EXPOSIÇÕES

Com cerca de 67% de seu território coberto por florestas, o Japão é reconhecido como um dos países mais arborizados do mundo, segundo dados da Embaixada do Japão no Brasil. A partir deste cenário, o carpinteiro, mestre da madeira, pede a permissão das divindades das montanhas e florestas para cuidar das árvores, analisando cuidadosamente suas características e o seu crescimento para utilizar a madeira certa para o propósito certo. Tendo como base esse respeito e admiração pela natureza, junto com a responsabilidade e o comprometimento de construir algo duradouro, os carpinteiros japoneses desenvolveram uma técnica altamente refinada, que não depende de pregos ou peças metálicas. Este é um pouco do espírito que a exposição “Imbuídos das forças das florestas do Japão – Mestres da carpintaria: habilidade e espírito”, com curadoria de Marcelo Nishiyama, diretor associado e curador-chefe do museu Takenaka Carpentry Tools (Kobe, Japão). Em São Paulo, a mostra ainda ganhará uma segunda parte, prevista para março de 2026, dedicada ao kigumi, técnica arquitetônica que consiste em entalhar as peças de madeira para que se encaixem perfeitamente.

A exposição “Olhar Negro, Negro Olhar — Antologia da Fotografia Negra da Bahia”, traz um panorama sensível da fotografia produzida no estado. Com curadoria de Bené Fonteles e pesquisa e organização de Marcelo Reis, a mostra propõe um aprofundamento nas múltiplas camadas de significados sobre a negritude baiana.A exposição reúne obras de artistas que construíram, ao longo das últimas décadas, um repertório visual sobre o povo e a cultura da Bahia, entre eles: Adenor Gondim, Ayrson Heráclito, Bauer Sá, Christian Cravo, Mário Cravo Neto, Miguel Rio Branco, Pierre Verger, Zélia Gattai e Voltaire Fraga, entre outros.

A nova exposição temporária, ¡Cancha Brava! Futebol sudamericano en disputa, convida o público a vivenciar não apenas as conquistas e confrontos dentro de campo, mas também a paixão arrebatadora que move os sul-americanos, seus conflitos e contradições, tornando o futebol uma das manifestações culturais mais marcantes do continente. A curadoria de Luiza Romão, Matias Pinto e Gisele de Paula propõe um percurso histórico, político e poético, pelo subcontinente a partir do futebol, explorando instalações audiovisuais, paisagens sonoras, experiências interativas, fotografias e obras de arte – muitas produzidas com exclusividade para a exposição. Como o próprio título anuncia, a exposição é bilíngue, explorando os cruzamentos entre português e castelhano. !Cancha Brava! é uma síntese da história do nosso futebol, feita de muita paixão, particularidades e bolas divididas.

A exposição celebra o universo vibrante e multicolorido das letras pintadas à mão dos cartazes de mercado, das carrocerias de caminhões e das embarcações ornamentadas. Idealizada pelo artista Filipe Grimaldi em parceria com o artista e pesquisador Thiago Nevs e a produtora Carolina Herszenhut, a mostra, que reúne trabalhos de cerca de 60 artistas, propõe um mergulho na cultura visual popular do Brasil e de países como Argentina, Chile, Colômbia, México e Peru, valorizando saberes que atravessam gerações.Exaltando personagens que atuam no anonimato, a exposição é organizada em núcleos temáticos e retrata sobretudo, a diversidade de estilos da letra popular brasileira e latino-americana.

A última exposição de 2025 da Pinacoteca, “Trabalho de Carnaval”, é uma coletiva com obras de 70 artistas de diferentes gerações e origens, como Alberto Pitta, Bajado, Bárbara Wagner, Ilu Obá de Min, Heitor dos Prazeres, Juarez Paraíso, Lita Cerqueira, Maria Apparecida Urbano, Rafa Bqueer e Rosa Magalhães.A mostra no edifício Pina Contemporânea expõe 200 obras dentre adereços, projetos de decoração e documentação histórica em fotografia e vídeo, além de comissionamentos de projetos inéditos dos artistas Adonai, Ana Lira e Ray Vianna.Dividida em quatro temas – Fantasia, Trabalho, Poder e Cidade, “Trabalho de Carnaval” apresenta a maior festa popular do país como uma cadeia produtiva que envolve o trabalho das muitas mãos desde antes mesmo da festa acontecer, ao mesmo tempo em que alude à precariedade e invisibilidade desses profissionais.

Nome central da história do cinema, com filmes que marcaram gerações, Agnès Varda (1928–2019) também é autora de uma extensa produção fotográfica, tendo inclusive começado sua carreira como fotógrafa. Ao longo dos anos, consolidou-se como cineasta, mas a fotografia continuou presente em sua trajetória, seja em seus filmes, seja nas instalações artísticas que produziu no século 21.A exposição reúne cerca de 200 fotografias tiradas por Varda, principalmente entre as décadas de 1950 e 1960. O conjunto traz imagens clicadas em viagens, incluindo registros inéditos na China, em 1957, fotos em Cuba, no contexto pós-revolução, e nos EUA, onde a artista documentou os Panteras Negras. Há ainda fotos feitas em Paris, como as de uma peça encenada pelos Griôs, primeira companhia de teatro negro na cidade. Em diálogo, a mostra apresenta trechos de filmes da autora, enfatizando como o comprometimento social, o olhar afetuoso e o humor caracterizam a sua produção.

A mostra se debruça sobre a política da memória na diáspora asiática a partir do contexto das Américas e de seus entrelaçamentos transpacíficos. A exposição percorre tempos e geografias ao mesmo tempo distantes e interconectados, que se estendem da Segunda Guerra Mundial até o presente, reunindo trabalhos de 29 artistas de diferentes países do continente americano, do Caribe, e do Leste e Sudeste da Ásia. Com trabalhos em desenho, pintura, pôster, fotografia e vídeo, assim como revistas e jornais, Cartas à memória propõe uma constelação de imagens que funcionam como uma lente multifacetada para o trabalho da imaginação e da memória na diáspora.

