugar perdidos que ecoam na forma de sedimentos arqueológicos.

Tema do ciclo curatorial de 2025, Histórias da ecologia será uma coletiva internacional que ocupará cinco andares do edifício Pietro Maria Bardi, novo espaço do MASP. Em um contexto marcado pela intensificação de crises climáticas, políticas, territoriais e sociais, Histórias da ecologia investiga como artistas, coletivos e ativistas de diversas partes do mundo respondem ao tempo presente e compreendem as relações entre os seres vivos, suas criações e o meio em que vivem. O termo “ecologia” foi escolhido em detrimento do termo “natureza”, compreendendo o humano como parte de um ecossistema complexo e não separado ou hierarquicamente superior a ele. A exposição parte do entendimento de que a ecologia é um sistema de relações. Organizada em cinco núcleos, a mostra abordará as diferentes ideias de tempo como um elemento organizador da vida; bem como os efeitos dos deslocamentos forçados e dos processos migratórios causados tanto por modelos extrativistas de produção quanto por efeitos das mudanças climáticas.

Bad Bunny, cantor que é um dos expoentes do reggaeton e símbolo da música porto-riquenha, se apresenta pela primeira vez no Brasil, com a turnê do álbum Debí Tirar Más Fotos.

Após esgotar todos os ingressos de seu primeiro show, Bad Bunny apresenta uma data extra em São Paulo. O cantor, que é um dos expoentes do reggaeton e símbolo da música porto-riquenha, vem pela primeira vez no Brasil, com a turnê do álbum Debí Tirar Más Fotos.

Minerva Cuevas (Cidade do México, 1975) é uma artista conceitual mexicana que desenvolve projetos que dialogam com antropologia, história e ciências naturais. Sua obra abrange diversos suportes e mídias, como instalação, muralismo, pintura, vídeo e performance.No ano de Histórias da ecologia no MASP, Cuevas abordará pelo menos três aspectos de seu trabalho. O primeiro diz respeito às suas investigações sobre os impactos do mundo corporativo na vida cotidiana. Cuevas se apropria de logomarcas, campanhas de marketing, slogans e símbolos de grandes empresas para discutir temas como consumo, valor e propriedade. O segundo aspecto a ser explorado na exposição está relacionado ao subtítulo, inspirado no conceito de “ecologia social”, desenvolvido pelo filósofo estadunidense Murray Bookchin (1921-2006