O Museu do Ipiranga inaugura a exposição Debret em questão –olhares contemporâneos, que propõe um diálogo entre a iconografia do Brasil Império estabelecida pelo artista francês Jean-Baptiste Debret (1768–1848) e sua releitura, quasesempre crítica ou irônica, por parte de 20 artistas contemporâneos. A exposição é um desdobramento do livro Rever Debret (Editora 34, 2023), do pesquisador Jacques Leenhardt, que assina a curadoria ao lado de Gabriela Longman. Além de apresentar uma seleção de 35 trabalhos de Jean-Baptiste Debret, a mostra conta com obras de artistas contemporâneos que partem das referências visuais do artista francês.

A nova exposição do Museu das Favelas tem como fio condutor a potência do legado de Frantz Fanon, médico psiquiatra, pensador, crítico e revolucionário martinicano que marcou os séculos XX e XXI.Com mais de 130 obras de pessoas artistas de 8 países, Imaginação Radical: 100 anos de Frantz Fanon propõe um diálogo entre as ideias de Fanon e a arte contemporânea, evidenciando como sua obra permanece atual, influenciando a história da arte no Brasil e no mundo, além de gerações de ativistas, artistas e intelectuais.Dividida em quatro eixos temáticos, ela apresenta criações que dialogam com identidade, corpo, território e o sonho, convidando o público a refletir sobre a imaginação como uma prática radical de transformação da realidade.

A artista paulistana Marcia Pastore inaugura, a instalação inédita Cabodá. A obra foi selecionada pelo 1º Edital de Artes Visuais do Museu da Cidade de São Paulo, instituição vinculada à Secretaria de Cultura e Economia Criativa da Prefeitura de São Paulo, e tem origem na observação dos furos deixados pelas travessas de madeira utilizadas na construção em taipa de pilão, conhecidas como cabodás.O projeto parte da estrutura da edificação, feita em taipa de pilão, para construir uma obra que conecta interior e exterior do edifício. A partir dos vazios deixados no processo construtivo, Pastore transforma elementos arquitetônicos em escultura e propõe uma reflexão sobre equilíbrio, corpo e espaço.

FUNK: Um grito de ousadia e liberdade, a nova exposição temporária com curadoria de Taísa Machado, Dom Filó, Amanda Bonan, Marcelo Campos e Renata Prado, a exposição apresenta e articula a história do funk para além da sua sonoridade, evidenciando sua origem na matriz cultural urbana, periférica, a sua dimensão coreográfica, as comunidades, e os seus desdobramentos estéticos, políticos e econômicos no imaginário constituído em torno dele. Na versão apresentada no Museu da Língua Portuguesa, o projeto tem conteúdos exclusivos sobre o funk paulista. Entre eles, o acervo da memória da FUNK TV, produtora do bairro da Cidade Tiradentes, berço do movimento na capital. Trabalhos de artistas contemporâneos como Panmela Castro, Rafa Bqueer, Marcela Cantuária, Maxwell Alexandre, Rafa Black, Brenda Nicole, Tiago Furtado e Markus CZA, entre outros, também estarão em exibição.

Abrindo a programação de 2026, a Pinacoteca apresenta Nocaute, primeira exposição institucional do artista camaronês Pascale Marthine Tayou no Brasil, um dos mais importantes nomes da arte contemporânea. A mostra apresenta diferentes momentos da carreira do artista, além de obras concebidas especialmente para a exposição. Tayou é conhecido por abordar temas como mobilidade, identidade, trocas culturais e relações entre humanidade e natureza, com trabalhos que cruzam linguagens e materiais diversos, incluindo escultura, pintura e grandes instalações.

O Octógono fica a cargo de Cristina Salgado, que desde os anos 1980 apresenta o corpo e a psique como temas centrais do seu trabalho. Em 2026, a artista realizará a maior instalação de sua carreira, intitulada A mãe contempla o mar.

Na Pina Estação, acontece a exposição Macunaíma é Duwid, com curadoria do artista e ativista indígena Gustavo Caboco. A mostra toma a aproximação do centenário de Macunaíma, de Mário de Andrade, como uma oportunidade para rever e contextualizar o personagem a partir de uma perspectiva indígena, confrontando o imaginário modernista com as cosmologias e narrativas dospovos originários.

Alice Yura apresenta uma mostra individual no edifício Pina Contemporânea, a partir do desdobramento de sua pesquisa que entremeia fotografia, arquivo e memória.

Complementando a programação do edifício Pina Luz no primeiro semestre, Paulo Pedro Leal (1894 – 1968), pintor brasileiro autodidata, terá primeira individual nas três salas do 2º andar.

A mostra de Caio Pacela explora campos como o da espiritualidade e da transcendência em diálogo com corpo, fé e identidade, reúne pinturas em óleo sobre tela; desenhos em grafite sobre papel; cadernos do artista e textos autorais intitulados ‘notas de culto’, abarcando as diferentes nuances e fases do artista, que opta pelo olhar fenomenológico e convoca o espectador a atribuir sentido às obras, a partir de suas próprias referências.O artista convida o espectador a observar e completar suas obras, acessando espaços interiores e individuais, a priori etéreos e impalpáveis, mas que acabam por reverberar em comportamentos coletivos mediados ora pela corporeidade humana (ou não), ora por paisagens da natureza em movimento e fúria. A arte de Pacela convida o público ao exercício do sentir, mas, também, ao de decodificar, sob o entendimento particular, o mistério, o não dito e o não aparente.